Doors 19.00 Uhr / Showtime 20.00 Uhr

Eintritt mit Zertifikat, Kollekte, Barbetrieb

Er hat viele Anhänger, einer davon hängt an seinem Fahrrad - inkl. Gitarrenverstärker! Der Maze von Tomazobi! Der Junge ist live kaum zu bremsen, er präsentiert uns an diesem Abend Ice Cream Hits vom Feinsten!

Don't miss it!

Release 28.1.2022

Tocotronic, eine der erfolgreichsten und prägendsten deutschsprachigen Rockbands der letzten Jahrzehnte ist zurück mit ihrem 13. Werk. Nie wieder Krieg ist entwaffnend persönlich und wohl eines der schönsten Alben ihrer Karriere. Passend zur Zeit wollte die Band Lieder über allgemeine Verwundbarkeit, seelische Zerrissenheit und existenzielles Ausgeliefertsein schreiben, über Einsamkeit und Angst, aber auch über Träume und Liebe. Songs wie Jugend ohne Gott gegen Faschismus, Nie wieder Krieg oder Komm mit in meine freie Welt sind mehr als eine Rückbesinnung auf Tocotronics Leidenschaft zum Sloganeering. Hinter den prägnanten Titeln verbergen sich Texte, die versuchen, flüchtige Stimmungen der Gegenwart auszuloten und diese in Lyrics and Music gegen die Vereinzelung zu bannen, wie es in Hoffnung heißt. Ausgangspunkte waren keine Theoreme, sondern ihr eigenes Erleben und ihre eigenen Beobachtungen und die dadurch aufgeworfen Fragen und Zweifel. "Nie Wieder Krieg" ist ein großes Album, das uns Kraft und Trost leiht, ohne die Widrigkeiten jener Gegenwart kleinzureden, in der wir diese Kraft und diesen Trost brauchen. In ihrer neuesten und schönsten und reifsten Inkarnation sind Tocotronic so romantisch und realistisch wie noch nie in ihrer langen Schaffensgeschichte.

Release 5.11.2021

Es kann schon einem ganz schön erdrückenden Rucksack gleichen, wenn man als blutjunge Newcomerin mit dem Debütalbum plötzlich ins Rampenlicht rückt, zu einer Stimme ihrer Generation, von Kritikern wie Fans gleichermaßen gefeiert wird und weltweit ausverkaufte Shows vor immer größeren Menschenmengen spielt. Lindsey Jordan ist es so ergangen und auch wenn sie auf ihrem 2018-Debütalbum Lush sang "I'm in full control / I'm not lost / Even when it's love / Even when it's not", brachte das Ende einer Beziehung letztlich das Fass zum Überlaufen. Sie entschloss sich für einen letztlich 45-tägigen Rehab-Aufenthalt in Arizona - und fing dort nur mit Stift und Papier, beziehungsweise ohne jegliche Instrumente oder Aufnahme-Equipment, an am neuen Album zu arbeiten. Dieses erscheint nun am 5. November in Form von "Valentine" via Matador Records, nimmt uns alle auf eine einzigartige Odyssee voller wahrhaftiger Originalität mit und führt die Indie-Musik in eine neue Ära. Mit dem Grundgerüst des Albums zog es Jordan nach Durham, North Carolina, wo sie sich mit Brad Cook (Bon Iver, Waxahatchee) im Winter 2021 in dessen kleines Home Studio verkroch. Mit dabei waren außerdem die langjährigen Bandmitgliedern Ray Brown und Alex Bass, sowie der Techniker Alex Farrar, während nachträglich noch Streicher in den Spacebomb Studios in Richmond aufgenommen wurden. Die Erfolge der Vergangenheit, eine schmerzliche Trennung, 6 Wochen Rehab und einige seelische Narben hat Jordan mit "Valentine" hinter sich gelassen. Es ist eine Momentaufnahme einer verlorenen Liebe geworden und ein Abschluss, der die Tür zu einem bitterkalten Kapitel für sie zuschlägt.

Release 5.11.2021

Drittes Album des großartigen Musikers aus Atlanta, der mit einem mitreissenden Mix aus Vintage Soul, R&B, Hip-Hop, Garage Rock und Psychedelia aufwartet. Harding singt auf dem Song "I won´t let yu down" mit Hingabe über einen klassischen Soul-Groove, der mit ansteckendem Bläserspiel, einprägsamen Backgrounds und modernen psychedelischen Sounds versehen ist: "Take your time and don’t worry baby / Everything is fine even here lately / There’s an old friend just hanging around / When you need me I won’t let you down". Als Inspirationsquelle für sein neues Album nennt Curtis seine Mutter, die im Kindesalter zu ihm sagte: "Gib mir meine Blumen, solange ich noch hier bin". Es war ein Satz, der dem talentierten Sänger und Multiinstrumentalisten über die Jahre im Gedächtnis blieb, eine Erinnerung daran, seine Liebe und Wertschätzung für die Menschen zu zeigen, die ihm wichtig sind, bevor es zu spät ist. "Das ist es, was dieses Album ausmacht", reflektiert Harding. "Ich schenke der Welt meine Blumen, jedem, der hören muss, was diese Lieder jetzt zu sagen haben

Reease 28.1.2022

Als erste Single veröffentlicht die Band um Sänger Mark Oliver Everett alias E den Song "Good Night On Earth"! Das neue Album ist zusammen mit dem PJ Harvey-Produzenten John Parish entstanden, mit dem Eels 2001 bereits für das Album "Souljacker" zusammengearbeitet haben. "Good Night On Earth" gibt einen ersten Eindruck vom Sound des mittlerweile vierzehnten Eels-Albums, das auf den 2020er-Vorgänger "Earth To Dora" folgt. Mit aufwühlenden Drums und verzerrten Stoner-Rock-lastigen Riffs versuchen Eels, die Welt aus ihren Angeln zu heben, um sich voll und ganz auf das Hier und Jetzt einlassen zu können.

Release 5.11.2021

Emma´s neues Album ist stark, intim und unnachgiebig. Für jeden, der Trauma und Trauer erlebt hat, ist es ein willkommener und guter Trost, Rundle zuzuhören, wie sie diese besondere Art von Schmerz nicht nur mit ihren Worten, sondern auch mit ihrer besonderen geheimnisvollen Sprache der Melodie und Klangfarbe artikuliert und vermenschlicht. Das Album fängt einen Moment ein, in dem eine meisterhafte Songwriterin alle Schnörkel und Verzierungen weglässt, um jede Note und jedes Wort mit maximaler Wirkung zu treffen und wenig zu verstecken. Eine sanfte, melancholische Klavierlinie leitet den Album-Opener und die Leadsingle "Return" ein, und wenn sie schließlich singt, jede Silbe mit äußerster Absicht geführt, entfesselt sie die bedrohlich kryptischen Anfangszeilen "A rich belief that no one sees you / Your ribbon cut from all the fates and / Some hound of Hell looking for handouts / The breath between things no one says." Die Zweideutigkeit mag die Muse verdunkeln, aber sie schmälert nicht ihre Schwere.

Release 11.2.2022

"U&ME heißt das vorab erscheinende Stück, welches nicht nur einer der schönsten, sondern auch der ehrlichste Song der britischen Band ist. Gleichzeitig repräsentiert er die unvergleichliche Experimentierfreudigkeit, die den Jungs von alt-J über all die Jahre noch immer erhalten geblieben ist. Neue Elemente arbeiten sich fein und subtil in den Sound ein, bis sich ein energetischer Breakdown die Stimmung durchbricht. Entstanden ist das Stück während verschiedener Soundchecks auf der ganzen Welt und als die Band die Recordings anschließend anhörte, wurde ihnen bewusst, dass es eine ihrer bisher dynamischsten Aufnahmen war. „Es nahm ganz von selbst Fahrt auf und es war einfach das Beste, dem Prozess Raum zu geben und ihm einfach aus dem Weg zu gehen. Wir waren einfach nur da", sagt Leadsänger Joe Newmann über den Entstehungsprozess.

Release 22.10.2021

Auf dem neuen Album begibt sich Black marble aus LA auf eine Zeitreise zu den vergessenen "Bedroom kids" der analogen Ära, den heiteren Tagen der coolen Hooks und Synthies, die immer kurz davor waren, aus dem Takt zu geraten. Harmonien werden über die Weite des Raums eingespielt, und die Texte fangen Gespräche ein, die aus einem anderen Raum zu kommen scheinen, wiederholen eine zufällig gehörte Anschuldigung oder sprechen wie im Schlaf von zwischenmenschlichen Kämpfen, die auf eine unterbewusste Phrase heruntergebrochen sind. "Fast Idol" ist Stewarts viertes Album und sein zweites für Sacred Bones. Sein vorheriges Album "Bigger Than Life" entstand angesichts des kulturellen Wandels in den USA. Als er diesen erlebte, wurde ihm klar, dass er nicht auf bestimmte negative Gefühle reagierte, die unter der Oberfläche brodelten und nach außen drangen.

Mit "Fast Idol" kehrt er nun zu den Gefühlen und dem Prozess zurück, die die frühen Tage ausmachten. Er kehrt zu seinem intuitiven Songwriting-Prozess zurück, in dem die Songs als impressionistische Schnipsel alltäglicher Konflikte landen und die Menschen mit der Herausforderung kämpfen, sich in der Welt zurechtzufinden.

Release 8.10.2021 (Vinyl am 12. November 2021)

Zweitling des auf die US-Ostküste verteilten Quartetts um Sängerin Spender Peppet und Violinistin Andrea Fuentes. Ihr Trademark Sound irgendwo zwischen Indiepop/Sadrock/Post-Rock klassischer US-Prägung mit leichtem Country-Twang ist wunderschön soft und ideenreich, und so sind auch diese Songs eine wahre Freude (wie der Labelname schon vermuten lässt). Vor Jahren wäre so eine Band auf Tour mit Rilo Kiley o.ä. gegangen, heute sind solche Referenzen nicht mehr nötig, sie spielen tatsächlich in einer Liga mit Bands wie (frühen) Low, Laura Veirs, und v.a. die legendären Ida fallen immer wieder ein, denn diesen wunderbar fragilen Vibe bringen The Ophelias sehr schön rüber, und das ist nicht so easy. Großartige Platte die vermutlich noch immer nicht die Aufmerksam generieren wird die einer solchen Band zukommen sollte, aber was soll´s. Fantastisch!

Release 15.10.2021 (Vinyl am 28.1.2022)

Jade Jackson und Aubrie Sellers haben sich während der Pandemie zusammengetan and präsentieren einer der überzeugendsten Duo-Alben des letzten Jahrzehnts. Gegründet wurde die Band während der Pandemie, nachdem Jackson über eine Social-Media-DM an Sellers herantrat und anfragte, ob Sellers Backing Vocals auf einem ihrer neuen Songs singen wolle. Die kreative Partnerschaft blühte schnell zu einem kompletten Duo-Projekt auf, wobei Sellers und Jackson die sofortige Chemie, kosmische Kräfte und ihren Wunsch, eine Platte zu schreiben, die ihre weitreichenden musikalischen Interessen widerspiegelt, als Gründe nannten, die ihre neue musikalische Verbindung schnell zementierten. Beide Künstler wollten vor allem ein Projekt, das ihre zugewiesenen musikalischen Identitäten herausfordert und eine deutlichere Rockrichtung in ihrem gemeinsamen Sound erforscht. "Ich wollte uns noch weiter in den Rock'n'Roll-Sound treiben, den ich schon bei meinen letzten beiden Soloalben verfolgt habe", sagte Sellers. Jackson fügte hinzu: "Wie wenn man ein Papierflugzeug in die Luft wirft, ohne zu wissen, wie weit es fliegt oder wo es landet, sind wir dem Weg dieser Platte gefolgt. Vom ersten Moment an, als Aubrie und ich zusammen sangen, spürte ich, wie sich die Flugbahn meiner Kreativität veränderte und ich der Spontaneität und der rohen, unverfälschten Kreativität den Vortritt ließ. Ich hatte noch nie so viel Vertrauen in den Prozess des Schaffens wie bei der Entstehung dieser Platte.

Release 1.10.2021

Schon mit der vorab veröffentlichten Single "America's Cup" sowie dem Titeltrack "Pink Lunettes" fangen die Australier auf "9" das anarchische Gefühl der Unsicherheit wieder ein und ist näher als je zuvor an der kreativen Supernova, die so viel von der Musik der Band durchglüht hat.

Produziert von Pond und gemischt von Jay Watson und James Ireland, werden ihre Erkundungen auf "9" in elektrisierende Ausbrüche reiner Psych-Pop-Freude gebündelt. Kein einziges Stück überschreitet die Fünf-Minuten-Marke. Vor allem aber vermittelt "9" ein Gefühl von kreativer Unbekümmertheit und einfach nur Spaß. Ursprünglich wurden Pond um die Dekaden-Wende 2010 als "Royal Trux-cum-Cream-Power-Trio" von Allbrook mit Jay Watson und Joe Ryan gegründet. Kurz darauf kam Jamie Terry hinzu, und James Ireland vervollständigte später das unbändige Fünfergespann. POND sind sehr produktiv und können auf beeindruckende acht Studio-Alben in ihrem ständig wachsenden Repertoire verweisen. 2019 war ein Meilenstein für das einzigartige Kollektiv mit der Veröffentlichung ihres bisher von der Kritik am meisten gefeierten Albums, "Tasmania".

Release 8. Oktober 2021

The Body und Big Brave sind beides Bands, die über die Fähigkeit verfügen, mit Einfachheit, Wiederholung und detaillierten Klangatmosphären einen überwältigenden Sound zu kreieren. Big Brave formen den Sound mit dichten Gitarrenwellen und Rückkopplungen, minimalistischen und hypnotischen Crashs und emotional anspruchsvollen Gesangsmelodien. In der Zusammenarbeit verlagern sie die Schwere ihrer Kompositionen auf verwobene Schichten von Perkussionsinstrumenten und ausufernden Gitarren, die sich durch ein starkes Gerüst aus erdigem Folk ausbreiten. eide Bands wollten sich der Herausforderung stellen, ein Werk zu schaffen, das über die Grenzen der Musik hinausgeht, die sie individuell machen. Lee Buford von The Body stellte die anfängliche Herausforderung dar: gemeinsam ein Album zu machen, das an die Country- und Folk-Wurzeln von The Band erinnert. Robin Wattie von Big Brave stellte Texte und Melodielinien aus Hymnen und Volksliedern aus den Appalachen, Kanada und England zusammen. Die Wurzeln von Big Brave als minimalistische Folk-Band und die Vorliebe von The Body für Old-Time-, Country-Blues- und Folk-Musik sorgen somit für ein durchaus authentisches Country / Folk-Feeling!

Release 1.10.2021

Freak-Pop vom Feinsten des Duos, welches aus Sängerin/Autorin/Visual Artist Evangeline Ling und Multi-Instrumentalist/Produzent/Mixer David Wrench (Frank Ocean, The xx, Caribou) besteht. Chaotische Energie und Verrücktheit treffen auf abwechslungsreiche Popsongs, die die gesamte Gefühlspalette abdecken - fröhlich, wild, wütend, kraftvoll, komisch, intensiv. Ling klingt dabei ab und zu sprechend wie Kate Tempest, dann wieder aggressiv und ausbrechend. Ein kreativer Prozess zwischen zwei Menschen, der wohl nie abgeschlossen ist.

Release 11.2.2022

Auch als Taoe erhältlich (CHF 19.90)

Anders Trentemøllers sechstes Studioalbum scheint ein Zusammenspiel von Inspiration, Zufall und vielleicht sogar ein bisschen Übernatürlichem zu sein. Kürzlich veröffentlichte er vier Songs in Form von zwei Singles (No One Quite Like You feat. Tricky und Golden Sun) und so könnte es überraschen, dass auch ein Doppelalbum in den Startlöchern steht. Wie bei den meisten Trentemøller-Veröffentlichungen handelt es sich um eine Sammlung von Songs, die thematisch durch viele melodische Fäden verbunden sind. Die erste Single aus dem kommenden Album, „In The Gloaming", deutet an, dass der Bogen des Albums tatsächlich spät am Tag begonnen hat, so dass man das Gefühl hat, am Abend aufzuwachen und in der Dämmerung die Sterne in Form von perkussiven Arpeggios funkeln zu sehen. Das Trentemøller-Album "Obverse" aus dem Jahr 2019 war ein Beispiel dafür, was man tun könnte, wenn die Aussicht, die Songs auf der Bühne zu spielen, keine Rolle spielen würde. Es öffnete einige Türen und läutete ein neues Kapitel ein. Memoria, selbst in Anbetracht seiner Pracht, fühlt sich fast so an, als würde es danach verlangen, auch live präsentiert zu werden.

Release 22.10.2021

The Biff is back! Nur rund 14 Monate nach "A Celebration of Endings" sind die Schotten zurück mit einem neuen Album. Es ist die Kehrseite der Medaille, das Gegenstück zur letzten Platte, die Antwort auf die letzten Monate und die sich rasant verändernde Welt. Der Lockdown führte dazu, dass die Platte vollkommen anders aufgenommen wurde als alle Alben zuvor - zum ersten Mal nahmen sie in Schottland im umgebauten eigenen Proberaum auf. Ursprünglich wollte die Band nur unfertige Songideen vom Vorgänger finalisieren, dann aber änderte sich die Richtung und die Band schrieb ein komplett neues Album. In der ersten Vorabsingle "Unknown Male 01" findet sich alles wieder, was den Sound der Band ausmacht - emotionales Intro, verzerrter Vollbreakdown, hymnischer Refrain, krachende Gitarren.

Release 22.10.2021

Der Titel von Dave Hauses neuem Album ist Programm. Den Nachfolger von "Kick" aus 2019 hat der amerikanische Sänger und Songwriter nämlich mit seinem Bruder Tim Hause aufgenommen. Die beiden sind schon seit Jahren ein musikalisches Team. Zehn Songs habe die Brüder für "Blood Harmony" geschrieben und aufgenommen. Dafür zogen sie im Mai 2021 nach Nashville. Um die Produktion kümmerte sich der Singer-Songwriter Will Hoge im Sound Emporium Studio. Musikalische Unterstützung gab es von 400-Unit-Gitarrist Sadler Vaden, Schlagzeuger Chris Powell und Bassist Garry W. Tallent von Springsteens E Street Band.

Release 22.10.2021

My Morning Jacket kündigen ihr neues, selbstbetiteltes Album an! Das neunte Studioalbum, der aus Kentucky stammenden Band um Sänger Jim James, erscheint am 22. Oktober über ATO Records! Die erste Single ´Regularly Scheduled Programming´ wurde ebenfalls enthüllt und ist der opener des Albums - ein Spack-Rock-Gewitter und dem poetischen, psychedelischen Kommentar über den Drang, sich zu betäuben, um einer schmerzhaften Realität zu entkommen - einer von mehreren Songs mit zarten Backing Vocals von Briana Lee und Maiya Sykes. In einem mehrwöchigen Prozess im 64 Sound-Studio in Los Angeles, wurde das Album aufgenommen, wobei Frontman Jim James auch die Produzentenrolle für ´My Morning Jacket´ einnahm.

Release 22.10.2021

Wenn eine Band in den letzten 10 Jahren von ihrer immensen Kreativität und ihrer Rastlosigkeit getrieben war, dann ja wohl die Parquet Courts! Die Discographie des Brooklyner Quartetts ist so vielseitig, wie hochkarätig - und dem steht auch ihr neues Album "Sympathy For Life" in Nichts nach! Denn hier tanzt der sich immer im Wandel befindliche Rock-Bastard zu einem neuen Beat! Das Album entstand dabei hauptsächlich durch improvisierte Jam-Sessions, die wiederum von der New Yorker-Club-Szene, Primal Scream wie Pink Floyd inspiriert wurden und dann mit den beiden Produzenten-Schwergewichten Rodaidh MacDonald (The xx, Hot Chip, David Byrne) und John Parish (PJ Harvey, Aldous Harding, Dry Cleaning) in die finale Form geschliffen wurde. Im Gegensatz zum international gefeierten (und von Danger Mouse produzierten) Vorgänger "Wide Awake!" (2018) fokussierte sich die Band beim neuen Album eher auf die Grooves als auf den Rhythmus. "Wide Awake! was a record you could put on at a party," sagt Co-Frontmann Austin Brown darüber. "Sympathy For Life is influenced by the party itself. Historically, some amazing rock records have been made from mingling in dance music culture - from Talking Heads to Screamadelica. Our goal was to bring that into our own music. Mit dem neuen Album kündigen die Parquet Courts mit "The Power of Eleven" auch ganze 11 globale Happenings um die Veröffentlichung von "Sympathy For Life" an - jedes Event ist dazu auch noch mit einem exklusiven Merch-Produkt verbunden, das es nur bei dem jeweiligen Event gibt. Beispiel gefällig? Letzte Woche zog die Gay & Lesbian Big Apple Corp Marching Band durch Downtown Manhatten und präsentierte die erste Single "Walking At A Downtown Pace" - vor Ort konnten Fans exklusive Parquet Courts Drum Sticks erstehen.

Release 10.12.2021

Nur wenige Wochen bevor die Welt in den Lockdown ging, hatte King Krule eine Handvoll europäischer Shows gespielt und dabei u.a. Tracks aus seinem von der Kritik gefeierten dritten Album Man Alive! aufgeführt. Eine Show aus Paris wurde dabei live mitgeschnitten. Mit einer wilden Intensität aufgeführt, bietet die jetzt als Live-Album erscheinende Aufnahme den Fans einen Einblick in eine Live-Tournee, die es nie gab, und erinnert sie gleichzeitig an die einzigartige Bühnenpräsenz des Künstlers. You Heat Me Up, You Cool Me Down liefert ein Set mit 17 Songs, die die gesamte Diskografie des gefeierten Künstlers umfassen, darunter die Fan-Favoriten "Easy Easy", "Baby Blue", "Out Getting Ribs" und mehr

Release 12.11.2021

Die australische Singer-Songwriterin Courtney Barnett hat mit „Things Take Time, Take Time“ ein neues Album angekündigt. Es ist das dritte Studioalbum Barnetts, und als Vorgeschmack auf das, was kommt, gibt es bereits die Single „Rae Street“ zu hören. Dazu ist außerdem ein Musikvideo erschienen, in dem Barnett gleich mehrere Rollen als Kleinstadtbewohnerin spielt.

Den neuen Longplayer hat Barnett über einen Zeitraum von zwei Jahren geschrieben. Um den Jahreswechsel herum hat sie das Material dann zusammen mit der Produzentin und Schlagzeugerin Stella Mozgawa (Warpaint, Kurt Vile) aufgenommen. „Rae Street“, der Opener der Platte ist ein entspannter Mid-Tempo-Track mit countryeskem Twang. Im Text beschreibt Barnett das Alltagsleben einer kleinen Community mit seinen eigenen Rhythmen und Abläufen. Dinge, die in starkem Kontrast zum schnellen Lauf der Welt und ihrer treibenden Kräfte stehen und sich sloganhaft auf den Punkt bringen lassen, wenn Barnett singt „Time is money, and money is no man‘s friend“. Da treffen wir die entscheidende Größe auch wieder, die der Albumtitel benennt. Nämlich die Zeit.

Release 8.10.2021

Zehntes Studioalbum des britischen Songwriters. Bragg selbst nennt das Album ein pandemisches Bluesalbum, in welchem er Empathie als den universellen Zugang zur Musik bezeichnet, mit welcher sich die Menschen gegenseitig aufrichten und neue Lösungen finden können. Produziert wurden die 12 Songs, die sich stilistisch wie gewohnt zwischen Country, Folk und Rock bewegen, von Romeo Stodart und Dave Izumi in Eastbourne. Zum ersten Mal schreibt auch Bragg`s Sohn Jack Valero an einem der Songs mit - der Meister liefert wieder eine solide Platte.

Release 19.11.2021

14 Jahre nach dem historischen Erfolg ihrer ersten Kollaboration "Raising Sand" (2007), haben sich "Rock & Roll Hall Of Fame"-Mitglied Robert Plant und die 27-fache Grammy-Preisträgerin Alison Krauss erneut zusammengefunden und präsentieren am 19.11. ihr neues Werk. "Raise The Roof" wurde, wie schon der sechsfach Grammy-dekorierte Vorgänger, von Studio-Legende T Bone Burnett produziert und umfasst zwölf neue Aufnahmen.

Release 1.10.2021

Daptone ist seit nunmehr 20 Jahren die vornehmliche Quelle für zeitgenössische Soulmusik und und feiert dies mit den Aufnahmen der besten Auftritte von drei ausverkauften Abenden im legendären Apollo Theatre. Auf den ersten Blick ist das Album die Demonstration des schieren Talents, das dazu beigetragen hat, Daptone zu dem Label zu machen, das es heute ist. Durch das Ableben ihrer geliebten Brüder und Schwestern, Sharon Jones, Charles Bradley, Naomi Shelton & Cliff Driver, hat die Veröffentlichung jedoch eine bittersüße Dimension, da sie nicht nur Erinnerung an ein freudige Ereignis ist, sondern zudem ein Tribut an das Vermächtnis geschätzter Künstlerinnen und Künstler. 26 SOngs von Sharon Jones & Dap-Kings, Naomi Shelton & Gospel Queens, Antibalas, Menahan Street Band, Daptones, Charles Bradley, Budos Band.

Release 29.10.2021

Es war auch an der Zeit. Der neben John Dwyer als "Hardest Working Man in Psych-Business" bekannte Westcoastman kehrt nach 2 Jahren mit einem neuen Album zurück, wie er es so noch nicht eingespielt hat. Ty Segall integriert auf diesem wahnwitzigen 10-Tracker mühelos analoge Elektronik von angestaubten Synthies, die nicht nur nach den weirden 60s/70s klingen, sondern eine spleenige Ästhetik aus surrealen Sprudelbädern und halluzinogenen Noisebackgrounds vorgeben, die von seiner kongenialen Freedom Band in Schach gehalten und die von Cooper Crain (Cave) in eben dieses kosmische Terrain gehoben werden. Der Trademarksound um perfektionierte Fuzz-Guitarsounds ist hier immer noch als dominates Stilmittel enthalten, nur das Songwriting wurde um eine experimentelle Note ausgeweitet; man höre nur den exemplarischen Track "Erased", der von der übersteuerten Elektronika im Spagat mit der maßlosen Rock-Exzentrik lebt, während Segall seine Stimme so vielfältig wie noch nie einsetzt. Grandiose Sounderweiterung!

Release 15.10.2021

Das Album wurde von den Elektronik-Produzenten DJ Koze, Siriusmo und seinen langjährigen Weggefährten The Krauts produziert und soll trotz neuem Sound wieder an die Anfänge Marterias erinnern. In den bisher veröffentlichten Tracks „Marilyn“, „Niemand bringt Marten um“ und „Paradise Delay“ ist der neue Sound, also starke Elektro-Einflüsse, schon zu hören. Natürlich hatte Marteria früher schon solche Beats, durch die Elektro-Produzenten wird dieser nur markanter. 5. DIMENSION wird also rough, vielschichtig, einprägsam und radikal persönlich

Release 8.10.2021

Das 11te Album veranschaulicht Kunst als ein Werk des Erkennens - die menschliche Aufgabe, sich selbst inmitten von Details, Katastrophen und Segnungen als ein unerbittlich relationales Phänomen wahrzunehmen, unter anderem. Es malt eine abenteuerliche und üppige Landschaft, gemischt von Scott Evans, von der Band selbst produziert und in ihrem eigenen New Grass Studio aufgenommen. Innerhalb des kraftvollen "Scavengers" fordert über einem dunklen und komplizierten Geflecht aus Gitarren- und Schlagzeug-Grooves der Text heraus, die Themen und Informationen zu erkennen, die uns verbinden, im Gegensatz zu dem, was uns zersetzt und zerstört. Für Sänger Dustin Kensrue ist der Song eine Sache der Vergangenheit - aber irgendwie auch nicht. Ob verloren in einer Medien-Diät, die im Wesentlichen eine Desinformations-Pipeline ist, oder, damit zusammenhängend, gefangen in der Angst vor einer Zukunft des ewigen bewussten Schmerzes, Kensrue spricht von "toxischen Weltanschauungen, die ich einst bewohnte", und in Wahrheit "eine Menge Leute, die ich liebe, sind immer noch an diesem Ort". Aus einer globalen Pandemie mit einem erneuerten Situationsbewusstsein, hart erkämpften Einsichten und einem neuen Album hervorzugehen, ist die Art von Schritt, die wir in den letzten zwanzig Jahren von Thrice erwartet haben. Mit "Horizons/East" sprechen Kensrue und seine Bandkollegen mit Offenheit und Mut die zerbrechlichen und unbeholfenen Arrangements an, die als Zivilisation durchgehen, während sie uns einladen, bewusster in unserem eigenen Leben zu verweilen. Ohne die Energie und die harte Kante ihrer früheren Alben aufzugeben, haben sie uns ein zutiefst meditatives Werk geschenkt, das als musikalische Aufforderung zur täglichen Achtsamkeit dient. Einige der Kompositionen begannen sogar mit offenen Herausforderungen, die sich die Band selbst gestellt hat, wie z.B. einen Song mit Quartakkorden zu bauen, die sie in einem Großteil des von ihnen geliebten Jazz gefunden haben, oder die Fibonacci-Folge zu nehmen und sie in ein Gitarrenriff zu verwandeln. Thrice scheinen immer darauf erpicht zu sein, in diese ihnen unbekannten Räume hinauszugehen, unsicher, wo ihre Füße landen werden, und diese neue Platte ist keine Ausnahme. Horizons/East ist ein Soundtrack für tiefere Träume.

Release 12.11,2021

"The Nearer The Fountain, More Pure The Stream Flows" sollte ursprünglich ein einziges orchestrales Stück werden, inspiriert von den eindrucksvollen und vielfältigen Landschaften Islands. Kurz vorm Lockdown 2020 zog der Gorillaz- und Blur-Frontmann nach Devon/UK, baute eine Scheune zum Studio um, und komponierte und entwickelte den Song weiter - so weit, dass aus diesem schlussendlich elf eigenständige neue Tracks hervorgingen. Der Albumtitel entstammt dem John Clare Gedicht 'Love and Memory'. Ausgedehnte orchestrale Arrangements schmiegen sich auf dem Album an intime Melodien, immer wieder treten schwer einzuordnende aufwühlende Soundpassagen auf, während Albarn als Geschichtenerzähler Themen wie Zerbrechlichkeit, Verlustängste und Wiedergeburt für sich selber einordnet:

Ähnlich wie die Schönheit und das Chaos der natürlichen Welt, die das Album abbildet, dokumentiert 'TNTFMPTSF' anschaulich die emotionale Ebbe und Flut des menschlichen Zustandes.

Release 5.11.2021

Gemeinsames Album-Projekt von Joan Wasser aka Joan As Police Woman, die von der britischen Times zur "coolest woman in Pop" gekürt wurde, mit Dave Okumu von The Invisible und dem legendären und leider kürzlich verstorbenen Schlagzeuger Tony Allen. Damon Albarn, mit dem Joan fürs vergangene Gorillaz Album zusammen arbeitete, machte sie 2019 mit Tony Allen bekannt, der von Brian Eno als "vielleicht bester Schlagzeuger, der jemals gelebt hat" bezeichnet wurde. Gemeinsam spielten sie spontan den Nina Simone Song "I Wish I Knew How It Would Feel To Be Free". Von da an war die Idee geboren, ein gemeinsames Album aufzunehmen, für das mit Dave Okumu ein enger Freund der Musikerin hinzugezogen wurde. Das 2020 in Paris aufgenommene Album vereint die herausragenden musikalischen Qualitäten der drei Vollblutmusiker auf magische Weise.

Release 29.10.2021

Neues Album. Auf der neuen LP versammelt die Band insgesamt zehn Stücke, welche über einen Zeitraum von drei Jahren in gleich sieben verschiedenen Tonstudios aufgenommen wurden. Die Ideen dazu hatte Granduciel zunächst mit David Hartley, dem Bassisten von The War On Drugs sowie dem Musiker Anthony LaMarca aufgenommen. Später kamen dann noch die anderen Bandmitglieder hinzu, um die Aufnahmen weiter auszuarbeiten.

Release 15.10.2021

Die beiden Musiker hatten sich für eine einmonatige Songwriting-Auszeit in die Hütte eines Freundes zurückzogen und sahen sich nach jedem Arbeitstag einen Film an, um sich zu entspannen. Das resultierende Album besteht aus 14 Songs, die (lose) auf (meist) populären Filmen basieren - anspruchsvoll, anspruchslos und alles dazwischen. Wunderschöner Folk-Pop, mit zweistimmigen Harmonien von sich perfekt ergänzenden Stimmen. Für Fans von Simon & Garfunkel, genau der Sound, den sich die Sufjan Stevens Follower von ihm wünschen.

Release 1.10.2021

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 33.90)

Nachfolger des Kultklassikers Devotion aus dem Jahr 2018. Es bildet eine unterbewusste Momentaufnahme aus einem Jahr, in dem Tirzah zum ersten Mal regelmäßig live spielte. Es wurde kurz nach der Geburt ihres ersten Kindes und kurz vor der Geburt ihres zweiten Kindes aufgenommen. Das Album erkundet Genesung, Dankbarkeit und Neuanfänge und präsentiert eine Sängerin, die zum ersten Mal die besondere Liebe zwischen Mutter und Kind entdeckt, während sie gleichzeitig als Künstlerin arbeitet. Colourgrade fängt sowohl das Großartige als auch das Beängstigende, die Erschöpfung und die Erholung ein und ist ein lustvoller Spaziergang durch ihre innersten Gefühle. Wie immer ist eine Tirzah-Platte eine Familienangelegenheit. Damit sind nicht nur Oma und Opa gemeint, sondern die erweiterte CURL-Crew, zu der neben Mica Levi auch Coby Sey gehört. Der jüngere Bruder des Produzenten Kwes, der Colourgrade abgemischt hat. Es ist diese natürliche, kollaborative Energie, die Tirzahs Musik frisch und progressiv hält.

Release 8.10.2021

Auf dem "Geheimnis" betitelten 3ten Album sprechen sie alles an, wofür wir uns fürchten: Liebe, Hass, Fußball, Nina Hagen. Dennoch, wenn es eine geheimnisumwitterte Band in Deutschland gibt, dann ist das Isolation Berlin. Wo die Fans nicht unterscheiden können zwischen Rollenprosa und persönlichen Enthüllungen, zwischen der Bühnenfigur und der Privatperson, wo der Performer ein echter Star und zugleich einer von uns ist - seltsam aber möglich! Isolation Berlin sind mit ihrem Sänger Tobias Bamborschke über die letzten Jahre zu großen Songwritern gereift. Gemeinsam haben sie elf Songs produziert und sich dazu in der Abgeschiedenheit ihres neuen, selbsteingerichteten Studios in Berlin-Buch auf ihre größte Stärke besonnen: Auf ihr Songwriting und das Erzählen von Geschichten. Geschichten aus einem beschädigten Leben. Geschichten von Außenseiter:innen, von Abstürzen, von enttäuschter Liebe und von dem ewigen Weiter, das uns mit jeder geschlagenen Snaredrum um die Ohren fliegt. Die Musik ist im Vergleich zu den Vorgängeralben irgendwie anders geraten. Das sind Isolation Berlin, ABER! Kein Gramm Fett. Rockriffs sind fast vollständig verschwunden. Die Band lässt dem Textvortrag viel Luft. Arrangeur und Gitarrist Max Bauer hat viele Streicher um den Gesang herum arrangiert und setzt die E-Gitarre sparsamer ein. Auch die Rhythmusgruppe aus Specht und Cöster hatte beim Einspielen offenbar den Trip-Hop-Sound von Portishead oder Jean-Claude Vannier im Sinn, eher jedenfalls als den einer klassischen Rockband. Diese Band ist einzigartig, sie ist der Punkrock-Diamant unter den Pop-Klunkern, ein gesplitterter Spiegel, ein verlorener Turnschuh, ein Déjà-vu aus der Zukunft und überhaupt ein seltener Glücksfall. Fatalistisch, rein, am Abgrund tänzelnd.

Release 22.10.2021

Der Nachfolger des vielbejubelte 2019er Durchbruchsalbum "This Is How You Smile", das damals auf Platz #7 der besten Alben des Jahres bei Pitchfork landete, entstand zum Großteil in Marfa, Texas. Dort begann Roberto Carlos Lange, der Musiker hinter Helado Negro, gerade mit seiner Partnerin, der Künstlerin Kristi Sword, während ihrer Residency am gemeinsamen Projekt "Kite Symphony" zu arbeiten, als sie von der Pandemie überrascht wurden. Statt heimzukehren, beschlossen die beiden in Marfa zu bleiben. "Gemini and Leo" ist nun das erste Musik-gewordene Lockdown-Kind dieser Zeit, handelt es doch von zwei Charakteren, die sich zuhause neu entdecken, während die musikalische Untermalung an die 80iger Club-Songs aus Robertos Jugend in Südflorida erinnert, die später in den 90igern in Hip Hop-Sampeln ihr Revival haben sollten. Diese retro-futuristische Euphorie wird getragen von Uptempo-Drums, einer funky Bass-Line von Jen Wasner (Wye Oak, Flock of Dimes) und einer warmen Prise Synths und Backing-Vocals von Opal Hoyt (Zenizen). Auf dem Rückweg nach Brooklyn, noch inspiriert von seiner Arbeit in der Wüste, kaufte Roberto kurzentschlossen ein Rhodes von dem Freund, der ihm 20 Jahre zuvor seinen ersten Synthesizer gegeben hatte. Dieses elektronische Piano war der Impulsgeber für den letzten Schliff der Songs. Die Eindrücke der Rückkehr in die nun veränderte Wirklichkeit seiner Heimat der letzten 15 Jahre findet sich dann auf den Songs "Hometown Dream" oder "Outside the Outside" wieder. "Escape is never out there, you have to go inward," reflektiert Roberto über die Entstehung des epischen neuen Helado Negro Doppelalbums in diesen außergewöhnlichen Zeiten. Es ist ein Album, das pulsiert und neue Energie spendet, ein Album, das die Düsternis des Unbekannten mit Offenheit, Freude und Wachstum empfängt.

Release 8.10.2021

Neues, sechstes Album der drei Dänen Caspar Clausen, Rasmus Stolberg und Mads Brauer.

Das neue Efterklang-Album Windflowers, das am 8. Oktober bei City Slang erscheinen wird, ist ein wirklich unglaubliches Album, ein ausuferndes geniales Werk vergleichbar mit ähnlich überraschen Late-Bloomern wie Merriweather Post Pavilion von Animal Collective zum Beispiel. Jedes Jahr, wenn der Frühling kommt, erblüht ein Meer an winzigen Blumen auf dem dänischen Waldboden. Sie sind eine Farbexplosion, ein Symbol der Hoffnung und des Wandels und verschwinden so schnell wie sie gekommen sind und zeigen den ständigen Kreislauf der Natur. Umgangssprachlich sind sie als Windflowers bekannt.

Release 11.2.2022

Auch als Ltd.-White Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Die Schweizer Zornalchemisten Zeal & Ardor kündigen den Release ihres self-titled Albums an, das am 11. Februar 2022 via MVKA erscheint.

Das Album quillt vor Wut fast über, zeigt sich in den 14 Tracks aber facettenreich und verspielt. Aufgenommen wurde es in Eigenregie von Marc Obrist und Manuel Gagneux im Hutch Sounds Studio um danach mit dem charakteristischen Schliff im Mix und Mastering von Will Putney bei Graphic Nature Audio versehen zu werden.

Sämtliche Tracks wurden vom ruhig wirkenden Frontmann Manuel Gagneux geschrieben und laden durch den Gebrauch von mehreren Sprachen und obskurer Symbolik zum tiefer graben ein.
Gagneux selbst schreibt:

Release 24.9.2021

Ein aussergewöhnlicher, hitziger Roadmovietrip in Albumform, konzipiert von den Ikonen des französischen Psychedelic-Garagen-Rock, dem aus dem Ehepaar Lionel und Marie bestehenden The Liminanas aus Perpignan und dem visionären, musikalisch seit Jahrzehnten mit auch musikalischer Weltoffenheit verschiedenster Art begeisternden französischen Techno-Pionier DJ und Produzenten Laurent Garnier. Ihr gemeinsames Album ist die musikalisch aufregend umgesetzte, hypnotisierende Zusammenführung von Filmen "Atemlos", "Wild at Heart " und "Natural Born Killers" in auditiver Form und besitzt einen unwiderstehlichen Film Noir-Charme, aufgebaut auf einer mitreissenden musikalischen Mischung, die an Can, Serge Gainsbourg und das Brian Jonestown Massacre erinnert und von repetitiven Figuren mit Vintage-Flair und motorischem Powerdrive angefeuert wird, angelegt zwischen psychedelischem Vibrieren, Fuzz-Pedal-Gitarren, töftem 60s- Beat für die Ewigkeit und subtil analog-elektronischen Samples, Gitarren-Twang und Sonnenaufgangsstreichern, nocturnalen Eskapaden mit flirrenden Sounds und Samples innerhalb einer Atmosphäre aus mysteriösem Thrill und latenter Gefahr. Das Album erzählt die Geschichte der beiden Teenager-Schurken Juliette und Saul in einem Set zwischen Hitze und billigem Schnaps an der Südgrenze zu Spanien. Innerhalb dieses exzellenten, in Trance-Zustand versetzenden Soundgemischs mit seinen in die Ewigkeit weisenden psychedelischen Umdrehungen sorgen immer wieder die von der französischsprachigen Spoken Word-Stimme und wechselnden Gesangsstimme der Liminanas mit einem unwiderstehlichen Charme erzählten Story-Passagen mit Schauplätzen wie schmutzigen Bordellen, Untergrund-Dance-Clubs und 60s-Vintage-Wohnwägen und zusätzlichen Protagonisten wie Professor X für die entsprechende Einbettung.

Release 24.9.2021

Album Nummer vier der wiedergeborenen New School-Legende um Walter Schreifels, nach vier Jahren also das zweite nach dem Comeback. Beim ersten Hören sind die 11 neuen Songs deutlich druckvoller und mächtiger, was dem Sound gut tut, und einen interessanten Weg fortsetzt, der die Band nach wie vor relevant bleiben lässt. Gerade die melodischen Parts sind so eingängig, dass sie wieder zur Referenz werden könnten, und das ist nun wirklich eine interessante Überraschung. Geiler Groove wie je her, klar ein Blast from the Past, aber ein guter. Groovecore-meets-DC-Post-Hardcore wie man ihn in den 90ern mit abgeleckten Fingern verschlungen hat, aber zu wenige Bands dieses Level erreichten.

Release 24.9.2021

Das neue Album markiert eine gewitzte, unkonventionelle Linkskurve und zeigt das Trio in seiner angenehmsten, offensten Form. Selbst aufgenommen und selbst produziert über den Großteil des Jahres 2020, ein Jahr voller Streit, Einsamkeit und Reflexion, zeigt "The Witness" die Band mit einer Lupe über ihren eigenen Standardzustand des Spielens und Auftretens. Es ist eine rasche Abkehr vom Vorgänger-Album "Felt" und erfreut sich daran, zufällige Ideen in ihren embryonalen Demo-Versionen zu ernten, als ob man ein glorreiches Feuerwerk in den Himmel entlässt. Mit dem Ausstieg von Max Henry als Vollzeitmitglied im Jahr 2018 und dem Wohnort-Wechsel von Ben Shemie, der jetzt einen Ozean entfernt in Paris lebt, manifestierte sich eine neue Herausforderung für das Trio, sich wieder zu finden, sowohl sozial als auch kreativ. Mehr als jede andere SUUNS-Platte verwendet "The Witness" eine Jazz-Mentalität, die einen kontinuierlichen Vibe über die Vorstellung von separaten Kapiteln stellt. Es gibt eine Ebene der Entspannung, des Akzeptierens der Urinstinkte der Band und einen konzentrierten Versuch, diese Instinkte zu maximieren und zu überarbeiten.

Release 24.9.2021

Auch als Ltd.-Colored 2LP Vinyl-Edition erhältlich.

Die Veröffentlichung von "The Velvet Underground & Nico" mit seinem ikonischen Warhol-Cover war 1967 ein bahnbrechendes Ereignis, das einen Prozess ästhetischer Infiltration in Gang setzte, der bis heute anhält. Das Debütalbum der Band versetzte quasi im Alleingang die Grenzen dessen, was Rockmusik zu leisten oder auszudrücken imstande war, prägte. "I'll Be Your Mirror: A Tribute to the Velvet Underground and Nico" enthält Aufnahmen u.a. von Thurston Moore feat. Bobby Gillespie, Fontaines D.C., Kurt Vile, Matt Berninger, Iggy Pop & Matt Sweeney, King Princess, Michael Stipe, Courtney Barnett und St. Vincent & Thomas Bartlett. Es ist ein Track-by-Track-Tributalbum, bei dem jeder der Originalsongs neu eingespielt wurde.

Release 24.9.2021

Sind das wirklich die Ärzte? Gerade mal ein Jahr rum seit dem letzten Album. HELL hieß "äh" heißt es, und sie haben sich dafür immerhin acht Jahre Zeit genommen. (Nun ja, brutto jedenfalls.) DUNKEL. Ernsthaft jetzt? Warum machen die das? Weil sie es können?! Natürlich sind BelaFarinRod längst so etwas wie eine Ikone, die sich keinen Kopf darüber zerbricht, ob man es allen - geschweige denn irgendjemanden - recht machen sollte. Die seit jeher einfach das macht, was sie am Besten kann: die Àrzte sein. Im Zweifelsfall ohne Rücksicht auf (eigene) Verluste, aber am Ende eben doch immer einfach nur komplett überzeugend. Drei Touren stehen an, zwei Alben sind im Gepäck. Nie vorher hatten die ärzte-Fans so eine Fülle an neuem, bisher nicht live vorgetragenem Material. Segen und Fluch ist das, denn wer wirklich textsicher sein will, hat jetzt 19 Smash-Hits mehr zu verinnerlichen. 19 neue Songs, die wieder in allen Töpfen wildern und doch so etwas wie die Seele der die Àrzte kondensieren. 19 Songs, die in ihrer Gänze erstaunlich geschlossen wirken, obwohl sie bei aller Kompaktheit jeweils ein ganzes Universum umfassen. Musikalisch und textlich. Es sind die Àrzte. Besser als Kapitalismus. Manchmal auch mit Karnickelfickmusik. Oder gerade damit. Denn das ist das Kerngeschäft: Die Beste Band der Welt.

Release 8.10.2021

So sehr gebraucht wie nie und mit neuen Sounds, die Genres und Grenzen sprengen und Licht am Ende des Tunnels aufzeigen. Bunter Mix aus Drum and Base, Hip-Hop, Elektro, Dub, Breakbeat und allem dazwischen und mit Gästen aus aller Welt wie Plump DJs, Blapps Posse, Laura Steel, Scarlett Quinn, MC Spyda, Tenor Fly, Hyperactive MC, Mad Doctor X und K-OSS. Das hier ist für die großen Bühnen und Festivals in lauen Sommernächten.

Release 17.9.2021 (Vinyl am 29.10.21)

Das Album folgt auf Stevensons 2019 erschienenen Karrieremeilenstein "The Big Freeze", der für sein "fein detailliertes, herzzerreißend intimes Songwriting" (All Songs Considered) gefeiert wurde und 2020 beim NPR Tiny Desk zu den 20 Besten des Jahres zählte. Produziert von John Agnello (Sonic Youth, Dinosaur Jr., Kurt Vile) im The Building in Marlboro, NY, ist Laura Stevenson eine durch und durch schöne Platte, ein aufrichtiges Porträt eines menschlichen Herzens in all seinen lebendigen Farben. Mehr als alles andere geht es darum, sein ganzes Selbst im Angesicht derer, die man liebt, zu ertragen, unbequem und entblößt, aber vital, präsent.

Release 17.9.2021

Kraake sind Fabian Müller und Basil Anliker. Sie legen ihr Delirium frei: Wenn du hinhörst, dann hörst du die Albula gurgeln, den Zikadenchor, wie die Stimme sich fast verheddert, überschlägt. Wenn du willst, hörst du die Kirche läuten und die Stadt in der Ferne. Eine Liebeserklärung, auch ohne die drei Worte unmissverständlich. Eine Versöhnung mit dem Unfertigen, das mit der Welt und ihren täglichen Untergängen vielleicht am besten fertig wird

Release 17.9.2021

Neues, viertes Album mit 13 nachdenklich stimmenden, akribisch ausgearbeiteten Songs des Mitglieds von Junip. Die Gitarre – dein zuverlässiger hölzerner Anschmiegfreund und Sentimentalitätsindikator. Das zarte, mäandernde Zupfen der Klampfe bekommt einen Wirkungskreis zugestanden, der zugleich weite Interpretationsfelder bei nahen Begegnungen zulässt. Du spürst die unmittelbar gehauchte Wärme an Deinem Ohr, so nahe scheint José zu sein; So nahe, dass man nur beschämt auf den Boden denn den Künstler anschauen möchte, um in keinen unbewussten Intimkreis zu gelangen.”

Bekannt wurde der Junip-Frontmann bereits mit seinem Debütalbum “Veneer” von 2003 und dem darauf enthaltenen Cover von The Knife‘s großem Hit “Heartbeats”.

Die 13 Songs des neuen Albums wurden im Studio Koltrast Hakefjorden aufgenommen, das José im Sommerhaus seiner Familie nördlich von Göteborg eingerichtet hat. Darauf singt er zum ersten Mal in allen drei Sprachen, die er spricht, nämlich Schwedisch, Englisch und Spanisch.

Release 17.9.2021

Eine aussergewöhnliche Mischung aus experimentellem Spiritual Jazz und Poetry-Hiphop, verwoben mit den für sie typischen soundscape-artigen Texturen, die in ein Album münden, daß mehr als bisherige MM-Alben vom Rapgesang geprägt ist, aber gleichzeitig auch mit dem Verweben von Beats, waberndern Noise-Sounds, einem Allerlei aus Stimmen und Sounds und Instrumenten, Livepercussion und Rhodesklängen und Flöten und avantgardistischer Lautmalerei mit einem Bein in kunstvoller Electronic, mit einem Bein bei einer ganz eigenwilligen Version von gesellschaftskritischem Hiphop und mit einem dritten Bein beim Avantgarde-, Free- und SpiritualJazz zuhause ist. Das Album dreht sich inhaltlich um die Erforschung von Erinnerungen, Prägung und Zukunft,. Es weht durch einen unberührten Raum wie die geisterhafte Schlacke einer brennenden Welt, ohne Bindungen an Konventionen erstreckt es sich über die Weitläufigket des Universums. MM fasziniert mit einem geisterhaften und mysteriösen Look, zu dem auch der Einsatz mäandrierender, seltsam anmutender Samples gehört. Entstanden mit dem Soundscape-Künstler und Produzenten Olof Melander.

Release 17.9.2021

CRAVER durchbrechen den kalten Zeitgeist mit Passion für Lust und Verschmelzung mit tiefem Respekt gegenüber allen Menschen. Überzeugt, dass kein Ozean je noch so wild wie die Liebe sein kann, kombinieren CRAVER ihr begehren nach Sehnsucht und tiefer gegenseiter Freude mit ordentlich Metal heavyness .

Mit ihrer musikalischen Verführung bringen die Gods Of Love deine Fantasie zurück in die stürmischen Zeiten der Rock und Metal Musik. Inspiriert vom universellen Zyklus von Vergehen , Leben und Werden , veröffentlichen CRAVER zwischen dem 17. September 2021 und 22. März 2022 drei 7-Inch Platten.

Mit ihren sechs Heavy Rock Hymnen zelebrieren CRAVER mit allen von Euch Rock Göttinnen und Göttern die ewige Anziehung und den Frieden einer jeden Seele.
Stay wild and heavy und lässt mit eurer Liebe und Sehnsucht jeden Horizont entflammen .

Release 17.9.2021 (Vinyl am 22.10.2021)

Phenomden ist zurück mit einem neuen Album und einer ausgedehnten Clubtour: das fünfte Album «Streunendi Hünd». Zu hören sind zehn abwechslungsreiche Songs, mit denen Phenomden neue musikalische Wege beschreitet. Soul mit Anlehnungen an die frühen 70er Jahre, verzerrte Gitarren, zeitgemässer Reggae – Phenomden überrascht seine Fans mit einem vielfältigen Dialektalbum. Er zeigt damit, dass ausgezeichnetes Songwriting und gute Geschichten nicht an einen einzigen stilistischen Ausdruck gebunden sind.

Release 17.9.2021

Sein bisher verletzlichstes und intimstes Album, dessen Texte von den Lektionen handeln, die der in Neuseeland geborene, in Australien aufgewachsene und in London lebende Multi-Instrumentalist, Sänger, Produzent und Songwriter während einer Therapie über sich selbst gelernt hat. Während der Kern des 4ten Albums den Fans seiner Neo-Soul- und Hip-Hop-beeinflussten Arbeit vertraut sein wird, taucht er hier auch tiefer in seine Klangwelt ein und verschmilzt Elektronisches mit akustischen Klängen, raue Grooves mit Ambient-Atmosphären. Die Umsetzungen wirken detaillierter und texturierter als zuvor, auch, weil er zum ersten Mal mit seiner kompletten Band während des Schreibprozesses arbeitete

Release 17.9.2021

Am 17. September veröffentlicht Bob Dylan ein neues Album und damit ein weiteres Kapitel seiner Bootleg Series „Bob Dylan – Springtime In New York/The Bootleg Series Vol. 16 (1980 – 1985)“.

Das neuste Kapitel der von Fans und Medien gleichermaßen hochgelobten Serie beschäftigt sich mit der etwas in Vergessenheit geratenen Schaffensphase Dylans in der ersten Hälfte der 1980er Jahre. In den frühen Achtzigern, wo sich die Musikindustrie mit vielen neuen medialen Trends und technischen Neuerungen konfrontiert sah, von MTV über die CD bis zum Digital Recording, schrieb Bob Dylan die Songs für die beginnende neue Dekade und schuf mit diesen Aufnahmen, die er auf insgesamt drei Alben („Shot Of Love“ 1981, „Infidels“ 1983 und „Empire Burlesque“ 1985) veröffentlichte, ein neues Kapitel in seinem Oeuvre. „Springtime In New York“ beleuchtet diese spannende Periode mit bislang unveröffentlichten Outtakes, Alternativversionen von Songs, Probe- und auch einigen Live-Aufnahmen.

Release 17.9.2021

Das Gesamtwerk der japanischen Postrock-Band mutet wie ein über die Jahre gebautes Hochhaus an, das nach bisheriger 22-jähriger Bauzeit an dem Punkt angelangt ist, an dem die Wolken auf Augenhöhe des 11ten Stockwerks vor dem inneren Auge vorüber ziehen. Mit traumwandlerischer Sicherheit, aber auch einem auch hier wieder neu erwachten explorativen Geist begeben sich Mono auf eine im Albumformat ausgeprochen stimmige Seelenwanderung, die ihre Qualitäten bündelt und mit gebündelter Kraft und eine erstklassig inszenierte Dynamik Täler und Gipfel durch- bzw. überschreitet. Die ruhiger gehaltenen, instrospektiven Passagen nehmen die Hörer-Seele mit oft leicht unwirklich erscheinender Ästhetik und auch kammermusikalischem Approach gefangen und offenbaren wundervolle Tal-Landschaften, aus denen Mono manchmal schneller, manchmal über gewundene Wege und stetige Steigerungen in die mit verzerrt perlenden oder gleissenden Gitarren und grandiosem Schlagzeug gestalteten Bergregionen aufsteigen. Unterstützt von auch Streichern und Orchester und Keyboardeinsatz zelebrieren sie hier einige der besten Songs ihrer Karriere wie das die Fantasie anregende mit klasse Zusammenspiel von Gitarre, Orchester und Drums begeisternde "Innocence" mit einem Distortion-Ausbruch wie ein Knall, das ebenso geniale 12-minütige "Hold Infinity in the palm of your hand", das harte und distortion-gerecht schiebende "Riptide" oder das erhabene "To see a World". Die Dichotomien aus Leise und Laut enthüllen eine grandiose Magie. Mono unterstreichen ihren Status als beste Postrockband neben Mogwai und überraschen mit einer stilistisch auch neue Regionen erkundenden, in ihrem Ausdruck exzellenten und umfassenden Scheibe, dem vielleicht besten ihrer Karriere.

Release 10.9.2021

Das 13te Album ist die erste Veröffentlichung der Band seit "Double Negative", einem der am besten rezensierten Alben des Jahres 2018, und das dritte mit dem Produzenten BJ Burton. Auf dem neuen Album konzentriert sich die Band auf ihr Handwerk, hält sich aus dem Getümmel heraus und hält an ihrem Glauben fest, neue Wege zu finden, um den Zwiespalt und die Freude des Lebens auszudrücken und um die Dualität der Existenz in Hymnen zu verwandeln, die wir teilen können. Diese zehn Songs - jedes um seinen eigenen, unmittelbaren und unbestreitbaren Hook herum gebaut - werden durch die lebendigen Texturen, die sie umgeben, beschleunigt. Die unaussprechlichen, vertrauten Harmonien von Alan Sparhawk und Mimi Parker brechen wie eine Rettungsinsel durch das Chaos. Schichten von verzerrten Klängen häufen sich mit jeder neuen Strophe - aufbauend, brechend, kolossal, dann zurückhaltend, ein feierliches Gelübde, das nur geflüstert wird. Es wird Zeit sein, die Musik und Kunst dieser Zeit zu enträtseln und ihr eine Bedeutung zuzuschreiben, aber der kreative Moment blickt nach VORN, mit Zähnen.

Release 10.9.2021 (Vinyl am 8. Oktober 2021)

Der britische Electronic-Musiker James Blake hat sein neues Konzeptalbum FRIENDS THAT BREAK YOUR HEART für den 10. September 2021 angekündigt. Gleichzeitig stimmte der 32-Jährige mit der ersten Singleauskopplung „Say What You Will“ inklusive Musikvideo auf seine bevorstehende LP ein.

In dem neuen Musikvideo zu „Say What You Will“ hat sich James Blake für einen besonderen Co-Protagonisten entschieden: Finneas, der Bruder und Produzent von Billie Eilish. In dem Clip ist dieser als beispiellos erfolgreicher Popstar zu sehen, mit dem sich James Blake ununterbrochen zu vergleichen versucht. Sichtlich geschlagen und stets im augenscheinlichen Schatten seines Idols endet das Musikvideo schließlich mit dem Theodore-Roosevelt-Zitat „Vergleich ist der Dieb der Freude.“

Release 10.9.2021

Mit "Lass irre Hunde heulen", widmen der deutsche Singer/Songwriter Gisbert zu Knyphausen und der Pianist Kai Schumacher einem der größten Komponisten des 19. Jahrhunderts, Franz Schubert, ein ganzes Album. Mit einem Katalog von über 600 Werken gilt Schubert als Meister des romantischen Kunstliedes - 10 ausgewählte Tracks bilden den selektierten Querschnitt durch all seine Schaffensphasen, modern arrangiert und außergewöhnlich interpretiert. Eine Bandbesetzung aus Drums, Bass und Gitarren bildet das klangliche Fundament, das durch Streicher und Bläser ausstaffiert und von Gisberts eingängigem Gesang abgerundet wird. Die zwei musikalischen und biografischen Universen der beiden "Liedermacher" verschmelzen dabei rückstandslos, gleichzeitig verpasst Gisbert zu Knyphausen den bekannten Liedern Schuberts seinen ganz eigenen Charme. Berührend!

Release 10.9.2021

Auch als Ltd.-Deluxe Vinyl-Edition erhältlich (CHF 33.90)

Willkommen in K Bay, in der einzigartigen, von Groove und Seele genauso wie von progressivem Musikdenken durchzogenen Welt des Mister White, der es auf magische Weise schafft, gleichzeitig rauer und verspielter, aber auch ehrgeiziger, artikulierter und futuristischer zu klingen als auf seinen früheren Scheiben und dabei immer seinen eigenen Bedingungen treu bleibt und seinem eigenen Credo folgt. Es offenbart sich ein Wundergarten zwischen Prince-artiger Funkiness und Soundtrack-Thrill, grandios konzipiertem Orchester-Soul und Jazz-Anleihen, krautigem Rockversatz und Westcoast-Pop-Ingredenzien, Yacht-Pop-Glitzern, Dub-Effekten, angewandter Querschlägerei und elegischem Seelenstreicheln, von White´s mal hoch, mal tief eingesetzter Stimme eindrucksvoll angeleitet. Ein großer Eklektiker, der seinen Visionen folgt, sich dafür neuen Produktionstechniken zuwandte und mit einer Band nach dem Vorbild von Miles Davis' "On The Corner Sessions" aufnahm. Im Zentrum stand Whites Heimstudio Kensington Bay, sein privates Schreib- und Aufnahme-Refugium in der Kensington Ave. in Richmond, Virginia. K Bay bietet einen spirituell abgetrennten, selbstbestimmten Raum für Matthews persönliche Musikpraxis und künstlerische Risikobereitschaft, ein hermetisches Labor und eine Songwriting-Oase, in der er selbst experimentieren kann. Obwohl er während der Sessions ein Team von brillanten Musikern leitete, komponierte und sang White alle seine Vocals allein in K Bay. Whites Songwriting zeigt eine neu entdeckte Präzision und Zuversicht, und ist reich an Bildern, die persönliche, politische und naturale Dimensionen erkunden.

Release 10.9.2021

Das 14te Album ist sowohl Reflexion als auch Reaktion; ein Album, das in Isolation auf einen unordentlichen Raum blickt, vernebelt von häufig schmerzhaften Erinnerungen, um sich auf ein offenes Fenster zu konzentrieren, den Rahmen für schimmernde Aussichten auf mit Meer und unendlichem Himmel verschmelzendes Land. Die elf Tracks vermählen Introspektion, stille Wut und erhabene, unwiderstehliche Stücke. Diese Elemente ziehen sich durch das gesamte Album, vom atmosphärischen Summen des eröffnenden "Snowing In Sapporo" bis hin zum galoppierenden "The Secret He Had Missed", ein Push-and-Pull-Duett in Form eines imaginären Dialogs zwischen den walisischen Künstler-Geschwistern Augustus and Gwen John; über das sublime Sinnieren von "Diapause" und stoisches Wunschdenken in "Happy Bored Alone". Musikalisch wurde "The Ultra Vivid Lament" inspiriert vom Plattenregal prägender Jahre (ABBA, post-Eno Roxy, The Bunnymen, REM der Fables-Ära, Lodger). Das Ergebnis kann so aber dennoch nur aus den vereinten Federn James Dean Bradfields, Nicky Wires und Sean Moore stammen - zusammen seit über drei Jahrzehnten eine der am beständigsten brillanten UK-Rock'n'Roll-Bands. Als Abkehr zum Vorgänger (das 2018 erschienene "Resistance Is Futile") stellt "The Ultra Vivid Lament" das erste Manic Street Preachers-Album dar, das in zunächst vornehmlich am Klavier statt auf der Gitarre entstanden ist.

Release 3.9.2021

Auf ihrem 4ten gemeinsamen Album frönen die beiden ihrer gemeinsamen Leidenschaft für Dub, was bei Blumm weniger überrascht (er hat als Mitbegründer von Quasi Dub Development mit u.a. Lee Scratch Perry zusammengearbeitet), bei dem Neoklassiker und Orgelliebhaber Frahm etwas mehr. Astreine wie porentiefe Dub-Reinigung von A bis Z mit einer hörbar ungewöhnlichen, weil soundlich oftmals mit anderen Elementen hantierenden Herangehensweise. Kilometerhohe Beats und Bass in der Echokammer werden von einer furztrockenen Gitarre und unterschiedlichen, mäandrierenden Orgel-/Keyboardsounds, permanentem Backgroundgeschnackel und einem aufregenden Allerlei aus effektbeladenen Samples und Sounds zum Bounce gerbracht auf 7 deepen instrumentalen Tracks.

Release 27.8.2021

Eine große Spielwiese für Ideen ist das von Aaron Dessner (The National) und Justin Vernon (Bon Iver) ins Leben gerufene Bandprojekt, das in der 2ten Runde mit neuen Namen und prominenteren Beteiligten aufwartet. Stand das 2018 erschienene Debutalbum unter der Idee eines "strukturierten Experimentierens", wirken die Songs des 2ten Albums oftmals auch geerdeter, folgen aber der Idee eines mit komplexen MItteln und ineinander verzahnten rhythmisch anspruchsvollen und auch polymelodiösen Anteilen aufwartenden, aber dennoch gut ins Ohr gehenden und eingängigen Songwritings. Immer mit im Spiel sind die umtriebigen Aaron Dessner und Justin Vernon mit ihren instrumentalen, produktionstechnischen oder auch gesanglichen Fähigkeiten, egal ob an ihrer Seite Robin Pecknold (Fleet Foxes) ("Phoenix"), Ben Howard oder This Is The Kit ("June's a River"), Naeem ("Easy to Sabotage"), Sharon Van Etten, Lisa Hannigan oder Shara Nova von My Brightest Diamond (bei dem von Scott Hutchinson von Frightened Rabbit inspirierten "Hutch") ein Stück, das von Dessners verstorbenem Freund, dem Frontmann von Frightened Rabbit, Scott Hutchison, inspiriert wurde) und die von Dessner auf 2 Alben betreute Taylor Swift ("Birch" und "Renegade") zu hören sind. Musikalische Grenzen scheinen keine gesetzt, auch Gospelgesang, balladeske Seelenstreichelei mit Beats aus der Dose und Autotune-Effekt gehören innerhalb der meist zwischen modernem Art-Pop, Folk-Pop und Orchester-Pop angelegten Songs voller Tiefgang.

Release 27.8.2021

Nicht so dystopisch wie auf dem Vorgänger geht das aus Manchester stammende Duo hier vor. Das Album wirkt dennoch ebenfalls rätselhaft, bezieht seine Mystik aber weniger aus Scie-Fi-Blade Runner Ästhetik als vielmehr aus einem unstvoll gestalteten Soundkonglomerat, zu dem auch klassische Streicher und schimmernde Gitarren gehören, dazu Spoken Word-Recordings, die sich mit Themen wie das Finden von Liebe und dem Ausdruck von Gefühlen beschäftigen. Ein vernebelter als auch fragmentierter Sound an der Achse von Songhandwerk und Sounddesign, der aber mit Hilfe von Beats und Stimmsamples auch in eine eigene Art von Dubstep hineingleitet. Ein poetisches Album, inspiriert von der Idee von "Platten, die einen Eindruck hinterlassen und dem Hörer helfen, mit seinem Leben umzugehen".

Release 27.8.2021

Der französische Star-Komponist vermischt eindringlich wunderschöne Klavierakkorde mit elektronischen Klangflächen. Als Nachfolger des 2019 erschienenen Albums „Portrait“ schlägt "Kerber" ein neues Kapitel auf. Es ist das bis dato elektronischste Album Tiersens, das uns eine wunderschön erdachte, sehr eindringliche Welt der Elektronik eröffnet. Das Klavier ist hier die Quelle, die Elektronik die Umgebung, der sie zugleich entspringt. Orte waren schon früher ein zentrales Thema in Tiersens Arbeit und das ist hier nicht anders. "Kerber" ist nach einer Kapelle in einem kleinen Dorf auf der Ouessant benannt, jener Insel im keltischen Meer auf der Tiersen seit vielen Jahren lebt und sich mit The Eskal sein eigenes Studiouniversum aufgebaut hat. Jedes Stück des Albums ist, einer musikalischen Landkarte gleich, unmittelbar mit einem Ort auf Ouessant verbunden.

Release 27.8.2021

Any Shape You Take, der Zweitling der US-Künstlerin Indigo De Souza, folgt ihrem Debüt I Love My Mum aus 2018 (das Saddle Creek erst vor kurzem auf Tonträger veröffentlichte). Mit ihrer einzigartigen Qualität, gleichzeitig heiter wie weise zu klingen, zieht die begabte Musikerin die Hörer in den Bann. Obwohl sich die Begleitband änderte, bleiben Sound und Vision erhalten, zumal Indigo ihr neues Werk diesmal selbst produzierte. Zusammen mit dem ausführenden Producer Brad Cook (Bon Iver, Waxahatchee, The War On Drugs) und den Toningenieuren Alex Farrar und Adam McDaniel nahm sie Any Shape You Take in zwei Studios in North Carolina auf und konnte, indem sie die Beschränkungen eines Homestudios hinter sich liess, endlich die volle Bandbreite ihres Sounds ausschöpfen.

Release 27.8.2021

Aufgenommen mit Produzent Mike Elizondo und co-produziert von Yates, hier das Nachfolgeralbum von "Time & Space" aus dem Jahr 2018, mit dem die Band aus Baltimore neue Wege im Hardcore beschritt, stilistische Grenzen erweiterte und neue Möglichkeiten auslotete. Mit ihrem neuen Albumhat die Band ihre Idee "grenzenloser" Musik noch weiter ausgefeilt. 15 Tracks, die allen Genre-Grenzen trotzen, sich stattdessen aus allen Ecken des musikalischen Spektrums bedienen und dabei geradezu übersprudeln vor Fantasie, Herzblut und mitreißenden Grooves. Für 2 Tracks konnte die Band keinen geringen als Blood Orange als Featuring Artist gewinnen, der außerdem auf dem Song "Endless" als Gastsänger zu hören ist. "Turnstile haben die Fähigkeit, selbst den popaffinsten Hörer mit ihren spektakulären Hooks zu ködern", schrieb das US-amerikanische Magazin NPR über die Single "Holiday", während das New Yorker Magazin The Fader den Track zu einem der 20 Best Rock Songs Right Now kürte und Pitchfork ihn prompt in ihre wöchentliche Pitchfork Selects Playlist aufnahm. Auch der Rolling Stone geizte nicht mit Lob und feierte den Album-Opener "Mystery" für sein "knallhartes Trommelfeuer aus dampfenden Power-Akkorden, stadiongroßen Rock-Drums und glühenden Gitarrensoli". Und beim Magazin Stereogum war zu lesen: "Wenn man schon groß rauskommen will, dann kann man auch gigantisch rauskommen, und mit 'Mytsrey' klingen sie so, als wären sie dabei, riesig zu werden.

Release 27.8.2021

Das 2019 erschienene Album "The Unseen In Between" etablierte den amerikanischen Musiker Steve Gunn als einen Großmeister des US-Songwritings - mit seinem neuen Album "Other You" unterstreicht er nun diesen Anspruch. Gunn, der ursprünglich aus Pennsylvania stammt und mittlerweile in Brooklyn lebt, ist für die Aufnahmen zu seinem neuen Album an die Westküste gereist. Das passt perfekt, denn seine Musik ist der ideale Soundtrack für Roadtrips von der Ostküste an die Westküste des Landes. Sein fein destillierter Sound lässt sich dabei zwischen Roots Rock, Americana und Folk treiben. Steve Gunn ist Traditionalist und Suchender zugleich. Zumeist geht er nur mit losen Ideen ins Studio, bei denen er am Anfang nie so genau weiß, wo sie ihn am Ende hinführen werden. Ähnlich gestaltete sich das auch dieses Mal. Sein sechstes Studioalbum nahm Gunn zusammen mit Produzentenlegende Rob Schnapf (Beck, Elliott Smith, Kurt Vile) in dessen Mant Studios in Los Angeles Ende 2020 und Anfang 2021 auf. Schnapf hat großen Anteil an der Entstehung dieses Albums. Er schüttelte nicht nur das Soundbett auf, sondern mischte auch Steve Gunns Stimme in den Vordergrund, um den poetischen Lyrics des Songwriters die richtige Bühne zu bieten. Überhaupt inspirierte die neue Umgebung und das warme Klima in L.A. Gunn. Es entstand ein Album, mit dem er nicht nur die Grenzen von Genres auslotet, sondern auch seine eigenen. Große Alben brauchen mutige Schritte. Manchmal blickt man dabei seinem anderen Ich tief in die Seele und findet Dinge nach denen man schon immer gesucht hat.

Release 3.9.2021

Die in LA ansässigen Rocker kehren mit ihrem sechsten Studioalbum zurück!!! Bronx VI baut auf dem Sound auf, den The Bronx in den fast zwei Jahrzehnten ihres Bestehens aufgebaut haben. Das beweist definitiv, dass die Tür zu dem, was als nächstes kommt, nicht nur eingetreten, sondern zerhackt und zu Asche verbrannt wurde. Ja, die ersten vier Tracks - "White Shadow", "Superbloom", "Watering The Well" und "Curb Feelers" strotzen nur so vor der wilden und ungezähmten Energie, die die Band von Anfang an ausgemacht hat. Aber dann - ganz plötzlich, als "Peace Pipe" einsetzt - verschieben sich Tempo und Stimmung zu etwas weniger Aggressivem. An anderer Stelle dient "Mexican Summer" mit seinen (relativ) entspannten Mariachi-Vibes als Hommage an das Alter Ego der Band, Mariachi El Bronx (und wurde geschrieben, während diese Inkarnation der Band auf Tour war), während der fatalistische Abschluss "Participation Trophy" die existenzielle Angst hinter brennenden Riffs und einer eingängigen, trotzigen und überschwänglichen Melodie versteckt. "Die Gefühle, die ich beim Schreiben für diese sechste Platte hatte, sind die gleiche Art von Gefühlen, die ich beim Schreiben von "Heart Attack American" hatte. Es kommt alles vom selben Ort und es ist alles immer noch 100% echt und real. Glaubt mir - ich fühle immer noch die rohen Emotionen, die ich fühlte, als die Band anfing. So bin ich einfach, so sind wir als Menschen. So etwas kann man nicht vortäuschen, wenn es um Musik oder Kunst geht. Man muss verbunden bleiben. Du musst einfach echt sein" - Matt Caughthran, Sänger. Bronx VI wurde von Joe Baressi (Melvins, Tool, Bad Religion) produziert.

Release 20.8.2021

Ester Poly sind Martina Berther und Béatrice Graf. Seit 2013 erweitern die beiden Musikerinnen die Möglichkeiten des Bass-Schlagzeug-Tandems. Rock, gespickt mit einer Prise ungeahnter Sounds und ihren Einflüssen aus der Improvisation und der Jazzmusik. Der Mix ergibt einen frisch gepressten Ester-Poly-Saft mit einem bitteren sozialkritischen Nachgeschmack. Zu Verkosten auf dem neuen Album WET oder live am Veranstaltungsort deines Vertrauens: dem Roulotte.
Kurzversion: Frisch. Bitter. Sozialkritisch. Ein Drumset. Eine Bassgitarre. Zwei Stimmen. Eine Idee. Ester Poly. Ein Tandem, das sich gewaschen hat.

Release 20.8.2021

Wegweisend. Bahnbrechend. Revolutionär. Alles Adjektive, die in der Vergangenheit auf jede der vier vorangegangenen Veröffentlichungen der aus San Francisco, Kalifornien, stammenden Band zutraf. Die gute Nachricht: Daran wird sich auch in Zukunft nichts ändern… Schließlich haben sich in den letzten zehn Jahren Deafheaven fortwährend durch Evolution innerhalb ihrer selbst und ihres jeweiligen Genres ausgezeichnet. Die Bandbreite dieser Genres reichten von Post-Metal bis hin zu Blackgaze, ein Genre, das nicht zuletzt ihretwegen Popularität erlangte. So nannte der Guardian die Band "blackgaze's de facto poster boys, the most likely to open up black metal to an even wider audience" und Exclaim! bezeichnete ihr zweites Album "Sunbather" - das von der Kritik am meisten gelobte Album des Jahres 2013 auf Metacritic - als wegweisend für Blackgaze. Mag sein. Ist aber Vergangenheit und wir blicken in die Zukunft. Und die lautet "Infinite Granite", ihr neues Album, welches am 20. August über Sargent House erscheint. Und niemand, der sich ein wenig näher mit Deafheaven beschäftigt hat, wundert sich darüber, dass "Infinite Granite" nicht weniger als einen weiteren großen Schritt in Richtung einer neuen Sphäre darstellt. Mit Justin Meldal-Johnsen, bekannt für seine ausgezeichnete Arbeit unter anderem mit M83,Wolf Alice, Raveonettes oder Metric als Produzent, schlagen sie ein neues Kapitel von trotziger Schönheit auf und erfinden sich ein weiteres Mal neu. So paart die erste Single des Albums, "Great Mass Of Color", spärliche, ruhige Strophen mit brüllenden Technicolor-Refrains - ein Song, in dem Deafheaven ihre Meisterschaft in der Beziehung zwischen Spannung und Entspannung unter Beweis stellt.

Release 20.8.2021

5tes Album! Conor O'Brien sagt über die Entstehung von Fever Dreams: "I had an urge to write something that was as generous to the listener as it was to myself. Sometimes the most delirious states can produce the most ecstatic, euphoric and escapist dreams." Und damit ist der Ton des Albums gesetzt. In geradezu hypnotischer Weise verführt Fever Dreams zum Eskapismus und funktioniert dabei wie die besten Platten - es holt einen dort ab, wo man ist und setzt einen woanders wieder ab. Es sind Lieder mit seltsamen, flirrenden Formen und der magischen Ambivalenz von Träumen. Die Intention der Songs ist nie eindeutig und doch glasklar. Inspiration fand Conor, alias Villagers, beim nächtlichen Schwimmen auf einer holländischen Insel, bei Flann O'Brien, Audre Lorde, David Lynch, L. S. Lowry und in den Kompositionen von Piero Umiliani, Alessandro Alessandroni und dem Jazz von Duke Ellington und Alice Coltrane. Geschrieben wurden die Hauptteile der Songs im Laufe von zwei Jahren, aufgenommen wurden sie in einer Reihe von Full-Band-Studio-Sessions Ende 2019 und Anfang 2020. Während der langen, entschleunigten Pandemie-Tage verfeinerte O'Brien sie in seinem winzigen Heimstudio in Dublin. Gemischt wurde das Album von David Wrench (Frank Ocean, The xx, FKA Twigs).

Release 13.8.2021

/ A \ besteht aus Emilie Zoé, Franz Treichler und Nicolas Pittet. Die sieben Tracks ihres Debütalbums, das Ergebnis einer Reihe von Jam-Sessions, synthetisieren perfekt die jeweiligen Welten der Mitglieder dieses Ad-hoc-Trios. Von einem Track zum nächsten kombinieren eine Reihe seltsamer und perfekter Hybriden harmonisch reichen Pop mit treibenden rhythmischen Mustern, mit perfekt angeordneten Fenstern für holzige akustische Klanglandschaften und elektronische Veränderungen. Dabei multipliziert / A \ verschiedene Energien und Dynamiken: die Wärme eines wandernden Blues (Hotel Stellar), eines katzenartigen, welligen Post-Rocks (Grain Sand and Mud), einer maschinenartigen Wut mit niedrigem Tempo (We Travel the Light) ), eine blasse Morgenatmosphäre (Count to Ten), mutierter Trip Hop (The Leaves), ein müßiger Aufstieg nach Golgatha (Unsere Liebe wächst)… Und das Beste daran ist, dass diese bahnbrechenden Ideen mit einem unglaublichen Sinn aufeinander folgen der Natürlichkeit.

Release 13.8.2021

Der großartige US Staat Kentucky ist für viele Dinge weltbekannt. Bluegrass-Musik? Ja, natürlich. Den samtigen, bestschmeckenden Bourbon, der von Menschenhand geschaffen wurde? Es geht kaum besser. Eine Sache, die man nicht immer mit Kentucky in Verbindung bringt, ist der Rock'n'Roll. The Cold Stares sind entschlossen, diese Wahrnehmung zu ändern.Chris Tapp und Brian Mullins kennen sich schon seit Jahren. Sie wuchsen im Westen Kentuckys auf, nur einen Steinwurf von der Grenze zu Indiana entfernt. Ursprünglich begannen sie in ihren frühen Zwanzigern zusammen zu spielen, bevor sie getrennte Wege gingen, nur um sich ein Jahrzehnt später als The Cold Stares wieder zu vereinen. "Es gibt hier eine Menge großartiger Musiker, aber es ist schwer, Leute mit Biss zu finden", erklärt Mullins. Der Großteil des Albums wurde an einem einzigen Tag in Sam Phillips sagenumwobenem Aufnahmestudio in Memphis aufgenommen. Abgeliefert haben The Cold Stares ihr bisher bestes Album, welches eine intensive musikalische Mischung aus Blind Willie Johnson meets Son House; Stevie Ray Vaughan meets Black Sabbath; Soundgarden meets Black Crowes; Free meets Led Zeppelin ist. "Ich habe das Gefühl, dass ich das, was ich sagen will, ein bisschen prägnanter und eleganter ausdrücke, und ich denke, dass Brian und ich, nachdem wir so lange zusammen gespielt und Platten gemacht haben, uns über die Aussage, die wir jetzt machen wollen, ziemlich im Klaren sind", sagte Tapp. "Wir waren nie eine dieser Bands, bei denen wir sagten: 'Auf der nächsten Platte werden wir wirklich etwas völlig anderes machen.' Wir waren glücklich mit dem Gefühl, mit dem wir angefangen haben. Wir wollen die Band sein, die wir sind

Release 13.8.2021

3te Album des britischen Produzentenduos wird wahrscheinlich der Soundtrack zu einem Sommer werden, der anders ist als alle anderen. Das Duo hat das vergangene Jahr im Studio verbracht und ist mit einer unbändigen Dancefloor-Platte für die post „social distancing" Zeit herausgekommen: „With this record we’ve learned to trust our instincts and go with our gut,” sagt T. „We want it to be more raw, open, fun, enjoyable and entertaining, because that’s what music is,” fügt J. hinzu. J und T sind das pulsierende Herz von Jungle, wo Musik, Ästhetik und Choreografie als eine unverwechselbare künstlerische Vision nebeneinander bestehen. Mit dem gleichen Ethos wie z.B. Gorillaz oder The Avalanches sind die beiden die Produzenten, Songwriter und Musiker, aber sie sind auch die Regisseure, Content-Schöpfer und Kuratoren. Sie stehen an der Spitze einer größeren Gemeinschaft von Kreativen. Sie sind Weltenbauer. Mit dem neuen Album wird dies auf eine neue Ebene gehoben, wobei das größere Jungle-Kollektiv von Tänzern ein integraler Aspekt ist, wie die Musik visuell erlebt wird. Mit jedem Video, bei dem Josh Lloyd Watson und sein langjähriger Mitarbeiter Charlie Di Placido Regie geführt haben, schaffen sie es die Fans zu begeistern. Das Video zu „Keep Moving" ist in einem Take gedreht - teils Birdman, teils West Side Story und zeigt zwei Gangs von Tänzer*innen. Es beginnt mit dem Tänzer Che Jones (der im Video zu „Smile" vom letzten Jungle-Album mitspielte) in seinem Schlafzimmer und führt zu einer Szene im Freien, in der wir Mette Linturi (die im Video zu „Casio" vom letzten Album mitspielte) finden. Der Rest ist eine wunderschöne Entfesselung, die so atemraubend zu beobachten ist, dass sie den Zuschauer mit einem Gefühl der Ehrfurcht zurücklässt.

Release 13.8.2021

Mit diesem völlig in Ambient-Klängen versunkenen Album taucht Devendra mit dem musikalisch hinsichtlich Verwurzelungen in der New Age-Musik der 80er geistesverwandten Georgeson knietief ein in eine Welt mäandrierender Sounds und Klänge, in der der Nachhall wichtiges Element ist. Teils elektronisch generiert mit Synthesizern, aber auch Gitarrenchords, angezupfte Gitarren Streicher- und Klavierklänge spielen in dieser meditativen, dem Klang eines Akkords oder eines Drone weit und bis auf den Grund folgenden Welt eine entscheidende Rolle. Bei aller Ruhe und meditativen Kraft, die in den Songs liegt, spielt Dynamik ebenfalls eine Rolle. Beeinflusst wurden sie von östlichen Harmonien, auch Wettergeräusche, Field Recordings und allerlei Stimmen sind präsent auf diesem das innere Auge und die Kontemplation anregenden Album, das sich aber nicht in purem Wohklang verliert, sondern auch Ängste und dunklere Seiten zum Vorschein bringt.

Release 6.8.2021

Nachdem die beiden Vorgänger beide mehr oder weniger solo von Bandgründer Angus Andrew eingespielt wurden, expandierte er bei der kreativen Umsetzung des 10. Albums, indem er offensiv einige Musiker * innen involvierte. Avantgarde-Jazz-Schlagzeuger Laurence Pike, Multi-Instrumentalisten Cameron Deyell und Texterin Mary Pearson trugen ihre Anteile an der Entstehung bei.
"The Apple Drop" unterläuft dabei jede Trennung zwischen live im Studio eingespielten Instrumenten und Computertüfteleien und verwischt damit vollends die vermeintliche Dichotomie von archetypischer Bandstruktur und experimenteller Elektronik wie auch das mit Raffinesse und Cleverness aufwartende, aber sich in den Hörgängen festsetzende "Sekwar" zeigt.

Release 6.8.2021

Ein Mann, eine Gitarre – das war einmal. Für “Vierti Rundi“, dem jüngsten Studioalbum des Chansonniers, hat sich Oli Kehrli angriffslustige Verstärkung besorgt. Gemeinsam mit seiner neuen Band, nimmt er die Herausforderung an und steigt furchtlos in den Boxring des Lebens. Dieses verlangt schliesslich immer mal wieder Schicksals- und Rückschläge wegzustecken, womöglich Schwächen zu offenbaren, mit den eigenen Unzulänglichkeiten zu hadern, aber hier und da auch ordentlich auszuteilen.

Release 30.7.2021

Neues, 10. Album der amerikanischen Folk Band um Vocalist Jay Farrar (Uncle Tupelo). Erneut begleitet von der aktuellen Son-Volt-Besetzung - Keyboarder/Steel-Gitarrist Mark Spencer, Bassist Andrew Duplantis, Gitarrist Chris Frame und Schlagzeuger Mark Patterson - nimmt Farrar eine leichte Abkehr vom politisch pointierten "Union" des Jahres 2019 hin zu einer Reihe von Songs, die eher Fragen stellen, als Antworten zu fordern - man denke an "Living in the U.S.A." als Farrars Version von Bruce Springsteens "Born in the U.S.A.", ", Neil Youngs "Rockin' in the Free World" oder Patti Smiths "People Have the Power", eine Hymne zur Vereinigung der Bevölkerung. Hört man sich "Electro Melodier" an, das mit "Reverie" beginnt, das Farrars kontemplativen Zustand beim Blick aus dem Fenster beschreibt, belebt von Mark Spencers "Wichita Lineman"-Gitarrenriffs und den üppigen Big Star-Melodien, fragt man sich, warum keine anderen Rock 'n' Roll-Bands oder Singer/Songwriter solche Alben über das machen, was wir alle gerade durchmachen.

Release 30.7.2021

Der zeitlose, die Sinne verklärende Soul des Vorgängeralbums lebt auch auf dem 3ten Album weiter, das aber gerade in den unsicheren Corona-Zeiten eskapistischer daherkommt und auf dem der hohe Falsettgesang von Drummer Aaron Frazer neben der ebenfalls die Seele durchleuchtenden Stimme von Durand Jones mehr Raum als auf dem Vorgänger einnimmt. Neben den für zusätzliche Sweetness sorgenden Streichern schnuckeln sich auch manchmal leichte Diskobeats dazwischen und erhöhen mit der funky Guitar (die dennoch auch immer wieder das Wahwah anwirft) und walking oder Slap-Bass den Groove-Faktor ungemein. Westcoast-Vibes sorgen für ein zeitloses wie organisches Sweet Soul-Gefühl auf dieser die Grenzen ausweitenden Scheibe mit einer größeren Bandbreite an Sounds und Vibes.

Release 30.7.2021

Sie ist die erfolgreichste und vielleicht auch einflussreichste Künstlerin der letzten Jahre, die Stimme ihrer Generation - das zweite Album wurde wiederum mit ihrem Bruder Finneas in Los Angeles aufgenommen. Billie Eilish: Als begnadete Pop-Neudenkerin und Bedroom-Musikerin mit besonderem Bruder-Support ist die Kalifornierin in den letzten Jahren zur größten Musikikone der Welt avanciert. Jeder Track, jeder Look, jeder Social-Media-Post sorgte für neue Wellen - und machte sie zur wichtigsten Künstlerin im Post-Genre-Zeitalter. Geboren als Billie Eilish Pirate Baird O'Connell im Dezember 2001, ging schon ihr allererster Song "ocean eyes" Ende 2015 durch die Decke - Billie war noch keine 14. Als dreieinhalb Jahre später ihr offizielles Debütalbum erschien, lag ihr die Welt bereits zu Füßen.

Release 30.7.2021

Dem fünften Album von Mackenzie Scott aka Torres geht das von druckvollem Sound und einer klasse Hookline geprägte "Don't Go Puttin Wishes In My Head" voran, ein intensiver, indierockiger Hit-Song mit einer hintergründigen Synth-Unterlage und einem trotzigen, entwaffnenden Gestus, der selbstbewusst nach vorne geht. Das Album wurde während der Pandemie in den Middle Farm Studios im britischen Devon zusammen mit Rob Ellis und Peter Miles aufgenommen und von Torres co-produziert. Das tolle gemalte Artwork stammt wie schon beim Vorgänger von Scotts Freundin Jenna Gribbon.

Release 23.7.2021

Fast acht Jahre sind vergangen, seit die Band von Nicolás Jaar und Dave Harrington ihr Debüt "Psychic" 2013 veröffentlich hat. Pitchfork nannte es damals den Soundtrack zu einem David Lynch Science-Fiction-Film, den er nie gedreht hat. Jaar und Harrington gingen mit ihrem Band-Projekt später auf Tour, begeisterten vor ausverkauften Hallen und auf großen Festivals und gingen anschließend wieder getrennte Wege. Nicolás Jaar veröffentlichte seitdem 5 Alben unter seinem eigenen Namen, sowie zwei Club-Compilations unter dem "Against All Logic"-Label. Harrington gründete die Dave Harrington Group, brachte 2 Alben heraus, spielte über 300 Shows und arbeitete für andere Künstler als Produzent und Arrangeure. Im Sommer 2018 mieteten sich Jaar und Harrington ein kleines Haus im indigenen Lenni-Lenape Territorium, welches im US-Bundestaat New Jersey liegt, um Ideen für Musik auszutauschen und um schließlich Darkside wiederzubeleben. Es sollte weitere 1,5 Jahre dauern bis ihr neues Album wirklich fertig geschrieben und aufgenommen war.

Release 23.7.2021

Aufgenommen in den Berliner Klangbild Studios sowie bei Reality Baitz und Impression Recordings mit Mitmusiker und Koproduzent Martin Thulin, handelt es sich bei "Change" um das zweite full-length Studioalbum der britisch-deutschen Songwriterin und Wahlberlinerin. Acht Jahre sind vergangen seit ihrer letzten EP, sogar 11 seit ihrem Debütalbum. In der Zwischenzeit war Annika Henderson aka Anika u.a. für BEAK> und Tricky tätig, veröffentlichte zwei Alben mit ihrer Band Exploded View. "Change" ist eine Momentaufnahme voller Emotionen, handelt von Ängsten und Empowerment, stellt in neun, von karger Elektronik, Live-Drums und Bass sowie einer klangenden jedoch entschlossenen Stimme geprägten Tracks Fragen nach der Zukunft.

Release 23.7.2021

Nachdem das Debütalbum soziale und politische Spaltungen mit treibenden Garage-Rock und kraftvollem Dream-Pop untersuchte, wendet sich das 2te Album der aus ehemaligen Mitgliedern von Lush, Moose, Elastica und Modern English bestehenden Band eher einer introspektiveren Linie zu, wobei die neuen Songs allerdings nicht an Energie und Dynamik verlieren. "If Brickbat was our Britpop album, then Love Drips And Gathers is shoegaze", offenbart Sängerin/Gitarristin Miki Berenyi. Bassist Mick Conroy fügt hinzu: "Brickbat was a classic first album; noisy and raucous. On Love Drips And Gathers, we’ve calmed down and explored sounds, and space." Piroshkas eigene Geschichte ist in der Familie verwurzelt - sowohl in der, in der man geboren wird, als auch in der, die man sich aussuchen kann. "Love Drips And Gathers" - benannt nach einer Zeile aus einem Gedicht von Dylan Thomas – ist inspiriert von Liebe, Familie, Freunden und Erinnerungen. So auch die erste Single "Scratching At The Lid", die als euphorische Pop-Hymne daherkommt und an Gitarrist KJ McKillops Vater erinnert. Zu den neun Tracks des Albums wird es jeweils ein eigenes Video geben, die alle von Connor Kingsley inszeniert wurden und sich an einem roten Faden entlanghangeln, der ebenfalls mit diesen Motiven spielt.

Release 23.7.2021 (Vinyl am 10.9.21)

King Gizzard & The Lizard Wizard haben kreative Grenzen schon immer mit dem gleichen Respekt behandelt, den Bulldozer allem entgegenbringen, das dumm genug ist, ihren Weg zu verlassen. Ihr 18. Album könnte jedoch ihr bisher furchtlosester Sprung ins Unbekannte sein: eine Suite von zehn Songs, die alle als arpeggierte Loops begannen, die auf modularen Synthesizern komponiert wurden, bevor sie von der sechsköpfigen Band in süchtig machenden, optimistischen und äußerst verführerischen Dream-Pop verwandelt wurden. Das Album klingt gleichzeitig wie nichts, was sie je zuvor gemacht haben, und durch und durch unverkennbar nach Gizz, bis hin zu seinem neonfarbenen psychotronischen Höhepunkt. "Auf Butterfly 3000 haben wir einige Parameter gesetzt, die wir vorher noch nie wirklich angefasst haben", sagt Gizz-Frontmann Stu Mackenzie. "Ich fühle mich am meisten inspiriert, wenn ich nicht im Wettbewerb mit mir selbst stehe, und bin von Ideen angezogen, die sich völlig neu anfühlen. Vielleicht ist das eine idiosynkratische Art, an Musik heranzugehen, aber es ist die Gizzard-Art." Das Album folgt auf die beiden vorangegangenen Gizzard-Alben "K.G." und "L.W.", die, obwohl sie traditionell begonnen, während des Lockdowns fertiggestellt wurden. Ähnlich isoliert entstanden, geht "Butterfly 3000" noch einen Schritt weiter: Das Album wurde komplett in den eigenen vier Wänden der Bandmitglieder aufgenommen, das Studio und der Proberaum blieben diesmal außen vor.

Release 16.7.2021

Nach der Veröffentlichung der "Raining For You" EP im letzten Jahr, meldet sich das britische Duo Ida Mae zurück, inkl. Features von Marcus King, Jake Kiszka (Greta Van Fleet) und Ethan Johns. Das Album wurde durch ihre transatlantischen Reisen während der Veröffentlichung ihres von der Kritik gefeierten Debütalbums "Chasing Lights" inspiriert. Durch die Pandemie gezwungen, ihre Tournee abzubrechen, schrieben und nahmen sie das Album schließlich in ihrem Haus in Nashville auf, während sie im letzten Frühjahr in Quarantäne waren. Chris Turpin selbst übernahm die Produktion, nachdem er über die Jahre seine Fähigkeiten unter anderem bei Ethan Johns, T Bone Burnett, Ryan Hadlock und M Ward verfeinert hatte, während Stephanie Jean für die künstlerische und visuelle Gestaltung sorgte. Das Album bietet elektrisierende Gastauftritte von Marcus King und Jake Kiszka von Greta Van Fleet auf einigen Tracks und durchgehendem Schlagzeugspiel von Ethan Johns.

Release 16.7.2021

Sturm, Drang und die Krise danach – Urges spielen Rock aus dem Bauch heraus und frisch von der Leber: Laut, direkt, tolldreist, ohne sich umzusehen, einfach drauf und los. «Never Gonna Change» ist gleichermassen Blaupause jugendlicher Rebellion und Dreistigkeit wie Reflexion über die dunkleren Seiten des hemmungslosen Lebens. Urges mischen Lust, Spass und Exzess mit den grossen Katergefühlen des Erwachsenwerdens, Drama, Einsamkeit, Unsicherheit – und finden in unglaublich treibenden Songs mit viel Stromgitarre den gemeinsamen Nenner, die (Un)Sinnigkeit des Lebens in die richtigen Bahnen zu lenken.

Release 16.7.2021

Der Electro-Sax-Space-Warrior der Dap-Kings kehrt mit einer groove-lastigen Fortsetzung von All My Relations zurück. "Vol. II: Baca Sewa" ist eine eine ausdrucksstarke, transzendentale Reise durch die Archive seiner indianischen Wurzeln und darüber hinaus. Unter der Leitung eines 7-köpfigen Ensembles, bestehend aus New Yorks Top-Perkussionisten und Mitgliedern der Rhythmusgruppe von Daptone, kombinierte Cochemea uralte Elemente von Trommeln, Bläsern und Stimme neu. Das Album ist ein Angebot und eine Fortsetzung von Cochemeas Erkundungen, Teil eines musikalischen Prozesses der kulturellen Rückgewinnung und Heilung durch Verbindung, Beziehungen, Erinnerung und Vorstellungskraft.

Release 16.7.2021

Das von Dave Sitek (TV on the radio) produzierte 7te Album des "King of the Beach". Nathan Williams ist nach seiner Rückkehr nach San Diego mit direkt in die Blutbahn schiessenden Songs mit teils mehrstimmigen Vocals und breitem Sound ("Help is on the way"), aber auch lo-fi-esken, schrammeligen, von der Sonne geküssten California-Indie-Pop-Nummern wie "Sinking Feeling" mit toller Morricone-Twang-Gitarre.

Release 16.7.2021

6 Jahre nach Superwolf, dem ersten gemeinsamen Album von Matt Sweeney und Bonnie ´Prince´ Billy, heulen die beiden Musiker erneut den Mond an. In klassischer Garcia-Hunter-Manier arbeiteten Sweeney und der 'Prince' zunächst getrennt und fanden dann mit ihren separaten Song-Visionen den Weg zueinander. An Matt gelieferte Bonnie-Lyrics entfachten Sweeneys Fantasie an der Gitarre; Akkorde und eine Melodie wurden geformt, schnell und locker aufgenommen und an den 'Prince' zurückgeschickt, dann trafen sich beide Parteien, um sie zu singen, zu verweben, zu festigen und schließlich gemeinsam vor einem kleinen, ahnungslosen Publikum aufzuführen. Neue Blöcke von Texten und Song-Elementen wurden verschickt, verstrickt und verstanden, bis alles bereit war für die finalen Aufnahmen. Die Arbeit an "Superwolves" begann bereits vor fünf Jahren, die erste eigentliche Session fand jedoch erst vor etwa einem Jahr im Brooklyn's Strange Weather statt und die nächste im Butcher Shoppe in Nashville. Sweeney überwachte die Brooklyn-Sessions während Oldham die Nashville-Mixe überwachte. Sweeney singt die Harmonien um Will Oldham herum mit und spielt alle elektrischen, akustischen und Bassgitarren, stellenweise unterstützt von David Ferguson am Stand-up-Bass, Mike Coltun am E-Bass, Mdou Moctar an der elektrischen Leadgitarre, Ahmoudou Madassane an der Rhythmusgitarre, Souleyman Ibrahim, Ryan Sawyer und Peter Townsend am Schlagzeug und Mike Rojas an den Tasten. Und Bonnie 'Prince' Billy singt. Natürlich. *Domino

Release 16.7.2021 (Vinyl am 10.9.21)

Strahlendes neues 10-Track-Album mit kraftvollen Basslinien und elektrisierenden Melodien. Es hat Chet Faker - und auch Murphy selbst - zurück in die Welt gebracht. Wie schon sein Debütalbum "Built on Glass" (2014) schrieb und produzierte Murphy "Hotel Surrender" selbst und stellte die meisten Songs vor Beginn von Covid19 im März 2020 fertig. Kurz nachdem die Pandemie einen weltweiten Stillstand verursacht hatte, verlor Murphy seinen Vater, und plötzlich bekam die neue Wohlfühlmusik eine noch tiefere Bedeutung für ihn. "Es gab eine Menge schwerer Perspektivwechsel für mich."", erinnert er sich. "Ich habe die Musik damals in einem anderen Licht gesehen und betrachte sie jetzt als eine Art Massentherapie. Früher fühlte es sich an, als wäre ich auf einem Kreuzzug oder einer kreativen Odyssee. Heute weiß ich, dass es etwas Schamanisches ist. Man muss ein Licht - oder manchmal auch die Dunkelheit - finden und es teilen. Mir wurde bewusst, dass das der Kern von Chet Faker war. Und ich hatte das Gefühl, dass die Welt litt, also wollte ich etwas tun, um den Menschen eine Freude zu machen

Reease 9.7.2021

Auf dem 3ten Album öffnet das australische Trio neue Türen und etabliert einen unverkennbaren Stil, der musikalisch mit schrammeligen Indierockgitarren und Elementen aus Post-Punk und New Wave aufwartet und seinen Reiz aus den musikalisch direkt ausgehandelten Kontroversen von Bubblegum-Melodien und oftmals leicht atonalen Gitarren oder Background-Gesängen genauso zieht wie aus der gleichmässigen gesanglichen Beteiligung von Riley Jones, Louis Forster (Sohn von Robert Forster von den Go-Betweens) und James Harrison, die abwechselnd oder gemeinsam mit ihren Stimmen zu einem harmonisch attraktiven, weil originellen und sehr abwechslungsreichen musikalischen Look. Das dynamische Songwriting mit Verzögerungen, überraschenden Wendungen und dem originellen Einsatz zusätzlicher Percussioninstrumente erzeugt Thrill und zieht in den Bann, denn jedes Bandmitglied bingt eigene Elemente und EInflüssen ins Songwriting ein, das australische Energie mit amerikanischer Lässigkeit im Nemen des Pop-Songs und europäischer Gewitzheit und Tiefe vereint.

Release 2.7.2021

Den Primal Scream-Sänger und die Frontfrau der Savages verbindet generell ein Stück weit Auflehnung im Stroboskop-Feuer zwischen spacigem Indie Rock und nachdrücklichem Post-Punk. Die Klammer des gemeinsamen Albums der aus 2 unterschiedlichen Generationen stammenden Musiker_innen (über 20 Jahre Altersunterschied) ist hier aber die Botschaft, dass Menschen in schwierigen Situationen nicht allein sind. Das Album ist inspiriert vom klassischen Country-Duett-Gesang von "Grievous Angel" von Gram Parsons und Emmylou Harris oder "We Go Together" von George Jones und Tammy Wynette und zeigt v.a. Jehnny Beth in einer ungewohnten musikalischen Umgebung. Der balladeske Song "Remember we were lovers" erzählt von einem Ehepaar, dessen Beziehung zerbricht und sich nun mit Themen wie Verlust, gestörter Kommunikation und der Unfähigkeit, Gefühle auszudrücken, auseinandersetzen muss. Beteiligt waren auch Johnny Hostile am Bass sowie die Primal-Scream-Mitglieder Andrew Innes (Gitarre), Martin Duffy (Piano) und Darrin Mooney (Drums).

Release 25.6.2021

Grant ist der Außenseiter des Außenseiters: zu eigen, um Mainstream zu sein, zu traurig, um glücklich zu sein und zu ironisch, um sich nicht genau darüber lustig zu machen. Vor einem Jahr begann John gemeinsam mit Produzentin Cate Le Bon an seinem fünftem Solo-Album zu arbeiten, auf dem der Songwriter spielerisch mit diversen Stimmungen, Texturen und Klangfarben experimentiert, die in einem ständigen Wechsel zwischen ruhig und lebhaft verlaufen. Seit zehn Jahren lebt Grant nun schon in Island, der Boy aus Michigan kennt sein Amerika aber gut genug, um es mit mikroskopischen, malerischen Details zu dokumentieren und zu sezieren. Die spröde Intensität der frühen Lebenserfahrungen eines Mannes mittleren Alters verwandelt sich heimlich in eine breite Metapher für den Zustand der gespaltenen Nation, den der Songwriter bereits im Januar auf "The Only Baby" anprangerte. Mit dem Titeltrack, der als melodische Latenight-Hymne getarnt daherkommt, schlägt der Songwriter weiter in die gleiche Kerbe: "The American dream is only about money".

Release 2.7.2021

Ihr drittes Album basiert auf Erinnerungen ihrer Coming-of-Age-Jahre in Richmond, Virginia. Viele der Songs beginnen auf die Weise, wie Memoiren es tun - zum Beispiel: "In the summer of '07 I was sure I'd go to heaven, but I was hedging my bets at VBS" - und alle haben die Passion, den Humor und die Ehrlichkeit von erfrischend autobiographischen Texten. Am wichtigsten aber: das neue Album der amerikanischen Songwriterin zeugt wie kein anderes davor von ihrer Fähigkeit persönliche Empfindungen in universelle zu verwandeln. "I can't hide behind generalizations or fiction anymore," sagt Dacus darüber. Denn während ihre Songs seit jeher einen nostalgische Anstrich haben, öffnet sich Dacus auf dem neuen Album komplett! Während die lange Zeit auf Tour in Lucy den Wunsch nach ihrer Heimatstadt immer größer werden ließ, fand sie nach ihrer Rückkehr in Richmond ein Zerrbild ihrer selbst vor Ort wieder. Plötzlich schienen Menschen, die sie nicht kannte, sie besser zu kennen, als sie sich selbst und Fremde tauchten immer wieder vor ihrer Tür auf, um sie mit ihrer Version Dacus' zu konfrontieren.

Nach mehr als einem Jahr zuhause und in der Videoscreens und Anrufe größtenteils die einzig mögliche Form von menschlichem Kontakt war, ist das Schwelgen in der Vergangenheit eh für viele zum Standard geworden. In diesem Zuge ist "Home Video" ein einzigartiges Beispiel dafür, wie man aus Verletzlichkeit Stärke gewinnen kann. Dacus' Stimme, sowohl die gesungene als auch ihre innere, bieten einem dafür die nötige Kraft, das Fundament und den Glaube.

Release 25.6.2021

Ellis Mano Band – Ambedo «Eine Art melancholische Trance, der man beim Anblick kleinster Details verfällt – Regentropfen, die am Fenster herab rinnen, grosse Bäume, die im Wind schwanken, Rahm-Wölklein, die im Kaffee schwirren – und welche das Bewusstsein für die Zerbrechlichkeit des Lebens schärft. So beschreibt der «Dictionary of Obscure Sorrows» den Begriff «Ambedo». Blues und Schwermut? Whatelse! Mit ihrem neuen Album «Ambedo» wendet sich die Ellis Mano Band dem Kern des Blues zu – ohne aber musikalisch in Traditionalismus zu verfallen. Viel lieber verschaffen Sänger Chris Ellis, Gitarrist Edis Mano, Schlagzeuger Nico Looser, sowie Bassist Severin Graf ihrem Frust oder Unmut über bisweilen herrschende Zustände mit ihren eigenen Instrumenten oder ihrer Stimme, Luft. Zum Beispiel im Opener «The Horrible Truth», wenn sie unsere lethargische Sicht auf das Unrecht in dieser Welt mit einem kraftvollen Rock-Track an den Pranger stellen. Wenn danach «Sweet Sin» den Fuss etwas vom Gas nimmt, so legt diese Nummer in Sachen Intensität mit zunehmender Dauer sogar noch eine Schippe drauf. «Ambedo», das zweite Album der Ellis Mano Band, ist geprägt vom Spiel mit Licht und Schatten. Schwermut ist die tragende Säule dieses zweiten Longplayers des Quartetts, das mit seinem Debut «Here And Now» für so viel Aufsehen gesorgt hat. Mit «Keep It Simple», dieser wunderbar federleichten Nummer, hatte die Band jenen Song zur ersten Single auserkoren, der das Wesen des ganzen Albums inhaltlich und musikalisch auf einen Nenner bringt: Das Streben nach Perfektion ist unser Untergang. Auch Tage ohne Sonne können ganz OK sein – wenn wir bereit sind, uns auf das Wesentliche zu konzentrieren: Einander zu lieben. Womit die Band beim Kern des Wesens des Blues ankommt – jenem Sound, der gewachsen ist aus dem Gefühlsmix aus Melancholie, Schwermut und Trostlosigkeit, das ihm seinen Namen gegeben hat. Dieses Gefühl ist, was «Ambedo» vom ersten bis zum letzten Ton prägt. Der Ellis Mano Band gelingt es, dieses ganz ureigene Wesen des Blues, die Wurzel dieser Musik, die am Anfang aller heute so geliebten Popmusik stand, spür- und greifbar zu machen, ohne musikalisch in einen rückwärts gerichteten Traditionalismus zu verfallen. Da ist «Ambedo Mind», der keck mit Soul und Funk flirtet, während «The Question» oder auch «Johnny & Susie» mit Volumen und Opulenz dem klassischen Rock huldigen – und plötzlich fällt das ganze Gebilde in sich zusammen, um in Momenten der Ruhe auf der «Long Road» oder beim «Breakfast» innezuhalten. Mit «Ambedo» knüpft das Quartett nahtlos dort an, wo es vor zwei Jahren mit ihrem Debutalbum «Here And Now» bereits angefangen hat. In der Ellis Mano Band erwacht Kopf-, Herz- und Bauchmusik augenblicklich zum Leben. Sänger Chris Ellis, Gitarrist Edis Mano, Schlagzeuger Nico Looser sowie Bassist Severin Graf haben mit vielen Hochkarätern im In- und Ausland zusammengearbeitet. Im Quartett haben sie sich nun gefunden, um ihren ganz eigenen Sound zu kreieren und zu zelebrieren.

Release 25.6.2021

Das 3te Album der aus dem australischen Melbourne stammenden Formation verspricht großes originelles Future-Soul-Jazz-Kino, wenn man nach dem atemberaubenden Track "Get Sun" geht, der mit brilianten Streichern von Arthur Verocai und einem sonnenbeschienenen wie komplexen Feuerwek aus Funkbass und -Drums im ungeraden Mega-Groove, Jazz-Elementen und fantastischem Soulgesang aufwartet. Die 2-fach Grammy-nominierte Band wurde auch schon von The Carters (Beyoncé & Jay-Z), Kendrick Lamar u.v.a. gesampelt. Der Sinn fürs musikalische Abenteuer durchzieht ihren einzigartigen Sound. Die Gabe, das Komplexe einfach klingen zu lassen, oder, in ihren eigenen Worten: "Wondercore", ist ihr Markenzeichen. Das Experiment mit einem ungeraden Rhythmus, der in 5er-Gruppen gepackt ist, wird zu einem kaskadenartigen Jam namens "Rose Water". Benders und Simons Austausch einzelner Noten, hin und her, um eine Melodie zu bilden, wird zu "All The Words We Don't Say". Nais frecher Kommentar auf sexbesessene, dreiminütige Pop-Hits wird zu "Chivalry Is Not Dead", einem Song über die bizarren Paarungsrituale von Leopardenschnecken und Seepferdchen

Release 25.6.2021

Intimes und introspektives neues Werk, auf dem M.C. Taylor in impressionistischen Tönen über Themen wie Erwachsenwerden, Entfremdung, Verpflichtung, Hoffnung, Sinn, Familie, Klasse, Selbstfindung, Heilung und Wiederaufbau nachdenkt und seine Fähigkeit, innerste menschliche Emotionen zu beleuchten, weiter vertieft. Musikalisch sind die Songs durchdrungen von Gospel, Southern Soul, Indie-Folk und Alt-Country mit einem Hauch von Blues-, Rock- und Jazz-Einflüssen. Zu den Höhepunkten gehören der minimalistische R&B von "It Will If We Let It", der rollende Country-Groove von "The Great Mystifier" und das gefühlvolle, rauchige Lamento von "Painting Houses" (gemeinsam mit Gregory Alan Isakov geschrieben). Als Gäste sind Griffin und Taylor Goldsmith von Dawes, Zach Williams von The Lone Bellow, Nashville-Gitarrengröße Buddy Miller sowie Produzent/Musiker Josh Kaufman von Bonny Light Horseman zu hören.

Release 25.6.2021

Hanson ist eigentlich Frontmann des Garage-Prog-Projekts Wand und seit Jahren Teil und Geheimtipp der Pschedelic-Rock Szene von L.A. Sein zweites Solowerk ist ein fast schon orchestral anmutendes Folkalbum. Seine brüchige Stimme gemischt mit spannenden Arrangements, dynamischen Spielereien und vielseitiger Instrumentierung heben die Platte aus dem Einheitsbrei des Folk heraus. Die Single "Angeles" erinnert an Elliott Smith, bevor sich der Song zum Ende hin komplett freispielt und irgendwo zwischen Jazz und Psychedelic endet. Diese Brüche machen dieses Album so spannend!

Release 18.6.2021

Auch als Crystal Blue Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Wenn eine Band sich von ihrem langjährigen Klangbild löst und - wieder einmal - häutet, kann sie heute alles Mögliche sein. Großes Orchester oder Laptop-Projekt. Das Skizzenhafte kann neben dem Ausgefeilten stehen. Das Beeindruckende neben dem Unscheinbaren. Das Aufwändige neben dem Simplen. Die Frage ist nur: Will man das überhaupt? Und wenn ja: Zieht man das durch? Auf ihrem neunten Album "Talks Of Paradise" präsentieren Slut sich in einem ungewohnten und neuen Soundgewand. Die Gitarrenwände haben sie ersetzt, das Klanggewitter neu gedacht. Stattdessen gibt es analoge elektronische Töne, eine tiefe Transparenz und einige beinahe minimalistische Skizzen. Den hymnischen Indie-Sound ihrer früheren Alben gibt es immer noch. Das hört man unter anderem auf der Vorab-Single "For The Soul There Is No Hospital". Es geht aber nicht darum, zwanghaft etwas Neues zu versuchen. Oder um den Zweikampf Synthie vs. Gitarre. Vielmehr um das Abschalten von Automatismen. Um eine Suche nach dem Momentum. Auch wenn dabei anfangs ein Mosaik aus vermeintlich widersprüchlichen Eindrücken entsteht. Slut ist etwas bemerkenswertes gelungen: Eine etablierte Band aus Leuten und Freunden, die sich schon sehr lange kennen, hat sich entschieden etwas wirklich Neues zu wagen. Und das auf der gesamten Strecke.

Release 18.6.2021

Die belgische Post-Punk-Sensation mit ihrem zweiten Album nach dem Debüt von 2018, schneidiger, waviger Sound mit viel The Cure-Huldigung, also tendenziell nach wie vor tiefer im New Wave-Gefilde als in klassischem Post-Punk. Gerade die düsteren, pathetischen Vocals haben immer diesen tollen Goth-Touch, der ausdrucksstark und in all seiner Düsterheit und Monotonie super faszinierend ist. Im Vergleich zum Debüt hat man allerdings auf die hallige Produktion verzichtet, und versucht nun tatsächlich einen etwas direkteren, trockeneren Sound zu finden, der interessanterweise stark an das The Organ-Album erinnert, und auch den Vocals steht diese Direktheit sehr viel besser, und macht den Sound der Band noch etwas authentisch/eigenständiger. Auch die eingesetzten Synthies in Kombination mit der minimalistischen Instrumentierung tun ihr übriges, sodass hier ein wirklich faszinierendes Album entstanden ist, mit dem man lange Spaß haben wird, und was angenehm zwischen den Stühlen sitzt

Release 18.6.2021

12 Jahre nach der "Declaration of Dependence" wirkt das Songwriting des innerhalb von 5 Jahren in 5 verschiedenen Städten aufgenommene 4ten Album des legendären norwegischen Duo so einfühlsam-behende-melancho-optimistisch-synergetisch, als ob Erlend Oye und Eirik Glambeck Boe nie getrennte Wege gegangen wären mit ihren Projekten Kommode und Whitest Boy Alive. Tobias Hett ist zusätzlich an der Bratsche zu hören bei dem wundervollen Uptempo-Akustik-Folk-Pop-Song "Rocky Trail", bei dem KoC mit ihrem zweistimmigen Gesang und einem leichten Brasil-Jazz-Einfluss das Herz des Sommers berühren.

Release 18.6.2021

Nun folgt CARNAGE, das erste Studio-und-Song-Album des Duos Nick Cave und Warren Ellis. Es handelt sich tatsächlich um eine Art Bad-Seeds-Platte ohne die anderen: kein Bass, keine Drums. Cave singt und spielt Klavier, Ellis organisiert den Rest: Geige, Loops, Gitarren, Elektronik – auch Beats. Das Album beginnt mit einem pumpenden Wumms, der nahelegt, CARNAGE könnte zum Electronica-Abenteuer werden. Zur Ruhe kommt das Album erst in der zweiten Hälfte. Im ersten Stück „Hand Of God“ widmet sich Nick Cave mit biblischen Versen der Katastrophe, die uns umgibt, lähmt und tötet. Er war schon immer ein Dichter der Apokalypse, seine Metapher von der Hand Gottes, die wie ein Hammer vom Himmel auf uns niederschlägt, zeigt Wirkung: Electro-Goth von einem, der vom Glauben abfällt.

CARNAGE startet mit der Apokalypse und endet also damit, die Balkontür aufzumachen, den neuen Tag zu begrüßen. Nick Cave, der Lockdown-Storyteller. Plus Warren Ellis, dem begnadet guten Mitstreiter.

Soloprojekt von Kip Berman (Pains of being pure at heart)

Fantastische Feelgood-Platte, von A-Z grossartig!

Das 10te Album der nach dem Ausstieg von Schlagzeugerin Janet Weiss zum Duo geschrumpften Band aus Olympia, Washington haben Carrie Brownstein und Corin Tucker in Portland selbst produziert. Der Song "Worry with you" zeigt mit seinem rockigen Gitarren-Twang, daß eine der wichtigsten Bands des Riot Grrrl-Movements auf rockigem Kurs ist.

Release 11.6.2021

Musik in ihrer ehrlichsten Form: Ein Flügel und eine Stimme, die faucht und flüstert, schimpft und schmachtet, fleht und flirtet. Lord Kesseli zeigt uns auf seinem Solo Piano-Album «Tell Me When You’re Empty» nicht nur seine Zerbrechlichkeit im Ausdruck und seine Stärke als Songwriter. Er zeigt uns vielmehr, wie Lord Kesseli And The Drums-Songs tönen, wenn man sie auf ihre Essenz reduziert. Es ist keine bittersüsse Melancholie, die aus diesen Rohdiamanten tropft, sondern tiefste Traurigkeit. «Tell Me When You’re Empty» ist schwärzer als eine mondlose Nacht und verleiht dem Schmerz eine neue Dimension. Ein Winteralbum ist es deswegen noch lange nicht geworden: Dies ist Musik für Leute, die Musik mögen – scheiss auf die Jahreszeit

Release 11.6.2021

Der Ex-At The Drive-In/-Sparta Dude mit seinem neuen Album, das etwas anders daherkommt als geahnt, der gute Jim hat sicher das ein oder andere Modest Mouse-Album im Schrank, witzigerweise ist es genau das woran gerade der Gesang vielfach erinnert, auch wenn natürlich nicht die Vielschichtigkeit der Vorbilder erreicht wird, dafür ist der Ansatz auch noch mehr im Post-Hardcore verankert, und hier und da lässt tatsächlich die Energie und Catchiness der alten Bands durchblicken. Allerdings kein Wunder bei der Backing Band: Niemand geringeres als Thursday-Drummer Tucker Rule, sowie Incubus-Basser Ben Kenney geben hier alles. "Daggers" ist somit in der Tat ein überraschendes, sehr direktes Album mit viel Abwechslung und Drive, unerwarteten Wendungen, Ecken, Kanten und Ohrwurmcharakter. Super!

Release 11.6.2021 (Vinyl am 24.9.2021)

Nachträglicher Release des 2019 aufgenommenen und dann wegen schwerwiegenden Belästigungs-Vorwürfen zurückgezogenen Albums. An Kreativität mangelt es ihm nicht, dieses Jahr sollen 3 unterschiedliche Alben erscheinen und sein 17. Studioalbum seit 2000 geht tatsächlich neue Wege, dem das Prädikat "Alternative Country", dessen Starboy er wurde, nicht mehr passt. War das letzte Album ein musikalischer Befreiungsakt von dunkler Aura, bei dem er erstmals rockistische 80er-Anleihen mit energetischen Riffs und keyboardgetriebenen Melodiebögen verantwortete, klingt bei dem neuen Opus nicht nur dem Titel nach mehr farbenfrohe Abwechslung und optimistischere Gestaltgebung durch. Einerseits baut er die 80er Rock-Songs im Fahrwasser von Neil Young, Bruce Springsteen und auch Brian Adams aus, ohne kommerziell zu klingen, andererseits legt er eine exemplarische Vielfalt seines typischen Songwritings vor. Country, Folk, Alternative Rock, Americana und Indie grundieren seine Songs in perfekter Emotionalität. Auch die Kollaborationen mit John Mayer, Benmont Tench, Don Was beweisen die hohe Qualität des sehr variantenreichen Albums. Ryan Adams gíbt sich wie ein moderner Klassiker; er selbst nennt das neue Werk "Fu**ing Epic". Keine Übergangssongsammlung, sondern eine konsequente, wenn auch hellere Weiterführung des sehr guten "Prisoner".

Release 4.6.2021

Von dem Moment an, als Michelle Zauner mit dem Schreiben ihres dritten Albums begann, war klar, dass es nur "Jubilee" heißen konnte. Schließlich feiert ein Jubiläum die vergangene Zeit und blickt optimistisch in die Zukunft. Ein Fest der Hoffnung und Verheißung, das zugleich eine neue Ära in (hoffentlich) brillanten Farben einläutet. Auf ihren ersten beiden Alben wurde Zauner für die Auseinandersetzung mit ihren Ängsten gelobt: Das Debüt "Psychopomp" entstand während der Krebsbehandlung von Zauners Mutter, während der epische Nachfolger "Soft Sounds From Another Planet" den Verlust dieser verarbeitet. Jetzt, zu Beginn einer neuen Dekade, ist Zauner bereit für ihr Glück - ein rares Gut in einer scheinbar zerfallenden Welt - zu kämpfen. "Jubilee" strotzt nur so vor den bombastischsten Arrangements in ihrer Karriere. Jeder Song entfaltet einen neuen Aspekt ihres beeindruckenden Könnens. Joyful noise! "Jubilee" ist ein Album über die Verarbeitung des Lebens und der Liebe, während man auf der Suche nach Glück ist. Ein Prozess, der uns manchmal dazu zwingt, aus uns selbst herauszutreten und aus einem neuen Blickwinkel zu betrachten. Auf "Jubilee" fiktionalisiert Zauner ihre Texte kaum noch, und gießt stattdessen ihr eigenes Leben in das Universum jedes Songs, um so echte Geschichten zu erzählen. Passend dazu veröffentlich Zauner außerdem beim New Yorker Knopf-Verlag Ende April ihre Memoiren "Crying In H Mart", die hierzulande ab Mitte Mai auf Englisch erhältlich sein werden. In den Jahren zuvor nahm Zauner außerdem Theoriestunden und lernte zum ersten Mal ernsthaft Klavier, um so ihre Bandbreite als Songwriterin zu verbessern. Freude, Veränderung, (Weiter-)Entwicklung - diese Dinge erfordern echte Zeit, und wahre Anstrengung. Und Japanese Breakfast gibt sich dem auf "Jubilee" vollkommen hin

Release 4.6.2021

Das bereits fünfte Solo Album des US Singer-Songwriters, der vielen von den Walkabouts, Dirtmusic oder Distance, Light & Sky bekannt sein dürfte. Auf seinem neuen Werk taucht Eckman ganz tief in die Stimmung dieser außergewöhnlichen Zeit ein. Er singt von Verlust, Desorientierung, Wiedergutmachung und der Suche nach einer Heimat. Where The Spirit Rests wurde nur mit einem kleinen Ensemble aufgenommen. Direkt und ohne viele Effekte. Co-produziert wurde es von dem britischen Komponisten Alastair McNeill (Roísín Murphy, Yila). Als Gastmusiker sind Chuck Johnson (Pedal Steel), Catherine Graindorge (Violine) und Dream Syndicate / Green on Red Keyboarder Chris Cacavas auf Where The Spirit Rests vertreten.

Release 4.6.2021

Debütalbum von Sylvern Mathurin aka Poté auf Bonobos Label Outlier. Ein Album, das hart, zart und großartig zugleich ist. Die Verbindungen, die er auf dem Weg dorthin aufgebaut hat, sprechen für die Vielfalt seiner Einflüsse: Mit Connections zu Lissabons kuduro-lastigem Enchufada-Label bis hin zu Benji B und Damon Albarn (der auf der Single, "Young Lies", zu hören ist) hat er einen Sound geschaffen, der gleichermaßen vollgepackt ist mit Ideen und musikalischen Prüfsteinen. Er hat ein breites Spektrum an Unterstützern, darunter Annie Mac, MistaJam, Phil Taggart, Nina Las Vegas, TEED, Pierre Kwenders, Jamz Supernova, Laurent Garnier und Toddla T. Er wurde in Bonobos 2019er „fabric presents“-Mix gefeatured, war auf dem 2019er Africa Express-Album "Egoli" zu hören, produzierte Remixe für Little Dragon und Gorillaz und trat kürzlich bei Colors Berlin auf. Potés Musik balanciert seit jeher zwischen gegensätzlichen Impulsen. Auf der einen Seite ist da die rhythmische, feierliche Musik seiner karibischen Herkunft, auf der anderen Seite sein Interesse an neugierigem, gefühlvollem Songwriting. Auf diesem Album geht er mit dieser Herangehensweise in eine mutigere Richtung: eindringlich und atmosphärisch, ist es eine Plattform für diese beiden Seiten seiner Musik, um einen neuen Dialog zu führen. Die Ambition, die beiden Seiten seiner Musik - das harte, rhythmische Fundament und das Ventil für seine rohen Emotionen - noch dramatischer als zuvor zusammenzubringen, ist das neueste Kapitel auf seiner Reise; neue und mutigere Wege zu finden, sich auszudrücken. Auf diesem Album, mehr als auf jedem anderen Projekt, das er bisher veröffentlicht hat, öffnet sich Poté zweifellos, sowohl in seinem Sound, als auch in den Teilen seiner Persönlichkeit, die er offenbart.

Release 4.6.2021

Neuntes Album und das erste neue Studioalbum der Punkrocker in vier Jahren. Bei der anstehenden Veröffentlichung zeigt die freimütige Band mit dem Finger auf große Unternehmen und Politik, die ihr Spiel auf sozialer und wirtschaftlicher Ebene gegen Millennials, Generation Y und Generation Z auf ihrer Suche nach dem American Dream richten. Musikalisch ist das Album flammender, aggressiver Punk Rock; textlich wurden die elf Songs zum Teil von den Kindern der Bandmitglieder und der Community der Rise Against-Fans inspiriert. Tim McIlrath sagt: "Heute gibt es das Versprechen des American Dreams, und dann gibt es die Realität des American Dreams. Amerikas 'historische Norm', dass es der nächsten Generation besser gehen wird als der vorherigen, wurde durch eine Ära massiver sozialer, wirtschaftlicher und politischer Instabilitäten und dem Ausverkauf der Mittelklasse geschmälert. Der Hauptpreis, der durch harte Arbeit und Engagement versprochen wurde, existiert nicht mehr für alle. Wenn die Privilegierten die Erfolgsleiter erklimmen und diese dann von oben verbrennen, wird das Zersprengen zur einzigen Antwort."

Release 4.6.2021

Erstes Album seit vier Jahren der "beer-crushing, zombie-killing, air-guitar-contest-judging metal heroes!" "Arrows" wurde in den Halfling Studios in der Heimatstadt der Band, Portland, OR, mit dem langjährigen Mitarbeiter Chris Funk, Produzent von "Murder The Mountains" und "Whales and Leeches" aufgenommen. Chris ist ein wichtiger Einflussfaktor in Bezug auf das seltsame Umgebungsmaterial zwischen den Songs und verantwortlich für die gruseligen Nebengeräusche in den Songs und schafft definitiv eine zusätzliche Atmosphäre, die die Band sonst so wohl nicht hätte. "Arrows" ist auch der erste richtige Titeltrack für die Band. So erklärt Beam: "Dies ist das erste Mal, dass wir ein Album nach einem Song benennen, der tatsächlich auf dem Album ist. Wir haben andere Alben, die nach unseren Songs benannt sind, die aber selbst nicht auf diesen Alben sind".

Release 4.6.2021 (Vinyl am 11.6.2021)

Eine der beliebtesten Bands Großbritanniens und Gewinner des Mercury Prize 2018 für ihr letztes Album "Visions of Life", mit ihrem dritten Album! "Blue Weekend" wurde von Markus Dravs (Arcade Fire, Björk, Brian Eno, Florence + The Machine) produziert, der der Band geholfen hat, ihren Sound auf einen noch schärferen Punkt zu verfeinern. Rowsells persönliches Storytelling steht im Mittelpunkt von "Blue Weekend", einem Album, das Wolf Alice eine neu entdeckte Kühnheit und Verletzlichkeit gleichermaßen zugesteht. Gegründet 2010 als Akustik-Duo, von Sängerin Ellie Rowsell und Gitarrist Joff Oddie, sind Wolf Alice seit 2012 auch durch den Bassist Theo Ellis und Schlagzeuger Joel Amey vertreten.

Release 21.5.2021

Das neue Studioalbum von Robert Finley wurde erneut von Mastermind Dan Auerbach produziert.
Bluesy Soul vom Allerfeinsten!