Der Superschurke kann alles, macht alles und hat an genau dem was er veranstaltet Freude. Was ihm besonders liegt ist das Musizieren. Von melodiös, abgedreht, wirr bis ekstatisch, es spielt ihm keine Rolle, es ist ihm völlig egal was man darüber denken mag. Er will die Musikwelt nicht lenken, er geht davon aus, dass er sie schon längst beeinflusst. Was dem Super Schurken im Weg steht oder ihn von seinem Kalkül abhalten will, wird ausgehebelt oder gar einbezogen.
Er ist auch von Natur aus unheimlich attraktiv und sich dessen bewusst.
Er kann sich anziehen, wie er will.
Er darf aussehen, wie er will.
Er darf sich verändern, wann und wie er will.
Er nimmt sich, was er will.
Er darf Superhelden verhauen, wann er will.
Er macht so richtig Lärm wann er will.
Das einzige, was ein Superschurke nicht will und nicht kann, ist verlieren. Dann wird er wie ein weinerliches Kleinkind. Dann sitzt er laut weinend auf der Bühne und beklagt der Gemeinheit der Welt.

Dada Vocals, Guitar
Beni 06 Drums (Puts Marie)
Stude Backing Vocals, Bass (Studeyeah)

Doors 19.30 - Eintritt Kollekte

Release 7.6.2024

"Meine Liebsten, ich habe ein neues Album gemacht und ich bin überglücklich. Es heißt "Addio". Ich freue mich, euch nach so langer Zeit zeigen zu dürfen, an was ich so gearbeitet habe. Es ist wild, ich schwörs." Faber sagt sich somit erst einmal los von messbar gemachter Kunst, von Musik, die nicht mehr nur für sich selbst stehen darf, sondern unmittelbar spiegelt, wie massenkompatibel sie ist. Faber hat seine Gedanken frei gemacht, die neuen Lieder werden es ebenfalls bald sein. Kommt mit!

Release 23.8.2024

Das vierte ist das erste Album der Band mit dem Produzenten James Ford und ohne Zweifel ihr bisher ehrgeizigstes, einfallsreichstes und klanglich abenteuerlichstes Album. Es knüpft an den Erfolg des 2022 erschienenen Albums "Skinty Fia" an, das in Großbritannien und Irland Platz #1 der Albumcharts erreichte und der Band eine Reihe von Auszeichnungen einbrachte, darunter "International Group of the Year" bei den BRIT Awards 2023. Die explosive Leadsingle "Starburster" läutet die jüngste kreative (R)Evolution von Fontaines D.C. ein. Inspiriert von einer Panikattacke, die Leadsänger Grian Chatten im Londoner Bahnhof St. Pancras erlitt, wird der Song immer wieder durch scharfes und wildes Einatmen unterbrochen. Der treibende Beat und der unerbittliche Text stellen die Selbstzerstörung als Fantasie dar, bevor es einen kurzen Moment ernüchternder Klarheit gibt, wenn das Schlagzeug aussetzt und Chatten vom spuckenden, fast rappenden Gesang beinah in einen Psalm übergeht, dessen Bariton voll und verträumt ist. Begleitet wird der Song von einem filmischen Musikvideo von Regisseur Aube Perrie (Megan Thee Stallion, Harry Styles, The Hives), das die kathartische Intensität des Songs auf brillante Weise einfängt.

Release 14.6.2024

Auf ihrem neuesten Album begeben sich die Hermanos Gutiérrez auf eine klangliche Erkundung, die die konventionellen Grenzen der Instrumentalmusik sprengt. Die Sammlung ist ein reich strukturierter Wandteppich, verwoben mit den verschlungenen Fäden lateinamerikanischer Rhythmen und ephemerer Atmosphären: jeder Titel eine Vignette, eine sorgfältig ausgearbeitete Erzählung ohne Worte, in der die transzendenten Gitarren der Brüder in einer ganz eigenen Sprache sprechen. Die Art und Weise, wie Hermanos Gutiérrez das Elementare mit dem Experimentellen verschmelzen, ist von subtiler Raffinesse. Das Album hallt von den Echos ihres lateinamerikanischen musikalischen Erbes wider und ist dennoch unbestreitbar zeitgemäß in seiner Ausführung, sowohl nuanciert als auch ausladend. Sonido Cósmico ist ein Spiegel des sich entwickelnden künstlerischen Schaffens der Band, vereint durch Musik über Alters- und geografische Grenzen hinweg: ein Klangmosaik, so himmlisch wie sein Titel, ein Ausdruck einer Band, die ihre Stimme im weiten Universum der modernen Instrumentalmusik gefunden hat.

Release 17.5.2024

Drittes Album. Sie ist zwar vor ein paar Monaten erst 22 geworden, gilt aber schon seit über einem halben Jahrzehnt als die einflussreichste und einzigartigste Künstlerin unserer Zeit, als Stimme ihrer Generation. Wie schon die beiden gefeierten Vorgängeralben zusammen mit ihrem Bruder Finneas geschrieben und aufgenommen, zählt das neue Werk jetzt schon zu den absoluten Album-Highlights des Jahres. Auf die ersten Viralhits mit 14 folgte schließlich das gefeierte Debütalbum, das Anfang 2019 in 18 Ländern direkt auf Platz 1 ging - und u.a. auch in Deutschland Platinstatus erreichte. Mit einem Grammy-Rekord ins aktuelle Jahrzehnt gestartet, als sie als erste weibliche Künstlerin in allen vier Hauptkategorien abräumte, konnte die US-Sängerin für den Bond-Titelsong "No Time To Die" auch ihren ersten Oscar mit nach Hause nehmen. Beim dritten Album handle es sich nun ganz klar um das gewagteste Albumstatement ihrer Karriere, ließ Eilish schon im Vorfeld durchblicken. Vor allem sage der Albumtitel eigentlich schon alles: Es ist ein wahnsinnig emotionales Werk, das berührt, das harte und auch softe Schläge austeilt, indem die 22-Jährige inhaltlich und klanglich immer wieder neue Genre-Grenzen absteckt. Vor allem vertraut die vielfache GRAMMY- und Oscar-Gewinnerin auch dieses Mal auf ihre Instinkte - und unterstreicht genau damit erneut, weshalb sie als die spannendste Songwriterin unserer Zeit gilt.

Release 19.4.2024

Mit unserem Track des Tages „Everyday Happy Birthday“ hat der Schweizer Musiker und Sänger Dino Brandão seine erste Solo-LP angekündigt. Seine musikalische Karriere begann Brandão als Sänger und Gitarrist der Aargauer Gruppe Frank Powers, bevor er dann ab 2020 auch solo musizierte. Wobei seine erste Veröffentlichung dann eben doch nicht so ganz solo war, sondern ein Supergroup-Album mit Sophie Hunger und Faber. Mit seiner ersten Solosingle „Bouncy Castle“ versuchte er 2021 seine Multiple-Sklerose-Diagnose zu verarbeiten. Aus ihr sprach die Einsicht, die Dinge nehmen zu müssen und der Anspruch, dabei die positiven, hoffnungsvollen Vibes aufrechtzuerhalten. Als „Afro Psych“ beschrieb er dieses Debüt. Doch textlich wie musikalisch repräsentiert der Song nur einige von vielen Facetten der nach ihm benannten EP.

Zwischen R&B, Avantgarde, Rock und allgemeinem Eklektizismus widmet sich Dino Brandão etwa in „Decoration“ mit dystopischem Realismus der Geistesverfassung seiner Generation. Die neue Single handelt unter anderem von „diese[m] Wissen und diese[m] Ohnmachtsgefühl, hier in Europa zu leben in all diesem Wohlstand“, erklärt Brandão. Und zwar einem Wohlstand, den kapitalistische Ausbeutung und Kolonialismus ermöglichen. „Es gibt eine Line darin, wo ich von einem Vegetarier singe, der ein Thunfisch-Sandwich isst. Diese Inkonsequenz, die wir alle haben, das treibt mich schon manchmal um.“ Doch trotz unangenehmer Themen klingt Brandãos Musik erneut funky, avantgardistisch und latent hoffnungsvoll.

Das neue Album des Durand Jones & The Indications-Drummers aus Baltimore bietet eine gewagte Mischung aus Soul, Psychedelia, Spaghetti-Western, Disco, Gospel und Hip-Hop und repräsentiert die beeindruckende Bandbreite von Frazers klanglichen Talenten. Frazer behält die unverwechselbare Falsettstimme und das klassische Songwriting bei, für das er bekannt ist, verankert Into The Blue jedoch fest in der Gegenwart mit einer Hip-Hop-Mentalität als Kernstück und verwebt Genres und Produktionstechniken zu etwas Neuem. Into The Blue entstand, wie so viele klassische Platten, aus echtem Herzschmerz heraus. Frazer zog quer durchs Land von Brooklyn nach Los Angeles und begab sich auf eine Reise, die sich in den Themen des Albums widerspiegelt: Trauer, Einsamkeit und die Suche nach Heilung. "Into The Blue" bedeutet wirklich, ins Ungewisse zu gehen. Das war das letzte Jahr meines Lebens und ich bin immer noch im Ungewissen", erklärt Frazer. "Aber es gibt auch Songs, die die Liebe und das Glücksgefühl einer neuen Beziehung und all das feiern. Das gehört für mich zu einer Trennung dazu, die ganze Sache zu verarbeiten, sich an die Dinge zu erinnern, die richtig waren, genauso wie an die Dinge, die falsch waren." Frazer hat an allen Stücken mitgeschrieben und mehrere Live-Instrumente auf dem Album gespielt. Der Titeltrack "Into The Blue" ist eine eindringliche, entschlossene Hymne, die cineastische Streicher und knallharte Breakbeats kombiniert, während Frazer nach Westen geht. "Here I go, to a place where the broken heart knows", singt er. "It's all I can do. Back into the blue." "Payback" ist ein explosiver Dancefloor-Heizer mit schimmernden Tamburinen und treibenden Basslinien. Northern-Soul-Drums treffen auf knurrende Fuzz-Gitarren und rasen auf ein episches Ende zu. Auf dem Album finden sich Momente mit überragenden Arrangements, die an David Axelrod und Ennio Merricone erinnern, die durch die Rohheit von iPhone-Aufnahmen und One-Take-Vocals ausgeglichen werden. Für Into the Blue hat Frazer den Grammy-Preisträger Alex Goose als Koproduzenten gewonnen, der für seine Crate-Digging-Samples und die Zusammenarbeit mit Hip-Hop-Künstlern wie Freddie Gibbs, Madlib und Brockhampton bekannt ist. Frazer experimentierte auch zum ersten Mal auf einem Album mit Samples, die er aus unerwarteten Quellen wie der R&B-Gruppe Hi-Five aus den 90ern bezog. Obwohl "Into the Blue" aus Liebeskummer entstanden ist, hofft Frazer, dass es den Hörer mit einem Gefühl des Optimismus zurücklässt. "Wissen Sie, man kann auch an einem Tag, an dem man trauert, lachen", sagt er, "es gibt keine Gipfel ohne Täler", sagt er, aber mit Into The Blue erreicht Aaron Frazer neue Höhen.

Release 14.6.2024

Seit über 20 Jahren sind The Decemberists eine der originellsten, gewagtesten und spannendsten amerikanischen Rockbands. Gegründet im Jahr 2000, setzten sich The Decemberists mit ihrer unverwechselbaren Form von Folk-Rock von Anfang an von der Masse ab, als sie 2001 Debüt veröffentlichten. Seitdem hat die Band neun Alben in voller Länge veröffentlicht, die nicht an ein bestimmtes Genre gebunden und äußerst ambitioniert sind und von an Americana angelehnten Storytelling-Epen bis hin zu Elementen des 70er Jahre Prog, Hard Rock und Disco reichen. Jetzt meldet sich die beliebte Indie-Band mit ihrem ersten neuen Werk seit sechs Jahren zurück. Ihre neueste Single "Burial Ground", die bereits nach ihrem Live-Debüt im letzten Jahr ein Fan-Favorit war, nimmt den unverhohlenen Fatalismus des 2018 erschienenen Albums I'll Be Your Girl auf und verbindet ihn mit dem Jangle-Pop von The Dentists und den verträumten Harmonien der Beach Boys (mit Unterstützung von James Mercer von The Shins).

Release 14.6.2024

Obwohl es sich um eine Platte handelt, die typischerweise Humor in Tragik einbettet und Wut in Mitgefühl umwandelt, hat "The Art Of The Lie" eine neue musikalische Ambition, die die politischen und persönlichen Momente in den Songs untermalt. Der harte Kontrast von Schönheit und Grausamkeit macht das sechste Studioalbum des US-amerikanischen Songwriters und Meisters des Zwiespalts zwischen zerreißenden Balladen und progressivem Elektro-Pop zu einem besonderen Hörerlebnis. Die elf Tracks verbinden Kindheitstraumata mit den verhärteten Nachwirkungen im Erwachsenenalter ("Father" ("one of the best I've ever written"), "Mother and Son" und "Daddy") und verknüpfen beides mit der angespannten politischen Situation der Vereinigten Staaten in Jahr 2024.

Release 3.5.2024

Nach zwei von der Kritik hochgelobten Alben, zahlreichen Mini-LPs, EPs und Singles kehrt das Londoner Trio mit dem dritten Album zurück, einer düsteren und intensiven, aber dennoch melodischen Sammlung von Tracks, ihre Interpretation einer kantigen Pop-Platte. Der Opener ´Lights Out´ besteht aus zwei Teilen; der erste ist ein Barrett-eskes Gesangs- und Gitarren-Lamento über Schlafmangel, das über eine von 'Faust Tapes' beeinflusste Freeform-Noise-Sektion in einen stampfenden, hochintensiven Showdown übergeht. In Songs wie "Deceit", "We Are Here" und "Picking Things Out Of The Air" zeigt sich die Gruppe von ihrer melodischsten Seite, indem sie einige der chaotischen Noise-Elemente ihres charakteristischen Sounds auf ein Minimum reduziert und leidenschaftliche, schwebende Vocals und Keyboard-Melodien in den Vordergrund stellt. Ihr Markenzeichen, das treibende Schlagzeug und der Bass, ist besonders bei den Stücken "I Judge Myself" und "Corrupting Memories" zu hören, wird aber durch intensive, vom frühen Gothic beeinflusste Keyboardlinien ergänzt, die Einflüsse aus den späten 1970ern/frühen 1980ern mit der zeitgenössischen GIS-Intensität in Einklang bringen. Die langsam sich steigernden Tracks ´I Was Never There´ und ´The Prefix´ bauen mit spärlichen Arrangements und kreisenden, spiralförmigen Outros Spannung und Atmosphäre auf, während die Band im abschließenden ´A Damning Lesson´ zu ihrer intensiven, knüppelnden Soundwand zurückkehrt, nur um sie in eine verschwommene, hallende Drum-Machine zu schicken, die an die frühen Arbeiten von Cabaret Voltaire erinnert. Nächstes Kapitel, nächstes Level für GIS!

Release 17.5.2024

Die Portishead-Sängerin veröffentlicht ihr erstes Soloalbum seit "Out of Season" von 2003 mit 10 wunderschönen neuen Tracks, die über einen Zeitraum von 10 Jahren aufgenommen wurden. Produziert wurde das Album von James Ford & Beth Gibbons mit zusätzlicher Produktion von Lee Harris (Talk Talk). "Lives Outgrown" ist in gewisser Weise Beths bisher persönlichstes Werk, das Ergebnis einer Periode anhaltender Reflexion und Veränderung - "viele Abschiede", wie Beth sagt. Abschiede von der Familie, von Freunden, sogar von ihrem früheren Ich. Es sind Lieder aus der Mitte des Lebens, wenn der Blick nach vorn nicht mehr so viel bringt wie früher und der Blick zurück plötzlich einen schärferen Fokus hat. Die Lieder handeln von Mutterschaft, Ängsten und den Wechseljahren (die Beth mal als "massive Prüfung" und mal als "massiven Abstieg" beschreibt, der "dich in die Knie zwingt") sowie zwangsläufig auch von der Sterblichkeit. Aber nach diesem Jahrzehnt des Wandels und der Neuausrichtung hat Beth das Gefühl, eine neue Bestimmung gefunden zu haben. "Jetzt, wo ich am anderen Ende angekommen bin, denke ich einfach, dass man mutig sein muss", sagt sie.

Release 17.5.2024

Das sechste Studioalbum besteht aus 10 Songs und hat eine Gesamtspiellänge von 28 Minuten. Die Band ist immer noch: Steve Albini (Gitarre), Todd Trainier (Schlagzeug) und Bob Weston (Bass). Aufgenommen und gemischt wurde "To All Trains" bei Electrical Audio in Chicago an einigen langen Wochenenden im November 2017, im Oktober 2019, im September 2021 und im März 2022. Das Album wurde von Bob & Steve bei Chicago Mastering Service gemastert. Artwork und Aufmachung von LP und CD sind identisch (die CD ist kleiner). Bob hat alle Fotos gemacht, einige mit einer schicken Kamera und andere mit einem Telefon. Wie immer hat die Tonqualität bei Shellac höchste Priorität. Die LPs werden von Green Vinyl Records in einem Spritzgussverfahren hergestellt. Dieses neue Verfahren verwendet zu 100 % recycelbares PET (wie Limonadenflaschen) und ist umweltfreundlich, da es kein PVC oder Phthalate enthält. Außerdem verbraucht das Verfahren 79 % weniger CO2 als herkömmliche hydraulische PVC-Vinylpressen. Die Platten wiegen 180 Gramm. Wie zuletzt bei Shellac, wird es für dieses Album keine Werbung, keine Presse- oder Radiopromotion, keine E-Promotion, keine Werbe- oder Rezensionsexemplare, keine Werbegimmicks und auch sonst kein kostenloses Mittagessen geben. Die Band wird weiterhin sporadisch und entspannt Shows spielen oder auf Tour gehen, so wie immer. Es gibt bei Shellac keine Korrelation zwischen Shows und Plattenveröffentlichungen. Shellac haben keine Website. Vielleicht sollten sie sich eine zulegen.

Release 31.5.2024

Neues Album. King Hannah entwirft einen musikalischen Wandteppich, der nahtlos zwischen den ruhigen Tiefen des meditativen Pops und den weitläufigen, klangvollen Landschaften voller Dunkelheit, Witz und schrägem Humor pendelt. Merricks Gesang, ein rauchiges Vergnügen, verleiht ihren Worten tiefes Gewicht und Kraft, ergänzt durch die bluesigen Leinwände, die Whittle meisterhaft unter ihnen malt. Ihr Sound wechselt mühelos von Momenten post-rockiger Weite zu dem Gefühl, dass Springsteen auf eine düstere Seitenstraße abseits seines Highways zur Freiheit gerät.

Release 30.8.2024

Nick Cave & The Bad Seeds melden sich mit ihrem neuen Album "Wild God" nach fünf Jahren Pause zurück! Auf zehn Tracks tanzt die Band zwischen Konvention und Experiment, indem sie Linkskurven und Umwege macht, die die reiche Bildsprache und Emotion in Caves herzergreifenden Erzählungen verstärken. Es gibt Momente, die liebevoll an die Vergangenheit der Bad Seeds erinnern, aber sie sind flüchtig und dienen nur dazu, dem unerbittlichen und ruhelosen Vorwärtsdrang der Band eine weitere Facette zu geben. Nick Cave sagt über das Album: "It bursts out of the speaker, and I get swept up with it. It's a complicated record, but it's also deeply and joyously infectious." Produziert von Cave und Warren Ellis und gemischt von David Fridmann, begann Cave am Neujahrstag 2023 mit dem Schreiben des Albums. Bei Aufnahmen in der Provence und in London fügten die Bad Seeds schließlich ihre einzigartige Alchemie hinzu, mit zusätzlichen Auftritten von Colin Greenwood ( Bass) und Luis Almau (Nylonsaitengitarre, Akustikgitarre). "Wild God…there's no fucking around with this record. When it hits, it hits. It lifts you. It moves you. I love that about it."

Release 3.5.2024

Washington bezeichnet "Fearless Movement" als sein Tanzalbum. "Es ist nicht wörtlich zu nehmen", sagt Washington. "Tanz ist Bewegung und Ausdruck, und in gewisser Weise ist es das Gleiche wie Musik - man drückt seinen Geist durch seinen Körper aus. Das ist es, was dieses Album vorantreibt. Tanz als verkörperte Ausdrucksform bedeutet für Washington eine Verlagerung des Schwerpunkts. Während sich frühere Alben mit kosmischen Ideen und existenziellen Konzepten befassten, konzentriert sich Fearless Movement auf das Alltägliche, eine Erkundung des Lebens auf der Erde. Diese Veränderung ist zu einem großen Teil auf die Geburt von Washingtons erstem Kind vor einigen Jahren zurückzuführen. "Vater zu sein bedeutet, dass der Horizont deines Lebens plötzlich auftaucht", sagt Washington. "Meine Sterblichkeit wurde mir deutlicher vor Augen geführt, aber auch meine Unsterblichkeit - ich erkannte, dass meine Tochter weiterleben und Dinge erleben wird, die ich nie sehen werde. Ich musste mich damit abfinden, und das wirkte sich auf die Musik aus, die ich machte."

Release 21.6.2024

Eine große Kiste unter dem Dachgeschoss. Darin: Liebesbriefe. Dutzende Liebesbriefe, von Männern aus der ganzen Welt, über Jahrzehnte geschrieben an eine Frau, deren Leben so spannend war wie auch geheimnisvoll. Von diesem Ausgangspunkt aus hat Emilíana Torrini ihr neues Album "Miss Flower" entwickelt, ihr erstes Soloalbum seit zehn Jahren. Was klingt wie ein absurdes Märchen oder der Einstieg in einen Familienroman, ist Torrini wirklich passiert: nach dem Tod der Mutter einer ihrer engsten Freund:innen fanden sie in deren Wohnung die Kiste mit besagten Liebesbriefen, säuberlich in Ordnern sortiert. "Sie hatte neun Heiratsanträge bekommen, aber nie geheiratet", erzählt Torrini, "wir haben angefangen, einige dieser Briefe, meist, aber nicht nur, von Männern zu lesen. Sie waren ziemlich besessen von ihr, total verknallt." Lachend und heulend arbeiteten sie sich durch die Briefe, lasen staunend, dass die Mutter, Geraldine Flower, nach der das Album auch benannt ist, als Teenager einen Nebenjob hatte, bei dem sie ein Löwenjunges nachts durch die Friedhöfe Londons spazieren führte. Oder dass ihr ein Mann schrieb, dass er an sie denke, wenn er den Rasen mäht. "Das hatte so eine Sixties-Sexiness", sagt Torrini und lacht, "da habe ich meine Freundin gefragt, ob ich darüber einen Song machen darf."

Release 12.7.2024

Auf den zehn Songs des neuen Albums geht es um diese besondere Form der Romantik, aber auch darum, wer Gonzales in dieser Zeit war und wie er diese Situationen gemeistert hat. Mit "X's" veröffentlicht die Band nun ein weiteres Album, das wie die früheren Cigarettes After Sex-Platten auch stark durch den Ort geprägt ist, an dem die Songs aufgenommen wurden. Da wäre das Treppenhaus des Colleges in El Paso für die erste EP, der Proberaum in Brooklyn für das erste Album, ein Innenhof in Mallorca für "Cry" und nun das Haus am Fuße der Hollywood Hills in Los Angeles, in dem Gonzalez mit seiner damaligen Partnerin lebte. Während die ersten Demos im August 2020 von Greg mit den Bandmitgliedern Jacob Tomsky (Schlagzeug) und Randall Miller (Bass) aufgenommen wurden, entstand der Großteil der eigentlichen Aufnahmen in einem kleinen Schlafzimmer im Laufe von sechs intimen Live-Sessions zwischen 2021 und 2022. Anstatt auf den heilenden Balsam der Perspektive zu warten, drückte Gonzalez beim Schreiben auf die blauen Flecken und machte sich genau diesen Schmerz zunutze. Aus den emotionalen Trümmern des Beziehungsendes blickt Gonzalez unter anderem in "Dreams From Bunker Hill" nostalgisch auf die damalige Zeit zurück. Die Anfangstage der Beziehung fängt er in "Hideaway" und im tanzbaren "Holding You, Holding Me" ein. Ebenso im eröffnenden Titeltrack, der scheinbar nicht enden wollende Tage im Bett beschreibt. Das ergreifende Album endet mit "Ambien Slide", in dem Gonzalez sich dem Schmerz der endgültigen Trennung stellt. "I have to confront everything I went through, that's just how I make peace."

Release 2.8.2024

Neues viertes Studioalbum, geprägt durch die Schwangerschaft von Sängerin Elin Larsson während der Aufnahmen, was den Songs eine neue emotionale Tiefe gibt. In nur wenigen Wochen in der ruhigen Landschaft Schwedens geschrieben und von dem Grammy-nominierten Freddy Alexander produziert, fängt das Album die rohe Energie und magnetische Energie Blues Pills in ihrer reinsten und ehrlichsten Form ein. "Birthday" symbolisiert nicht nur die musikalische Entwicklung, sondern auch die tiefe Verbundenheit zwischen den Bandmitgliedern, die sich in ihrer unerschütterlichen Unterstützung für Elin während dieser transformativen Zeit zeigt.

Release 10.5.2024

Kommt im Klappcover. Fantastisches Debütalbum eines britischen Duos, das kürzlich erst im Vorprogramm der Sleaford Mods für Aufsehen sorgte. Mit dem heftigen Drumming von Callum Moloney, Bass- und Synthlines von Band und der großartigen, äußerst ausdrucksstarken Stimme von Joe Hicklin, der zwischen Spoken Word und soulig-angebluestem Tonus wechselt, platzieren sie sich musikalisch und im Geiste irgendwo zwischen den Sleaford Mods, Idles und Algiers. Wild, dringlich und verdammt catchy - aufgepasst!

Release 7.6.2024

Das 15. Studioalbum wurde in Los Feliz/Kalifornien und Dublin aufgenommen und enthält zwölf neue Tracks und einige von E's introspektivsten und persönlichsten Stücken der letzten Jahre sowie Kollaborationen mit dem amerikanischen Musiker und Schauspieler Tyson Ritter, Frontsänger der Rockband The All-American Rejects. Das sich ständig verändernde Projekt um Sänger/Songwriters E (Mark Oliver Everett) hat seit seinem Debüt 'Beautiful Freak' aus dem Jahr 1996 insgesamt 14 Studioalben veröffentlicht. Im Jahr 2008 veröffentlichte E sein hochgelobtes Buch 'Things the Grandchildren Should Know' und spielte die Hauptrolle in dem preisgekrönten Dokumentarfilm 'Parallel Worlds, Parallel Lives', der sich mit seinem Vater, dem Quantenphysiker Hugh Everett III beschäftigte.

Release 26.4.2024

Das siebte ist ihr erstes vollständig selbst produziertes Album (nachdem sie alle vorherigen Werke mitproduziert hatte), und deshalb St. Vincent in ihrer ursprünglichsten Form. Mit Songs wie dem kraftvollen "Broken Man", dem bissigen Catwalk Sashay durch den ohrenbetäubenden Angriff des Selbsthasses "Big Time Nothing" und dem prachtvollen Ohrwurm "Sweetest Fruit" ist "All Born Screaming" zu gleichen Teilen spirituelle Verzweiflung und schwärmerische Akzeptanz. "Wenn du schreiend geboren wirst, ist das ein großartiges Zeichen", sagt Clark, "denn es bedeutet, dass du atmest. Du bist lebendig. Mein Gott! Es ist ein Glücksgefühl. Und dann ist es auch ein Protest. Wir alle werden in gewisser Weise unter Protest geboren. Es ist erschreckend, am Leben zu sein, es ist ekstatisch, am Leben zu sein. Es ist alles."

Release 24.5.2024

Dem 4ten Album von DIIV - Andrew Bailey, Colin Caulfield, Ben Newman und Zachary Cole Smith geht ein vierjähriger Prozess voraus, der die Band fast zum Scheitern gebracht hätte, bevor das Album fertiggestellt war. Mit dem Ziel, ihren Sound voranzutreiben & eine Platte zu machen, die sie herausfordert, und die Band zum ersten Mal demokratisch behandelt, begaben sich DIIV auf eine neue Reise, sowohl individuell als auch kollektiv. Das Ergebnis sind 10 Songs, die eine neue lyrische und musikalische Tiefe ausschöpfen, wobei sich diese beiden Hälften in einem reflektierenden und eindringlichen Ganzen spiegeln. Es ist ein hypnotisches Zeugnis des Durchhaltens und der Vorstellung, dass es auf der anderen Seite etwas anderes gibt, während man hier, in dem sich langsam erhitzenden Wasser des Hier und Jetzt bleibt. *C

Release 10.5.2024

Erstes neues Album seit 14 Jahren von Tim Harrington, Seth Jabour, Syd Butler, Harrison Haynes und Andrew Reuland. Seit dem letzten Album der Band "Root For Ruin" von 2010, ist über ein Jahrzehnt vergangen. "Als wir unser letztes Album fertigstellten, hatten wir das Gefühl, dass wir etwas Ehrgeizigeres machen wollten, wenn wir noch mehr machen würden", fügt Harrington hinzu. "Ich glaube, es hat eine Weile gedauert, bis wir überhaupt in einen Bereich kamen, in dem das möglich war." Im Rückblick auf die Reise der Band erklärte der Frontmann: "Die Band war nie ein Job, also können wir nicht gefeuert werden und müssen auch nicht kündigen. Wir hatten die Zeit, herauszufinden, wie wir die Menschen, die wir geworden sind, und die Menschen, die wir als Künstler sind, authentisch zusammenbringen können. Im Zentrum des Universums der Band steht eine chaotische, ungebundene Ekstase. Es ist nicht einfach, das mit dem Wunsch nach Stabilität und dem Bedürfnis, eine gewisse Schinderei zu ertragen, in Einklang zu bringen.

Release 3.5.2024

Zweites Album der in Toronto geborenen und aufgewachsenen Sängerin, Songwriterin, Produzentin und Multi-Instrumentalistin. Ein sanft gewebter cyanfarbener Wandteppich aus ihren ewigen Einflüssen: pochendes Gospel-Piano, warme Soul-Bässe, atmosphärische Elektronik und durchdringende R&B-Melodien. Und doch besitzt es ein Gefühl der Weite, das eine neue Ära für Wilson einläutet, eine Ära, in der sie die Zusammenarbeit und die neu gefundene kreative Offenheit umarmt, die von Wehmut und Sehnsucht und einer Reflexion über jugendliche Unschuld geprägt ist. Durch die Zusammenarbeit mit Produzenten wie Leon Thomas (SZA, Ariana Grande, Post Malone) und Jack Rochon (HE.R, Daniel Caesar) demonstriert "Cyan Blue" Wilsons klangliche Expertise und zeigt gleichzeitig die nächste Evolution ihres zeitübergreifenden Songwritings. In den 13 hypnotisierenden Tracks benutzt sie die Musik weiterhin als ein Gefäß, um Beziehungen auszupacken, was ihr wiederum erlaubt, sich selbst in einem lebensumspannenden, panoramischen Fokus zu treffen und zu verstehen. Aber bei Cyan Blue hat sie sich selbst herausgefordert, ihre perfektionistischen Tendenzen zu überwinden. Obwohl dies erst ihr zweites Album ist, hat Wilsons Einfluss in der Musik einen großen Einfluss auf den Mainstream gehabt. Wilson hatte ihren Durchbruch 2016 mit ihrer von der Kritik gefeierten EP CDW, gefolgt von Stone Woman aus dem Jahr 2018 und ihrem Debüt-Studioalbum, das sie 2021 mit dem von der Kritik gefeierten, selbstveröffentlichten Alpha vorstellte. In den letzten zehn Jahren wurde sie von Drake, John Mayer und James Blake gesampelt, während Patti Smith kürzlich Wilsons Durchbruchssingle "Work" von 2016 lobte und coverte. Darüber hinaus hat sie mit Künstlern wie Kaytranada, BADBADNOTGOOD und SG Lewis zusammengearbeitet, was beweist, dass es keinen Sound gibt, an den sich Wilson nicht anpassen und ihren cyanfarbenen Zauber versprühen kann. *Stone Woman/XL

Release 10.5.2024

Die Aufnahmen zum neuen Album der Band aus Tennessee fanden im Dark Horse Studio, Nashville statt, gemeinsam mit Produzent Kid Harpoon (Harry Styles, Florence + the Machine). Das Album zeigt eine der größten Rock'n'Roll-Bands unserer Zeit dabei, Loszulassen, Neues auszuprobieren und ja, auch Spaß zu haben. Wir hören eine neue Seite der Kings Of Leon, während sie zugleich Elemente ihrer grobkernigen Anfänge aufgreifen. Es ist der Sound einer in ihrer Vision geeinten Band, frei von Erwartungen, auf einem Album, das sie schon immer einmal machen wollten.

Release 3.5.2024

Das neue Album von Mdou Moctar. Aufgenommen am Ende einer zweijährigen Welttournee nach der Veröffentlichung von Afrique Victime (2019), zeigt es das nigerianische Quartett in wilder Form. Die Musik ist lauter, schneller und wilder. Die Gitarrensoli sind feedback-verbrannt und die Texte leidenschaftlich politisch. Nichts ist zurückhaltend oder abgeschwächt. Die Songs auf Funeral For Justice sprechen unbeirrt die Notlage des Niger und des Tuareg-Volkes an. "Dieses Album ist wirklich anders für mich", erklärt Moctar, der Sänger, Namensgeber und unbestreitbar ikonische Gitarrist der Band. "Jetzt sind die Probleme der terroristischen Gewalt in Afrika ernster. Als die USA und Europa hierher kamen, sagten sie, sie würden uns helfen, aber was wir sehen, ist wirklich anders. Sie helfen uns nicht, eine Lösung zu finden.

Release 17.5.2024

Das neue Werk der in Glasgow geborenen Singer-Songwriterin ist ein neugieriges, komplexes und voll ausgereiftes Album einer Künstlerin, die weit gereist ist. Campbell wurde erstmals als jugendliches Gründungsmitglied von Belle & Sebastian wahrgenommen, bevor sie zwei Dream-Folk-Soloalben unter dem Namen The Gentle Waves veröffentlichte und B&S 2002 verließ. Es folgten zwei Platten unter ihrem eigenen Namen, die zu einer Zusammenarbeit mit dem verstorbenen Rocker Mark Lanegan für drei Alben mit Americana-Duetten führten, bei denen Lanegan zur Seite stand, während Campbell die kreativen Fäden zog. Aud der 2xCd finden sich sowohl englische als auch französischsprachige Songversionen.

Release 10.5.2024

Das fünfte Studioalbum der Melbourner Musiklegende enthält eine introspektive Mischung aus Originalen und Cover-Versionen voll wehmütiger akustischer Rock-Perlen. Auf dem Vinyl befindet sich Harveys übersetzte Neubearbeitung von Marlene Dietrichs Ode an Berlin aus den 1950er Jahren ('Ich Hab' Noch Einen Koffer in Berlin'), die 2023 als eigenständige Single veröffentlicht wurde und das kommende Album andeutet. In typischer Mick Harvey-Manier huldigt das Album australischen Musikerkollegen mit Coverversionen von Songs von Ed Kuepper - 'Demolition'; Fatal Shore - 'We Had an Island'; David McComb - 'Setting You Free'; Lo Carmen - 'Nashville High'; und The Saints - 'Ghost Ships'. Diese Titel stehen neben einer Coverversion von Lee Hazelwoods 'Dirtnap Stories' und Harveys Interpretation von Neil Youngs 'Like a Hurricane'.

Release 26.4.2024

Das erste neue Studioalbum seit über sieben Jahren wurde von Sam Beam, dem Hauptsänger und Songwriter der Band, produziert und von Dave Way in den Waystation und Silent Zoo Studios in Los Angeles aufgenommen und abgemischt. Beams Texte schöpfen erneut aus einer Reihe von fiktionalen und persönlichen Einblicken, gefüllt mit verzweifelten Charakteren und weitsichtigen Optimisten, die Versprechen und eine Dosis Herzschmerz, Tränen und Lachen, Leben und Liebe bieten. Es ist das spielerischste Album von Iron And Wine, dessen Titel widerspiegelt, wie die Lieder nach der Schwere und Angst der Pandemie mit Freude geboren wurden. Wo "Beast Epic" und "Weed Garden" der Beunruhigung über die Gebrechlichkeit und Zerbrochenheit des mittleren Alters Luft machten, tauschen die Songs von "Light Verse" dies gegen den Fokus, den Akzeptanz bringen kann. Moment für Moment erfreuen sie sich daran, pointiert oder albern (oder beides) zu sein und versuchen, Schönheit über Hübschheit zu stellen. Musikalisch wurde "Light Verse" von einer Reihe profunder Musiker geprägt, die Beams Vision ihren eigenen Stempel der Authentizität aufdrückten. Mit dabei waren Tyler Chester (Keyboards), Sebastian Steinberg (Bass), David Garza (Gitarre), Griffin Goldsmith, Beth Goodfellow, Kyle Crane (alle Schlagzeug/Percussion) und Paul Cartwright (Streicher). Ein 24-köpfiges Orchester ist auf vier Stücken zu hören, und Fiona Apple leiht ihre Stimme für das Duett "All In Good Time". Ein Album, das als Ganzes betrachtet werden sollte. Track für Track ist es zu gleichen Teilen Elegie, Kaleidoskop, Wahrheit und Wagnis

Release 19.4.2024

Zwölftes Studioalbum und die erste Veröffentlichung der Band seit "Gigaton" (2020). Das Album ist der Höhepunkt eines frischen und rasanten Ansatzes der Band und des Produzenten Andrew Watt (Rolling Stones, Iggy Pop, Post Malone, Miley Cyrus, etc)Bei Gigaton hat die Band in mehreren Aufnahmesitzungen Songkonzepte erarbeitet. Insgesamt dauerte die Fertigstellung des Albums etwa drei Jahre. Für Dark Matter kamen alle Bandmitglieder in die Shangri-La-Studios, ohne vorgefertigte Songideen und ohne eigene Instrumente. Die Kreativität fand in Echtzeit statt und war eine echte Gemeinschaftsleistung. Die LP wurde in drei Wochen fertiggestellt.

Release 17.5.2024

Mit ausreichend Material für zwei komplette Alben, alles von King geschrieben, wäre sein langerwartetes Soloprojekt vermutlich bereits 2020 an den Start gegangen, wäre da nicht Covid dazwischengekommen. Für sein Erstwerk namens "From Hell I Rise", das am 17. Mai 2024 via Reigning Phoenix Music erscheinen wird, konnte Leadgitarrist King keine Geringeren als Schlagzeuger Paul Bostaph (SLAYER), Bassist Kyle Sanders (HELLYEAH), Phil Demmel (ex-MACHINE HEAD), der ebenfalls an der Leadgitarre zu hören ist, sowie Sänger Mark Osegueda (DEATH ANGEL) gewinnen. Produziert von Josh Wilbur (KORN, LAMB OF GOD, AVENGED SEVENFOLD, BAD RELIGION), wurde die Scheibe größtenteils innerhalb von rund zwei Wochen in den Henson Studios (Los Angeles, CA) eingespielt, sodass KINGs Soloalbum vergangenen Juni komplett im Kasten war.

Laut King umfasst seine neue Musik "verschiedene Religions- und Kriegsthematiken, schwere Riffs, punkiges Material sowie doomige und gespenstische Elemente, gepaart mir Riesengeschwindigkeit." Er betont: "Solltet ihr auch nur mit irgendeiner SLAYER-Karrierephase etwas anfangen können, dann findet ihr auch auf dieser Platte etwas, das euch gefällt: Sei es klassischer Punk, Speedpunk, Thrash oder einfach nur schlichter Heavy Metal!"

Der erste Track von King's kommendem Soloprojekt wurde in Form von "Idle Hands" bereits veröffentlicht. Rasant und aggressiv, drückt er die Hörerschaft an die Wand und lässt sie atemlos zurück...mit Lust auf mehr.

Release 10.5.2024

Akkustikalbum mit 12 frischen Tracks des Geschwister-Duo aus Australien mit einer vielseitigen Mischung aus sanften Melodien und packenden Texten. Das Album ist perfekt für alle, die die intime Atmosphäre und eindringliche Klanglandschaft lieben und schätzen. Über das Album sagen die beiden: "Cape Forestier, unser neuestes Album, nimmt einen ganz besonderen Platz in unseren Herzen ein. Es ist ein Kapitel, in dem sich ständig entfaltenden Buch über unseren gemeinsamen Weg. Es erinnert stilistisch an unsere früheren Alben; es gibt eine echte akustische Rohheit im Sound. Aber das Songwriting und die Performances sind natürlich an die Menschen gebunden, die wir heute sind, mit all den Zweigen der Erfahrung, die darin hängen. Wir könnten nicht aufgeregter sein, diese Musik mit euch zu teilen. Es war eine unglaubliche Erfahrung, diese Songs gemeinsam zu schreiben und aufzunehmen."

Release 3.5.2024

Nach dem emotionsgeladenen "Everything Harmony" von 2023 - das der Musikexpress als das "beste Album der Lemon Twigs" bezeichnete und Classic Rock den "wunderbaren Sunshine-Pop" lobte - erforschen die Brüder Michael und Brian D'Addario (24 und 26 Jahre alt) beschwingte, flirrende Arrangements, die in einem imaginären Raum leben, den sie Mersey Beach nennen: die klangliche Brücke zwischen Liverpool und Laurel Canyon. Das Album lässt die auf Nylonsaiten basierenden Arrangements von "Everything Harmony" hinter sich und kehrt zu dem Stil zurück, den die Brüder erstmals auf "Do Hollywood" vorstellten. "A Dream Is All We Know" verbindet die Theatralik und den Glam-Rock des Lennon-McCartney-Songbuchs mit zeitgenössischen Erzählungen, explosiven E-Gitarren-Riffs sowie den sonnigen Harmonien und ausgeklügelten Aufnahmetechniken der Wilson-Familie und bringt die Liebe zum Detail und die Fähigkeiten der Brüder als Multiinstrumentalisten zum Vorschein. Das Album zeigt deutlich die Entwicklung der D'Addario-Brüder von rehäugigen Teenagern, die Musik machen wollten, die an ihre Helden erinnert, zu jungen Männern, die die Bühne mit Phonix, Arctic Monkey oder ihrem musikalischen Helden Todd Rundgren teilten.

Release 10.5.2024

Nach ihrem von der Kritik gefeierten UK-Top-20-Album "As Days Get Dark" kehren Arab Strap mit ihrem zweiten Album für Mogwais Rock Action Records zurück, das den treffenden Titel 'I'm totally fine with it don't give a fuck anymore' trägt. Fast 28 Jahre nach ihrem Debüt klangen Arab Strap noch nie so essentiell, so unentbehrlich wie jetzt, und dieses neue Album ist ein glühender Beweis für ihren Laserfokus auf breitere Horizonte. Das Album, das ausschließlich von Malcolm Middleton und Aidan Moffat geschrieben und eingespielt wurde und an dem auch Paul Savage, ein langjähriges Mitglied der Band, mitgewirkt hat, unterstreicht die Wandlung der Band von melancholischen Slow-Core-Romantikern zu wütenden Alt-Pop-Chronisten.

Release 19.4.2024

Marsimoto, Marterias Alter Ego, verlässt nach 17 Jahren unseren blauen Planeten. Bevor sich das grüne Wesen für immer verabschiedet, schickt es uns einen letzten Gruß - ein letztes Album, eine Vorausschau auf die Postapokalypse, die uns Menschen einen Blick in unsere Zukunft erlaubt, wie sie auf dem Marsimoto Album geschrieben steht. Marsimoto, der außerirdische Beobachter, der die Menschheit schon immer aus einer einzigartigen Perspektive betrachtet, hält uns vor Augen, wie sich der Mensch, das intelligenteste Lebewesen auf diesem Planeten, selbst abschafft. Aus Künstlicher Intelligenz wird Keine Intelligenz. Für Marsi ist es Zeit zu gehen. Auf Marsimotos letztem Longplayer mitgewirkt haben neben Nobodys Face und The Krauts auch Siriusmo, Dead Rabbit, Kid Simius, Roland ROY Knauf, Team Gerda, BENDMA, Sterio, Torky Tork, DJ Koze, REAF, 7apes und The Additives.

Release 3.5.2024

Das neue Album rückt die von Eno Williams und Max Grunhard geleitete Band in ein neues Licht. Die Hoffnung, die Freude und die Sexyness ihrer Musik sind geblieben, aber die Verbindung, die sie mit ihrem hochgelobten Album Electricity (2022) herstellen wollen, hat sich von der sonnigen Beschwingtheit eines Festivals zu einem schweißgetränkten, nächtlichen Tanzclub verschoben. Mit weniger Zeit im Studio und einer neuen Art, über die Entstehung von Songs nachzudenken, gelang es dem Duo, Entscheidungen über den Sound schneller und instinktiv zu treffen als zuvor. "Pull the Rope" ist eine flinke, geschmeidige Maschine, die von der ersten Note des eröffnenden Titeltracks an mitreißt. Enos jenseitige Stimme und PK Ambroses pochender Bass treiben durch ein Kaleidoskop aus House, Post-Punk, Funk, Afrobeat und Disco, Knallern und Balladen und liefern ein Plädoyer für eine Einheit, die auf der Tanzfläche beginnt. "Mama Say" und "Let My Yes Be Yes" berühren das Thema der weiblichen Selbstermächtigung. Sie zeigen die Tiefe der Band, die immer mehr in den elektronischen Bereich vordringt; "Mama Say" trifft Noten des Elektropop, während "Let My Yes Be Yes" Elektro mit Afrobeat verschmilzt. Ibibio Sound Machine haben ihre Musik schon immer mit politischem Bewusstsein durchdrungen, und das Licht, das in Williams' Gesang und Stimme durchscheint, war noch nie so notwendig. Der Sound von Pull the Rope ist also Hoffnung in der Dunkelheit, Glückseligkeit trotz Tristesse. Wieder einmal sind Ibibio Sound Machine hier, um den Soundtrack für die beste Nacht deines Lebens und die bessere Welt zu liefern.

Release 26.4.2024

Fat White Family sind zurück. Das lang erwartete vierte Album der Kultband aus dem Süden Londons um die Brüder Lias und Nathan Saoudi ist ein eklektisches, chaotisches und doch immer kohärentes Album, das keine Gefangenen macht. Das Album hat sie, wie alles, was sie bisher gemacht haben, noch mehr an die Grenzen ihres kreativen Talents, hrer Gesundheit, ihres Verstandes und ihrer eigenen Existenz gebracht. Die äußeren Feinde haben sich aufgelöst - vielleicht waren sie die ganze Zeit nur Halluzinationen. Nach der Veröffentlichung von "Serfs Up!" zementierten Fat White Family ihren Ruf als archetypische britische Post-Punk-Band des 21. Jahrhunderts - und brachten eine ganze Generation von Außenseiter-Punkrock-Gruppen hervor, von Shame und Black Country über New Road bis hin zu Black Midi und Fontaines DC, ganz zu schweigen von ihrer berüchtigten Live-Show, die es irgendwie schafft, Empörung und Chaos mit Gelassenheit und Schönheit zu verbinden.

Release 10.5.2024

Nach dem kaleidoskopischen Abenteuer des fünften Villagers-Albums Fever Dreams kehrt der preisgekrönte Dubliner Singer-Songwriter, Instrumentalist und Dramatiker Conor O'Brien mit der intimen Bestandsaufnahme That Golden Time zurück. Das exquisite neue Album entfaltet O'Briens typisches melodisches Gespür, seine Gabe für gleichzeitig lebendige und subtile Arrangements und Texte, die seine Hoffnungen, Ängste und Träume in fesselnde Poesie kleiden. “That Golden Time” ist nach dem fünften Albumtrack benannt, das gleichzeitig die Leadsingle des Albums ist. "Ich wollte, dass sich die Wärme des Albums in seinem Titel widerspiegelt", erklärt O'Brien. "Der Song berührt auch ein Thema, das immer wieder auftaucht: Romantik versus Realismus. Wie kann man ehrgeizige Vorstellungen von sich selbst und der Welt um sich herum haben, während man gleichzeitig mit der harten, kalten Realität konfrontiert wird? Diese Reibung hat mich interessiert

Release 12.4.2024

Im Vorfeld zurecht schon hoch-gejazzte Band aus Leeds um Sängerin Lily Fontaine mit ihrem umwerfenden Debutalbum, das sich so ein bisschen wie ein missing link zwischen Black Country New Road und Dry Cleaning anhört. Kunstvoll und komplex inszenierter Indierock mit Post-Punk- und Art-Folk-Anleihen, der massives Überraschungspotential bei den Songstrukturen aufweist und sowohl mit druckvollen Songs sowie narrativen Passagen beeindruckt und immer einen leichten Schuss Melancholie und gerne auch ein bisschen Atonalität aufweist bei den auch teils mit gezupften Gitarren und/oder Klavier ornamentierten Songs

Release 12.4.2024

Das erste Album seit 4 JAhren wurde von Seth Manchester (Mdou Moctar, Lingua Ignota, Battles, The Body) produziert und enthält Gastauftritte von Amber Webber von Black Mountain und dem Komponisten und Streicherarrangeur Owen Pallett. Metz, eine Band, die einst dafür bekannt war, mit Songs voller freudiger Wut das Trommelfell zu zerschmettern, hat in den letzten Jahren damit begonnen, Wege zu erforschen, wie man Schroffheit in Atmosphäre umwandeln kann. Auf ihrem neuesten Werk "Up On Gravity Hill" reizt die Band weiterhin die rohe Kraft der Rockmusik bis zu ihren feinsten und kompliziertesten Enden aus. Sie liefern eine tiefe, detaillierte und unnachgiebig persönliche Sammlung von Songs, die nicht nur zu ihrem bisher stärkstem, sondern auch schönstem Album verschmolzen sind. Um diese Entwicklung zu unterstreichen, hat die Band zwei neue, gegensätzliche Singles veröffentlicht: das stampfende, motorische "99" und das aufregende und zutiefst melodische "Entwined (Street Light Buzz)", das einen verträumten, Swervedriver-esken Gitarrenglanz bietet, wie ihn das kanadische Trio noch nie zuvor verwendet hat.

Release 12.4.2024

Mark Knopfler, ist einer der erfolgreichsten Musiker, die Grossbritanien je hervorgebracht hat, und wird oft, seit seinem grossen Durchbruch mit den DIRE STRAITS, als einer der grössten Gitarristen aller Zeiten bezeichnet. Mark Knopfler veröffentlicht nun sein zehntes Solo-Studioalbum auf seinem eigenen britischen Grove-Label / Universal Music. Das Album trägt den Titel “One Deep River“ und enthält 12 neue, unverkennbare Knopfler-Songs. Seine warme, sonore Stimme, seine poetischen Texte und sein unverkennbares Gitarrenspiel sind so präsent wie nie.
Die neuen Songs schöpfen aus einem Leben voller genreübergreifender Zutaten und Einflüsse aus Blues, Folk, Rock und darüber hinaus.

Release 12.4.2024

Die in New York City als Tochter haitianischer Emigranten und Aktivisten geborene Leyla McCalla beherrscht Cello, Tenorbanjo und Gitarre meisterhaft und hat als mehrsprachige Sängerin und Songwriterin einen unverwechselbaren Sound entwickelt, der ihre Wurzeln und Erfahrungen widerspiegelt. In "Scaled to Survive" geht es um das Geborenwerden und die Verbindung, die wir zu unseren Eltern haben, insbesondere zu unseren Müttern. Leyla wurde von Alexis Pauline Gumbs' kraftvollem Buch "Undrowned" inspiriert, in dem Gumbs die transformativen Lektionen der Meeressäuger als Rezepte für das Überleben ansieht - und zwar solche, die artenübergreifend sind. "Thank you for laughing me into your portal", zitiert McCalla Gumbs, während sie für Eltern und diejenigen singt, die uns über das Blut hinaus erziehen. Neben Gumbs schöpft McCalla lyrische Inspiration aus den Schriften der schwarzen feministischen afrofuturistischen Denkerinnen Octavia Butler und Adrienne Maree Brown. Wie diese Autorinnen sucht McCalla im Songwriting nach Wegen, um Glaube und Hoffnung zu stärken, das Gemeinschaftsdenken zu fördern und die persönliche Transformation zu katalysieren. "Songwriting ist eine Methode, um die Geschichten zu erzählen, die erzählt werden müssen", erklärt sie. "Manchmal sind es schmerzhafte Geschichten, die erzählt werden müssen. Der Titel des Albums ist auch eine literarische Anspielung auf Frederick Douglass' Rede aus dem Jahr 1857, die er sechs Jahre vor der Emanzipationsproklamation vor einer überwiegend weißen Gruppe von Abolitionisten hielt. Seine Worte klingen in dem Lied nach: "Ihr wollt die Ernte ohne den Pflug / Ihr wollt den Regen ohne den Donner / Ihr wollt den Ozean ohne das Tosen seiner Wasser." Douglass' Aussage - die McCalla in die zentrale Botschaft des Songs einfließen lässt - lautet, dass Befreiung und Gleichberechtigung nicht möglich sind, wenn man sich nicht zu transformativen Maßnahmen verpflichtet.

Release 12.4.2024

Die Band aus San Francisco bleibt auf ihrem einmal eingeschlagenem Pfad. RPPs Gehirn Glenn Donaldson hält es düster - wie könnte es anders sein - mit Titeln wie "What's Going On With Ordinary People", "We Only Hear The Bad Things People Say" und "Dead Stars In Your Eyes". Die DIY-Pop-Titanen The Reds, Pinks & Purples kristallisieren auf "Unwishing Well" den tragischen, sich selbst feiernden Reichtum der glücklichen Versager, der falschen Helden und der Menschheit mit all ihren romantisierten Sich-Wundern - und nehmen die Fäden der Hoffnung mit ungebremster Hingabe ins Visier. Das Album, das sich über 10 wunderschöne Stücke erstreckt, ist ein weiterer Beweis für Glenn Donaldsons makellose Beherrschung des intimen, aber dennoch ausladenden, niedergeschlagenen Pops. In den letzten fünf Jahren haben The Reds, Pinks & Purples sechs Alben, mehrere EPs und zahllose Singles veröffentlicht, die sich alle dem Ziel verschrieben haben, dem Independent-Guitar Pop neues Leben einzuhauchen, der die düsteren Teenager, College-Radio-DJs und Plattenladenangestellten der 80er und 90er Jahre animierte. Vorbilder wie The Go-Betweens, The Smiths, Magnetic Fields, Felt und andere sind offensichtliche Inspirationen, aber Donaldsons unermüdliches Talent für Stimmung und Melodie hat praktisch ein eigenes Genre geschaffen, und "Unwishing Well" ist dessen bisher reinste Verkörperung. Die erste Single des Albums ist ein großartiges Beispiel für die Weltanschauung von RPP, ein Blick auf die Zugeständnisse des Popstars durch die Augen eines Ausgestoßenen mit dem Titel "Your Worst Song Is Your Greatest Hit". Über verträumten, grauen Gitarren- und Synthie-Waschungen beklagt Donaldson: "Deine erste Idee wurde verwässert" und fügt hinzu: "Nur die schlimmsten Teile konnten gefunden werden." Für Freunde von The Field Mice, Blue Boy, The Clientele, Cindy...

Release 5.4.2024

Die Indie-Rock-Band Vampire Weekend hat mit einem knapp 30-sekündigen Trailer ein neues Album namens „Only God Was Above Us“ angekündigt. Der Longplayer ist der Nachfolger des 2019er Albums „Father Of The Bride“. Die Aufnahmen dazu sind über einen längeren Zeitraum in verschiedenen Städten von New York über London bis Tokio entstanden.

New York City hat dabei einen besonderen Platz im Herzen von Ezra Koenig, Chris Tomson und Chris Baio, wie der Trailer und das Album-Cover verraten. Die Veröffentlichung des Albums will die Band außerdem mit einem Konzert im Moody Amphitheatre im texanischen Austin feiern. An dem Tag findet ein besonderes Naturspektakel statt: eine totale Sonnenfinsternis. Bis dahin wird es noch mehr zu hören geben: Am 16. Februar erscheinen die neuen Singles „Capricorn“ und „Gen-X Cops“.

Release 5.4.2024

Einstürzende Neubauten präsentieren ihr neues Album. Sie suchen nach neuen Formen. Nach dem unentdeckten Ton und dem noch unausgesprochenen Wort. Seit ihrer Gründung am 1. April 1980 verschieben die Einstürzenden Neubauten die Parameter von Mainstream und Subkultur, um das Unhörbare hörbar zu machen. Und vielleicht auch das Unerhörte. Ein sich über vier Dekaden erstreckender Feldforschungsversuch, der nun ins nächste Stadium tritt. In ihrem 44. Bestehensjahr geht die Formation weit zurück zu ihren Wurzeln, um sich gleichzeitig neu zu definieren. Ein verändertes Selbstverständnis, für das das Berliner Quintett plus eins 2024 sein eigenes Genre kreiert hat: apm - alien pop music. Ständige Weiterentwicklung - so könnte man das Schaffen der Einstürzenden Neubauten kurz und knapp zusammenfassen. Eine musikalische Evolution, die beim 1981 veröffentlichten Albumdebüt "Kollaps" beginnt und sich nun auf dem im April 24 erscheinenden Album "Rampen - apm: alien pop music" manifestiert, auf diesem präsentieren sich Blixa Bargeld, N.U. Unruh, Alexander Hacke, Jochen Arbeit, Rudolph Moser und Felix Gebhard nun von ihrer unberechenbarsten und eigenwilligsten Seite. Auf ihrem neuen Album setzen die Neubauten nun allen Sound-Spekulationen ein - wenn auch spätes - Ende. Schon seit Mitte der 1980er-Jahre experimentieren die Einstürzenden Neubauten auf der Bühne mit sogenannten Rampen: Öffentliche Improvisationen mit offener Entwicklung und Ausgang; Abschussrampen ins noch Unerforschte, die die Band im Jahr 2022 auf ihrer letzten "Alles in Allem"-Tournee im Zugabenteil performte und deren Mitschnitte als Basis für das neue Album dienen. "Rampen - apm: alien pop music" ist Popmusik für Paralleluniversen und Zwischenwelten. Für Hyperräume und Interzonen. Mikrokosmisch und intergalaktisch zugleich. Eine demimondäne Behauptung außerhalb aller physikalischen Gesetze, mit der die Einstürzenden Neubauten ein stilistisches Niemandsland zwischen Vergangenheit und Zukunft betreten. Rückkehr zu den Wurzeln einerseits, andererseits entsteht aus lärmgewaltigen Kracheruptionen, auf kryptische, oftmals fragmentarische Lyrics treffend, eine neue Kunstform: Populäre Musik für Aliens und Außenseiter. Aus Anti-Pop ist Alien Pop geworden. Fremdartig. Kokonhaft versponnen. Ungehört. Sonus inauditus. Nicht ganz unabsichtlich erinnert das reduzierte Coverartwork an das ikonische Layout des "Weißen Albums" von den Beatles. "Ausgehend von der Idee, dass die Einstürzenden Neubauten in einem anderen Sonnensystem ebenso berühmt sind wie die Beatles in unserer Welt", so Blixa Bargeld über die Gratwanderung zwischen Avantgarde und Augenzwinkern, Provokation und popkultureller Diskontinuität. Womit auch direkt das zentrale Thema vorgegeben wäre, das sich wie ein roter Faden durch alle Songs zieht: Veränderung, utopische Gedankenspiele und Vergänglichkeit. "Ich habe auf der Platte ein paar Lösungen gefunden und Dinge formuliert, wie ich sie vorher noch nicht formuliert habe, weil sie mir noch nicht so klar waren. Ich bin jemand, der denkt, durch Musik Erkenntnisse zu gewinnen. Das war schon immer so. Die Überzeugung, in der Musik etwas zu finden, was ich vorher nicht wusste. Und etwas zu singen, was ich vorher nicht wusste. Etwas, was sich dann als Wahrheit herausstellt. Oder zumindest als sinnvoll, wenn man es ein wenig kleiner halten will." Dieses Album repräsentiert die nächste Stufe der Evolution, auf der man die bekannte Sprache schließlich hinter sich gelassen hat. Und die Eröffnung weiterer, unendlicher Möglichkeiten: alien pop music.

Release 5.4.2024

Das 9te Album des 2001 unter Phosphorescent aktiven, in Nashville lebenden Matthew setzt sich in neun eigenen Songs mit stillen Hindernissen und unausgesprochenen Wahrheiten auseinander, die im Umgang mit Heimat, Partnerschaft und Familie entstehen. Auf "Revelator" grübelt Phosphorescent über Fragen nach, die schwer zu beantworten sind: warum ein scheinbar idyllisches Leben von einem Gefühl des Grauens bestimmt sein kann, oder wie wir uns auf natürliche Weise voneinander und von uns selbst entfernen. Aber getreu seinem Titel ist dies ein Werk, das darauf abzielt, die hart erkämpfte Rückgewinnung, Neuerfindung und Offenbarung im täglichen Leben zu finden.

Release 5.4.2024

Nachdem Jürg Halter in den letzten Jahren vor allem als Schriftsteller von sich reden machte, ist er nun mit Achtung Niemand, einem aussergewöhnlichen Spoken-Word-Musikprojekt. zurück. Das Album «Wir sind gute Menschen» hat er gemeinsam mit dem 2022 verstorbenen, legendären Schlagzeuger Fredy Studer, dem Klangzauberer Roberto Domeniconi und dem ehemaligen Lunik-Mastermind Luk Zimmermann zwischen 2022 und 2023 in Bern aufgenommen. Es ist ein poetisch eindringliches, provokantes, melancholisches und musikalisch vielfältiges Album geworden

Release 5.4.2024

Khruangbin melden sich mit dem vierten Studioalbum und ihrer ersten LP seit vier Jahren zurück!. Die erste Single "A Love International" unterstreicht mit ihrem wehmütigen Gesang und einem treibenden Gitarren- und Bass-Duett den nachdenklichen und feierlichen Charakter von "A LA SALA". Nach einem Jahrzehnt, das damit verbracht wurde, einen schwer fassbaren und doch außergewöhnlichen musikalischen Weg zu kultivieren, ist "A Love International" für Khruangbin sowohl ein nostalgischer als auch ein zielstrebiger Schritt nach vorne - ein Ausblick für eine Band, die subtile Fragen über die surreale Natur der Darstellung von Kunst und der eigenen Realität stellt. Die kollektive musikalische DNA des Trios und die Jahre, die sie in Houstons kulturellem ‚Local-meets-Global'-Schmelztiegel verbracht haben, sorgen dafür, dass die Band wie niemand anderes als sie selbst klingt. Eine Kaskade knackiger Melodien entspringt Markos Hall-lastiger elektrischen Gitarre und tanzt sanft um Laura Lees minimalistische Fast-Dub-Bass-Dreiecke, während DJs Schlagzeug als Fundament dient, auf der sich all diese Bewegungen abspielen. Dennoch ist die instrumentale Interaktivität von A LA SALA von einer Frische, die weniger darauf abzielt, in die Ferne zu schweifen, als vielmehr in die Tiefe zu gehen. Hier sind Khruangbins klangliche Berührungspunkte - ob Spaghetti-Western-Filmmusik (auf "Fifteen Fifty-Three"), westafrikanische Disco (auf "Pon Pón"), G-Funk-Fantasien ("Todavía Viva"), Wohnzimmer-Tanzmomente (die erste Single, "A Love International") oder sogar Ambient-Found-Sounds (auf "Farolim de Felgueiras" und im gesamten Album auftauchend) - tief verwurzelte Merkmale, einzigartig und groß (und wachsend), ehrgeizig und engagiert. Khruangbins Bestreben und Engagement für spielerische Kreativität erstreckt sich sogar auf die Vinyl-Verpackungen von A LA SALA, von denen es weltweit sieben verschiedene Cover und Farbsätze geben wird. Die von der Band unter Verwendung von Markos zahlreichen Reisefotos entworfenen Bilder sind Fenster aus dem Wohnzimmer der Band zu einer Reihe von Tagträumen, Szenen eines unmöglichen Himmels, Blicke von außen, die erhellen, was im Inneren vor sich geht. Zu jedem Coverbild gibt es eine farblich passende Vinylvariante. Auch hier geht es um den Blick nach außen und den Blick zurück, um besser nach vorne schauen zu können.

Für ihr drittes Born Bad-Album haben Cyril Cyril zwei Jungs vom Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp, Inès Mouzoune, Multiinstrumentalistin von Amami, und das Cello von Violeta Garcia eingeladen. Genosidra, alias Carlos Quebrada, der in Bogotá Club-Delikatessen herstellt, mischte schwere, volle Soße, eine Herausforderung angesichts der Menge des Materials, das als Familienangelegenheit im Insub Studio aufgenommen wurde. Auf den Ruinen der Schweiz wird hart, aber bewusst getanzt, und man wird sich nicht darüber beschweren, dass sie sich über das Heimatland lustig machen - vor allem in "Swetzerland Bunker Love", wo sie fordern, dass es Zeit ist, "das Geld von den Banken zu befreien". Es ist etwas faul im Staate, wo immer er auch sein mag, und sie ziehen es vor, seinen Untergang zu vertonen. Und sie schrecken auch nicht davor zurück: Auf diesem Album finden sich schwere, von Gitarre und Schlagzeug geprägte, textgetriebene Balladen, polyrhythmisches, lärmendes Schlagzeuggeplätscher mit raffinierten Gesangseinlagen, dekonstruierte und harmonisch anspruchsvolle Kompositionen und Latino-Froschgequake, denn ja, warum nicht. Seit ihren früheren Werken "Certaine Ruines" und "Yallah Mickey Mouse" hat sich gezeigt, dass die Zukunft für die beiden Cyrils, die jeweils ein Label betreiben, gar nicht so schlecht aussieht. Bongo Joe für Yeterian, Insub für Bondi - der in seiner raren Freizeit auch für La Tène trommelt. Ganz zu schweigen von ihrer Supergruppe Yalla Miku (mit Hyperculte, Anouar Baouna, Ali Boushaki und Samuel Ades). In aller Stille sitzen sie auf Plattenkisten und bauen geduldig ihren Sound auf. Niemals müde von kranken Netzwerken und nicht enden wollenden Kämpfen, ist Cyril Cyril live ein mitreißendes Durcheinander, das die gemeinsame Spleen herausschreit und dabei noch gut lachen kann

Release 5.4.2024

Das zwölfte Studioalbum der Black Keys, »Ohio Players« - ein Titel, der von der gleichnamigen legendären Funkband aus Dayton, Ohio, inspiriert ist - enthält mehrere Kollaborationen zwischen den Bandmitgliedern Dan Auerbach und Patrick Carney mit verschiedenen Freunden und Kollegen, wie Dan »The Automator« Nakamura, Beck, Noel Gallagher, Greg Kurstin und anderen. »Wir hatten diese Erleuchtung: ›Wir können unsere Freunde anrufen, damit sie uns beim Musikmachen helfen‹«, sagt Carney. Auerbach fügt hinzu: »Egal, mit wem wir zusammenarbeiten, es fühlt sich nie so an, als ob wir uns selbst opfern würden. Es fühlt sich nur so an, als würde es eine besondere Note hinzufügen... Aber als es an der Zeit war, das Album fertigzustellen, waren es nur Pat und ich.

Release 5.4.2024

Das sechste Studioalbum der Indierock Band wurde von Simon Frontzek, Rudi Maier, Philipp Schwär und Philipp Steinke produziert. Kettcar malen auf ihrem neuen Album das ganze Bild - textlich wie musikalisch. Schroffe Post-Punk-Gewitter, Akustisches, Sprechgesang. Welchen Style wollt ihr? Hier sind sie alle drauf. Die zwölf Songs erzählen Geschichten von, auf und über Bayreuth, Krankenhauszimmern, Rügen, dem Supermarkt, der Enterprise und der Blauen Lagune. Mal die Faust in der Tasche, mal das Herz im Hals. Die erste Single aus dem Album heißt "München", ein Song, den man so von einer Band aus Hamburg sicher nicht erwartet hat.

Release 5.4.2024

Nach 8 Jahren endlich mittlerweile vierte Studioalbum, das 11 neue Songs der vierköpfigen Band enthält. Entstanden sind die Songs in Port Antonio, Jamaica und wurden später in "The Albion Rooms" in Margate zusammen mit dem Grammy nominierten Produzenten Dimitri Tikovoi (The Horrors/Charlie XCX/Becky Hill) aufgenommen. Abgemischt wurde das Album von dem legendären Dan Grech (Lana Del Rey/Liam Gallagher/Paul McCartney). Die erste Single "Run Run Run" dreht sich um das Streben nach Freiheit und gibt bereits einen Vorgeschmack auf die musikalische Reise, die Fans auf dem Album erwartet. "This one feels like we were all actually in the same place, at the same speed, and we really connected.", erklärt Carl die Zusammenarbeit zu der neuen Platte.

Release 5.4.2024

Das vierte Album von Mount Kimbie (Dominic Maker, Kai Campos, Andrea Balency-Béarn und Marc Pell) ist so großartig und frei und umherschweifend wie ein Traum im Tiefschlaf, voll von atemlos vorgetragener, absurder Poesie über Strände in China und brennende Küchen. Ein siebenunddreißigminütiges Mount Kimbie-Album, das gleichzeitig am gewagtesten und am schwindelerregendsten ist. Ein Stück, "Shipwreck", ist die hallende Indie-Rock-Klage von jemandem, der emotional an Land verloren ist. "Got Me" hingegen ist eine schimmernde, von einem Klavier begleitete elektronische Fantasie. An anderer Stelle taucht King Krule auf zwei Tracks auf - einer ist ein langsamer Tanz voller Shoegaze-Flair ("Boxing"), der andere ein beschwingtes Joy Division-artiges Spektakel ("Empty and Silent"). Und dann sind da noch "Dumb Guitar" und "Fishbrain" - beides weitere Beweise dafür, dass dies die bisher schrillste Version von Mount Kimbie ist.

Release 5.4.2024

Anders als bei ihrem selbstproduzierten Debüt 'Refuge Cove' und dem Nachfolger 'Storm Queen' arbeitete Grace Cummings für ihr neues Album 'Ramona' mit Produzent Jonathan Wilson (Angel Olsen, Father John Misty) zusammen und schuf einen aufwändig orchestrierten Sound, der die Tiefe und den Umfang ihres stimmlichen Könnens voll zur Geltung bringt. Das Album behandelt Trauer, Selbstzerstörung und emotionale Gewalt und verleiht Cummings Musik dabei eine neue Größe.

Das Album entstand in Zusammenarbeit mit einer Reihe von Gästen, darunter die Harfenistin Mary Lattimore und der Streicherarrangeur und Multiinstrumentalist Drew Erickson (Weyes Blood, Mitski, Lana Del Rey), mit Cummings an der Gitarre und am Klavier und Wilson an der Gitarre, dem Schlagzeug, dem Banjo und der Orgel.

Release 5.4.2024

Mit "Tremors" kehrt das Cold-Wave-Duo aus Manchester zu dem düsteren Sound zurück, der ihre ersten Veröffentlichungen auszeichnete, und behält gleichzeitig die ansteckende Energie ihres letzten Albums "Unity" bei, das MOJO als "durch und durch wunderbar" bezeichnete. Die Band beschreibt ihren Sound auf "Tremors" als "dystopischen Pop", der mit Blick auf die Live-Performance geschrieben wurde und voller Energie, Hooklines und dynamischer Momente steckt. Beim Schreiben des Albums, das zwischen Manchester und Bristol stattfand, griff die Band auf ihren eigenen Backkatalog und die Musik zurück, die sie zu Beginn ihrer künstlerischen Reise inspiriert hatte. Das Endergebnis ist das bisher umfassendste Album von The KVB, voller Emotionen und Hooks, präsentiert in einer einzigartigen, schattigen Atmosphäre mit einer eigentümlichen Distanziertheit, die die cineastische Qualität ihres Sounds noch verstärkt.

Release 22.3.2024

Das zweite Solo-Album der Sängerin und Songwriterin der amerikanischen Indie-Band Big Thief. Ihr erstes eigenes Album seit "Songs & Instrumentals" aus dem Jahr 2020 wurde von Philip Weinrobe co-produziert und enstand unter der Mitwirkung von Nick Hakim, Mat Davidson und Josefin Runsteen. Adrianne wagte sie sich ins Unbekannte, fasste sich ein Herz und schrieb ihre bis dato berührendsten Solo-Songs, die sie im Herbst 2022 mit einigen ihrer Lieblingsmenschen aufnehmen konnte. Abseits der Zivilisation und urbanen Einflüssen wagten sich Hakim, Davidson, Runsteen und Lenker ins Ungewisse. Der Co-Produzent und Tontechniker von "Bright Future", Philip Weinrobe, bereitete das Studio vor. Er war schon bei früheren Soloalben Adriannes Partner, aber dieses Mal war es etwas Neues. Adrianne hatte nicht die Absicht, ein Album zu machen. Stattdessen wollten sie die Songs ohne Erwartungen erforschen. Die Geborgenheit und Leichtigkeit des Waldes um das Double Infinity Studio ist ein prägendes Element der Aufnahmen. Das Ergebnis ist, dass "Bright Future" die besten Eigenschaften von filigranen Sounds mit der Spontanität von Field-Recordings vereint. Es gibt Details, die man erst beim zweiten oder dritten Hören entdecken wird und das macht die neuen Songs zu einem ungefilterten Erlebnis und beweist einmal mehr, dass Adrianne Lenker zu den größten Songwriterinnen ihrer Generation gehört. Das Album enthält zudem auch die Originalaufnahme des inzwischen zum modernen Klassiker gereiften Big Thief-Songs "Vampire Empire", der zuletzt sogar in der Playliste von Barack Obama auftauchte - unbewusst gibt der Albumtitel "Bright Future" einen Fingerzeig, wohin sich Adriannes Lenker Karriere als Musikerin entwickeln wird.

Release 22.3.2024

Eine der am härtesten arbeitenden Singer-Songwriterinnen der Branche heißt Katie Crutchfield. Sie wurde in Alabama geboren und wuchs in der Nähe des Waxahatchee Creek auf. Sie verließ die Stadt und machte sich als Waxahatchee selbstständig. Das war vor über einem Jahrzehnt. Crutchfield sagt, sie hätte nie gewusst, dass ihr Weg sie hierher führen würde, aber nach sechs von der Kritik gefeierten Alben hat sie sich als Künstlerin noch nie so sicher gefühlt. Während sich ihr Sound von Lo-Fi-Folk bis hin zu üppigem, alt angehauchtem Country entwickelt hat, ist ihre Stimme immer dieselbe geblieben. Ehrlich und nah, poetisch mit südländischem Charme. Ähnlich wie Mick Kelly von Carson McCullers, entschlossen in ihren Wünschen und Überzeugungen, bereit, es jedem zu sagen, der zuhören will. Und nach Jahren der Nüchternheit und Stabilität in Kansas City - nach Jahren, in denen sie sich ihrer Arbeit und der Straße geopfert hat - ist Crutchfield zu ihrem bisher stärksten Songwriting gelangt. Auf ihrem neuen Album Tigers Blood entpuppt sich Crutchfield als Kraftpaket - eine Ethnologin des Selbst, die ihre Siege und Niederlagen immer wieder Revue passieren lässt. Aber jetzt kommt sie zu Offenbarungen, und sie hält sie nicht zurück.

Release 22.3.2024

10tes Album! We referenced The Meters, Beastie Boys, Sly and Family Stone, Jimi Hendrix, Arctics, Queens of the Stone Age, Bolan, Tom Waits, Public Enemy and Alison Moyet and that's just the opening song." sagt Sänger Guy Garvey über das Album. Fans werden in "Audio Vertigo" eine neue Seite von Elbow kennenlernen. Es ist ein eskapistisches Album, das ein Gefühl der Freiheit transportiert, weiterhin getragen von Mark Potters einzigartigen Gitarrenriffs und den eingängigen Basslines von Pete Turner. Außerdem werden auf dem Album auch einige Familienmitglieder der Band zu hören sein!

Release 29.3.2024

Auf ihrem Debutalbum gelingt der Musikerin aus Lissabon eine originelle, beeindruckende Zusammenführung von portugiesischer Popmusik mit pulsierenden, glitchy, atmosphärischen und rhythmusgetriebener Electronic. Ein lautmalerischer, experimenteller Ansatz, der meistens mit Stimm-Samples hantiert und unter Einsatz von Mikrofon, Keyboard, Loop-Station und Bassdrum eine aussergewöhnliche Musik erzeugt, die ihre Wurzeln in der traditionellen portugiesischen Musik hat, aber sich bei der Umsetzung bei verschiedenen Spielarten von rhythmus-basierter elektronischer Musik, bei Sample-Musik und Hiphop bedient und sehr zeitgeistig, frisch, rastlos und visionär klingt.

Release 22.3.2024

"My heart is loud", singt Julia Holter auf ihrem sechsten Album und folgt dabei einem inneren Impuls. Die Songwriterin aus Los Angeles hat sich in der Vergangenheit oft mit Erinnerung und traumhafter Zukunft auseinandergesetzt, ihr neuestes Album ist mehr in der Gegenwart angesiedelt: "Es gibt einen Schwerpunkt auf Körperlichkeit, inspiriert von der Komplexität und Wandlungsfähigkeit unserer Körper", sagt Holter. "Ich habe versucht, eine Welt zu erschaffen, die fließend und wasserähnlich klingt und an die innere Klangwelt des Körpers erinnert", sagt Holter über ihr fließendes harmonisches Universum. Nach einer Reihe von Dream-Pop-Alben - von "Ekstasis", dem Durchbruch von 2012, über "Loud City Song" bis hin zu "Have You in My Wilderness" - veröffentlichte Holter 2018 das aufregend experimentelle "Aviary". Seitdem hat sie Filme wie "Never Rarely Sometimes Always" vertont, mit dem Chorus of Opera North eine Auftragskomposition für "The Passion of Joan of Arc" aufgeführt und mit ihrem Partner, dem Musiker Tashi Wada, zusammengearbeitet, der auf ihrem neuen Album Synthesizer und Dudelsack spielt. Erschütternde Veränderungen, die mit dem Tod geliebter Menschen (einschließlich ihres kleinen Neffen, dem das Album gewidmet ist) und der Geburt ihrer Tochter einhergingen, brachten Holter in den letzten Jahren zu einer neuen Sichtweise auf zwischenmenschliche Beziehungen. Auf "Something in the Room She Moves" verarbeitet sie anschaulich die Komplexität, den Ernst und die Ehrfurcht vor diesem Zusammentreffen von Erfahrungen, von der spielerischen Hingabe in "Sun Girl" und dem Oxytocin-Rausch in "Evening Mood" bis hin zur willentlichen Verweigerung in "These Morning" und der apokalyptischen Umarmung in "Talking to the Whisper". Sie nennt die Musik "sinnlich", "fließend" und "nächtlich" - ein Zeugnis dafür, wie die Liebe, mit all ihren Herausforderungen, "die Nervenbahnen umleitet".

Release 29.3.2024

Mit zunehmendem Alter hat Ella Smoker festgestellt, dass ihr Unterbewusstsein versucht, ihr "einige ziemlich verrückte Sachen" zu sagen. Die Gedanken kommen der 21-jährigen Singer-Songwriterin im Traum oder beim Schreiben von Texten im Studio. Die Worte schweben auf die Seite, bevor sie wirklich einen Moment Zeit hatte, sie zu realisieren. "Sobald wir anfangen, die Musik zu machen, schaltet sich mein Gehirn aus", erklärt sie. "Ich sitze dann da und schreibe all dieses Zeug, das sich wie ein Haufen Unsinn anfühlt, und einen Monat später schaue ich zurück und denke: `Oh'. Das kommt alles von einem Ort, von dem ich nicht einmal wusste, dass es ihn gibt. Indem sie lernte, sich zu öffnen, fand Gglum in der Produzentin Karma Kid (Maisie Peters, Shygirl, Connie Constance) einen verwandten Geist und überwand ihre natürliche Introvertiertheit, um Freude am Prozess der Zusammenarbeit zu finden. Ob es sich um den zerfetzten Radio-Rock von `SPLAT!' handelt ("im Grunde geht es um die Erkenntnis, dass jemand, den man sehr hoch eingeschätzt hat, eigentlich nur ein riesiger Scherbenhaufen von einer Person ist") oder um die krawallige, industrielle Energie von `Easy Fun', Smoker ist in der Lage, ihre Stimme der jeweiligen Stimmung anzupassen und eine Platte zu schaffen, die Licht und Schatten gekonnt ausbalanciert. "Ich habe noch nie zuvor etwas in diesem Gesangsstil gemacht", sagt sie über den fast gesprochenen Gesang von `Easy Fun'. "Ich liebe diesen Song, weil ich nicht von alleine darauf gekommen wäre, aber Karma Kid war großartig darin, mich aus meiner Komfortzone zu stoßen. Ich dachte nur, schau mal: Ich kann damit ein bisschen albern sein." Die Veröffentlichung von "The Garden Dream" wird Gglum viele weitere Möglichkeiten bieten, sowohl albern als auch ernsthaft zu sein, um neue Ideen und Klänge zu erforschen. Aber es wird auch die Möglichkeit bieten, sich weiter als die traumhafte Künstlerin zu akzeptieren, die sie immer sein wollte; selbstbewusst verschönert sie akustische Welten, in die sich ihre Zuhörer sicher vergraben können. "Ich habe das Gefühl, dass ich von Natur aus eher dazu neige, musikalische Räume zu schaffen, in denen man sich wie zu Hause fühlt, als zu versuchen, Songs zu machen", sagt sie. "Das ist etwas, das ich mit diesem Album wirklich verfestigen wollte: Ich möchte Musik machen, die sich so anfühlt, als ob man aus dem Fenster schaut, wenn der Film zu Ende ist und man sich vorstellt, was als nächstes kommt. Das ist der Sound, den ich machen möchte."

Release 22.3.2024

Anlässlich des 40-jährigen Bestehens von The Jesus And Mary Chain wurde "Glasgow Eyes" im Castle of Doom Studio von Mogwai in Glasgow aufgenommen, wo Jim und William den kreativen Prozess fortsetzten, der zu ihrem letzten Album, "Damage and Joy" von 2017, führte, das ihr bestes Chart-Album seit über zwanzig Jahren wurde. Das Ergebnis ist eine Platte, auf der eine der einflussreichsten Gruppen Großbritanniens ein produktives zweites Kapitel aufschlägt, wobei ihr Mahlstrom aus Melodie, Feedback und kontrolliertem Chaos nun noch deutlicher von ihrer Liebe zu Suicide und Kraftwerk und einer neuen Wertschätzung der weniger disziplinierten Attitüde des Jazz geprägt ist. "Glasgow Eyes" schreibt nicht nur die Geschichte von The Jesus and Mary Chain fort, sondern fühlt sich gleichzeitig wie eine Rückkehr zu den Wurzeln an. Seit dem aufsehenerregenden Debüt "Psychocandy" und dem Klassiker "Just Like Honey" wurden die Reid-Brüder immer mehr zu Außenseitern, die kompromisslos Gutes taten

Release 22.3.2024

Crème solaire, das Schweizer Elektro-Punk-Duo bestehend aus Rebecca Solari und Pascal Stoll, präsentiert mit "Cemento" sein drittes Album. Auf elf mehrsprachigen Songs thematisieren sie anhand der Metapher des Betons die Eintönigkeit und Entfremdung der Gesellschaft und das Verhältnis zwischen Mensch und Natur.

Release 22.3.2024

Sechs Jahre sind seit dem letzten Longplayer "Du bist so symmetrisch" (2018) des Schweizer Duos Klaus Johann Grobe vergangen und man hört, dass sie einen weiten Weg zurückgelegt haben. Ihr viertes Album für das in Chicago ansässige Label Trouble In Mind Records wurde innerhalb von zwei Wochen in einer Hütte ganz am Ende eines abgelegenen Schweizer Tals geschrieben, wo - ziemlich genau an der gleichen Stelle - Klaus Johann Grobe im Jahr 2014 ihr komplettes Debütalbum "Im Sinne der Zeit" erdachten. Was damit begann, einfach mal wieder Musik zu machen, wurde schnell zu einer ernsthaften Arbeit an einem neuen Album. Alles, was es brauchte, war eine echte Pause: Dani und Sevi arbeiteten nicht an irgendwelchen Grobe-bezogenen Sachen, bis sie sich 2022 in den Bergen trafen. Einmal beschlossen, wurde das Ganze recht schnell fertiggestellt und Ende 2022 noch einmal in David Langhards Dala Studio aufgenommen. "io tu il loro" ist eine Platte, die nicht durch endloses Herumspielen an hunderten von Ideen und Sounds zustande kam. Es ist ein Album mit einer verschwommenen Vision und weichen Grenzen. Irgendwie spürt man, dass die beiden nachsichtig auf ihre Arbeit zurückblicken und dann zu dem übergehen, was sich richtig anfühlt. Hier sind wir also mit neun Tracks voller umarmender Wärme, so melancholisch einladend, dass man nicht weiß, ob man lächeln oder weinen soll. Manche mögen es zeitlos nennen, manche mögen es Dad-Rock nennen... nun, es ist sicherlich keine Disco für die Massen, es ist mehr wie "Wenn ich mich nach vier Bieren nicht zum Tanzen bringen kann, kann ich genauso gut nach Hause gehen." Also, keine Disco? Keine synkopischen Synthies? Kein Deutsch? Kein Reverb? Wo ist Grobe? Nimm dir die Zeit und du wirst merken, dass Klaus Johann Grobe nicht weg sind, sie haben nur eine Biegung genommen

Release 22.3.2024

«DEHEIM DEHEIM» ist das fünfte Album des Solothuner Rappers Manillio. Produziert ist «DEHEIM DEHEIM» von Ruck P, Levin, Ben Mühlethaler, Rascal und der Deutschen Produzenten-Combo Jugglerz. Als Gäste gibt es auf dem Album den Popmusiker James Gruntz und den talentierten Berner Newcomer EDB zu hören. Manillio präsentiert ein vielseitiges Album, dass sich zwischen klassischen Rap Tracks («MONTANA» oder «NUME LIEBI») und Songs mit einem gewissen Popappeal («LIEBINGSSONG» oder »ZIT») bewegt.

Release 22.3.2024

Neues, von Rick Rubin produziertes Album der aus Ausnahmesängerin Beth Dito, Nathan "Brace Paine" Howdeshell und Hannah Billie bestehenden Band, das erste seit 11 Jahren.

Release 15.3.2024

Pina Palau interessiert sich schon lang für das Ungeschminkte. Erst führte sie das zur Medizin.

Zeitgleich zum Studare entstand aber ihr Debütalbum «Illusion» inklusive Hitsingle «Jupi». Ehe sich Pina versah, sass sie am Tourbus-Steuer quer durch Europa. Auftritte vor Courtney Barnett oder Alex Lahey folgten sowie Konzerte am Reeperbahn Festival und Montreux Jazz Festival.

Am 15. März folgt nun der Zweitling "get a dog"

Inspiration standen Grössen wie Adrienne Lenker, Julia Jacklin oder Phoebe Bridgers und Joan Baez sowie Patti Smith. Auch auf der neuen Platte seziert Pina Palau mit der Begeisterung Alltagsgeschichten, die sie einst beim Studium von Herzkreislauf oder Entzündungsmediatoren antrieben. Immer mit dem dringlichen Wunsch, zu verstehen, wie wir Menschen eigentlich ticken.

Release 15.3.2024

15 Jahre nach ihrem letzten Album präsentieren die Robinson Brothers ihr 10. Studioalbum. Einige mögen sagen, dass das Projekt mehrere turbulente Jahre in der Entwicklung war, aber wir behaupten, dass es genau zur richtigen Zeit kommt. Nennen Sie es Bruderliebe oder musikalisches Schicksal, das sie wieder zusammengeführt hat. Das mit Spannung erwartete Album, das die Wiedervereinigung dieser legendären Band einläutet, könnte genau das sein, was den Rock & Roll rettet. In einer Zeit, in der die Kunstform unter dem Firmenglanz ihrer Nachfolger begraben wird, schlagen The Black Crowes mit der Angst vor ungesagten Worten zurück, die auf Papier geschrieben und von Gitarrensaiten elektrisiert werden, und enthüllen einen entblößten, nackten Rock & Roll. Kein Glanz, kein Glitzer, nur Rhythm and Blues in seiner besten Form - düster, laut und direkt ins Gesicht. Seit ihrer Wiedervereinigung im Jahr 2019 haben The Black Crowes eine triumphale Rückkehr zu ihrer Form mit über 150 Shows in 20 Ländern weltweit hingelegt, um das 30-jährige Jubiläum von "Shake Your Money Maker" zu feiern, dem Album, das sie auf die Landkarte brachte. Nach ihrer Rückkehr von der Tournee wussten sie, dass sie etwas Neues brauchten, um die verlorene Zeit zu überbrücken. Die Robinson Brothers und der langjährige Bassist Sven Pipien gingen Anfang 2023 mit dem Produzenten Jay Joyce ins Studio und die Erfahrungen der vergangenen Jahre schlugen sich in der Musik nieder, während die Band zu ihren Wurzeln zurückfand.

Release 8.3.2024

Intergalaktischer Lo-Fi-Garagenpunk! Bone (The Anomalys, Gitarre) & Jackie (The Jackets, Gesang & Schlagzeug) aka Plush Stuffed Huge Penis & Hungry Oversized Vagina veranstalten auch auf ihrem 2ten Album ein Super Lo-Fi Trash Rock'n'Roll Bad Taste B-Movie Horros-SciFi-Sex-Märchen! Seit zehn Jahren verbreiten sie gnadenlos ihre Weltraum-Botschaft! Diesmal sind sie zu dem Schluss gekommen, dass die ganze Erde am Abgrund steht und es keine Hoffnung mehr gibt ... außer sich den Machenschaften der 'Sex Organs' überhaupt zu unterwerfen. In den 12 Manifesten dieser einzigartigen Platte zeigen sie uns, wie es richtig geht: "The ultimate soundtrack to the downfall" - Sex ist unvermeidbar... Geschichte: The Sex Organs wurden 2014 von Bone (NL/The Anomalys) und Jackie (CH/The Jackets) gegründet und wurden sofort zu einem Kult-Act, der in ganz Europa auf den besten Garagenfestivals und Clubs spielte und eine Welle von Rock'n'Roll "Sexcitement" auslöste - genau dann, wenn es nötig war! Sie spielten auch in etablierten Museen, auf Film- und Comicfestivals, gingen auf Tournee in Kanada und wurden (stolz) aus dem Schloss Dracula in Transsylvanien verbannt (wahre Geschichte)! Die Sex Organs zu sein, mag eine Herausforderung sein, aber niemals langweilig!Die Sex Organs spielen wilden, schweißtreibenden Trash and Roll, der den Zuhörer Song für Song zu einem explosiven Höhepunkt treibt! Das ist so primitiv wie es nur geht - ein Stehschlagzeug, eine Gitarre und Texte über den sexuellen Zustand der modernen Zeit, in der wir leben!

Release 15.3.2024

Das Kölner Electronic Pop Duo verschmelzt Tanzmusik mit einer Indie-Sensibilität, reich an Melodie und Melancholie. Sie mögen ihre Wurzeln zwar fest in der sagenumwobenen Kölner Clubszene haben, aber ihr sprudelnder, grooviger Synthie-Pop verwischt die Grenzen und schreitet weit darüber hinaus. Nach einer Reihe von Veröffentlichungen auf Kompakt Records, veröffentlichten Marius Bubat und Georg Conrad 2019 ihr letztes Album 'Voyage Voyage'. Auf dem Album gab es zum ersten Mal Songs mit Strophe, Bridge und Refrain zu hören - ein Novum bei Coma, und dennoch: es pulsierte und zog einen sofort in den Bann. So haben auch die neuen Songstrukturen ihre Wurzeln fest im Club-Sound. Nach dem Album und der erfolgreichen Single "A Train" folgten weitere Singles unter anderem der Hit "Start/Stop/Rewind" (2022) und "Beyond You and Me" feat. Dillon (2022). Die Welt wird kälter, doch Coma bringen etwas Wärme in unser Leben. Coma's melodiensatte Innovationen zwischen Indie und Electronica waren schon immer irre zugänglich, scheuten weder Hooks noch Emotionen, und weiteten von Album zu Album den Rahmen dessen, was Clubmusik sein kann. "Fuzzy Fantasy" ist demnach also der nächste logische Schritt - weg vom Dancefloor, näher ans Leben.

Release 15.3.2024

SubPop Records

Solodebüt von Daniel Boeckner (Wolf Parade, Operators, Divine Fits, Handsome Furs)! Eine acht Songs umfassende, 32-minütige Sammlung, die die Highlights "Euphoria", "Dead Tourists" und das erste Stück, den hoffnungsvollen Synth-Rocker "Lose", enthält. Das Album wurde von Randall Dunn bei Circular Ruin in New York City produziert, bearbeitet und gemischt, und von Heba Kadry in Brooklyn gemastert. Ausserdem sind außerdem Matt Chamberlain am Schlagzeug, Brad Laner von Medicine und Jeremy Gaudet von den Labelkollegen Kiwi Jr. zu hören. Daniel Boeckner weiß um den Schotter und den Kies, der sich im Herzen ansammelt, und dass es einen unerschütterlichen Mut braucht, um dieses Durcheinander zu durchbrechen und auf die andere Seite vorzudringen. Und in Boeckners Händen kommt diese Suche durch postapokalyptischen Synthesizer- und Gitarren-Heldentum, ein Aufruf an diejenigen, die immer durch die verbrannten Wolken nach Hause kommen. Während seiner Arbeit mit Wolf Parade, Handsome Furs, Divine Fits, Operators, Atlas Strategic und anderen hat der kanadische Indie-Rocker erkannt, dass es nur wenige Gefühle gibt, die befriedigender, einprägsamer, generativer und reichhaltiger sind als die Hoffnung. Aber dafür muss man sich selbst aus dem Weg gehen. Als Höhepunkt dieser tiefen Bibliothek musikalischer Referenzen wird Boeckner sein erstes Album unter seinem eigenen Namen veröffentlichen: Boeckner! Unabhängig davon, wohin ihn die Erkundung des Genres geführt hat, hat das Aufwachsen in Punk- und DIY-Umgebungen etwas, das Boeckner die Zusammenarbeit im Blut liegt. Boeckner! besteht aus einer Sammlung vertrauter Elemente, die den gleichen Nervenkitzel jugendlicher Leidenschaft und Entdeckung hervorrufen. Es ist eine Verfolgungsjagd mit Düsenantrieb durch eine Tech-Noir-Stadtlandschaft - angetrieben von einem Traum und dem besonderen Menschen auf dem Beifahrersitz. Diese Dringlichkeit und Leidenschaft waren schon immer ein Markenzeichen von Boeckner, und das Schreiben in Eigenregie rückt diese Gefühle noch weiter in den Mittelpunkt des Interesses. Doch obwohl Boeckner die treibende Kraft hinter dem Album ist, hat er für sein Solodebüt nicht auf Kollaborateure verzichtet. Nachdem er den Produzenten Randall Dunn kennengelernt hatte, als er am Soundtrack des psychedelischen Horrorfilms Mandy mit Nicolas Cage in der Hauptrolle mitwirkte, wusste Boeckner, dass er das perfekte Gegenstück für sein Solodebüt gefunden hatte. "Ich war schon immer ein Fan von ihm, besonders von den Sunn0)))-Platten, die er produziert hat", sagt Boeckner. "Die Arbeit mit Randall hat wirklich einige unterdrückte musikalische Triebe freigesetzt, Dinge, die ich in meinem Privatleben genieße, aber normalerweise nicht in meine Veröffentlichungen einfließen lasse, wie okkulte Synthesizer, Pseudo-Metal, Krautrock und schwere Psych-Einflüsse." Diese Basis erlaubt es Boeckner, zwischen emotionaler Fantasie und geerdeter Erzählung zu schwanken. Auf der ganzen Platte tauchen seine Bilder in die Science-Fiction ein, aber sie sind in erster Linie von Erfahrungen geprägt. Das Trio aus Boeckner, Dunn und Schlagzeuger Matt Chamberlain (Pearl Jam, David Bowie, Fiona Apple) bildete eine Art dunklen Motor für das Album, und Chamberlains genialer Ansatz, einen alten Arp-Synthesizer gleichzeitig mit jeder Schlagzeugspur anzusteuern, half Boeckner, die Atmosphäre des Albums zu gestalten. Dieser angespannte Futurismus wurde von Boeckners Aufenthalt in Dunns Circular Ruin Studio beeinflusst, dessen düstere, elektronische Aura sich in jeden Track eingebrannt hat. Am Ende des Albums verwandelt sich Boeckner! von einem Sci-Fi-Epos in etwas, das eher einer abgefackelten VHS-Kopie eines John-Cassevetes-Films ähnelt, wobei die Chemtrails und der nukleare Fallout in der Ferne verblassen. Wie bei jeder guten Science-Fiction treffen die Emotionen und der Schmerz sowohl den Autor als auch den Zuhörer, und die Blüten des Genres verstärken die menschliche Erfahrung. Indem er mehr als je zuvor enthüllt, steigert Boeckner! die musikalische Intensität auf ein ungeahntes Niveau und hofft, am Ende der Reise etwas Frieden zu finden.

Release 8.3.2024

Parallel zur Xmal Deutschland-Wiederveröffentlichung erscheint das Solo-Debüt der unvergleichlichen Frontfrau von Xmal Deutschland, Anja Huwe. Auf Einladung ihrer langjährigen Freundin Mona Mur überdachte Huwe ihre jahrzehntelange Auszeit von der Musik. Gemeinsam arbeiteten sie in Berlin eineinhalb Jahre lang, komponierten, spielten und produzierten die Stücke von Grund auf neu, aus denen schließlich das Album "Codes" wurde. Ein wesentlicher Bestandteil des Gesamtsounds war der Beitrag von Manuela Rickers, die ihren berühmten Gitarrenstil beisteuerte. Ursprünglich inspiriert von den Tagebuchaufzeichnungen von Moshe Shnitzki, der 1942 im Alter von 17 Jahren seine Heimat verließ, um als Partisan in den höhlenartigen weißrussischen Wäldern zu leben, geht es in "Codes" um die menschliche Erfahrung und darum, was Extreme mit einem Menschen anstellen können. Mit der eleganten Produktion von Mur und Huwe und dem Mixing und Mastering von Jon Caffery (Joy Division, Gary Numan, Einstürzende Neubauten) krachen und verbreiten sich epische Builds, die glatten Synthesizer-Drones des Sounds fühlen sich manchmal sogar klaustrophobisch an.

Release 8.3.2024

Neues Album Moor Mother der visionären Musikerin, Dichterin und interdisziplinären Künstlerin, die für ihr avantgardistisches und experimentelles Werk bekannt ist. "The Great Bailout" ist eine ausgedehnte Meditation, die als nicht-lineare Wortkarte über Kolonialismus, Sklaverei und Kommerz in Großbritannien fungiert. Mit Gastbeiträgen von Lonnie Holley, Angel Bat Dawid & Sistas of the Nitty Gritty, Vijay Iyer, Mary Lattimore und anderen ist es die bisher kompromissloseste Vision von Moor Mother, die bekannt ist für ihre einzigartige Mischung aus Spoken Word, Noise und elektronischer Musik, in der sie sich mit Themen wie Rasse, Geschlecht und soziopolitischen Fragen auseinandersetzt. Sie stammt aus Philadelphia und ist eine einflussreiche Figur in der pulsierenden Kunst- und Musikszene der Stadt. Ihre Alben wurden von der Kritik gelobt, die ihren furchtlosen Umgang mit Klängen und ihre zum Nachdenken anregenden Texte auf Alben wie "Jazz Codes" und "Analog Fluids of Sonic Black Holes" lobte, auf denen sie ihre grenzüberschreitenden Klangexperimente vorstellt.

Release 8.3.2024

Die Musikerin und bildende Künstlerin Kim Gordon kehrt mit ihrem zweiten Soloalbum The Collective zurück. Aufgenommen in Gordons Heimatstadt Los Angeles, folgt The Collective auf ihr 2019 erschienenes Debüt No Home Record und setzt ihre Zusammenarbeit mit dem Produzenten Justin Raisen (Lil Yachty, John Cale, Yeah Yeah Yeahs, Charli XCX, Yves Tumor) fort, mit zusätzlicher Produktion von Anthony Paul Lopez. Das Album treibt den gemeinsamen Weltenbau voran, wobei Raisens beschädigte, aufgeblasene Dub- und Trap-Konstruktionen die Folie für Gordons intuitive Wortcollagen und hooky Mantras bilden, die Kommunikation, kommerzielle Sublimation und sensorische Überladung beschwören. Die erste Single "BYE BYE" ist jetzt erschienen, angetrieben von einer sich windenden Drill-Bassline, die uns durch eine eindringliche Packliste führt

Release 8.3.2024

Bongo Joe Records

Nach einer erfolgreichen Tournee im Anschluss an die Veröffentlichung von »Alors quoi!« auf Bongo Joe Records, die von einem Wechsel des Schlagzeugers/Percussionisten begleitet wurde, stellte sich natürlich die Frage, was als nächstes kommt. Elemente tauchten auf, darunter der Wunsch nach mehr tiefen Frequenzen, die Faszination für Marimba/Vibraphon und eine befreiende Gleichgültigkeit gegenüber dem Unterschied zwischen aufgenommenen und Live-Auftritten.

Um sich weiterzuentwickeln, arbeitete das Team mit dem Außenseiter Kwake Bass zusammen, der für seine Zusammenarbeit mit Kae Tempest, Tirzah, Mica Levi und anderen bekannt ist. Trotz der ästhetischen Unterschiede zu den früheren Meril Wubslin-Alben wurde diese Abweichung als Schlüssel angesehen - ein bereicherndes Risiko, das zu einer einzigartigen Mischung von Einflüssen führte.

Der akustische Kern von Meril Wubslin umfasst nun elektronische Elemente, die eine stärkere und urbane Dimension offenbaren. Unter Beibehaltung der französischen Lyrik erforschen die Themen das Konkrete, bleiben aber im Intimen und Sensiblen verankert und vermeiden allzu klare und eindeutige Botschaften.

Release 1.3.2024

Die britische Band Yard Act mit ihrem 2ten Album. Darauf stellt James Smith sein Talent zum Geschichtenerzählen erneut unter Beweis und nimmt uns mit auf eine Reise in seine Gefühlswelt, die sich um Verantwortung und Ehrgeiz, Liebe und Schuld rankt. Seitdem das Quartett Yard Act aus Leeds im Jahr 2020 seinen goldenen Rover zum ersten Mal in die Öffentlichkeit lenkte, ist es zu einer der größten Indie-Erfolgsgeschichten des Jahrzehnts geworden. Auf dem Weg dorthin haben sie viele Meilensteine erreicht, von einer Nummer-zwei-Platzierung in den Charts und einer Nominierung für den Mercury Prize für ihr Debütalbum The Overload bis hin zu einem Gastauftritt von Elton John, der sich der Band anschloss, um bei der streicherreichenreichen Neubearbeitung des Albumabschlusses 100% Endurance" mitzuwirken. Doch während es mit der Band stetig bergauf ging, bekamen Sänger James Smith und seine Frau auch einen Sohn. Und es ist dieses Duell zwischen Verantwortung und Ehrgeiz, Schuldgefühlen, Liebe, Tatendrang und allem, was dazwischen liegt, das das erzählerische Rückgrat des brillant erforschenden zweiten Albums Where's My Utopia? bildet. Geschrieben in Momentaufnahmen zwischen einem unerbittlichen Tourplan und produziert von der Band und Remi Kabaka Jr. von den Gorillaz, ist der zweite Akt des Quartetts ein riesiger Sprung nach vorn in weite und verspielte neue Klanggewässer. "Der Hauptgrund dafür, dass 'Post-Punk' das Vehikel für Album eins war, war, dass es wirklich erschwinglich war, aber wir mochten schon immer so viel andere Musik, und dieses Mal hatten wir das Selbstvertrauen, sie zu umarmen", erklärt James. Auf dem Album sind Einflüsse von Fela Kuti bis Ennio Moricone und Spillers 00er-Jahre-Pop-Hit Groovejet" zu hören. Es ist eine feierliche Palette, auf der Smith sich erlaubt, lyrisch tiefer in sich zu gehen als je zuvor. Die nach außen gerichteten Charakterstudien von früher sind größtenteils verschwunden und wurden durch eine Reihe von Songs ersetzt, die voll und ganz in die Scheinwerfer des Lebens starren und mit den eigenen Ängsten und Schwächen des Frontmanns ringen, um eine Art prometheische Erzählung zu schaffen - allerdings mit Witzen. "Man kann sich auf die Idee einlassen, dass wir nur Tiere sind, die fressen und ficken und dann sterben, und das ist gut so", meint er. "Aber für mich scheint Kreativität immer der beste Weg zu sein, das absolute Minenfeld der menschlichen Existenz zu artikulieren

Release 1.3.2024

Die Songs von Faye Webster sind ein direkter Draht zum menschlichen Unbewussten, und "Underdressed at the Symphony" dokumentiert, was passiert, wenn man beginnt, aus den Trümmern der alten Routinen ein neues Selbst aufzubauen. Schon ihre zuvor veröffentlichten Songs "But Not Kiss" und "Lifetime" zeigen das selten erforschte Gebiet emotionaler Intimität, in dem Verlangen und Leidenschaft im Konflikt mit Trost, Verständnis und sogar platonischer Liebe stehen. Diese Themen finden sich in "Underdressed at the Symphony" wieder, zusammen mit hyper-spezifischen Symbolen, die ein Bild von Websters Leben zeichnen, wie z.B. "eBay Purchase History" oder die Objekte, die sie bei "Lego Ring"begehrt. "Underdressed at the Symphony" wurde mit ihrer langjährigen Band in den Sonic Ranch Studios in Texas aufgenommen und schwelgt in Experimentierfreudigkeit, Verspieltheit und Abenteuerlust. Vocoder-Momente, Schnörkel eines Orchesters, gruselige Harmonien und Synthesizer kommen zum Vorschein, ohne die räumliche Qualität von Websters früherer Musik zu beeinträchtigen, sodass ihre Texte nach wie vor genügend Raum haben, mit zusätzlichen Bedeutungsebenen an die Oberfläche sprudeln. Matt "Pistol" Stoessels Pedal Steel-Klänge sorgen für genau den richtigen Schimmer, während Nels Cline von Wilco seine unbestreitbar gefühlvollen Fingerfertigkeiten zu einer Reihe von Songs beisteuert. Das Zusammenkauern an der buchstäblichen Grenze zwischen den USA und Mexiko bot den Musiker_innen Raum zum Isolieren, Konzentrieren und Experimentieren. Alle Songs auf diesem Album sind Live-Aufnahmen, von denen einige bereits beim ersten oder zweiten Take aufgenommen wurden und Websters Talent zeigen, aus einem ganz bestimmten, scheinbar kleinen Moment eine universelle Erfahrung zu ziehen.

Release 1.3.2024

Neues 6tes Album! "Half Divorced" von Pissed Jeans ist der Nachfolger von "Why Love Now" aus dem Jahr 2017, einem Album, das sich mit den alltäglichen Unannehmlichkeiten des modernen Lebens auseinandersetzte. Die zwölf Songs des neuen Albums widmen sich der Schieflage zwischen jugendlichem Optimismus und den ernüchternden Realitäten des Erwachsenseins. Der notorisch bissige Sinn für Humor von Pissed Jeans bleibt schärfer denn je, während sie einige der Freuden zerlegen, die das heutige Erwachsenenleben zu bieten hat.

Release 1.3.2024

Dostrotime ist Spaß im Squarepusher-Stil. Schwere, intensive, herausreissende, experimentelle, elektronische Musik für pures Hochgefühl. Keine Entschuldigung nötig, eine für das Squarepunter-Massiv! Anfang 2020 hatte Squarepusher gerade sein letztes Album 'Be Up A Hello' mit großem Erfolg veröffentlicht und bereitete sich auf eine weltweite Tour mit einigen seiner bisher größten Shows vor. Dann kam die Pandemie und alles war vorbei ... Ohne Ablenkung begab sich der Künstler direkt in sein Studio, um mit neuen Aufnahmen zu beginnen. Er sagt: 'Ohne die üblichen Unterbrechungen verlief die Zeit anders.' Es ist eine Episode, die er Dostrotime nennt. Daher ist Dostrotime ein Versuch, die Besonderheit der durch den Lockdown katalysierten Musik als Teil der Feier des Endes des Lockdowns einzufangen.

Release 23.2.2024

Nachfolger ihres gefeierten Nonesuch-Debüts "Life on Earth", das unter anderem auf den Best-of-2022-Listen der New York Times, des Rolling Stone US, von NPR Music, Mojo und Uncut landete, haben Hurray for the Riff Raff auf "The Past Is Still Alive" ihren Sänger Brad Cook wiedergetroffen und gleichzeitig ihre kreative Riege an Mitstreitern erweitert. Anjimile, Conor Oberst und S.G. Goodman singen gemeinsam mit Segarra an verschiedenen Stellen des Albums. Zu den Musikern gehören Cook, Libby Rodenbough, Matt Douglas, Meg Duffy von Hand Habits, Mike Mogis, Phil Cook und Yan Westerlund. Der "Natur-Punk" von Life on Earth markierte eine Abkehr von Hurray for the Riff Raff, als sie über das Überleben und Gedeihen in einer Welt in der Krise nachdachten. The Past Is Still Alive lenkt den Fokus wieder nach innen, mit Arrangements, die roh sind, Melodien, die direkt und unauslöschlich sind, und Texten, die persönlich sind, aber weitgehend in Familie und Gemeinschaft verwurzelt sind.

Release 23.2.2024

Ein "MGMT-Album", das die Band als "eine Gruppe von Songs über Liebe und Veränderung, in erster Linie" beschreibt. Zu den Beschreibungen der Band gehören: mutig, geschmackvoll, verspielt, aufrichtig, optimistisch, einfühlsam. Loss Of Life wurde von MGMT und Patrick Wimberly (Solange, Lil Yachty, MGMT) produziert und von Dave Fridmann (Flaming Lips, Interpol, Spoon) abgemischt und zusätzlich produziert. Das Album enthält den ersten MGMT-Song mit einem Feature, das von Christine and the Queens beigesteuert wurde. Das Album-Artwork wurde von John Baldessaris Nachlass lizenziert und trägt den Titel Noses & Ears, Etc. (Part Two). MGMT wurden 2002 gegründet und veröffentlichten 2007 ihr epochales Debütalbum Oracular Spectacular. Eines der einflussreichsten Alben der 00er Jahre - es verkaufte sich weltweit über 2 Millionen Mal und wurde in über 10 Ländern mit Gold oder Platin ausgezeichnet, darunter Doppelplatin in Großbritannien, Platin in Australien, Gold in Frankreich und Platin in den USA. Es bescherte der Welt Evergreen-Hits wie "Kids", "Electric Feel" und "Time to Pretend", die bis heute neue Generationen von Künstlern und Musikfans gleichermaßen inspirieren - diese drei Songs wurden seit ihrer Veröffentlichung zusammen über 2 Milliarden Mal auf Audio-Streaming-Plattformen gestreamt. MGMT, die mit jeder neuen Platte eine unerwartete kreative Wendung nehmen, aber ihre kulturelle und kommerzielle Relevanz in den folgenden 15 Jahren stets beibehalten, veröffentlichten später drei weitere Studioalben: "Congratulations" (2010), "MGMT" (2013) und "Little Dark Age"

Release 23.2.2024

Nach dem düsteren "Image" (2018) und dem minimalistischen "Several Others" (2021) stellt das dritte Album eine Neuausrichtung und ein Umdenken dar. Aufgenommen in der Nähe von Eindhoven und an der Nordseeküste ist das neue der belgischen Band nicht nur ein Album, das einen Ozean von Emotionen, Stimmungen, Energie und Geschichten umspannt, sondern auch eine Folge der gezeitenähnlichen Veränderungen innerhalb der Gruppe aus Brüssel. Die sind nämlich wieder ein Fünfergespann. Der ursprüngliche Schlagzeuger Sander Pelsmaekers musste mit einer Nervenkrankheit zwischenzeitlich mit dem Musizieren aufhören, kann aber jetzt wieder an den Synthesizern mitwirken. Bassist Tuur Vandeborne ist auf den Drumhocker gewechselt, während der langjährige Tontechniker der Band Bert Vliegen am Bass dazugekommen ist. Die ausgearbeiteten Demos von Gitarrist Lijnens und Vliegens boten schon früh eine starke Vision für den Sound des Albums.
Das Innere eines durch ein Feuer zerstörten Autos, das das Cover des Albums ziert, steht dabei zeitgleich im Einklang mit dem Gefühl der Erneuerung, das "The Great Calm" ausstrahlt.

Release 23.2.2024

Nach 15 Jahren und einem halben Dutzend Alben hat die fünfköpfige Band aus New Jersey, Real Estate, unter dem Titel Daniel eine essenzielle Sammlung von 11 äußerst melodiösen Songs zusammengestellt. Daniel wurde einfach so benannt, weil es witzig erschien, einer Platte einen menschlichen Namen zu geben, und ist das Zeichen einer Band, die schon lange genug dabei ist, um ihre Musik ernst zu nehmen, ohne dabei auf Spaß zu verzichten. Es gibt eine außergewöhnliche Kampagne rund um Daniel und die Leadsingle Water Underground zu erwarten.

Release 23.2.2024

Nach "A New Kind of Love" (2022) taucht Ghost Funk Orchestra mit ihrem 4ten Album noch tiefer in die Welt der Filmmusik, der Exotica und des psychedelischen Surf-Rock ein. Ein vielschichtiges und collagiertes Hörerlebnis mit mehr Elementen, als man in einem einzigen Hördurchgang heraushören kann. Die Gitarren sind unscharf und mit Hall überflutet, und die Bläser sind wie eine Bigband im Studio arrangiert. Es ist voll von großen Kompositionen mit Garagenrock-Attitüde. Die Einflüsse reichen von Eddie Palmieri und Esquivel bis hin zu The Lively Ones, Dusty Springfield und War. Die Tracks werden durch echte, aufgezeichnete Übertragungen der Apollo-Mondmissionen miteinander verbunden. Das Konzept des Albums ist die Geschichte einer Frau, die mit ihrem Partner, einem Kosmonauten, auf der Erde gestrandet ist und sich fragen muss, wo er sich aufhält und ob er es lebend aus dem Kosmos zurückschaffen wird.

Release 23.2.2024

Die Instrumental Psych Rock- Meister aus dem schweizerischen Lausanne läuten das neue Jahr mit einem episch-kosmischen Album- Highlight ein! Mensch vs. Maschine, Raumschiffe starten in den Weltraum, Welcome To The Machine ist inspiriert von Filmen wie 2001: A Space Oddissey, Matrix, Sunshine, Solaris oder 1984, und klingt auch mit bereits den ersten Tönen wie der perfekte Soundtrack einer Reise ins Unbekannte. Songs wie die erste, offizielle Album Single „Rackman“ zeigen eindrucksvoll, warum Monkey3, welche sich 2001 gründeten, zu den wenigen Instrumentalbands gehören, die es verstehen trotz fehlender Vocals eine spannende Geschichte zu erzählen. Im Falle des genannten Tracks, über eine künstliche Intelligenz, derer Sklaven wir sind. Welcome To The Machine erforscht und hinterfragt, es ist düster, bedrohlich und melancholisch, gleichzeitig voller Hoffnung und Zerstörung. Sie bewegen sich zwischen dunklen und mitreissenden Sphären, bis hin zu progressiven Breaks, hypnotisierenden Grooves und großen Riffs, dies wird vor allem deutlich unterstrichen in Songs wie „Collision“.

Release 23.2.2024

Erika de Casier ist nicht auf der Suche nach Perfektion - ihr geht es mit ihrem neuen Album vielmehr um eine aktuelle akustische Standortbestimmung. Wie immer beweist "Still" dabei, dass de Casier eine Meisterin darin ist, Songs zu schreiben, die universelle Erfahrungen des modernen Lebens ansprechen, trotz all ihrer Eigenheiten und Macken. Wo ihr 2019er Album "Essentials" voller Songs über Flirten und eine neue Liebe war und "Sensational" (2021) der vermeintlich perfekten Oberfläche Falten in Form von unhöflichen und schlichtweg nervigen Partnern hinzufügte, schreibt de Casier auf ihrem neuen Album mit einer neuen Klarheit über echten Herzschmerz. Trotz all der neuen Schwere, die auf "Still" zum Vorschein kommt - und der subtilen politischen Wertigkeit, die damit einhergeht - bleibt de Casiers Musik so luftig und sinnlich wie eh und je. "Still" bestätigt, dass es nur wenige Künstlerinnen gibt, die Musik machen, die so frei zwischen Sensibilität und Respektlosigkeit, Sex und Traurigkeit gleitet. Bei all dem Erfolg, den Auszeichnungen und dem Beifall ist ihre größte Errungenschaft vielleicht einfach, dass sie in jedem ihrer Songs immer noch (englisch "still") Erika de Casier ist. All das bedeutet, dass "Still" ein klassisches de Casier-Album ist, dessen eigenwillige Mischung aus üppiger Electronica und nächtlichem R&B hier noch weiter in den einzigartigen Sound eingebettet ist. Ihr Songwriting ist so universell wie eh und je, und ihr Können als Produzentin hat sich noch gesteigert, da sie zum ersten Mal auch andere Stimmen (They Hate Change, Shygirl, Blood Orange) produziert.

Release 23.02.2024

Ned Russin war Co-Frontmann von Title Fight, bevor er 2018 begann, als Glitterer Musik zu machen. Unter dem Namen bietet er unscharfen Grunge-Pop mit einer Dosis schimmernder Synthies und Emo-Angst. Jetzt ist Glitterer eine vollständige Band und kehrt mit einer Kombination aus 90er-Jahre-Grunge, Capital-R-Riffs a la The Stooges und einem Keyboard-Lead zurück, der selbstironische Melodramatik vermittelt. Nachdem er sich bei der komplett solo aufgenommenen Glitterer-LP im Jahr 2017 noch auf Synthies verlassen hat und schon 2019 Kollaborateure für das knackigere "Looking Through the Shades "hinzugezogen hatte, setzt sich dieser Trend zu treibendem Indie-Rock mit 90er-Jahre-Einflüssen auf dem 3ten Album fort.

Release 23.2.2024

Das nächste Kapitel von Danny Kiranos, a/k/a Amigo the Devil - seinem bislang entwaffnendsten und einzigartigsten Werk. Das 13-Track-Projekt verbindet Themen der nachvollziehbaren Selbstzerstörung und Traumabindung mit fesselnder Authentizität. Gespickt mit obskuren literarischen Anspielungen – ähnlich der wahnsinnigen Lesegewohnheit von Kiranos – beweist das Album, dass diese ganze Amigo the Devil-Sache keine True-Crime-Nische ist. Yours Until the War is Over ist eine Songwriter-Platte, die erfolgreich Tom Waits huldigt.

Release 16.2.2024

Ein Album voller Liebeslieder, Dankbarkeit und Kraft ist das fünfte Album der aus Bristol (UK) kommenden Band, von Nigel Godrich (Radiohead, The Smile, Beck), Mark Bowen und Kenny Beats (Denzel Curry, Vince Staples, Benee) und der Band selbst co-produziert. "Tangk" - ausgesprochen "Tank" mit einem Hauch von "g" und einer lautmalerischen Anspielung auf den peitschenden Gitarrensound, den sich die Band als eine Art Siegel für das Leben in der Liebe vorstellte - ist das bisher ehrgeizigste und eindrucksvollste Album der Band. Das neue Album ist gleichzeitig ausladend und konzentriert, einfallsreich und unmittelbar. Über das Album sagt Sänger Joe Talbot: "TANGK. Ich brauchte Liebe. Also habe ich es gemacht. Ich habe der Welt Liebe gegeben und es fühlt sich wie Magie an. Dies ist unser Album der Dankbarkeit und der Kraft. Alles Liebeslieder. Alles ist Liebe." Auf ihrer ersten Single treffen sich die Post-Punk-Lieblinge mit LCD Soundsystem auf dem Dancefloor.

Release 16.2.2024

Auf „Resonance“ entfalten sich Boris Blanks kopfkinostarke Klangräume zu ausgedehnten Klanggalaxien, mit denen der Schweizer von seinem Studio auf dem berühmten Zürichberg aus einen faszinierenden Blick in die Unendlichkeit gewährt. Hervorgegangen sind die insgesamt zwölf Tracks auf dem neuen Solo-Album ursprünglich aus einer Auftragsarbeit für das von dem Schweizer Star-Architekten Mario Botta entworfene Thermalbad FORTYSEVEN nahe Zürich. Stefan Bock und Stefan Zaradic von der Münchner Firma IAN Records haben mithilfe des vom international renommierten Fraunhofer-Institut entwickelten „SpatialSound Wave“- Systems gemeinsam mit Boris Blank eine aufwändig inszenierte 3D Soundlandschaft erschaffen.

Eine völlig neue Herausforderung für den notorischen Geräuscheforscher, der auf seinem neuen Album bisher unentdeckte Ambient-Welten betritt. „Ich hatte schon immer eine grosse Affinität zu weiten Räumen wie Fabrikhallen, Tiefgaragen oder auch den Bergen. Und zur akustischen Resonanz, die diese Räume erzeugen“, so Boris Blank über die Inspiration zu “Resonance“. „Jeder Raum besitzt seine ganz eigenen Schwingungen. Mich reizt es, mich in diese Sphären zu begeben und sie mithilfe der Musik spürbar zu machen. Je grösser, desto interessanter. Mein Ziel war es, die Räume diesmal so gross und weit wie möglich zu gestalten.“

Release 16.2.2024

Zukunftsweisender Indie-Rock hat in Chicago eine lange Tradition. Neuzugang und Hoffnungsträger Friko bilden da keine Ausnahme und verwandeln jeden Song in einen Moment der kollektiven Katharsis. Auf ihrem Debütalbum knüpfen Sänger/Gitarrist Niko Kapetan und Schlagzeuger Bailey Minzenberger an die brennende Energie ihrer Debüt-Single Crimson To Chrome an, indem sie Elemente von Post-Punk, Kammer-Pop und experimentellem Rock miteinander verschmelzen und die berauschende Kraft ihrer Musik mit einer Flut von temperamentvollem Ensemble-Gesang verstärken. Poetisch, explosiv und von erhabener Gefühlsrohheit.

Release 16.2.2024

Endlich wieder ein Lebenszeichen der legendären Indie-Rock-Band aus Kalifornien. Zuletzt feierten Grandaddy ihr Schaffen mit einer Reihe von Wiederveröffentlichungen zum 20-jährigen Bestehen, darunter das hochgelobte Sumday Twunny-Boxset, das von Pitchfork als „Best New Reissue“ ausgezeichnet wurde. Auf Wunsch der Familie seines Freundes und Psychedelic-Pop-Kollegen Mark Linkous steuerte Lytle auch Gesang zu einem posthumen Sparklehorse-Album bei.

Release 16.2.2024

Die zehn eindringlichen neuen Songs drehen sich um die im Albumtitel gestellte Frage: "Wer bist du?" (Ki moun ouye) Inspiriert von dem abgelegenen karibischen Ackerland, das ihre Familie seit sieben Generationen ihr Zuhause nennt, erkundet die in Brooklyn, New York geborene Künstlerin Nathalie Joachim wie schon auf ihrem Grammy-nominierten Debütalbum "Fanm d'Ayiti" (2019, New Amsterdam) ihr haitianisches Erbe und taucht noch tiefer in seine Kultur und Geschichte ein. Ein zentrales Medium dabei: die menschliche Stimme in all ihren unterschiedlichen Facetten - ein Instrument, das DNA, Abstammung und Identität ganz automatisch in sich trägt. Joachim, die auf Englisch und haitianischem Kreolisch singt, nutzt dazu ihre eigene Stimme ebenso wie aufwendig gesampelte Vokaltexturen, die sie auf der Flöte begleitet, neben Yvonne Lam (Eighth Blackbird) an
der Violine und Jason Treuting (S? Percussion) am Schlagzeug. "Ki moun ou ye" erkundet Joachims persönliche Geschichte, während es zugleich die unterschiedlichen Rollen hervorhebt, die ihre Stimme spielt: sie ist Überlebenswerkzeug, wirkt heilend und bei der Selbsterhaltung, schafft Verbundenheit mit anderen und ist Ausdruck von Freiheit.

Release 9.2.2024

Wolfe's siebtes Studioalbum ist eine Wiedergeburt im Prozess. Es ist ein kraftvolles, kathartisches Statement über das Trennen von Bindungen und eine wichtige Erinnerung daran, dass Heilung ein zyklischer und kein linearer Prozess ist. Wolfe erklärt: "Es ist eine Platte über das vergangene Ich, das dem gegenwärtigen Ich die Hand reicht, das dem zukünftigen Ich die Hand reicht, um Veränderung, Wachstum und Führung herbeizurufen. Es ist eine Geschichte, in der es darum geht, sich von Situationen und Mustern zu befreien, die einen zurückhalten, um sich selbst zu ermächtigen. Es ist eine Einladung, in die eigene Authentizität zu gehen. Wolfe, die von Guitar World als "Königin der Gothic-Industrial-Gitarre" bezeichnet wurde, hat sich nie gescheut, Genres zu überschreiten oder ihre eigenen Mischformen zu erfinden. Sie schrieb und bearbeitete das neue Album mit ihren langjährigen Mitstreitern, dem Multiinstrumentalisten Ben Chisholm, dem Schlagzeuger Jess Gowrie und dem Gitarristen Bryan Tulao, bevor sie sie Anfang 2022 zu dem Produzenten Dave Andrew Sitek brachte. Gemeinsam dekonstruierten sie die Kompositionen und drängten die Songs in unbekannte Gewässer, wo sie dann transformiert und neu geboren wurden. Die Stücke fanden ihren endgültigen Fokus bei Shawn Everett (The War On Drugs, SZA, Yeah Yeah Yeahs), der das Album abmischte, die feinen Details aus den Vocals extrahierte und sie in die üppige Klangwelt der Produktion einfügte, in der sich schwere Gitarren in Trip-Hop-Breaks auflösen und gedämpfte Vocals aufsteigen, bevor sie von der renommierten Ingenieurin Heba Kadry gemastert wurden. Nach der Leadsingle "Dusk" verbindet "Whispers in the Echo Chamber" eine Reihe von Elementen, die Wolfe in der Vergangenheit erforscht hat, und wechselt in dynamischen Wellen zwischen minimalen Synthesizern und schweren, vollen Band-Momenten. Die wirbelnden Gesangstexturen des Songs - die durch Siteks modulare Wand laufen - sollen jene hartnäckigen intuitiven Stimmen widerspiegeln, die in einem aufsteigen, wenn es an der Zeit ist, das Alte zu verlassen und sich dem Neuen zuzuwenden. Wie Wolfe in dem rasanten Stück singt, "verdreht sie ihr altes Ich in Poesie" und "badet im Blut dessen, was sie einmal war".

Release 16.2.2024

20 Jahre nach der Veröffentlichung ihres gleichnamigen ersten Albums, das inzwischen zum Klassiker geworden ist, ist die französische Gruppe zurück! Seit Anfang der 2000er Jahre hat die Band nicht nur Post-Punk-Klassiker gecovert, sondern sie auch vielmehr neu erfunden. Die Melancholie blieb, ein Hauch von Bossa Nova kam hinzu, womit Sängerinnen wie Camille oder Phoebe Killdeer zu Ikonen wurden. "It was just an idea - OK, we should do a tribute to the songwriting of the post-punk era, and it would be really cool to do it as bossa nova", erzählt Gründer Marc Collin. "I didn't think that it would take up so much important space in my life." Ein Phänomen, das sich von Frankreich aus, wo die Band fast ein Jahr lang in den Albumcharts war, anschließend über den ganzen Globus verbreitete. Die Gruppe veröffentlicht zunächst als Single mit "Only You" eine Coverversion von Yazoo mit Mélanie Pain (eine der ursprünglichen Sängerinnen der Band). Collin hatte nicht damit gerechnet, dass er ein fünftes Album von Nouvelle Vague produzieren würde, dem Projekt, das er 2003 zusammen mit dem verstorbenen Olivier Libaux in Paris gegründet hat. Bis dieser die Sängerin Alonya auf einer Party kennenlernte und sie in sein Studio einlud, wo eine erstaunliche, neue Version von "Should I Stay Or Should I Go" von The Clash entstand, das dem neuen Album auch seinen Titel gibt. Auf dem neuen Longplayer gibt es dabei mehr Songs, die in Richtung Pop tendieren, obwohl sie ihre Wurzeln in der Post-Punk-Ära haben - Blondies "Rapture", neu interpretiert als Noir-Filmthema oder auch eine 60er-Jahre-Soul-Balladenversion von Dead Or Alives "You Spin Me Round".

Release 9.2.2024

Roberto Carlos Lange alias Helado Negro liefert mit "PHASOR" den Nachfolger zu seinem von der Kritik gelobten Album "Far In" (2021)ab. Gleichzeitig erscheint die erste Single "LFO", die von einem halluzinatorischen, selbstgedrehten offiziellen Video begleitet wird. Den Anfang nahm "PHASOR" 2019 an Langes 39. Geburtstag nach einem fünfstündigen Besuch von Salvatore Matiranos SAL MAR-Projekt an der Universität von Illinois. Diese Maschine ist ein komplexer Synthesizer, der mit einem alten Supercomputergehirn und analogen Oszillatoren generativ Musik erzeugt. Er kann eine unendliche Anzahl von Klangsequenzen erzeugen. Diese SAL MAR-Erfahrung wurde zum Grundstein für PHASOR. Sie lehrte Lange mehr über sich selbst und wurde zu einem zentralen Faktor in seinem kreativen Prozess. "PHASOR" ist Langes dichteste Song-Sammlung - tiefgründig, atmosphärisch, akribisch ausgeführt. Damit reiht es sich ein in das langjährige Schaffen Langes sowie an das 2019er Album "This Is How You Smile", auf dem er mehr Schlagzeug und Bass und fokussierte Grooves einsetzte. Sein Album "Far In" aus dem Jahr 2021 befasste sich mit dem Thema "Quarantäne". "PHASOR" wiederum ist eine Rückkehr ins Leben, eine Erinnerung daran, wie sich die Sonne anfühlt und wie man sich von ihr wärmen lassen kann.

Release 9.2.2024

Orgone sind zurück in Kalifornien und kommen mit einem feuerspeienden Spektakel aus psychedelischem Afro-Soul um die Ecke. Eine elektrisierende, traumähnliche Odyssee, die durch die nebligen Sümpfe von New Orleans führt und Texturen von betörendem Voodoo-Soul, dröhnendem Afro-Funk und steinhartem Psych-Rock verwebt. Auf "Chimera" verwandelt die Band aus Los Angeles harte, düstere und ansteckende Grooves in mitreißende Tanzrhythmen. "Chimera", benannt nach einem mythischen Tier mit dem Kopf eines Löwen, dem Körper einer Ziege und dem Schwanz einer Schlange, beschwört einen Zustand herauf, der gleichzeitig tranceartig und herzzerreißend aufregend ist. Das Album beginnt wie eine berauschende Rauchwolke im Gesicht mit "Hallowed Dreams" und zieht den Hörer in einen Zustand, in dem die Realität verschwimmt und die Musik die Kontrolle übernimmt. Der Fokus-Track "Zum Zum" ist ein mitreißender Afro-Funk-Tanzflächeneinheizer, der den Herzschlag mit der treibenden Perkussion synchronisiert, wobei sich der hypnotische Rhythmus zu einem rauschenden, psychedelischen Höhepunkt aufbaut. Auf dem rauen und mitreißenden "Tula Muisi (Dance Like Them)", einer Mischung aus Afrobeat und schwerem Psych-Rock, ruft der Sänger zu Einheit und Respekt auf, was übersetzt so viel heißt wie "Hört die Musik und tanzt wie sie". Die Band ist bekannt für ihre packenden Instrumentalstücke und ihre mitreißende Live-Show. Das verdiente Selbstvertrauen dieser bewährten und kultigen Band ist auf "Chimera" zu hören. Von Anfang an war Orgone eine Chimäre - eine facettenreiche Schöpfung und die physische Manifestation unmöglicher quixotischer Träume. Chimera wird Fans der frühen Orgone begeistern und gleichzeitig die mühelose und unendliche Fähigkeit der Band zeigen, ihre Form zu verändern. Es ist ein elektrisierendes, hypnotisierendes Album, das die Erwartungen übertrifft und den Hörer in Atem hält.

Release 9.2.2024

Das zweite Album der ehemaligen Alabama Shakes-Frontfrau nimmt mit auf eine persönliche Reise und untermalt diese mit groovigen Sounds und packenden Lyrics. Sie präsentiert uns ein Album voller musikalischer Vielfalt, das von Tanzmusik über Dream-Pop bis zu Avant-Jazz reicht und schafft es wieder einmal ihre musikalische Einzigartigkeit unter Beweis zu stellen.

Release 9.2.2024

Madi Diaz nimmt seit Mitte der 2000er Jahre professionell Platten auf und schreibt Songs, aber erst mit History Of A Feeling aus dem Jahr 2021 erlangte sie eine größere Bekanntheit. Es war nicht ihr Debütalbum, aber es fühlte sich an wie eines. Sie debütierte im Tages- und Nachtfernsehen, ging auf ihre erste Solotournee seit 2012 und unterstützte Waxahatchee und Angel Olsen auf ihrer Tournee, mit denen sie auch auf Platte zusammenarbeitete. Harry Styles wählte Diaz aus, um für ihn in Arenen und Stadien in Nordamerika zu eröffnen, und war von ihrer fesselnden Live-Show so angetan, dass er sie bat, Mitglied seiner Tournee-Band zu werden, um an seiner Seite in ganz Europa und Großbritannien zu singen und weiterhin die Show in verschiedenen Städten zu eröffnen. Nach drei Monaten auf internationaler Tournee ist Diaz zurück in Nashville und bereitet sich auf die Veröffentlichung ihres neuen Albums Weird Faith vor, das kurz vor dem Durchbruch steht. Das von Sam Cohen und Konrad Snyder produzierte Album, auf dem auch Kacey Musgraves zu hören ist, zeigt ihre Entwicklung als Songwriterin und spricht aufrichtig über die Ängste, die das Wiederverlieben mit sich bringt.

Release 9.2.2024

The Dead South werden mit jedem neuen Album abenteuerlustiger und selbstbewusster. Für ihr viertes Album brachten sie den Produzenten Jimmy Nutt nach Mexiko City, wo sie 13 Songs voller Handlungsstränge, Familienstammbäume, Groll, Versicherungsbetrug, Speck, Beerdigungen, Banjo-Riffs und mehr aufnahmen. The Dead South beherrschen Banjo-Rolls und blitzschnelle Mandolinen-Tremolos, dreistimmige Harmonien und Lieder mit klassischen Themen - Mordballaden, Untreue, Geister und dergleichen - mit einem Augenzwinkern und einem Lächeln. Wo Bluegrass auf Bach auf Billy Talent trifft, für Fans von Frank Sinatra und Tool gleichermaßen, findet man The Dead South "s "Chains & Stakes". "Chains & Stakes" ist wahrlich eine "Dead South"-Sammlung in der Balance von Dunkelheit und Leichtigkeit, die ihren unverwechselbaren Stil ausmacht.

Release 2.2.2024

Ja, Panik sind zurück! Während das letzte, experimentell-forschende und in viele Richtungen mäandernde Pop-Album "Die Gruppe Ja, Panik" (2021) ihr überraschendes Comeback nach siebenjähriger Kreativpause markierte, ist "Don"t play with the rich kids" nun so etwas wie ihre Rückkehr als Rock-Band. Als die Gang aus dem Burgenland, die sich spätestens seit "The Angst And The Money" (2009) in unser aller Herzen gespielt hat. Wir sehen Stefan Pabst, Sebastian Janata, Laura Landergott und Andreas Spechtl auf dem Cover-Foto sanft umhüllt von einem Tuch am Strand von Nirgendwo. Es hält die Band nach innen zusammen und weist gleichzeitig eine klare Grenze nach außen: Wir sind hier, und Du bist da! Und es scheint nahezu unmöglich, in diesen inner circle hineinzukommen. Eleganter lässt sich das weltweit grassierende Klassismus-Problem wohl kaum darstellen. wohl auch irgendwann einmal mit auf den Weg gegeben. Während Ja, Panik früher das System immer wieder von innen heraus zerstören wollten, mit sehr viel Glam und lustvoll vorgetragener Autoaggression, haben sie ihre Marke noch einmal gründlich re-launched, um es im Werbe-Sprech der 90er-Jahre zu formulieren. Ihr Nihilismus made in Austria als Grundgefühl ist immer noch wichtiger Markenkern, aber er wird nun wesentlich reflektierter vorgetragen. Und das inzwischen ganz selbstverständliche Mitverhandeln der eigenen Privilegien scheint die Band in ihren neuen Songs regelrecht zu beflügeln. Denn diese Rich Kids sind schließlich auch sie selbst. Davon lässt sich selbstbewusst erzählen. Wobei das natürlich unbedingt im globalen Maßstab zu sehen ist. Wir alle wissen, was eine vierköpfige, linkspolitische Indie-Rock-Band zwischen Berlin und Wien mit ihrer Musik so verdient. Und auch wenn laut Spechtl nach wie vor "1.000 Kämpfe in seinem Körper kämpfen", von denen er nach eigener Feststellung keinen einzigen je gewinnen kann, scheint ihm seine neue Rolle als Zen-Rocker und selbsternannter Kung-Fu-Fighter umgeben von seinen alten Bandkolleg:innen in ausgezeichneter Form sehr gut zu tun. Tja, viele Menschen in ihrem Alter besitzen inzwischen ein Haus in Brandenburg oder eine Eigentumswohnung in Berlin, aber wer kann sich schon Mitglied der Gruppe Ja, Panik nennen? Kulturelles Kapital, von dem viele Menschen nicht mal zu träumen wagen.

Release 2.2.2024

Großer Albumwurf für die kanadisch-amerikanische Dichterin, Sängerin und Multi-Instrumentalistin, die auf ihrem 2ten Album einlädt auf einen gleichermassen eindringlichen wie rasanten Albumtrip, der sich in einem Irgendwo des US-Südwestens abspielt, mit gezupften Folkgitarren und angeschlagenenen Americana-Gitarren genauso aufwartet wie mit rock-rolligem Gitarren-Crunch, mit eingesetzten Mariachi-Bläsersätzen wie mit grandiose Läufe vollführendem Walking Bass und Twang-Gitarre und rührenden Drums, aber auch intimem Songwriting und sepia-farbenem Sonnen-Blinzeln. Ein zeitlos klingender Sound, der Verweise zu Nick Cave, Calexico, Lee Hazelwood & Nancy Sinatra aufweist, aber sich in einer eigenen Klanglandschaft voller Dramatik und lyrischem Tiefgang aufhält und von der bemerkenswerten Stimme von Vera bestimmt wird. Die Texte sind manchmal surreal, manchmal zärtlich, unbeirrbar kühn und freizügig oder berührend mit einem Hauch von Alltäglichkeit.

Release 2.2.2024

Nicht nur in UK heiß gehandeltes Debutalbum des aus 5 Frauen bestehenden britischen Quintetts, das bereits im Vorprogramm von den Rolling Stones und Lana del rey und auf Glastonbury spielte. Von den 70er Jahren beeinflusster, dynamischer Sound, was die Dramaturgie des Songwritings und die Art der Melodien betrifft, mit abwechselndem Einzel- und Chorgesang inklusive Verweisen zu Florence undzu Kate Bush, aber auch vielfältigen Gitarreneinsatz mit Twang und Rockversatz und Klavierbegleitung, manchmal rockig, manchmal elegisch und voller Drama. In einer umgebauten Kirche im Norden Londons mit der Hilfe von Starproduzent James Ford aufgenommen.

Release 2.2.2024

Das fünfte Solo-Studioalbum, das J Mascis seit 1996 aufgenommen hat. Das ist offensichtlich kein sehr aggressiver Veröffentlichungszeitplan, aber wenn man die Live-Alben, Gastauftritte und Aufnahmen mit seinen verschiedenen anderen Bands (Dinosaur Jr., The Fog, Heavy Blanket, Witch, Sweet Apple und so weiter) mit einbezieht, nun, um Lou Reed zu paraphrasieren, "J's week beats your year". "What Do We Do Now" begann sich in den letzten Tagen der Pandemie zu kristallisieren. In seinem eigenen Bisquiteen Studio begann J, eine Reihe von akustischen Stücken zu schreiben, die eine andere Dynamik haben als die Stücke, die er für Dino schreibt. "Wenn ich für die Band schreibe", sagt er, "versuche ich immer, an Dinge zu denken, zu denen Lou und Murph passen würden. Für mich selbst denke ich mehr darüber nach, was ich mit einer Akustikgitarre machen kann, selbst bei den Leads. Natürlich habe ich dieses Mal ein komplettes Schlagzeug und elektrische Leads hinzugefügt, obwohl die Rhythmus-Parts immer noch rein akustisch sind. Normalerweise versuche ich, die Solosachen einfacher zu machen, damit ich sie selbst spielen kann, aber ich wollte unbedingt das Schlagzeug hinzufügen. Als ich damit anfing, fügte sich alles andere von selbst. So klang es am Ende viel mehr wie eine Band-Platte. Ich weiß nicht genau, warum ich das gemacht habe, aber es ist einfach so passiert." Diesmal sind zwei Gastmusiker mit von der Partie: Ken Mauri (von den B52s) aus Western Mass spielt auf mehreren Stücken Klavier. Da J selbst einige Erfahrung mit den Tasten hat, antwortet er auf die Frage, warum er einen Gastmusiker brauchte: "Ken ist großartig und er spielt alle Tasten. Ich habe auf dem ersten Fog-Album versucht, ein paar Keyboards zu spielen, aber ich fühle mich nur bei den weißen Noten wohl, also ist das irgendwie einschränkend. (lacht) Heutzutage könnte ich einfach die Tonhöhe auf einem Mini-Mellotron drehen, um verschiedene Sounds zu spielen, aber schwarze Tasten scheinen mir einfach schwer zu sein. Aus welchem Grund auch immer, ich haue einfach gerne auf die weißen Tasten. Es scheint schwieriger zu sein, herauszufinden, wie man seine Finger um die anderen Tasten herum streckt. Mauri hat keine solchen Skrupel und spielt alle Tasten verdammt gut. Besonders gut klingt er bei "I Can't Find You", wo er als Jack Nitzsche zu J's Neil Young eine der schönsten Melodien des Albums schafft. Der andere Gastmusiker, Matthew "Doc" Dunn, ist ebenfalls auf diesem Stück zu hören. Dunns Stahlgitarre schafft es, die musikalischen Kanten der Musik sowohl zu erweitern als auch abzuschwächen und ihr ein volles klassizistisches Profil zu verleihen. Dunn ist ein vielseitiger Musiker aus Ontario, den J durch Matt Valentine kennengelernt hat. Nachdem J auf Docs großartiger Sub Pop-Single "Your Feel" aus dem Jahr 2022 mitgespielt hatte, fand er, dass es Zeit für eine Revanche war. Sowohl Dunn als auch Mauri tragen auf wunderbare Weise dazu bei, die Songs von akustischen Skizzen in ausgewachsene Post-Core-Power-Balladen zu verwandeln. What Do We Do Now ist das beste Soloalbum, das J bisher geschrieben hat, und die Art und Weise, wie es präsentiert wird, ist nahezu perfekt. Auf die Frage, ob er auf Tour gehen wird, um das Album zu unterstützen, sagt J, dass er einige Wochenendtermine wahrnehmen wird, aber wahrscheinlich keine Band zusammenstellen wird. Und ich bin mir sicher, dass die Songs auch solo und akustisch großartig klingen werden, aber die Arrangements auf diesem Album sind wirklich großartig und geben Mascis' sofort wiedererkennbarem Ansatz, Musik zu machen, einen coolen, anderen Dreh. Also, was machen wir jetzt? Ich weiß es nicht. Aber anscheinend ist das, was J macht, eine seiner besten Platten überhaupt. Hut ab vor ihm.

Release 2.2.2024

Das neue Album zeigt, wie die britischeBand die Kraft nutzt, um ihren bisher stärksten Zauber zu wirken, mit flammenden psychedelischen Predigten, Raga-Rave-Ups, mit Sternenstaub überzogenen Pop-Perlen und stimmungsaufhellenden Mantras. "Dieses Kapitel im Leben der Band wird sehr stark von der Live-Energie und der spirituellen Verbindung mit dem Publikum angetrieben, die damit einhergeht. Wir waren uns alle einig, dass die Songs nicht länger als drei Minuten sein sollten. Es gibt keine Epen." (sagt Crispian) Die Band wurde 2021 durch die Rückkehr von Keyboarder Jay Darlington dauerhaft reformiert und vereinte zum ersten Mal seit 1999 wieder alle vier Mitglieder der klassischen Besetzung. 1996 erreichte die Band mit ihrem Debütalbum "K" die Spitze der britischen Charts, und mit dem Nachfolger "Peasants Pigs & Astronauts" (99) setzten sie vor ihrer vorzeitigen Auflösung neue kreative Maßstäbe. Nach ihrer willkommenen Rückkehr im Jahr 2007 mit dem selbstfinanzierten Album "Strangefolk" haben sich Kula Shaker zu einem klanglichen Höhepunkt entwickelt.

Release 26.1.2024

Zweites Album von Thom Yorke, Jonny Greenwood und Tom Skinner aka The Smile. Das neue Album, das zwischen Oxford und den Abbey Road Studios aufgenommen und von Sam Petts-Davies produziert sowie abgemischt wurde, enthält Streicherarrangements des London Contemporary Orchestra.

Release 26.1.2024

Neues Album vom Ex-Madrugada-Sänger. Es regnet in Strömen und die Nordlichter beginnen zu flackern. Im September 2021 zogen Sivert Høyem und seine Mitarbeiter in das alte Gemeindehaus von Zoar in Nyksund in der Provinz Nordland, um den Film aufzunehmen. Am Anfang stand die Idee, zusammen mit dem Techniker Bjarne Stensli etwas »Einfaches und Abgestumpftes« zu machen. Etwas, das eher an Live- oder Demo-Aufnahmen erinnert, als an eine normale Umgebung. Aufnahmestudios haben keinen natürlichen Klang. Sie suchten einen großen Aufnahmeraum, vorzugsweise eine Kirche. Sie diskutierten über Südfrankreich und die Toskana, aber es musste hölzerne Wände und Holzböden haben, und davon gibt es im Süden nicht viel. Dann kam die Pandemie, und Reisen ins Ausland kamen nicht mehr in Frage. Da kam die Idee von Zoar auf. Es befindet sich in Nyksund, einem alten Fischerdorf in Nordland, und hat neun ständige Bewohner. Alles wurde in einem Raum mit Mikrofonen aufgenommen, meist zu dritt (Sivert, Christer Knutsen und Børge Fjordheim). Nichts kommt aus Boxen mit vorprogrammierten Sounds. Abgemischt wurde das Ganze vom legendären Tchad Blake in seinem Heimstudio in Wales. Zufällige Geräusche, knarzendes Holz und der Klang möglicher Geister sind enthalten. Es klingt zeitlos, unmittelbar und rau, und es ist unklar, ob »Rock« die richtige Bezeichnung ist.

Release 26.1.2024

Auf das akustische Introspektionswerk "Hello, Hi" von 2022 lässt Ty Segall eine tiefere, wildere Reise zum Zentrum des eigenen Ichs folgen. Mit "Three Bells" hat er eine Reihe seiner ehrgeizigsten, elastischsten Songs geschaffen, die sein musikalisches Vokabular mit immer größerer Raffinesse einsetzen. Es ist eine obsessive Suche nach einem Ausdruck, der die Antwort auf die Flut ist, die ihn unbewusst in die Tiefe zieht. Fragen, die wir uns alle in unserem eigenen privaten Spiegel stellen, werden hier gestellt - und unabhängig davon, was die mysteriösen "Three Bells" im Kontext des Librettos des Albums bedeuten, kann man sicher sein, dass Ty sie für sich selbst läutet, und damit auch für den Rest von uns

Release 26.1.2024

Weniger als zwei Monate nach dem letzten Tourtermin ihrer "As Long As You Are"-Tour, geben die Synth-Pop-Götter von Future Islands heute die Details ihres neuen Albums "People Who Aren't There Anymore" bekannt, das am 26. Januar 2024 bei 4AD erscheinen wird. Das siebte Album der Band - Samuel T. Herring (Gesang, Lyrics), William Cashion (Bass, Gitarre), Gerrit Welmers (Keyboards, Programmierung) und Michael Lowry (Schlagzeug) - folgt auf das 2020 erschienene "As Long As You Are". "People Who Aren't There Anymore" läutet ein neues Kapitel der Band ein, die sich vor fast zwei Jahrzehnten gegründet hat. Mit dem neuen Album wollten sich Future Islands selbst aufs Neue herausfordern. Wo sie in der Vergangenheit nach immer energiegeladeneren Hymnen suchten, haben sie sich dieses Mal ein wenig nach Innen gekehrt und so ihre vielleicht herzzerreißendsten Tracks geschrieben. Sie lassen jeden Atemzug, jede Silbe, jeden Beckenschlag auf den Hörerwirken lassen. Das Ergebnis ist ein kraftvolles, prägendes Statement einer Band, die das beste Album ihrer Karriere geschaffen hat. Zusammen mit der Ankündigung veröffentlicht die Band eine neue Single aus dem Album: "The Tower", zusammen mit einem Video, bei dem Jonathan van Tulleken (Top Boy, Shogun) Regie führte. Das Video zum Song ist das zweite Projekt, an dem van Tulleken und Herring gemeinsam gearbeitet haben - die beiden arbeiteten zuvor an der Apple TV-Serie "The Changeling", deren erste Staffel im September ausgestrahlt wurde. Der Track folgt den bereits veröffentlichten Singles "Deep In The Night", "King of Sweden" und "Peach", die ebenfalls auf "People Who Aren't There Anymore" vertreten sind

Release 26.1.2023

Neues, sechstes Studioalbum von Mackenzie Scott. Sie wurde am 23. Januar 1991 geboren und lebt mit ihrer Frau Jenna, ihrem Stiefsohn Silas und ihrem Hündchen Sylvia in Brooklyn, New York. Seit 2013 veröffentlicht sie Alben und tritt als Torres auf. Das Album wurde im September und Oktober 2022 im Stadium Heights Sound in Durham, North Carolina, aufgenommen. Es wurde von Ryan Pickett aufgenommen, von Mackenzie Scott und Sarah Jaffe produziert, von TJ Allen in Bristol, UK, gemischt und von Heba Kadry in NYC gemastert. Das Album enthält 10 Songs. Mackenzie hat sie alle geschrieben. Sarah spielte Bassgitarre, Synthesizer, Schlagzeug, Orgel und Klavier. Mackenzie sang Gesang, spielte Gitarre, Bass, Synthesizer, Orgel, Klavier und programmierte Schlagzeug. Zusätzlicher Synth-Bass, Tamburin und Shaker wurden von TJ Allen gespielt.

Release 26.1.2024

Das neue Studioalbum steckt voller heftigem Gitarren-Sound und setzt ein besonderes Augenmerk auf das rhythmische Zusammenspiel zwischen Bass und Schlagzeug. Die Band verschiebt dabei die Grenzen ihres einzigartigen Sounds, bleiben sich selbst jedoch treu. Das Album ist eine abwechslungsreiche Sammlung von Liedern mit sozial-politischer Message bis hin zu tief persönlichen Einblicken reichen. Altbewährte Energie und Old School Sound werden mit zeitgenössischer Raffinesse zu einem der besten Alben ihrer langen Karriere vereint. "Wir haben Mitte 2021 in unserem eigenen Studio angefangen erste Ideen zu schreiben und aufzunehmen. Schon früh wussten wir, dass unsere erste Wahl für den Mix der legendäre Tchad Blake sein würde. Das Album klingt nach uns, aber doch anders, und es wurde grandios abgemischt – kraftvoll, dynamisch und musikalisch", sagt die Band.

Release 26.1.2024

Blue Raspberry ist der Nachfolger von Katy Kirbys berühmtem Debütalbum Cool Dry Place, das im Februar 2021 erschienen ist. Die Singer/Songwriterin Katy Kirby stellte ihre warme, artikulierte Stimme, ihre einfühlsamen Texte und ihren verspielten Adult-Alternative-Stil auf ihrem Debütalbum vor, als sie unermüdlich als Support für Bands wie Waxahatchee, Andy Shauf, Julia Jacklin und Alex G tourte. Blue Raspberry, das mit derselben Band und denselben Produzenten (Logan Chung und Alberto Sewald) aufgenommen wurde, gibt Gas und betritt ein völlig neues Terrain, auf dem sich Katy als Songwriterin voll entfalten kann. In Tracks wie "Redemption Arc" und dem Titeltrack "Blue Raspberry" lehnt sie sich furchtlos weit in den barocken Piano-Pop hinein, und lyrisch erkundet sie Themen wie Verlust und queere Liebe. Nur wenige sind in der Lage, die gleiche emotionale, theatralische Magie von Künstlern wie Fiona Apple, Tom Waits und Joanna Newsom einzufangen, aber Katy schafft es auf diesem Album; das herausragende "Drop Dead".

Release 19.1.2023

Neues, 14tes Album der amerikanischen Punk-Rocker rund um den Frontman Billie Joe Armstrong. Wie nicht anders zu erwarten, gibt die neue Single der Band die Gelegenheit, dem politischen Frust Luft zu machen - natürlich zur Melodie einer Pop-Punk-Melodie. "Send out an SOS/ It's getting serious/ Bulldoze your family home/ Now it's a condo", singt er über ein hin und her gehendes Riff. Trotz seiner Pop-Struktur ist es ein ziemlich brutaler Singalong: "Küss mich, ich bin innerlich tot", witzelt Armstrong. "Wer braucht schon Selbstmord?"

Release 19.1.2024

"Melodies of Immortality" erschien vor fünf Jahren, und das Album offenbarte sich als das dunkelste Schweizer Popalbum aller Zeiten. Sein Talent im Schreiben grosser Popsongs steckt Lord Kesseli gerne unter eine grosse Glocke, gefüllt mit Räucherstäbchenduft, Romantik, Traurigkeit und Wut. Gemeinsam mit der musikalischen Wucht von The Drums kreiert das Duo Lieder, die stets zwischen Endzeitstimmung und Liebesoffenbarungen hin und her pendeln.

Nach einem Solo Album von Lord Kesseli ("Tell Me When You're Empty", Album, 2021) und einer Kollaboration mit Asbest ("Altari", EP, 2023) sind Lord Kesseli & The Drums zurück mit neuer Musik: Das dritte Studioalbum des Duos "I Was In Love" muss man wiederum nicht bloss hören, sondern erleben.

Release 19.1.2024

Der Detroit-Spucker ist nicht ohne Grund ein Fanfavorit, eine durchgeknallte wie fesselnde Persönlichkeit, der mit lyrischer Wildheit, einem charismatischen Rapstil und berüchtigten
Beats und Reimen sowas wie der Kool Keith der Gegenwart ist. Einer, der sozusagen ein gepfeffertes Ärschle auf der Zunge trägt und dabei immer wieder knackig in Szene gesetzt wird von detailreich programmierten Jazz-Breakbeat-Drums und brillianten Soundlandschaften (z.B "Jenn´s Terriffic Vacation" feat. Kassa Overall), um im nächsten Song zu stimmungsvoller Basslinie oder Slow Beat den Sonnenuntergang an der Beach zu geniessen ("Down wit it" oder "Shakedown") Danny ist aber teils auch gnadenlos und arty drauf beim Griff in die musikalische Trickkiste, siehe der Gitarren-Loop von "Tantor" oder der coole Punch von Tracks wie "Dark Sword Angel" oder dem großartigen, ungemein schmissg-energetischen Detroit-Track "Y.B.P." feat. Bruiser Wolf. Das 6te Album enstand während der Pandemie und enthüllt die inneren Monologe dieser dunklen Zeit zu freigeistigem Avantgarde-Hiphop der extraordinären Sorte mit griffigen Tracks inbetween.

Release 19.1.2024

Gewaltiges, atemberaubendes Album, das dir die Unterhose auszieht und als Fahne schwenkt. Kaum zu glauben, dass es sich bei der Band aus Toulouse um ein aus den Brüdern Jean und Remí Fossat und Canek Flores bestehendes Trio handelt. Es ist ein massives Gefühl von ozeanischer Größe, dass sich beim Hören einstellt. Slift verbinden eine wütende metallische Metal-Intensität mit Psych-Rock- und Shoegazer-Gitarren-Momenten und Post-Rock-Epik, dazu gesellt sich in den intensiven Bereichen exzellentes, virtuoses Hi-Speed-Jazz-Drumming, das im Gegensatz zu dem verzerrten Bass und der zwischen schweren Metal-Riffs und Freeform-Noise- und Psychrock-Figuren vollziehenden Gitarre und dem immer wieder mit wechselweise heiserer Sludge-Stimme geshouteten oder gemeinsamem Chor-Gesang plus bisweilen eingesetzte Space-Electronic eine unglaubliche Dynamik entfacht, auch weil sie beim Songwriting in ungeahnten Rock-Horizonte vordringen. Ein melodisch dichtes, leidenschaftliches, rhythmisch mitreissendes Meisterwerk zwischen Trail of Dead, Isis, GYBE, Motorpsycho und Goat.

Release 19.1.2024

Das hochgelobte niederländische Quartett aus Maastricht, meldet sich mit seinem dritten Album zurück, das sich klanglich weit ausdehnt. Aufgenommen in ihrem eigenen Studio auf dem belgischen Land, ist das Album ein Kaleidoskop von Klängen und Einflüssen, das ein Niemandsland zwischen Khruangbin und Kraftwerk, Surfmusik und südostasiatischer Psychedelia, Stax-Soul und mutiertem 80er-Jahre-Disco, City-Pop und japanischem Instrumental-Folk (sokyoku) besetzt.

Release 19.1.2024

"Little Rope" ist eines der feinsten und vielschichtigsten Alben in der fast 30-jährigen Karriere von Sleater-Kinney. Das 11te Album als makellos zu bezeichnen, wäre eine Beleidigung seiner Intention - es stürzt sich kopfüber in Fehler und Gebrochenheit - eine Meditation darüber, was das Leben in einer Welt der ständigen Krise aus uns gemacht hat, und was wir im Gegenzug der Welt antun. Oberflächlich betrachtet, reichen die 10 Songs des Albums von sparsam bis hymnisch, von eingängig bis absichtlich hart. Dahinter verbergen sich jedoch die vielleicht komplexesten und subtilsten Arrangements aller Sleater-Kinney-Alben und ein lyrischer und emotionaler Kompass, der fest auf etwas Befreiendes und zugleich Erschreckendes ausgerichtet ist: das Gefühl, dass der einzige Weg, die Kontrolle zu gewinnen, darin besteht, sie loszulassen. Im Herbst 2022 erhielt Carrie Brownstein einen Anruf von Corin Tucker, die selbst gerade einen Anruf von der amerikanischen Botschaft in Italien erhalten hatte. Jahre zuvor hatte Brownstein auf einem Passformular Tucker als Notfallkontakt angegeben, und während sie inzwischen ihre Telefonnummer geändert hatte, hatte Tucker dies nicht getan. Die Botschaftsmitarbeiter versuchten verzweifelt, Brownstein zu erreichen. Als sie sie schließlich erreichten, erzählten sie ihr, was passiert war: Während eines Urlaubs in Italien waren Brownsteins Mutter und Stiefvater in einen Autounfall verwickelt worden. Beide kamen dabei ums Leben. Obwohl ein Teil des Albums bereits geschrieben war, wurden Aspekte der einzelnen Songs - ein Gitarrensolo, der Gesangsstil, der klangliche Ansatz - in eine veränderte emotionale Landschaft gezogen. Während Brownstein und Tucker sich durch die frühen Nachwirkungen der Tragödie bewegten, begannen sich Elemente dessen herauszubilden, was das emotionale Rückgrat von Little Rope werden sollte - wie wir mit der Trauer umgehen, mit wem wir sie durchleben und wie sie uns verwandelt. Das Ergebnis ist eine Kollision von Gewissheit und Ungewissheit, die schon in den ersten paar Sekunden des Eröffnungsstücks und der ersten Single "Hell" deutlich wird.

Release 12.1.2024

Ihr rätselhafter, genreverwandelnder Sound wurde schon mit "dem Liebeskind von Nico und Joanna Newsom", Blur und PJ Harvey aus der Rid of Me-Ära verglichen. Auch das 4te Album besitzt Eigenheit und eigenen Charme, vereint Indierock-Elemente mit Avant-Pop und lebt sowohl von Laut-Leise-Dynamik, aufganauter Spannung als auch griffiger Melodiosität sowie überraschenden Wendungen innerhalb der Songs oder einer synkopischen Verzierung hier, einer Soundspielerei dort. Klasse Album der britischen Musikerin mit kraftvoller Note, unter die Haut-Appeal und exquisitem Songwriting. In vielerlei Hinsicht die härteste Platte, die Marika je gemacht hat. Wie der Titel schon sagt, ist es eine Art Erleichterung - von Traurigkeit, Stress und Lust. Textlich gibt es neben der Trauer auch immer wieder Romantik, mit Elementen von Verletzlichkeit und dem Gefühl, gefangen zu sein

Release 5.1.2024

Auch als Ltd.-Red Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 34.90)

Starkes Einstandsalbum nach 2 EPs der 2019 in Dublin, gegründeten irischen Band, die mit ihrer in mehrere Richtungen offene Vision von Post-Punk den Zeitgeist mit beiden Händen fassen können und auf den britischen Inseln als heisseste Genreband gehandelt werden. Das Album glänzt mit unbändiger Energie, viel Dynamik, Abwechslung und coolen Breaks, die den Songs was einzigartiges schenken - genau wie die klasse Performance von Sängerin, Gitarristin und Lead-Songwriterin Karla Chubb, die alles von Powerröhre bis Lament, von Melodiemonster bis Anklägerin drauf hat und von der Band effektiv in Szene gesetzt wird, dabei ziehen sie oft auch zurück für einen kurzen ruhigen Zwischenpart, um um so brachialer weiterzu machen. Erinnert ein Stück weit jeweils an Idles, Dry Cleaning, Amyl & the Sniffers und McLusky und hat bisweilen sowohl dissonantes Postpunk- als auch Garagerock-Appeal.

Release 12.1.2024

Die Fackelträger der britischen Gitarrenmusik sind zurück mit ihrem sechsten Studioalbum. Der Titel stammt von einem Text aus Don McCleans "American Pie", einem Song, der für Young den Tod der Unschuld und des amerikanischen Traums beschwört. Nachdem er nach Los Angeles gezogen war - eine Stadt, in der die Band aufgewachsen ist, war er gezwungen, sich mit der Desillusionierung auseinanderzusetzen, die auftritt, wenn Erwartungen, Träume und Realität nicht übereinstimmen. Doch obwohl "Pick-UpFull of Pink Carnations" ein Album über die Versöhnung mit dem Verlust ist, ist es auch voller Dankbarkeit für die Menschen und Orte, die wir einst geliebt haben.

Release 9.12.2023 - Vinyl-Release am 19.1.2024

Yeah!

24.11.2023

Nach diversen EPs und einer Split mit Thou unterschrieb die Band Ende 2022 bei Flenser und präsentiert nun ihr Debütalbum. Auf "Desolation´s" Flower greifen Ragana auf eine Reihe von Einflüssen zurück, von der Flora und Fauna ihrer Herkunft aus dem pazifischen Nordwesten bis hin zum düster-nostalgischen Folk von Mt. Eerie und, ja, ihren olympischen Vorfahren Wolves In The Throne Room, und vermischen es zu einer experimentellen, höchst eigenwilligen Interpretation von Black Metal. Zusammengehalten durch einen intensiven Fokus auf rohe Emotionen und eindringliche Atmosphären, wechseln sie nahtlos von zarten, hypnotisierenden Gesangsharmonien zu durchdringenden, herzzerreißenden Schreien und wieder zurück, was zu einer Musik führt, die schwer, schön und strafend zugleich ist.