Release 18.6.2021

/ A \ besteht aus Emilie Zoé, Franz Treichler und Nicolas Pittet. Die sieben Tracks ihres Debütalbums, das Ergebnis einer Reihe von Jam-Sessions, synthetisieren perfekt die jeweiligen Welten der Mitglieder dieses Ad-hoc-Trios. Von einem Track zum nächsten kombinieren eine Reihe seltsamer und perfekter Hybriden harmonisch reichen Pop mit treibenden rhythmischen Mustern, mit perfekt angeordneten Fenstern für holzige akustische Klanglandschaften und elektronische Veränderungen. Dabei multipliziert / A \ verschiedene Energien und Dynamiken: die Wärme eines wandernden Blues (Hotel Stellar), eines katzenartigen, welligen Post-Rocks (Grain Sand and Mud), einer maschinenartigen Wut mit niedrigem Tempo (We Travel the Light) ), eine blasse Morgenatmosphäre (Count to Ten), mutierter Trip Hop (The Leaves), ein müßiger Aufstieg nach Golgatha (Unsere Liebe wächst)… Und das Beste daran ist, dass diese bahnbrechenden Ideen mit einem unglaublichen Sinn aufeinander folgen der Natürlichkeit.

Sie ist die erfolgreichste und vielleicht auch einflussreichste Künstlerin der letzten Jahre, die Stimme ihrer Generation - das zweite Album wurde wiederum mit ihrem Bruder Finneas in Los Angeles aufgenommen. Billie Eilish: Als begnadete Pop-Neudenkerin und Bedroom-Musikerin mit besonderem Bruder-Support ist die Kalifornierin in den letzten Jahren zur größten Musikikone der Welt avanciert. Jeder Track, jeder Look, jeder Social-Media-Post sorgte für neue Wellen - und machte sie zur wichtigsten Künstlerin im Post-Genre-Zeitalter. Geboren als Billie Eilish Pirate Baird O'Connell im Dezember 2001, ging schon ihr allererster Song "ocean eyes" Ende 2015 durch die Decke - Billie war noch keine 14. Als dreieinhalb Jahre später ihr offizielles Debütalbum erschien, lag ihr die Welt bereits zu Füßen.

Release 25.6.2021

Grant ist der Außenseiter des Außenseiters: zu eigen, um Mainstream zu sein, zu traurig, um glücklich zu sein und zu ironisch, um sich nicht genau darüber lustig zu machen. Vor einem Jahr begann John gemeinsam mit Produzentin Cate Le Bon an seinem fünftem Solo-Album zu arbeiten, auf dem der Songwriter spielerisch mit diversen Stimmungen, Texturen und Klangfarben experimentiert, die in einem ständigen Wechsel zwischen ruhig und lebhaft verlaufen. Seit zehn Jahren lebt Grant nun schon in Island, der Boy aus Michigan kennt sein Amerika aber gut genug, um es mit mikroskopischen, malerischen Details zu dokumentieren und zu sezieren. Die spröde Intensität der frühen Lebenserfahrungen eines Mannes mittleren Alters verwandelt sich heimlich in eine breite Metapher für den Zustand der gespaltenen Nation, den der Songwriter bereits im Januar auf "The Only Baby" anprangerte. Mit dem Titeltrack, der als melodische Latenight-Hymne getarnt daherkommt, schlägt der Songwriter weiter in die gleiche Kerbe: "The American dream is only about money".

Reease 21.5.2021

Hanson ist eigentlich Frontmann des Garage-Prog-Projekts Wand und seit Jahren Teil und Geheimtipp der Pschedelic-Rock Szene von L.A. Sein zweites Solowerk ist ein fast schon orchestral anmutendes Folkalbum. Seine brüchige Stimme gemischt mit spannenden Arrangements, dynamischen Spielereien und vielseitiger Instrumentierung heben die Platte aus dem Einheitsbrei des Folk heraus. Die Single "Angeles" erinnert an Elliott Smith, bevor sich der Song zum Ende hin komplett freispielt und irgendwo zwischen Jazz und Psychedelic endet. Diese Brüche machen dieses Album so spannend!

Release 14.5.2021

Das 10te Studio-Album feiert die Wurzeln der Band und enthält elf Mississippi Hill Country Blues-Standards, die Dan Auerbach und Patrick Carney seit ihren Teenagertagen lieben, noch bevor sie eine Band gründeten. Die 2001 in Akron, Ohio gegründetenThe Black Keys nahmen das Album in Auerbachs Easy Eye Sound Studio in Nashville auf, wo ihnen Musiker wie Kenny Brown und Eric Deaton Gesellschaft leisteten, langjährige Mitglieder aus den Bands von Blues-Legenden wie R. L. Burnside und Junior Kimbrough. Seinen Namen bezieht das Album von William Egglestons ikonischem Mississippi-Foto, das auf dem Cover zu sehen ist.

Release 27.8.2021

Die in LA ansässigen Rocker kehren mit ihrem sechsten Studioalbum zurück!!! Bronx VI baut auf dem Sound auf, den The Bronx in den fast zwei Jahrzehnten ihres Bestehens aufgebaut haben. Das beweist definitiv, dass die Tür zu dem, was als nächstes kommt, nicht nur eingetreten, sondern zerhackt und zu Asche verbrannt wurde. Ja, die ersten vier Tracks - "White Shadow", "Superbloom", "Watering The Well" und "Curb Feelers" strotzen nur so vor der wilden und ungezähmten Energie, die die Band von Anfang an ausgemacht hat. Aber dann - ganz plötzlich, als "Peace Pipe" einsetzt - verschieben sich Tempo und Stimmung zu etwas weniger Aggressivem. An anderer Stelle dient "Mexican Summer" mit seinen (relativ) entspannten Mariachi-Vibes als Hommage an das Alter Ego der Band, Mariachi El Bronx (und wurde geschrieben, während diese Inkarnation der Band auf Tour war), während der fatalistische Abschluss "Participation Trophy" die existenzielle Angst hinter brennenden Riffs und einer eingängigen, trotzigen und überschwänglichen Melodie versteckt. "Die Gefühle, die ich beim Schreiben für diese sechste Platte hatte, sind die gleiche Art von Gefühlen, die ich beim Schreiben von "Heart Attack American" hatte. Es kommt alles vom selben Ort und es ist alles immer noch 100% echt und real. Glaubt mir - ich fühle immer noch die rohen Emotionen, die ich fühlte, als die Band anfing. So bin ich einfach, so sind wir als Menschen. So etwas kann man nicht vortäuschen, wenn es um Musik oder Kunst geht. Man muss verbunden bleiben. Du musst einfach echt sein" - Matt Caughthran, Sänger. Bronx VI wurde von Joe Baressi (Melvins, Tool, Bad Religion) produziert.

Release 21.5.2021

BLK JKS gelten mittlerweile als legendär in der südafrikanischen Afropunk-Szene. Und dass, obwohl die Combo ihr erstes und letztes Album bereits 2009 rausgebracht hat. Der Grund: Man hatte sich zwischenzeitlich gestritten und getrennt, sodass sich jedes der Mitglieder erstmal auf seine individuelle Arbeit konzentriert hatte. 2019 kündigte die Combo dann mit ihrer Single "Harare" das zweite Album "Abantu/Before Humans" an, das bisher zwar immer noch nicht erschienen ist, aber mit dem 21. Mai nun ein Termin für dieses Jahr hat. Passend dazu ist nun auch ein Video zu "Harare" erschienen, ein empowernder Song über die menschliche Natur und das Bedürfnis nach Bewegung und Flow. Dabei nimmt das dazugehörige Video schon fast meditative Züge an.

Release 14.5.2021

Die Dead Can Dance-Mitglieder Lisa Gerrard und Jules Maxwell haben gemeinsam mit James Chapman (MAPS) ein neues Studioalbum mit dem Titel ›Burn‹ aufgenommen. Die Entstehungsgeschichte des Albums begann vor mehr als sieben Jahren, als sich Lisa im Vorfeld ihrer ersten Zusammenarbeit mit dem irischen Theaterkomponisten Jules Maxwell traf. ›Burn‹ erscheint auf Atlantic Curve.

Auch wenn es sich bei diesem Album um einen neuen Release handelt, reichen seine Wurzeln bis ins Jahr 2012 zurück, und zwar zur damaligen Welttournee von Dead Can Dance, um genau zu sein. Der eigentlich als Keyboarder für die Tour dazugestoßene Jules Maxwell schrieb zusammen mit Lisa Gerrard einen neuen Song. ›Rising Of The Moon‹ wurde bei jeder Show als finale Zugabe gespielt.

Als die Tour schließlich 2013 in Chile zu Ende ging, hatte sich zwischen den beiden eine starke Verbundenheit entwickelt und in den folgenden Jahren ergaben sich immer wieder Gelegenheiten zur Zusammenarbeit. Stilistisch handelt es sich bei dem neuen Album ›Burn‹ um eine vielschichtige Mischung aus Electronica, Alternative, weiten Klanglandschaften und Worldmusic mit leichten Anklängen an die frühen Vangelis.

Release 13.8.2021

3te Album des britischen Produzentenduos wird wahrscheinlich der Soundtrack zu einem Sommer werden, der anders ist als alle anderen. Das Duo hat das vergangene Jahr im Studio verbracht und ist mit einer unbändigen Dancefloor-Platte für die post „social distancing" Zeit herausgekommen: „With this record we’ve learned to trust our instincts and go with our gut,” sagt T. „We want it to be more raw, open, fun, enjoyable and entertaining, because that’s what music is,” fügt J. hinzu. J und T sind das pulsierende Herz von Jungle, wo Musik, Ästhetik und Choreografie als eine unverwechselbare künstlerische Vision nebeneinander bestehen. Mit dem gleichen Ethos wie z.B. Gorillaz oder The Avalanches sind die beiden die Produzenten, Songwriter und Musiker, aber sie sind auch die Regisseure, Content-Schöpfer und Kuratoren. Sie stehen an der Spitze einer größeren Gemeinschaft von Kreativen. Sie sind Weltenbauer. Mit dem neuen Album wird dies auf eine neue Ebene gehoben, wobei das größere Jungle-Kollektiv von Tänzern ein integraler Aspekt ist, wie die Musik visuell erlebt wird. Mit jedem Video, bei dem Josh Lloyd Watson und sein langjähriger Mitarbeiter Charlie Di Placido Regie geführt haben, schaffen sie es die Fans zu begeistern. Das Video zu „Keep Moving" ist in einem Take gedreht - teils Birdman, teils West Side Story und zeigt zwei Gangs von Tänzer*innen. Es beginnt mit dem Tänzer Che Jones (der im Video zu „Smile" vom letzten Jungle-Album mitspielte) in seinem Schlafzimmer und führt zu einer Szene im Freien, in der wir Mette Linturi (die im Video zu „Casio" vom letzten Album mitspielte) finden. Der Rest ist eine wunderschöne Entfesselung, die so atemraubend zu beobachten ist, dass sie den Zuschauer mit einem Gefühl der Ehrfurcht zurücklässt.

Release 14.5.2021

Auch als Tape erhältlich (CHF 21.90)

Nick Rattigan alias Current Joys siebtes Studioalbum "Voyager" durchzieht die für Current Joys typische, intensive Spannung, die schon auf Rattigans vorigen Veröffentlichungen zu spüren war: Eine zitternde, sich heiser schreiende Stimme, die im Verhör mit sich selbst zu sein scheint. Begleitet wird diese emotionale Rock 'n' Roll-Kakophonie nun von einem soundtrackartigem Orchester. Es ist eine Odyssee, eine großartig klingende Reise der Selbstfindung, verteilt über insgesamt 16 Songs. Teils Beschreibung, teils persönlich, erleben wir hier Rattigan, wie er versucht, neue Wege zu finden, um seine Gefühle und die eigene Identität besser zu verstehen - inspiriert vom stark stilisierten, hervorstechenden Storytelling von Filmemacher*innen wie Alfred Hitchcock, Lars Von Trier, Terrence Malick, Agnès Varda und Andrei Tarkovsky. Jeder Song in Current Joys' voriger Diskografie stammt gänzlich von Rattigan selbst, stets allein aufgenommen, schnell veröffentlicht, von einsamer Intensität lebend. Sein Debütalbum Wild Heart erscheint 2013 innerhalb von nur sechs Monaten nach Beginn des Projekts, das sechste (!) Studioalbum A Different Age folgt im Jahr 2018, während er sich parallel emsig eine treue Fanbase erspielt - zuletzt in ausverkauften Venues wie dem El Rey Theatre in Los Angeles und auf Touren durch Europa. Für Voyager hat Rattigan sich nun bewusst den bisherigen Lo-Fi-Recordings abgewandt, um in voller Bandbesetzung in den Stinson Beach Studios in Kalifornien aufzunehmen. Inspiration zieht er weiterhin aus seiner Liebe zum Film, und auch von Croonern wie Jeff Buckley, Chris Isaak oder Nick Cave - letztere dokumentiert durch Rattigans Interpretation von dem Boys Next Door Song "Shivers". Rattigan glaubt fest an die vorherrschende Kraft von Musik und klammert sich an Songideen, die ihn geradeaus packen - angetrieben von einem fast abstrakten Existenzialismus, mehr noch jedoch von den hervorgerufenen Gefühlen. Das tränkt Voyager mit Intensität und Intimität und schafft den Eindruck, dass man zu hören bekommt, welche verschiedenste Bestandteile ein Projekt - oder eine Person - zu einem weitläufigen, filmischen, leidenschaftlichen Ganzen machen.

Release 4.6.2021

Erstes neues Album nach 11 Jahren! Vor gut 30 Jahren veröffentlichte Phair ihr Debütalbum "Exile In Guyville" und kreierte damit Album, welches vom Rolling Stone 2020 auf #56 der besten Alben aller Zeiten gevotet wurde. Jetzt hat Liz Phar mit "Soberish" ein Album erschaffen, welches sowohl ihre treuen Fans abholen wird als auch junge Leute ansprechen kann, deren Held*innen sich wiederum von Phair haben inspirieren lassen. Gemeinsam mit Langzeit-Partner und Produzent Brad Wood hat sie ein Album geschrieben, welches alle ihre Fähgkeiten als Musikerin und Songwriterin zusammenbringt. Die Stücke brechen mit den Erwartungen und stellen ihre experimentierfreudige Seite heraus, dann gibt es ebenso ungemein eingängige Refrains und Melodien, die an ihre poppigeren Alben Referenz nehmen. Über allem steht ihre absolut ehrliche und direkte Art, Geschichten zu erzählen.

Release 4.6.2021

Das bereits fünfte Solo Album des US Singer-Songwriters, der vielen von den Walkabouts, Dirtmusic oder Distance, Light & Sky bekannt sein dürfte. Auf seinem neuen Werk taucht Eckman ganz tief in die Stimmung dieser außergewöhnlichen Zeit ein. Er singt von Verlust, Desorientierung, Wiedergutmachung und der Suche nach einer Heimat. Where The Spirit Rests wurde nur mit einem kleinen Ensemble aufgenommen. Direkt und ohne viele Effekte. Co-produziert wurde es von dem britischen Komponisten Alastair McNeill (Roísín Murphy, Yila). Als Gastmusiker sind Chuck Johnson (Pedal Steel), Catherine Graindorge (Violine) und Dream Syndicate / Green on Red Keyboarder Chris Cacavas auf Where The Spirit Rests vertreten.

Für Fans of Amon Düül, Can, Faust, Einstürzende Neubauten, Brian Eno, Cluster, Cult of Luna, NIne Inch Nails, Massive Attack u.a. "Or"

Release 16.7.2021

Strahlendes neues 10-Track-Album mit kraftvollen Basslinien und elektrisierenden Melodien. Es hat Chet Faker - und auch Murphy selbst - zurück in die Welt gebracht. Wie schon sein Debütalbum "Built on Glass" (2014) schrieb und produzierte Murphy "Hotel Surrender" selbst und stellte die meisten Songs vor Beginn von Covid19 im März 2020 fertig. Kurz nachdem die Pandemie einen weltweiten Stillstand verursacht hatte, verlor Murphy seinen Vater, und plötzlich bekam die neue Wohlfühlmusik eine noch tiefere Bedeutung für ihn. "Es gab eine Menge schwerer Perspektivwechsel für mich."", erinnert er sich. "Ich habe die Musik damals in einem anderen Licht gesehen und betrachte sie jetzt als eine Art Massentherapie. Früher fühlte es sich an, als wäre ich auf einem Kreuzzug oder einer kreativen Odyssee. Heute weiß ich, dass es etwas Schamanisches ist. Man muss ein Licht - oder manchmal auch die Dunkelheit - finden und es teilen. Mir wurde bewusst, dass das der Kern von Chet Faker war. Und ich hatte das Gefühl, dass die Welt litt, also wollte ich etwas tun, um den Menschen eine Freude zu machen

Release 20.8.2021

5tes Album! Conor O'Brien sagt über die Entstehung von Fever Dreams: "I had an urge to write something that was as generous to the listener as it was to myself. Sometimes the most delirious states can produce the most ecstatic, euphoric and escapist dreams." Und damit ist der Ton des Albums gesetzt. In geradezu hypnotischer Weise verführt Fever Dreams zum Eskapismus und funktioniert dabei wie die besten Platten - es holt einen dort ab, wo man ist und setzt einen woanders wieder ab. Es sind Lieder mit seltsamen, flirrenden Formen und der magischen Ambivalenz von Träumen. Die Intention der Songs ist nie eindeutig und doch glasklar. Inspiration fand Conor, alias Villagers, beim nächtlichen Schwimmen auf einer holländischen Insel, bei Flann O'Brien, Audre Lorde, David Lynch, L. S. Lowry und in den Kompositionen von Piero Umiliani, Alessandro Alessandroni und dem Jazz von Duke Ellington und Alice Coltrane. Geschrieben wurden die Hauptteile der Songs im Laufe von zwei Jahren, aufgenommen wurden sie in einer Reihe von Full-Band-Studio-Sessions Ende 2019 und Anfang 2020. Während der langen, entschleunigten Pandemie-Tage verfeinerte O'Brien sie in seinem winzigen Heimstudio in Dublin. Gemischt wurde das Album von David Wrench (Frank Ocean, The xx, FKA Twigs).

Release 28.5.2021

Falls das allumgreifende Horror-Szenario 2021 bei jungen Newcomer-Bands dafür sorgen sollte, dass sie sich mit Existenzängsten und dem Lecken ihrer zahlreichen Wunden beschäftigen, haben black midi wohl das Memo nicht bekommen. Denn weder Covid-19, noch das zweite-Album-Syndrom oder sonstige Hindernisse konnten der vielleicht spannendsten neuen britischen Rock-Hoffnung den Wind aus den Segeln nehmen. Dementsprechend ist der Nachfolger "Cavalcade" zum gefeierten Debüt "Schlagenheim" ein dynamischer, wie innovativer Höllenritt. Und eine weitere Standortbestimmung einer immer getriebenen jungen Band, die sich nicht auf dem bisher erreichten ausruhen will. Die Bedeutung des Titels beschreibt eine feierliche Prozession, wie eine königliche Parade und black midi sehen ihr neues Album als Ansammlung aus übermenschlichen Persönlichkeiten an: vom gefallenen Kult-Führer, über einen antiken Leichnam, der in einer Diamanten-Mine gefunden wurde, bis zur legendären Sängerin Marlene Dietrich streift die Band diese. Geordie Greep, Gitarrist und Haupt-Sänger der Band erklärt die fundamentalen Pfeiler von "Cavalcade":
Musikalisch bedienen sich black midi aus einer ausufernden Palette an Einflüssen von Rock über Jazz, Hip Hop, elektronische Dance Musik, Klassik, Ambient, Prog bis zu experimentellen Versatzstücken - wobei ihr Ethos dabei sehr simpel ist.

Release 4.6.2021

Von dem Moment an, als Michelle Zauner mit dem Schreiben ihres dritten Albums begann, war klar, dass es nur "Jubilee" heißen konnte. Schließlich feiert ein Jubiläum die vergangene Zeit und blickt optimistisch in die Zukunft. Ein Fest der Hoffnung und Verheißung, das zugleich eine neue Ära in (hoffentlich) brillanten Farben einläutet. Auf ihren ersten beiden Alben wurde Zauner für die Auseinandersetzung mit ihren Ängsten gelobt: Das Debüt "Psychopomp" entstand während der Krebsbehandlung von Zauners Mutter, während der epische Nachfolger "Soft Sounds From Another Planet" den Verlust dieser verarbeitet. Jetzt, zu Beginn einer neuen Dekade, ist Zauner bereit für ihr Glück - ein rares Gut in einer scheinbar zerfallenden Welt - zu kämpfen. "Jubilee" strotzt nur so vor den bombastischsten Arrangements in ihrer Karriere. Jeder Song entfaltet einen neuen Aspekt ihres beeindruckenden Könnens. Joyful noise! "Jubilee" ist ein Album über die Verarbeitung des Lebens und der Liebe, während man auf der Suche nach Glück ist. Ein Prozess, der uns manchmal dazu zwingt, aus uns selbst herauszutreten und aus einem neuen Blickwinkel zu betrachten. Auf "Jubilee" fiktionalisiert Zauner ihre Texte kaum noch, und gießt stattdessen ihr eigenes Leben in das Universum jedes Songs, um so echte Geschichten zu erzählen. Passend dazu veröffentlich Zauner außerdem beim New Yorker Knopf-Verlag Ende April ihre Memoiren "Crying In H Mart", die hierzulande ab Mitte Mai auf Englisch erhältlich sein werden. In den Jahren zuvor nahm Zauner außerdem Theoriestunden und lernte zum ersten Mal ernsthaft Klavier, um so ihre Bandbreite als Songwriterin zu verbessern. Freude, Veränderung, (Weiter-)Entwicklung - diese Dinge erfordern echte Zeit, und wahre Anstrengung. Und Japanese Breakfast gibt sich dem auf "Jubilee" vollkommen hin

Release 23.7.2021

Fast acht Jahre sind vergangen, seit die Band von Nicolás Jaar und Dave Harrington ihr Debüt "Psychic" 2013 veröffentlich hat. Pitchfork nannte es damals den Soundtrack zu einem David Lynch Science-Fiction-Film, den er nie gedreht hat. Jaar und Harrington gingen mit ihrem Band-Projekt später auf Tour, begeisterten vor ausverkauften Hallen und auf großen Festivals und gingen anschließend wieder getrennte Wege. Nicolás Jaar veröffentlichte seitdem 5 Alben unter seinem eigenen Namen, sowie zwei Club-Compilations unter dem "Against All Logic"-Label. Harrington gründete die Dave Harrington Group, brachte 2 Alben heraus, spielte über 300 Shows und arbeitete für andere Künstler als Produzent und Arrangeure. Im Sommer 2018 mieteten sich Jaar und Harrington ein kleines Haus im indigenen Lenni-Lenape Territorium, welches im US-Bundestaat New Jersey liegt, um Ideen für Musik auszutauschen und um schließlich Darkside wiederzubeleben. Es sollte weitere 1,5 Jahre dauern bis ihr neues Album wirklich fertig geschrieben und aufgenommen war.

Release 14.5.2021

Der Albumtitel führt auff schelmische Weise vollends in die Irre. Stattdessen zieht die Band ein hochintensives Feuerwerk der Extreme ab auf ihrem Einstandsalbum für Sargent House. Ein mit mächtiger Energie aufgeladener und sonischen Überschlagungen, eingebauten Brüchen und knisternde Verzerrungslandschaften genauso aufwartender hochorgineller Vabanque-Ritt zwischen Hardcore, Noiserock, Screamo und Cyberpunk aber auch Indie- und Mathrockanliehen. Ein rebellisches Statement gegen jede Erwartungshaltung, das im Vollwaschgang vorgeht und auf unglaublich dichte Weise übereinander verkoppelte Distortion-Sounds von Gitarren und übersteuerten Synths, virtuoses Powerdrumming und mehrstimmigen Gesang mit unterschiedlichem emotionalen Ausdruck vereint. Melodien kommen innerhalb dieser Song-Gewitter auch nicht zu kurz, Stimmeffekte auch nicht. Eine Spielwiese der Kreativität, die mit der Konfrontation der Gegensätze ganz groß auftrumpft. "It is a joyous, genderless, post-nihilist, anti-punk, razor-focused take on creating the most intense listener experience possible. It's the harshest, most beautiful, most hideous thing we could make." Von Banmitglied Dan Greene zusammen mit Ben Chisholm (Chelsea Wolfe) produziert inklusive Beiträgen von Mark Lanegan, Troy Van Leeuwen (QUOTSA, A Perfect Circle), Ben Koller (Converge, Killer Be Killed, Mutoid Man)

Release 14.5.2021

Seit mehr als zehn Jahren arbeitet die Künsterin, Songwriterin und Autorin Jenny Hval mit Multi-Instrumentalist Håvard Volden zusammen. Jetzt erscheint das Debüt-Album des norwegischen Duos. „Menneskekollektivet“ heißt soviel wie „Menschliches Kollektiv“. Was ist mit dem Menschlichen Kollektiv bzw. der Menschheit als Kollektiv eigentlich gerade los? Aus hiesiger, bisweilen eurozentristischer Perspektive taumelt sie mehr oder weniger mit reichlich Fehltritten durch eine globale Pandemie, die ebenjene kollektiven Schwächen gnadenlos offenlegt. Und das einzelne Individuum, respektive Ich, befindet sich im physichen #Stayathome-Stillstand, und droht geistig in einer Suppe aus Nicht-Nachrichten, Hiobsbotschaften und gesellschaftlicher Total-Verdrossenheit zu versinken. Ziemlich lost das alles. Auch die Musik von Hval und Volden ist ein unschlüssiges Umherwandern, eine ständige Suche. Nach einem Sound zwischen Gitarre, House-Beat, Ambient-Synth, Pop und Orchester. Und seitens der Texte von Hval nach einer expliziten Geschichte, die fehlt, sich aber gleichzeitig aus diesem Fehlen selbst generiert. „Menneskekollektivet“ ist wie die Performance der völligen Ungewissheit. Und genau deshalb eine grandiose, musikalische Momentaufnahme.

Release 17.9.2021

Neues, viertes Album mit 13 nachdenklich stimmenden, akribisch ausgearbeiteten Songs des Mitglieds von Junip. Die Gitarre – dein zuverlässiger hölzerner Anschmiegfreund und Sentimentalitätsindikator. Das zarte, mäandernde Zupfen der Klampfe bekommt einen Wirkungskreis zugestanden, der zugleich weite Interpretationsfelder bei nahen Begegnungen zulässt. Du spürst die unmittelbar gehauchte Wärme an Deinem Ohr, so nahe scheint José zu sein; So nahe, dass man nur beschämt auf den Boden denn den Künstler anschauen möchte, um in keinen unbewussten Intimkreis zu gelangen.”

Bekannt wurde der Junip-Frontmann bereits mit seinem Debütalbum “Veneer” von 2003 und dem darauf enthaltenen Cover von The Knife‘s großem Hit “Heartbeats”.

Die 13 Songs des neuen Albums wurden im Studio Koltrast Hakefjorden aufgenommen, das José im Sommerhaus seiner Familie nördlich von Göteborg eingerichtet hat. Darauf singt er zum ersten Mal in allen drei Sprachen, die er spricht, nämlich Schwedisch, Englisch und Spanisch.

Ihr drittes Album basiert auf Erinnerungen ihrer Coming-of-Age-Jahre in Richmond, Virginia. Viele der Songs beginnen auf die Weise, wie Memoiren es tun - zum Beispiel: "In the summer of '07 I was sure I'd go to heaven, but I was hedging my bets at VBS" - und alle haben die Passion, den Humor und die Ehrlichkeit von erfrischend autobiographischen Texten. Am wichtigsten aber: das neue Album der amerikanischen Songwriterin zeugt wie kein anderes davor von ihrer Fähigkeit persönliche Empfindungen in universelle zu verwandeln. "I can't hide behind generalizations or fiction anymore," sagt Dacus darüber. Denn während ihre Songs seit jeher einen nostalgische Anstrich haben, öffnet sich Dacus auf dem neuen Album komplett! Während die lange Zeit auf Tour in Lucy den Wunsch nach ihrer Heimatstadt immer größer werden ließ, fand sie nach ihrer Rückkehr in Richmond ein Zerrbild ihrer selbst vor Ort wieder. Plötzlich schienen Menschen, die sie nicht kannte, sie besser zu kennen, als sie sich selbst und Fremde tauchten immer wieder vor ihrer Tür auf, um sie mit ihrer Version Dacus' zu konfrontieren.

Nach mehr als einem Jahr zuhause und in der Videoscreens und Anrufe größtenteils die einzig mögliche Form von menschlichem Kontakt war, ist das Schwelgen in der Vergangenheit eh für viele zum Standard geworden. In diesem Zuge ist "Home Video" ein einzigartiges Beispiel dafür, wie man aus Verletzlichkeit Stärke gewinnen kann. Dacus' Stimme, sowohl die gesungene als auch ihre innere, bieten einem dafür die nötige Kraft, das Fundament und den Glaube.

Release 28.5.2021

Das freigeistige, sechsköpfige Freak-Rock-Biest kehrt mit seinem siebzehnten Album zurück. "L.W." ist sowohl ein Gegenstück zu seinem Vorgänger "K.G." aus dem Jahr 2020, als auch ein eigenständiges Werk der Innovatoren aus Melbourne. Nach einem ganzen Jahrzehnt zunehmender Produktivität hat die Unfähigkeit, 2020 und 2021 auf Tour zu gehen, der Band ein Zeitfenster verschafft, in dem sie, wie Frontmann Stu Mackenzie es ausdrückt, "unsere Gehirne zurücksetzen und versuchen, herauszufinden, wie wir etwas anderes machen können." Wo King Gizzard in der Vergangenheit vielleicht vierzehn oder fünfzehn Songs aufgenommen haben, um es auf ein Zehn-Track-Album zu schaffen, nahmen sie dank der zusätzlichen Zeit, die sie hatten, stattdessen neunzehn komplette Tracks nacheinander auf. Das Ergebnis ist ein Doppelalbum, das die mikrotonalen Erkundungen der Band erweitert, die erstmals auf dem 2017 erschienenen Album "Flying Mictrotonal Banana" zu hören waren, das von vielen Fans und auch von Stu selbst als eines der Lieblingsalben von Gizzard angesehen wird. Damals wie heute begab sich die Band auf die Suche nach "den Tönen zwischen den Tönen", über modifizierte Instrumente und die mittelöstlichen Stimmungen. Während die Band in ihr zweites Jahrzehnt eintritt, verspricht die kreative Zukunft dieser Band des 21. Jahrhunderts nur noch kühner, verrückter und einfallsreicher zu werden.

Release 11.6.2021

Eine der beliebtesten Bands Großbritanniens und Gewinner des Mercury Prize 2018 für ihr letztes Album "Visions of Life", mit ihrem dritten Album! "Blue Weekend" wurde von Markus Dravs (Arcade Fire, Björk, Brian Eno, Florence + The Machine) produziert, der der Band geholfen hat, ihren Sound auf einen noch schärferen Punkt zu verfeinern. Rowsells persönliches Storytelling steht im Mittelpunkt von "Blue Weekend", einem Album, das Wolf Alice eine neu entdeckte Kühnheit und Verletzlichkeit gleichermaßen zugesteht. Gegründet 2010 als Akustik-Duo, von Sängerin Ellie Rowsell und Gitarrist Joff Oddie, sind Wolf Alice seit 2012 auch durch den Bassist Theo Ellis und Schlagzeuger Joel Amey vertreten.

Release 4.6.2021

Erstes Album seit vier Jahren der "beer-crushing, zombie-killing, air-guitar-contest-judging metal heroes!" "Arrows" wurde in den Halfling Studios in der Heimatstadt der Band, Portland, OR, mit dem langjährigen Mitarbeiter Chris Funk, Produzent von "Murder The Mountains" und "Whales and Leeches" aufgenommen. Chris ist ein wichtiger Einflussfaktor in Bezug auf das seltsame Umgebungsmaterial zwischen den Songs und verantwortlich für die gruseligen Nebengeräusche in den Songs und schafft definitiv eine zusätzliche Atmosphäre, die die Band sonst so wohl nicht hätte. "Arrows" ist auch der erste richtige Titeltrack für die Band. So erklärt Beam: "Dies ist das erste Mal, dass wir ein Album nach einem Song benennen, der tatsächlich auf dem Album ist. Wir haben andere Alben, die nach unseren Songs benannt sind, die aber selbst nicht auf diesen Alben sind".

Release 21.5.2021

Das neue Album lädt direkt in die Gedankenwelt der Psychedelic-Rock Legende Dave Wyndorf ein und überzeugt mit einer psychotischen Auswahl aus Proto-Metal und späten Psych Songs, die breitbeinigem Hardrock mehr als nur Tribut zollen. Die exzellente und gleichermaßen obskure Songauswahl huldigt einigen bekannten All-Time-Favorites in neuem MM-Gewand und lässt vertraute Melodien neuen Spirit atmen. Das erste Cover-Album markiert eine weitere absolute Glanzleistung der Band und präsentiert Wyndorf's Stimmkraft, die den Songs einen zweifelsohne, unnachahmlichen Stempel verleiht, in absoluter Höchstform,. Das Sound-Korsett von A Better Dystopia wurde von den Musikern Phil Caivano, Bob Pantela, Garrett Sweeney und Alec Morton geschnürt: Ein Feuer aus Vintage und Old School, brennenden Fuzz-Leads und stampfenden Bässen und Drums, ausgelöst durch den expressiven Stil der Formation, der in der modernen Musik fast verloren gegangen ist. Im Album Opener "The Diamond Mine" rezitiert Dave Wyndorf einen klassischen Monolog Dave Diamonds' - einem amerikanischen Radio-DJ, dessen Sendungen in den späten 60ern und frühen 70er Jahren vielen Psychedelic- und Acid-Rock-Bands zu steigender Bekanntheit verholfen haben.Mit den Anfangsakkorden das Hawkind-Klassikers "Born To Go" beginnt der eigentliche Trip der Platte. Tracks, wie das herausragende "Mr Destroyer" (Poo-Bah) rühmen sich durch wabernde Riffs und wirbelnde Vocal-Parts und führen mit beinah visionärer Wirkkraft die perfekte Mischung aus Hard Rock und Psychedelic herbei. Das fiebrig klingende "Motorcycle (Straight To Hell)" (Table Scraps) atmet die pure Punk Wildheit der alten Schule und Zeilen wie "I'm gonna drive it straight to HELL!" erinnern an eine stilistische Kreuzung aus Iggy Pop und Motörhead. Die tosende Version des Hardrock Klassikers "Learning To Die" (Dust) und die ausdrucksstarke Interpretation des Stooges-trifft-auf-Goth-Epos "Solid Gold Hell" (The Scientists) ziehen den Hörer vollends in die Tiefen des flackendernden Kaninchenbaus. Das Album schließt mit der explosiven Coverversion von Morgens "Welcome To The Void", die in bissig und gleichermaßen ungezwungenere Manier dazu einlädt, die halluzinogene Fahrt immer wieder neu zu starten. Mit A Better Dystopia lassen MM den Hörer in einer anderen Zeit und einem anderen Raum erwachen, der trotzdessen eindeutig den klassifizierenden Magneten-Stempel an jeder Ecke widerspiegelt.

Release 14.5.2021

Nach zwei Alben auf Morr Music erscheint das dritte Album der Münchner auf dem Wiener Label Siluh. Der versponnen-psychedelische Krautpop-Entwurf mit Independent Folk-Anleihen wird konzeptuell erhöht und darf Liebhabern der Beta Band, Jane Weaver, späten Tame Impala oder Animal Collective nicht entgehen. Aloa Input ist im besten Sinne eine Experimental Pop Band. Das dritte Album der Band um Angela Aux, Marcus Grassl und Cico Beck (The Notwist, Joasihno) ist ein Konzeptalbum, hört auf den Namen "Devil's Diamond Memory Collection" und erscheint im Mai 2021. Fünf Jahre sind seit dem letzten Album von Aloa Input, der einstigen Speerspitze des "New Weird Bavaria", vergangen. Eine für die Band ungewöhnlich lange Zeit. Angela Aux, Marcus Grassl und Cico Beck verbrachten sie damit einen endlosen Strom an Demomaterial zu produzieren. Bei Sessions in Ateliers, Kinos und Kellerräumen in München, Mexico City und Montreal entstanden knapp 50 Stücke. Am Ende blieben 14 übrig, die im ersten Konzeptalbum der achtjährigen Bandgeschichte gipfelten. Das Thema? Die ,gefühlte Ewigkeit"! Jedes der 14 Lieder ist aus einer anderen, fiktiven Perspektive aus einem unbestimmten Zeitpunkt in der Zukunft erzählt, eine Rückschau auf die Fetzen unserer Zivilisation. ,Wir wollten eine Platte machen, die wir selber in 20 Jahren anhören würden und sagen, ja: So erschien uns damals die Zukunft". Doch wie lässt man eine Zukunft vor dem inneren Ohr auferstehen, die nur in unseren Gedanken existieren kann? Aloa Input haben auf ,Devil's Diamond Memory Collection" den richtigen Ton getroffen, irgendwo zwischen alienated und alltäglich. "Devil's Diamond Memory Collection" ist der Soundtrack für ein Science-Fiction-Szenario, das nicht als fortschrittsoptimistische Utopie oder bombastische Endzeitvision daherkommt, sondern als geradezu beiläufige Erkenntnis, dass wir längst in unserer Zukunft angekommen sind.

Release 14.5.2021

Die 5 teils sehr langen Songs waren ursprünglich das Ergebnis einer magischen von White dirigierten Freeform-Jam-Session von White mit 7 Musikern in Richmond, Virginia, ein mächtiges, hypnotisch groovendes Manifest mit einem grandiosen Psychedelic-Space-Jazz-Überbau von spacigen Keyboards und Gitarren, das von White aber wegen seines speziellen Charakters zunächst nicht veröffentlicht wurde. Bis Lonnie Holley mit dem Sprech-Sing-Sang seiner welken Soul-Stimme eine Art kosmische Weisheit über Whites wartende Arbeit ergoss. Ein phänomenales Mini-Album: explosiver und eindringlicher als alles, was die beiden Künstler je gemacht haben. Aggressiv, aber ekstatisch, spielerisch, aber pointiert. Eine pointierte, aber einfühlsame Sozialkritik, unterlegt mit mächtigen Grooves. Holley nahm seine Vocals über Whites Aufnahmen in nur vier Stunden auf. Als Visionär und intuitiver Texter hörte er sich 20 Sekunden an und überging oder proklamierte die Bilder, die die Klänge hervorriefen. Wenn ihm etwas gefiel, zog er ein Notizbuch zu Rate, das voller lyrischer Einfälle war, und sang dann komplette erste Takes zu Musik, die er noch nie gehört hatte.

Release 18.6.2021

6 Jahre nach Superwolf, dem ersten gemeinsamen Album von Matt Sweeney und Bonnie ´Prince´ Billy, heulen die beiden Musiker erneut den Mond an. In klassischer Garcia-Hunter-Manier arbeiteten Sweeney und der 'Prince' zunächst getrennt und fanden dann mit ihren separaten Song-Visionen den Weg zueinander. An Matt gelieferte Bonnie-Lyrics entfachten Sweeneys Fantasie an der Gitarre; Akkorde und eine Melodie wurden geformt, schnell und locker aufgenommen und an den 'Prince' zurückgeschickt, dann trafen sich beide Parteien, um sie zu singen, zu verweben, zu festigen und schließlich gemeinsam vor einem kleinen, ahnungslosen Publikum aufzuführen. Neue Blöcke von Texten und Song-Elementen wurden verschickt, verstrickt und verstanden, bis alles bereit war für die finalen Aufnahmen. Die Arbeit an "Superwolves" begann bereits vor fünf Jahren, die erste eigentliche Session fand jedoch erst vor etwa einem Jahr im Brooklyn's Strange Weather statt und die nächste im Butcher Shoppe in Nashville. Sweeney überwachte die Brooklyn-Sessions während Oldham die Nashville-Mixe überwachte. Sweeney singt die Harmonien um Will Oldham herum mit und spielt alle elektrischen, akustischen und Bassgitarren, stellenweise unterstützt von David Ferguson am Stand-up-Bass, Mike Coltun am E-Bass, Mdou Moctar an der elektrischen Leadgitarre, Ahmoudou Madassane an der Rhythmusgitarre, Souleyman Ibrahim, Ryan Sawyer und Peter Townsend am Schlagzeug und Mike Rojas an den Tasten. Und Bonnie 'Prince' Billy singt. Natürlich. *Domino

Release 18.6.2021

Nun folgt CARNAGE, das erste Studio-und-Song-Album des Duos Nick Cave und Warren Ellis. Es handelt sich tatsächlich um eine Art Bad-Seeds-Platte ohne die anderen: kein Bass, keine Drums. Cave singt und spielt Klavier, Ellis organisiert den Rest: Geige, Loops, Gitarren, Elektronik – auch Beats. Das Album beginnt mit einem pumpenden Wumms, der nahelegt, CARNAGE könnte zum Electronica-Abenteuer werden. Zur Ruhe kommt das Album erst in der zweiten Hälfte. Im ersten Stück „Hand Of God“ widmet sich Nick Cave mit biblischen Versen der Katastrophe, die uns umgibt, lähmt und tötet. Er war schon immer ein Dichter der Apokalypse, seine Metapher von der Hand Gottes, die wie ein Hammer vom Himmel auf uns niederschlägt, zeigt Wirkung: Electro-Goth von einem, der vom Glauben abfällt.

CARNAGE startet mit der Apokalypse und endet also damit, die Balkontür aufzumachen, den neuen Tag zu begrüßen. Nick Cave, der Lockdown-Storyteller. Plus Warren Ellis, dem begnadet guten Mitstreiter.

Release 14.5.2021

Sein 17tes Album besteht aus zehn intensiven Songs, die Geschichten von Menschen erzählen, die schlimmen Umständen trotzen. Das vom aus Seattle, Washington stammenden amerikanischen Singersongwriters selbst produzierte Album gehört klanglich zu seinen exponiertesten Arbeiten. Einflüsse waren der einzigartige Sound von Alben wie Lou Reeds "The Bells" oder Paul McCartneys "Ram". Düstere Szenerien und Geschichten des Zwielichts sind seit langem fester Bestandteil von Jurados Songs über Geister, Mörder, grausame Liebhaber oder den falschen Messias. Auf "The Monster Who Hated Pennsylvania" wirken die Inhalte mehr geerdet, fast schon aus dem Lebensalltag zitiert und von gewöhnlichen, aber nicht weniger gewaltigen Katastrophen gezeichnet: ein sich auf eine Stadt zubewegender Wirbelsturm, Amnesie, Krankheit oder belastete wie belastende Beziehungen. Auf "The Monster Who Hated Pennsylvania" kreiert Jurado seine eigene Twilight Zone, 'einen Ort zwischen Licht und Schatten', wie es der 48-Jährige ausdrückt. Er öffnet dem Zuhörer eine Dimension der Vorstellungskraft rund um den Grenzbereich zwischen Herzschmerz. Er kennt die geheimen Worte und flüstert sie im richtigen Moment.

Release 14.5.2021

Das sechste Album von St. Vincent deckt eine neue Facette an der sich ständig weiterentwickelnden Künstlerin Annie Clark auf, einer der faszinierendsten Erscheinungen gegenwärtiger Pop-Musik ist: "I was inspired by the classic records of the 70's. Stevie. Sly. Stones. Steely Dan. Chords. Groove. The days when sophisticated harmony and rhythm didn't sound heady - they just sounded, and felt, good. Lots of guitar. But warm sounds, not distortion and chaos. Hopefully a turn nobody will see coming." Das Album wurde von Annie Clark und Jack Antonoff produziert, von Cian Riordan gemixt und von Chris Gehringer gemastert. Als MusikerInnen beteiligt sind Annie, Jack und Cian sowie Thomas, Evan Smith, Sam KS, Greg Leisz, Daniel Hart, Michael Leonhard, Lynne Fiddmont und Kenya Hathaway.

Release 7.5.2021

Der Zürcher Rapper und Poet Tinguely dä Chnächt veröffentlicht am 7. Mai 2021 sein neues Album «Zukunft». Produziert wurde sein nunmehr viertes Solo-Album von Reezm. Als Gäste mit dabei sind Sulaya, Manillio, Stereo Luchs, Danase, Anna Luna und Noah Ferrari.

Vor drei Jahren veröffentlichte Tinguely dä Chnächt sein vielbeachtetes Album «Calvados». Zudem wurde er für sein Schaffen mit einem Werkjahr der Stadt Zürich ausgezeichnet. Es folgten verschiedene Kollaborationen sowie mehrere Tracks seines Side-Projektes «Acid Easy». Nun präsentiert er sein neustes Solo-Album. Dafür arbeitete Tinguely dä Chnächt erneut mit dem DJ und Produzenten Reezm zusammen. Als Mitinhaber eines Plattenladens greift dieser auf ein riesiges Musikwissen und eine gigantische Soundbibliothek zurück. Damit kreierte er den Sound, zu welchem Tinguely auf «Zukunft» seine Beobachtungen schildert. Auf seinem neusten Werk reflektiert Tinguely dä Chnächt gewohnt poetisch das, was sich anderen oftmals verbirgt. Und beschreibt vermeintlich Bekanntes so, wie man es bisweilen noch nicht gehört hat.
«Berlin» eröffnet das Album. Ein Song, in dem es um seine Stadt geht, ihre jungen Einwohner*innen und deren immer währende Sehnsucht nacht Berlin. Dabei karikiert er verschiedene Typen, und so manch einer wird sich im einen oder anderen wiederzufinden. «Planet» mit Sulaya zeichnet eine für ihn heute entfernte Partywelt nach. Und einen Ort, der gerade in diesen Tagen für alle unerreichbar zu sein scheint. Und während «Seriäkiller» mit der Nutzung von Streamingdiensten spielt, thematisiert er auf dem von Dabu Bucher mitproduzierten «Sandy» die Beziehung von Mensch zu Mobiltelefon. Dann gibt es da noch «100 Läbä», eine Kollaboration mit dem Zürcher Stereo Luchs in Bestform. Exklusiv auf der Vinylversion von «Zukunft» ist der Track «Vorsicht vor äm bissigä Humor» mit Danase zu finden. Tinguely dä Chnächt hat die Bars und Backstages vorerst hinter sich gelassen. «Zukunft» zieht ein Fazit. Der soulige Grundton aber, den seine geschriebenen Bilder kennzeichnet, ist
geblieben. So hält der Longplayer für die Hörer*innen Kritisches, Amüsantes und Ergreifen des bereit.

Der 45-jährige Zürcher Rapper und Poet Tinguely dä Chnächt, bürgerlich Patric Dal Farra, ist seit über
20 Jahren eine feste Grösse in der hiesigen Hip-Hop-Szene. Bis heute sind von ihm die drei Solo- Alben «Mis Bier» (2004), «Bar» (2010) und» «Calvados» (2018) erschienen. Im Mai 2021 veröffentlicht er sein
viertes Werk «Zukunft». Des Weiteren hat er mit dem von ihm gegründeten Rap-Kollektiv «Temple Of Speed» sechs Alben veröffentlicht und das Projekt «Acid Easy» ins Leben gerufen, bei dem er mit anderen Artists genreübergreifend zusammenspannt. Auch ist er Mitglied der Rap-Formation «SLM52». Für sein Schaffen ist Tinguely dä Chnächt mit verschiedenen Auszeichnungen geehrt worden, darunter 2018 mit einem Werkjahr im Bereich Jazz, Rock, Pop der Stadt Zürich. Daneben arbeitet er als Journalist, Kolumnist und Autor.

Release 7.5.2021

Das fünfte Album der Kopenhagener Indierock / Postpunk-Band überzeugt auf ganzer Linie und wurde produziert von Pete Kember a.k.a Sonic Boom (Spacemen 3). Elias Bender Rønnenfilts Stimme fasziniert in langsamen Balladen genau so gut wie auf Wall-Of-Sound-Indierock mit Rave im Sinn. Nils Gröndahls sengende Gitarren, pochende Geigenschichten, Happy-Mondays-Drums, alles perfekt in Szene gesetzt von Produzent Pete Kember a.k.a. Sonic Boom von den legendären Spacemen

Release 7.5.2021

Auch als Ltd.-Red Vinyl-Edition erhältlich (CHF 34.90)

Crumb sind Lila Ramani, Bri Aronow, Jesse Brotter und Jonathan Gilad und "Ice Melt" ihr zweites Studioalbum und der Nachfolger ihres gefeierten 2019er-Debüts "Jinx", das der Band auf Seiten wie Pitchfork viel Lob einbrachte ("Crumb's Psychedelic Rock Is Eerie, Disorienting, Trippy-Just Don't Call It Chill"). Das neue Album ist nach dem Streusalz benannt, das zum Auflösen von Eis auf u.a. Haustreppen verwendet wird, also Wasser absorbiert und Wärme abgibt. Ein Gefühl, das sich auch nach dem Hören von "Ice Melt" einstellt, für das die Band in Los Angeles mit dem angesagten Produzenten Jonathan Rado von Foxygen an "Ice Melt" zusammengearbeitet hat, der dem vielschichtigen Psychedelia-Sound von Crumb den letzten Schliff verpasste. Dabei entstanden experimentelle Kompositionen, die abwechslungsreich, surrealistisch, energetisch und euphorisch zugleich sind. Sängerin Lila Ramani beschreibt das Album als eine "Rückkehr auf die Erde" und als eine tief empfundene Auseinandersetzung mit "realen Substanzen und Wesen, die auf diesem Planeten leben". Crumb waren bereits mit der Hälfte der Aufnahmen zu "Ice Melt" fertig, als die Pandemie die Art und Weise veränderte, wie wir miteinander und mit der Welt im Einklang stehen. Die Schwere des ersten Lockdowns verlieh den thematischen Fäden, die sich durch "Ice Melt" ziehen, ein unmissverständliches und unwiderrufliches Gewicht, das "themes of disconnection and dislocation, of changing shape and experiencing new states of being" verhandelt. Das Album endet mit einer versöhnlichen Note und dem Gefühl zu wissen, dass der Boden dich auffangen wird, auch wenn du einen Schritt nach vorne machst.

Release 7.5.2021

Ein ambitioniertes, gewaltiges Debutalbum mit einer Push/Pull-Dynamik, die immer wieder Spannung aufbaut und löst. Mit einem taxierten Gleichgewicht aus Kontrolle und exaltierter, gesanglicher Post-Punk-Auflehnung verfolgt das Album eine eigenwillige Linie in eigenem Tempo und basiert durchweg auf einer gut durchdachten, wenngleich komplexen Struktur. Das paßt perfekt in diese Zeit, knüpft eigene Bande und Allianzen und paßt mit seinem Charisma, Geist und Ausdruck zu so unterschiedlichen britischen Bandkollegen wie Black Country, New Road, TV Priest oder Dry Cleaning. Die Intensität des in Bandgemeinschaft entstandenen Squid-Sounds umschifft nicht nur Genregrenzen, sondern transzendiert sie, so dass eine Verlaufskurve unmöglich vorherzusagen ist. Stacheliger Post-Punk trifft auf die Organisiertheit des Math-Rock, atmosphärische Post-Rock-Weiten und wilder Kraut-Jazz geben sich die Klinke in die Hand, auch motorischer Psychedelic-Rock spielt seine Rolle wie natürlich sowieso Noise- und Indie-Rock, aber auch verspielte Parts am Rande zu Jazz mit Bläsereinsatz. Obwohl der Albumtitel eher pastorale Szenerien, also etwas Ruhiges, Ländliches erwarten lässt, handelt es sich dabei genau genommen um eine Finte, typisch für eine Band, die ein Faible für Widersprüchliches und Paradoxien hat. Monolithische Gebäudeklötze aus Beton, dystopische Szenerien aus imaginären Metropolen schwingen in dem mal aufgebracht und disharmonisch, mal vollkommen im Groove und im Fluss agierenden Sound mit reflektiert werden dabei auch die Verwerfungen, die unsere Welt auszeichnen: "Dieses Album entwirft eine imaginäre Stadtszenerie“, sagt Schlagzeuger Oliver Judge, aus dessen Feder die meisten Lyrics stammen. "Die Tracks illustrieren die Orte, Geschehnisse und die Architektur, die diese Stadt ausmachen. Unsere zurückliegenden Projekte waren eher verspielt, und es ging eher um Figuren, während die Musik dieses Mal düsterer klingt und es eben eher um Räumlichkeit geht. Der emotionale Tiefgang der Musik ist dadurch noch größer.“ als Gäste beteiligt waren u.a. Saxofonist Lewis Evans (Black Country, New Road) und Multiinstrumentalistin Emma-Jean Thackray, die einige Arrangements einspielten. Die Musik von Squid ist mal aufgebracht und disharmonisch, mal vollkommen im Groove und im Fluss reflektiert die Verwerfungen, die unsere Welt auszeichnen. Ein ausgelassenes, eindringliches Werk, das die Unsicherheiten der Welt mit einer Neugier und Forscherdrang verbindet und immer wieder neue Richtungen einschlägt

Release 7.5.2021

Diese Band ist ein einzigartiges Biest. Eine siebenköpfige Experimental-Rock-Band, die traditionelle japanische Instrumente und Einflüsse mit lauten Fuzz-Gitarren, Posaune, Flöte, Tasten und einer kraftvollen Rhythmusgruppe zu einem modernen Sound verschmilzt, der an psychedelische japanische Soundtracks aus den 1960er-70er Jahren erinnert. Die delirierenden und doch scharfen Songarrangements sind eine perfekte Spielwiese für die große Bandbreite des Gesangs und die theatralische Darbietung von Sängerin Maya Kuroki, deren Stimme manchmal verzweifelt schreit und manchmal beruhigend wirkt. Live ist die frenetische Energie der Band greifbar, ein pulsierender Punk-Zirkus, der einen wie ein Sturm trifft. Ihr Debütalbum (übersetzt'Signs Of Great Changes To Come') führt durch eine große Bandbreite an Bildern und Klanglandschaften. Aufgenommen und gemischt von Seth Manchester (Battles, Daughters) bei Machines with Magnets und gemastert von Heba Kadry (Bjork, Julianna Barwick), ist das resultierende Album so vielschichtig und einzigartig wie die Band selbst.

Release 7.5.2021

2tes Album! Sophia Kennedy ist eine der wandlungsreichsten Künstlerinnen, die es zurzeit in der deutschen Popmusik gibt. Aufgewachsen in Deutschland, nachdem ihre Familie aus Baltimore ausgewandert war, entwickelte sie beim Durchstöbern der Plattensammlung ihrer Mutter ein Ohr für exzentrische Songkunst. Ihre Musik klingt manchmal wie der Soundtrack zu einer zerfallenden Welt, die am seidenen Faden der Erinnerungen hängt und jede Nummer macht Lust auf mehr!

Vinyl erst ab 2. Juli 2021 wieder erhältlich!

Auf seinem neuen Soloalbum schwingt sich Danger Dan von der Antilopen Gang zum Randy Newman des Rap auf, obwohl es gar kein Rap-Album ist. Elf ergreifende Klavierballaden, die Comedian-Harmonists-Chöre mit Hannes Wader, Antifaschismus mit Liebesliedern und kluge Zeitgeist-Diagnostik mit gen Himmel schwebenden Streichern vereinen. Danger Dan nutzt hier immer wieder tatsächliche Erlebnisse als Basis für universell gültige Exkursionen, kluge Zeitgeist-Diagnostik und kitschfreie Liebeslieder. Mit großer Erzählkunst verzahnt er auf diese Weise seine Biografie mit dem Drama und der Lächerlichkeit der menschlichen Existenz. So führten etwa die tatsächlichen Ereignisse rund um ein Lou Reed-Konzert in Bordeaux indirekt zu einem wichtigen Umzug sowie zu einer der vielseitigsten und interessantesten Rap-und-einiges-mehr-Karrieren der vergangenen zehn Jahre, nämlich jener mit der Antilopen Gang, als deren Mitglied wir Danger Dan natürlich vor allem kennen. Frühere Klavierstücke Danger Dans waren aber noch von einer humoristischen Note geprägt, die man in Deutschland meist unter dem Begriff Kleinkunst subsummiert. Danger Dans Perspektive war ironisch - und damit über den Dingen stehend, nicht angreifbar. "Das ist alles von der Kunstfreiheit gedeckt" hingegen kündet von der Liebe dieses Mannes für die Musik, die er hier macht und für sein Instrument: das Klavier. Danger Dan legt sein Herz auf den Tisch, das macht das Album so gut.

Release 30.4.2021

Zum 25jährigen Jubiläum erscheint Album Nummer Zehn der Band, die wie keine andere für den Mix aus rauem Punkrock und bumsfidelem Irish Folk steht, die Bostoner sind die Inkarnation des St.Patrick´s Day und in den USA kennt und liebt man sie dafür, nicht nur in Punkerkreisen. Dass sich die Rezeptur nicht groß ändert liegt auf der Hand, sodass auch diese 11 Songs alle Flüsse wieder grün einfärben lassen. Mit so vielen Jahren auf dem Buckel zeigen sich dennoch keine Ermüdungserscheinungen, im Gegenteil, die Arrangements, gerade mit Banjos und all der folkigen Instrumentierung fügen sich umso smoother und natürlicher ins Punkfundament ein, und schieben den Spaß und die Lebensfreude in den Mittelpunkt. Nach wie vor eine Legende

Release 30.4.2021

Das neue einzigartige Album - voller Poesie und Musik. Vertont von Warren Ellis, mit Nick Cave, Brian Eno und Vincent Ségal. Mit „She Walks In Beauty“ veröffentlicht Marianne Faithfull in Kollaboration mit dem Komponisten und Multiinstrumentalisten Warren Ellis eines der markantesten und einzigartigsten Alben ihrer langjährigen und außergewöhnlichen Karriere. Die Aufnahmen fanden kurz vor und während des ersten Covid 19-Lockdowns statt, währenddessen die Singer-/ Songwriterin sich selbst mit dem Virus infizierte und fast an der Krankheit starb. Zu den musikalischen Mitwirkenden zählen neben Warren Ellis auch Nick Cave, Brian Eno sowie Cellist Vincent Ségal und Produzent Head. Mit „She Walks In Beauty“ erfüllt sich Faithfull den lang gehegten Wunsch, ein Album aufzunehmen, das Poesie mit Musik verbindet. Es ist ein Album, für das sie tief in ihre Vergangenheit eintaucht und das ihrer großen Leidenschaft für die englischen Dichter der Romantik entspringt – eine Leidenschaft, die sich während ihres Studiums bei Mrs. Simpson an der St. Joseph’s Convent School in Reading entwickelte. Maßgeblichen Anteil daran, dass diese Album realisiert werden konnte, hat ihr langjähriger Freund und Manager Francois Ravard. "Es war Francois, der das Projekt auf die Beine gestellt hat", sagt sie. "Und er war es, der Warren überredete, sich daran zu beteiligen, was wirklich schwierig war, weil Warren so unglaublich viele Dinge macht." "Marianne hatte eine wundervolle Idee für diese Poesie-Platte, und sie wollte sie sofort machen", erinnert sich Ravard. "Mir gefiel die Idee auf Anhieb, und so rief ich Head an und bat ihn, zu Marianne zu gehen und ihre Lesungen aufzunehmen." Dann kontaktierte er Warren, um zu fragen, ob er sie auf die gleiche Weise vertonen könne, wie er es mit seinen Filmen tat. "Es dauerte eine Weile, bis er herausfand, was zu tun war, aber rückblickend sagte er, dass die Arbeit daran eine der besten Zeiten seines Lebens gewesen sei." Die Aufnahmen fanden zum Teil in Faithfulls Londoner Haus kurz vor und nach dem Lockdown statt. PJ Harveys Produzent Head schickte die Sprachaufnahmen an Ellis, der sich wiederrum daran machte, die Musik dazu in seinem Pariser Studio zu komponieren. "Ich habe sie nicht als Songs gesehen", sagt er. "Ich war nicht auf Melodien oder Akkorde festgelegt, sondern konnte mir unglaublich viele Freiheiten nehmen. Es ging also nicht darum, etwas zu kreieren, das dem Text folgen oder ihn umreißen musste. Das Wichtigste war, dass es sich nicht im Weg stand." Er beschreibt die Musik als eine Art musique concrete, die street sounds mit einer Reihe von akustischen und elektronischen Instrumenten sowie Bearbeitungen verbindet. "Meine bevorzugte Art, Musik zu machen, ist es, vieles dem Zufall zu überlassen, sozusagen Unfälle geschehen zu lassen", sagt er. "Ich habe mich also von festen Strukturen wegbewegt. Diese Musik ist mein Versuch, etwas Neues voranzutreiben. Ich denke, sie ist so gut wie alles, was ich je gemacht habe", fügt er hinzu, "sowohl in Bezug auf den Spirit als auch den Prozess, den ich durchlaufen habe." Brian Eno schuf wundervolle Soundtexturen zu Stücken wie „La Belle Dame Sans Merci“ und „The Bridge Of Sighs“, während Vincent Ségal unter anderem Cello-Parts zu Shelleys jenseitigem „To The Moon“ und Byrons Late-Night-Lamento „So We'll Go No More A-Roving“ beisteuerte. Faithfull schöpft tief aus der Poesie von Shelley, Keats, Byron, Wordsworth, Tennyson und Thomas Hood. Mit ihren Interpretationen von Ellis' subtilen Klangcollagen legt sie das Herz, die Essenz, die lebendige Materie in all diesen großen Gedichten frei – erfrischt und erneuert sie mit den komplexen, lebendigen Klangfarben ihrer Stimme und bettet sie in ein subtiles Ambient-Soundgewand. Es ist ein radikaler Aufbruch und zugleich die Rückkehr zu ihren ursprünglichen Inspirationen als Künstlerin und Performerin

Release 30.4.2021

Vorbote des neuen Ja, Panik-Albums, das nach sieben langen Jahren Wartezeit erscheint, ist "Apocalypse or Revolution", ein umwerfend intensiver Sechsminutensong, der just im Heraufdämmern des neuen Jahres die gestern wie morgen entscheidende Gegenwartsfrage stellt. Ein betörender Klagegesang, der in deutsch-englisch-italienischem Poesiestrom über sanften Akkorden das allseits spürbare Altern der Zeit beschwört

Reease 30.4.2021

Das 6te Album der Band um das Songwriter-Duo Andy Hull und Robert McDowel wird als cinematisches, majestätisch-episches Werk mit konzeptuellem Unterbau und umfangreicher Instrumentierung angekündigt.

Release 30.4..2021

10tes Album der Schotten! Selbst wenn wir nicht gerade außerordentlich beunruhigende Zeiten durchleben würden, gibt es nichts Vergleichbares wie ein Teenage Fanclub-Album, um Geist, Körper und Seele zu beruhigen und zu bekräftigen, dass in dieser Welt doch nicht alles verloren ist. "Endless Arcade" folgt auf das 2016er Album "Here", mit dem Teenage Fanclub ihren ersten Top-10-Erfolg seit 1997 feierten - ein klarer Beleg dafür, wie sehr diese Band bis heute geschätzt wird. Das neue Album ist die Quintessenz von Teenage Fanclub: Die Melodien sind zu gleichen Teilen herzerwärmend und herzzerreißend, die Gitarren klingen teils glockenklar, teils kratzig, Keyboard-Linien verweben sich ineinander und drehen sich um sich selbst, harmonieerfüllte Refrains brechen durch wie die Sonne an einem stürmischen-grauen Tag.*

Release 30.4.2021

In den Parr Street Studios in Liverpool produziertes neues 9tes Album der 2002 erstmals mit einem Album und einer Melange aus 1960er Psychdelia, Folk und modernem Rock'n'Roll in Erscheinung getretenen britischen Band. Der Trip auf die Koralleninsel ist im Umfang opulent als Doppelalbum ausgefallen. Das von einer grandiosen hall-losen Twang-Gitarre unterlegte "Faceless Angel" klingt wie der ideale, Lee Hazelwood-beeinflusste Soundtrack für den Brexit-veranlassten Abgang von der Insel mit seinem psychedelischen Flair und catchy Pre-60s-Appeal .

Release 30.4.2021

Auf dem dritten Soloalbum gibt sich die australische Singer-Songwriterin nicht mehr damit zufrieden, die Wildnis des Folk- und Indie-Rocks zu erkunden. Stattdessen taucht sie kopfüber in die kosmopolitische, hedonistische Welt des nächtlichen, mondhellen Pops ein. Sie tauscht den Dreck unter den Schuhen gegen nasses Kopfsteinpflaster und klebrige Tanzflächen, den blauen Himmel gegen rote Lichter und Lippen. Sixty Summers ist keine Metamorphose oder gar ein billiges Umstyling, sondern eine Häutung, eine Enthüllung. Die Schwester von Angus Stone zeigt ihr wahrhaftiges strahlendes Selbst, eine kraftvolle und verehrte Ikone, die sich mit ihrem eigenen Pinsel und ihrer eigenen Farbpalette selbst gemalt hat.

Release 23.4.2021

"Endlich gibt es wieder eine Berner Band, die über Bümpliz hinausdenkt. Sirens of Lesbos sind bestens informiert, was die Welt gerade hören will. Und doch ziehen sie daraus ihre eigenen Schlüsse."

Ane Hebeisen, Der Bund, 8.11.2020

Release 23.4.2021

"Wenn ich wüsste, was in dieser Kiste ist, küsste ich Dich, den Fürst von Metternich", mit diesen Zeilen beginnt der von Olaf O.P.A.L. produzierte Psychedelic-Rock-Trip des 2ten Albums und schon befinden wir uns mittendrin im 17 Lieder starken Ententraum-Epos von Peter Rubel, Pedro Goncalves Crescenti und Joel Roters. Aber Moment mal, meinen die tatsächlich den europäischen Politiker?! Oder den nach ihm benannten Sekt aus dem Rheingau?! Dann wiederum würde auch die besungene Kiste wieder Sinn machen. Die Musik dieses Traum sklingt jedenfalls so, als hätten die Beatles ihre Inspiration für das Weiße Album nicht nur in Indien, sondern auch bei einem schottischen Dudelsackvirtuosen gesucht. Aber kaum hat man seine Gedanken zum fraglichen Fürsten etwas geordnet, da taucht auch schon ein gewisser Herr Schmidt als "Gedankenzähler" auf. Dieser merkwürdige, von Pedro Concalves-Crescenti gesprochene Charakter, tritt auf diesem Album immer mal wieder als eine Art manischer Philosoph in Erscheinung. Er ist es auch, der sich später auf der Platte für den "Traum der Ente" verantwortlich zeigt. Auch wenn Peter Rubel ihm dabei immer wieder ins Wort fällt - und das nicht nur in diesem Song. Der Gedankenzähler jedenfalls scheint vor allem ein großer Geschichtenerzähler zu sein, voller versponnener und entzückender Ideen. Aber das wirklich Verrückte auf diesem Album: Alles in diesem surrealen Ententraum ergibt sofort Sinn, wenn die Band zum Chorgesang anstimmt. Der für International Music so typische Harmonie-Gesang, der immer so klingt, als singen The Byrds gerade zusammen mit Ian Curtis. Sixties-Pop und 80er Jahre Postpunk in einer vollkommen stimmigen Melange. Flowerpower in einer Welt aus Beton und Glasfaserkabeln. Dabei spielt es überhaupt keine Rolle, ob gerade die "Beauty of the bar" oder ein "Wassermann" besungen wird, ob wir uns mit ihnen auf die "Insel der Verlassenheit" oder in die "Höhle der Vernunft" begeben. Am treffendsten bringt es die Band selbst im Song "Misery" auf den Punkt: "Die Sprache ist eklektisch. As you and me!" Doch sobald der Chorgesang aufblüht, ist die Band über "All this misery" komplett erhaben. Das Herz geht einem auf - und das ohne jeden Deutschrock-Pathos! Da wird sich zwischendrin lieber in bester S.Y.P.H.-Punk-Manier mit verzerrten Instrumenten gegenseitig angemacht und "Spiel Bass!" geschrien, Oder es erklingt, wie im Song "Marmeladenglas", ein Stoner-Rock-Riff, das sich im Laufe des Stücks zum monotonen Drone entwickelt, weil Drummer Joel Roters den Schlagzeug-Einsatz so schön lang herauszögert. Und wenn es schließlich in dem Song "Zucker" heißt: "Falsche Leute angelacht / Zu viel nachgedacht / Weltraumschrott im Treppenhaus / und der Blues schaut aus seiner Wohnung / in seinem Samtpullover in dunkelblau / Hart aber fair, am Start und zwar sehr", dann sind die Fehlfarben aus "Monarchie & Alltag" tatsächlich nicht mehr weit. Vielleicht sind International Music so etwas wie eine hochmusikalische Punkband. Wobei sie unbedingt auch eine Krautrock-Band sind, hörbar große Verehrer von La Düsseldorf, sich aber immerzu dem Song verpflichtet fühlen. Ebenso unüberhörbar: Der Einfluss der brasilianischen Tropicalismo-Bewegung. Der "Ententraum" ist ein humorvolles, sprachverliebtes, psychedelisches (Anti-) Konzeptalbum voller Hits für hochkomplizierte Zeiten!

Release 23.4.2021

Cooler Fusion-Jazz, ausgetstattet mit lichten Stimmungen und einem phänomenalen Weitblick auf eine imaginäre Landschaft. Der Produzent, Autodidakt-Pianist und gelegentlich hier auch als Rapper/Sänger in Erscheinung tretende Alfa Mist unterstreicht mit seinem neuen Album seinen Ruf als einer der wichtigsten neuen Musiker der vibrierenden neuen Jazzszene aus London. Sein drittes Album vereint verschiedene Jazzunterstile, bindet auch Folk- und Rockgitarre ein, verweist auf Hiphop, Cinematic Jazz und Kamasi Washington und nimmt einen auf eine Reise mit, in der Jazz das Narrativ ist, von dem aus Ausflüge mit umfangreichen und immer wieder leicht wechselnden Instrumentierungen unternommen werden. Neben Piano oder Fender/Orgel, Bass, Schlagzeug und unterschiedlich klingende und gespielte, oft gar nicht nach Jazz klingende Gitarre spielen auch diverse Bläser und Streicher ihre Rollen und Alfa MIst tendiert immer wieder in Manier eines King Krule gen Hiphop und nimmt mit einem smoothen Rap nach East-London mit.

Release 23.4.2021

Das 13te Album der Indie-Rock-Legenden wurde von Kurt Vile koproduziert, der auch als gelegentlicher Gastmusiker mitwirkte, eine ausgesprochen "haarige" Kombination! Das 5te Album seit ihrer Wiedergeburt Mitte der 00er-Jahre bietet natürlich in erster Linie den typischen coolen Signatur-Sound, was in erster Linie der Stimme und Gitarre von J. Mascis geschuldet ist, aber natürlich auch dem knarzigen Lou Barlow-Bass und dem Go-Cart from Hell"-Drumming von Murph, wie gleich das gut ins Ohr gehende "I ain´t" mit weiblichen Backgroundvocalzusatz zeigt. Es gibt durchaus einige kleine Überraschungen: "I met the Stones" begeistert überraschenderweise mit einem astreinen Metal-Gitarrenschrabbel-Riffing der dann aber leicht entschärft wird und mit coolem Backgroundraunen unterlegt ist. Das im Uptempo gehaltene "I ran away" baut auf akustischer Staffelei auf, überbaut von cool ineinander zahnenden weiteren Gitarren und Vocals. Etwas sehnsüchtiger wird es da schon bei dem barock angehauchten "The Garden", bei dem Lou Barlow wie bei einem weiteren Song das Mikro übernimmt. Das anschliessende "Hide another round" setzt mit seinem Stop & Go-Riff und seinem Zwischengerattel einen energetischen Kontrapunkt. Bei dem großartigen "Take it back" kommt auch ein Klavier zum Einsatz, um das bluesige Song-Feeling noch zu unterstreichen, ein besonderer Song mit klasse Refrain. Natürlich gibt´s mehr als genug typische Dino-Nummern, die im Gitarren-Tiefflug typisch voll und breitbeinig nach vorne gehen wie "And me" oder "I expect it always" oder "N say", bei dem J. eines seiner klasse GitarrenSolis andeutet. Ursprünglich war das Album schon zur Veröffentlichung für Mitte 2020 angedacht, nachdem die Albumsessions im späten Herbst 2019 im Anschluss an eine Tournee in der gewohnten Umgebung begonnen hatten und dann wie gewohnt im Amherst's Biquiteen aufgenommen wurde.

Release am 30.4.2021

Kennt man den Kanon seiner bisherigen Werke, war es nur eine Frage der Zeit, bis er ein derart komplexes Album realisieren würde. Was als wagemutiger Psychfolk mit "Primrose Green " begann, wurde mit jeder weiteren Songsammlung eindrucksvoll unkategorisierbarer und experimenteller. Nur die Trademarks seines virtuosen Gitarrenspiels und seiner warm intonierten Stimme blieben gleich. Dann erschien 2018 die Avantfolk-Bearbeitung eines Dave Matthew-Band-Albums namens "Lillywhite Sessions", das als Blaupause für dieses kaum greifbare, neue Album diente. "Course in Faible" ist mit seiner kunstvollen, atemberaubenden, und nie vorhersehbaren Verneigung vor seiner eigenen Vision, eine hochkomplexe Stilverquickung von Jazz, Postrock, Psychfolk und Progrock, die der große Produzent John McEntire (Tortoise, Stereolab, Red Krayola und Jim O'Rourke) zu ungezügelten Arrangements und Klangfarben verdichtete, bis diese jederzeit überraschende Essenz aus Progressiviät und Songwriting in Balance gehalten wurde. "Course in Faible" ist die Kulmination von Walkers Songwriting, das die Zugänglichkeit früherer Tracks um die Ecke denkt, sie nun mit massiv ungeraden Takten, exzessiven Breaks, traumhaften Bandleistungen am Bass, Drums und Keyboards unterfüttert, mühelos Streicher ornamentiert oder subtil atonale Jazz-Bläser einsetzt und eine Spannung in dieses traumhaft-ekstatische-melancholische Meisterwerk legt, als wäre es sein letztes. 7 Songs, die entschlüsselt werden müssen, die abgeblich von Walkers Liebe für die alten Genesis beinflusst sind und die erstmals auf seinem eigenen Label erscheinen. Sein bestes Album.

Release 16.4.2021

Neues Album des norwegischen Trios Bent Saether und Hans Magnus Ryan mit dem Drummer Tomas Järmyr ! Harte Zeiten verlangen nach grossen Riffs ! Motorpsycho sind bereits 1 Jahr nach Veröffentlichung von "The All is One" und dem Abschluss ihrer "Gullvåg Trilogy" zurück mit einem neuen Studio-Album, das erneut im Black Box Studio (Frankreich) und im heimischen Trondheim fertig gestellt wurde. Manche Musiker sind mit ihren Alben und neuen Produktionen in der Corona-Zeit introvertierter und melancholischer geworden, Motorpsycho stellen den Freiheitsbeschränkungen durch den Virus ihr bis dato Riff- und Metal-lastiges Album seit "heavy metal Fruit" entgegen. Im Entstehungsprozess zu Kingdom of Oblivion ging es den 3 Norwegern aber nicht nur um das Zentrum "a pure hard rock record", zu entwickeln, sondern aus 'Kingdom Of Oblivion' wurde viel mehr als das, aufgrund der vielen Einflüsse der Band entstanden Songs, die in etwas so klingen, als hätten The Incredible String Band, Fleetwood Mac und Bert Jansch sich zu einer gemeinsame Session von Tony Iommi Unterstützung geholt.

Release 16.4.2021

Ein Album zum geniessen! Konkret etwa "All my love", das in aufreizender Langsamkeit über viereinhalb Minuten im Prinzip nichts passieren lässt und doch mitsamt all seiner subtilen Atmosphäre alles um sich herum in seinen Bann zieht. Oder den vorab veröffentlichten Titeltrack, der so ziemlich alle Zutaten eines guten London-Grammar-Songs aller Erwartbarkeit zum Trotz zu einem überzeugenden Ergebnis vermengt. Oder das im Vergleich geradezu treibende "Lose your head". Oder das elektronischer angestrichene "How does it feel". Oder den schlichtweg brillant-verwischten Closer "America". Man kann auch obendrein einen Blick ins Booklet werfen und feststellen, dass sich Reid reflektiert zu ihrer Rolle als Frau in der Musikindustrie, zu Feminismus und Misogynie äußert. Um es kurz zu machen: Bei London Grammar ist nicht alles, aber doch vieles wie immer. Der Hattrick in Sachen sehr gute Alben ist perfekt. Konstanz in seiner besten Form.

Release 16.4.2021

Die Band um die Brüder Kiszka lässt nicht locker und beweist weiterhin ordentichen Biß auf dem zweiten Album. Ungebändigter Gesang, eine ebenso nicht zähmbare Gitarre und die Insignien des amerikanischen Classic Rock der 70er sind feste Bestandteile des das Adrenalin zum Brodeln bringenden Sounds der aus dem provinziellen Michigan stammenden Band. Die schrille Stimme mit Robert Plant-Touch feuert aber auch ordentlich an, kippt aber immer wieder in gefühlvolle Melodiosität, die Band hat den Blues und gleissenden Americana im Blut und den Hardrock in den Eingeweiden gespeichert, eine unwiderstehliche Mischung, die Gefühl und Energie vereint.

Release 9.4.2021

Nach vier The Soft Moon-Alben (Captured Tracks, Sacred Bones) betritt der Post-Punk/Dark-Wave-Multiinstrumentalist aus L.A. insofern neues Terrain, daß er auf Gesang verzichtet. Grandiose düstere Visionen offenbaren sich hier, die definitiv auch als Soundtrack für einen Horrorfilm taugen, aber auch an die Nine Inch Nails erinnern. Ein mit grandiosen analogen Synth-Sounds, Bratzgitarren und Industrial-Elementen gespicktes Klanguniversum zwischen Gothic, Dark-Wave, Industrial, Post-Punk und halluzinogenem White Noise, das in post-apokalyptische Abgründe blickt mit steilen Synth-Wänden, brodelnden Bässen, unheimlicher Atmosphärik, Drone- und Noise-Sounds und mechanischen Rhythmen. Die einzigen Vocals sind in der Wall-of-Sound-Ballade "Used To Be" zu hören, bevor uns das post-apokalyptische Epos "Worlds On Fire" mit symphonischer Verwüstung ins Armageddon entlässt.

Release 9.4.2021

Auch auf dem 7ten Album vollzieht die Lieblingssängerin der Generation Le Pop wieder eine Wendung. Breut folgt verstärkt einem in alle Richtungen offenen Chanson électronique. Das bedeutet, daß sie sich auch hier in Gefilden zwischen Nouvelle "Indie-"Chanson und tiefgründig-abseitigem Pop aufhält, wobei die genaue Instrumentierung nicht die entscheidende Rolle spielt, jedes Arrangement ordnet sich hier ihrer Stimme unter. Entsprechend erstrahlt jeder der Songs in einem anderen Glanz, was der Abwechslung sehr gut tut und in ein stimmiges Album und eine verzaubernde Soundwelt voller Details mündete. Statt mit einer konventionellen Gitarren-orientierten Band arbeitet Françoiz Breut mit den jungen Musikern Marc Melià und Roméo Poirier an Computern und Synthesizern gemeinsam an ein einem Klangkonzept, dass von Anfang an zusammen mit den Kompositionen entwickelt wurde. Unterschiedliche Keyboard-Sounds, Streicherinlays, elektronische Beats aus der Dose, aber auch auch knackige Gainsbourg-Stereolab-Sounds und schön platzierte gelegentliche Gitarren-Twangs durchziehen die musikalischen Landschaften, die im Ganzen eine Metamorphose demonstrieren, auch weil die vielseitigen rhythmischen Komponenten und der Griff zu Samples und Loops neu ist innerhalb ihres Universums, was dem Zauber ihrer kristllklaren Stimme und Worte keinen Abbruch tut. Françoiz Breut erklärt: "Chanson électronique heißt hier, dass sich polyphone Klänge von analogen Synthesizern mit digitalen Tönen vermischen, die wiederum von einer Software generiert werden, die reale Instrumente imitiert. Bei den neuen Songs haben wir all das benutzt und mit Gitarre, Bass, Percussions und Güiro gemischt

Release 9.4.2021 (Vinyl am 23.4.2021)

Mit Album #4 läuten die US-Shoegazer aus Philadelphia mehrere Änderungen ein. Zum einen besteht die Band mittlerweile aus einem Kern-Trio, zudem ist dies ihr erstes komplett selbst produziertes Album, und drittens sind sie nun vom US-Kultindie Saddle Creek gesignt. All diese Entwicklungen führen dazu, dass sie auf "Entertainment, Death" ihre Fähigkeiten, von Noise-Rock-Stürmen zu gelassenen Schlafliedmelodien zu switchen (und umgekehrt) enorm gestärkt haben.

Release 9.4.2021

Die Tracks der Live-CD befinden sich bei der3xLP auf den anderen beiden Vinyls! Während es bei Kadavar und ihrer musikalischen Entwicklung immer um Befreiung und das Überschreiten der Grenzen des Retro-Rock-Genres ging, ist dies noch ein größerer Schritt in einen Kosmos, in dem das Dogma des klassischen Trio-Ansatzes völlig hinter sich gelassen wird. Sie verwenden dreifache Vokalharmonien und trippige Gitarrensoli, die sanft auf einem Ozean von Vintage-Synthesizern reiten. Dazu drückt das Schlagzeug und die Bassgitarre ruhig von unten. Mehr Pink Floyd wie Black Sabbath und das ist auch gut so (um mal mit einer ausgelutschten Phrase zu schließen). PS: Wie der Titel "The Isolation Tapes" vermuten lässt, sind die Songs allesamt im ersten Covid 666 Lockdown enstanden.

Release 2.4.2021

GYBE kehren mit einem weiteren Soundtrack für unsere Zeit zurück, wie ihn nur dieses unnachahmliche und ehrwürdige Ensemble schmieden kann. Das neue Album besteht aus zwei fesselnden, 20-minütigen, LP-Seiten füllenden Epen aus lärmgetränktem Breitwand-Post-Rock, während die beiden begleitenden 6-minütigen Stücke der 10" die Band aus Kanada in ihrer verheerendsten, eindringlichsten und elegischsten Form zeigen. Unerbittliches Tuckern blüht auf, während einige der hochfliegenden, brennenden Melodien der Band inmitten von Geigen- und Basskontrapunkt abprallen und zusammenlaufen. Field Recordings und aufgewühlte, halb-improvisierte Passagen umrahmen diese inbrünstigen Epen. Ergreifende Atmosphären, geräuschhafte Orchestrierung, Drone, hypnotische Swingtime-Crescendos, unaufhaltsam geschichtete Türme aus verzerrtem Klargesang: "State´s End" verkörpert jede geliebte Facette der Band. Fünfundzwanzig Jahre später ist dieses neue Album so vital, mitreißend, zeitgemäß und unerbittlich wie jedes andere in der geschichtsträchtigen Diskographie von Godspeed You! Black Emperor. So wie "State´s End" die ganze Bandbreite der klanglichen Trademarks von Godspeed vereint, so umspannt auch das Album-Artwork die gesamte visuelle Geschichte der Band: die körnige, monochromatische Fotografie der letzten Veröffentlichungen findet ihren Weg auf die Innenhüllen, während das Klappcover auf die ikonischen Grafiken früherer Klassiker wie Slow Riot For New Zero Kanada und Lift Your Skinny Fists Like Antennas To Heaven zurückgreift. Das Album ist mit Illustrationen von William Schmiechen versehen, wobei die Taijitu-Blumen auf der Vorderseite und die Tränengaskanister auf der Rückseite des Covers in erhabener, thermografischer, schwarzer Tinte auf dem Doppelvinyl-Albumcover abgebildet sind. Das leuchtende Kreuz von Godspeeds Debütalbum "F#A#Infinity" taucht auch auf der Innenseite des Klappdeckels wieder auf, als wiederkehrende Hommage an das elektrifizierte Hügelkreuz in der Heimatstadt der Band in Montreal. Das Album m Oktober 2020 in Montreal im Homebase-Studio der Gruppe, Thee Mighty Hotel2Tango, von Jace Lasek (The Besnard Lakes) aufgenommen, der mit Godspeed bei dieser Aufnahme zum ersten Mal zusammenarbeitet.

Release 2.4.2021

Das 2te Album des Solo-Projekts von Jenn Wasner (Wye Oak u.a.), auf dem die profilierte Multiinstrumentalistin, Produzentin und Songwriterin aus Baltimore ihre experimentierfreudige Seite für ausladenden und hochmelodischen elektro-akustischen Indie-Pop auslebt. Auf den ersten Blick ist "Head Of Roses" eine Platte über Liebeskummer geworden. Jedoch erzählt Wasner von diesem aus einer dualistischen Perspektive. Auf ihrer zweiten LP vertont Wasner die Erfahrung, das eigene Herz gebrochen zu bekommen und gleichzeitig das Herz eines anderen zu brechen. Es geht darum laut Künstlerin, die Erfahrung des eigenen Schmerzes mit der Einsicht in Einklang zu bringen, dass es unmöglich ist, durch das Leben zu gehen, ohne für jemand anderen die Quelle großen Schmerzes zu sein. Wasner und Produzent Nick Sanborn (Sylvan Esso etc.) ) haben "Head of Roses" auf die gleiche Art und Weise zusammengestellt wie ein Mixtape, indem sie mühsam und sorgfältig disparate Teile zu einem Ganzen verschmolzen haben, um genreübergreifend eine Geschichte von Herzschmerz und Heilung zusammen zu weben. Und so wie ein selbstgemachtes, sorgfältig zusammengestelltes Mixtape die Fingerabdrücke des Machers überall auf den Songs hinterlässt, so ist es auch bei "Head of Roses". Sorgfältig von Wasner kuratiert, ist es zutiefst intensiv persönlich.

Release 2.4.2021

Unwiderstehliches wie charismatisches Debutalbum des neuen Ding aus London´s Indie-Szene, so pfiffen es ja schon Anfang 2020 vor der Corona-Pandemie die Spatzen von den Dächern Londons. Ein Debut-Album, das mit seinem eigenwilligen Ansatz für sich steht und unsere Zeit perfekt widerspiegelt. Ein unglaublich intensiver Thrill durchzieht die Songs der vierköpfigen Band aus dem Süden der britischen Hauptstadt. Ein flirrender und fiebriger, von Post-Punk und britischem Indie und Gitarren-New Wave beeinflusster Sound, der von groovendem Bass und straightem Drumming angetrieben wird. Erstklassig auch das Freeform-Gitarren-Acting, das im Zusammenspiel mit der Rhythm-Section in jedem der Songs einen brillianten Drive entwickelt. Die Band versteht es exzellent, ungestüme Kulissen für die Geschichten von Florence Shaw zu kreieren, die mit intensivem, lyrischem wie charismatischem, warm klingendem Sprechgesang mit britischem Akzent eine Art Gegenpol schafft, der glänzend mit dem spröden Bandsound harmoniert. Shaw´s Stimme besitzt in ihrer Farbe und Ausdruck irgendwie auch den Charme einer Anne Clark. Innerhalb des entschlackten wie ungeschminkten, primär von Gitarre, Bass und Drums plus atmosphärisch untermalendem Synthklang erzeugten Songwritings fesselt sie mit ihrer markanten Eleganz enorm. Florence stiess 2017 nach einem Karaoke-Abend zu der Band, nachdem sie vorher nie gesungen hatte. Ihre Texte handeln von Neurosen, seltsamen YouTube-Kommentaren und den normalen Dingen des Lebens. Shaw ist eine gute Beobachterin und eine Archäologin des Alltags.

Release 2.4.2021

Für sein fünftes Album, das vollständig akustisch aufgenommen wurde, setzte Stringmaster Pallett das bislang großartigste Ensemble in ihrer* Solokarriere ein - das London Contemporary Orchestra, das live in den Abbey Road Studios aufgenommen wurde. Und doch präsentiert das Album sie in ihrer destilliertesten, oft schmucklosesten Form. Island beginnt mit 13 düsteren Akkorden. Es ist der Klang des Erwachens - allein, an einem neuen Ufer. Was als nächstes kommt, ist schillernd und üppig: ein Orchesteralbum, das die ganze Bandbreite von Pallett's Diskographie ausbreitet, von Heartland's (2010) prächtigem Technicolour bis hin zur glitzernden, gezupften Gitarre, die Pallett's erste Alben mit Les Mouches kennzeichnete. Zum ersten Mal hat Pallett ein Album geschaffen, ohne darüber nachzudenken, wie es auf der Bühne aufgeführt werden könnte. Das war keine leichte Entscheidung: Ein Großteil von Pallett's Ruf beruht auf ihrer Live-Virtuosität. Sie spielten Geige für Gruppen wie Arcade Fire und The Hidden Cameras und tauchten dann als Solo-Fiddle- und Loop-Pedal-Act unter dem Namen Final Fantasy auf. Für Island schrieb Pallett die neun Songs des Albums auf einer altmodischen Akustikgitarre, bevor er sie für das Orchester überarbeitete.

Release 26.3.2021

Oha! Gabriels aus Kalifornien lassen hören, wie die Leidenschaften in speziellen Zeiten klingen können. Besonders. Soul, Gospel, Rhythm&Blues – ja, gibt’s auch, aber eben auch viel mehr. Avantgarde trifft Unterhaltung. Dichte Atmosphäre, deren Spannung auch zu den Bildern von David Lynch passen könnte. Überall Hintertüren, überall Ungewissheit, überall Faszination. 5 Kunst-Stücke, deren eindringlicher Wirkung man sich nicht entziehen kann. Winter-Blues, aber schön ist’s doch.

Release 26.3.2021

Nach 8 Jahren ein neues Album der gemeinsamen Band von Mike Patton (Faith No More/Mr. Bungle, etc.), Duane Denison (The Jesus Lizard/Unsemble), Trevor Dunn (Mr. Bungle/Fantômas) und John Stanier (Helmet/Battles). Der Vibe des Vorabtrack "Business Casual" liegt dann tatsächlich irgendwo zwischen Faith No More und Helmet mit einem grummelnden Bass, druckvollem Groove-Drumming mit leichtem Crossover-Appeal und immer wieder reinschiebenden Gitarrenboost, dazu ein großartiger Mike Patton als stimmliche Speerspitze mit all seiner Klasse.

Release 26.3.2021

Der in Baltimore aufgewachsene und in Los Angeles lebende Künstler imaginiert und erforscht als serpentwithfeet nicht nur eine Welt, in der die schwarze Liebe an erster Stelle steht. Es ist eher eine Studie als eine Geschichte, die sich mit schwarzer, schwuler Liebe und der Zärtlichkeit in den besten Partnerschaften, ob romantisch oder nicht, auseinandersetzt. Als Nachfolger seines Debütalbums "Soil2, eines der meistgelobten Alben des Jahres 2018, lässt das neue Album Mitgefühl das Rückgrat der Kunst von serpentwithfeet sein, während er mit seinem liebevollsten Selbst kommuniziert. Vollkommen selbstverwirklicht und mehr denn je der persönlichen Entfaltung gewidmet, zeigt das Album serpentwithfeets Wachstum als Songwriter, indem er geradlinige Ansätze zum Ausdruck bringt. Das Album entstand, nachdem serpentwithfeet nach Los Angeles umgezogen war, eine Stadt, die ein Gefühl der Ruhe vermittelt, ein Aspekt, den er in seiner neuen Musik einfangen wollte. Während der Entstehung des Albums traf serpentwithfeet die bewusste Entscheidung, Songs über Herzschmerz auszuschließen. Das war ein kühner Akt für R&B, ein Genre, das im wahrsten Sinne des Wortes von den harten Realitäten des Blues geprägt ist. Zeit mit Pop-Songwritern zu verbringen und zu beobachten, wie sie mit Sprache umgehen, ermutigte serpentwithfeet, lyrisch mehr Risiken einzugehen, was zu mehr Reinheit führte

Release 26.3.2021

Textlich und konzeptionell setzt "Dream Weapon" dort an, wo "Board Up The House" aufgehört hat. Der Titel des Albums kann interpretiert werden, aber der Satz selbst stammt aus einem Text der englischen Experimental-Band Coil, die schon immer eine Inspirationsquelle für Genghis Tron waren. Aufgrund der Pandemie wurde das Album an verschiedenen Orten in Nordamerika stückweise aufgenommen. Anschließend ging es in die God City Studios um dem Album mit Kurt Ballou (Converge) die nötige Schärfe zu geben. Erfahrene GT-Hörer werden feststellen, dass das Album sowohl aufregend frisch als auch beruhigend vertraut ist. Und obwohl es ein bisschen anders klingt als frühere Alben bleibt es doch zu 100% GT mit einem etwas meditativeren und hypnotischeren Touch!

Release 26.3.2021

Der schwedische Songwriter und Multi-Instrumentalist Emil Svanängen, besser bekannt als Loney Dear, veröffentlicht seine neue Single „Trifles“. Sie ist Vorbote zu seinem kommenden Album „A Lantern And A Bell“, das am 26. März 2021 via Caroline International bei Peter Gabriels Real World Label erscheinen wird.

Über Emils neue Platte sagt Labelgründer Peter Gabriel, es seien „traurige, gefühlvolle Melodien, die Raum in deinem Kopf schaffen, der sich mit Erinnerungen, Träumen und Zärtlichkeit füllt. Ich bin sehr stolz, dass wir mit einem so begabten Songwriter zusammenarbeiten. Wenn man isoliert ist, was gibt es dann Besseres, als sich in diese wunderschönen, fantasievollen Konstrukte einzuhüllen – das Werk eines Meisters.“

Release 26.3.2021 (Vinyl am 30.4.2021)

Neues, viertes Album der beiden Kanadier Sebastien Grainger und Jesse Keeler, um die es lange still war (bzw. auch mal nicht so gute Nachrichten verlauteten), die aber in alter Wirkmächtigkeit zurückkehren. Ihr Rezept von simplem Noise-Rock-Pop funktioniert noch immer hervorragend, und hat sich zusammen mit anderen Bands wie No Age etc. quasi zu seinem kleinen Subgenre entwickelt, und auch die beiden schaffen es nach wie vor, diesem Neues abzugewinnen. Die schweren Riffs sind natürlich immer noch prägnant as ever, die Beats dazu wirken etwas klomplexer (und elektronischer?), der Gesang ist noch etwas klarer. Für Fans sicher das was kommen sollte, um nicht zu stagnieren. Immer noch eine Institution ihres Genres

Release 26.3.2021

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 33.90)

Die Produzentin, Sängerin und Rapperin aus Tel Aviv hat das relativ enge Elektropop-Korsett ihres Debütalbums "Off The Radar" aus dem Jahr 2017 weitgehend hinter sich gelassen und auf dem 2ten Album stattdessen mit sehr breitem Pinsel eine sehr eigene und originelle musikalische Sprache gefunden.

Release 19.3.2021

Die Dunkelheit ist immer präsent, das bringt das aussergewöhnliche Timbre ihrer Stimme immer mit sich, auch wenn sie Versionen von Songs anderer singt. In der Isolation des Lockdown nahm die Britin in ihrem Zushause in Nord-London eine Reihe von Versionen von Fans vorgeschlagenen Songs auf, als einzige Begleitung ist dabei das ebenfalls von ihr gespielte Klavier zu hören. Am passendsten zur Lebens-Situation paßt vielleicht "Every day is exactly the same" von Nine Inch Nails, richtig unter die Haut geht auch "Lovesong" von The Cure, ausserdem interpretiert sie Pixies "Where is my mind", Deftones "Be quiet and drive", Smashing Pumpkins, Godron Lightfoot, Radiohead´s "Creep" oder auch sehr klasse "Nights in White Satin" von Moody Blues. Nur bei der version von "Into the arms" von Nick Cave ist sie mit Bandbegleitung zu hören.

Release 19.3.2021

Ein wärmendes Gefühl von Geborgenheit und Vertrautheit vermittelt das 9te Album des Indie-Folk-Tausendsassas Eric D. Johnson, das lt. Eigenaussage "die Schönheit und Absurdität der Existenz" feiert. Das mit seinem Bonny Light Horseman-Bandkollegen Josh Kaufman produzierte Album überzeugt mit allerbestem Americana und von Band mit umfangreichem Instrumentarium und einer die Seele um den Finger wickelnden Weite im Sound. Kurt Vile und War on Drugs wohnen im stimmlichen Ausdruck genauso wie Iron & WIne und Father John Misty musikalisch um die Ecke des Sounds dieses Albums, das einen prima runterkommen und Hoffnung schöpfen läßt mit seinen verwehten Akustikgitarren, Piano, Fidel und Pedal Steel-Elementen.

Release 19.3.2021

Neue 6-Song-EP des Bandoutfit von Manuel Gagneux aka Zeal & Ardor und gleichzeitig ein Beitrag zum Black Lives Matter Movement, Diese EP ist Michael Brown, Eric Garner, George Floyd und all den unzähligen und namenlosen Getöteten gewidmet. Es ist für all die "brave souls", die bereit sind, Stellung zu beziehenund bereit sind, ihr eigenes Wohlergehen zu riskieren um anderen zu helfen. Musikalisch zeigt Gagneux die Zähne und die Trauerrobe, ist mal erdig, mal infernalisch unterwegs, manchmal auch innerhalb eines Songs und bewegt sich auf die Z&A-typische Weise zwischen Blues, Gospel und Metal und lässt Aggression und Trauer miteinander eindrucksvoll miteinander kommunizieren.

Release 19.3.2021

Die Band um Romain Siegenthaler an den Instrumenten, betört mit ihrer eigenen Mixtur aus Shoegaze, Dreampop und Alternative. Elektronische Musik und handgemachte Kunst, intim und komplex illustriert. Die Musiker*innen Saskia von Fliedner, Cléa Pellaton und François Christe bringen die Grundidee bei der neuen Single „Gift“ zum Leben, die Bässe pochen, der Synthesizer füllt den Raum, der Gesang kombiniert Sehnsucht, Wunschvorstellung und Träume. Verletzlichkeit und Scham werden zur zentralen Schönheit.

Bei „Gift“ bleiben Svarts zurückhaltend und lassen die Schönheit der Komposition nicht durch eine extreme Lautstärke vergehen. Inspiriert von Bands wie Boards Of Canada und My Bloody Valentine, werden vom Schweizer Kollektiv die Stimmungen und Stilrichtungen zusammengebracht und als neue Vision präsentiert.

Release 26.3.2021

Entwickelt über einen Zeitraum von zwei Jahren, in den auch die Veröffentlichung des 2019 erschienenen Albums "Stray Fantasies" fiel, liefert das Ehepaar Hollie und Keith Kenniff mit "In A Deep And Dreamless Sleep" nun ein deutlich schemenhafteres Kapitel ihres Technicolor-Pop-Projekts Mint Julep ab, was die heutige neue Single "Black Maps" von Anfang an deutlich macht.. Wo das erste Album ein kristallines Gitterwerk definierter Pop-Strukturen trug, stumpft das zweite diese Schärfe ab und macht den Glanz weicher, indem es ein Gleichgewicht zwischen Songkunst und Hollies' Solomaterial sowie Keiths Output als Goldmund herstellt. "In A Deep And Dreamless Sleep" nimmt eine luftigere Form an und verströmt einen schweren Nebel von Shoegaze-Sensibilität, obwohl das ansteckende Pop-Know-How seines Vorgängers fest intakt bleibt."In A Deep And Dreamless Sleep" ist ein Fenster in eine berauschend romantische Parallelwelt, die die Kenniffs aus analogen Synthesizern, meisterhaftem Sounddesign, nektargetränkten Hooks und luftigen Vocals, die weit in ein Meer von Texturen hinauswaten, erschaffen haben. Sie haben es geschafft, den Wert jahrelanger Rendezvous-Nächte in eine 46-minütige Sammlung von phosphoreszierendem Ambient-Pop zu verwandeln, der ein Gefühl von gekonnter Konsistenz vermittelt, das die beiläufige Entstehung des Albums widerlegt.

Release 19.3.2021

Bei Adams muss man sich unweigerlich die Frage nach der Trennung zwischen Künstler und Werk stellen. Anfang 2019 warfen mehrere Frauen, darunter Ex-Frau Mandy Moore und Phoebe Bridgers, ihm emotionale Misshandlung und sexuelles Fehlverhalten vor. Daraufhin wurde die geplante Albumtrilogie, zu der auch diese Platte zählt, auf Eis gelegt. Erst im Juni 2020 zeigte Adams so etwas wie Einsicht und verwies gleichzeitig auf neue Musik. "Wednesday" ist musikalisch und lyrisch von herausragender Tiefe und schlicht eine der besten Platten, die Adams je gemacht hat - hier stimmt alles und man versteht, warum er zu den größten Songwritern unserer Zeit gezählt wird! Jeder und jede muss nun aber selbst entscheiden, wie die eingangs gestellte Frage zu beantworten ist und ob man Adams seine Reue und seinen Willen zur Besserung abnimmt, oder sie als Versuch die Karriere zu retten abtut

Release 12.3.2021

Produziert von Jack Splash (Kendrick Lamar, Alicia Keys, John Legend) und Valerie June, ist das neue Album mitreißend und ambitioniert, mit einer erdigen R&B-Produktion und einem Hauch von Psychedelik inmitten der astralen Folk-Pop-Orchestrierung – die beiden haben einen Sound geschaffen, der elegant und immer wieder überraschend ist. Im Mittelpunkt steht Junes fesselnder Gesang und ihr ansteckender Sinn fürs Staunen, mit dem die aus Brooklyn – via Memphis – stammende Künstlerin von ihrer oft prekären, doch freudvollen Reise voller Möglichkeiten erzählt.

Von der zart geflüsterten Epiphanie von Fallin, dem Erneuerungs-Soul von Two Roads bis zur freudigen Entschlossenheit von Smile und der andächtigen Anrufung von Home Inside – die sich wandelnden Texturen von The Moon and Stars: Prescriptions for Dreamers sind grenzenlos hypnotisierend.

Release 16.4.2021

Das Elektro-Punk-Glitch-Hop-Absurd-Pop-Duo aus Freiburg "Crème solaire" veröffentlicht sein zweites Album mit dem Titel "Pannenstreifen ist ohne pic-nic". Mit 13 Tracks (darunter die Singles Autobahn/Autobahn und Live/Like) in 5 verschiedenen Sprachen bietet Crème solaire ein ekliptisches Klanguniversum in einer Autorennen-Ästhetik mit moderater Geschwindigkeit.

Release 5.3.2021

Kings of Leons Comeback-Album «When You See Yourself» soll die bisher persönlichste Platte der Rocker sein. Die «Use Somebody»-Band kündigte ihr neues Album seit der Erscheinung ihres «Walls»-Albums von 2016 an. Der Leadsänger der Rocker Caleb Followill meinte, dass die brandneuen Lieder sehr persönlich seien.

Followill enthüllte zudem, dass die amerikanische Band Vintage-Equipment nutzte. Damit soll der Sound der neuen Platte genauso «zeitlos und wunderschön» klingen. Ihre Vorbilder dafür waren Pink Floyd und den The Beatles.

Release 5.3.2021

Schenkt man Aidan Moffat, dem Arab Strap-Frontmann, Glauben, so soll es beim siebten Studioalbum der Band um Hoffnungslosigkeit gehen. Und Dunkelheit. Aber auf lustige Weise. 15 Jahre sind seit dem Erscheinen Ihres letzten Albums, The Last Romance (2005), vergangen. "As Days Get Dark" ist eine Platte, die sich sowohl als Evolution, als auch als Revolution anfühlt. Die verwobene Mischung aus düsteren Post-Rock-Soundscapes, subtiler Elektronik, klickenden Drum-Beats, apokalyptischen Streichern und Moffats unvergleichlichem halb gesungenem, halb gesprochenem Gesang sind nach wie vor vertreten - werden aber durch eine Vielzahl neuer Sounds wie Saxophonpassagen und Disco-Grooves erweitert! "It's about hopelessness and darkness", erzählen die Beiden.

Release 12.2.2021

Den Franzosen muss man in einem Atemzug mit DJ Shadow oder RJD2 nennen. Die Gäste auf seinem neuen Album sind Mark Lanegan, Del the Funky Homosapien, Gil Scott Heron, Mr LIF u.v.a. Wax Tailor, mit richtigem Namen Jean-Christophe Le Saoût, ist einer der bekanntesten französischen Produzenten im Bereich Hip Hop und Trip Hop. 2001 startete er international durch, mit dem Remix von Breathing Under Water, einem gemeinsamen Track von Looptroop und La Formule. Seit der ersten EP Lost The Way (2004) ist klar: Wax Tailor ist sein Soloprojekt, das wechselnde Gastkünstlern unterstützen. 2005 folgt das Debütalbum Tales Of The Forgotten Melodies. Sein Sound lässt sich grob irgendwo zwischen DJ Shadow, RJD2 und Portishead einordnen. Ich denke, es geht bei mir eher um Soul, Funk, Jazz - nur eben mit den Methoden des Samplings.

Release 26.2.2021

Nachdem sie mit 2 Alben und der Supergroup boygenius die Herzen von Fans und Kritikern weltweit erobert hat, startet die US-amerikanische Songwriterin mit ihrem neuen Album eine neue Phase ihres Schaffens. Waren die ersten beiden Alben zum Teil eher spärlich instrumentierter Indie-Kammerpop, so überwältigt "Little Oblivions" mit einem vollen und breitwandigen Band-Sound. Wie gut sich das anhört, kann man auf der ersten Single "Faith Healer" hören!"Little Oblivions" wurde in Julien Bakers Heimatstadt Memphis, Tennessee, mit dem Tontechniker Calvin Lauber aufgenommen und von Craig Silvey (The National, Florence & the Machine, Arcade Fire) abgemischt. Nachdem Baker bisher hauptsächlich an der Gitarre und dem Klavier zu hören war, fügte sie dieses Mal noch Bass, Drums, Synthesizer, Banjo und Mandoline ihrem Soundkosmos hinzu und spielte den Großteil davon selbst ein. Wie von Julien Baker gewohnt sind ihre Lyrics hochpersönlich und zeugen von der außergewöhnlichen Beobachtungsgabe der Songwriterin. Mit ihren beiden bisherigen Alben landete sie auf einer Vielzahl von Jahresbestenlisten.

Release 26.2.2021

Mitten in der Nacht geht die Sonne auf! Überragende Mischung aus instrumentalem Soul und cineastischem Funk, unterlegt mit grandiosen Drums, die im Stile von Khruangbin´s DJ Johnson knochentrockene Breakbeats performen. Die Hausband des aus Brooklyn stammenden Labels Daptone mit Mitgliedern der Daptones, Antibalas und der Budos Band liefert hier ein echtes Masterpiece ab. Ein zeitlos klingender Instrumental-Klassiker mit unwiderstehlichem Soundtrack-Gefühl jagt den nächsten. Grandiose Bassläufe, herrliches elektronisches Piano und Moog-Orgelklänge mit auch psychedelischen Touchierungen, eine zwischen Funk und garagiger Aufmüpfigkeit pendelnde Gitarre unterstützen die formidablen Bläser-Lines und die zusätzliche Perussion zugunsten brillianter Vibes mit exotischen Grundierungen. Ein Masterpiece, das sich aus der DNA der späten 60er und frühen 70er Jahre speist und auf das Oeuvre von Morricone verweist.

Release 26.2..2021 (Vinyl am 5.3.) auf Glitterbeat Records

Die türkisch-niederländische Psychedelic-Band Altin Gün hat eine neue Single namens „Ordunun Dereleri“ veröffentlicht. „Ordunun Dereleli“ heißt auf Deutsch „Die Flüsse von Ordu“. Bei Ordu handelt es sich um eine Region im Osten der Türkei, an der Küste zum Schwarzen Meer. Der Track ist eine eigene Interpretation des türkischen Folk-Songs, der von Sehnsucht und einer verflossenen Liebe handelt. Der Liedtext dreht sich um eine Frau, die allmorgendlich an einem Fluss über ihre große Liebe singt. Und zwar mit der Hoffnung, dass sie zu ihr zurückkehrt.

Der Track reichert den funky 70er-Sound der Band, wie er noch auf ihren letzten Alben „On“ oder „Gece“ zu hören war, mit 80s-Synth-Pop an und ist Vorbote des nächsten Albums „Yol“ (zu Deutsch: „Weg“). „Ordunun Dereleri“ gibt zugleich einen Hinweis auf die neue musikalische Ausrichtung der Band: Zwar wird auch die neue Platte weiterhin in der Tradition türkischer und anatolischer Folk-Musik stehen, allerdings werden mehr als bisher auch Synthesizer zum Einsatz kommen. Und es soll noch mehr „Ausflüge auf die Tanzfläche“ geben. Produziert wurde das Musikvideo zur neuen Single von NotAnEyeThing.

Release 26.2.2021

Seit 2006 aktive Band, die gekonnt und souverän auf ihrem 5ten Album Space Rock und Neo-Psychedelia aufeinander treffen lassen in dem ein bisschen an Spacemen 3 erinnernden "Rauschen" mit einem experimentellen Klangpool aus verzerrten Orgeln, Drones und Gitarren zu hämmernden Drums - und Gesang wie Balsam von Songwriter Tom Hessler. Die Berliner Band setzt auf "Das Verlangen" auf motorischern Beat und eine klasse Wall of Sound aus Gitarrenschrammel und Orgel innerhalb eines vernebelnden Space-Sound-Panoramas und setzt den auf dem Vorgänger eingeschlagenen Weg fort mit dem dröhnenden Klang des Serge Modular System, von Hessler toll kontrastiert mit pop-orientiertem, effekt-verziertem Gesang und Hängenbleiber-Melodien.

Release 26.2.2021

Auch als Ltd.-Green Vinyl-Edition erhältlich (CHF 45.90)

Das ikonische, seit über 25 Jahren die Grenzen elektronischer Musik innerhalb eines eigenwilligen wie sound-neugierigen Orbits erforschende, in Berlin lebende Duo Andi Thomas und Jan St. Werner erfindet sich wieder mal neu hier in einer ungemein detailreichen Produktion, aus der ein explorativer Geist im wahrsten Sinne spricht. Das neue Album spiegelt das Verhältnis von Mensch und Maschine. AAI steht für "Anarchic Artificial Intelligence". Sie kollaborierten hier mit dem Schriftsteller Louis Chude-Sokei, einem Kollektiv aus Computer-Programmieren und dem Percussionisten Dodo NKishi zu der musikalischen wie inhaltlichen Exploration künstlicher Intelligenz als narrativem Science-Fiction-Rahmen. MoM verwendeten hypnotische elektronische Polyrhythmik, vibrierende Electronic, rollende Bässe und pulsierende Synthesizer für ein verspieltes, fatasievolles Album zwischen Abstraktion, Hörkino und rhythmisch grundiertem Grooveacting. Zusammen mit dem AI Tech-Kollektiv Birds on Mars erschufen sie auch eine maßgeschneiderte Software zur Modellierung von Sprache. Wenn es so scheint, daß Chude-Sokei auf dem Album eine Geschichte erzählt, so ist es in Wirklichkeit die AI, die als Speech-Instrument zu hören ist und wie ein Synthesizer gespielt werden konnte, nachdem Text und Stimme von Chude-Sokei in die Software als Modell eingespeist worden waren.*Thrill Jockey

Release 26.2.2021

Neues Album der belgischen Band. Der Albumtitel verbildlicht den Wunsch und das unruhige Warten darauf, einen Moment wirklich vollends ohne Einschränkungen ausleben zu können. Innerhalb der nächsten Sekunden verfliegt dieser Augenblick scheinbar jedoch schon wieder und endet in der Vergänglichkeit - wie der Sand in der sprichwörtlichen Uhr. "There’s a theme running through these tracks, waiting, restlessness, not being able to live in the moment or putting your trust into the future", berichtet die Band. Auf "Sand" präsentieren die Belgier eine gefühlvolle Indie-Pop-Umarmung, die mit elektronischen Lo-Fi-Anleihen gespickt ist, und dabei insgesamt weniger mit melancholischen Fesseln vorbelastet ist, als der 2019er-Vorgänger "Fever". Auf Albumlänge heben Balthazar die Nuancen von Liebe, Verlust und Leben hervor und experimentieren mitunter auch mit neueren Klängen und Sounds.

Release 26.2.2021

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.90)

Nach der Trennung von Keyboarder Lukas Wooller, begannen sich Smith, Lloyd und English im vergangenen Sommer auf die Suche nach einem neuen, vierten Mitglied zu machen. Im besten Fall jemand, der gleichzeitig die Produzentenrolle einnehmen könnte. Schlussendlich wurde die Band in dem in Atlanta ansässigen Grammy-Gewinner Ben Allen (Animal Collective, Deerhunter) fündig, der das Trio eigentlich seit dem Frühjahr im Studio unterstützen sollte. Lockdown-Beschränkungen machten es der Band in der Folgezeit nicht leicht, was in komplizierten Online-Aufnahmesessions quer über den Atlantik hinweg gipfelte. Auf Albumlänge stellen sich Maxïmo Park großen Fragen: Wer sind wir? Wer wollen wir sein? Und haben wir eigentlich irgendeine Kontrolle darüber? Der Albumtitel verweist auf die Debatte zwischen Nature versus Nurture und stellt die Diskussion auf, ob Veränderungen unter dem Einfluss von Zeit, Perspektive und Umwelt möglich sind oder ob wir dazu bestimmt sind, für immer an unsere eigene Genetik gebunden zu sein. "Nature Always Wins" ist eine Art Prüfung, die sich auf den Begriff des Selbst, der Identität als Band und der Menschheit als Ganzes konzentriert und diese grundlegend in ihren Einzelheiten erforscht. Die Albumankündigung folgt dem Track "Child Of The Flatlands" - einem majestätischen, psychedelischen Slow-Burner, der einen sehnsüchtigen, verliebten Blick auf das Aufwachsen von Frontmann Paul Smith irgendwo zwischen englischen Natur- und Stadtlandschaften wirft. Als erste richtige Single teilen die Vier nun den neuen Song "Baby, Sleep", der die Hörerschaft in eine Welt voller wilder, ungezähmter Indie-Rock-Energie schickt. Angetrieben von der unnachahmlichen Gitarre von Duncan Lloyd und den geschliffenen Worten von Smith, der auf dem Song stressbedingten Schlafentzug und die Folgen thematisiert, präsentieren sich Maxïmo Park von ihrer besten Seite.

Release 19.2.2021

Das Album beinhaltet schöne Popsongs, die nicht in sich verfallen, sondern hängen bleiben. Mario Hänni ist der Kopf hinter dem Songwriting und noch für diverse weitere Projekte bekannt. Seine charaktervolle Stimme erzeugt Wärme und verleiht den Tracks die nötige Atmosphäre. Die Songs wirken komplexer und zeigen mehrere Gesichter. Teils erinnern Tracks wie 'Moviestar' an 'Real Estate' und gleichzeitig beinhaltet das Album Tracks, die schon fast Club-Elemente mit einfliessen lassen.

Release 19.2.2021

Vor zwei Jahren veröffentlichte Tash Sultana ihr beeindruckendes Debüt »Slow State«, das in ihrer Heimat Australien Platz zwei der Charts eroberte.
Am 19. Februar 2021 kommt endlich der Nachfolger, Album Nummer zwei der Sängerin, Multiinstrumentalistin und »One-Woman-Band«.

Gemeinsam mit dem aufstrebenden Melbourner Künstler Jerome Farah singt Tash über schmetternde Trompeten und schimmernde Gitarrenlines.

»Terra Firma« zeigt einmal mehr, dass sie zwischen Elektro, Pop, Singer-Songwriter, Reggae und Soul ihren ganz eigenen Style gefunden hat.

Release 19.2.2021

Das 10te Album wurde gemeinsam mit Produzent Dave Fridmann und unter Mitwirkung von Atticus Ross und Colin Stetson aufgenommen. Eigentlich war der Plan, zu Fridmann in die USA zu reisen, doch mussten auch Mogwai sich, wie viele andere Künstler*Innen, einen Plan B überlegen und zogen sich stattdessen in das ländliche Worcestershire zurück. Ohne Aussicht darauf, das Album in näherer Zukunft live aufführen zu können, hofft Stuart Braithwaite, dass "As The Love Continues" die Leute an einen besseren Ort mitnimmt und ergänzt: "unless you are somewhere really amazing and then why are you listening to some weird music like this?" "Dry Fantasy" gibt einen Einblick in den Sound des neuen Albums: träumerische Synthies, Bass und Gitarre steigen ohne Hektik mal ein, lehnen sich dann wieder zurück, lassen das Konstrukt atmen und den Song wachsen ehe alles wieder in sich zusammenfällt. Das Video zu "Dry Fantasy" wurde von Vaj Power aufgenommen und zeigt ineinander verschwimmende Bilder, Anzeichen von blühenden Blumen und Ideen eines weit entfernten Planeten. Mogwai stehen seit 25 Jahren und 9 Studioalben - nebst zahlreichen Soundtracks - für einen jugendlichen Drang nach neuen Ideen, ungebändigter Experimentierlust und der Suche nach dem Neuen im bereits Bekannten. Auch "As The Love Continues" bietet eine Auszeit vom Alltag, den Soundtrack zum Tagträumen und eine immense Energie zwischen brachialer Wucht und träumerischer Leichtigkeit.

Release 19.2.2021

Auch als Ltd.-Indie Vinyl-Edition erhältlich (CHF 33.90)

Die britische Rockband um Sänger Stuart A. Staples ist seit den 1990er-Jahren bekannt für ihre Verschmelzung von Gitarren-Pop und Kammermusik - der Einsatz von klassischen Instrumenten, wie Streicher, Bläser und Perkussioninstrumente sind charakteristisch für ihren eigenen Stil und Sound- Das Eröffnungsstück des neuen Albums und der bisher längste Song der Tindersticks, "Man Alone (Can't Stop the Fadin')", reitet auf einem hypnotischen Basspuls, über den sich Staples' mantrischer Gesang legt: Er kitzelt die Nuancen aus der Wiederholung heraus und verlässt die konventionelle Songstruktur, um seinen eigenen Raum zu schaffen.

Distractions" ist ein Album der subtilen Neuausrichtungen und Verbindungen einer rastlosen und intuitiven Band: reich an Textur und Atmosphäre, lebt es zwischen seinen offenen Räumen und filigranen Details und findet immer wieder neue Wege, sich mit einem Song zu verbinden *

Release 12.2.2021

Sie kreiseln auf ihrem 5ten Album in ihrem eigenen Indie-Pop-Universum und heben dabei immer wieder ab in stratosphärische Höhen. Vielleicht sind sie eine Art inoffizielle Wiedergeburt der legendären Beta Band, in deren Fahwasser sie sich bewegen mit ihrem immer leicht exotischen Stilgemisch, das sich nicht einzäunen lassen möchte. Die Indie-Pop-Alchemie der nordbritischen Band setzt sich zusammen aus Elementen von New Wave und Post-Punk in Gestalt entsprechender Bässe und Gitarren, die aber innerhalb des melodiösen, kaleidoskopischen Indie-Popuniversums herrlich maskiert in einem Timewarp mit einem frischen Glanz überzogen werden, dazu gesellen sich freigeistige 00er-Jahre-Indie-Pop-Elemente, ein bisschen von dem mehrstimmigen Approach der Beach Boys, Anleihen an britische Clubkultur und die Ästhetik von Metronomy bis hin zu einem aufgegriffenen Latin-Groove, aber auch schrammeligen Indie-Pop-Songs mit Kopfstimmengesang. Charlotte Gainsbourg gastiert passenderweise auf "Waking Up"

Release 12.2.2021

Die Instrumental Post Rock-Band GOD IS AN ASTRONAUT verrät erste Details zu ihrem zehnten Album “Ghost Tapes #10”. Die Scheibe enthält sieben neue Songs und kommt mit einem Artwort von David Rooney, der bereits in der Vergangenheit für die Formation tätig war. Für die Songs “Burial”, “In Flux” sowie “Barren Trees” konnte zudem Gitarrist Jimmy Scanlan als Gastmusiker gewonnen werden. Auf “Luminous Waves” ist außerdem ein Cello, gespielt von Jo Quail, zu hören.

Release 5.2.2021

Das Album, das Anfang 2020 mit Andy Savours (My Bloody Valentine) aufgenommen und am Ende der landesweiten Ausgangssperre in Großbritannien fertiggestellt wurde, ist die perfekte Momentaufnahme einer neuen Band und all ihrer Energie, Wildheit und explosiven Ladung, die mit ihr einhergeht, während es gleichzeitig eindeutig die Arbeit einer Gruppe ist, die kein Interesse an Wiederholungen, eintönigem Songwriting oder kreativer Stagnation hat. Mit sechs neuen Songs, darunter Neuinterpretationen der frühen Titel "Sunglasses" und "Athens, France"" ist "For The First Time" eine akustische Zeitkapsel, die es irgendwie schafft, die Vergangenheit, die Gegenwart und die Zukunft einzufangen und gleichzeitig stattfinden zu lassen. Obwohl sie bisher nur diese beiden frühen Singles hatten, haben Black Country, New Road - ihren Namen ermittelten sie ursprünglich durch einen Zufallsgenerator - tiefen Eindruck bei Fans und Kritikern gleichermaßen hinterlassen. Sie wurden von The Quietus zur „besten Band der Welt“ erklärt, es hagelte glühende Kritiken von New York Times bis Guardian, es gab bereits ein Coverfeature bei Loud & Quiet, für BBC 6 Music spielten sie eine Live-Session, verkauften Shows im ganzen Land aus, darunter 1700 Karten in London, wurden auf Festivals in der ganzen Welt eingeladen - darunter Primavera und Glastonbury - und fanden sich auch schon im französischen Fernsehen zwischen Kim Gordon von Sonic Youth und Ed O'Brienvon Radiohead wieder.

Release 29.1.2021

Wilsons sechstes Album ist eine Erkundungsreise in den menschlichen Verstand in Zeiten des Internets und den ultramodernen Konsumenten der Gegenwart. Während er sich auf "To The Bone" (2017) mit den Problemen von Post-Wahrheiten und Fake News auseinandersetzte, nimmt Wilson die Hörerinnen und Hörer auf "The Future Bites" mit in eine Welt der Süchte des 21. Jahrhunderts. Es ist ein Ort, an dem beständig und ganz öffentlich mit den Auswirkungen aufkommender Technologien auf unser Leben experimentiert wird. Trotz Themen wie außer Kontrolle geratener Kaufsucht, manipulativer sozialer Medien oder dem Verlust von Individualität ist "The Future Bites" weniger die dunkle Vision einer heraufziehenden Dystopie als vielmehr eine neugierige Analyse der Zustände im Hier und Jetzt. Musikalisch gesehen ist "The Future Bites" gewohnt großartig. "Personal Shopper" der erste Track ist zehn Minuten lang, und erinnert an Moroder, elektronische Sounds - durch menschliches Einwirken verfremdet (King Ghost), sphärische Akustikklänge (12 Things I Forgot) oder Bass-getriebene Krautrock-Grooves (Follower) verbinden sich mit triefendem, düsteren Funk zu Wilsons vielleicht konsistentestem Werk. Das Album wurde in London aufgenommen und von David Kosten (Bat For Lashes, Everything Everything) und Steven Wilson koproduziert.