Release 27.6.2025

Der mehrfach ausgezeichnete Produzent und Black-Pumas-Mitgründer Adrian Quesada schlägt ein neues Kapitel auf: Mit »Boleros Psicodélicos II« interpretiert er die sinnliche Balada-Tradition Lateinamerikas neu - detailverliebt, psychedelisch und mit starkem modernen Twist. Unterstützt von Künstlern wie Angelica Garcia oder Hermanos Gutiérrez entstehen Klangbilder zwischen Nostalgie und Gegenwart. Ein Album für Liebhaber romantischer Grooves und audiophiler Entdeckungen.

Release 18.7.2025

Es ist schier unmöglich, über US-amerikanisches Songwriting zu sprechen, ohne früher oder später über den Namen Alex G – ehemals (Sandy) Alex G – zu stolpern. Seit seinem Bandcamp-Debüt im Jahr 2010 gilt der Künstler als ein musikalisches Wunderkind und modelliert den eigenen Sound unvergleichbar und faszinierend wie einen kostbaren Schatz ständig neu. Kategorien bleiben für das Potpourri aus Freak-Pop, Roots-Rock, Folk sowie dem stetigen Spiel aus Elektro- und Akustik-Parts ganz natürlich aus und doch ist es allem voran das Songwriting, mit dem Alex G Fans wie Kritik verzaubert. Seit 2010 veröffentlicht der US-Amerikaner in strammen Takt Werke, mit denen er die Entwicklung der Indie- und Alternative-Musik in den 2010ern und danach entscheidend mitgeprägt hat. Der Musiker, Produzent und Singer/Songwriter, der mit bürgerlichem Namen Alexander Giannascoli heißt, hat sich mit dem unkonventionellen und stellenweise exzentrischen Sound einen Namen gemacht und mit Größen wie Frank Ocean zusammengearbeitet. Neun Studioalben hat Alex G seit seinem Debüt veröffentlicht – und genau zu diesen magischen Anfängen wird er mit seinem kommenden Album „Headlights“ zurückgehen und sich genau auf dieses neuartig-verzaubernde Terrain zurückbewegen, mit dem er vor rund 15 Jahren erstmals bekannt wurde.

Release 18.7.2025

Rachika Nayar und Nina Keith, aka Disiniblud, treffen sich in Brooklyn, in einem Park, der so klein ist, dass man nicht aneinander vorbeigehen kann, ohne sich zu bemerken. Sie reden. Erst über Musik, dann über alles. Über das, was war, über das, was nicht mehr sein wird. Post-Lockdown-Liebe auf Distanz, als würde man sich an jemandem festhalten, den es nie ganz gab. Buddhismus, Hinduismus, ein Soundtrack, den sie beide als Teenager geliebt haben. Ein Gespräch ohne Worte. Eine Verbindung, die sich anfühlt wie eine längst vergessene Kindheitserinnerung. "Disiniblud", das selbstbetitetelte Album, das am 18.07.2025 via Smugglers Way erscheint, ist das Echo davon. Rachika Nayar und Nina Keith verfolgen unterschiedliche musikalische Ansätze, die sie im gemeinsamen Projekt Disiniblud zusammenführen. Rachika veränderte mit ihrer 2022er LP "Heaven Come Crashing" ihr Repertoire: Statt Ambient-Gitarren setzt sie nun auf maximalistische Synthesizer, tiefe Sub-Bässe und Amen Breaks. Diese Fusion aus Post-Rock und Elektronika wurde von Pitchfork als Best New Music ausgezeichnet und fand Anerkennung in Medien wie The New York Times, Stereogum, Fader und GQ - zudem eröffnete sie Tourneen mit M83. Nina Keith ist bekannt für ihren autodidaktischen Kompositionsstil. Ihr Debüt "MARANASATI 19111" präsentierte sie mit Instrumenten wie Cello, Klavier, Klarinette und Flöte, um persönliche Erfahrungen und Erlebnisse im Zusammenhang mit Gemeinschaftstraumata und paranormalen Ereignissen musikalisch zu verarbeiten. Mit neuen Veröffentlichungen wie "Come Back Different" featuring Julie Byrne erweitert sie ihr Spektrum durch den Einsatz modularer Synthesizer und komplexer Vokalarrangements.

Release 18.7.2025

Die Band Lord Huron feierte mit ihrem Song "The Night We Met" einen außergewöhnlichen Durchbruch, der sie in die Herzen der Fans katapultierte. Diese Multi-Platin-Single erreichte nicht nur die Top 40 der meistgestreamten Songs auf Spotify aller Zeiten, sondern machte die Band auch international bekannt. Ihr charakteristischer melancholischer und poetischer Stil findet sich ebenfalls in ihrem mit Spannung erwarteten Album "The Cosmic Selector Vol. 1" wieder, welches als LP veröffentlicht wird.

Release 25.7.2025

Indigo De Souza hat ein neues Album angekündigt: Precipice erscheint am 25. Juli und wird ihr erstes Projekt für Loma Vista Recordings sein. Heute hat De Souza die Leadsingle des Albums, „Heartthrob“, zusammen mit einem Musikvideo unter der Regie von Neta Ben Ezra veröffentlicht. Im Video hüpft De Souza auf einer Hüpfburg herum und treibt Unfug auf einer stickigen Gartenparty. Sehen Sie sich das Video unten an.

Precipice folgt auf De Souzas 2023 erschienene LP All of This Will End. De Souza nahm das neue Album in Los Angeles mit dem Musiker und Produzenten Elliott Kozel auf. Elliott ist wirklich gut darin, den Songs Raum zu geben, sich zu entfalten„, sagt De Souza, “und ich fühlte mich sowohl musikalisch als auch persönlich sehr gesehen und respektiert."

De Souza hat „Precipice“ unter dem Eindruck persönlicher Schicksalsschläge aufgenommen: 2024 überflutete der Hurrikan Helene ihr Haus und zerstörte viele ihrer Habseligkeiten. „Ich fühle mich ständig am Abgrund, vor etwas Schrecklichem oder etwas Schönem - etwas, das mein Leben zum Guten oder zum Schlechten verändern wird“, sagte sie. „Ich wollte Musik machen, die dein Herz mit Euphorie erfüllt, während du dazu tanzt.“

Release 25.7.2025

Folk-Musik hat die schlechte Angewohnheit, als eine todernste Angelegenheit dargestellt zu werden. Sie ist etwas, zu dem man weint, sie ist übermäßig heilig, sie ist feierlich von Kritikern und Historikern betrachtet. Aber das Folk Bitch Trio, die ehemaligen Highschool-Freundinnen Heide Peverelle ("they/them"), Jeanie Pilkington ("she/her") und Gracie Sinclair ("she/her"), haben einen gemeinsamen Sinn für Humor, der tief in ihre Musik eingebettet ist und sie zum Leuchten bringt, sicher vor den selbsternsten Fallen des Genres. "Now Would Be A Good Time", ihr Debütalbum, erzählt lebendige, viszerale Geschichten und ist witzig und dunkel-ironisch in der Art von Schriftstellerinnen wie Mary Gaitskill oder Otessa Moshfegh. Ihre Musik klingt vertraut, aber die Songs sind modern, jugendlich, singen akut durch dissoziative Tagträume und ärgerliche Trennungen, sexuelle Fantasien und Medienüberflutung, all die belanglosen Ressentiments und kleinen Demütigungen, die Anfang zwanzig in den 2020ern sind.

Release 8.8.2025

13. Studioalbum mit der Hitsingle "The Night Before" sowie "No Rain, No Flowers" und "Babygirl". In Zusammenarbeit mit ikonischen Songwritern wie Rick Nowels, Daniel Tashian und dem legendären Keyboarder Scott Storch hat die GRAMMY-gekrönte Band aus Ohio ihr bisher ehrgeizigstes und abenteuerlichstes Album geschaffen, das die weitreichenden, eklektischen musikalischen Einflüsse des Duos miteinander verflechtet.

Release 8.8.2025

Die in Florida geborene Multimedia-Künstlerin und Gothic-Art-Pop-Ikone kehrt mit ihrem zweiten Album zurück, betitelt nach ihrem Highschool-Freund und ihrer ersten große Liebe. Entsprechend geht es in den Texten um die feucht-fröhliche Romanze. Es ist eine Art Prequel zu ihrem A.bum "Preacher´s Daughter". Hayden Anhedonia, die kreative Kraft hinter dem gesamten Ethel Cain Projekt, hat die letzten Jahre damit verbracht, das Album in ihren Heimstudios in Forida zusammenzustellen, während sie gleichzeitig Tourneen und Festivals auf der ganzen Welt spielte und sich so als einzigartige, aufstrebende künstlerische Stimme etablierte.

Release 8.8.2025

12 neue, die ein hypnotischer, manischer und antreibender Angriff auf die Sinne sind, und eine passende Reaktion auf eine Welt, die unter Völkermord, Umweltkollaps, staatlich sanktionierter Gewalt, fortschreitender Technokratie und mehr leidet. Das Album wurde von Enrique Tena Padilla, Mario Ramirez und John Dwyer aufgenommen, von Padilla und Dwyer abgemischt und von JJ Golden gemastert

Release 22.8.2025

Guitar entstand im November 2024 in völliger Eigenregie in DeMarcos Haus in Los Angeles. Songwriting, Aufnahmen, Mixing – alles stammt von ihm selbst. Selbst das Artwork und die Musikvideos hat Mac auf dem Stativ geschossen. Einzige Ausnahme: das Mastering, das David Ives übernommen hat. „Ich denke, Guitar ist so nah dran an dem, wo ich gerade im Leben stehe, wie ich es überhaupt festhalten kann“, sagt er. „Ich freue mich, diese Musik zu teilen – und darauf, die Songs an so vielen Orten wie möglich live zu spielen.“ Die erste Single "Home" beschreibt DeMarco als einen Song über das, was Heimat für ihn bedeutet – geschrieben in Los Angeles, aufgenommen in seiner Küche. In der ersten Strophe heißt es: „These days I’d much rather be on my own // No more walking those streets // That I once called my home // Because down every lane there are // Faces and names // That have memories attached // That I’d sooner let go // Sooner than I’d go home again.“

Release 22.8.2025

Die Deftones stehen seit jeher für grenzenlose Kreativität in der Musikwelt. Mit ihren neun Studioalben haben sie sich eine unverwechselbare klangliche Identität geschaffen - wild und doch traumhaft, mit Raum für ständige Verfeinerungen und Überraschungen.

Jetzt, Jahrzehnte nach dem groovigen Sound ihres bahnbrechenden Debüts »Adrenaline« und nach einer langen Reihe von Meisterwerken wie »White Pony« (2000), »Diamond Eyes« (2010) und »OHMS« (2020) - ein Album, das ihnen ihre zweite und dritte Grammy-Nominierung einbrachte - kehren sie mit einem der fokussiertesten Statements ihrer Karriere zurück: »private music«.

Zum kreativen Kern der Band, bestehend aus Chino Moreno, Stephen Carpenter, Abe Cunningham und Frank Delgado (sowie dem Tour-Bassisten Fred Sablan, der auf dem Album zu hören ist), gesellt sich der Produzent Nick Raskulinecz, der zuvor an »Diamond Eyes« und dem fesselnden »Koi No Yokan« von 2012 gearbeitet hat. Das Ergebnis ist ein schlankes, meisterhaft getaktetes 11-Song-Set, das wie ein neuer Deftones-Benchmark klingt.

»private music« meditiert über die Schönheit und Gefahr der Natur, die Herausforderung, eine positive Einstellung zu kultivieren und Visionen einer Reise jenseits der physischen Welt. Es ist zugleich eine psychedelische Reise und ein Schädelklopfer, der jüngste Höhepunkt in einem Katalog voller eindringlicher, emotionaler Triumphe.

Release 22.8.2025

Kerala Dusts großartiges neues Album ist ein Paradebeispiel dafür, niemals stillzustehen. Im Mittelpunkt seiner musikalischen Hybridität - wo Artrock auf innovative Elektronik trifft und die warme Umarmung der Tanzfläche Raum für weite Ausblicke auf Americana, Wüstenblues und dämmrige Fahrten durch eine neonbeleuchtete Stadt lässt - steht ein Album, das die Möglichkeiten des ständigen Wandels lebt. Es ist ein wunderbar wandelbares Album; eine rastlose Fusion, deren Bedeutung eher in Fragmenten als in etwas Festem oder Statischem liegt. Kurz gesagt: Es dreht sich alles um Dynamik. Dieses Gefühl der ständigen Bewegung spiegelt sich nicht nur in der wechselnden Besetzung der Band wieder - Keyboarder Tim Gardner und Schlagzeuger Pascal Karier sind Neuzugänge und gesellen sich zu den langjährigen Mitgliedern Edmund Kenny (Gesang und Elektronik) und Lawrence Howarth (Gitarre) -, sondern auch in den Orten, an denen das Album geschrieben und aufgenommen wurde. Die Sessions fanden in der Toskana, Austin, Berlin, Zürich und schließlich Rom statt. Für Sänger Edmund "existiert das Album in gewisser Weise an all diesen Orten".

Release 22.8.2025

James Yorkston vereint auf »Songs for Nina and Johanna« starke Stimmen und große Gefühle inklusive Gast-Features von Nina Persson (The Cardigans) und Johanna Söderberg (First Aid Kit)!

»Songs for Nina and Johanna« ist das neue, einfühlsame Album des schottischen Singer-Songwriters James Yorkston. Das in Stockholm mit Mitgliedern des Second Hand Orchestra aufgenommene Album bringt James Yorkston erneut mit der unverwechselbaren Stimme von Nina Persson (The Cardigans) zusammen, während er zum ersten Mal mit Johanna Söderberg (First Aid Kit) zusammenarbeitet. Beide singen jeweils mehrere Songs gemeinsam mit ihm.

Das Album kreist um zutiefst persönliche Themen wie Familie, Liebe und Elternschaft - Motive, die für Yorkston nach über zwanzig Jahren musikalischer Laufbahn mehr denn je im Zentrum seines Schaffens stehen. Die warmen, oft melancholischen Songs leben von feinen Melodien, ehrlichen Texten und einer Intimität, die durch die Stimmen Perssons und Söderbergs noch verstärkt wird. Im Gegensatz zu früheren, eher improvisierten Produktionen folgte die Entstehung dieses Albums einer klaren Struktur. Die intensiven Sessions im Studio Rymden wurden von Produzent Daniel Bengtson begleitet, der ein offenes, kreatives Umfeld schuf.

Release 29.8.2025

Das neueste Album der neuseeländischen Indie-Rock-Helden The Beths, Straight Line Was A Lie, ist ein eingängiger, sofortiger Klassiker. Geschrieben in Los Angeles und selbst aufgenommen in der Heimatstadt der Band, Auckland, folgt Straight Line Was A Lie (ihre erste Veröffentlichung für ANTI-) auf die von der Kritik gefeierte LP Expert in A Dying Field aus dem Jahr 2022. Leadsängerin und Songwriterin Liz Stokes taucht tiefer in ihre Psyche ein, um alles zu thematisieren, von Umwegen über die körperliche und geistige Gesundheit Herausforderungen und belastende Familiendynamiken. Inspiriert von The Go-Go"s, Olivia Rodrigo, dem Filmemacher Akira Kurosawa und Stephen King"s On Writing, hat Stokes" Songwriting eine verblüffende neue Tiefe der Einsicht und Verletzlichkeit erreicht. Fans werden zustimmen, dass Straight Line Was A Lie das bisher am schärfsten beobachtete, wahrhaftigste und poetischste Beths-Projekt ist.

Release 29.8.2025

Jehnny Beth, ehemalige Frontfrau der Mercury-nominierten Savages, kehrt mit ihrem zweiten Soloalbum zurück. Es wurde im französischen Studio 20L07 produziert und ist ein radikales, kathartisches Album, das mit rauer, kompromissloser Energie aufgeladen ist. "Wir leben in dunklen Zeiten, voller Drama und Tragödien", sagt Beth. "Entweder wir lernen, zu schreien - oder wir flüstern." Mit "You Heartbreaker, You" kanalisiert Beth das Chaos in eine klangliche Befreiung. Roh, aufwühlend, lebendig, handelt es vom Zerbrechen in einer zersplitterten Welt, von Liebe nach archaischen Regeln und vom Versuch, im Chaos aufrecht zu bleiben. Die erste Single "Broken Rib" bietet bereits einen Vorgeschmack auf das, was kommt: "Wir lernen, mit einer gebrochenen Rippe zu atmen", singt sie. Ein Satz, der bleibt. Die Intensität des Songs erinnert an Savages, ohne in Nostalgie zu verfallen. "Wenn ich wieder singen würde, müsste es mit einem Schrei beginnen", sagt Beth - und liefert.

Release 29.8.2025

Die beste Liveband der Welt und immer noch eure neue Lieblingsband, kommt schneller als erwartet mit ihrem siebten Album um die Ecke. Ein neues Album voller Energie, Freude, Wut und Leben! Jeder einzelne Song eine Single, jede einzelne Single ein Hit, jeder Hit ein Volltreffer mitten ins Gesicht. Diese neue Meisterwerk entstand unter der Leitung des langjährigen Kollaborateurs Pelle Gunnerfeldt in Stockholm. Mike D von den legendären Beastie Boys ist als Gast vertreten und auch Josh Homme (Queens Of The Stone Age) stand mit Rat und Tat zur Seite. The Hives, bestehend aus Howlin´ Pelle, Chris Dangerous, The Johan And Only, Nicholaus Arson und Vigilante Carlstroem, haben sich in über dreißig Jahren in die Annalen der Rockgeschichte eingeschrieben. Dank ihrer Erfolge füllten sie große Stadien und teilten die Bühne mit so monumentalen Acts wie AC/DC und den Rolling Stones. Die BBC bezeichnete sie als "Naturgewalt", und der Rolling Stone kürte ihr Album "Veni Vidi Vicious" zu einem der 100 besten Alben des Jahrzehnts. Mit Millionen verkaufter Alben, Platin-Auszeichnungen und zahlreichen Preisen - Grammys, MTV Awards, NME Awards - gelten sie als Titanen der Musikwelt. Oder wie Joe Strummer es gesagt hat: The Hives haben den Rock ´n´ Roll gerettet!

Release 5.9.2025

"Cutthroat" ist shame in seiner besten Form. Das neue Album mit Grammy-Preisträger John Congleton am Ruder ist unerbittlich, aufgemotzt und überladen. Es ist genau da, wo man shame haben möchte. "It's about the cowards, the cunts, the hypocrites", sagt Sänger Charlie Steen und ergänzt: "Seien wir ehrlich, von denen gibt es im Moment eine Menge." Die fünf Freunde aus Kindertagen - Charlie Steen, die Gitarristen Sean Coyle-Smith und Eddie Green, Bassist Josh Finerty und Schlagzeuger Charlie Forbes - sind noch in ihren Zwanzigern und haben shame exponentiell wachsen lassen, mit ehrgeizigen klanglichen Ideen und den technischen Möglichkeiten, sie umzusetzen. shame haben sich mit ihren legendären Liveshows und drei von der Kritik gefeierten Alben bereits mehrfach bewährt und waren bereit, mit "Cutthroat" ein neues Ground Zero zu schaffen. "Hier geht es darum, wer wir sind", sagt Steen. "Unsere Live-Shows sind keine Performance-Kunst - sie sind direkt, konfrontativ und roh. Das war schon immer der Kern von uns. Wir leben in verrückten Zeiten. Aber es geht nicht um 'Armes Ich'. Es geht um 'Fick dich'." Entscheidend für diese aufrüttelnde neue Sichtweise war Produzent John Congleton (St. Vincent, Angel Olsen). Von ihrem ersten Treffen an wurde Congletons "No-Bullshit"-Herangehensweise zu einer treibenden Kraft, um die Ideen der Band zu optimieren. Das Album ist durch und durch von shames typischen Sinn für Humor geprägt und nimmt sich der großen Themen unserer Zeit an und spielt fröhlich mit ihnen. Mit Trump im Weißen Haus und shame in den Salvation Studios in Brighton, werfen sie einen gnadenlosen Blick auf Themen wie Konflikte und Korruption, Hunger und Begehren, Lust, Neid und den allgegenwärtigen Schatten der Feigheit. Auch musikalisch spielt die Platte mit neuen Ideen, die ins Herz gehen. Coyle-Smith, der auf Tournee zum Spaß elektronische Musik macht, hatte die Loops, die er herstellte, zuvor als etwas anderes betrachtet als das, was er für shame schrieb. Dann wurde ihm klar, dass sie das vielleicht gar nicht sein müssen. "Diesmal konnte man alles verwenden, wenn es gut klang und man es richtig machte", sagt er. Die erste Single und der Titeltrack von "Cutthroat" greifen diese Idee auf und machen daraus den vielleicht besten Song, den shame je auf Band gebracht haben. Es ist ein Knäuel kaum zu bändigender Attitüde, verpackt in drei Minuten Indie-Dancefloor-Hedonismus. Er führt auch meisterhaft in die lyrische Perspektive des Albums ein: eine, in der selbstsichere Arroganz und tiefe Unsicherheit zwei Seiten der gleichen Medaille sind. "Ich habe viele Stücke von Oscar Wilde gelesen, in denen sich alles um Paradoxe dreht", erklärt Steen. "In 'Cutthroat' geht es um diese ganze Idee aus 'Lady Windermere's Fan': 'Das Leben ist viel zu wichtig, um ernst genommen zu werden'." Auch diese freche Selbsterkenntnis ist wichtig. So sehr shame die Seifenblasen des Getöses und des Egos zerplatzen lassen wollen und uns ermutigen, in den Spiegel zu schauen und uns zu fragen: "Wer den ersten Stein wirft...", so sehr verstehen sie auch, dass das Leben im Grunde genommen oft lächerlich ist. Das Ergebnis ist ein Album, das in den Idiosynkrasien des Lebens schwelgt, eine Augenbraue hochzieht und die unangenehmen Fragen stellt, die so oft taktvoll übergangen werden. Aber die einzige Antwort, die "Cutthroat" mit durchschlagendem Erfolg gibt, ist, dass shame im Moment nie besser klangen. *

Release 5.9.2025

Das brandneue Studioalbum des bekanntesten australischen Singer-Songwriters und Gitarrenvirtuosen, John Butler, erscheint im September!
Als mehrfach preisgekrönter Künstler und einer der gefeiertsten Gitarristen der Welt hat Butler mehrere ARIA-Awards (australische Grammys) erhalten, Platin-Alben verkauft und das Publikum mit Hits wie „Zebra“, „Better Than“ und dem instrumentalen Meisterwerk „Ocean“ begeistert.

Mit seinem neuen Album PRISM kehrt John Butler zu seiner Soloform zurück - rau, gefühlvoll und genreübergreifend. Das Album, das heftige Gitarrenarbeit mit gefühlvollen Erzählungen verbindet, umfasst Themen wie Liebe, Verlust, Politik und Wiedergeburt. Von Festivalhymnen bis hin zu intimen Balladen erforscht Butler das gesamte menschliche Spektrum. Gemeinsam mit James Ireland produziert, ist es eine klangliche Reise der Katharsis und Befreiung.

Release 5.9.2025

Auf ihrem 4.Album "Welcome to the Civilized World" sind Ghostwoman schärfer als je zuvor. Hypnotische Anflüge von Psych-Grunge, verfallendem Americana und zerfetzten Blues-Instrumentalstücken bilden die intuitive Tracklist; Evan Uschenkos dreckige Gitarren und knurrender, lebendiger Gesang und Ille van Dessels ätzende Schlagzeugbeats festigen die Essenz des Albums. Aufgenommen auf alten Instrumenten und einer Bandmaschine, ist die Kraft und das Gefühl der Platte stark - rücksichtslos, unlogisch und frei

Release 5.9.2025

"Double Infinity" folgt auf das Grammy-nominierte Album "Dragon New Warm Mountain I Believe In You" und wurde im letzten Winter in der New Yorker Power Station aufgenommen. Drei Wochen lang pendelte die Band mit ihren Rädern auf vereisten Wegen zwischen Brooklyn und dem Studio in Manhattan hin und her, um dort Tag für Tag zusammen zu spielen, zu improvisieren und zu arrangieren. Daran war neben der Kernbesetzung Adrianne Lenker, Buck Meek und James Krivchenia eine Community von zehn Musikerinnen und Musikern beteiligt. "Double Infinity" wurde so live mit minimalen Overdubs vom langjährigen Band-Partner Dom Monks aufgenommen, der auch Engineering und Mix übernahm.

Release 5.9.25

Mit seinem neuen Album schlägt David Byrne ein weiteres spannendes Kapitel seiner künstlerischen Laufbahn auf. Nach dem weltweiten Erfolg von American Utopia - gefeiert als Album, Broadway-Show und HBO-Film - richtet Byrne nun den Blick nach innen: Was bedeutet es, kreativ zu sein? Was ist Liebe? Was ist unser Platz in der Welt? Gemeinsam mit dem Grammy-prämierten Produzenten Kid Harpoon (Harry Styles, Miley Cyrus) und dem New Yorker Kammerensemble Ghost Train Orchestra ist ein Werk entstanden, das persönliche Geschichten mit orchestraler Klangvielfalt und popmusikalischem Feinsinn verbindet. Gäste wie Hayley Williams (Paramore), St. Vincent und Tom Skinner (The Smile) verleihen dem Album zusätzliche Tiefe. Songs wie "My Apartment Is My Friend", "She Explains Things to Me" oder "I Met the Buddha at a Downtown Party" erzählen Alltagsbeobachtungen mit Witz, Menschlichkeit und einem Hauch Absurdität. Byrne gelingt es wie kaum jemand anderem, komplexe Gedanken in eingängige Musik zu verpacken und so stets zugänglich zu bleiben. Who Is The Sky? ist verspielt, tiefsinnig und durch und durch Byrne: voller Fragen, Überraschungen und Momente echter Verbundenheit. Ein Album, das zum Zuhören, Nachdenken und Tanzen einlädt, ein orchestraler, verspielter und tiefgründiger Blick auf das Menschsein selbst.

Release 5.9.2025

Für sein viertes Album hat der Singer/Songwriter aus Atlanta eine Reihe von Songs geschrieben, die sich mit der Sehnsucht und dem Unbehagen, weit weg von zu Hause zu sein, auseinandersetzen - eine lebensnahe Reflexion, die er bald zu einem ausgeklügelten Konzeptalbum über einen im Weltraum verlorenen Piloten ausbaute. "Departures & Arrival"s ist die jüngste Ergänzung zu seinem gefeierten Katalog, zu dem auch sein 2017er Durchbruch Face Your Fear (koproduziert von Danger Mouse) gehört: "The Adventures of Captain Curt" verschmilzt den üppigen Umfang einer Weltraumoper mit dem reinen Gefühl des klassischen Souls - und verleiht seinem wild eklektischen Sound damit eine noch größere Kraft.

Release 5.9.2025

Es ist sechs Jahre her, dass La Dispute ihr letztes Album Panorama veröffentlicht haben. Seitdem hat die Post-Hardcore-Band aus Michigan - bestehend aus Jordan Dreyer (Gesang), Brad Vander Lugt (Schlagzeug), Chad Morgan-Sterenberg und Corey Stroffolino (Gitarre) sowie Adam Vass (Bass) - die Stagnation der Pandemie überwunden, das zehnjährige Bestehen von "Wildlife" und "Rooms Of The House" gefeiert und mit der Arbeit an "No One ..." begonnen. Die fünfte Studio-LP ist die erste, die komplett von der Gruppe produziert wurde, und sie entstand in Grand Rapids und Detroit, im Vereinigten Königreich, in Australien und auf den Philippinen: „Ich denke, der Wechsel der Umgebung war wirklich hilfreich, um dem Prozess jedes Mal neues Leben einzuhauchen, wenn wir darauf zurückkamen“, sagt Dreyer. "No One ..." ist zum Teil von dem Psychothriller "First Reformed" aus dem Jahr 2017 inspiriert und beschäftigt sich mit dem Unbehagen im Schatten der drohenden Apokalypse, das sich durch den technischen Fortschritt merklich verschlimmert hat. Der Titel stammt von einem Zitat eines Polizeibeamten, das Dreyer in einem Zeitungsartikel über einen tödlichen Unfall mit einem selbstfahrenden Tesla gelesen hat - ein absurdes Ereignis, das Fragen über die Kontrolle aufwirft, die wir über unser eigenes Leben haben. In vierzehn dynamischen Tracks setzt sich die Band mit dem existenziellen Thema und dem menschlichen Bedürfnis auseinander, Trost und ein Gefühl der Sicherheit in einer Existenz zu finden, in der wir oft unerlaubt ins Chaos gestoßen werden.

Release 5.9.2025

Der rootsige Singer-Songwriter Connor Selby kanalisiert seine emotionale Kommunikation auf seinem neuen Studioalbum The Truth Comes Out Eventually, das am 29. August über Provogue erscheint.

Authentische, roots-basierte Stimmen haben in den letzten Jahren den Mainstream durchdrungen, von den seelenvollen Sehnsüchten des frühen Leon Bridges, dem Groove von Gary Clark Jr., der dröhnenden Stimme von Jacob Banks, der rauen und eindringlichen Darbietung von Ray LaMontagne oder den erdigen Tönen von Rag 'n Bone Man - diese Stimmen brechen durch, und sie fallen auf, sie lassen aufhorchen, weil sie nicht wie alle anderen klingen.

Connor Selbys Stimme eifert diesen Vorreitern nach und umhüllt seine Musik mit einer emotionalen Integrität. Er taucht tief in seine Seele ein, bis hinunter in sein Innerstes und das Gefühl der Zugehörigkeit.

Das Leben wirft einen oft um, lässt einen geistig und emotional angeschlagen und verletzt zurück, und nicht jeder von uns weiß, wie er mit solchen Situationen umgehen soll. Wie vielen anderen fällt es auch Selby schwer, diese Gefühle und Emotionen zu verbalisieren, und so ist dies seine Art, sich auszudrücken - seine emotionale Kommunikation.

Wenn er darüber spricht, wo sein Platz in dieser Welt ist und wo er hingehört, dann gehört er hierher - er strahlt eine ruhige und sichere Zuversicht aus, während seine gefühlvollen Erzählungen auf dem Griffbrett tanzen, während er in seinen Gedanken versunken ist.

Selby steht fast allein in der Welt der zeitgenössischen Musik, außerhalb der Parameter der Genres, die er berührt - niemand macht so viel Musik wie er; niemand klingt wirklich so wie er.

Übersetzt mit DeepL.com (kostenlose Version)

Release 12.9.2025

Bass Drum of Death kehrt zu den Wurzeln zurück. Vom schlicht gehaltenen Titel ihres sechsten Albums – SIX – bis hin zum Schreibansatz – ihre ersten beiden Alben wurden komplett mit GarageBand aufgenommen – ähnelt der kreative Prozess der Band stark den Anfangstagen ihrer Karriere. Zwar bedeutet das neue Album eine Rückkehr zur ursprünglichen Aufnahmemethode, doch gibt es einige bemerkenswerte Änderungen. Statt die Demos allein aufzunehmen, trafen sich Frontmann John Barrett und die Band (Jim Barrett an der Gitarre, Ian Kirkpatrick am Schlagzeug) zu mehreren Sessions in Barretts Heimstudio in Nashville, um die Songs gemeinsam zum Leben zu erwecken. An den Reglern saß Produzent Jeremy Ferguson, der die Band anschließend für zehn verschneite Tage in sein Battle Tapes Studio einlud, um die Aufnahmen zu verfeinern. Das Ergebnis ist ein rauer Energiestoß ihres charakteristischen Sounds, beeinflusst von Bands wie The Stooges bis ZZ Top – und deutlich geprägt durch Fergusons feinfühliges Technikgespür. Wenn "six" wie eine Rückbesinnung klingt, dann zeigt die Band gleichzeitig, dass sie noch einige Tricks auf Lager hat!

Release 12.9.25

Es war Sonntag, der 28. Juni 2024, und Baxter hatte gerade die Bühne nach einem begeistert aufgenommenen Auftritt auf der Park Stage des Glastonbury Festivals verlassen. Nachdem er sich abgetrocknet hatte, kam eine vertraute Gestalt hinter der Bühne auf ihn zu, es war Paul Epworth. Sie vereinbarten ein Treffen in Epworths North London Church Studios Ende November, kurz nachdem Baxter die Tournee seines letzten Albums beendet hatte. Der erste Tag im Studio, an dem sie an der neuen Platte arbeiteten, öffnete Baxter die Augen, und das nicht nur wegen der komfortablen Umgebung von The Church, in der schon Größen wie Frank Ocean und Adele zu Gast waren. Gemeinsam erdachten sie die neuen Tracks von Allbarone, nahmen alles weg und bauten Baxters die neuen Songs in intensiven dreistündigen Tagesschichten im Dezember und Januar auf. "Es ist eine Art Charakterbogen, der sich durch die ganze Sache zieht, zwei Persönlichkeiten", erklärt er. "Das Album ist sehr kritisch gegenüber den Menschen, wer auch immer sie sind, vielleicht ein Kerl mit Schnurrbart und sockenlosen Slippern in Shoreditch oder ein fetter alter Gangster aus Chiswick, der in einem wirklich komfortablen Mittelklasseteil Londons lebt." "Ich will nicht sagen, dass es zeitgenössisch ist", fasst er zusammen. "Weil ich wie ein Idiot klinge, wenn ich dieses Wort benutze. Aber es klingt wirklich zeitgenössisch."

Release 19.9.2025

Synthpop, Minimal Wave, Post-Punk, Gothic, New Romantic - Fans und Kritiker haben gleichermaßen tief in ihren alten Thesauren gegraben, um das betörende Werk von Nation of Language zu beschreiben. Und wenn man die Band nicht genau definieren kann, ist genau das der Punkt. Frontmann Ian Richard Devaney hat die Möglichkeiten, die synthesizergesteuerte Musik hervorrufen kann, auf wundersame Weise erweitert, so dass sein Werk sowohl eine übersinnliche Reise als auch ein allzu menschliches Ziel ist. Mit dieser Erfahrung im Hinterkopf schrieb er das vierte Album der Band - das gespenstische, geräumige "Dance Called Memory" - auf die bescheidenste Art und Weise: indem er an der Melancholie feilte, indem er herumsaß und auf seiner Gitarre klimperte. Die ersten beiden Alben von Nation of Language, "Introduction, Presence" (2020) und "A Way Forward" (2021), waren pandemische Glücksfälle: wunderschöne, nachvollziehbare Soundtracks zu unserem kollektiven Trübsal. Aber es war ihr letzter Longplayer, "Strange Disciple" (2023), der die Gruppe von kulturellen Aushängeschildern zu Kritikerlieblingen katapultierte und von Rough Trade zum Album des Jahres gewählt wurde. Zu jener Veröffentlichung schrieb Pitchfork, dass die Band "lernt, was es heißt, größer und besser zu werden". Das ist Devaneys Berufung: individuelle Verzweiflung gefühlvoll in eine tröstliche, kollektive Trauer zu übersetzen. Die Single "Now That You're Gone", die mit einer verheerenden Wehmut strahlt und widerhallt, wurde durch den tragischen Tod seines Patenonkels an ALS und die Rolle seiner Eltern als Pfleger dieses kranken Freundes inspiriert. Im Kern ist der Song eine Reflexion darüber, wie Freunde füreinander da sein können, und unterstreicht auch ein Thema, das sich durch das gesamte Album zieht: den Schmerz und das verlorene Versprechen von Freundschaften, die auseinander gehen. Für "Dance Called Memory" hat die Band erneut mit ihrem Freund und "Strange Disciple"-Produzenten Nick Millhiser (LCD Soundsystem, Holy Ghost!) zusammengearbeitet. *S

Release 19.9.2025

Kann ein Selbstporträt eine Collage sein? Kann Empathie autobiografisch sein? Was ist der Sinn des Lebens, wenn wir nicht versuchen, all das Grauen und den Humor, der alles umgibt, zu verstehen? Dies sind einige der Fragen, die unter der Tribüne des neuen Wednesday-Albums Bleeds lauern, einer mitreißenden Sammlung von erzähllastigem Southern Rock, der - wie viele der fesselndsten Passagen aus dem bisherigen Highlight-Reel der Band aus North Carolina - die lebendige Verbindung zwischen Neugier und Bekenntnis nachdenklich erkundet. Bleeds ist nicht nur das beste Wednesday-Album, sondern auch das beste Wednesday-Album, ein Patchwork-artiger Triumph von literarischen Anspielungen und Outlaw-Grit, von ortsbezogener Poesie und haarsträubendem Lärm. Karly Hartzman_Gründerin, Frontfrau und Haupttexterin_führt Wednesdays gestärktes Gespür für ihre eigene Identität auf die Zeit zurück, die sie mit der Zusammenarbeit an früheren Alben verbracht haben, sowie auf einen Tourplan, der sowohl lohnend als auch unerbittlich war. "Bleeds ist der spirituelle Nachfolger von Rat Saw God und meiner Meinung nach das Quintessenz-Album von Wednesday Creek Rock", sagt Hartzman und zeigt sich zufrieden mit der Art und Weise, wie ihre Band ihren charakteristischen Sound geschärft und die Formel verfeinert hat, die sie zu einer der interessantesten Rockbands ihrer Generation macht. "So sollten Wednesday-Songs klingen", sagte sie. "Wir haben einen Großteil unseres Lebens damit verbracht, das herauszufinden - und ich habe das Gefühl, dass wir es geschafft haben. Genau wie Rat Saw God, eine der wichtigsten Rock'n'Roll-Platten der 2020er Jahre, entstand Bleeds bei Drop of Sun in Asheville und wurde von Alex Farrar produziert, der die Band seit Twin Plagues betreut. Hartzman brachte erneut Demos ins Studio, wo sie und ihre Bandkollegen _X andy Chelmis (Lap Steel, Pedal Steel), Alan Miller (Schlagzeug), Ethan Baechtold (Bass, Klavier) und Jake "M.J." Lenderman (Gitarre) _ arbeiteten als Team, um die Kompositionen mit genau der richtigen Menge an Country-Wahrheiten, Indie-Pop-Hooks und lärmendem Sludge anzureichern. Mehr als je zuvor wurden die genauen Proportionen durch die Lyrik gesteuert - nicht nur durch ihren Ton oder ihr Thema, sondern auch durch den tatsächlichen Klang der Worte sowie durch Hartzmans meisterhaft subjektiven Ansatz bei der Auswahl der Details. Jedes Bild oder jede Szene wird durch Hartzmans flinken, schriftstellerischen Verstand gefiltert. Die als wesentlich erachteten Einzelheiten enthalten alle Enthüllungen über Hartzmans spezifische Obsessionen und Verletzlichkeiten, über die fragmentierte Art und Weise, wie sie die Welt verarbeitet. Vielleicht ist es manchmal der beste Weg, die Wahrheit, den Schmerz oder die Würde in der eigenen Lebensgeschichte zu finden, indem man in die eines anderen hineinkriecht, so Bleeds.

Release 19.9.2025

Múm melden sich mit einem neuen Album auf Morr Music zurück. »History of Silence« ist das erste vollständige Werk des isländischen Kollektivs seit »Smilewound« aus dem Jahr 2013 und ihr siebtes Studioalbum - aufgenommen, dekonstruiert, wieder zusammengesetzt, verfeinert und fertiggestellt im Laufe von zwei Jahren.

Die acht neuen Tracks oszillieren um eine sorgfältig kuratierte Palette elektronischer und analoger Klänge und spiegeln das kontinuierliche Bestreben der Gruppe wider, Klangräume durch subtiles und dennoch packendes Songwriting zu erkunden.

Release 19.9.2025

Das Schweizer Trios Löwenzahnhonig um Fai Baba, Long Tall Jefferson und Paul Märki (Black Sea Dahu) veröffentlicht ihr zweites Album im September: Wie eine sanfte Decke legen sich die unfassbar schönen Indie-Kompositionen um das Bewusstsein der Hörer*innen und schicken den Alltag und die Sorgen ins Nirvana. Die Lo-Fi-Nummern stehen musikalisch zwischen soften Khruangbin, Mac DeMarco oder Jazz-Größen wie John Scofield und Charlie Byrd. Im November 2023 ist die selbstbetitelte Debütplatte „Löwenzahnhonig“ erschienen und begeistert seither die europäische Radiolandschaft von BBC6, FIP Radio France über SRF bis zum SWR oder RBB.

Release 26.9.2025

Sein erstes Album mit einer neuen, hochkarätig besetzten Band, ist, wie er es nennt, "ein Liederbuch der Verlorenen und Gefundenen". Es entstand während der Lockdowns in "The Shire", als Plants übliches Umherwandern fast verboten war. Auf dem englischen Land fand er engen Kontakt zu einer Gruppe von Musikern - der Sängerin Suzi Dian, dem Schlagzeuger Oli Jefferson, dem Gitarristen Tony Kelsey, dem Banjo- und Streicherspieler Matt Worley und dem Cellisten Barney Morse-Brown -, die alle eine gemeinsame Vorliebe für seine stimmungsvollen Lieder hatten. Saving Grace wurde von Plant und der Band produziert und über sechs Jahre hinweg in den Cotswolds und an den walisischen Grenzen aufgenommen. Das Album haucht einem Schatz von Songs von Memphis Minnie, Bob Mosley (Moby Grape), Blind Willie Johnson, The Low Anthem, Martha Scanlan, Sarah Siskind und Low neues Leben ein.

Release 26.9.2025

Frontmann Simon Neil erklärt: "Futique ist eine Reise durch Gedanken, Dinge und Beziehungen, die über die Zeit hinweg existieren - wir wissen nie, wann wir etwas zum letzten Mal tun. Und genau darin liegt eine gewisse Schönheit, aber auch eine Traurigkeit. Was wird dein Futique sein?" Der Titel basiert auf Simons Überlegungen, wie sich unsere Erinnerungskultur im digitalen Zeitalter verändert hat. Früher klebte man seine Lieblingsfotos sorgsam ins Album, heute sind sie als endloser Strom aus Bildern in Sekunden auf dem Smartphone abrufbar. Diese Reflexion rief Erinnerungen an Menschen seiner Jugend wach, an Dinge, die er heute vermisst - aber noch spannender war die Frage: Was werde ich in der Zukunft vermissen, das mir heute wichtig ist? Ein Gedanke, der ihn besonders während der Tour 2023 mit seinem experimentellen Metal-Projekt Empire State Bastard beschäftigte. Er reiste gedanklich zurück zu den Anfängen mit seinen Bandkollegen James und Ben Johnston, zu holprigen Nirvana-Covers im Garagen-Proberaum im zarten Alter von 15 Jahren, zu Festivalbühnen, auf denen sich das Publikum bis zum Horizont erstreckte, und zu all den kleinen Dingen, die alles bedeuten. Insider-Gags, endlose Gespräche, stilles Einvernehmen, das lauter spricht als jedes Wort. Wie in jeder langjährigen Beziehung gab es auch bei Biffy Höhen und Tiefen. Aber sie haben gelernt, das zu pflegen, was sie immer zusammengehalten hat: eine tiefe, unverbrüchliche Liebe - zueinander und zur Musik. Biffy Clyro gegen den Rest der Welt: ein sehr persönliches Narrativ, das trotzdem universell anfühlt. Denn Hand aufs Herz - wer vergisst im Strudel des Alltags nicht manchmal, wie wertvoll das Hier und Jetzt ist?

Release 26.9.2025

Die Dynamik, die Sprints umgibt, ist deutlich spürbar. Die Dubliner Band hat ein turbulentes Jahr hinter sich, das von zwei Siegen in Folge und einem rasanten Aufstieg geprägt war. Im Januar 2024 veröffentlichten sie ihr Top-20-Debütalbum "Letter to Self", erhielten zwei RTÉ Choice Award-Nominierungen für das beste irische Album und den irischen Durchbruch, spielten im Vorprogramm von IDLES und Pixies und lieferten fieberhaft diskutierte Auftritte in Glastonbury, End of the Road und All Together Now. Seit der Veröffentlichung des Albums im Jahr 2024 - das 5-Sterne-Rezensionen von NME, DIY und Dork sowie Beifall von Pitchfork und Brooklyn Vegan erhielt - haben die vier Musiker ihre mitreißende Live-Show in die ganze Welt getragen. Auf dem Weg dorthin haben sie sich zu einem unverzichtbaren neuen Namen im zeitgenössischen Rock entwickelt, der für eindringliches, mitfühlendes Songwriting bekannt ist, das von persönlichen Geschichten über Traumata und Resilienz geprägt ist.

Release 3.10.2025

Neues Album der rauen und wuchtigen Punks aus Atlanta. Die fünfköpfige Band um Sängerin KT entstand 2018 aus der lokalen Skater_innen-Szene - laut, wild und kompromisslos. Die Single "Plastic" ist ein wütender, knapp zweiminütiger Ritt mit schrammeligen Gitarren und aufgeladenen Vocals. Produziert wurde der Track von Ty Segall, gemastert von Heba Kadry und visuell in Szene gesetzt von Ian Cone. Inhaltlich dreht sich alles um den verzweifelten Versuch, in einer künstlichen Welt echte Verbindungen zu finden. Der Rolling Stone brachte ihren Sound nach einem SXSW-Gig auf den Punkt: "Everything explodes."

Release 3.10.2025

Das 10. Album beginnt in medias res, mit Rod Jones' knirschender und heulender Gitarre, die in der Luft hängt, bis Sänger Roddy Woomble sie mit der ersten der zischenden, unnachahmlichen Hooks von Stay Out of Place in die Hand nimmt. Sofort hat man das Gefühl, dass die Band in Bewegung ist, wobei ihre geschichtsträchtige Vergangenheit kein Anker, sondern ein Ansporn ist. Die Songs von Idlewild bieten eine Reihe von überzeugenden Antworten: "Alles fügt sich zum gegenwärtigen Moment zusammen, nicht wahr?" fragt Woomble. Idlewild waren schon viele verschiedene Dinge. Sie waren eine Teenager-Punkband, die mit sägenden Riffs und stacheligen Refrains aufwartete, bevor sie zu einer der überzeugendsten Mainstream-Rockgruppen ihrer Generation wurde. Mit Interview Music aus dem Jahr 2019 machten sie ausufernden Art-Pop. Auf Idlewild heißen sie jedes dieser vergangenen Ichs im Raum willkommen. Ursprünglich sollte die Arbeit am Nachfolger von Interview Music unmittelbar nach dem Ende der Tournee beginnen, doch die Pandemie machte einen Strich durch die Rechnung. Die Tournee zum 20-jährigen Jubiläum von The Remote Part im Jahr 2022 war eine eindringliche Erinnerung daran, wo sie gewesen waren, und eine Anregung für das, was als nächstes kommen könnte. Sie stellten Songs zusammen, die Pop-Hooks und lebendige Verzerrungen sowie ein ausdrucksstarkes Zusammenspiel zelebrierten. Das Schreiben wurde im Post Electric Studio in Edinburgh und in der Isle of Iona Library fortgesetzt, bevor es Anfang 2025 zu einem kurzen, heftigen Aufnahmestopp kam. Das Ergebnis ist ein schlankes, fokussiertes Dokument - 10 Tracks, die innerhalb von 30 Minuten ein- und ausgehen. Mit Jones als Techniker und Mischer spiegelt die Produktion einen gemeinschaftlichen, internen Ansatz wider. "Wir haben uns selbst referenziert... und festgestellt, dass wir einen 'Sound' haben", sagt Woomble. Idlewild blicken nach vorne, nicht zurück und fangen die Schönheit, die Nuancen und die Klarheit von drei Jahrzehnten Sound und Gefühl ein - spontan, zielgerichtet und unverkennbar."

Release 10.10.2025

TV CULT haben vor zwei Jahren beeindruckend gezeigt, was Postpunk heute alles sein kann, wenn man nur mutig genug ist, dessen Grenzen auszuloten, um selbige dann respektvoll niederzureißen. Jetzt melden sich die vier Kölner zurück und präsentieren nach "COLONY" dessen gewaltiges Gegenstück "INDUSTRY". Ein kolossales Zweitlingswerk, das die Tugenden des Debüts an die Hand nimmt, um diese noch ein paar Schritte weiter in Richtung Abgrund zu führen. Was geblieben ist, ist die stimmgewaltige Umarmung Sänger Marcos, der es erneut schafft, TV CULTs markante Kernschmelze aus croonigem Factory-Sprech und brutalen DC-Hardcore-Shouts erstrahlen zu lassen. "INDUSTRY"s messerscharfes Songwriting, seine perfekt inszenierten Details und die großartige Produktion (Aufgenommen hat Christoph Scheidel (Hammerhead), Mixing Misha Hering (High Vis/ Idles) / Mastering Brad Boatright (Sleep, Stranger Things OST)) katapultieren TV CULT und ihre zehn neuen Songs allerdings auch in ganz neue Sphären. Der neue Synthie ist kein Beiwerk, sondern Teil des Konzepts und ist mal subtil-emotional ("Surrender"), mal treibend ("Crack The Whip"). Das Fundament lebt von den wummernden Basslines und den wuchtigen Drums, die in "Whirlwind" an die frühen Killing Joke erinnern. Gitarrist Martin präsentiert sein Instrument diverser und gereifter, ohne sein Gespür für minimalistisches und zugleich wirkungsvolles Riffing einzubüßen. All das macht "INDUSTRY" nicht nur zu einem der besten Alben 2025, sondern stellt TV CULT auch auf eine Stufe mit ihren Freunden von DITZ, IDLES und HIGH VIS.

Release 10.10.2025

Das 10 Songs enthalnde 5te Album ist von großartiger musikalischer und emotionaler Tiefe und stellt das neueste Kapitel in der Geschichte der Band dar. Der Großteil von Volume V wurde in The Sheerar aufgenommen, einer ehemaligen Kirche, die heute das Stillwater History Museum ist. "Zurück in unserer Heimatstadt zu sein, war in mehr als einer Hinsicht ein Zufluchtsort für uns", sagt Gründungsmitglied Jonathon Mooney. "Mystic" ist der erste Track des Albums, und von den ersten Tönen an ist klar, dass die cineastische Bandbreite ihrer Arrangements und Melodien um mehrere Stufen gestiegen ist. Die acht Songs und zwei Instrumentalstücke des Albums sind voller orchestriert und von größerer Dramatik - ein Beweis für den Hunger der Band, sich weiterzuentwickeln und gleichzeitig die Essenz dessen zu bewahren, was Other Lives so einzigartig und unwiderstehlich macht.

Release 17.10.2025

Das erste neue Album von Soulwax seit 8 Jahren: „All Systems Are Lying“. Seit 1995 haben David und Stephen Dewaele die Grenzen der Musik immer wieder in neue und innovative Bereiche verschoben, indem sie sich in viele verschiedene Richtungen entwickelt haben. Sie sind eine Band (Soulwax), DJs (2manydjs), ein Plattenlabel (DEEWEE) und ein Soundsystem (Despacio). Zu ihren kultigen Remixen gehören Fontaines DC, Roisin Murphy, Robyn, Arcade Fire, The Rolling Stones, Tame Impala, Metronomy, Daft Punk, The Gossip, Hot Chip, MGMT.

Release 17.10.2025

Miles Kane, gefeierter englischer Rocker und Mitbegründer von The Last Shadow Puppets zusammen mit Alex Turner von den Arctic Monkeys, veröffentlicht mit Sunlight In The Shadows sein erstes Easy Eye Sound-Album in Zusammenarbeit mit dem GRAMMY-prämierten Produzenten Dan Auerbach (The Black Keys). Das Album wurde gemeinsam mit Auerbach, Patrick Carney, Daniel Tashian und Pat McLaughlin geschrieben. Überlagert von üppigen, kreischenden Gitarren und vollgepackt mit Hooks, bewegt sich das Album auf dem schmalen Grat zwischen rauem, energiegeladenem Rock und entspannten Crooning-Hymnen, alles mit einer Prise von Miles' charakteristischer Tremolo-Gitarre und einer ganzen Menge Spaß. Über die Entstehung von Sunlight In The Shadows sagt Miles: "Alle Wege, die ich in den letzten 20 Jahren gegangen bin, haben hierhergeführt"

Release 17.10.2025

Es sind acht Jahre vergangen, seit Montreals The Barr Brothers ein Album veröffentlicht haben. In dieser Zeit hat das Leben sie - persönlich wie beruflich - in neue Richtungen geführt und ihre Art, gemeinsam Musik zu machen, verändert. Ihr viertes Studioalbum Let it Hiss ist nicht einfach nur eine neue Sammlung von Songs. Es ist ein Dokument der Transformation. Die Entstehung dieses Albums markierte einen Wendepunkt: eine Phase der Reflexion, eine Auseinandersetzung mit Verletzlichkeit und eine Wiederverbindung zwischen den beiden Brüdern, die seit über drei Jahrzehnten Seite an Seite Musik machen. Schon ab diesem ersten Moment lädt das Album in einen Raum ein, in dem Makel nicht herausgeschnitten, sondern verstärkt und gefeiert werden. Es ist ein kraftvoller Einstieg in ein Album, das auf Ehrlichkeit, Wiederentdeckung und Vertrauen beruht.Für die Brüder wurde das Aufnehmen zu einem Spiegel. Der Prozess begann nicht mit Klang - er begann mit Wahrheit. Sie setzten sich nicht nur mit kreativen Blockaden auseinander, sondern auch mit persönlichen: alten Mustern, unausgesprochenen Spannungen, Trauer, Wachstum. Durch all das fanden sie wieder zu einem Rhythmus - nicht durch Perfektion, sondern durch Erlaubnis.

Release 24.10.2025

The Lemonheads kehren mit ihrem ersten Studioalbum mit ausschließlich Originalmaterial seit fast 20 Jahren zurück. Nach Jahren des Schreibens, des Umherziehens und des Neuanfangs sowie der Veröffentlichung der Single "Fear Of Living" kehrt Evan Dando mit 11 Original-Lemonheads-Songs zurück. Seit langem in Arbeit, geprägt von wechselnden geografischen Gegebenheiten, entstanden mit einer Reihe willkommener Gäste, ist es eine kühne, melodische Bestätigung einer der markantesten Stimmen des Alternative Rock. Dandos Wohnsitz in Brasilien, wo ein Großteil des Albums aufgenommen wurde, hat ihm in den letzten Jahren einen ruhigen Perspektivwechsel ermöglicht - eine Chance, sich neu zu orientieren, sich wieder zu verbinden und seine Songs endlich in den Fokus zu rücken. Das Ergebnis ist ein Album, das sowohl frisch als auch vertraut klingt: verwurzelt in den Merkmalen der besten Arbeiten der Lemonheads, aber erweitert durch jahrelange Lebenserfahrung und eine neue Umgebung. Love Chant wurde von dem brasilianischen Multiinstrumentalisten Apollo Nove produziert und bringt alte Freunde und neue Partner zusammen: J Mascis (Dinosaur Jr), Juliana Hatfield und Tom Morgan sind wieder mit an Bord, zusammen mit dem Produzenten Bryce Goggin (Pavement, Antony and the Johnsons), Erin Rae aus Nashville, John Strohm von den Blake Babies und Nick Saloman von The Bevis Frond. Und Adam Green von der New Yorker Kultband The Moldy Peaches ist als Co-Autor an dem lockeren Country-Abstecher "Wild Thing" beteiligt.

Release 31.10.2025

Die Charlatans sind zurück mit ihrem mit ihrem ersten Studioalbum seit 2017. Die elf Songs umfassende Sammlung markiert ein bedeutendes Comeback der Band. Mit "We Are Love" erweitern die Charlatans ihre klanglichen Grenzen und bieten spannende Kollaborationen mit dem gefeierten Dev Hynes und dem renommierten Produzenten Steven Street. Das Ergebnis ist ein frischer und dennoch unverkennbarer Charlatans-Sound

Release 21.11.2025

Gesang, Gitarren, Schlagzeug und Bass: Die Grundelemente des Rock sind es, die Danko Jones, einer der erfolgreichsten Hard 'n' Heavy-Exporte Kanadas, seit seiner Gründung 1996 konsequent vertritt.

Ständiges Radio-Airplay in den führenden Rockländern der Welt, die treueste Fangemeinde, die sich eine Band nur wünschen kann, sowohl auf Festivals als auch bei ihren ausverkauften Clubshows, sowie mehrere Auszeichnungen - darunter fünf Juno-Award-Nominierungen (der kanadische »Grammy«) - haben im Laufe ihrer Karriere ihre führende Rolle in der Rock'n'Roll-Welt zementiert.

Danko Jones schaffen es, nicht nur Rocker, sondern auch Musikliebhaber von Genres weit jenseits von Hardrock und Punk zu vereinen. Ihr reichhaltiger Katalog besteht aus bisher elf erfolgreichen, elektrisierenden Studioalben, die internationale Chart-Erfolge einfuhren. Ihr zwölftes Werk wurde gerade unter den wachsamen Augen des Juno- und Grammy-Award-Gewinners Eric Ratz (Billy Talent, Big Sugar etc.) fertiggestellt.

Release 11.7.2025

Das 2te Album der von Rhian Teasdale und Hester Chambers gegründeten fünfköpfigen Band wurde produziert von Dan Carey und abgemischt von Alan Moulder, geschrieben in einem Haus an der englischen Ostküste, thematisch irgendwo zwischen Horrorfilmen, Tour-Flashbacks und Lagerkoller angesiedelt. Unterstützt von Ellis Durand (Bass), Henry Holmes (Drums) und Joshua Mobaraki (Gitarre, Synths), ist "moisturizer" ein wildes, verspieltes, fantastisches Album-Biest – eine ungezähmte Demonstration der Live-Power, die sich Wet Leg in den letzten Jahren auf endlosen Touren antrainiert haben. Schärfer, schöner und genau da schmutziger, wo es drauf ankommt – dieses Album ist ein Mix aus fiebrigen Lovesongs und eiskalten Abschiedsküssen, serviert von den schrägsten Lieblingen der britischen Musikszene. Vor der klassischen Weggabelung – "Popstar werden oder einfach weiter dem eigenen Instinkt folgen?" – entschieden sich Wet Leg mit Nachdruck für Letzteres. Also ging es erneut mit Produzent Dan Carey ins Studio. Im März 2024 zog sich die Band nach Southwold zurück: gemeinsam leben, den ganzen Tag Songs schreiben, nachts Horrorfilme gucken – bis sich eine neue, fast telepathische Dynamik entwickelte. Am Ende tragen alle fünf Bandmitglieder Songwriting-Credits auf moisturizer. "Wir hatten einfach Spaß und haben ausprobiert", sagt Chambers. "Wir haben uns gefragt: Macht das live Bock?", ergänzt Teasdale. "Deshalb war es ganz logisch, dass wir die zweite Platte zusammen schreiben.“ Den ersten Vorgeschmack gibt es mit "catch these fists" - ein elektrisierender Dance-Punk-Kracher mit brennendem Bass, kreischenden Synths und Teasdales eiskaltem Gesang. Das Video, gedreht auf der Isle of Wight, ist eine Hommage an Ti West, Cameron Crowe und ihre eigene Vergangenheit. Themen? Liebe, vor allem. In allen Facetten. Besessen, verzweifelt, himmelhochjauchzend. Teasdale hat sich verliebt - und das ganze Album klingt danach. "Ich dachte, ich sei hetero, bis ich meine Partnerin traf. Jetzt schreibe ich Liebeslieder, in denen ich nicht einem Mann hinterhertrauere - fühlt sich besser an." Auch visuell drehen Wet Leg auf: Das Cover zeigt Chambers und Teasdale mit grotesken Krallen, diabolischem Grinsen und absolut keiner Lust, sich zu erklären. Sie machen einfach. Und das klingt verdammt gut.

Release 11.7.2025

Das Debütalbum von Leroi Conroy, das zu gleichen Teilen von der Sensibilität des goldenen Hip-Hop-Zeitalters und verlorenen Filmszenen aus den 60er und 70er Jahren geprägt ist, wiegt schwer und hat Jahre der Entwicklung hinter sich. Die ersten beiden Tracks des Albums wurden 2017 als 45er veröffentlicht und in den folgenden Jahren von DJ Premier, Raekwon, Ghostface Killah, Macklemore, Phantogram und vielen anderen gesampelt. Aber nach der Veröffentlichung verbrachte Terry Cole alias Leroi Conroy einen Großteil seiner Zeit damit, sein Indie-Soul-Label Colemine Records zu vergrößern und Platten für andere zu produzieren (Okonski, Parlor Greens, Wesley Bright, BlackMarket Brass, Kendra Morris, Rudy De Anda, Delvon Lamarr Organ Trio, Andrew Gabbard), anstatt seine eigenen zu machen. Jetzt, acht Jahre nachdem viele der Rhythmustracks auf dem bewährten Tascam 388 aufgenommen wurden, erscheint Leroi Conroys Debüt-LP, "A Tiger's Tale". Das Album ist als hypothetischer Soundtrack zu einer alternativen Erzählung von Rudyard Kiplings The Jungle Book konzipiert. Die Erzählung ist das Bestreben des Menschen, die Natur zu zähmen und sie seinem Willen zu unterwerfen... und die Antwort der Natur. Das Album ist eine Mischung aus triumphalen Instrumentalpartituren und absolut düsteren, dunklen und manchmal dissonanten Moodytracks. Das zugrundeliegende Element der Hip-Hop-Sample-Kultur ist durchweg offensichtlich, und es besteht kein Zweifel, dass viele dieser Tracks in den kommenden Jahren geflippt werden. Klanglich reiht sich die Platte nahtlos in die Reihe vieler anderer Colemine Instrumentalisten ein: dreckige Lo-Fi-Drums, schmetternde Bläser, Wah-Gitarre, Hammond-Orgel und jede Menge cineastische Einsprengsel wie Flöte, Nylongitarre und Vibraphon. Das Schlagzeug stammt von Coles langjährigem Mitarbeiter Rob Houk und ist das Rückgrat des Albums. Und mit einigen Beiträgen der Colemine-Künstler Kelly Finnigan und Jimmy James ist die Platte wirklich eine Familienangelegenheit. File Under: To Be Sampled.

Release 4.7.2025

Das fünfte Studioalbum "Self Titled" ist Kaes bisher intimstes und offenkundigstes Album. "Self Titled" erforscht nicht nur, wer Kae als Artist:in ist, sondern zeigt Kae als Person. Es ist mutig, witzig und bewegend. Im Kern ist "Self Titled" ein Liebesbrief an Tempests jüngeres Ich - ein Gespräch über die Zeit hinweg, geprägt von den Menschen, Orten und Erfahrungen, die Kae ausmachen. Zu den Features gehören Neil Tennant, Young Fathers, Connie Constance und Tawiah.

Release 4.7.2025

Rival Consoles ist seit den späten 00er Jahren gleichzeitig im Vorder- und Hintergrund der elektronischen Musik zu finden; sie zauberten angespannte Melancholie für Black Mirror-Soundtracks, spielten vor 10.000 Dance-Fans in Drumsheds, verkauften die Londoner Barbican Hall aus und legten eine umfangreiche, wandernde Sammlung von Synthesizer-Alben vor, die unzählige verschiedene Stile und Ästhetiken erforschen - aber immer mit menschlichen Emotionen als Leitstern. Landscape from Memory, das neunte Studioalbum des britischen Produzenten und Musikers Ryan Lee West, erblühte nach einem frustrierenden Brachjahr abseits des Produktionstischs endlich. Für West, der das letzte Jahrzehnt damit verbracht hatte, gewohnheitsmäßig zu produzieren und zu schreiben, bedeutete die Enttäuschung über seine Kreativität eine Verlangsamung der Uhr, die ihn zum Ticken bringt, ein Gefühl, von einer elementaren Kraft verschluckt zu werden. Doch die Auszeit machte auch Platz für sein bisher stärkstes Album.

Release 4.7.2025

The Reds, Pinks & Purples ist eine Indie-Band aus San Francisco unter der Leitung von Glenn Donaldson (The Ivy Tree, Skygreen Leopards, Art Museums and Painted Shrine). Für Fans von_ Guided By Voices, The Chills, Teenage Fanclub, The Shins, The Replacements, Leonard Cohen, The Go-Betweens, Robert Wyatt. The Reds, Pinks and Purples, die in den letzten sechs Jahren über 200 Songs geschrieben haben, veröffentlichen eine Sammlung von bisher unveröffentlichten Tracks im physischen Format, die weiterhin die Wunder und Nöte der Welt romantisieren. Mit Songtiteln, die sich wie Kapitelüberschriften einer Post-Douglas-Coupland-Novelle lesen, führt "The Past Is A Garden I Never Fed" den zentralen Redner von The Reds, Pinks and Purples, Glenn Donaldson, mit einem feinen Gespür für Pathos und Ironie durch die Wirren des Smalltalks und die alltäglichen Momente am Wasserspender. Der Soundtrack schwankt zwischen den dunklen Tagen der Television Personalities und dem Byrds'schen Twang, der Rhetorik im Stil von Jarvis Cocker und der stimmlichen Zartheit von "Richard In the Age Of The Corporation" mit Anklängen an die fuzzige Pracht von Husker Du und die klingende Majestät von The Chameleons - ein ermutigender Hörgenuss. Der Pathos und die Ironie des glorreichen Tracks "The World Doesn't Need Another Band" zeigt, worauf es der Band ankommt. Es ist eine gemessene und ruhig ausgesprochene Schimpftirade auf die glanzlose Opposition, gespickt mit einem herrlichen Gitarrenbreak. I Only Ever Wanted To See You Fail" rumpelt mit einem Eddie And The Hot Rods-Pre-Punk-Riff, bevor es sich in eine Geschichte über Selbstzweifel und Reue auflöst und das Glück anderer beklagt. Toxic Friend" stammt aus der Feder von Daniel Treacey von TVP, mit einem beschwingten Refrain, der in einem Hagel aus unscharfer Logik und Gitarren alles Gute des Old-School-Indie einfängt. Von den bescheidenen Anfängen als Home-Recording-Projekt haben sich The Reds, Pinks and Purples zu einer sporadischen Live-Band entwickelt, die auf beiden Seiten des Atlantiks tourt und auf dem Pitchfork Fest London und dem Woodsist Fest auftritt sowie Support-Slots für Indie-Legenden wie Destroyer, Guided By Voices und The Feelies hat. "Donaldsons beste Arbeit versteckt den Reiz in einem größeren Bild, wie eine Jangle-Pop-Eiersuche" Pitchfork.

Release 27.6.2026

Robert Randolph, einer der 100 größten Gitarristen aller Zeiten (Rolling Stone), begeistert mit seinem einzigartigen Mix aus Rock, Blues, Americana und Soul. Als Frontmann der Family Band wurde er vierfach für den Grammy nominiert, nun startet er mit seinem Soloalbum 'Preacher Kids' auf Sun Records durch. Produziert von Shooter Jennings, verbindet das Album rohe Energie mit Randolphs unverwechselbarem Lap-Steel-Sound. Aufgenommen in legendären Studios in LA und Nashville, markiert es einen neuen Meilenstein seiner Karriere.

Release 27.6.2025

Nach mehr als einem Jahrzehnt des Musikmachens sind Durand Jones & The Indications als Einheit aufgeblüht und sonnen sich in ihren Erfolgen. Auf ihrem treffend betitelten neuen Album "Flowers" zeigen The Indications ihr wahres Gesicht, indem sie all ihre Wurzeln und Einflüsse, ihre Reife und ihr Selbstvertrauen in die Waagschale werfen und sie mit der Welt teilen. Seit ihrer Gründung im Jahr 2012 hat der Weg The Indications von ihren Ursprüngen an der Indiana University, Bloomington, auf die globale Bühne geführt, mit ausverkauften Shows in Europa, Japan, Australien und Neuseeland bis hin zur Westküste, wo DJI eine starke Anhängerschaft unter den Lowrider- und Vintage-Soul-Enthusiasten hat. So weit Durand Jones & The Indications auch gekommen sind, Flowers entstand aus dem Wunsch, zu ihren Wurzeln in einem Keller in Bloomington zurückzukehren, einem Ort, an dem sie zum ersten Mal Kameradschaft in düsterem Funk und Südstaaten-Soul fanden, der sie zu ihrem selbstbetitelten Debüt inspirieren sollte. Flowers ist die nächste Stufe der inspirierten, souligen Diskografie von DJI, die klanglich und spirituell von allen früheren Veröffentlichungen der Gruppe und ihrer Soloarbeit zehrt. DJI nehmen ihre Blumen nicht nur an, sondern geben sich ihrem süßen und sexy Duft hin.

Release 27.6.2025

Der US-amerikanische Rapper Playboi Carti veröffentlicht sein langersehntes viertes Album »Music.

Nach gut fünf Jahren Wartezeit überrascht der Gründer des Opium-Kollektivs nach dem Vorgänger »Whole Lotta Red« seine Fans mit einem Southside-Trap Album und bricht bereits innerhalb der ersten Tage Rekorde. In dem 30-Track starken Projekt präsentiert er brandneue Songs, wie »Evil J0rdan«, »Rather Lie« und »Mojo Jojo«. Mit beeindruckenden A-List Features, wie Kendrick Lamar, Travis Scott, Young Thug, Future, Skepta und The Weeknd, stellt dieses Album ein absolutes Highlight in der Hip-Hop Szene dar. Erhältlich auf schwarzem Doppel-Vinyl.

Release 20.6.2025

Mit hopefully ! meldet sich Loyle Carner eindrucksvoll zurück – persönlicher, ehrlicher und emotionaler denn je. Der vielfach ausgezeichnete britische Rapper, bekannt für seine intime Lyrik und seinen einzigartigen Mix aus Hip-Hop, Jazz und Soul, zeigt auf seinem vierten Studioalbum neue künstlerische Tiefe. Entstanden aus einer intensiven Phase als junger Vater, reflektiert das Album Themen wie Familie, Selbstfindung und Hoffnung - getragen von Live-Instrumentals, neuen Sounds und beeindruckender Verletzlichkeit. hopefully ! ist kein lauter Paukenschlag, sondern ein echtes Herzensprojekt.

Release 20.6.2025

Im Jahr 2021 veröffentlichte Douglas Dulgarian von der Band TAGABOW die allererste Kassette auf seinem brandneuen Labelprojekt Julia's War Recordings. Es war eine gemeinsame EP der Freunde Jake und Karly namens »Guttering«, die unter ihren Pseudonymen MJ Lenderman & Wednesday veröffentlicht wurde. Bei der Erstveröffentlichung drückte Stereogum es perfekt aus, als sie sagten, dass »die sechs selbst aufgenommenen Tracks von Guttering einige der besten Aspekte der Arbeit der beiden Künstler präsentieren, indem sie seufzende Harmonien gegen dichte Powerchords setzen und den Mix gelegentlich mit einer schrägen Leadgitarre würzen.«

Jetzt ist es 2025 und MJ Lenderman und Wednesday sind zwei der größten Namen im Indie-Rock. Wednesday hatten 2023 einen Durchbruch mit der Veröffentlichung ihres ausgezeichneten Dead Oceans-Debütalbums »Rat Saw God«, das in zahlreichen Jahresendlisten auftauchte. 2024 veröffentlichte MJ Lenderman sein Anti-Debüt mit »Manning Fireworks«, das ihn zum Indie-Star werden ließ. Auf die Veröffentlichung des Albums folgten eine Reihe ausverkaufter Tourneen und eine ebenso beeindruckende Liste von Auszeichnungen am Jahresende. Beide Bands haben sich in den letzten vier Jahren eine begeisterte Fangemeinde erspielt. Die Veröffentlichung dieser frühen gemeinsamen EP zeigt, wie weit sie gekommen sind und welchen magischen Funken die beiden in jenen frühen Tagen hatten, bevor die Welt zuschaute.

Für Fans von Pavement, Cat Power, Built To Spill, Drive By Truckers, Dinosaur Jr, Songs: Ohia, Waxahatchee, Advance Base, Palehound

Release 20.6.2025

Die Songs des 4ten Albums der aus The Drones hervorgegangenen Band lassen in das Chaos des schicksalhaften Erdrutsches eintauchen, der den drohenden Zusammenbruch der Gesellschaften zur Folge haben könnte. Sauer, bissig, anarchisch: TFS unterstreichen mit ihrer charakteristischen, unverkennbaren Mischung aus knurrenden Gitarren, pulsierenden Rhythmen und explosiven Salven ihre Ausnahmestellung und Relevanz und durchstreifen so zwischen Licht und Dunkelheit das australische Outback. Das stimmliche Zusammenspiel zwischen Gareth Liddiard und den gesanglichen und instrumentalen Harmonien von Bassistin Fiona Kitschin und Gitarristin, Keyboarderin und Sängerin Dunn sowie untypischem Drums-Acting von Lauren Hammel gleicht einem Balanceakt, der durch die verzweifelten Erzählungen, die sich aus ihrer kollektiven Psyche entwickeln, noch verstärkt wird.

Release 20.6.2025

Großartiges Debütalbum einer australischen Formation, die seit 2021 durch die dortige Szene geistert und seither ein paar digitale Goodies veröffentlichte. Wenn man die Existenz der Band anhand ihrer Aufnahmen nachvollzieht, wird man Zeuge des Wandels dreier Menschen, die lernen, aufeinander zu reagieren und behutsam zu einer kollektiven Vision zu erstarren, die gleichzeitig an die Intimität von Folksongs, die Dynamik des Post-Punk und die kunstvolle Poesie eines benachbarten Flying Nun-Erbes erinnert. Heißer Tipp für Fans von The Clean, Floodlights, Dry Cleaning.

Release 13.6.2025

Die Gitarren werden gezückt, und die Messer werden gezogen. Auf dem Rhythmus einer Welt, die aus den Fugen gerät, passen THE YOUNG GODS ihr Feuer an und schlagen mit regenerierter Kraft zu. Das neue Album «Appear Disappear» erscheint am 13. Juni 2025.

Von der ersten Sekunde von «Appear Disappear» an zerreisst die Sechssaitige den Raum und zeigt ihre Zähne in einem elektrischen Heulen. Das Trio hat sich auf seine offensivsten Grundlagen besonnen, auf die Kunst des akustischen Kampfes, die nie überflüssig ist, wenn überall Krieg herrscht.

Ein Album des Widerstands. Mit seinen Themen und seiner Intensität führt es mitten ins Herz des Netzes, in das Gehirn des Monsters, das Che Guevara in der Schweiz ansiedelte und das hier noch immer so komfortabel gedeiht. Aber es ist nicht unmöglich, sich ihm zu stellen. «Appear Disappear soll eine Reflexion über unsere Verwicklung in die Probleme der Welt und unsere Fähigkeit, uns zu positionieren.

Wie können wir reagieren, wie können wir das Richtige tun in der Unmenge an Daten, die wir jede Sekunde verarbeiten?», fragt Franz Treichler. Das Lied «Mes yeux de tous», das von Cesare Pizzi (Sampling, Elektronik) und Bernard Trontin (Schlagzeug) mit Elektroimpulsen in den Himmel geschleudert wird, stellt die gleiche schwindelerregende Frage. Wie können wir verhindern, dass wir von der "Cloud", die wir speisen, verdaut werden?

Release 13.6.2025

Auf dem Begleitalbum zum Album "Flight B741" von 2024, das während der gleichen Sessions aufgenommen wurde, erweitern King Gizzard ihren Sound um ein komplettes Orchester auf den 10 Tracks! Dieses Album wird von einer Welttournee von Mai bis August 2025 begleitet! King Gizzard kombinieren ihre unverkennbare Psych-Rock-Energie mit mitreißenden Orchesterarrangements und nehmen den Hörer mit auf eine psychologische Reise in die Psyche, die ihre eigene 'Phantom-Insel' aus Illusionen, Ängsten und Chaos erschafft.

Release 13.6.2025

»Mixes Of A Lost World«, konzipiert und zusammengetragen von Robert Smith, ist eine neue Remix-Sammlung von Tracks aus The Cures gefeiertem #1 Album »Songs Of A Lost World«, das im November 2024 erschien.

Das neue Set enthält 16 brandneue Remixe von Künstlern wie Four Tet, Paul Oakenfold, Orbital und vielen anderen. Die Deluxe-Edition enthält zusätzlich Remixe und Reworks von Chino Moreno (Deftones), Mogwai, 65daysofstatic und vielen mehr. Bei den Künstlern handelt es sich um Freunde von Robert, die die Songs in einer atmosphärischen und stimmungsvollen Art und Weise kreiert haben. Sie sind es, die diesem unglaublichen Album ihre Tiefe verleihen. Die meisten von ihnen stammen selbst aus Bands und begeben sich mit ihren Kreationen auf einen neuen Weg der Entdeckung.

Release 13.6.2025

Das siebte Album des 41-jährigen Multiinstrumentalist und Komponisten ist ein selbstbewusstes, aufbauendes und hoffnungsvolles Album , das von der transformierenden Kraft der Trauer um den Tod seiner Mutter, von Folklore, der Landschaft Kents und dem Zustand Englands inspiriert ist. Als Gastmusiker hat Patrick seine langjährigen Freunde Zola Jesus, Serafina Steer und Seb Rochford mit ins Boot geholt.

Release 6.6.2025

Es hat sich angedeutet, seit vor ein paar Tagen große Billboards in L.A. aufgetaucht sind, jetzt ist es amtlich: Turnstile sind zurück! Im Juni 2025 erscheint »Never Enough«, das sehnlich erwartete neue Album der Band und ihr erstes seit vier Jahren. Aufgenommen zwischen Los Angeles und dem heimischen Baltimore, wurde »Never Enough« von Turnstile-Frontmann Brendan Yates produziert.

Das Ergebnis: ein wuchtiges, ruheloses Album, das den unverwechselbaren, genreübergreifenden Sound der Band weiterdenkt – energiegeladen, unerschrocken und voller Leben. Eine musikalische Metamorphose von einer der spannendsten und einflussreichsten Bands ihrer Generation.

»Never Enough« folgt auf das gefeierte Vorgängeralbum »Glow On«, das Turnstile vier Grammy-Nominierungen einbrachte und in Deutschland die Top 10 der offiziellen Charts erreichte.

Release 5.6.2025

Erstes Album seit fast 24 Jahren. Erster Vorbote ist die hymnische Single "Spike Island, die mit ihren Synthesizern, Violinen und Slidegitarren von James Ford (Arctic Monkeys, Fontaines DC) produziert wurde, welcher auch die Produktion des Albums verantwortet. Die textliche Inspiration zu "Spike Island" stammt von Co-Autor Jason Buckle (Relaxed Muscle), der beim berüchtigten '90er Spike Island Gig der Stone Roses anwesend war. Ein DJ hatte dort den ganzen Tag lang wieder und wieder "Spike Island, come alive!" ins Mikro gerufen, womit er nicht nur dem anwesenden Publikum gehörig auf die Nerven ging, sondern sich auch in Jarvis Cockers Kopf festsetzte - der nun bereits den zweiten Song über Spike Island schrieb, obwohl er beim Konzert selbst gar nicht anwesend war.

Release 6.6.2025

Das sechste Studioalbum der großartigen britischen Rapperin. Der Albumtitel steht für Simz als Symbol für Erneuerung und Wachstum – ein zentrales Thema, das sich durch die musikalische und inhaltliche Reise des Albums zieht und die komplexen Phasen des Lebens reflektiert. Der donnernde Drum-Beat von "Flood" markiert den Beginn eines neuen, mutigen Kapitels für Little Simz. Mit rauer, fast knurrender Stimme trägt sie ihre Zeilen vor – ein einzigartiges Instrument für sich, das sich dynamisch mit dem treibenden Groove des Tracks verändert. Die energiegeladene Produktion von Miles Clinton James bringt zwei markante Stimmen zusammen: den langjährigen Wegbegleiter Obongjayar und die elektrisierende Moonchild Sanelly. Das Ergebnis ist ein hypnotischer, roher Sound, der die kontinuierliche Weiterentwicklung von Little Simz unterstreicht. Das beeindruckende Musikvideo zu "Flood", inszeniert vom gefeierten Filmemacher Salomon Ligthelm, gibt einen ersten visuellen Einblick in die Welt von "Lotus".

Release 6.6.2025

Das junge Trio, bestehend aus Asher Case (Bass, Baritongitarre, Gesang), Isaac Lowenstein (Schlagzeug, Synthesizer) und Kai Slater (Gitarre, Gesang), macht seit seiner Highschool-Zeit zusammen Musik, also fast ein Viertel ihres Lebens. Laut und direkt, kryptisch, aber mit Herz, lassen sie sich in ihren Songs von Punk, Dub, Power-Pop und experimentellen Klängen inspirieren und bringen alles in einem explosiven Sound of Now zusammen Das Album, das letztes Jahr in Chicago mit dem Produzenten Randy Randall (No Age) aufgenommen wurde, fängt eine klaustrophobische Verschrobenheit ein, die das Gefühl und die Energie von Hauspartys und dicht gedrängten Räumen heraufbeschwört, wo die Ohren leicht überwältigt werden und zerlumpte Improvisationen sich mit der gleichen Kraft verbinden wie melodische Hooks. Schon beim 2023er SWSW gehörte die Band zu den absoluten Geheimtipps und überzeugte mit ihren mitreißenden Live-Shows, von denen man sich letztes Jahr auch hierzulande ein Bild machen konnte. Im Zuge der Album-Veröffentlichung kehrt die Band für zwei Shows nach Deutschland zurück und spielt am Release-Tag in Berlin! Lifeguard gehören zur Speerspitze neuer Bands, deren kreativer Schmelztiegel sich in und um Chicago herum befindet und jüngst auch die Band Horsegirl hervorbrachte. Die Szene besteht aus Musikern, Fanzine-Machern und Konzertveranstaltern und ist inspiriert von der DIY-Indie-Bewegung der 90er. Matador Records

Release 6.6.2025

McKinley Dixon’s Durchbruch begann in 2021 mit dem vielgeliebten "For My Mama and Anyone Who Look Like Her" und setzte sich 2023 mit "Beloved! Paradise! Jazz!“ fort, beides instrumentenreiche Glanzleistungen im Geschichten erzählen, die sich mit dem Trauma und der Trauer über den Verlust eines jungen Freundes befassen. Das neue nicht weniger bedeutungsvolle Album "Magic, Alive!“ setzt in vielerlei Hinsicht die Arbeit seiner Vorgänger fort: Es ist die Geschichte von drei Kindern, die ihren besten Freund verlieren sowie eine umfassende Betrachtung dessen, was Magie im Leben ausmacht. Kann Magie der Glaube an etwas sein, das wir nicht sehen können, genauso wie das Vertrauen in Wunder, Zaubersprüche und Portale für etwas, das jenseits unserer eigenen Erfahrung liegt? "Magic, Alive!" wurde ins Leben gerufen, als Dixon eine unerwartete E-Mail vom englischen Produzenten Sam Yamaha erhielt. Dixons frühe Beats hatten Yamahas eigene Arbeit inspiriert. Es dauerte nicht lange, und Dixon traf sich mit ihm in London und wühlte sich durch sein Archiv, um eine Fülle von Beats zu finden, die mit seinem eigenen Ansatz und dem aufkeimenden Konzept für "Magic, Alive!" übereinstimmten. Im Juli 2024 kehrte Dixon in seine Heimatstadt Richmond im US-Bundesstaat Virginia zurück und brachte eine Reihe von Sounds von Sam Yamaha und Koff mit, mit dem er bereits zusammengearbeitet hatte. Zusammen mit einer Reihe von Gästen und Freundinnen, von der Sängerin Anjimile und dem einfallsreichen Alabama-Emcee Pink Siifu bis hin zu Posaunist Reggie Pace und Harfenist Eli Owens, hat Dixon diese Beats weit aufgespalten und mit Hooks, Bläsersätzen und Gastauftritten versehen. Außerdem hat er mehrere Songs aneinandergereiht, so dass sich "Magic, Alive!" wie ein Traum bewegt oder zumindest wie eine alternative Realität, in der neue Regeln herrschen.

Release 30.5.2025

Die Gruppe verbrachte 18 Monate mit verschiedenen Schreibsessions in Großbritannien, wobei die Aufnahmen hauptsächlich in den Big Jelly Studios in Ramsgate stattfanden. Produziert wurde das Album von Jasper Llewellyn, Casper Hughes, Mike O"Malley und Syd Kemp, gemischt von Jason Agel und gemastert von Heba Kadry. Das neue Album "caroline 2" beginnt mit einer lauten Gitarre, die den Sound und gleichsam die Marschroute für das neue Album vorgibt. Dabei gibt sich der Klangkosmos von caroline weiterhin als unergründlich. Voller euphorischer Tiefen und musikalischer Fallstricke, die einen zurück auf einen gemütlichen Soundteppich ziehen. Und dennoch klingt auch das neue unverkennbar nach der Band, die man nicht in Schubladen stecken kann. In gewisser Weise macht das zweite Album von caroline somit da weiter, wo sein Vorgänger aufgehört hat - das grandiose, selbstbetitelte Debüt von 2022 endete mit "Natural death", auf dem sie ebenfalls die Möglichkeiten von hypnotischen Gitarrenmustern erkundeten -, aber in vielen anderen Bereichen betreten sie Neuland. Das Ergebnis ist ein Album von außerordentlicher Tragweite, auf dem das Organische und das Künstliche, das Raue und das Schöne, das Ursprüngliche und das Verschwommene aufeinanderprallen und sich miteinander verbinden.

Release 30.5.2025

Niemand kann einem selbst so gut helfen, etwas Schönes zu schaffen, wie diejenigen, die man am besten kennt. Alan Sparhawk weiß das sehr gut. In seiner Zeit in Low hat er mit seiner Frau und lebenslangen kreativen Partnerin Mimi Parker jahrzehntelang mitreißende Musik gemacht. In den letzten Jahren ist er in ganz Minnesota mit seinem Sohn Cyrus mit DERECHO Rhythm Section aufgetreten, einer Funk-Band, in der auch seine Tochter Hollis häufig singt. Diese Art von Dynamik bringt eine unersetzliche Natürlichkeit mit sich. Diejenigen, die dich kennen, verstehen dich. Sie lieben dich. Sie wollen dir helfen, deine größten Leidenschaften zu verwirklichen. So war es nur logisch, dass Sparhawk sich an die Duluth-Musiker von Trampled by Turtles wandte, um seine neueste Platte zu realisieren. Trampled by Turtles sind Freunde und Schüler von Low, die Sparhawk und Parker seit ihren Anfängen als Barband unter ihre Fittiche genommen haben, und sind im Laufe der Jahre unzählige Male mit Sparhawk aufgetreten. Die Verbundenheit mit Duluth sitzt tief: "Es gibt eine gewisse Stimmung, die mit dem Underdog-Syndrom zu tun hat, wenn man aus einer kleinen Stadt kommt", sinniert Sparhawk. "Ein Teil davon ist die seltsame Erschöpfung und Nachlässigkeit, die einen überkommt, wenn man der Natur ausgeliefert ist. Das macht einen demütig." Nach Parkers Tod im Jahr 2022 luden die Trampled by Turtles Sparhawk ein, sie auf ihrer Tournee zu begleiten, um ihm die Möglichkeit zu geben, von Freunden umgeben zu sein. Gelegentlich gesellte er sich zu ihnen auf die Bühne. Jedes Mal, wenn sie zusammen spielten, war die überströmende Liebe spürbar, eine Welle der Wärme. Warum sollte man aufhören, wenn das Zusammenspiel so stark ist? Im Winter 2024 erschufen Sparhawk und Trampled by Turtles zusammen "With Trampled by Turtles", und es ist genau das, was der Name schon sagt: ein kollektives, gemeinschaftliches, brüderliches und einfühlsames Album. Ein Gefäß für Trost, eine Erinnerung an die Harmonie, die entstehen kann, wenn man von denen umgeben ist, die einem am nächsten stehen. Während sich "White Roses, My God", Sparhawks letztes Album, kopfüber in die elektronische Musik und radikale Gesangsmodulationen stürzte, lehnt sich "With Trampled by Turtles" an die Folk- und Bluegrass-Stilistiken seiner Begleitband an, wobei Sparhawks Stimme nun völlig ungeschminkt ist. "With Trampled by Turtles" ist weit mehr als nur Alan Sparhawk und Trampled by Turtles. Es ist eine Bestätigung all der Menschen, die in Sparhawks Leben und seiner Musik eine wichtige Rolle gespielt haben, und eine Gelegenheit, jede ihrer Gaben ins Licht zu rücken. Es ist der Produzent Nat Harvie, der seit Jahren mit ihm zusammenarbeitet und auftritt. Es ist Sparhawks Tochter Hollis, die mit ihrem Vater ein Duett auf "Not Broken" singt. Und es ist auch Mimi Parker: "Too High", ‚Princess Road Surgery' und ‚Not Broken' waren alles Stücke, an denen sie und Sparhawk in den letzten Jahren gearbeitet hatten. Diese Songs haben endlich einen Rahmen gefunden, der sie auf mitreißende Weise in Erinnerung ruft, unterstützt von einem vollen Ensemble, das jede Note zum Singen bringt. Ihre Anwesenheit ist eine Art ewige Verbindung zu Parker, eine Art und Weise, wie ihre musikalische Anmut weiter erblühen wird.

Release 30.5.2025

Get Sunk ist eine Ode an das Unendliche. Es bringt mit dem Pinsel gestrichene, verschwommene Erinnerungen an die Oberfläche, die sich zu einem Haufen von Farben und Verbindungen anhäufen, der sich über die Individualität hinaus in eine endlose Veränderung erstreckt. Unter Wasser bewegt sich alles in Zeitlupe, und Matt Berninger sah seine kreative Stimme mit der Strömung entgleiten. Aber manchmal müssen wir ertrinken, um uns daran zu erinnern, wie man atmet. Get Sunk ist das reinigende Einatmen. Es ist der Anblick des wogenden Spiegelbilds im Wasser und die Erkenntnis, dass man nicht man selbst ist ohne tausend andere: Eltern, Freunde, Geschwister, Ehepartner und Ex-Freunde, College-Mitbewohner, beste Freunde aus der Kindheit, Cousins und Cousinen, sogar Fremde - all das macht den Geist des Erzählers von Get Sunk aus. Berninger wollte herausfinden, warum er liebt, was er tut, und es ist der kollaborative Geist des Albums und die lockere, sich entfaltende Haltung, die Berninger aufblicken und die Wärme in seinem Gesicht spüren ließ. Wenn wir in uns selbst versinken, stellen wir oft fest, dass wir eigentlich mit anderen schwimmen.

Release 23.5.2025

Das erste Stereolab-Album seit 15 Jahren mit 13 neuen Studioaufnahmen. Eingespielt wurde das Werk von Laetitia Sadier, Tim Gane, Andy Ramsay, Joe Watson und Xavi Muñoz, mit Gastbeiträgen von Cooper Crain und Rob Frye von Bitchin Bajas, Ben LaMar Gay (Komponist/Jazz-Multiinstrumentalist), Holger Zapf (Cavern Of Anti Matter), Marie Merlet (Monade) und Molly Read, und weiteren. Die Band wird das ganze Jahr 2025 über live spielen - in Europa, Nordamerika, Südamerika und Großbritannien. Das neue Album folgt auf "Not Music" aus dem Jahr 2010, remasterte und erweiterte Neuauflagen von sieben ihrer Alben im Jahr 2019 sowie die Bände 4 und 5 der "Switched On"-Reihe, die 2021 bzw. 2022 erschienen.

Release 30.5.2025

Ty begibt sich auf den großen Himmelspfad unseres guten alten Grenzreichs und entdeckt hinter jeder Kurve neue Knaller und inspirierte Klänge. Die Texte wurden von seinem langjährigen Mitarbeiter, dem Filmemacher Matt Yoka, mitgeschrieben. Die glitzernden Rhythmusarrangements von Ty bewegen sich mit frischem Schwung und laden zu Streicher- und Bläsereinlagen ein, um die Ladung rechtschaffen voranzutreiben. Du bist auch eingeladen! Lassen Sie sich den Trip nicht entgehen - das Land inspiriert Sie auf Tys hochoktaniger Fahrt.

Release 30.5.2025

Neues Album, das im Laufe einer einjährigen Tournee 2023-2024 entstand. Die Erstpressungen der Deluxe-CD enthalten eine Bonus-DVD mit Swans Live 2024 (Rope) The Beggar, einem Konzertfilm von Marco Porsia, der die letzte US-Tour der Band dokumentiert. Die DVD enthält außerdem "I Wonder If I´m Singing What You´re Thinking Me To Sing", eine Dokumentation von Christopher Nicholson über Michael Gira´s Solotournee 2022. "Birthing", das durch unerbittliche Improvisation und Live-Performance sowie neu komponierte Studiostücke verfeinert wurde, ist ein Zeugnis von Michael Giras kompromissloser klanglicher Vision. Die Songs, die als akustische Kompositionen begannen, wurden im Studio mit langjährigen Live-Mitgliedern und Kollaborateuren schrittweise erweitert und transformiert. Produziert von Gira, wurde das Album in der Soundfabrik Berlin aufgenommen, im Candy Bomber Studio von Ingo Krauss gemischt und von Doug Henderson bei Micro-Moose gemastert.

Release 6.6.2025

Zwei Jahre nach der Veröffentlichung der Frontier's Edge EP meldet sich die Budos Band mit ihrem ersten vollständigen Album seit Long in the Tooth von 2020 zurück. Das neue Album trägt den schlichten Titel VII und zeigt, was sie am besten können: hypnotische, bläsergespickte Grooves, die gleichermaßen bedrohlich und hypnotisierend wirken. Produziert von Budos-Gitarrist Tom Brenneck und Simon Guzmán als Produzent, enthält VII 11 dicht konstruierte neue Tracks, die sich aus dem breiten Spektrum der Einflüsse der Gruppe speisen und so klingen, wie es nur die Budos können. Es ist Musik zum Runterkommen, für nächtliche Autofahrten und für alternative Kopfräume _ eine betörende Mischung aus Mysterium und Rhythmus, die sich mit den formidablen Arbeiten messen kann, die sie in den zwei Jahrzehnten ihres Schaffens veröffentlicht haben. VII wurde in Kalifornien aufgenommen und ist das erste Album der Budos Band auf Diamond West, dem unabhängigen Label, das 2023 von Tankel und Brenneck gegründet wurde. Es ist auch das erste Album der Gruppe mit instrumentalen Beiträgen des Schlagzeugers Rich Tarrana, der zuvor bei den Frightnrs spielte. Alles in allem gelingt es der Band, neue Klangräume zu erschließen und gleichzeitig der intuitiven, einzigartigen Musikalität treu zu bleiben, die sie von Anfang an zu einer solchen Sensation gemacht hat.

Release 23.5.2025

Die Trip-Hop-Urgesteine Morcheeba melden sich mit ihrem umwerfenden 11. Studioalbum "Escape The Chaos" eindrucksvoll zurück.
"Diese ganze Platte ist ein Prozess, in dem wir versuchen, uns wieder mit dem zu verbinden, was wirklich wichtig ist. Ob es das ist, was in deinem Herzen oder in der Welt ist, wenn du deine Füße auf Gras setzt und die Erde unter dir spürst", sagt Ross Godfrey.

"Für mich handelt 'We Live and Die' von meiner Zeit in der Band und der Musikwelt und dem Leben im Allgemeinen", sagt Skye über die Leadsingle. "Die Grenzen verschwimmen nach all dieser Zeit. In gewisser Weise ist es eine Hommage an die dreißig Jahre, in denen ich in Morcheeba war, was 60% meiner Existenz ausmacht."

Die legendäre Band, die 1995 in London gegründet wurde, tourte ausgiebig um den Globus, verkaufte weltweit über 10 Millionen Alben und hinterließ ihre Spuren als einer der einflussreichsten Acts der letzten Zeit. Nach ihrem gefeierten Debütalbum "Who Can You Trust?" aus dem Jahr 1996 hat die Band eine Reihe erfolgreicher Studioalben veröffentlicht, darunter das mit Platin ausgezeichnete "Big Calm" von 1998, ein Album für David Byrne von den Talking Heads produziert und Soundtracks für den Oscar-prämierten Regisseur Steven Soderbergh produziert.

Im 30. Jahr ihres Bestehens sind Morcheeba so aktuell wie eh und je und werden dieses Ereignis gebührend feiern.

Release 23.5.2025

Das fünfte Album des experimentellen Kult-Duos bietet einen Sound, der sowohl brutal als auch wunderschön klingt, und festigt TNPs Ruf für visionäre Musik, die sich jeder Kategorisierung und Konvention entzieht. Das Album begann mit einem einzigen Glockenschlag einer abgelegenen griechisch-orthodoxen Kirche. Jack Barnett nahm ihn als Field Recording auf, und daraus entwickelte sich eine Kette von Songs, die sich organisch aus diesem initialen Klang ergaben. Zurück in London formte das Duo aus unzähligen Ideen konkrete Tracks. Geprobt wurde in Barnetts Studio, gelegen zwischen einer Müllverarbeitungsanlage und evangelikalen Kirchen - eine Umgebung, die den Kontrast aus Erhabenem und Dreckigem, der TNPs Musik schon immer prägte, perfekt spiegelte. Das Album bietet Gastauftritte von Caroline Polachek bis hin zum britischen Jazz-Kontrabassisten Chris Laurence.

Release 23.5.2025

Der in Dänemark lebende tunesische Produzent Sofyann Ben Youssef hat bereits ganz neue Klangwelten geschaffen. Sein aufsehenerregendes Debüt als AMMAR 808 - das 2018 erschienene Maghreb United - verschmolz dröhnende TR-808-Drum-Machine-Rhythmen und knochentrocknende Bässe mit traditionellen nordafrikanischen Folk-Instrumentalisten und Vokalisten aus Tunesien, Algerien und Marokko und suggerierte ein pan-maghrebinisches Science-Fiction-Mash-up, das der fiebrigsten Träume von William Burroughs würdig war.

Für sein Nachfolgealbum »Global Control / Invisible Invasion« (2020) wandte er sich der südindischen Musik zu, arbeitete mit angesehenen Musikern und Sängern zusammen und verlieh der karnatischen und anderen südindischen Musiktraditionen die Energie des 21. Jahrhunderts, während er die alten Geschichten des Mahabharata untersuchte. Für sein neuestes Album - Club Tounsi - nimmt er nun seine Heimat ins Visier, mit einem Album, das die lebendige Folk-Tradition seiner Heimat Tunesien erforscht und untersucht. »Es handelt sich um ein bestimmtes Folk-Genre«, erklärt AMMAR 808. »Es nennt sich ›Mezoued‹.« Benannt nach den uralten Mezoued-Dudelsäcken aus Ziegenfell, die für die geschmeidigen Melodien der Musik sorgen, werden traditionell volkstümliche Sängerinnen und Sänger begleitet, die auch von klappernden Handtrommeln unterstützt werden. Sie entstand in den 1950er Jahren, als eine Welle von Landflüchtigen auf der Suche nach Arbeit in die Hauptstadt Tunis strömte.

Es ist die Musik der Unterdrückten und der Außenseiter, die in der tunesischen Gesellschaft lange Zeit verpönt war. »Sie stammt ursprünglich von den Einwanderern und der Arbeiterklasse«, sagt AMMAR 808. »Diese Menschen kamen aufgrund ihrer wirtschaftlichen Situation aus ganz Tunesien. Sie galten als Menschen aus den Ghettos und wurden diskriminiert. Diese Musik wurde sogar lange Zeit aus dem tunesischen Fernsehen verbannt.« Dennoch, so erklärt AMMAR 808, blieb die Musik bestehen. »Sie entwickelte sich aus dieser Stigmatisierung heraus und wurde zu etwas, das eigentlich alle Tunesier anspricht, weil sie ihre Wurzeln in der gesamten in Tunesien vorhandenen Musik hat.« In Mezoued finden sich Sufi-Hymnen, Malouf-Melodien, arabische Skalen und alte Volkslieder in einem Repertoire. Obwohl sich die Texte mit der Not und dem Schmerz der Liebe befassen, will die Mezoued-Musik kräftig feiern. Und der Rhythmus ist der Schlüssel dazu.

Release 23.5.25

Mit „Room On The Porch“ präsentieren Taj Mahal & Keb’ Mo’ den lang ersehnten Nachfolger ihres mit einem GRAMMY ausgezeichneten Erfolgsalbums „TajMo“ aus 2017!
Die aussergewöhnliche Kollaboration vereint zwei der besten noch lebenden Blues-Musiker – mit je 11 GRAMMYs sind beide zweifellos wahre Ikonen des Genres.
Den Auftakt der Albumkampagne bildet der Titeltrack „Room On The Porch“ mit der gefeierten Sängerin Ruby Amanfu. Die aus Ghana stammende und in Nashville aufgewachsene Singer-Songwriterin hat bereits für Alicia Keys, Brandi Carlile und H.E.R. geschrieben und war zwei Jahre lang Teil der Band von Jack White. Mit „Room On The Porch“ knüpfen Taj Mahal & Keb’ Mo’ nahtlos an ihren bisherigen Erfolg an und liefern ein weiteres musikalisches Highlight für Blues-Fans weltweit.

Release 23.5.2025

Neuntes Soloalbum der überlebende Hälfte des großen Songwriter-Duos hinter den australischen Indie-Legenden The Go-Betweens (neben dem 2006 verstorbenen Grant McLennan). Das mit seiner Ehefrau gesungene Titelstück ist ein ein glanzvolles Beispiel exzellenten, sympathischen Folk-Pop-Songwritings mit frühlingsartigem Charakter und war inspirierend für das ganze Album, das Robert mit Peter Morén (Peter, Björn & John) produzierte. Forster beschreibt die neuen Songs als "Story songs", die außerhalb seiner eigenen Erfahrungen liegen und sich überwiegend mit Charakterstudien beschäftigen. "Das letzte Album [The Candle and the Flame] war sehr persönlich [...] Nachdem ich 'She's a Fighter' fertiggestellt hatte, schrieb ich fast ein Jahr lang überhaupt nichts. Und dann begann ich plötzlich Songs zu schreiben, die in eine etwas andere Richtung gingen. Sie kamen ganz natürlich, ich hatte kein Thema dafür, aber es war eine Situation ein bisschen außerhalb meiner selbst. Und das fand ich gut. Das war ein Ort, wo ich mit meinen Texten hingehen konnte."

Release 16.5.2025

Das zweite Album der irischen Postpunk-Formation mit dem unaussprechlichen Namen ist ein wilder Ritt zwischen roher noisiger, experimenteller Energie und fragiler Zerbrechlichkeit, deren 11 Stücke sich an der Abartigkeit unserer Gesellschaft abarbeiten. Es ist eine unapologetische Annäherung an intersektionellen Feminismus, Tierschutz, Konsum und den Kampf um einen Platz in einer Welt, der es an Empathie mangelt. Irgendwo im Soundspektrum zwischen Bar Italia, Dry Cleaning, Cable Ties, Sprints und den Swans trifft ihr Gespür für eingängige poppige Melodien auf vertrackte Rhytmen, nervenzerrende Effekte und keifende Feedbacks. Mit von der Partie ist btw Jamie Hyland, wer sich für die Aufnahmen diverser "Girlband"-Alben verantwortlich zeichnet - deren Einfluss nicht gerade von der Hand zu weisen ist.

Release 16.5.2024

Der Libertines- und Babyshambles-Sänger kommt mit einem neuen Solo-Album um die Ecke, das ihn in schreiberischer und interpretativer Höchstform zeigt und das dermaßen locker, smart, schwungvoll und charmant ist, wie man es einem verehrten Künstler nur wünschen kann. Und das mit Textzeilen aufwartet wie „Daddy's trying to write you a lullaby so sweet/ and if that lullaby is a hit/Dad can buy you loads of cool shit…”, aus 'Pot Of Gold', seiner Serenade an seine zweijährige Tochter Billie-May.

Release 16.5.2025

Dem neuen Album von Australiens vielleicht bester Cinematic-Funk-Band ging eine lockerere Herangehensweise an eine lockerere, intuitivere Kompositionstechnik voraus. Diese Leichtigkeit ist auch hörbar, wie der sich toll mit einem dark Spin drehende psychedelische Funkster "Bully Ball" unterstreicht. Die Band überschreitet die Grenzen des Arrangements mit Stücken wie "Body Slam", das wie ein süßer Soul-Song beginnt und dann eine Kehrtwende vollzieht, indem es düster und eindringlich wird und sich auf den Sound einer Pauke konzentriert, daß sie in einem Badezimmer zwei Türen weiter vom Mischpult platziert hatten. Derselbe Sinn für Experimente zeigt sich auch bei "Fare Evader", wo sie einen weiteren halsbrecherischen Rhythmus-Track mit Synthesizer-Noten würzen, die wie Roboter-Soundeffekte aus einem Science-Fiction-Film der 70er Jahre klingen. Bei "Consulate Case" und "Tag Dag" wird das Tanz-Tempo mit Einflüsse aus dem Afro-Funk bzw. Jazz-Funk angezogen. Dazu auch noch Balladen wie "Websites" und das ätherische "Dreamer's Disease".

Release 16.5.2025

Das dritte Studioalbum der aus Bristol stammenden Songwriterin, Produzentin und Multiinstrumentalistin Tor Maries ist ein Konzeptalbum, das sich um das Bild eines verfallenen Jahrmarkts dreht und für die Turbulenzen des Lebens steht - Risiko und Vergnügen, Gefahr und Rausch. Die 11 Songs erkunden Blues, Folk und pianobetonte Arrangements, die Billy Nomates' starken Punk-Sound in eine pastoralere Richtung lenken. "Metalhorse" ist das erste Billy Nomates-Album, das in einem Studio und mit kompletter Band aufgenommen wurde. Zur Besetzung gehören die Bassistin Mandy Clarke (KT Tunstall, The Go! Team) und der Schlagzeuger Liam Chapman (Rozi Plain, BMX Bandits), dazu gab es einen speziellen Gastbeitrag von The Stranglers-Frontmann Hugh Cornwell zu dem Song "Dark Horse Friend". "Metalhorse" ist eine Balance der Extreme. Verlust, materielle Unsicherheit und der Versuch, sich selbst treu zu bleiben, vor dem Hintergrund eines zunehmend unvorhersehbaren globalen Chaos - die Waage hätte leicht in Richtung Dunkelheit kippen können, aber je mehr Tor Maries durchmachen musste, desto wertvoller wurden die kleinen Momente des Glücks.

Release 16.5.2025

Ein Album zum Schlafen und Wachen, zum Gehen und Fahren, zum Jagen und Fischen, zum Herumlungern vor einer Raststätte in der verwunschenen Tundra. Auf ihrem zweiten Album für Merge Records wird die historisch weit gefasste Definition von Country-Musik noch weiter gefasst. Shambolische Gitarren werden durch Flötenpads ausgeglichen, trübe Poesie trifft auf eine Motown-Rhythmusgruppe, ein Song über Jerry Garcia und die First Lady Betty Ford wird mit einem Schlagzeugsolo ausgeblendet, als käme Talk Talk aus einem schmuddeligen Keller in Philadelphia und würde von James Tate gespielt. Der zerklüftete Bariton des Songwriters Dan Wriggins schneidet durch elf düstere, wirbelnde Country-Rock-Songs mit tiefgründiger lyrischer Substanz und Aufrichtigkeit.

Release 16.5.2025

Das 7te Soloalbum ist ein mitreißendes, gothic angehauchtes Americana-Album, mit ausgeflippten Drones, wunderschönen, weltmüden Gesangsmelodien und sich langsam entfaltenden Cello-Arrangements. Ursprünglich inspiriert von der harmonischen Resonanz von Klavier und Synthesizern und seiner langjährigen Vorliebe für Ambient-Musik entstand das Album durch intuitive Improvisationen und öffnete seine Stimme auf eine Weise, wie er es noch nie zuvor getan hat. "Die komplexen Obertöne des Klaviers und der Synthesizer haben mich dazu inspiriert, mehr zu singen, die angedeuteten Harmonien aufzuspüren und einzigartige Ansätze innerhalb der Grenzen meiner Stimme zu finden", sagt Von Till "Es ist die transzendente Natur der Musik, der kathartische Heilungsprozess, bei dem ich alles hinter mir lassen und mit dem Klang eins werden kann. Wenn man sich erlaubt, über das Gewöhnliche hinauszugehen, kann man das Glück haben, einen Moment zu finden, in dem man im Einklang mit dem Fluss des Universums erschafft." Die Suche nach einer tieferen Verbindung, das Leben mit der Trauer über unsere Trennung von der natürlichen Welt und das Verlassen auf die Intuition des Bauchgefühls, um dem kreativen Urzustand näher zu kommen, sind der Schlüssel zu V on Tills kreativem Prozess. Größtenteils in seinem Scheunenstudio zu Hause in Idaho aufgenommen und in Circular Ruin in Brooklyn, NY, mit dem bekannten Produzenten Randall Dunn (Jóhann Jóhannsson, Sunn O))), Earth, Jim Jarmusch) gemischt, enthält es auch ein Cover-Artwork von Spokane, Der in Spokane, WA, ansässige Fotograf Brian Deemy arbeitet mit kolloidalen Nassplatten-"Tintype"-Ästhetiken, die V on Tills einzigartig altertümliche und doch geerdete Ästhetik ergänzen und die perfekt zu seinem Wunsch passen, die Verbindung zwischen der menschlichen und der übermenschlichen Welt neu zu erfinden.

Release 16.5.2025

10tes Album: "Zwölf Songs, zwölf Variationen über die Erfahrung, die Kontrolle völlig zu verlieren, sei es durch Schwäche, Krankheit, Mystizismus, BDSM, Drogen, Liebeskummer oder einfach durch das Leben in einer kranken Gesellschaft mit offenen Augen. Diese Songs sind voller Überwältigung. Sie handeln nicht davon, dass jemand aus der Bahn gerät, sie sind im Herzen dieser Person. Das Songwriting hier ist eine Überarbeitung von William Wordsworths berühmter Aussage, dass „Poesie der spontane Überfluss starker Gefühle ist: Sie hat ihren Ursprung in Emotionen, die in Ruhe erinnert werden....Wenn ich Musikjournalist wäre, würde ich dies eine orchestrale Emo-Prog-Rock-Platte mit Samples nennen. Gott sei Dank bin ich kein Musikjournalist! Ich finde diese Musik filmisch und intensiv. Ein Freund von mir sagte, sie klinge wie „der coolste Filmsoundtrack von 1997“, und ich bin mit dieser Beschreibung ziemlich zufrieden. Wir haben in acht der zwölf Stücke eine kleine Streichergruppe eingebaut und verwenden zum ersten Mal Samples – nichts, was man erkennen würde, nur ein paar nicht erwähnte Gesangseinlagen, die Sam online gefunden hat, zerstückelt in wunderschöne, stimmungsvolle Stücke. Abgesehen davon enthält diese Platte etwas, das fast zu einem Anachronismus geworden ist: eine Band, die seit über einem Jahrzehnt echte Instrumente zusammen spielt und als Musiker intuitiv miteinander in Kontakt steht. Vier Spieler in einem Raum, die genau wissen, wie sie aufeinander reagieren müssen".

Release 16.5.2024

Mit ihrem siebten Studioalbum katapultiert die Berliner Band Kadavar ihren Sound in neue Dimensionen. Inspiriert vom Zitat ihres Bassisten Simon ‘Dragon‘ Bouteloup, mit „I just want to be a sound“, erschaffen sie ein Manifest für Freiheit, Transformation und radikale Präsenz. Keine Konzepte, keine Grenzen: Das Album ist ein musikalisches Ritual des Übergangs, das sich zwischen Rockhymnen, Balladen und epischen Momenten bewegt – immer voller Momentum und Wandel. Unterstützt von Produzent Max Rieger und ergänzt durch Gitarrist Jascha Kreft, feiern Kadavar die ewige Veränderung des "Eternal Now". Ein Soundtrack für die Gegensätze der Zeit, der alles hinter sich lässt, was nicht Musik ist – kraftvoll, verletzlich und immer bereit für den nächsten Neuanfang. Es ist eine Liebeserklärung an den Moment, an Berlin und an das Leben selbst – voller Liebe, Verlust, Narben und dem bittersüßen Gefühl der Vergänglichkeit. Kadavar laden uns ein, loszulassen und eins zu werden: mit der Musik, mit dem Jetzt, mit dem Sound.

Release 9.5.2025

Der Berner Musiker Baze veröffentlicht mit «Brot» ein neues Rap-Album. Produziert von Ben Mühlethaler und mit Featurings von Sulaya und Fantu, überzeugt «Brot» durch die Mischung aus Mundartpoesie und melancholischem Strassenrap - Alltagsmusik und Brot für alle. Die Beats sind hart, die Boombox rollt fast vom Tisch.
Baze zeigt einmal mehr, warum er zu den spannendsten und dringlichsten Stimmen der Schweizer Musikszene gehört.

Release 9.5.2025

Pink Elephant ist das neue Studioalbum von Arcade Fire und erscheint am 9. Mai 2025. Die erste Single „Year of the Snake“ wird am 08.April veröffentlicht.

Mit insgesamt 10 Songs ist Pink Elephant das siebte Studioalbum der Band. Für die Schreib- und Aufnahme-Sessions zog sich Arcade Fire in ihr eigenes Studio in New Orleans zurück – gemeinsam mit dem ebenfalls Grammy-ausgezeichneten kanadischen Produzenten Daniel Lanois (u.a. U2, The Killers, Bob Dylan, Peter Gabriel und Neil Young).

Pink Elephant folgt auf das 2022 erschienene und von Kritik gefeierte Album WE, das bei der 65. Grammy-Verleihung als Bestes Alternatives Musikalbum nominiert war. Kürzlich trat die Band außerdem beim hochkarätig besetzten SNL50: The Homecoming Concert auf – einem dreistündigen Event zur Feier des 50-jährigen Jubiläums von Saturday Night Live, live aus der Radio City Music Hall in New York.

Release 9.5.2025

Überraschendes und doch bitter nötiges Comebackalbum nach 21 Jahren vom legendären Trio aus Cardiff, das mit 3 roughen Alben zwischen 2000 und 2004 bleibenden Eindruck auf der Noiserocklandakarte hinterliess mit seinem von Fugazi und Shellac beeinflussten und auch von Steve Albini produzierten kantigen Sounds. Sänger Andy "Falco" Falkous prägt mit seinem wilden, gesanglich exaltierten Vocal-Auftritt, mit dem er stimmlich in wechselnde Charaktere zwischen Narration, Lament und Schreien schlüpft, den McLusky-Look genauso massiv wie seine oft atonale Heul- und Schrubbgitarre, dazu pusht Jack Egglestone an den Drums und Damien Sayell trümmert den Bass. McLusky zeigen sich von ihrer unberechenbaren Seite mit vielen Sidekicks in andere musikalische Bereiche und zeigen immer wieder progressive Tendenzen, stehen aber letztlich fest verankert an der Kante von Noiserock und Posthardcore.

Release 9.5.2025

Nadja Zela, der Rohdiamant in der glattgebügelten Musiklandschaft bleibt sich treu, indem sie sich immer wieder neu erfindet. Was mit The Whooshings in besetzten Räumen begann und mit Rosebud den Indie-Rock weiblich machte, hat sich in Zelas Soloschaffen zu einer eigenwilligen Ausnahmeerscheinung des Alternative-Rock verdichtet. Sie ist die trotzige Verfechterin des Unmöglichen, eine der wenigen Frauen ihrer Generation, die als zweifache Mutter in der Musikszene nicht verstummte, hochschwanger die Bühne rockte, später, als viel zu junge, trauernde Witwe ihr viel gelobtes Andromeda-Requiem aufführend künstlerisch einen Höhepunkt erreichte.

In den letzten 4 Jahren hat sie das begehrte Arvore Musik-Stipendium erhalten, absolvierte eine Weiterbildung für Filmkomposition, richtete mit ihrer Band ein eigenes kleines Studio ein, kreierte Live Auftritte and der Schnittstelle zwischen Lesung und Konzert, bespielte damit Literaturorte und arbeitete für einen Rockclub. Nun ist sie endlich zurück mit neuem Album! CLOWNS – Das neue Album «Clowns with aching feet limp down the street, telling toddlers how bleak the future will be, waving with broken arms at an audience that swipes them away on their screens.»
Bist du Teil des Ganzen? Oder sitzt du bequem in der Loge? «Clowns» reißt dich mitten in die Manege – dort, wo Maskerade, Abhängigkeit und innerer Zerfall regieren. Du willst entkommen, doch bist längst darauf programmiert, mit den anderen Clowns diese bittere Nummer zu performen, bis die Lichter ausgehen. Flackernde Albträume, zärtliche Utopien Auf ihrem sechsten Studioalbum Clowns entlarvt Nadja Zela das Jetzt als absurdes Spektakel, in dem wir als Opfer und Täter zugleich in flackernden Albträumen herumbrüllen. In diesem grotesken Tumult findet Zela jedoch zärtliche Utopien, Einheiten des Feierns, der Versöhnung, die aufsteigen wie Rauchzeichen der Besänftigung in der Dunkelheit dystopischer Perspektiven.

Release 28.3.2025

Stahlberger, bekannt für ihren unverwechselbaren Mix aus Mundart-Pop und avantgardistischen Klängen, zeigt sich hier als über Jahre hinweg eingespieltes Kollektiv, das sich ständig weiterentwickelt hat, ohne seine Wurzeln zu verlieren.

Mit ihrem neuen Album «Immer dur Nächt» beweisen Stahlberger ihre Vielschichtigkeit, stilistische Treffsicherheit und eine erfrischende musikalische Experimentierfreude.

Auf «Immer dur Nächt» lösen sie sich noch weiter von den Strukturen klassischer Rock- und Popsongs. Es ist die logische Fortführung der Arbeit, die sie mit früheren Alben wie «Lüt uf Fotene» begonnen haben. Schlagzeuger Dominik Kesseli beschreibt es so:

«Wir generieren eine musikalische Wolke, in der man schwebt, und die

sich von klaren Metronom-Strukturen löst.»

Gleichzeitig behalten die konsequent reduzierten Texte von Manuel Stahlberger ihre zentrale Rolle und verbinden die Musik zu einem kohärenten Ganzen. Hier erschafft einer durch präzise Beobachtungen und poetische Verdichtung eine Welt, die zugleich vertraut und verstörend ist – eine, die verborgene Schattengefühle heraufbeschwört.

Release 9.5.2025

Auf ihrem 4ten Album kreiselt die Band (früher Women bzw. Vietcong) aus dem kanadischen Calgary mit Post-Punkgitarren und harschen Synthsounds zwischen Post-Punk, New Wave und Indie-Pop durch von Schwarztönen bestimmte Songlandschaften, zeigt dabei auch eine zugängliche Seite bei einem Song wie "Bastards".

Release 9.5.2025

Moictani präsentiert ein Pop-Rock-Projekt und experimentiert mit Musikstilen und Genres, indem er sie mit seiner Sanftheit und Energie durchsetzt, getragen von Texten in Spanisch und Französisch. Seine Entdeckungsreise führt den Hörer in ein solares Pop-Universum, das Gesang, Groove und manchmal auch Krautrock mischt.

Release 9.5.2025

Gemeinsames Album des bahnbrechenden elektronischen Musikers und Produzenten Mark Pritchard mit dem Frontmann von The Smile und Radiohead. Pritchard ist mit seinen Projekten Reload, Link und als eine Hälfte des Produzentenduos Global Communication an der Seite von Tom Middleton eine Koryphäe der britischen elektronischen Musik der 90er Jahre. Im Jahr 2011 veröffentlichte er zwei Remixe des Radiohead-Songs "Bloom" und hat im Laufe seiner vielseitigen Karriere, die viele verschiedene Stile und Formen umfasst, weitere Tracks von Künstlern wie Aphex Twin, Depeche Mode, PJ Harvey und Slowdive geremixt. Ihr gemeinames Album ist Yorkes erste Veröffentlichung bei Warp Records, ein vielschichtiges, reich strukturiertes Album, das mehrere Erzählungen und Genres in sich vereint. In den 12 Songs des Albums zeigt Pritchard seine Virtuosität im Umgang mit archaischen Maschinen, die er aus Synthesizer-Archiven ausgegraben hat, und führt die Musik auf unerwartete und experimentelle Pfade. Yorke wiederum liefert eine fesselnde, raumgreifende Gesangsperformance, die in düstere, introspektive Erzählungen eintaucht.

Release 9.5.2025

Die britischen Indie-Rock-Lieblinge melden sich mit ihrem bisher gelungensten Album zurück. 'Never/Know' ist sowohl eine Rückkehr zum hymnischen Songwriting, dem Markenzeichen der Band, als auch eine feierliche Zurschaustellung ihrer Vorliebe für zeitlose, klassische Platten.

Release 2.5.2025

Das neue 5te Album verbindet introspektive Reflexion mit weitläufigen Klanglandschaften und bietet eine einzigartige Fusion aus Indie-Rock und psychedelischem Soul, die Dope Lemon aka Angus Stone von seiner bisher ehrlichsten und verletzlichsten Seite zeigt. Das Album lädt die Zuhörer ein, über die Entscheidungen nachzudenken, die sie getroffen haben, die Wege, die sie hinter sich gelassen haben, und die, die noch vor ihnen liegen.

Release 2.5.2025

Doppel-LP mit 28-seitigem Booklet. Das neues Album spielt auf dem fiktiven Campus der Parnassus Universität. Die Songs erzählen von Studierenden und Dozierenden sowie deren Erlebnissen als lose Erzählung über Leben, Tod und Wiedergeburt. Die erste Single "Gethsemane" gibt einen Vorgeschmack auf die spirituelle Reise, die das komplette Album prägt. Im Mai 2020 veröffentlichten Car Seat Headrest (Sänger Will Toledo, Gitarrist Ethan Ives, Schlagzeuger Andrew Katz und Bassist Seth Dalby) ihr experimentelles, beatlastiges Album "Making a Door Less Open" - just in dem Moment, als die Welt zum Stillstand kam. Die darauffolgende Phase der erzwungenen Pause zog sich über Jahre. Als sie 2022 endlich wieder auf Tour gehen konnten, waren sie überrascht und erfreut, dass ihr Publikum jünger war als je zuvor. Dank des unerwarteten viralen Erfolgs von "It"s Only Sex" und "Sober to Death" hatte eine neue Generation ihre Coming-of-Age-Klassiker "Teens of Denial" und "Twin Fantasy" für sich entdeckt. "The Scholars" wurde von Toledo produziert und größtenteils analog aufgenommen. Für die Lyrics und die erzählerische Struktur ließ sich Toledo durch Klassiker inspirieren - von Shakespeare über Mozart bis hin zu Opernmusik. Musikalisch orientiert sich "The Scholars" behutsam an großen Rock-Opern und Konzeptalben wie "Tommy" von The Who oder "Ziggy Stardust" von David Bowie. Die erste Albumhälfte dreht sich um Studierende und ihre spirituellen und persönlichen Krisen, während die zweite Hälfte von einer epischen Auseinandersetzung zwischen Tradition und Aufbruch handelt. "Ein Problem vieler Rock-Opern ist, dass die einzelnen Songs der Story untergeordnet werden und dadurch weniger für sich stehen", sagt Toledo. "Ich wollte einen Mittelweg finden, bei dem jeder Song als eigenständiger Charakter funktioniert - als würde er auf die Bühne treten und seinen großen Moment haben." Auf Sound lag diesmal ein besonderer Fokus. Ethan Ives übernahm eine aktivere Rolle in der Soundgestaltung, was zu einer dichten, vielschichtigen Produktion führte. Neben Stücken wie dem 19-minütigen "Planet Desperation" enthält das Album auch eingängige Songs wie "The Catastrophe (Good Luck With That Man)", das an den Folk-Pop der 60er Jahre erinnert. Car Seat Headrest sehen in "The Scholars" eine neue Ära ihrer Bandgeschichte, die weit über die Anfänge des ehemaligen Soloprojekts hinausgewachsen ist.

Release 2.5.2025

Party Hard with Sextile. Eine actiongeladene Dance-Platte, vollgestopft mit wilden, berauschenden Gassenhauern, inspiriert von No Wave, Electroclash bis Hardstyle. Das Duo Melissa Scaduto und Brady Keehn aus Los Angeles bietet anarchisches Elektro-Feuer mit bratzigen 303er-Attacken, wogenden Synthteppichen und genug aufgemotzten Bässen, um ein oder zwei Lautsprecher zum Platzen zu bringen. Scadutos elastischer Gesang glänzt überall. Das Album feiert aber nicht nur im Exzess, sondern zeigt auch Verletzlichkeit und Seelenstriptease. Inkl. der schmutzigen Dancefloorbombe "Women Respond to Bass", dem muskulösen "Push Ups" mit postpunkigen Vocals von Jehnny Beth und Synthies, die hart hämmern wie Hagelkörner auf einem Glasdach, dem wummernden Ravemonster "Freak Eyes" und dem von einer kirren 303-er-Line zu Kuhglockendrums getriebenen "Rearrange", dem Gabber-Trance-Pop von "Kids" mit Izzy Glaudini von Automatic. "Hospital" und Soggy Newports" reflektieren hingegen Scadutos erschütternde Erfahrungen in einer staatlichen Einrichtung in New York nach einem beinahe tödlichen Unfall. "Resist" setzt sich mit Abtreibungsrechten auseinander, während sich "Penny Rose" mit der US-Bildung, künstlicher Intelligenz und zukünftigen Generationen beschäftigt.

Release 2.5.2025

Auch das 4te Album besitzt den Charme eines Fotobuchs mit Polaroid-Fotos. Es wurde wiederum mit dem Produzenten Guy Blakeslee aufgenommen, der dazu beiträgt, die Klangpalette zu erweitern und die rohe Unmittelbarkeit und das Flair handgemachter Intimität durch Homerecording zu bewahren. Neale´s kristallklare Stimme schwebt bei einigen Songs mit einem tollen Retro-Halleffekt über Guy Blakeslees Ambient-Tonbandschleifen, der Gitarre oder einem geisterhaften, sich auflösenden Mellotron, bei "Down on the Freeway" sorgt ein motorischer Drumoffbeat für Alan Vega-/Suicide-Atmosphärik, während "Come on" wie Joanna Newsom auf Psychedelic klingt und "Tell me how to be here" in die Endlosigkeit entschwindet. Eine große, spannende Bandbreite an musikalischem und lyrischem Terrain wird abgedeckt - von Garage-Rock-Kinderliedern über Schöpfungsmythen bis hin zu tanzbaren Klageliedern sowie einsamen Omnichord-Meditationen. Textlich setzt sich Lael mit Gegensatzthemen auseinander: Land gegen Stadt, Menschlichkeit gegen Technologie, Isolation gegen Gesellschaft.

Release 2.5.2025

Die kanadische Punkband ist bekannt für ihre einschneidenden politischen Kommentare und genreübergreifenden Klangwelten und fordert weiterhin sowohl den Status quo als auch ihre eigenen musikalischen Grenzen heraus. At Peace verspricht eine Verschmelzung ihres charakteristischen Punk-Ethos mit progressiven Elementen und liefert einen ebenso nachdenklich stimmenden wie unerbittlichen Klangangriff. Als Nachfolger des 2017 erschienenen Albums "Victory Lap" ist dieses Album bereit, seinen Platz an der Spitze der politisch aufgeladenen Punkrock zu bestätigen.

Release 25.4.2025

Psychedelische Musik kann vieles sein, aber nicht viele sind so wie Fomies Marke des Genres. Das Schweizer Fünfergespann mischt ein wenig Punkrock a la The Dead Milkmen in den Mix und beschreibt sich selbst als: "Als große Anhänger des D.I.Y. sind FOMIES eine Garagen-Fuzz-Band, die sich hauptsächlich von obskuren Platten inspirieren lässt, die an merkwürdigen Orten schlecht aufgenommen wurden." Für Fans von: Oh Sees, Ty Segall, Harvey Rushmoore & The Octopus.

Release 2.5.2025

Nach Clarity Before The Crash (2021) präsentieren uns Waldskin ein neues Album, das massiver und elektronischer ist, mit dunklen Klängen und komplexen Texturen. Der Albumtitel "Wrong Party" lädt zu dantesken und wirren Vorstellungen ein. Die Songs schwanken von ruhigen Passagen äußerster Fragilität bis hinzu kraftvollen Klängen voller Energie. In das neue Werk einzutauchen bedeutet, durch die Tür einer Party zu treten, die sich ganz anders ankündigt als erwartet.

Release 25.4.2025

Saxophonklänge von oben, Farbspritzer auf der Leinwand, das Klirren des Auktionshammers - die Viagra Boys sind zurück, und sie sind bereit, ihr Geld zu verdienen. Nachdem sie auf ihrer letzten LP "Cave World" die dunkelsten, paranoidesten Abgründe des menschlichen Daseins erkundet haben, bringen diese mit Shrimps bewaffneten Propheten hart erkämpfte Schätze mit, die sie dem Höchstbietenden leicht abnehmen können.

Release 25.4.2025

Die irische Musikerin mit ihrem 2ten Album. Es ist zugleich ihr Debüt bei 4AD. Mit dem Announcement erscheint die Single "Garden". Der Track taucht ihre sirenenhaften Vocals in einen Sound aus schwirrendem Feedback, luftiger Percussion und nostalgischen Gitarren, der Erinnerungen an die klassische 4AD-Phase heraufbeschwört. Bereits im letzten Jahr war der hypnotische Shoegaze-Track "Projections" erschienen, mit dem Somerville eine erste Spur in Richtung des Sounds ihres kommenden Albums gelegt hatte. Somerville wuchs im ländlichen County Galway an der bergigen und rauen irischen Westküste auf. Sie zog später nach Dublin, wo sie an ihrem Signature-Sound arbeitete: atmosphärischem Dreampop, der von der Landschaft ihrer Jugend geprägt bleibt. Die ätherischen Gitarrenklänge, spärlichen Rhythmen und elektronischen Ambient-Sounds hielt sie erstmals auf dem 2019 selbst veröffentlichten Album "All My People" fest, einem Werk, das knietief in Nostalgie und Sehnsucht watet. Erst als sie nach Connemara zurückkehrte, in ein Haus nicht weit von dem, in dem sie aufwuchs - und von wo aus man einen der größten Seen des Landes, den Lough Corrib, überblicken konnte - begann Somerville mit der Arbeit an Musik, die schließlich zum neuen Album "Luster" werden sollte. Während ihr DIY-Debüt Erinnerungen und Melancholie in nebligen Slowcore hüllte, zeigen die zwölf neuen Tracks eine Künstlerin, die sich des Weges, den sie eingeschlagen hat, viel sicherer ist. "I can see more clearly than I could before. I know now what"s true for me", singt sie passend in "Trip". Gestärkt durch die neue, alte Umgebung und ermutigt durch ihre Community, entwickelte Somerville wieder kreative Energien. Der Boden erwies sich im wahrsten Sinne als fruchtbar, als sie in lockeren Wohnzimmer-Sessions erste Demos aufnahm, die später u. a. mit J. Colleran und Ian Lynch (Lankum) ausgearbeitet und schließlich vom New Yorker Engineer Gabriel Schuman (Oneohtrix Point Never, Princess Nokia, David Byrne) gemixt wurden.

Release 18.4.2025

Nachdem sich die Sache in den letzten Monaten bereits abgezeichnet hatte und Julien Baker & Torres kürzlich auch ihre erste gemeinsame Single "Sugar in the Tank" veröffentlichten, kündigen die beiden nun ihr Debütalbum "Send a Prayer My Way" an. Es erscheint am 18. April bei Matador. Die Idee, zusammen ein Country-Album zu machen, kam bereits 2016 auf, als sie ihre erste gemeinsame Show spielten. So entstand ein Werk, das wie alle beständigen Country-Alben daran erinnert, dass niemand auf dieser Welt allein und Musik ein verlässlicher und steter Begleiter ist. "Send a Prayer My Way" enthält zwölf Song von radikaler Empathie, in denen zweite und auch dritte Chancen gewährt werden und es bei allem Ringen und Bedauern auch Humor und Widerstand gibt. Mit der Ankündigung des Albums erscheint die neue Single "Sylvia", eine Hommage an einen Wegbegleiter ganz besonderer Art. Torres berichtet: "An dem Morgen, an dem ich loswollte, um Sylvia aus dem Tierheim zu holen, machte ich mir zu Hause noch einen Kaffee und schaltete das Radio ein. Dolly Partons "Cracker Jack" lief. Ich brach in Tränen aus - es fühlte sich an, als würde das Universum mir sagen, dass sie mir gehören würde - dabei war Sylvia nur als Pflegehund vorgesehen. Ich weiß noch, wie ich dachte, dass ich gerne einen Song wie diesen schreiben würde, einen Song, den die Menschen innerhalb von fünf Sekunden nach dem Einschalten im Innern spüren können. Denn jeder, der schon einmal die Ehre hatte, sein Zuhause mit einem heißgeliebten Haustier zu teilen, weiß, dass es zur Familie gehört." Den ersten Vorgeschmack auf ihr neues Album hatten Julien Baker & Torres bereits vor einem Monat mit einem Auftritt bei Jimmy Fallon gegeben. Dort spielten sie ihre Debütsingle "Sugar in the Tank". Der Song berichtet von Erfahrungen beim Aufwachsen als queere Person in den Südstaaten. Er spiegelt nicht nur die Liebe der beiden zur dort tief verwurzelten Country-Musik wider, sondern transportiert auch die Traditionen und die Ikonographie des Genres ins Hier und Jetzt. "Send A Prayer My Way" ist ein Country-Album, geschrieben und gesungen in bester Outlaw-Tradition - trotzig, subversiv und entschlossen, trostspendend und aufrichtig.

Release 18.4.2025

Das zweite neue Beirut-Album innerhalb von nur zwei Jahren und die Fortsetzung eines weiteren, charakteristisch produktiven Kapitels für Zach Condon. Nach einem halben Jahrzehnt, das er damit verbrachte, sich von hartnäckigen Halsproblemen und einem drohenden mentalen Zusammenbruch zu erholen - was ihn daran zweifeln ließ, ob er jemals wieder vor Publikum auftreten würde - folgt "A Study of Losses" auf "Hadsel", das "einen neuen Anfang für Beirut" markierte, so lobte Pitchfork und nannte es "eine aus Verzweiflung und Einsamkeit geborene Platte, die sich dennoch voller Leben anfühlt". Während sich "Hadsel" um eine gewaltige, antike Kirchenorgel drehte, die Condon während eines dunklen arktischen Winters in Nordnorwegen entdeckte, wird "A Study of Losses" durch Streichquartette und Arrangements der Cellistin und "No No No"-Mitarbeiterin Clarice Jensen aufgehellt. Geschrieben und aufgenommen von Zach Condon in Berlin (DE) und Stokmarknes (NO), wobei die Wurzeln des Albums in Schweden und Deutschland liegen, erweitert "A Study of Losses" auch die weite Welt, die er durch die Musik von Beirut aufgebaut hat, seit er das Projekt als neugieriger und umherziehender 14-Jähriger begonnen hat. "Als ich zum ersten Mal angesprochen wurde, einen Soundtrack für einen Zirkus zu schreiben, kam zunächst ein gewisses Trauma der 'Elephant Gun'-Ära hoch", erklärt Condon, als er Ende 2024 ‚Caspian Tiger' von "A Study of Losses" vorstellt. "Ich war jahrelang in eine Schublade gesteckt worden, in der ich ein skurriles Zirkuskind war, voller sepiafarbener Bilder von Groschenromanen und vielleicht Löwendompteuren mit Schnurrbärten. Es hätte nicht weiter davon entfernt sein können, wie ich mir die Musik vorstellte, die ich machte. Es ist also eine Ironie, dass ich das Projekt von Kompani Giraff so verlockend fand."

Release 18.4.2025

Melvins 1983 ist die rohe und ungefilterte Inkarnation der legendären Band um Buzz Osborne und Original-Melvins-Schlagzeuger Mike Dillard. Das erste in dem Setup aufgenommene Album seit vier Jahren (das dritte insgesamt) besitzt einen besonderen Glanz , auch aufgrund des bombastischen Raum-Sounds, in dem sich die fünf Songs (drei davon sind zwischen 8 und 11 Minuten lang) abspielen. Gerade bei den ausufernden Songs zeigen die Melvins ihre Qualitäten mit brillianten Wechseln zwischen growlender Verhaltenheit und bissigem Zugriff. Die beiden Elektronik-Künstler Void Manes und Ni Maîtres tragen mit ihrem unkonventionellen Einsatz von Electronik zum besonderen Charakter (v.a. bei "Short HAir with a Wig") dieses von Toshi Kasai in den Sound of Sirens Studios aufgenommenenen Albums bei.

Release 18.4.2025

Gegründet 2017 in Bristol, hat die vierköpfige Band bisher ein Album veröffentlicht "All Gas No Brakes" sowie eine Reihe von EPs, allesamt bei Balley Records, dem Label von IDLES, mit denen die Band eine enge Freundschaft verbindet. Sie waren zusammen auf Tour und haben sogar eine gemeinsame Split 7" veröffentlicht. Auch als Support für The Oh Sees, Portishead und Metz konnte man Heavy Lungs schon bestaunen. Iggy Pop spielt ihre Songs regelmäßig in seiner Sendung auf BBC 6Music. Heavy Lungs berufen sich auf verschiedene Referenzen - von Danny Brown bis zu Iggy's Stooges -, die Hinweise auf ihren Sound geben können oder eben auch nicht. Sie beschreiben sich selbst schlicht als „eine laute Band aus Bristol“. Ihr zweites Album , das innerhalb von 10 Tagen in den Humm Studios aufgenommen wurde, besteht aus 11 Songs und zeigt die erstaunliche Fähigkeit der Band, nicht nur in einen Groove einzutauchen, sondern auch heftig aus ihm herauszuspringen.

Release 11.4.2025

Das erste Album des Projekts von Justin Vernon seit sechs Jahren enthält eine Liebesgeschichte, die mit üppiger, strahlender Popmusik unterlegt ist. Während das Album mit der verletzlichen Entlastung der im letzten Herbst erschienenen "SABLE," EP beginnt, geht das Triptychon nahtlos in eine neue, neunsongige Saga über, in der aus einer Person zwei werden, Dunkelheit sich in lachsfarbene Schönheit verwandelt und Traurigkeit in unbändige Freude umschlägt. Während "Sable" eine karge und einsame Abrechnung mit einem Schmerz ist, der lange die Vergangenheit bestimmte, blickt "Fable" in eine lebendige Zukunft voller Licht, Sinn und Möglichkeiten. Das Album wurde von Justin Vernon und Jim-E Stack produziert und hauptsächlich in Vernons April Base in Wisconsin aufgenommen, nachdem das Studio während einer Renovierung jahrelang still lag. Das Konzept für das Album entstand am 22.2.22, als Stack mit Danielle Haim dort eintraf. Mehrere Tage lang eingeschneit, vereinten sich Vernons und Haims Stimmen auf "If Only I Could Wait", einem Duett mit entscheidender Perspektive, in dem es darum geht, dass man nicht die Kraft hat, die beste Version von sich selbst außerhalb des Glühens einer neuen Liebe zu sein. Wenn "Sable" der Prolog war, ein Prolog in der Dunkelheit, eine kontrollierte Verbrennung, die den Weg für neue Möglichkeiten ebnet, dann ist "Fable"das Buch, das folgt. Wo "Sable" ein Werk der Einsamkeit war, ist "Fable" eine ausgestreckte Hand. Strahlende, verschnörkelte Popmusik umspielt Vernons Stimme, während er sich auf eine neue und schöne Ära konzentriert. Bei jedem Lied sind seine Augen auf eine bestimmte Person gerichtet. Es ist Liebe, was bedeutet, dass in "Fable" eine intensive Klarheit, Konzentration und Ehrlichkeit herrscht. Es ist das Porträt eines Mannes, der von dieser ersten Begegnung überflutet und überwältigt ist ("Everything Is Peaceful Love"). Es ist ein Tableau, das von Sex und unbändigem Verlangen geprägt ist ("Walk Home"). Ein Mann, voller Licht und Tatendrang, der eine ganze Zukunft vor sich sieht. Verliebtheit hat etwas unbestreitbar Heilendes an sich, und die intensive Klarheit, Konzentration, Ehrlichkeit und Feierlichkeit, die sie in diese Songs bringt. Doch der Schatten von "Sable" liegt noch immer in der Luft, und alte Gefühle können zurückkehren, selbst wenn man sich die Mühe gemacht hat, neu anzufangen. Wie in einer Fabel vermittelt jeder Track eine Lektion, und in "Fable" geht es um den selbstlosen Rhythmus, der erforderlich ist, wenn man mit einer anderen Person oder einem Liebhaber verstrickt ist. Der vorletzte Song - und im weiteren Sinne das ganze Album - ist ein Versprechen. Er ist bereit, diesen Rhythmus zu finden.

Release 11.4.2025

Sie sind die relevanteste Band, die der US-Punk in den letzten Jahren hervor gebracht hat. Ihr Debutalbum war schon eine Erleuchtung, das auch von der liveartigen Aufnahmeatmosphäre lebte. Die Songs des zweiten Albums wurden zwar separat aufgenommen, besitzen aber dieselbe Form der Dringlichkeit. Der Sänger und Songwriter Gregg Deal, ein Native American, steht im Mittelpunkt mit seinen sehr gut verständlichen, oft mehr gesprochenen als gesungenen Texten, die ihre Inhalte und Kritik an der white caucasian american race zumeist auf Geschichten aus seiner erlebten Lebensumgebung beziehen. Dabei macht er mit seiner scharfen Zunge und hervorragender Ausdruckskraft in seinen Worten nicht Stop vor sogenannten amerikanischen kulturellen Errungenschaften, John Wayne-Western-Attitüde, Der mit dem Wolf Tanzt-Kritik und jeglicher Form von Rassismus, Kolonialismus, Unterdrückung und kapitalistischer Ideologie. Es ist die Desilluionierung des amerikanischen Traums aus Sicht eines Mitglieds einer Minderheit in einer musikalisch exzellent ausgewogenen Mischung aus MDC-artigen Punk-Hardcore-Songs, Riot´n Pogo-kompatiblen Abgehmonstersongs wie dem fantastischen "My Spirit Animal ate your spirit animal", von Tribal Drums und Trümmerbass und Pickgitarre begleiteten Spoken Word-Songs wie dem nicht minder atemberaubenden "The Caucasity" und ähnlich auf den Textvortrag ausgerichetete, atmosphärische, im Bereich Postrock und Jamrock verankerbaren Songs. Dead Pioneers verbinden die konfrontativen Texte von Rage Against The Machine, die unverblümte Stimme von Chuck D und Public Enemy, das Geschichtenerzählen von Johnny Cash, die Entwicklung von IDLES und Punk-Größen wie Black Flag, Rollins Band und Dead Kennedys.

Release 11.4.2025

Erstes neues Album nach 16 Jahren! Masters of Reality befinden sich in einer ständigen Entwicklung. "Dieses Album brach absichtlich mit dem härteren Riff-Rock, den wir über drei Jahrzehnte lang dominiert haben", sagt Chris Goss. "Das ´Stoner- und Desert-Rock´-Riffing war ein Grund für Masters of Reality, auf diesem Album auszubrechen und unseren Blues für eine Minute in einem anderen Licht zu präsentieren. Blues ist keine Drei-Akkord-Riff-Progression. Er ist das Leben selbst. Ich kann mit Leichtigkeit tausend schwere Riffs auf Knopfdruck liefern. Aber ich wage es zu bezweifeln, dass jede selbsternannte Heavy-Riff-Band die Eier hat, einen solchen Curve Ball zu werfen, wie wir ihn mit diesem Album geworfen haben."

Release 4.4.2025

Preacher's Daughter ist das Debüt-Studioalbum der amerikanischen Singer-Songwriterin und Plattenproduzentin Ethel Cain aus Tallassee in Florida.Das Album wurde vollständig von ihr selbst produziert, mit Unterstützung von Matthew Tomasi bei zwei Stücken.

»Insgesamt machen Ethel Cains bezaubernde Lyrik und ihr kraftvoller und transzendenter Gesang das Hören von ›Preacher's Daughter‹ zu einer ungemein emotionalen und spirituellen Erfahrung, die ich jedem ans Herz lege, sich selbst anzuhören.« (The Bubble)

Release 4.4.2025

Das Universum hat alles in ihrer Macht stehende getan, um dieses Album zu verhindern: die harte Hand des Kapitalismus geschwungen, Nachwuchs hervorgerufen, gar Siechtum ins Leben gesandt. Genützt hat es alles nichts, denn das Prinzip Freundschaft und zweieinhalb Hände voller Lieder waren stärker. Kurzum: Herrenmagazin veröffentlichen nach neun Jahren Pause ein neues Album. Wieso tun sie das? Um einen Punkt zu setzen? Eine Klammer zu schließen? Einen Strich unter irgendetwas zu machen? Vielmehr geht es um die Freude an der Musik und an der gemeinsam verbrachten Zeit. So einfach kann es sein und ist es diesmal auch

Release 11.4.2025

Im hiesigen Indie-Punk-Kontext gab es in den letzten Jahren kaum einen Weg, der nicht an Kochkraft durch KMA aus Duisburg-Marxloh vorbeigeführt hätte. Ob bei zahlreichen eigenen Shows oder noch mehr Festivalauftritten, oder auf Touren zusammen mit so unterschiedlichen Bands wie Team Scheisse, Kettcar, Das Lumpenpack, FJØRT oder Adam Angst - Die Kochkraft war immer da und ist eine von den Bands, die am Ende jede Person im Raum mitnimmt. Musikalisch gibt es aufgebracht-hektischen, deutschsprachigen Elektro-Punk mit Neo-NDW-Elementen, vieeeel Energie und coolen, kratzigen Vocals voll Haltung, die von Sängerin Lana Giese geliefert werden. The next big thing?

Release 4.4.2025

Das neue Album ist ihre erste Studioveröffentlichung seit ihrem Album, „Ants From Up There“, aus dem Jahr 2022, neben ihrem für den Mercury Prize nominierten Debüt, „For The First Time“ und folgt auf „Live At Bush Hall“ aus dem Jahr 2023. Jetzt, auf dem dritten Studioalbum, beginnt die Band wieder von Grund auf und vollzieht eine weitere wundersame musikalische Verwandlung. Das lang erwartete neue Album wurde von James Ford (von Simian Mobile Disco, der u.a. bereits mit Arctic Monkeys, Depeche Mode und Blur zusammenarbeitete) produziert und zeigt Black Country, New Road in einer neuen Form, in der die Gesangsaufgaben - und der Großteil des Songwritings - zwischen Tyler Hyde, Georgia Ellery und May Kershaw aufgeteilt sind. „Forever Howlong“ ist ein ehrgeiziges, detailliert ausgearbeitetes Album, das von Folk über Prog und Barock-Pop bis hin zu einem Hauch von Alt-Rock alles enthält - mit Anklängen an Joanna Newsom, Randy Newman, Fiona Apple und Janis Ian - und dabei doch diesen unverwechselbaren, einzigartigen Sound beibehält, den nur diese Kombination von Musiker:innen hervorbringen kann. Obwohl das Album sehr vielfältig und umfangreich ist, fühlt es sich auch sehr kohärent und fokussiert an, da es drei verschiedene Stimmen und Stile aufnimmt und sie nahtlos in einen neuen kollektiven Sound einfließen lässt.

Release 4.4.2025

Nicht nur Annika Henderson´s wiederum einmalige Stimme und der an Nico erinnernde Gesangsstil überzeugen absolut, sondern auch die musikalische Einbettung und das mit einem rebellischen Geist versehene Songwriting. Auf dem live in den legendären Hansa Studios in Berlin aufgenommenen Album öffnen sich neue Räume und die Intensität des Ausdrucks wurde dank der tight agierenden Band nochmal gesteigert. Electronic spielt überhaupt keine Rolle mehr in den mit Gitarre, Bass und Schlagzeug instrumentierten Songs, die sich entlang Post Punk, Indierock, Shoegazer und manchmal auch krautigem oder motorischem Rock oder auch Grunge bewegen. Die Zeit scheint dank des speziellen unmittelbar auf die Hörer einwirkenden Verve der Aufnahme oft still zu stehen. Das Album besitzt eine rohe, emotionale Kraft. Anika kanalisiert ihre Frustration, Wut und Verwirrung über die Welt. "One Way Ticket" kritisiert den Aufstieg des Faschismus, während "Hearsay" sich mit der Spaltung durch Fake News auseinandersetzt und Anikas Entschlossenheit offenbart, sich mit den komplexen Gegebenheiten unserer Zeit auseinanderzusetzen. "Abyss" befasst sich auch mit den intensiven Spannungen zwischen der Linken und der Rechten in der heutigen Gesellschaft und erforscht die Komplexität menschlicher Unvollkommenheit.

Release 4.4.2025

Dreiundfünfzig Jahre, nachdem er mit dem Debütalbum von Roxy Music seine Visitenkarte abgab, ist Ferrys neuestes Projekt eine ebenso unerwartete Überraschung. Einerseits ist Loose Talk sein erstes Album mit neuer Musik seit Avonmore von 2014. Andererseits ähnelt wenig hier, von den Klängen und Formen dieser Musik bis hin zu ihrer Verwendung, irgendeinem früheren Bryan Ferry-Album. Andererseits - und das ist die dritte Seite - ist es auch ein Stück, das tief in seinem Werk des letzten halben Jahrhunderts verwurzelt ist.

»Ein Gespräch zwischen zwei Künstlern«, so beschreibt Amelia Barratt, eine der beteiligten Künstlerinnen, Loose Talk. »Wir haben gemeinsam etwas geschaffen, das keiner von uns allein schaffen könnte«, fügt Bryans Ferry, ihr Partner in diesem kreativen Austausch, hinzu. »Und für mich scheint sich dadurch ein ganz neues Kapitel meiner Arbeit aufgetan zu haben.«

Release 4.4.2025

In dieser Post-Sounds-Welt haben sich die Grenzen des Post-Punk nicht nur erweitert, sondern auch aufgesplittert. Und im Laufe von (mittlerweile) vier Veröffentlichungen haben Index For Working Musik diese weitläufigen Grenzen mit großer Wirkung genutzt, indem sie ein Polyglott von Stilen einsetzten, um die Sprache des Augenblicks zu vermitteln.

Auf »Which Direction Goes The Beam« wurde die düstere, ferne Atmosphäre, die Indexé 2023 ausmachte, weiter ausgebaut und umfasst alles, vom Brian Aldiss-geschwängerten, erdigen Blitzschlag von Dome bis hin zu den kammerartigen Arrangements von This Kind Of Punishment. Es gibt sogar eine flackernde Kerze im Fenster für Think Fellers Union Local 282, die diese Ohren erwärmt. Und wenn man ein Fan der großartigen holländischen Band Trespassers W ist (wer ist das nicht?), dann ist das kollektive Bewusstsein, das IFWM hier zum Ausdruck bringen, ein ähnliches Zeugnis einer Band, die immer sicherer wird in ihrem Bestreben, nicht nur alle Wege zu kennen, sondern auf dem Weg nach draußen auch ein paar eigene zu finden.

Und es sind anspruchsvolle Veröffentlichungen wie »Which Direction Goes The Beam«, die uns bei der Stange halten. Mögen sie lange schmieden. - Tom Lax. RIYL: Brian Jonestown Massacre, Velvet Underground, TOY, John Cale, Wire, Dome

Release 4.4.2025 - Vinyl am 18.4.2025

Polo & Pan feiern ihr grosses Comeback mit „22:22“, ihrem dritten Album mit prestigeträchtigen Kooperationen mit Metronomy, Beth Ditto, Kids Return und PawPaw Rod. Zwischen Elektro, Disco und Pop offenbart das Album ein faszinierendes Klanguniversum, das den Hörer in eine Welt eintauchen lässt, in der die Nacht ihre eigene Poesie diktiert. Das Duo wird im Rahmen einer ausverkauften Tour, die auch zwei Termine im Olympia umfasst, kreuz und quer durch Europa reisen, bevor es zu einer internationalen Tour aufbricht, die unter anderem das prestigeträchtige Coachella Festival einschliesst.

Release 4.4.2025

Wie so viele Coming-of-Age-Geschichten mit nachhaltigem Eindruck spielt das neue Album der Brooklyner Band Momma in einem bezaubernden und turbulenten Sommer. "Welcome To My Blue Sky" wurde mit der gesamten Band live im Studio aufgenommen und von Bandkollege Aron Kobayashi Ritch produziert. Mit Hilfe des Drummers Preston Fulks gelangen Momma 12 kraftvolle Songs, die die rohe Dringlichkeit des Rock mit den eindringlichen Melodien und straffen Arrangements des Pop kombinieren – eine Dynamik, die aus ihrem Engagement entstand, das direkteste Ventil für ihren emotionalen Ausdruck zu finden. Jeder Track ist zugleich geteilte Erinnerung, gemeinschaftlicher Erguss und fesselnder Reisebericht voller Selbstbewusstsein und Sensibilität. Das Ergebnis ist ein mutiger Sprung nach vorne für eine der kreativsten, kompromisslosesten und einzigartigsten Stimmen im Indie-Rock.

Release 28.3.2025

Mit "Glory" veröffentlicht Mike Hadreas aka Perfume Genius sein siebtes Studioalbum. Zusammen mit seinem Partner Alan Wyffels und Produzent Blake Mills ist eine Platte entstanden, die nach außen hin strahlt, in seinen makabren Bildern und seinem aufgewühlten Innern aber das Tor in eine Welt von Entfremdung, Sehnsucht und Verlangen aufmacht. Es ist der Konflikt zwischen dem Außen und dem Innen, der Hadreas beschäftigt, der Widerspruch zwischen einem künstlerischen Leben in der Öffentlichkeit und dem Wunsch nach Isolation. In seinen Charakterskizzen betrachtet der US-Künstler mit der Sorgfalt eines Schriftstellers Szenen von Freundschaft, Verlangen und Intimität durch eine queere Prima, während er sich musikalisch geöffnet und in seinem Songwriting-Prozess mehr Raum für Gruppendynamik gelassen hat: "Es ist auf eine Weise kollaborativ, die es besser macht", so Hadreas, "aber auch beängstigender - es fühlt sich verletzlicher an". Dass Glory dennoch ein zutiefst persönliches Album geworden ist, liegt auch daran, dass Hadreas seine eigenen Ängste vor dem Hintergrund der Entwicklung einer den Zeitgeist durchdringenden, allgemeinen Paranoia reflektiert. Mit seinen fein gesponnenen Tracks wirkt "Glory" beizeiten wie eine Kollektion neuer Standards für queere Romantiker und alte Seelen im Tumult der Gegenwart.

Release 28.3.2025

Neues Album von Lucy Dacus, die als "eine der besten Songwriterinnen ihrer Generation" (Rolling Stone) gilt.. Als Bandmitglied der Indie-Supergroup Boygenius gewann sie mit deren Debütalbum "The Record" drei GRAMMY® Awards. In ihrem vierten Soloalbum schreibt Lucy Dacus in ihren Songtexten offen über Sexualität und den Turbulenzen der Liebe. In 13 Tracks, die von komplexen Instrumentals-Arrangements bis hin zu minimalistischen Manifesten reichen, beschäftigt sich mit dem Thema Vergänglichkeit und dem Gefühl der "Unendlichkeit". Das Albumcover ist ein Porträt von Lucy, das von dem Künstler Will St. John gemalt wurde. Außerdem holte sich die Indie-Rock Sängerin bei "Forever Is A Feeling" nicht nur kräftige Unterstützung von ihren "Boygenius" Bandmitgliedern Phoebe Bridgers und Julien Baker, sondern auch von Folk Musiker Hozier, Blake Mills, Bartees Strange, Madison Cunningham, Collin Pastore, Jake Finch and Melina Duterte.

Release 28.3.2025

Seit fast vier Jahrzehnten halten Alison Krauss & Union Station ihr Vermächtnis als eine der einflussreichsten und am meisten gefeierten Bands der Bluegrass- und Roots-Musik aufrecht. Krauss ist eine 27-fache Grammy-Gewinnerin und wurde 2021 in die Bluegrass Music Hall of Fame aufgenommen.

Alison Krauss & Union Station, die für ihren makellos ausgearbeiteten, aber immer wieder überraschenden Sound bekannt sind, der die Grenzen von Roots, Country, Rock & Roll und Pop überschreitet, melden sich mit "Arcadia" zurück - ihrer ersten LP seit dem Meisterwerk "Paper Airplane" von 2011, das von der Kritik gelobt und mit mehreren Grammys ausgezeichnet wurde und auf Platz 1 der Billboard Country-, Bluegrass- und Folk-Album-Charts einstieg.

"Arcadia" wurde von Alison Krauss & Union Station produziert, mit zusätzlicher Produktion des 10-fachen Grammy-Preisträgers Gary Paczosa, der schon oft mit der Band zusammengearbeitet hat. Die Musiker - Alison Krauss (Fiddle, Leadgesang), Jerry Douglas (Dobro, Lap Steel, Gesang), Ron Block (Banjo, Gitarre, Gesang), Barry Bales (Bass, Gesang) und als neuestes Mitglied der hochgelobte und gefeierte Tenorsänger Russell Moore (Gitarre, Mandoline, Leadgesang) - sind fünf unterschiedliche Persönlichkeiten, von denen jeder auch eine florierende Solokarriere hat. Aber wenn sie zusammenkommen, verwandeln sie sich in eine unvergleichliche Gruppe von Musikern, die sich auf ein einziges Ziel konzentrieren.

Release 28.3.2025

Was ist ein "Boogie"? In der Umgangssprache ist es ein Tanz oder eine Gelegenheit zum Tanzen. Da es sich hier um ein Destroyer-Album handelt und nicht um den allgemeinen Sprachgebrauch, sind die Implikationen eines Titels wie "Dan's Boogie" verführerischer und gefährlicher zugleich. "Ein Boogie ist ein Täuschungsmanöver, ein Betrug, der nicht ganz funktioniert, die Bewegungen, die wir machen, wenn wir damit konfrontiert werden", erklärt Dan Bejar. "Ich denke an Spionage, Doppelagenten, die mit einem offenen Auge schlafen und die Ausgänge im Auge behalten. Aber ich denke auch an kleine Siege und Niederlagen auf der Straße und an Improvisation". Um "Dan's Boogie" aufzunehmen, musste Bejar eine Reihe von gewollten und ungewollten Hindernissen überwinden, um die Songs zu schreiben. Die Monate nach der Fertigstellung von "LABYRINTHITIS" wurden zu einem Jahr und dann zu zwei Jahren, in denen Bejar sich selbst den Neujahrsvorsatz gab, jeden Tag eine Stunde lang Klavier zu spielen. Das hat ungefähr vier Tage gedauert, aber die Songs, die Bejar als Ergebnis dieses Vorsatzes bezeichnet - darunter "Cataract Time", "Hydroplaning Off the Edge of the World", "Bologna" und "Dan's Boogie" - sind allesamt Destroyer-Songs aus dem breiten Spektrum, das Bejar und seine Mitstreiter für sich selbst geschaffen haben: Spektakuläre Pop-Epen, persönliche Piano-Balladen und schwelende Stimmungsbilder, die die Grenzen zwischen Song, Roman und Kino verschwimmen lassen, jedes voll von der Dringlichkeit eines Staatsgeheimnisses im Kopf eines gequälten Spions. Die Leadsingle "Bologna" ist der radikalste Rahmen für diese Energie, denn es ist das erste Mal, dass Bejar einen Song schreibt, in dem er sich selbst als Nebenfigur vorstellt. In der Hauptrolle ist Simone Schmidt von Fiver zu hören, deren Stimme - hart und ausdrucksstark, durchdringend durch die Düsternis der Szene - ein Sirenengesang ist, der das ganze Album durchdringt. Die Schwere ihrer Stimme ordnet "Dan's Boogie" um ein Gefühl des drohenden Untergangs herum, so wie das Versprechen einer Fatale auf das Ungewöhnliche und Ekstatische die Hauptfigur eines erotischen Thrillers zum Verhängnis wird. "Hydroplaning Off the Edge of the World" ist ein köstlicher Widerspruch, ein schwungvoller Song, der aus der Verwüstung entstand, die Bejar absichtlich mit sich selbst anrichtete. "We are now entering a new phase", intoniert Bejar und führt Schichten von Gitarren und Synthesizern ein, die die Palette erheblich verdunkeln, während er zwischen Gesang und Sprache wechselt. Der Nebel, der Bejar umgibt, wird durch die Reibung zwischen konkurrierenden Wahrheiten und Geschmäckern erhellt, etwa wenn sein Interesse an jazzigen Balladen auf das Interesse des Produzenten und Bassisten John Collins an Bands wie Led Zeppelin und Scritti Politti trifft. Als Bejar Collins erzählte, dass er an Sammy Davis Jr. dachte, entstand der Titeltrack, in dem Bejar mit fast wahnhafter Freude einen Rat Pack-Swagger vor einer verträumten Klangkulisse aus schwebenden Gitarren, üppigen Bläsern, Jazz-Drumming, spacigen Synthesizern und - vielleicht am ehesten dem Selbstverständnis Bejars entsprechend - einem klimpernden Lounge-Piano annahm. Das Herzstück von "Dan's Boogie" ist vielleicht "Cataract Time", ein achtminütiges Epos, das zu den schwersten Texten gehört, die Bejar je geschrieben hat, und eine der musikalisch komplexesten Kompositionen von Destroyer ist. Getragen von einem lässigen Groove, sind Bejars Texte verklärt, ihre Melancholie schmeckt fast widersinnig nach Hoffnung. Es ist ein intimer Song, der Destroyers übliches urbanes Fabel-Milieu gegen eine erfrischende Innerlichkeit eintauscht, aber sein beschwingter Groove lässt eine Zukunft erahnen, der Bejar und seine Band entgegenfiebern. Wo frühere Destroyer-Alben mit der Welt kämpften, tanzt "Dan's Boogie" mit ihr, und seine neun Träumereien verschmelzen zu einem einzigen langen Treiben. Dan Bejar mag die Ausgänge im Auge haben, aber er wird nicht so bald abreisen.

Release 28.2.2025

Die zweite LP auf Born Bad ist ein wohlproportionierte Klassiker und ein gutes Beispiel für den Stil, den das Trio verkörpert: live gespielte Instrumentalmusik, für Synthies und Schlagzeug. Das Album beginnt mit "No Cruise Control", einer großen, bösen Limousine, die sich mit 120 BPM mühelos durch die Gegend frisst. Kraut wie es sein kann, mit einem Twist. Und was den Funk angeht, so ist es nicht Bootsy Collins, aber ein Hauch davon ist zu spüren. Der Raum wird durch Synthesizer-Patterns strukturiert, für ein optimales Drumming: vorwärts, gerade und flüssig. Sie gönnen sich einen Abstecher nach Darmstadt, um ein wenig musique concrete an Bord zu nehmen: mechanische Vögel zwitschern, hier und da ein atonales Klavier. Nerds werden die Liner Notes zu schätzen wissen, in denen das verwendete Equipment detailliert beschrieben wird: etwa zwanzig Synthesizer und sie beschreiben es immer noch als minimal.

Release 28.3.2025

Mumford & Sons melden sich nach 7 Jahren Pause mit ihrem neuen Album zurück! Seit 2009 veröffentlichte die Band rund um Sänger Marcus Mumford vier Alben, die ihnen insgesamt zwei Brit Awards, 2 Grammys (u.a. für "Album Of The Year"), hohe Chartplatzierungen, Headliner-Auftritte bei Festivals (u.a. beim Glastonbury Festival) und weltweit ausverkaufte Touren bescherte. Benannt nach dem Londoner Vorort, an dem sie sich als Band zusammenfanden, führt "Rushmere" zurück zu ihren Ursprüngen und glänzt mit dem charakteristischen Folk-Rock, der Fans seit 16 Jahren begeistert.

Release 28.3.2025

Die 9-köpfige (meist) instrumentale Combo aus San Diego lenkt auf ihrem neuen Album ihre "introspektive Partymusik" in neue klangliche Gefilde. Während ihr Breakbeat-lastiger Funk-Soul-Jazz immer noch Eckpfeiler ihres Sounds ist, haben sie jetzt aber auch Einflüsse von Library-Musik, Spiritual Jazz und exotisch angehauchten Jazz-Künstlern wie Cal Tjader und Dorothy Ashby aufgenommen und beschwören die Geister von Freddie Hubbard, Phil Ranelin, Wendell Harrison, Bubbha Thomas, Chester Thompson und sogar Cannonball Adderley in seiner kopflastigsten und kosmischsten Zeit herauf, ohne dem Funk untreu zu werden.

Release 28.3.2025

In den letzten Jahren hat sich Sam Akpro zu einem der hellsten Talente der florierenden britischen Alternativszene entwickelt. Der aus Peckham im Süden Londons stammende Musiker verbindet Elemente von Post-Punk, Wave, Dub, Jazz und Trip-Hop mit einer faszinierenden Bandbreite an Einflüssen (von Joy Division bis SAULT, über Miles Davis, Talking Heads, Cocteau Twins, Dean Blunt, Fela Kuti, Frank Ocean). Unscharf, launisch und manchmal verträumt, zeichnet »Evenfall« ein erfrischendes Bild des Lebens in den Londoner Vorstädten in den Zwanzigern. Es ist das Licht, die Dunkelheit und das langsame Vergehen der Zeit in einer vollendeten, Genre-defizierenden Kunstform. Mit diesem wunderschönen Debüt ist Sam Akpro dazu bestimmt, im Jahr 2025 den Durchbruch zu schaffen.

Release 28.3.2025

»Field of Lights«, das dritte Album von Regener Pappik Busch, ist von maximaler Unmittelbarkeit geprägt. Durch die Triobesetzung mit Klavier, Trompete und Schlagzeug entsteht ein harter Sound, etwas Karges, Sprödes in der Musik, durch das sich Räume öffnen. Die Musik hat Platz zu Atmen.

Wir hören auf »Field of Lights« Klassiker wie »All Alone« und »Billie’s Blues« von Billie Holiday und Mal Waldron, »Nostalgia In Times Square« von Charles Mingus und eine äußerst raffinierte, pointierte Version von Thelonious Monks »Bye-Ya«.

Das Jazz-Trio verschiebt den Schwerpunkt seines Repertoires mit diesem neuen Album in Richtung Cool Jazz und Post Bop und stellt erstmals drei eigene Stücke vor.

Release 28.3.2025

Seit etwas mehr als zwanzig Jahren gehören die Schwestern Bianca und Sierra Casady zur musikalischen Avantgarde der experimentellen Popmusik und haben die Liebe, die Härte und die Ekstase ihrer Schwesternschaft in eine der gewagtesten, gefährlichsten und originellsten Musiken verwandelt, die unsere zunehmend hygienisierte Kultur kennt. CocoRosie war ein Projekt, das stets an der musikalischen Spitze stand, zahllose Musiker beeinflusste und zugleich Inspiration und wichtiger Teil der "Queer Culture"-Bewegung und vor allem aber ein Kanal für eine unbändige künstlerische Selbstverwirklichung gewesen ist. "Little Death Wishes" ist so offen und zärtlich wie alles, was sie je geschaffen haben. Die Songs erzählen eine kaleidoskopische Geschichte über die generationsbedingte Härte von Frauen und die zerrütteten Realitäten ihres Lebens, über die prekäre und kostbare Natur des Menschseins, darüber, dass die Liebe Unrecht tut, und über einen letzten Wunsch, ungebrochen zu sein. CocoRosie bringt alles auf den Punkt: Schmerz wird zu Wissen, Schwesternschaft zu Polemik und Kitsch und Klischees werden zu neuen Wahrheiten. Der 8. Longplayer des Duos existiert in seinem eigenen musikalischen Lexikon und ist ein reichhaltiges Sammelsurium an verstaubten Signifikanten der Popkultur, die die Schwestern zu ihrem eigenen Sinn für Zeitlichkeit verdrehen. CocoRosie tragen zur Avantgarde bei, halten sich aber nicht an zeitgenössische Trends und sammeln musikalische Überbleibsel aus anderen Zeiten, die sie zu ihren eigenen barocken, theatralischen Kreationen verarbeiten. Jeder Song auf "Little Death Wishes" fühlt sich transportativ und transformativ an. "CocoRosie ist nun schon so lange der Mittelpunkt unseres Lebens", sagt Bianca. In diesen Jahren wurden die Schwestern infantilisiert und verehrt, fetischisiert und gespiegelt, misogynisiert und verehrt; manchmal absichtlich missverstanden von der Presse, die es nicht geschafft hat, die Gruppe auf eine perverse Laune zu reduzieren. Trotz alledem haben CocoRosie immer wieder die mutigsten und kühnsten Wege beschritten, indem sie die rohesten, unverhülltesten und zärtlichsten Stränge der Menschheit zum Vorschein brachten. Für Fans von Fever Ray, Grimes, ANOHNI, Devendra Banhart, Joanna Newsom, Eartheater, FKA Twigs, Mykki Blanco, Feist, Björk, Chappell Roan..

Release 28.3.2025

Auf ihrem ersten Album mit Alt-Pop-Hymnen - "When I'm Alone" (2022) - hatte girlpuppy (geborene Becca Harvey) oft das Gefühl, im Schatten ihrer Mitstreiter zu stehen. "Sweetness" entstand auf der anderen Seite einer Beziehung, in der sie sich oft an den Rand gedrängt fühlte. Für die 25-jährige Singer-Songwriterin aus Atlanta war "Sweetness" das richtige Projekt, um ihre kreative Herangehensweise zu überdenken und ausschließlich mit ihren eigenen lyrischen und melodischen Ideen zu arbeiten. Das Ergebnis dieses Prozesses ist ein dunkleres, textlich weitläufigeres Album als sein Vorgänger, voller herzzerreißender Songs über das Zurückdrängen von Selbstvorwürfen und Zweifeln. Von den kraftvollen Klängen über die natürlich fließenden Melodien bis hin zu den emotional großzügigen Texten strahlt jedes Element von "Sweetness" Zuversicht aus und zeigt, dass Harvey die rohe Kreativität genießt und ihren Neigungen vertraut. Das Album spielt sich in dem Moment ab, auf den alle Künstler warten: wenn ihre "Stimme" so klar wird, dass sie einfach den Mund aufmachen und anfangen können zu sprechen. Befreit von der nagenden Unsicherheit, dass sie keine Songwriterin sein kann, ohne ein Instrument zu spielen - sie nennt Matt Berninger von The National als Inspiration - begann Harvey für "Sweetness" mit der Aufnahme von Acapella-Stimmnotizen in voller Länge. Um einen Hintergrund für den Gesang zu finden, griff Harvey auf ihre vielfältigen, lebenslangen musikalischen Bezugspunkte zurück, von der Country- und Top-40-Popmusik, mit der sie in der Kleinstadt Georgia aufgewachsen ist, bis hin zu ihren späteren Lieblingsliedern, die ihre Vorstellung davon, was Songwriting erreichen kann, erweitert haben: Elliott Smith, Lana Del Rey, Yo La Tengo und mehr. Mit Hilfe des in Asheville ansässigen Produzenten und Co-Autors Alex Farrar und den weiteren Co-Autoren Tom Sinclair und Holden Fincher hat Harvey den Sweet Spot zwischen Shoegaze, Dream-Pop und Pop-Rock-Hymnen der Jahrtausendwende ausfindig gemacht. Harvey mischt das Verspielte mit dem Zerstörerischen und schwimmt in "Sweetness" auf kathartischen Wellen von Emotionen und Monster-Hooks - eine Dynamik, die sie garantiert an die Spitze der furchtlosesten aufstrebenden Indie-Pop-Singer-Songwriterinnen von heute katapultieren wird.

Release 28.3.2025

Bria Salmenas Solo-Debütalbum erzählt eine Geschichte der Transformation - eine zutiefst persönliche Erkundung der Widerstandsfähigkeit und eine Erklärung der künstlerischen Unabhängigkeit, die durch Zusammenarbeit geschmiedet wurde. Lange Zeit als Frontfrau der kanadischen Post-Punk-Band FRIGS und als Sängerin in Orville Pecks Live-Band gefeiert, erreicht Salmena mit "Big Dog" den vorläufigen Höhepunkt ihrer künstlerischen Entwicklung. Getragen von ihrer souveränen Stimme, die abwechselnd zart, rau und trotzig ist, durchquert das Album das Terrain der Verletzlichkeit und Verbundenheit und markiert die Ankunft einer Künstlerin, die mutig zu sich selbst findet. "Big Dog" ist ein Album mit großen Gefühlen und großen Ambitionen. Musikalisch vereint es Elemente von hypnotischem Krautrock und schimmerndem Shoegaze, opulentem Gothic und pulsierendem Darkwave mit einer Mischung aus elektronischen Texturen zu einem ausgefeilten und oft unheimlichen Sound. Inmitten dieser weitläufigen Klanglandschaft stehen Salmenas kraftvolle lyrische Bilder und ihr großartiger Gesang im Mittelpunkt. Für Salmena ist es unmöglich, die persönliche Reise, die "Big Dog" darstellt, von der Zusammenarbeit zu trennen, die zu seiner Entstehung führte. Salmena arbeitete mit dem Produzenten und Multiinstrumentalisten Duncan Hay Jennings zusammen, der sowohl bei FRIGS als auch in der Band von Orville Peck spielte. Vor "Big Dog" gaben die beiden auf Brias zwei "Cuntry Covers" EPs klassischen und modernen Americana-Songs eine Gothic-Dream-Pop-Behandlung. Jennings, der nicht nur Salmenas engster kreativer Mitarbeiter, sondern auch ihr engster Freund ist, schrieb "Big Dog" mit Salmena über mehrere Jahre hinweg, in denen Salmena in LA und Jennings in Toronto lebte. Graham Walsh (Holy Fuck, METZ, Debby Friday, Alvvays) half den beiden, ihre aufkeimende Mischung aus Rock und elektronischer Musik weiter zu verfeinern, während Meg Remy (vom von der Kritik gefeierten experimentellen Pop-Projekt U.S. Girls) sich vor allem auf Salmenas Gesang konzentrierte. Remy half dabei, die unvergesslichen Darbietungen, die im Mittelpunkt von "Big Dog" stehen, durch eine Reihe von kathartischen Treffen herauszukitzeln und drängte Salmena dazu, noch tiefer in die Bedeutung ihrer Texte einzudringen und wirklich über verschiedene Möglichkeiten des Einsatzes ihrer Stimme nachzudenken. Als "Big Dog" zusammenkam, wurde deutlich, dass Salmenas Songwriting eine rohe und intime Wendung genommen hatte, die weit über die Arbeit von ihr und Jennings auf ihren vorherigen EPs hinausging. Der Sound von "Big Dog" schwebt zwischen zwei Welten, düstere Punk-Ehrlichkeit, die immer unter einer glänzenden Atmosphäre brodelt, die man nicht ignorieren kann. Es gibt Anklänge an den Alternative Rock - man denkt an Holes "Live Through This", The Distillers, Mazzy Star - und mit Lee Ranaldo von Sonic Youth steuert eine echte Alternative-Rock-Ikone die Gitarre zu "See'er" bei. Aber es gibt auch eine Geschmeidigkeit, die ebenso sehr an den Coldwave der 80er Jahre erinnert wie an ekstatische Formen der Tanzmusik. Salmenas satte Stimme ist allgegenwärtig, ein konstantes warmes Glühen in einem Geflecht aus mechanischen Klängen. In seinem Kern ist "Big Dog" mehr als nur eine Platte über die Entdeckung, wer man ist, indem man schmerzhafte Erfahrungen verarbeitet. Es ist eine Platte über die Entdeckung, dass man nie wirklich allein ist.

Release 21.3.2025

Es gibt wenige Gruppen, die nach 20 Jahren Bandgeschichte immer noch stolz zurückblicken können auf ein Gesamtwerk, das so konsequent innovativ ist wie auch von der Kritik gefeiert. Inszenierten sich The Horrors auf ihrem Debüt 'Strange House' von 2007 noch als Zeitgeist aufrüttelnde Garagen-Goths, schlugen sie auf dem Mercury-nominierten Nachfolger 'Primary Colours' eine scharfe Linkskurve in Richtung Shoegaze ein - von Anfang an bewegten sie sich frei zwischen Genres und Atmosphären. Das 2011 erschienene 'Skying' gewann den NME Award für das beste Album, 'V' wurde in einer Fünf-Sterne-Rezension des Guardian als „ein Triumph“ gefeiert, während die beiden EPs von 2021 - 'Lout' und 'Against The Blade' - mit ihrem bisher industriellsten und kompromisslosesten Output ein neues Kapitel aufschlugen. Mit ihrem sechsten Album 'Night Life' hat die Band einmal mehr eine neue Form angenommen, mit neuem Sound und diesmal auch neuer Besetzung, und bleiben so ganz die Alten.

Release 21.3.2025

Auf ihrem neuen Album ist die britische Formation auf zwei Mann zusammengeschrumpft und klingt in dieser reduzierten Inkarnation noch dringlicher als je zuvor. Frontmann Kingsley Hall prangert Missstände lauthals an, während Elektronik-Virtuose Robbie Major die Beats angibt. Wirkte der Vorgänger noch schwarz-weiß, erstrahlt die neue Platte in Technicolor - tanzbare Beats und Synthlines eröffnen den Rave, der in kürzester Zeit zu einem hochpolitischen Riot mutiert. Unterstützung gibt es dabei von Gästen wie Peter Doherty, Zera Tonin (Arch Femmesis), Neil Cooper (Therapy?), Shakk. Das Ergebnis ist ein Album, das von Underworld und Leftfield ebenso viel hat wie von The Streets oder den Beastie Boys in ihrer Blütezeit oder sogar von der Indie-Sleaze-Ära der 90er und frühen 00er Jahre!

Release 21.3.2025

Nach einem Jahrzehnt, in dem die Band das Beste aus improvisierten Aufnahmeräumen in Lagerhäusern, Wohnwagen und Lofts gemacht hat, ist "For Melancholy Brunettes (& sad women)", das vierte Album von Japanese Breakfast, die erste richtige Studioveröffentlichung der Band. Produziert von Grammy-Preisträger Blake Mills, zieht sich Frontfrau und Songschreiberin Michelle Zauner von der hellen Extrovertiertheit des Vorgängers "Jubilee" zurück, um die dunkleren Wogen zu erforschen, die in ihrem Inneren aufgewühlt sind, das launische, fruchtbare Feld der Melancholie, das seit langem als der psychische Zustand von Dichtern am Rande der Inspiration gilt. Das Ergebnis ist eine künstlerische Absichtserklärung: ein reifes, komplexes, kontemplatives Werk, das den romantischen Nervenkitzel einer Gothic Novel heraufbeschwört. "For Melancholy Brunettes (& sad women)" folgt einer transformativen Periode in Zauners Leben, in der ihr zweifach GRAMMY-nominiertes Durchbruchsalbum ‚Jubilee' und ihre Bestseller-Memoiren ‚Crying In H Mart' sie in den kulturellen Mainstream katapultierten und ihre tiefsten künstlerischen Ambitionen erfüllten. Als sie über diesen Erfolg nachdachte, erkannte Zauner die Ironie der Sehnsucht, die so oft Glückseligkeit und Verderben miteinander verbindet. "Ich fühlte mich verführt, das zu bekommen, was ich immer wollte", sagt sie. "Ich flog zu nah an die Sonne heran, und mir wurde klar, dass ich sterben würde, wenn ich weiterflöge". Das Schicksal von Ikarus und anderen Verdammten verleiht "For Melancholy Brunettes (& sad women)" sein beständigstes Thema: die Gefahren des Begehrens. Wie zerstreutes Licht führen seine spektralen Teile die Charaktere des Albums durch Zyklen von Versuchung, Übertretung und Vergeltung. In "Orlando in Love" - ein Riff auf John Cheevers Riff auf "Orlando Innamorato", einem unvollendeten Epos, das aus 68 Cantos des Renaissance-Dichters Matteo Maria Boiardo besteht - ist der Held ein gutmütiger Dichter, der sein Winnebago am Meer parkt und dem Ruf einer Sirene zum Opfer fällt, seinem 69. Canto (selbst im erhabenen Reich des klassischen Mythos hat Zauner ein Faible für Anspielungen). "Honey Water" lotet die stille Wut einer Frau aus, die mit einem untreuen Mann verheiratet ist und zusieht, wie er immer wieder der Lust nachgibt wie ein niederes Insekt, das seinen eigenen Untergang herbeiführt Traurigkeit ist in der Tat die dominierende emotionale Tonart dieser Platte, aber es ist eine Traurigkeit der besonderen Art: die nachdenkliche, vorausschauende Traurigkeit der Melancholie, in der die Erkenntnis des im Wesentlichen tragischen Charakters des Lebens mit Sensibilität für seine flüchtige Schönheit einhergeht. Zauner findet in ihr genügend Raum für Hoffnungsschimmer. Es sind die Tröstungen der Sterblichen, die Dichter vor ihr gerufen haben und die Dichter nach ihr immer wieder neu entdecken werden: Liebe und Arbeit, und obwohl sie sich wie stärkende Vorsätze durch die vielen Episoden des Albums ziehen, erklingen sie am deutlichsten im letzten Song, "Magic Mountain", einer Auseinandersetzung mit Thomas Manns berühmtem gleichnamigen Roman. Für sie fühlt sich jede Arbeit wie das Erklimmen eines Berges an, aber von der Spitze von "For Melancholy Brunettes (& sad women)" aus blickt sie in die Zukunft.

CD-Release am 18.4.2025

Mit Doechiis neuem Mixtape »Alligator Bites Never Heal« liefert die Rapperin, Sängerin und visionäre Künstlerin Doechii 19 Tracks, die an die wöchentlichen »Swamp Session«-Folgen anknüpfen, die das Internet mit auffälligen Visuals und ebenso fesselnden Bars in Brand setzten. Mit einem aussagekräftigen Mix aus Boom Bap, Rap und RnB zeigt Doechii wie vielseitig sie ist und überzeugt damit auch die größten Künstler ihrer Zeit:
»I love Doechii!« - Beyoncé (GQ) »The hardest out« - Kendrick Lamar (Instagram)

Das Projekt fängt ein seltenes Talent in seiner rauesten Form ein und gibt den Hörern 19 verschiedene Einblicke in ihre einzigartige Kunst.

Release 14.3.2025

Nach zwei gefeierten Solo-Projekten im Jahr 2022 und 2023 melden sich die Berner Rapper Tommy Vercetti und Dezmond Dez mit ihrem neuen Album «Ostbärn gseh und stärbe» zurück – einem Werk, das musikalisch wie inhaltlich für Furore sorgt. Was ursprünglich als locker-flockiges Mixtape im Stil ihrer Cheftape-Reihe geplant war, entwickelte sich zu einem facettenreichen Album, das sowohl Rap-Liebhaber begeistert als auch relevante gesellschaftliche Themen aufgreift.

Mit «Ostbärn gseh und stärbe» beweisen Tommy Vercetti und Dezmond Dez erneut, dass sie zu den spannendsten Stimmen im Schweizer Rap gehören. Sie vereinen sprachliche Raffinesse mit einem unbändigen Spaß an der Musik und sprechen dabei Themen an, die sowohl zeitlos als auch hochaktuell sind. Es ist ein Album, das Gesellschaftskritik, persönliche Reflexion und künstlerische Exzellenz auf einzigartige Weise kombiniert.

Release 14.3.2025

Das 42-minütige achte Album, bestehend aus zwei epischen Tracks-"Objects Outlive Us" und "The Overview" - ist inspiriert vom "Overview Effect", einem transformativen Erlebnis, das Astronauten beim Blick auf die Erde aus dem Weltall erfahren. Mit "The Overview" kehrt Wilson zu seinen progressiven Wurzeln zurück, einem Genre, das er maßgeblich mitgestaltet hat. Die beiden ambitionierten Stücke bestehen aus einzigartigen musikalischen Abschnitten, die nahtlos ineinander übergehen, und kombinieren klassische Prag-Elemente mit modernen Einflüssen wie Elektronik und Post-Rock. Die Texte, teils von XTCs Andy Partridge, erzählen Geschichten über die Schönheit und Herausforderungen des Lebens auf der Erde. Das Album spiegelt 30 Jahre Wilsons Karriere wider, mit Anklängen an Porcupine Tree, The Raven That Refused to Sing und The Future Bites. Speziell gemastertes Half-Speed-Vinyl.

Release 14.3.2025

Mit "Moonlight Concessions" kehren Throwing Muses zu ihren Wurzeln und abgedrehten Stärken zurück - dank Kristins gestochen scharfen Skizzen und ihren passend rauen musikalischen Arrangements. Das Album folgt auf ihr gefeiertes ,Sun Racket" aus dem Jahr 2020, ein berauschendes Werk voller harter und zarter Geschichten, gespickt mit surrealen Bildern. Das neue Album wurde von Kristin Hersh im Stable Sound Studio von Steve Rizzo in Portsmouth, Rhode Island, produziert und ist eine Sammlung von Schnipseln aus dem täglichen Leben - man denke an die Short Cuts von Raymond Carver, belauschte Gespräche, erzählte Begebenheiten und treffende Einzeiler, die alle zusammengefügt wurden, um die Zeit zu illustrieren, in dieser sie langsam heranreiften, gespickt mit dem Elan und der Kraft der Original Muses. "Drugstore Drastic" ist ein Selbstgespräch am Straßenrand auf dem Weg zu einem verlockenden Rendezvous. Aufgebaut auf einem flotten akustischen Strum mit einer Gitarren-Submelodie, die das Geschehen untermauert, ist es eine sich entfaltende Geschichte über soziales Bewusstsein aus einem verschwommenen Unterbewusstsein. Summer Of Love" begann als Wette mit einem Typen um einen Dollar, die sich um die Idee drehte, dass die Jahreszeiten uns nicht verändern. Der Opener des Albums ist eine eindringliche barocke Ouvertüre, gestrichen und grüblerisch. Die Streicher von 'Libretto' kompensieren das akustische Ambiente, das heiße und kalte Gefühl der Sehnsucht im Herzen des Stücks, ein thematischer Treiber, der mit Wärme in einem sicheren, von Tequila geschmierten Hafen abgelegt ist. "Moonlight Concessions" wurde in den unterschiedlichen Umgebungen der Südküste des Golfs von Mexiko und Südkaliforniens geschrieben und schöpft aus den Sternenhaufen, die beide beleuchten, und erzeugt Optimismus und Hoffnung in unterschiedlichem Ausmaß. Hersh erklärt: ,In New Orleans sehen die Sterne grünlich-blau aus, weil sie unter dem Meeresspiegel liegen und den Sumpf beleuchten. Aber am Moonlight Beach leuchten sie eisig weiß. All diese Songs wurden an diesen beiden leuchtenden Orten geschrieben, was unserem Sounddesign half, sich selbst zu finden.

Release 14.3.2025

Die beeindruckende Intensität von Derya und der psychedelische Soul von Grup Simsek mit der Produktion von Leon Michels haben ein herausragendes Album hervorgebracht, das das Genre mit einem breiten Appell und einer starken Botschaft herausfordert. Sie bezeichnen sich selbst als "outernational" und nicht als international, da sie sagen, dass dies einen Sound suggeriert, der umfassender oder "jenseits der Grenzen" ist. Derya, die singt und die Baglama spielt, ist in Deutschland geboren und hat türkische Eltern. Die Schlagzeugerin Helen Wells kommt über Südafrika nach Berlin, während der Keyboarder Graham Mushnik und der Gitarrist/Bassist Antonin Voyant beide Franzosen sind. Die kollektiven Einflüsse, die sie in die anatolische Musik einbringen, sorgen für einen völlig einzigartigen und frischen Sound, der das Genre sowohl vorantreibt als auch sein reiches Erbe verteidigt. "Yarin Yoksa", übersetzt "If There Is No Tomorrow", beschäftigt sich mit tiefem persönlichen Schmerz und kollektivem Widerstand. Die Texte sind poetisch und stützen sich stark auf symbolische Sprache, Metaphern und Erzählungen, während die Musik von Track zu Track wechselt, so dass jedes Stück für sich allein steht, aber als Album perfekt zusammenarbeitet. "Cool Hand", die erste Single, die im September 2024 auf Big Crown veröffentlicht wurde, ist ein wunderschönes Nebeneinander von Intensität und Unbeschwertheit mit einem durch und durch ansteckenden Groove. Die Botschaft ist poetisch und kompliziert. Immer wieder heißt es: "I love you, I'm crazy about you", aber letztendlich findet man Frieden, indem man ein gebrochenes Herz akzeptiert. "Direne Direne" ist ein Protestsong, der den Kampf und das unermüdliche Streben nach Gerechtigkeit verkörpert und die Menschen dazu ermutigt, sich der Unterdrückung zu widersetzen. Deryas Text erhebt sich über der Psych-Soul-Musikkulisse, während sich ihre Geschichte eines persönlichen Kampfes in einen universellen Aufruf zu Resilienz und Stärke verwandelt. Der langsame und gewichtige Vibe von "Yakamoz" lässt die Bedeutung des Textes auch für diejenigen erkennen, die kein Türkisch verstehen. Es ist ein zutiefst bewegender Song, der die tiefen Emotionen einfängt, die mit Vertreibung und Verlust verbunden sind, ohne zu wissen, ob man jemals zurückkehren wird. Der gleichmäßige Groove der Band zusammen mit dem gequälten Gesang zeichnet ein lebendiges Bild der Verwüstung, die die Protagonistin erlebt, die schließlich erkennt, dass ihre Wurzeln in ihr selbst liegen und jeder Ort, an den sie geht, ihr Zuhause ist. Neun der Stücke auf dem Album sind Eigenkompositionen, aber sie haben auch drei anatolische Volkslieder mit ihrem ihnen eigenen, unnachahmlichen Ansatz aufgenommen. Die Acapella-Einleitung von "Misket", einem Volkslied aus Ankara/Türkiye, beeindruckt zutiefst. Das Lied handelt vom Tod und davon, wie die Lebenden mit dem Tod umgehen und die Beziehung zu den Verstorbenen aufrechterhalten. Ein weiteres traditionelles Lied aus Sivas, das sie mit ihrem eigenen Sound versehen haben, ist "Hop Bico", ein Lied über eine verspielte Figur namens Bico, die ein Symbol für Vitalität und Geist ist. Das Synthie-Intro geht von der ersten Note an ins Ohr und der ohrwurmartige Refrain, der Bico ermutigt, die Gruppe zum Feiern zu führen und das Leben durch Tanzen zu umarmen, hat die gleiche Wirkung auf jeden, der ihn hört. Die Band hat einen großen Schritt nach vorne gemacht, was man auf "Yarin Yoksa" hören kann. Deryas Leidenschaft und Authentizität stehen im Vordergrund und die Musik ist zu bewegend, um sie zu verleugnen.

Release 7.3.2025

Debutalbum des neuen Projekts des umtriebigen Ex-Blackmail-Sängers Aydo Abay zusammen mit Thomas Götz (Schlagzeug u.a. bei Beatsteaks, Musa Dagh oder NinaMarie) und Sascha Wiercinski. Das Besondere: Sascha ist in der Musikszene bisher ein (fast) unbeschriebenes Blatt. Er seit 2017 macht der 50-jährige Wuppertaler Musik, bringt sich Instrumente und Produktion als Teil seiner Therapie autodidaktisch selbst bei. Seine instrumentalen Songs veröffentlicht er als "Old Nobody" über die Streamingportale, mehr als tausend Streams erreichen nur wenige der atmosphärischen Stücke. Als Fan von Aydos Werk schreibt Sascha den Sänger einfach über Facebook an, schickt ihm zwei seiner Songs, mit der Anfrage, ob er darauf singen möchte. Nach einer initialen Absage ist Aydo kurz darauf so fasziniert von Saschas Songs, dass er den Vorschlag macht, gleich ein ganzes Album gemeinsam aufzunehmen. Thomas Götz erklärt sich schnell bereit, die Schlagzeugspuren beizusteuern. Die Band nennt sich No Body, das Album entsteht zwischen Wuppertal und Berlin.

Release 7.3.2025

Der mit einem Grammy ausgezeichnete Singer/Songwriter Jason Isbell ist einer der angesehensten und gefeiertsten Künstler seiner Generation. Der aus Nord-Alabama stammende Künstler hat die unglaubliche Gabe, einige der tiefsten und doch einfachsten menschlichen Emotionen zu erkennen und zu artikulieren und sie in Form von Liedern in wunderschöne Poesie zu verwandeln. Isbell besingt die alltäglichen menschlichen Zustände mit nachdenklicher, tief empfundener und manchmal brutaler Ehrlichkeit.

Nachdem er mehrere Alben veröffentlicht hat und mit seiner Band The 400 Unit um die Welt getourt ist, wird er im Jahr 2025 einen Tempowechsel vornehmen. Isbell wird in diesem Winter und zu Beginn des Frühjahrs solo in historischen Veranstaltungsorten in Europa und den USA auftreten.
In Verbindung mit diesen mit Spannung erwarteten Shows wird Isbell ein neues Album veröffentlichen, auf dem nur seine Stimme und eine Akustikgitarre, eine Martin 0-17 aus Mahagoni von 1940, zu hören sein werden. Diese Aufnahmen sind ein weiterer Beweis für sein reines Talent als Songwriter und Musiker.

"Foxes in the Snow“ wurde von Gena Johnson und Jason Isbell produziert und in den Electric Lady Studios in New York aufgenommen.

Release 7.3.2025

"Wir sind alle mit harter Musik aufgewachsen. Für mich persönlich war das Hören von Künstlern wie Swans, Godflesh, Neurosis und Kiss It Goodbye in meinen 20ern in vielerlei Hinsicht kathartisch. Sich mit Leuten zu identifizieren, die eine ähnliche Weltsicht haben, die ihre Angst und Frustration in ein kreatives Ventil in Form von Kunst und Musik kanalisieren - das war wichtig.“ " Josh Graham spricht nicht nur über seine jahrzehntelange Karriere in der Heavy Music, zu der auch A Storm of Light, Battle of Mice und viele Jahre als visuelle Ein-Mann-Abteilung von Neurosis gehören. Er spricht auch über die Gründung von Guiltless, seiner neuen Band mit Bassist Sacha Dunable (Intronaut), Schlagzeuger Billy Graves (Generation of Vipers) und Gitarrist Dan Hawkins (A Storm of Light). Auf die Ohren gibt es bspw. bei "One Is Two" einen streng kontrollierten Meshuggah-Sound, verbunden mit dem "Lo-Fi"-Ansatz von Kiss It Goodbye oder den schwedischen Noise-Rock-Legenden Breach. Auf "In Starless Reign" mischen sie dissonanten Black Metal und donnernden Doom & dann wäre da noch der knallharte Titeltrack, der wie eine irre Mischung aus Jesus Lizard, Cherubs und Barn Owl klingt.

Release 7.3.2025

Auf ihrem zweiten Album wagt sich die keltische Jangle-Boyband in dunklere, persönlichere Gefilde vor, während sie gleichzeitig ihre höchst fesselnde Songkunst weiter verfeinert. Es ist ein wahres Level-Up-Album, auf dem die Band ihre Klangpalette erweitert, um eine kaleidoskopische Bandbreite an Einflüssen aufzunehmen: alles von gefühlvollem Pub-Rock (Chain Reaction) über Husker-Du-Aggression (One More Day) bis hin zu melancholischem Sophisto-Pop (Narcissist) kommt hier zum Tragen. Wie Pitchfork feststellte, sehen die Tubs den Jangle als eine "riesige Welt voller Stimmungen und Musen", und Cotton Crown zeigt, wie sie diese Welt weiter erforschen und dabei einen unverwechselbaren Tub-ular-Sound kreieren. Das liegt nicht zuletzt an der Gesangsleistung von Owen `O' Williams, der oft mit dem jungen Richard Thomson verglichen wird, und an seinen offenen, düster-komischen Texten. In "Cotton Crown" widmet er sich weiter seinen Lieblingsthemen, der Liebespsychose, dem unsympathischen Verhalten von Geisteskranken und den Demütigungen des Musikerdaseins in London. The Tubs sind Teil des Kollektivs Gob Nation, einem in London ansässigen Netzwerk von Bands, Schriftstellern und Veranstaltern, das kürzlich im Guardian vorgestellt wurde.

Release 7.3.2025

Die Stimmung spitzt sich zu wie die Gelnägel von Anna Maria Ferchichi. Ein Leben unterjocht von megalomanen Patriachiaten. Und wenn jetzt wer sagt, dass dieser Vergleich ein bisschen flach ist, dann antworten wir "stimmt!" Aber harte Zeiten fordern nun mal harte Worte. Hier folgen daher weitere harte Worte. Kauft das neue Team Scheisse Album "20 Jahre Drehorgel. 95% günstiger als eine Rheinmetall Aktie mit garantiertem return of investment (Anerkennung in der Peergroup). 15 kämpferische Lieder für Jung und Alt. Hier kommen alle auf ihre Kosten.

Release 7.3.2025

Der legendäre ehemalige Frontmann von Husker Du und Sugar liefert 11 Stücke hymnischen, emotionalen und treibenden Alt-Rock. Das Album enthält die Singles "Here We Go Crazy", "When Your Heart Is Broken" und "Breathing Room" und zeigt Bob in Höchstform.

Release 7.3.2025

Cari Caris drittes Studioalbum „One More Trip Around The Sun“ ist mehr als nur eine Sammlung von Songs: Es ist eine Hommage ans Älterwerden, eine Liebeserklärung an Familie und Freund:innen und das Versprechen, sich und den eigenen Werten treu zu bleiben – abseits von kurzlebigen Trends und dafür konsequent gegen den Strom.

Denn das österreichische Duo Cari Cari ist von Anfang an gegen den Strom geschwommen. Trotz der anstehenden Welttournee mit Konzerten in Europa und den USA im Frühjahr 2025 und Lobeshymnen von BBC Radio 1, dem italienischen Rolling Stone („Cari Cari sind die größte Entdeckung des Primavera Sound Barcelona“) und NME bleibt die Band ein Familienunternehmen – ohne Plattenvertrag, Management oder Verlag. Stattdessen setzen die beiden Bandmitglieder Alexander Koeck und Stephanie Widmer auf DIY in seiner besten Form: Albumcover, Merchandise und Bühnenbild werden von Stephanie entworfen, die Musik wird im eigenen Studio aufgenommen, und den Onlineshop betreibt Stephis Mutter, die alles aus der Garage der Großeltern verschickt.

One More Trip Around The Sun“ ist das Ergebnis einer Sinnkrise, die sich aus der ständigen Jagd nach „mehr“ ergeben hat. „Es fühlt sich nicht wirklich anders an, ob 15.000 Menschen beim Southside Festival vor der Bühne stehen oder 500 Leute in einer kleinen Venue. Wir sind von einem Erfolg zum nächsten gejagt. Millionen Menschen hören jeden Monat unsere Musik, aber im Endeffekt hat sich gezeigt: Es sind Erlebnisse und Verbindungen, die zählen – nicht die Statistiken.“

Release 28.2.2025

In ihrer bisher zwölfjährigen Band-Historie veröffentlichten Nicolás Jaar und Dave Harrington, zusammen bekannt als DARKSIDE, die beiden Alben ""Psychic" (2013) und ""Spiral" (2021). Mit ihrem langjährigen Freund und Kollaborateur Tlacael Esparza als neues Bandmitglied und Schlagzeuger kommt jetzt ihr drittes Album ""Nothing". Das Ergebnis ist faszinierend und vielschichtig. DARKSIDE schmücken ""Nothing" mit prägnanten Rhythmen, verzerrten Vocals und kreieren eine ganz eigene, wie ungewöhnlichen Ästhetik. Um die Entwicklung zu verstehen, muss man die Hintergrundgeschichte kennen: Jaar und Harrington lernten sich in den frühen 2010ern während ihrer Schulzeit in Providence kennen. Während der Tour zu Jaars Solo-Debütalbum fand eine spontane Aufnahmesession an einem freien Tag in einem Berliner Hotelzimmer statt. Die Session war wortwörtlich brandheiß, denn sie endete mit durchgeschmorten Lautsprechern. Der Raum füllte sich mit Rauch und der an diesem Tag entstandene Song wurde ihre erste gemeinsame Single ""A1", DARKSIDE war geboren. Zwischen den ersten beiden Alben legte das Duo eine sechsjährige Pause ein. In dieser Zeit verfolgten Jaar und Harrington jeweils eigene kreative Wege: Jaar etablierte sich als Solokünstler und Produzent, während Harrington als innovativer Gitarrist und Experimentalmusiker die Underground-Szene in L.A. aufmischte und die Rock-Band Taper"s Choice gründete. Die Geschichte setzt sich dann im Herbst 2022 in Los Angeles fort als das Duo eine Reihe von Shows buchte, um sich nach acht Jahren erstmals wieder als Live-Band zu vereinen. Esparza kam als festes Mitglied hinzu und veränderte grundlegend den Klang und die Energie der Band. Die Idee von ""Nothing" entstand während der Suche nach Achtsamkeit und Harringtons stillen Momenten mit seiner neugeborenen Tochter, in denen er Schönheit im Nichtstun fand. Für Jaar wurde ""Nothing" zu einem Symbol für die allgegenwärtigen, wie überwältigenden Probleme, unausgesprochene Gefühle und den Stillstand in globalen Krisen wie Klimawandel, politischer Heuchelei und wiederkehrender Gewalt.

Release 28.2.2025

Neue Horizonte locken ihn mehr als eingespielte Gewissheiten, und so ist der Titel seines neuen Albums „Old Sun, New Horizon“ durchaus Programm. 2016 tauchte der Luzerner mit einem Honigglas voller Songs („I Want My Honey Back“) aus dem Nichts auf und zeigte, was er kann: Gitarre spielen und Lieder schreiben, geprägt vom US-Folk-Pop der Siebziger und mit Gruss an Kurt Vile oder Devendra Banhart. Natürlich malt Borer seine Songs mit eigenen Klangfarben aus: Da legt sich ein Synthesizer über ein Gitarrenmuster, oder eine Drum Machine lotst den Sound in die digitale Gegenwart. Auf „Cloud Folk“ (2020) schleuste er seine Stimme durch ein Autotune-Effektgerät und liess die Tracks von Kalabrese, Bit-Tuner und Pablo Nouvelle remixen

Release 28.2.2025

In seinem Lissabonner Studio in enger Kooperation mit Josh Dibb (aka Deakin) aufgenommenes Album von Noah Lennox (Animal Collective). Neben alten Wegbegleitern wie Rivka Ravede wirken erstmals alle Mitglieder von Animal Collective auf einem Panda-Bear-Soloalbum mit, das den warmen Klang traditionellen Rocks mit den experimentellen Klangwelten, die ihn auszeichnen, verbindet.

Release 28.2.2025

Drittes Album des aus Hull in Nordengland stammenden Post-Shoegaze- und Dream-Pop-Quartetts. Das pulsierende Late-Night-Feeling von dem Song "John on the Ceiling" steht stellvertretend für ein neues Album, das die Band einige Schritte nach vorne bringt. Die Anfrage, Daniel Avery zu supporten, und ein Ausflug zum Field Day für einen Gruppen-Rave waren beides entscheidende Momente für die Entscheidung der Band, mehr Dance-Music-Elemente in einen Sound einzubauen, der sich in den letzten Veröffentlichungen bereits stetig weiterentwickelt hatte.

Release 28.2.2025

Die fünfte Zusammenarbeit mit dem Toningenieur Travis Harrison (Guided by Voices, Built to Spill) - sechs, wenn man Harrisons Mastering des letztjährigen Albums Manhattan Fire mitzählt. Harrison hat die Dynamik der Gruppe - Nick Chiericozzi (Gitarre/Gesang), Kevin Faulkner (Bass), Mark Perro (Gitarre/Gesang) und Rich Samis (Schlagzeug) - bestens im Griff. Durch die direkte Aufnahme auf Band fängt Harrison das rohe, konfrontative Fieber ihrer Bühnenshows ein, ohne dabei ihre introspektiven Untertöne zu opfern. Das Ergebnis ist zweifelsohne ihr aggressivstes Album seit Leave Home (2011) und ihr psychedelischstes seit Immaculada (2010). Aber Buyer Beware ist keine bloße Rückkehr zu ihren Wurzeln - die Männer haben sich immer weiterentwickelt und sind sich dabei selbst treu geblieben ("Softly like a river flows / Steady as she goes", wie sie in "River Flows" aus New York City und Fuzz Club Sessions No. 20 sangen). Der Titel "Buyer Beware" ist ein deutlicher Aufruf für unruhige Zeiten. The Men setzen sich mit persönlichen und politischen Fragen auseinander und fordern sich selbst und ihre Zuhörer auf, einen langen, harten Blick in den Spiegel und auf ihre Umgebung zu werfen.

Release 28.2.2025

Tikhet sind Sepalot & Angela Aux. Jeder der zehn Tracks dürfte bei Musikliebhabern solch absurde Assoziationen hervorrufen. Das Album erzeugt authentisch und unvorhersehbar ein Gefühl der totalen Grenzenlosigkeit mit einem globalen Ansatz. Es vereinigt mühelos einen ganzen Plattenladen in sich. Mal denkt man an Madlib oder die Bee Gees, dann an Joan Baez oder Amon Düül, ein anderes Mal an Beck oder Gorillaz. Zwischen Boom Bap und Krautrock breiten sich Disco-Stile, Folk-Referenzen und Trip-Hop-Vibes organisch aus. Analoge Percussion verschwimmt mit 90er Jahre Sampling-Soundästhetik. Tikhet klingt ungeplant und anarchisch, mit einem rohen Kern und einer gut abgerundeten Patina auf der Außenseite.

TIKHET klingt ungeplant und anarchisch, mit einem rohen Kern und einer gut abgerundeten Patina auf der Außenseite.

Release 28.2.2025

Das neue Album stellt die Band aus Seattle auf Anhieb in eine Reihe mit St. Vincent, TV On The Radio und Flock of Dimes, Bands, die neue, kunstvolle und magnetische Wege gefunden haben, Indie-Rock zu machen, indem sie Vorstellungen davon, wie er klingen oder was er sagen muss, über Bord geworfen haben. Es ist ihr viertes Album und das erste für Sub Pop, und es ist ein Coup, ein Triumph über Selbstzweifel, der das Scheitern in eine Chance verwandelt, neue Freiheit, Glauben und Stärke zu finden. Mitte Juli 2023 nahm Deep Sea Diver-Mastermind Jessica Dobson in einem Studio in Los Angeles ein Gitarrensolo auf, spürte aber irgendwie nichts. Nur wenige Tage zuvor hatte ihre Band aus Seattle eine Reihe von halb-geheimen Auftritten vor Anhängern gespielt, die de facto als Proben für ein neues Album dienten. Die Sets waren gut gelaufen, aber die neuen Songs schienen verworren, Dobsons Überzeugung ging irgendwo in den 1.000 Meilen zwischen Südkalifornien und dem Heimstudio verloren, das sie mit ihrem Partner, Schlagzeuger und häufigen Co-Autor Peter Mansen teilt. An jenem ersten Abend in Los Angeles hatte sie einen Zusammenbruch, fragte sich, was sie dort tat, und überlegte, wie sie es in Ordnung bringen könnte. Deep Sea Diver zogen sich ohne Album nach Hause zurück. Mussten sie es verschrotten, um mit neuem Material neu anzufangen? Ganz und gar nicht: Nach einer kurzen Pause fand Dobson ein neues Selbstverständnis, ein Vertrauen in ihre Vision für ihre Band und ihre Songs und in ihre Fähigkeit, diese einzufangen. Bei einem Abendessen mit ihrem langjährigen Mitarbeiter Andy Park gestand sie in aller Bescheidenheit, dass sie Hilfe brauchte, was Dobson dazu inspirierte, Deep Sea Diver neu zu erfinden und zu beleben. Diese Enthüllung bereitete die Bühne für die Kraft und Brillanz von Billboard Heart. Drei Jahre zuvor veröffentlichten Deep Sea Diver ihr drittes Album, 2020's Impossible Weight, über das kolossale Indie-Imprint ATO. Es war ein bedeutender Schritt nach oben und brachte der Band eine Welle der Aufmerksamkeit und einen Platz in den Billboard-Charts ein. Doch der Erfolg veranlasste Dobson, an ihren Impulsen zu zweifeln und sich zu fragen, ob die Wirkung oder die Rezeption einer Idee ebenso stark sein könnte wie die Idee selbst. Zu Hause, mit ihr am Klavier und Mansen an der Gitarre in ihrem Wohnzimmer in Seattle, bahnte sich das Paar einen Weg nach vorne und belebte ihre Songwriting-Partnerschaft neu. Das Material auf Billboard Heart ist von Anfang bis Ende erstaunlich. Das Titelstück ist der einzige Song, den Deep Sea Diver tatsächlich in Los Angeles fertiggestellt haben. Die wogenden Synthesizer von Elliot Jackson und der tunnelbläserähnliche Pedal Steel von Greg Leisz sind eine Hymne auf den furchtlosen Vormarsch in die Zukunft - ein strahlendes und großartiges Stück. "Emergency" verbindet den Elan des Hardcore mit der unmittelbaren Anziehungskraft des Electroclash, wobei Dobsons fesselnder Gesang und seine Gitarrenarbeit im Mittelpunkt stehen. Das zarte und verletzliche "Tiny Threads" ist eine mitreißende Hymne für alle, die versuchen, etwas zusammenzuhalten - das Leben, die Liebe, sich selbst. "If it haunts me, let it haunt me", singt Dobson sanft über einer Stille, die nur von Bass und Noise eingerahmt wird. Sie lässt ihre Gitarre in eine Rückkopplung kippen und formt sie dann stetig zu etwas Melodischem um. Es ist ein ganzes Leben voller Angst und Sublimierung, kristallisiert in 10 Sekunden. Billboard Heart fühlt sich im Großen und Ganzen so an. Billboard Heart entstand, als Dobson ihren Instinkten vertraute, es ist ein persönlicher und künstlerischer Durchbruch und das bisher beste Deep Sea Diver-Album, ein trotziges und brillantes Ausrufezeichen am Ende einer langen Zeit der Wanderschaft.

Release 21.2.2025

Nach Shadow People (2018) und De Pelicula (2021) mit Laurent Garnier feiern The Limiñanas ihr großes Comeback mit ihrem neuen Album Faded, dessen erste Single Prisoner of Beauty mit Bobby Gillespie (Primal Scream) ist, der die Band seit Jahren unterstützt. Das französische Psychedelic-Garage-Duo hat auf Faded auch Künstler für Duette wie Jon Spencer, Bertrand Belin, Rover, Penny, Anna Jean und Pascal Comelade versammelt.

Release 21.2.2025

Remastered 2xLP+CD-Repress des ursprünglich im Jahr 2008 veröffentlichten Albums, das eine Abkehr vom typischen elektronischen Sound der Band darstellte. Neben atemberaubenden Neuinterpretationen von Klassikern anderer Künstler finden sich hier auch akustische Wiedergaben einiger ihrer beliebtesten Stücke, darunter "Gasoline Man" und "Skinflowers". Auf der Trackliste stehen Ghost Rider" von Suicide und Freedom" von Richie Havens. Dieses einzigartige Projekt wurde mit akustischen Gitarren und Percussions aufgenommen, was der Musik eine rohe und intime Energie verleiht. Zu diesem Anlass haben The Young Gods ihr Line-up erweitert und den Genfer Gitarristen Vincent Hänni aufgenommen, der den akustischen Arrangements Tiefe und Struktur verleiht. Die Zusammenarbeit mit Hänni ging über das Projekt hinaus, da er bis 2011 bei der Band blieb. Dank der neu gemasterten Audioaufnahmen, die von den hochauflösenden Originaldateien mit 96 kHz/24 Bit stammen, können Fans diese Auftritte jetzt in unvergleichlicher Klarheit erleben.

Release 21.2.2025

Palinstar ist Paralleluniversum, Planet und Selbst-Heldin zugleich. Hinterdem Namen steckt eine profilierte Multiinstrumentalistin, weltweitgetourt mit Boytoy, Supportshows für Caroline Rose, KEXP mit Kush K. Nun endlich präsentiert sie ihre künstlerische Vision: Gay Stuff, Emotional Jetlag, Heart Rock als Rückzugsort. Oder ein Mix großer Americana-Melodien mit simplen Texten, inspiriert durch Lana Del Rey sowie Nirvana. Geprägt ist das zudem von der Schweizer Herkunft und eine rtiefen, sinnlichen Sagenhaft-Stimme à la Angel Olsen und Feist. Dieeigens erfundene Sprache «Spenglish» bildet den Kern dieser «Mouthart». Sound, welcher zu Selbstermächtigung und Selfcare motiviert plus den emotionalen Prozess aktiviert. Auch dann, wenn Palinstar Star Wars nerdet, Hundeshows besucht oder den Twang ihrer Single-Coil-Gitarren verehrt.

Mouthwatering Records

Release 21.2.2025

Nach dem allgemeinen Beifall für ihre beiden ersten Alben melden sich The Murder Capital mit "Blindness" zurück, dem lebhaft realisierten, klarsichtigen und ehrgeizigen neuen Album. Das Album ist bedeutungsvoll und voller Schwung, es ist voller Geographie - des Geistes und einer in Dublin gegründeten Band, deren Mitglieder nun über Irland, London und Europa verstreut sind - und strotzt dennoch vor intensiver Energie.

Die neuen Songs von The Murder Capital werden von einer breiteren, reicheren Perspektive belebt, die sich aus den verschiedenen Einsichten ergibt, die die fünf Mitglieder in den kreativen Prozess einbringen, und aus den unterschiedlichen Weltanschauungen, die sich aus ihrer buchstäblich neuen Position in der Welt ergeben. Schlagzeuger Diarmuid Brennan lebte in Berlin, Bassist Gabriel "G" Paschal Blake in Letterkenny, Gitarrist Cathal "Pump" Roper in Donegal und Gitarrist Damien "Irv" Tuit und McGovern in London. Das Album legt den Schwerpunkt auf Dringlichkeit, Energie und Frische - all das steckt in den Songs, die in L.A. mit der Hilfe des Grammy-Gewinners John Congleton aufgenommen wurden.

Release 21.2.2025

Nächster aufregender neuer Act bei Daptone nach Thee Sacred Souls & Jalen Ngonda! Vorhang auf für The Altons!

Nach mehreren äußerst erfolgreichen Singles auf Daptones Sublabel Penrose Records, zusammen mit ihren Labelkollegen Thee Sacred Souls und Jalen Ngonda, veröffentlichen The Altons endlich ihr Debütalbum!
Adriana Flores und Brian Ponce teilen sich den Leadgesang auf dem Album und das Zusammenspiel ihrer einzigartigen Klangfarben verleiht der Musik eine emotionale Qualität, die in vielen der heutigen Soul-Veröffentlichungen fehlt. Durchdrungen von stimmungsvollen Balladen, gefühlvollen, tejano-geküssten Duetten und psychedelischen Bond-Themes - Heartache in Room 14 ist auf dem besten Weg, eines der »must have«-Alben des noch jungen Jahres 2025 zu werden!

Release 14.2.2025

Das vierzehnte Album in ihrer dreißigjährigen Geschichte handelt vom Reisen durch die Zeit und vom Bereisen der Welt, es erzählt vom Unterwegssein und von der Sehnsucht nach einem Zuhause, es handelt von der Verfinsterung der Gegebenheiten und davon, wie man Trost zu finden vermag auch in finsterer Zeit, und doch liegt immer ein güldener Glanz über der Szene. "Golden Years" ist gleichermaßen intim und politisch; wer Tocotronic kennt, dem
wird es vertraut erscheinen und zugleich wieder ganz neu.

Release 14.2.2025

Seit der Veröffentlichung ihres gefeierten Debüts "Versions of Modern Performance" 2022 (u. a. mit Höchstwertung um US-Rolling Stone) hat sich vieles für Nora Cheng, Penelope Lowenstein und Gigi Reece verändert. Im Herbst desselben Jahres zog die junge Band von Chicago in die Ostküstenmetropole, wo Penelope und Nora an der New York University ihr Studium begannen und das erste Mal überhaupt Musik außerhalb des elterlichen Zuhauses schrieben. Der Einfluss der neuen Umgebung macht sich unmittelbar im Sound bemerkbar. Zugleich wendet sich der Blick in Zeiten beispielloser Veränderungen nach innen. Im Januar 2024 kehrten Horsegirl nach Chicago zurück, um die neuen Songs aufzunehmen. Im "The Loft" Studio stellten sich dort ein Fokus und eine Intimität ein, wie sie wohl nur entstehen können, wenn es schlicht zu kalt ist, das Gebäude zu verlassen. Cate Le Bon führte die Band derweil in neue, helle und klare Sound-Gefilde, die Raum und Textur gegenüber den dichten Soundflächen des Debüts in den Vordergrund rücken und das charakteristische Songwriting von Horsegirl betonen. Dazu zählt auch der erstmalige Einsatz von Violinen, Synths und Gamelan. Die Leadsingle "2468" ist ein Beispiel für die offenkundige Experimentierlust auf "Phonetics On and On". Mit seinen Raincoats-artigen Streichern und energischen Drums verdreht einem der Song in seinem fortlaufenden Crescendo immer mehr den Kopf. Das dazugehörige Video stammt von der Schriftstellerin und Regisseurin Eliza Callahan und wurde von Alexa West choreographiert. Es ist schwer vorstellbar, dass Songs wie die auf "Phonetics On and On" augenblicklich von irgendwem anderes stammen könnten als von diesem Trio bester Freundinnen. Nora, Penelope und Gigi schreiben mit ungefilterter Aufrichtigkeit über Szenen ihrer Jugend als Momentaufnahmen des Lebens. Die Liebe zueinander ist dabei in jedem Augenblick spürbar und resoniert durch und durch im Zusammenspiel auf ihrem zweiten Album. Horsegirl gründeten sich 2019 in der umtriebigen DIY-Szene Chicagos. Die damals 17- und 18-jährigen Schülerinnen zählen Yo La Tengo und Pavement zu ihren erklärten Vorbildern. Ihr Debüt, auf dem Steve Shelley und Lee Ranaldo als Gäste zu hören sind, nahm die Band in Steve Albinis Studio mit John Agnello (Sonic Youth, Dinosaur Jr.) auf. Zuletzt tourten Horsegirl u. a. mit The Breeders. *Matador

Release 14.2.2025

In der Nacht, in der das neue Album "Songs of a lost World"vorgestellt wurde, spielten The Cure es in voller Länge vor 3000 Fans im Troxy London und vor mehr als einer Million Menschen auf einem kostenlosen weltweiten Stream. Eine atemberaubende Live-Performance! Die Tantiemen kommen The Cure War Child zu Gute.