Long Tall Jefferson ist ein aufmerksamer Beobachter, ein Geschichtenerzähler am Puls der Zeit. Seine Songs sind voller Bilder in leuchtenden Farben und Zeilen mit messerscharfen Kanten. Die Protagonist:innen leben im “dopamine dream” und rauchen “cigarettes against the cold”. Einer versucht mit “late night phone calls” eine alte Liebe zu retten, dabei ist doch sowieso “everything lost in space”.
Für das aktuelle Studioalbum erfand Long Tall Jefferson sein eigenes Genre ‘Cloud Folk’. Dabei verbindet er die jahrhundertealte Tradition des Storytellings mit einem zeitgeistigen Sound, der neben der omnipräsenten Gitarre gespickt ist mit Autotune-Chören, Synthesizern und Drum Machines.
Mit seinen Alben ‘I Want My Honey Back’ (2016), ‘Lucky Guy’ (2018) und ‘Cloud Folk’ (2020) spielte Long Tall Jefferson europaweit über 300 Shows mit Festival-Highlights wie The Great Escape (UK), Eurosonic (NL), Waves Vienna (AT) oder Zurich Openair (CH). Er teilte mit Grössen wie Big Thief, Haley Heynderickx oder Noah Gundersen die Bühne und gewann 2017 einen Swiss Live Talent Award als Best Emerging Artist. Im Dezember 2020 kürte ihn SRF3 zum Best Talent.

„Ein Magier der feinen Details“ – Neue Zürcher Zeitung

Eintritt Kollekte

Release 21.10.2022

Das dritte Album der Band, das von Shawn Everett (Adele, Kacey Musgraves, The Killers) mitproduziert wurde, ist ein spannendes neues Werk der kanadischen Gruppe - eine Sammlung von vierzehn neuen Songs, die sich mit ihren emotionalen Gefühls-Collagen in einem kunterbunten Indie-Rock-Spektrum ausleben. Als erste Single teilt Alvvays den neuen Track "Pharmacist". In dem verträumten, flirrenden Dream-Pop-& Shoegaze-Mix wird das vertraute Zusammenspiel zwischen Molly Rankin (Gesang, Gitarre), Kerri Maclellan (Gesange, Keyboard), Alec O'Hanley (Gitarre), Brian Murphy (Bass) und Phil MacIsaac (Schlagzeug) wieder deutlich, die zum Teil bereits zu Highschool-Zeiten vor über zehn Jahren begannen, gemeinsam miteinander Musik zu machen.

Release 7.10.2022

Iggy Pop, Debbie Harry, Henry Rollins... nur einige der Punk-Ikonen, die sich tief beeindruckt gezeigt haben von The Bobby Lees aus Woodstock, N.Y. Sam Quartin (Gesang, Gitarre), Macky Bowman (Schlagzeug), Nick Casa (Gitarre) und Kendall Wind (Bass) machen Musik, die von Geist und Seele her Punk ist; ungezügelt und entschlossen ehrlich. Ein selbst veröffentlichtes DIY-Album (Beauty Pageant) erschien 2018 und erregte die Aufmerksamkeit des Garage-Rock-Impresarios Jon Spencer, der daraufhin das 2020er Album Skin Suit produzierte. Im Jahr 2022 machte sich die junge Band, nun road-erprobt und entschlossener denn je, nach Nashville auf in die Sputnik Sound Studios, um Bellevue aufzunehmen, ihr Debütalbum für Label Ipecac Recordings, live im Studio mit Produzent Vance Powell (Jack White, Chris Stapleton, The Raconteurs). Mit ihrem intelligenten und durchdachten Songwriting folgen The Bobby Lees ihrem Instinkt als Musiker und Freunde und arbeiten gemeinsam an der Entstehung der Songs. Der Sound ist düster, minimalistisch und viszeral, jeder Song eine Ode ans Außenseitertum.

Release 14.10.2022

Sarah Shook´s neue Band. Klanglich haben wir in den 90er Jahren einiges richtig gemacht - stampfende, von Wutgetriebene Queer-Bands, verschwommene, überpedalisierte Gitarren, Poesie, die man aus voller Brust gegen die Windschutzscheiben unserer Autos aus zweiter (oder dritter oder vierter) Hand brüllen kann. Generell haben wir aber auch viel falsch gemacht. Sarah Shook's neues Soloprojekt "Mightmare" findet einen Weg, die Klänge, ohne die wir nicht leben konnten, in eine Antwort auf die Dinge zu verwandeln, mit denen wir nicht leben konnten, und konfrontiert dabei ihre Gewohnheiten und die Regeln, nach denen sie leben. Die Cruel Liars von Sarah Shook, die für ihre Arbeit bei Sarah Shook and the Disarmers bekannt ist, bringen neben dem dringenden Bedürfnis, sich selbst auszudrücken, auch knackig sauberen, country-angehauchten Gesang auf den Tisch. Die Platte markiert den Prozess der Sinnfindung in Räumen außerhalb von Geschlecht, Alkoholkonsum oder Protokollen und schleudert sich selbst zu etwas sowohl konzeptionell Bemerkenswertem als auch zu einem einfach erheiternden, verkörperten Knockout.

Release 7.10.2022

Auch als Tape erhältlich (CHF 20.90)

Elio Ricca ist eine zweiköpfige Alternative/Rock Band aus St. Gallen. Schlagzeug, Gitarre und Gesang. Ihre Musik holen sie aus ihren Herzen, wo sich Psyche und Schmerz zu einem Alternative- Experimental- Bluesrock-Gemisch vereinen. Wenn sie ein Film wären, wären sie wahrscheinlich ein abwechslungsreiches low-budget Action-Drama, mit einigen Sex-Szenen und ohne Happy End.
Live kreiert das Zweiergespann Klangwände, die man sich sonst von fünfköpfigen Bands gewohnt ist.
Auf Platte lieferte «Lovely Underground» 2019 eine stimmige Momentaufnahme in elf abwechslungsreichen Songs. Das folgende Album, «Luna Park», erscheint am 7. Oktober 2022 bei Mouthwatering Records.

Release 14.10.2022

Jetzt nehmen sie aber ordentlich Fahrt auf! Lange war es still um die amerikanische Alternative-Rockband. Mehr als sechs Jahre hatten sich die Red Hot Chili Peppers Zeit gelassen, um neue Musik zu veröffentlichen. Im April 2022 erschien ihr insgesamt 12. Studioalbum "Unlimited Love", das die Herzen eingefleischter Peppers-Fans höher schlagen liess. Angetrieben von den Erfolgen des letzten Albums und wohl von der kreativen Muse geküsst, hat die Band unermüdlich an einem weiteren Album, ihrem 13ten gearbeitet, das wiederum auch Rick Rubin produziert hat!

Release 14.10.2022

Auch als Ltd.-Cloudy white Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Der Grundstein für ihr Debutalbum wurde vor zwei Jahren gelegt, als Helen Ballentine einen Song gleichen Namens komponierte und aufnahm. Im Gegensatz zu den meisten anderen Songs wurde dieser auf dem Klavier geschrieben, dem erklärten Instrument ihrer Kindheit. Während Ballentine im Sommer 2021 den Rest des Albums schrieb, flogen ihr Visionen aus ihrer Jugend zu, wie die Fledermäuse vom Dachboden, während sie in der schwülen, stickigen Hitze durch ihre Wohnung in Los Angeles lief. Das Bild eines Hauses entstand in Ballentines Kopf, als sie die innere Welt ihrer Songs mit den äußeren Räumen, die sie jetzt umgab, zusammenfügte. Sie dachte dabei viel an ihre Kindheit in Mount Vernon, NY, die sie als größte Inspiration für die Platte bezeichnet.*

Release 7.10.2022

Das neuseeländische Quartett hat es exquisit raus, klassischen Indierock mit viel Liebe zu Details, ungewöhnlicher Melodik und Rhythmik so zu verpacken, daß die alte Tante im knackigen Look für aufregendes Aufsehen sorgt. Prägnante Hooklines wechseln mit trickreichen Passagen, untermauert vom Down Under-affiner Gitarrenrock-, Skuzz- und Power Pop-Verwurzelung mit 60s-affinen mehrstimmigen Backgroundgesangspassagen. Auf dem 3ten Album positioniert sich die gesanglich narrativ-melodiös agierende Elizabeth Stokes irgendwo zwischen Roman-Autorin und Dokumentaristin. Die Songs sind autobiografisch, aber sie beinhalten auch Charakterskizzen von Beziehungen - platonisch, familiär, romantisch - und vor allem deren Nachwirkungen. Die Formen und Gespenster, die in der Abwesenheit zurückbleiben. Die Frage, die im Raum steht: Was macht man mit der Vertrautheit die man mit einer Person erlangt hat, wenn sie aus dem Leben verschwunden ist? Das Album wurde größtenteils im Studio von Gitarrist Jonathan Pearce in der Karangahape Road in Tãmaki Makaurau, Aotearoa (Auckland, Neuseeland) aufgenommen - und manchmal auch im höhlenartigen Treppenhaus des Gebäudes um 1 Uhr morgens - gegen Ende des Jahres 2021, bis sie durch den viermonatigen nationalen Lockdown unterbrochen wurden.

Release 7. Oktober 2022

Anaïs Mitchell, Eric D. Johnson, und Josh Kaufman sind Bonny Light Horseman. Ihr nun zweites Album ist der Nachfolger zum gefeierten selbstbetitelten Debüt von 2020, welches zwei Grammy-Nominierungen und unzählige positive Reviews einsammelte. Produziert von der Band selbst zeigen eine Folkband, die zusammengewachsen ist-die 11 Song zeigen dies eindrucksvoll. Sie folgen den Pfaden der traditionellen Melodien, die die Band schätzt, zu neuen musikalischen und lyrischen Grenzen, und geben den Klängen und Situationen der Geschichte die Schwere und Form der Gegenwart. Rolling Golden Holy bestätigt, dass Bonny Light Horseman kein Projekt, sondern eine Band ist, und zwar eine, die derzeit an der Spitze des modernen amerikanischen Folk arbeitet.

Release 7.10.2022

Gilla Band, die früher Girl Band hießen, haben ein neues Album angekündigt.

„Bei ‚Eight Fivers‘ geht es darum, den Kontakt zu modernen Umständen zu verlieren und sich gleichzeitig sozial eingeschränkt zu fühlen“, sagte Sängerin Dara Kiely in einem Statement. „Nie dazuzugehören und irgendwie stolz darauf. Ich bleibe bei dem, was ich habe und bin glücklich darüber. Dankbar und unmodern sein, selbstbewusst und zu bewusst, was fehlt. Zu akzeptieren, dass Eifersucht eine große Rolle in meinem Leben gespielt hat, aber zu versuchen, sie nicht zu nähren.“

Das Video wurde von Mortis Studios mit Ruben Hernandez animiert und inszeniert.

Release 7.10.2022

Aus der Sicht von Patrick Watson: 'Dieses Album handelt davon, sich in einer Welt zurechtzufinden, in der man nicht mehr weiß, was real ist. Ich habe viel Zeit mit Lesen verbracht, um meine Texte zu verbessern. Ich war sehr inspiriert von Jesus' Son von Denis Johnson, The Waves von Virginia Woolf und Fever Dream von Samanta Schweblin. Durch die Hinzunahme modularer Synthesizer konnten wir einen wärmeren und berührenderen Ansatz für die Elektronik finden, die sich genauso akustisch anfühlt wie der Rest der Instrumente und sich wie eine Flüssigkeit bewegt. Andrew Barr von den Barr Brothers hat uns am Schlagzeug unterstützt, es ist ein Vergnügen, mit einem so großartigen Musiker Musik zu machen.'

Release 7.10.2022

Es heißt, dass, wenn man zwei Minds zusammenbringt, immer ein dritter Mind entsteht, ein dritter überlegener Mind, ein unsichtbarer Kollaborateur", so haben es einst William S. Burroughs und Brion Gysin zusammen in ihrem Buch "The Third Mind" formuliert und müssen dabei so etwas wie "Duo Duo", das zweite Album von The Düsseldorf Düsterboys im Kopf gehabt haben. Denn wie sich hier Peter Rubel und Pedro Goncalves Crescenti an ihren Klampfen zärtlich die Worte zuspielen, sich im Vortrag ganz selbstverständlich und voller Liebe für die Musik abwechseln, mal in die zweite Stimme wechseln und wieder zurück in den Leadgesang, das klingt eben alles so viel größer als nur zwei Menschen, die zusammen ein paar Lieder für uns spielen. Wie scheinbar unbeschwert sie uns teilhaben lassen an ihren assoziativen Sprüngen zwischen lässigen Alltagsbeschreibungen und wunderschöner Poesie, zwischen Kopfkissen und Metaphysik, oder um es mit den Düsterboys und dem Album-Opener "Stars/Sternchen" zu sagen: "So viel gesagt, so viele Wolken. In meinem Zimmer vergeht ein halber Tag! Take me higher!"

Release 14.10.2022

Der Song "What Would You Like Me To Do" ist ein disharmonisches, pochendes und von kraftvollen, ineinandergreifenden Gitarren durchzogenes Stück, in dem Gitarrist und Sänger Chris Sutter die Ansprüche von Boomern und alten, weißen Männern in Amerika aufs Korn nimmt. Über den Track sagt er: "Der Titel ist offen und kann aus beiden Perspektiven kommen - aus der eines alternden Mannes, der sich fragt, wo sein Platz in einer fortschreitenden Welt ist, sowie aus der der Menschen, die mit diesen Männern interagieren und ihnen dienen - "Was können wir für Sie tun?"

Release 21.10.2022

Auch als Tape erhältlich (CHF 14.90)

Die Arctic Monkeys veröffentlichen am Freitag, den 21. Oktober, ihr neues Album mit dem Titel "The Car". "The Car" ist das siebte Studioalbum der Band und enthält zehn neue Songs, die von Alex Turner geschrieben und von James Ford produziert wurden. Aufgenommen wurde das Album in Butley Priory, Suffolk, den RAK Studios in London und La Frette in Paris. Nach dem 2018 erschienenen Album 'Tranquility Base Hotel + Casino' finden sich die Arctic Monkeys auf 'The Car' in einer neuen, üppig orchestrierten musikalischen Landschaft wieder und bieten einige der besten und beeindruckendsten Gesangsdarbietungen in der Karriere von Alex Turner.

Release 7.10.2022 (Vinyl am 28.10.2022)

'"Forever Blue" war 2020 das Albumdebüt der in London lebenden Singer-Songwriterin; ein dramatischer und intimer Spaziergang auf der dunklen Seite, der Post-Rock und Klassikelemente miteinander verschmolz. Die im letzten Jahr folgende EP 'arco' war eine Neuinterpretation von Williams’ selbstbetitelter, erster EP, bei der die Multi-Instrumentalistin auch die Arrangements für ein zehnköpfiges Streicher-Ensemble schrieb. Das Ensemble kehrt für 'As The Moon Rests' zurück und verstärkt so auf den elf Songs die filmischen Dimensionen und das spürbare Drama des Albums.

Release 28.10.2022

Immer noch wild und ungekünstelt, immer noch wütend, manchmal zerbrechlich, manchmal laut und manchmal leise, spielen Oli Hartung (Gitarre), Gert Stäuble (Drums), Ere Gerber (Bass) und Bubi Rufener (Gesang und Gitarre) als gäbe es kein Morgen mehr. Leidenschaft und Intensität, sind wichtiger als geschliffene Mainstream Auftritte!

Am 28.10. 22 erscheint das 4te BUBI EIFACH Studio Album „Schön gits Euch..!“ 12 Songs weit weg von Mode und Trends, weit weg von Einheitsbrei und lauwarmem Pop, und trotz dem live eingespielten rauhen BUBI EIFACH Sound und der „…aus dem Bauch raus Attitüde“ der Band, eingängig. Die neue Songs handeln von Vergänglichkeit, vom Sterben und Lieben, von Angst aber auch von Hoffnung und das BUBI EIFACH ohne sich hinter Ironie zu verstecken ehrlich und kompromisslos alles gibt und auch den Mut zur Verletzlichkeit zeigt, ist gerade in dieser Zeit wohltuend und schön.

Release 24.2.2023

Die vierköpfige Comic-Band aus Großbritannien wurde von Blur-Sänger Damon Albarn und Comic-Zeichner Jamie Hewlett erschaffen. Im Jahr 2001 erschien ihr Debütalbum "Gorillaz", das u.a. in Deutschland, Österreich und Großbritannien in die Top 3 der Charts einstieg. Daraufhin folgten noch sechs weitere, international sehr erfolgreiche Alben. Im März dieses Jahres feierte die Band ihr 20-jähriges Jubiläum. "Cracker Island" ist das insgesamt achte Studioalbum der Band. Es wird mit der Veröffentlichung der neuen Single "New Gold" am 31. August angekündigt. Auf der Single wirken Tame Impala - das psychedelische Musikprojekt des australischen Multiinstrumentalisten Kevin Parker - und Bootie Brown von der Alternative-Hip-Hop-Gruppe The Pharcyde mit. Das neue Album enthält weitere spannende Kollaborationen mit großen Namen wie Stevie Nicks von Fleetwood Mac, Beck und Thundercat. Die virtuelle Band ist auf TikTok explodiert und hat innerhalb weniger Monate über 2 Millionen Follower auf der Plattform dazugewonnen, wo sie weiterhin innovativ sind und virtuelle Charaktere dorthin bringen, wo noch kein Charakter zuvor gewesen ist. Vorwärts und kühn aufwärts!

Release 21.10.2022

Drei Jahre sind vergangen, seit Loyle Carner sein letztes Album "Not Waving, But Drowning" veröffentlicht hat. Vieles hat sich verändert, diese und seine Welt ist nicht mehr die gleiche. Da war viel Schmerz und Wut. Und daneben: Hoffnung, Schönheit, Licht. Loyle Carner hat sie alle gesammelt, die großen Emotionen der letzten Jahre und daraus gemacht, was er am besten kann: Musik. Dabei herausgekommen ist "Hugo", eine berührende Sammlung von Poesie und Geschichten über Familie, Identität und Gesellschaft, über Hoffnung im Angesicht des Schmerzes. Es ist ein Manifest, das in seiner ebenso persönlichen wie politischen Wirkung lange nachhallt. Seinen Ursprung findet das Album in Loyles junger Vaterschaft, seiner Mixed-Race-Identity und dem Sommer der Black-Lives-Matter-Proteste, die ihn mit der Frage nach seinem Platz in der Welt konfrontieren. Seine Suche führt ihn durch vielschichtige und lebendige Klangwelten, in denen berührende, tiefgehende Texte ihren Platz finden. Darin Fragen, Antworten, Anklagen und Versöhnungen. Loyle Carner eröffnet Konversationen, vor denen er sich zuvor zu sehr gefürchtet hatte. Er konfrontiert sich mit der schwierigen Beziehung zu seinem Vater, mit seiner Racial-Identity und der Verantwortung gegenüber seinem Sohn. Mit "Hugo" wächst Loyle Carner über sich selbst hinaus - als Künstler, Vater, Sohn und Person of Colour. Das Album wühlt auf, tröstet, gibt Hoffnung und Solidarität.

Release 17.2.2023

Die Band um Sebastian Dürre aka Porky, Henning Besser aka La Perla sowie Philipp Grütering aka Kryptik Joe hatte während der Pandemie mit der Arbeit an dem neuen Album begonnen und die allgemeine Stimmung und Atmosphäre jener frühen Pandemiephase hat sich ganz automatisch in Texte und Musik der neuen Songs eingeschrieben. Deichkind sind also wieder da - genau zur richtigen Zeit. Die erste Singleauskopplung aus dem Album, der doppelbödige Song "In Der Natur", verbindet hintersinnige Jodelkunst mit abstrakter Zivilisationskritik und zeigt: Die Gesellschaftskritik von Deichkind funktioniert so gut, weil sie nicht von der Tribüne kommt und schon gar nicht aus dem Elfenbeinturm. Deichkind meinen immer auch sich selbst, wenn sie über die Zumutungen der Gegenwart spotten - und dabei wie im Vorbeigehen noch die vermeintlich sperrigsten Themen in potenzielle Hits kleiden, die man auf Anhieb mitsingen möchte.

Release 14.10.2022

3tes Studioalbum, mutig, energiegeladen und expansiv - die Idee der Bewegung war schon immer zentral für Press Club. Die vierköpfige Punkrockband aus Melbourne, die seit 12 Jahren zusammen Musik macht, lehnt Stillstand ab und drängt ständig darauf, sich zu verändern und in einer Szene zu gedeihen, die weitgehend gleich bleibt. Endless Motion ist das ultimative künstlerische Statement über die vergangenen drei Jahre - ein kollektiver und globaler Kampf, der Press Club das Material und die Umstände lieferte, um sich als eine der aufregendsten und relevantesten Bands des Jahres 2022 zu etablieren. Das neue Album verspricht zu gleichen Teilen verspielten Indie-Rock, punkige Härte und verträumten Alt-Rock, wobei sich das Anekdotische und das Extrospektive die Waage halten. Mit ihren ersten beiden Alben "Late Teens" (2018) und "Wasted Energy" (2019) - haben Press Club bewiesen, dass sie eine aufregende neue Stimme in der globalen DIY-Punkrock-Szene sind

Release 21.10.22

Nur vierzehn Monate nach der Veröffentlichung ihres Debüts geben Dry Cleaning Details zu ihrem zweiten Album "Stumpwork" bekannt und bieten heute in Form der Single "Don't Press Me" einen ersten Vorgeschmack auf das neue Werk. "Don't Press Me" ist weniger als 2 Minuten lang und handelt von der Freude am Spielen und dem Genuss intensiver und kurzlebiger Erfahrungen ohne Schuldgefühle. Sängerin Florence Shaw sagt dazu: "Die Worte im Refrain sind entstanden, weil ich versucht habe, einen Song zu schreiben, den ich meinem eigenen Gehirn vorsingen kann: "You are always fighting me / You are always stressing me out". Das offizielle Animationsvideo wurde von Peter Millard erstellt, dessen naive Darstellungen der Band perfekt mit den Hooks und Riffs des Songs harmonieren. "Stumpwork", der Nachfolger von "New Long Leg" aus dem Jahr 2021, wird am 21. Oktober 2022 veröffentlicht. Das erste Studioalbum der Gruppe aus dem Süden Londons, das in nur zwei Wochen mit dem Produzenten John Parish in den kultigen Rockfield Studios aufgenommen wurde, wurde mit überschwänglichen Kritiken gefeiert und auch ein kommerzieller Erfolg: es erreichte Platz 4 in den UK Album Charts und enterte die deutschen Charts auf #85. Von diesem Erfolg beflügelt, kehrten Nick Buxton (Schlagzeug), Tom Dowse (Gitarre), Lewis Maynard (Bass) und Florence Shaw (Gesang) Ende 2021 ins ländliche Wales zurück und arbeiteten erneut mit Parish und dem Ingenieur Joe Jones zusammen. Die vertrauensvolle Zusammenarbeit im selben Studio mit demselben Team ersetzte den Druck und die Ängste durch eine neue Freiheit und Offenheit, und man traute sich aus den Komfortzonen heraus. Ein längerer Aufenthalt im Studio gab der Band die Zeit zu experimentieren, zu improvisieren, zu spielen und ihre Tischtennisfähigkeiten zu verbessern. "Stumpwork" wurde von einer Fülle von Ereignissen, Konzepten und politischen Debakeln inspiriert, sei es durch das eisige Durcheinander von Ambient-Elementen, die eine gewisse existenzielle Verzweiflung widerspiegeln, oder durch die überraschende Wärme, mit der das Leben von geliebten Menschen gefeiert wird, die im vergangenen Jahr verloren gingen. Die surrealistischen Texte stehen nach wie vor im Vordergrund - aber es gibt jetzt auch eine Sensibilität für die Themen Familie, Geld, Politik, Selbstironie und Sinnlichkeit. Wütende Alt-Rock-Hymnen verbinden sich auf dem Album mit Jangle-Pop und Ambient-Noise und zeigen die Fülle der Einflüsse, aus denen sich die Band speist, und ihre tiefe Musikalität. Mit dem Druck ihres Debütalbums im Rücken haben Dry Cleaning ein ehrgeiziges und sehr lohnendes neues Werk geschaffen, das sie als eine der intelligentesten und aufregendsten Bands Großbritanniens auszeichnet. Das Album- und Single-Artwork wurde von den multidisziplinären Künstlern Rottingdean Bazaar und der Fotografin Annie Collinge konzipiert und gestaltet. James Theseus Buck und Luke Brooks von Rottingdean Bazaar arbeiteten zum ersten Mal mit Dry Cleaning zusammen, als sie das offizielle Video zu 'Scratchcard Lanyard' drehten, und während ihre kreative Partnerschaft mit der Band weiter floriert, haben sie eine brillante und einzigartige visuelle Identität für Stumpwork geschaffen.

Release 2.12.2022

Erstes Album seit sieben Jahren von einem der großen 90er-Jahre Triphop-Acts. Das Album wurde zusammen mit dem langjährigen Studio- und Mischtechniker Adam Wren produziert und enthält Gastbeiträge von unter anderem Fontaines D.C. Frontmann Grian Chatten und Lemn Sissay. "This Is What We Do" ist ein eklektischer Longplayer, der den optimistischen Grundgedanken des ikonischen Dance Music Acts verkörpert. Das Album, das Themen wie Liebe, Akzeptanz, Vielfalt und Heilung behandelt, wurde vor und nach zwei extrem herausfordernden und transformativen Phasen im Leben von Leftfields Neil Barnes geschrieben. Die globale Pandemie und seine persönliche Gesundheitskrise hatten beide einen direkten Einfluss auf den kreativen Prozess, wobei sein eigener Drang, ein Kindheitstrauma zu heilen, den Hintergrund bildete. Das Ergebnis ist ein reichhaltiger, lebendiger, positiver und potenter Cocktail aus aufrüttelnden Stücken, die Leftfields kompromisslose Herangehensweise an Tanzmusik verkörpern. "This Is What We Do" ist ein positives und kraftvolles Album, das sich mit persönlichen Themen befasst, die auch unsere aktuellen globalen Erfahrungen widerspiegeln.

Release 18.11.2022

Auch als Ltd.-Indies Only Yellow Vinyl-Edition (CHF 33.90) erhältlich

Das überschwängliche Debütalbum der langjährigen Freunde und Kollaborateure Panda Bear und Sonic Boom, verdanken wir dem mühsamen Prozess des Transports von Vinylplatten. Vor sechs Jahren verließ Sonic Boom seine Heimat England und zog nach Portugal, auch um näher bei Panda Bear zu sein. Das ungleiche Paar hatte sich fast ein Jahrzehnt zuvor über MySpace kennengelernt, als Panda Bear sich in den Liner Notes seines Soloklassikers "Person Pitch" bei Sonic Booms ehemaliger Band Spacemen 3 bedankte, was Sonic Boom dazu veranlasste, ihm ebenfalls zu danken. Zwischen den beiden entwickelte sich eine dauerhafte Partnerschaft, bei der Sonic Boom seit "Tomboy" (2011) eine Reihe von Panda Bear-Veröffentlichungen abmischte und mitproduzierte; besonders eng arbeiteten sie bei "Panda Bear Meets the Grim Reaper" (2015) zusammen. Als Sonic Boom die Idee hatte, ihre Zusammenarbeit auf die nächste Stufe zu heben, dachte er, Panda Bear würde den Vorschlag rundheraus ablehnen - in den neun glorreichen, fiebrig hakenschlagenden Tracks von "Reset" kann man jedoch genau hören, wie sehr er die Aussicht auf die Kollaboration liebte.

Release 21.4.2023

"Atum" ist eine Rock-Oper in drei Akten, die von der unnachahmlichen amerikanischen Rockband The Smashing Pumpkins geschrieben und im Studio aufgenommen wurde. Das Album erzählt eine epische interplanetarische Geschichte, die in einer nicht allzu fernen Zukunft spielt, obwohl die Songs selbst jeweils für sich allein im Pumpkins Pantheon stehen. Es ist der letzte Teil einer Konzeptalbum-Trilogie, die mit dem 1995 erschienenen Album "Melancholy and the Infinite Sadness" begann und im Jahr 2000 mit "Machina/The Machines of God" fortgesetzt wurde. An diesem nun finalen und dritten Teil "Atum" sind mit William Corgan, James Iha, und Jimmy Chamberlin drei Original-Mitglieder der Band, sowie der langjährige Gitarrist Jeff Schroeder beteiligt. Corgan hatte die Idee für die Rock-Oper schon vor Jahren entwickelt und die Zwangspause durch die andauernde Pandemie gab ihm die Zeit, um das Werk in der grandiosen Art und Weise zu vollenden, wie er es sich vorgestellt hatte.

Release 28.10.2022

Neues Album der aus der DIY-Szene von Calgary stammenden vierköpfigen Post-Punk-Band aus Kanada, die sich früher Vietcong und Women nannten. Das 3te Album ist ein fein abgestimmtes, köstliches, mit Punk/Prog/Kraut flirtendes Meisterwerk, ihr viertes Studioalbum, das erste auf ihrem eigenen gleichnamigen Label. Es beginnt mit dem stampfenden, metallischen Einschlag der Gitarrensaiten von "Fix Bayonets!". Das Stück ist zunächst rau, steigert sich dann zu einem mitreißenden Synthie-Sprint. Der Track bereitet den Weg für das, was kommen wird: ein Preoccupations-Album, das ihre gitarrenlastigen Ursprünge mit dem neueren synthiegestützten Stil verwebt. Das Ergebnis ist "Arrangements", ein Album, das gleichzeitig das intensivste, einnehmendste und verspielteste Werk der Band ist.

Release 4.11.2022

Das erste Album des britischen Produzenten und Songwriters seit "Rennen" von 2017! Nachdem er zuvor längere Zeit in Wien und Los Angeles gelebt hat, wohnt der in London geborene SOHN nun in den Pinienwäldern von Katalonien, Spanien, und es ist diese neue Umgebung, die ihn zur aktuellen Single "Segre" inspiriert hat. "Trust" markiert für den Solokünstler eine seismische Verschiebung in der Wahrnehmung und Ausrichtung und spiegelt SOHNs neue Verantwortung als Vater von drei Kindern wider. Der Umzug von Los Angeles in die Ruhe Kataloniens und die Erfahrung der Elternschaft veränderten seine Einstellung und auch seine Arbeitsweise: "Ich spürte eine Offenheit, die ich vorher nicht kannte, und mir wurde klar, dass ich es nicht mehr allein schaffen konnte - mir fehlten Gemeinschaft und Freundschaft im Leben und im kreativen Prozess", sagt SOHN. Zum ersten Mal in seiner jahrzehntelangen Karriere lud der Produzent andere ein, ihm bei der Verwirklichung eines neuen Albums zu helfen, und kehrte nach LA zurück (wo er "Rennen" aufgenommen hatte), um mit Yakob, Mike Sonier, Chris Tabron, Jesse Boykins III, Ryan Linvill, Noah Le Gros und Emile Mosseri zu arbeiten. Gemeinschaft, Intimität, Familie und Offenheit sind die Schlüsselthemen auf "Trust", wenn der britische Produzent über sein vergangenes Leben (Wien in 'Figureskating, Neusiedlersee') und seine gegenwärtige Realität ('Montardit', 'Segre') reflektiert. Indem er seinen kreativen Prozess für andere öffnet, lädt Toph Taylor den Hörer dazu ein, sein bisher intimstes und persönlichstes Werk zu erleben. "Auf dem Debütalbum "Tremors" war es so, als wäre ich hinter Glas, aber auf "Trust" fühlt es sich an, als könnte man in diesem Raum sitzen, und nicht nur alleine, man sitzt mit mir, einigen Musikern, einigen Freunden in einem Zimmer."

Release 14.10.2022

Das Album der Südlondoner Band, das kurz nach ihrer 2020 beim Ninja Tune-Sublabel Big Dada (u.a. Yaya Bey, Young Fathers oder Diplo) veröffentlichten EP, "Toner", erscheint, verbindet den Pulsschlag elektronischer Musik mit der rohen Energie eines lebensbejahenden Konzerts und offenbart mehr über das Trio, als sie bisher je preisgegeben haben. Die elf mitreißenden Tracks der Gruppe, bestehend aus Ella Harris und Josh Baxter (die sich Leadgesang sowie Synthesizer-, Gitarren- und Produktionsarbeit teilen) sowie Schlagzeuger und Perkussionist Louis Satchell, basieren auf einer Formel aus Acid, Disco, knallenden Synthesizern, der Befreiung des Dancefloors und kathartischem Spoken Word-Post-Punk. Das Album ist reich an schwergewichtigen Industrial-Beats, zerklüftetem Punk-Spirit und Momenten stiller Kontemplation durch Harris' poetische Lyrics. Das Album rennt unermüdlich vorwärts und verbindet Einflüsse wie Portishead, PC Music, Laurie Anderson und das kultige Rave-Pop-Duo The Pom-Poms mit Leichtigkeit.

Release 28.10.2022

Die US-amerikanische Supergroup um Mike Patton, Dave Lombardo, Justin Pearson und Michael Crain mit ihrem 2ten Album. Der erste neue Song "Reign of Error" ist eine energie-geladene Hardcore-Nummer mit rasenden Riffs und galoppierenden Drums. Das Album wurde vor allem auf die erstarkte Freundschaft der Bandmitglieder gebaut, besonders nachdem bei Gitarrist Michael Crain Krebs diagnostiziert wurde.

Release 7.10.2022

Auch als Ltd.-Indies Only Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 41.90)

Riesiges und wunderschönes, ausladendes Werk, das eine seltene und reflektierende Kraft besitzt - wurde von Aaron Dessner (Taylor Swift, The National) produziert und erscheint am 7. Oktober über Sacred Bones. Das Album, bei dem Indigo Sparkes kraftvoller Gesang im Mittelpunkt steht, ist vollgepackt mit großen Gitarren und einer vielschichtigen Instrumentierung, die praktisch als Lunge des Albums fungiert und jeder Note Atem verleiht. War ihr Debüt "Echo" von der intimen, spektralen Herangehensweise der Produzentin Adrianne Lenker geprägt, so ist "Hysteria" vergleichsweise vollmundig und warm wie ein loderndes Feuer, da Dessners kunstvolle Instrumentierung Sparkes Songwriting perfekt ergänzt. Das Ergebnis ist Musik, die zeitlos klingt.

Release 7.10.2022

Das schwarze Album von Kevin Kuhn (Schlagzeug), Julian Knoth (Bass und Gesang) und Max Rieger (Gitarre und Gesang). Kein Wolf ziert das Cover, nein: ein schwarzer Schäferhund vor schwarzem Grund. Das Album ist auch ein Stimmungsbild. Und in der konsequenten Wortschatzverkleinerung ihrer Texte, die vage genug bleiben, um in der chaotischen Komplexität der Gegenwart Impulse zu setzen, ist die Musik auch Sprachrohr für ein Unbehagen geworden, mit dem man sich in jedem ihrer Stücke identifizieren kann: Zehn in Form und Inhalt vollendete Gegenwartsbetrachtungen mit Schaum vor dem Mund, die schließlich als vereinfachte Erzählungen mit Edding auf ein weißes T-Shirt geschrieben werden, so dass die Farbe durchdrückt und sich auf der zwischen Wut und Angst aufgebracht pumpenden Brust verewigt. "Europa" und "Ich Sterbe jeden tag in Deutschland" - wie alle Texte 2018/19 entstanden und somit irritierend visionär - offenbaren die Nerven als Teil einer behüteten Generation, die zu ahnen beginnt, dass ihr noch ganz andere Zeiten bevorstehen, und dass das erlebte Leid der Anderen untrennbar mit den eigenen Privilegien zusammenhängt. Deshalb: "Keine Bewegung"; vielmehr: Passivität und Ohnmacht ob der sich zuspitzenden Zustände, konterkariert durch die Wucht des Songs! "Alles reguliert sich selbst" entlarvt den Slogan als Lüge, macht das Kippmoment ins unausweichliche Chaos spürbar. "Ganz egal" erzählt sardonisch von der Sattheit einer Generation und vertont die Energie einer Auflehnung gegen diesen Zustand. Im Perspektivwechsel dann erleben wir - mit einem gewissen Zynismus erzählt -, wie die bis hierhin gewonnenen Erkenntnisse die Sozialen Medien überfordern und in ihnen eine übelschmeckende, narzisstische Dekadenz aufdecken: "Ein Influencer weint sich in den Schlaf" . Am anderen Ende werden wir ganz unabwendbar "Der Erde gleich" - und der Existentialismus, der die Nerven stets getrieben hat, findet zu einer gewaltigen Songkraft.

Release 7.10..2022

Ein intensives, durch die Dunkelheit wandelndes Album von Sophie Löw, 26-jähriger Singer/Songwriterin, die mit ihrer charakteristischen Stimme und ihren bemerkenswerten Texten als Sängerin der Wiener Band Culk vorsteht. Im musikalischen Zentrum des unter die Haut gehenden Soloalbumdebuts steht das Klavier, das mal düster, mal glamourös-melodiös die Songs trägt und Sophia´s mit eher leiser, zurückhaltender, aber im Ausdruck atemberaubender Stimme erzählten Songs über Angst, Selbstbestimmung, Gewalt und Schwesternschaft mit Zusätzen von auch Streichern und dezent eingesetzter Electronic umhüllt wie enthüllt. Ein dunkles, tiefgründiges Kammerpop-Meisterwerk mit einer ähnlichen Ausdruckskraft wie das Debutalbum "Lovetunes for Vakuum" der ebenfalls aus Österreich stammenden Soap & Skin.

Release 30.9.2022

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.90)

Nachdem Karen O, Nick Zinner und Brian Chase sich kürzlich mit ihrer ersten neue Musik seit über neun Jahren zurückgemeldet hatten, sind sie nun offiziell mit ihrem 5ten Album zurück.

Release 30.9.2022

Zum zehnten Mal lädt die aussergewöhnliche isländische Sängerin und Künstlerin auf Albumlänge ein in ein musikalisches Universum jenseits der Vorstellungen. Der Titel bedeutet "Gräberin". Wie bei jedem ihrer Alben war ein Gefühl der Ausgangspunkt, für das ein Sound geformt werden soll. Dieses Mal war es"das Landen auf der Erde, dieses Gefühl, die Füße in den Boden zu graben". Zwar betont Björk, daß es auf dem Album um Bass und schwere Tiefen gehe (deshalb sind auch sechs Bassklarinetten vertreten), allerdings scheint vielmehr die Stimme, ihre Doppelungen und das kunstvolle Spiel mit ihr und dem isländischen Hamrahlid Chor wichtig zu sein, denn einige Songs kreisen auf verscheidne Weisen um Gesänge (z. B. "Sorrowful Soil"). Streicher, Bläser, Gongs, Industrialbeats und elektronische Texturen gehören ebenfalls zu den Mitteln, die Björk einsetzt, um ihre stimmlich exaltiert und wie immer wundersam speziell vorgetragenen Songs zu illustrieren und zu illuminieren. Gäste sind der spanische Musiker El Guincho, Serpentwithfeet, die norwegische Sängerin Emilie Nicolas, Schauspielerin Soraya Nayyar, das Siggi Streicherquartett, das Klarinettensextett Murmuri und das indonesische Dance-Duo Gabber Modus Operandi sowie. Björks Sohn und Tochter Sindri und Isadóra mit Hintergrundgesang.

Release 23.9.2022

Auch als Tape erhältlich (CHF 22.90)

Auf dem vierten Album tritt der Kraftklub die Flucht nach vorne an mit zumeist im Uptempo gehaltenen Songs mit druckvollen Bässen, offenherzig angeschlagenen Gitarren im Angriffsmodus mit viel Postpunkflair und vielstimmigen, gut in die Ohrwindungen mehrstimmigen Refrains. Immer wieder coole Stops und ruhigere zwischen geschalteten Passagen, die für Würze und Dynamik sorgen. Umso energetischer reiten sie dann wieder durch die Nacht und über die Strassen mit Texten rund um die eigene Lebenslage, gegen Nazis und die Gesellschaft. Zackige Rhythmik, eingängige Refrains und fette Gitarren.

Release 30.9.2022

Das neue 8te Album klingt reifer und dabei kein bisschen weniger (ein-)dringlich: Abgründiger Folk-Sound trifft auf opulenten Ballroom-Pop und brutalen Rock, angefeuert von zurückliegenden Fehltritten und Affären, von kosmischen Kräften und der Idee eines digitalen Lebens nach dem Tod, um diese Leerstelle in der göttlichen Vorsorge auszufüllen. Zugleich braut sich in den Nachrichten mit jedem Tag ein neuer Sturm zusammen… "Wir sind auf jeden Fall gewachsen", sagt Gitarrist Joey Santiago. "Die Songs sind auch nicht mehr unter zwei Minuten lang. Es gibt jetzt kleine Breaks, eher klassische Arrangements – aber natürlich geben wir den Songs immer noch unseren ganz eigenen Twist." "Wir wollten etwas machen, was richtig groß und mutig klingt – und auch klar orchestriert ist", kommentiert Sänger/Gitarrist Black Francis. "Ich liebe es zwar, diese ganzen Punksachen zu spielen, aber man kann den Scheiß auch gar nicht künstlich entstehen lassen. Es gibt auch andere Möglichkeiten, sich auszudrücken … es gibt andere Wege, diese besondere Energie einzufangen, die uns ausmacht.". Besagte Energie ist schon auf "There’s A Moon On" zu spüren, wenn sie die Grauzone zwischen klassisch-schrillen Pixies-Gitarren und Old-School-Rocksound füllen. Inhaltlich oszilliert der Song zwischen Tatsachen und Legenden, indem sie die Auswirkungen des Mondzyklus auf die menschliche Psyche thematisieren – und der Adrenalinspiegel offensichtlich steigt während der Vollmondphase: Immerhin werden die Angetrunkenen an der Bar von Francis’ Bruder zunehmend unentspannt und aggressiv… Auf dem neuen Album vermählen Pixies immer wieder Abgründiges und Schönes: "Haunted House" erzählt über einem Pop-Fundament mit Fifties-Einschlag von Geistern, die mal metaphorisch, mal sehr real wirken; der introspektive Wüstenrock von "Vault Of Heaven" erinnert an Morricone, und der "Pagan Man" kommt vergleichsweise leichtfüßig mit seiner Folkrock-Melodie daher. Andererseits haben Pixies immer noch dieselbe Härte, dieselbe zügellose Energie: Das hört man im surrealistischen Rundumschlag "Nomatterday" oder dem an The Who erinnernden Nachdruck von "Dregs Of The Wine", was ganz sicher der erste und letzte Song dieser Band sein dürfte, in dem sogar Van Halen namentlich genannt werden.

Release 30.9.2022

Die US-amerikanische Metal-Band aus Des Moines mit neuem Album. Im Jahr 2019 erschien ihr letztes Studioalbum "We Are Not Your Kind". Einen ersten musikalischen Vorgeschmack auf das neue Album lieferte Slipknot mit der vorab veröffentlichten Single "The Chapeltown Rag", bei der die maskierten Mannen in gewohnter Slipknot-Manier auftreten und jedes Metal-Herz höher schlagen lassen. Aber auch das kommende Album soll vielversprechend werden.

Release 30.9.2022

Jesca Hoop kehrt mit ihrem sechsten Album zurück, einem Album, das ihre Position als eine der markantesten und originellsten Stimmen der zeitgenössischen Musik verstärkt. "Order of Romance" ist Hoops bisher kompliziertestes und fein ausbalanciertes Album, das sich auf klassisches Songwriting stützt und an Gersh win bis Paul Simon erinnert, aber gleichzeitig etwas schafft, das unverkennbar und unauslöschlich Jesca Hoop ist. Der erste Vorab-Song ist das grandiose "Hatred Has a Mother". Die Idee dazu entstand, als Jesca Hoop Anfang 2020 mit Ani Di Franco durch die USA tourte. Beim Beobachten am Bühnenrand fiel Hoop der Satz "Revolutionary Love" aus Di Francos damals unveröffentlichtem gleichnamigen Song auf, der wiederum als Antwort auf "See No Stranger: A Memoir and Manifesto of Revolutionary Love" von Valarie Kaur geschrieben wurde. Kaur beschreibt revolutionäre Liebe als die Entscheidung für andere die nicht so aussehen wie wir, für unsere Gegner die uns verletzen, und für uns selbst in die Arbeit zu gehen. Revolutionäre Liebe ist eine Kraft für Gerechtigkeit und eine Freiheit vom Hass. Hoop nimmt mit Hatred Has a Mother den "Staffelstab" auf um sich der Praxis der revolutionären Liebe zu widmen und sie an die Zuhörer weiterzugeben.

Release 30.9.2022

Dass sie dem Rock´n Roll-Lifestyle den Rücken zuwenden würden, kann man der erfolgreichsten Austro-Pop-Band der Gegenwart nicht vorwerfen. In "Rocking in Wien" zieht Sänger marco Wanda zu allerdings Keyboard und dicken Backgroundchor Alkohol und Zigaretten dem allgemein grassierenden Gesundheitswahn vor. Nach Amore, Bussi, Niente, Ciao! steht das fünfte Album an, das um die Themen Leben, Sehnsucht, Liebe und Tod kreist

Release 23.9.2022

Das texanische Exoten-Trio und der malische Gitarrist mit gemeinsamem Album zu Ehren von Vieux´s Vater Ali Farka Touré. Der "König des Wüstenblues" galt als einer der renommiertesten und talentiertesten Gitarristen, die Afrika je hervorgebracht hat. Das Rolling Stone Magazin wählte den 2006 verstorbenen Musiker unter die einhundert besten Gitarristen aller Zeiten. In Alis Sound verschmolzen traditionelle malische Musikstile mit verschiedenen Elementen des Blues, wobei er in den lokalen Sprachen Songhay, Tamasheq, Fulfulde und Bambara sang. Das Ergebnis war die Schaffung eines bahnbrechenden neuen Genres, das heute als "Wüstenblues" bekannt ist und Ali drei Grammy-Auszeichnungen, weltweite Anerkennung und den Spitznamen "afrikanischer John Lee Hooker" einbrachte. Die Kollaboration zollt Alis Vermächtnis Tribut, indem sie einige seiner wirkungsvollsten Werke neu interpretiert und mit verschiedenen Sounds experimentiert, ohne die Integrität des Originals zu vernachlässigen. Das Ergebnis ist eine würdige Hommage an eine Legende, die eine erfrischende westafrikanische Mischung aus musikalischen Referenzen schafft, von der das Duo hofft, dass sie neue Generationen und ein neues Publikum erreicht.

Release 23.9.2022

Selbst für eine Band wie Editors, die kreativ noch nie auf der Stelle getreten ist, stellt das neue Album ´EBM´ einen atemlosen und mächtigen Schritt über den gewohnten Band-Sound hinaus dar. Wir werden Zeuge eines mitreißenden, unerbittlichen Vorstoßes von vollmundigem Elektro-Industrial-Rock. Der Albumtitel ist ein Akronym aus Editors und Blanck Mass - deren Kopf Benjamin John Power für ´EBM´ festes Bandmitglied wird - aber auch eine wissende Anspielung auf Electronic Body Music, den kraftvollen Sound, der in den 1980er Jahren entstand und das neue Material von Editors stark beeinflusst hat. Hier hämmern die Synthesizer von Bands wie Nitzer Ebb, Front 242 und DAF düster inmitten von Nebelmaschinen, Stroboskoplicht und dem Geruch von Leder.

Release 23.9.2022

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Nach sechs Jahren ein neues Album der seit Anfang der 90er Jahre aktiven britischen Folktronica-Künstlerin

Release 23.9.2022

Ende 2011 lernte Makaya McCraven die Gründer des Chicagoer Labels International Anthem kennen, die zwischen 2012 und 2013 eine Reihe von improvisierten Jazzabenden mit seiner Combo im Bedford veranstalteten und aufnahmen, einem Club, der in einem ehemaligen Kellergewölbe einer Bank lag. McCraven nahm dort 48 Stunden lang auf und formte diese Aufnahmen zu Hip-Hop-Beats, nicht unähnlich der Art, wie Teo Macero Miles Davis Album "On the Corner" zusammengesetzt hat. Damals betrachtete McCraven das Projekt, aus dem 2015 die Doppel-LP "In The Moment" hervorging, als eine Gelegenheit, neue Kontakte zu knüpfen. Makaya über diese Zeit: "Ich wollte ein junges Publikum für diese Musik finden und begeistern. Es fühlte sich einfach wie die richtige Zeit und der richtige Ort an, an dem ich wirklich mit den Leuten in Kontakt treten konnte." Dieser Gedanke erwies sich als prophetisch: Die JazzTimes nannte das Album "eine der faszinierendsten Veröffentlichungen des Jahres", der britische Radio-DJ Gilles Peterson von BBC 6Music wählte es zum "Album der Woche", während PopMatters, NPR und die Los Angeles Times es in ihre "Best of 2015"-Listen wählten. McCraven verfeinerte seine Prozesse der Live-Improvisation und des Samplings 2017 mit "Highly Rare" (entstanden aus einem Live-Set, das in Danny's Tavern in Chicago aufgenommen wurde), 2018 mit "Where We Come From" (CHICAGOxLONDON Mixtape), das aus Aufnahmen eines intimen Showcases im Londoner Total Refreshment Centre entstand, und "Universal Beings" (ebenfalls 2018 veröffentlicht). "Universal Beings", das aus erweiterten Live-Sessions in Chicago und New York sowie Pop-up-Studio-Sessions in London und Los Angeles besteht, spiegelt sein grenzenlosen und multinationalen Soundkosmos konkret wider. Für das Werk wurden verschiedene internationale Musiker eingeladen, darunter Nubya Garcia und Shabaka Hutchings aus London, Junius Paul und Tomeka Reid aus Chicago, Anna Butterss und Miguel Atwood-Ferguson aus Los Angeles sowie Brandee Younger und Dezron Douglas aus New York. In der Zwischenzeit hat Makaya McCraven Gil Scott-Herons letztes Album "I'm New Here" unter dem Namen "We're New Again: A Reimagining by Makaya McCraven" neu arrangiert, veröffentlichte "Universal Beings E+F Sides" (2020) und wühlte sich für "Deciphering the Message" durch den ehrwürdigen Katalog von Blue Note Records, wobei er bei jedem Projekt neue Improvisationen und Samples einsetzte, die seinen Ruf als "Beat Scientist" weiter festigten. Gleichzeitig sammelte er Ideen für "In These Times". Das Album ist eine Sammlung von polytemporalen Kompositionen, die sowohl von breiteren kulturellen Kämpfen als auch von McCravens persönlichen Erfahrungen als Produkt einer multinationalen Musikergemeinschaft der Arbeiterklasse inspiriert ist. Ganze sieben Jahre brauchte McCraven von der ersten Idee bis zum finalen Album. Immer kam etwas dazwischen. Wie etwa "Universal Beings" was konzeptionell einfach schneller entstand. "In These Times" hat einfach mehr Zeit gebraucht, um zu dem zu reifen, was es schließlich geworden ist. "In These Times" ist Makaya McCravens erhofftes Großwerk geworden, das seine musikalischen wie persönlichen Einflüsse zusammenbringt und einmal mehr beweist, warum er als einer der einflussreichsten Musiker des neuen Jazz gilt. Aus einem Versprechen für die Zukunft, ist einer der wichtigsten Musiker im Hier und Jetzt geworden

Release 23.9.2022

Auch als Ltd.-Red Galaxy Vnyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Neues Album von Luis Vasquez, das von den ekstatischen Freuden und lähmenden Tiefen des Lebens handelt und davon, dass das Durchhalten und die Existenz manchmal alles ist, was wir haben. Der Grund, warum das Album für Vasquez so persönlich ist, liegt darin, dass sich sein Leben während der Entstehung des Albums stark verändert hat. Er verließ Berlin, sein langjähriges Zuhause, und zog in den Joshua Tree, um während des Lockdowns musikalisch und persönlich etwas Freiraum zu finden. "I had a ton more freedom than I've ever had", sagt er. Zum einen konnte er tatsächlich Schlagzeug spielen, was er zuvor aus Platzgründen nie tun konnte. Sogar sein erstes Album, das von seinem flüsternden Gesangsstil geprägt war, hatte mit seiner Nachbarschaftssituation zu tun. Das deutlichste und symbolischste Ergebnis davon ist der markante, kraftvolle Gesang von Vasquez, der wahrhaftig jemanden einfängt, der Vertrauen in seine eigene Stimme gewinnt.

Release 23.9.2022

Auch als Ltd.-Indies Only Vinyl-Edition (CHF 34.90) und Tape (CHF 19.90) erhältlich.

"Gott" taucht im Titel der LP und in mehreren der dreizehn Tracks auf, nicht als konkrete religiöse Entität, sondern als Zeichen für ein allgemeines Gefühl des Glaubens (an etwas, irgendetwas), das Giannascoli oder die von ihm verkörperten Figuren in den oft schwierigen Situationen der Lieder stärkt. Giannascoli hat sich in den letzten Jahren zu Musikern wie Gillian Welch und Schriftstellern wie Joy Williams hingezogen gefühlt, zu Künstlern, die das Öffentliche und das Hermetische ausbalancieren und die den Glauben eher als eine gemeinsame soziale Sprache denn als religiöse Doktrin darstellen. Indem er seine Erfahrungen durch Fakten und Fiktion filterte, öffnete Giannascoli die Songs auch durch eine praktischere Methode: Kollaboration. God Save the Animals enthält mehrere individuelle Beiträge von seinen Bandmitgliedern (Gitarrist Samuel Acchione, Schlagzeuger Tom Kelly und Bassist John Heywood) oder seiner langjährigen Kollaborationspartnerin Molly Germer an den Streichern und/oder am Gesang. Wie bei allen Platten, die er seit seiner Jugend aufgenommen hat, schrieb und probierte Giannascoli die Songs von God Save the Animals allein zu Hause aus; aber um neue Töne zu finden und um während der Pandemie "eine Routine außerhalb meiner Wohnung" zu haben, begann er, mehrere Studios im Großraum Philadelphia zu besuchen. God Save the Animals" enthält daher die Arbeit von etwa einem halben Dutzend Toningenieuren, die Giannascoli gebeten hatte, ihm zu helfen, die "beste" Aufnahmequalität zu erzielen, was immer das auch heißen mag. Das Ergebnis ist ein Album, das in seiner Klangpalette und seiner durchgehenden Komplexität dynamischer denn je ist.

Release 16.9.2022

Wilderness of Mirrors verfeinert gekonnt den psychedelischen Rock der Black Angels mit einer Vielzahl faszinierender Sounds und Texturen. Neben melancholischen, von Akustikgitarren getragenen Experimenten gibt es auch klassische Fuzz-Gitarren, die die Ohren anregen und den Geist anregen. Auch Mellotron, Streicher und andere Keyboards spielen auf Wilderness of Mirrors eine größere Rolle als je zuvor. Selbst inmitten dieser neuen Experimente bleiben die Black Angels ihren Psych-Rock-Ahnen wie Syd Barrett, Roky Erickson, Arthur Lee und den Mitgliedern von Velvet Underground meisterhaft treu, die alle auf dem Album-Highlight "The River" namentlich erwähnt werden.

Release 16.9.2022

Nach einem Jahrzehnt kehren The Mars Volta mit einem neuen Album zurück, das ihr Selbstverständnis radikal reformiert. The Mars Volta wurden 2001 von Gitarrist/Komponist Omar Rodríguez-López und Sänger/Texter Cedric Bixler-Zavala gegründet und gingen aus der Punk-Rock-Band At The Drive-In aus El Paso hervor. Mit dem Ziel, "unsere Wurzeln und unsere Toten zu ehren", schufen The Mars Volta Musik, die die lateinamerikanischen Klänge, mit denen Rodríguez-López aufwuchs, mit dem Punk und Underground-Lärm, in den er und Bixler-Zavala jahrelang eingetaucht waren, und den futuristischen Visionen, die sie verfolgten, fusionierte. Die folgenden Alben waren einzigartige Meisterwerke, deren Songs von atemberaubender Komplexität und zugleich von kraftvoller emotionaler Unmittelbarkeit geprägt waren. Nachdem die Gruppe verstummt war, hielt eine Vielzahl von Fans (darunter Kanye West) die Trommel für ihre Rückkehr aufrecht. Das neue Album schüttelt einige der langjährigen Traditionen von The Mars Volta ab: Nur zwei Stücke sind länger als vier Minuten, und der schwindelerregende, abrasive Prog-Stil der früheren Alben ist nicht vertreten. Stattdessen pulsiert "The Mars Volta" mit subtiler Brillanz, karibische Rhythmen untermauern die ausgefeilte, turbulente Songkunst. The Mars Volta agieren in ihrer reifsten, prägnantesten und konzentriertesten Form. Die unterschwelligen Pop-Melodien von Rodríguez-López treiben Bixler-Zavalas düstere Sci-Fi-Geschichten über das Okkulte und böswillige Regierungen an, die ihren Sound und ihre Wut auf das Beste kanalisieren. The Mars Volta" destilliert all die Leidenschaft, Poesie und Kraft, die sie in ihren Fingerspitzen haben, und ist die zugänglichste Musik, die die Gruppe je aufgenommen hat.

Release 16.9.2022

Auch als Ltd.-Pink Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 41.90)

Die US-amerikanische Indie-Rock-Band aus Bellingham lässt zu ihrem doppelten runden Jubiläum eine Wiese auf dem Asphalt erblühen: "Asphalt Meadows" lautet der Titel des 10. Studioalbums im 25. Jahr des Bandbestehens.

Release 16.9.2022 - CD am 7. Oktober 2022

Auch als Tape (CHF 21.90) und Ltd.-Picturedisc-Vinyl (CHF 44.90) erhältlich .

13. Studioalbum - eine knallharte Zusammenfassung all dessen, was die Band großartig macht, und ein weiterer großer Sprung nach vorne in Richtung Langlebigkeit der Karriere. Neue Knaller wie 'Red Alert (Boss Metal Zone)', 'Nosferatu Madre', 'Skeletons on Mars', 'Jackhammer Our Names' und 'Mercy Brown' nehmen ihren rechtmäßigen Platz neben Clutch-Klassikern ein. Sunrise On Slaughter Beach ist der natürliche Höhepunkt dessen, was Clutch als Teenager in den frühen 90ern begannen. Das Album wurde im The Magpie Cage Recording Studio, Baltimore, MD, von dem Grammy-nominierten Tom Dalgety (Ghost, Royal Blood, Pixies) produziert und gemischt, mit zusätzlicher Technik von J Robbins (Jawbreaker, Against Me!, The Sword).

Release 16.9.2022

Pina Palau, Singer-Songwriterin aus Zürich, lässt uns mit ihren Liedern staunen, schmunzeln, Alltägliches und Altbekanntes in einem neuen Licht sehen. Die Musik von Pina Palau macht gleichzeitig froh und nachdenklich. Sie entführt uns in Alptäler und den amerikanischen Westen, vereint Folk mit Rock und Indie, melancholische Mundharmonika mit verzerrten Gitarrenriffs, erinnert an Künstlerinnen wie Phoebe Bridgers, Lucy Dacus oder Big Thief und ist doch etwas ganz Eigenes.

Pina Palaus Debütalbum Illusion erscheint 2022 unter dem Label Mouthwatering Records. Es klingt wie eine Sammlung von Kurzgeschichten: das Gefühl des Eingesperrtseins, wenn man tagelang keinen Menschen sieht. Ein Gespräch mit einer Freundin, die an Liebeskummer leidet. Alltagsbeobachtungen, die so zart und präzis erzählt werden, dass man sich unweigerlich selbst darin erkennt. Illusion wurde zusammen mit Mario Hänni produziert, auch bekannt von Mnevis oder als Ex-Drummer von Sophie Hunger und Pablo Nouvelle.

Release 9.9.2022

9tes Album, von der Band weitgehend getrennt voneinander und an verschiedenen Orten aufgenommen. Für seine Begleitband holte sich Dulli mehrere langjährige Mitstreiter ins Boot, darunter den mittlerweile tragischerweise verstorbenen Mark Lanegan, der regelmäßig bei Dullis Twilight Singers mitwirkte, ein Partner bei den Gutter Twins und ein enger Freund war. Lanegan gibt sein Debüt bei den Afghan Whigs und singt bei zwei Stücken Backgroundgesang. Susan Marshall, die auf dem Whigs-Album 1965 gesungen hat, kehrt für "Catch A Colt" zurück, einem der herausragenden Stücke des Albums, das mit seiner lockeren Art an die Rolling Stones der Some Girls-Ära und den flüssigen Polyrhythmen von Fleetwood Macs "Tusk" erinnert. Das Multitalent Van Hunt, der 2012 mit den Whigs auf Tour war und als Gastmusiker bei "Do to the Beast" mitwirkte, bringt seine klanggewaltige Stimme sowohl in den eindringlichen Voodoo-Blues von "Jyja" als auch in das kühne "Take Me There" ein und verwandelt letzteres, so Dulli, "in einen wilden Gospelsong. Wir singen wirklich gut zusammen, aber was Van produktionstechnisch macht... das ist unerbittlich". Dann ist da noch Marcy Mays, Leadsängerin bei "My Curse", dem Highlight des bahnbrechenden "Gentlemen"-Albums von 1993, die hier ihre Rolle bei dem himmlischen "Domino and Jimmy" wieder aufnimmt und Stevie Nicks anstelle von Dullis Lindsey Buckingham spielt. "Ich habe diesen Song mit Marcy im Hinterkopf geschrieben", sagt Dulli. "Niemand klingt wie sie, sie hat eine unglaublich einzigartige, emotionale und eindrucksvolle Stimme".

Release 16.9.2022

Neues Album von Frank Spilker & Co.! Bei dem Titel entsteht die Frage, ob die noch alle Tassen im Schrank haben. Denn Euphorie ist von allen Gefühlen, die man derzeit so haben kann, das unwahrscheinlichste. Dann hört man die zehn neuen Lieder, und spätestens vierzig Minuten später, wenn die Streicher vom letzten Stück - dem traurigsten Sterne-Song aller Zeiten - verklungen sind, spürt man sie, die Euphorie. Musikalisch ist "Hallo Euphoria" typisch Die Sterne, aber weitergedacht und freigedreht. Es gibt den Funk, die Licks und Riffs, das sexy Eckige, aber nun auch Streicherharmonien und so was Treibendes auf der Autobahn zwischen Köln und Düsseldorf - Krautpop, Baby. Die Band lässt es konzentriert verspielt und oberlässig laufen, mit Kraut und Funk und kurzen Schlenkern zur Bongo oder zum Schönklang. Das Album könnte auch als Debüt durchgehen, so frisch, leicht und relevant wie das Ding um die Ecke biegt.

Release 9.9.2022

Das Londoner Duo Jockstrap (Georgia Ellery und Taylor Skye) hat sein Debutalbum bereits mit den Singles "50/50" und "Concrete Over Water" vorbereitet. Beide wurden von BBC Radio 6 Music auf Rotation genommen und von der nationalen und internationalen Presse hoch gelobt. Das kosmische Begleitvideo zu "Concrete Over Water" wurde bei einer exklusiven Vorführung im The Castle Cinema, Hackney, uraufgeführt, gefolgt von einer weiteren von Jockstraps kultigen Partys im The Glove That Fits. Georgia Ellery und Taylor Skye von Jockstrap kommentierten die Albumveröffentlichung wie folgt: "I Love You Jennifer B" ist eine Sammlung von Jockstrap-Tracks, die seit 3 Jahren in der Mache sind. Alles darauf klingt ziemlich einzigartig, also hoffen wir, dass für jeden ein Track dabei ist; also etwas, das dich anspricht und sagt 'Ich bin ein Banger'." Skye fügte über 'Glasgow' (ihre neue Single) hinzu: "'Glasgow' ist unser coming of age, moving forward, long-distance, travelling, beautiful bosk, wonderful thicket song." Und Ellery sagte über das Thema des Songs: "Glasgow ist eine tolle Stadt, vielleicht meine Lieblingsstadt in Großbritannien! Der einzige Nachteil ist, dass es die ganze Zeit so verdammt kalt ist." Wenn Georgia Ellery und Taylor Skye als Jockstrap Musik machen, gibt es für den Prozess und das Ergebnis nur eine Definition: pure moderne Pop-Alchemie. Mit ihrem Debütalbum"I Love You Jennifer B" werden sich Jockstrap als eine der vitalsten jungen Gruppen etablieren, die seit Jahren aus Londons Schmelztiegel der Musikkulturen hervorgegangen sind.

Release 9.9.2022

Auch als Ltd.-Vinyl Loser-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Das hervorragende neue Album der Gruppe und das erste für das Label Sub Pop. Es ist das erste neue Built to Spill-Album seit der Veröffentlichung von "Untethered Moon" aus dem Jahr 2015.. Das neuntrackige Werk, das die Highlights "Understood", "Fool's Gold", "Spiderweb", "Rocksteady" und "Gonna Lose" enthält, wurde von Bandleader Doug Martsch produziert. "When The Wind Forgets Your Name" setzt die Erweiterung des Band-Universums auf neue und aufregende Weise fort. Im Jahr 2018 brachten Martschs Glück und seine Intuition ihn mit dem brasilianischen Lo-Fi-Punk-Künstler und Produzenten Le Almeida und seinem langjährigen Mitarbeiter João Casaes zusammen, beide von der psychedelischen Jazz-Rock-Band Orua. Als Martsch ihre Musik entdeckte, verliebte er sich sofort in sie. Als er also eine neue Begleitband für Auftritte in Brasilien brauchte, bat er sie, mitzumachen. "We rehearsed at their studio in downtown Rio de Janeiro and I loved everything about it. They had old crappy gear. The walls were covered with xeroxed fliers. They smoked tons of weed," sagt Martsch. Die Auftritte in Brasilien liefen so gut, dass Martsch, Almeida und Casaes beschlossen, 2019 weiter zusammen zu spielen und durch die USA und Europa zu touren. Bei Soundchecks erlernten sie neue Songs, die Martsch geschrieben hatte, und als die Tournee zu Ende war, nahmen sie die Bass- und Schlagzeugspuren in seinem Proberaum in Boise auf. Nachdem Almeida und Casaes nach Hause geflogen waren, begann Martsch selbst mit dem Overdubbing von Gitarren und Gesang. Martsch konnte sich auch für seine Liebe zu Comics einsetzen, indem er Alex Graham für die Illustration des Covers von "When The Wind Forgets Your Name" gewinnen konnte.

Release 9.9.2022

Stilistisch ein schwer in Worte zu fassender musikalischer Melting pot, den die Sängerin, Violinistin, Songwriterin und Produzentin auf ihrem 2ten Album kredenzt. Eine eigenartige, originelle, gut funktionierende Mischung aus R&B und elektronischem Jazz im Clash mit eingestreuten Killerbässen und vershifteten Club-Beats, aber eben auch ihrer ungewöhnlich gespielten, auf dem Album immer auch präsenten Violine, die den Kammer-Pop in die Manege bringt. Die aus Cincinatti stammende Brittney Parks wagt sich oft noch mehr aus stilistischer Deckung und bewegt sich zu Bläsern und Streichern und unruhigen Beatstrukturen durch futuristisch-avantgardistisches Terrain wie z.b. bei "Loyal". Auch surreale einwirkende Hiphop-Elemente spielen ihre Rolle auf diesem aussergewöhnlichen Album, auf dem sie eine sehr eigene Form von Epik entwickelt hat.

Release 9.9.2022

Das The XX-Bandmitglied mit seinem gemeinsam mit Bandkollegen Jamie XX produzierten Soloalbumdebut, auf dem er bei dem romantisch orientierten und manchmal etwas sehnsüchtig klingenden elektronischen Pop-Songwriting von seiner Vorliebe für Horrorfilme inspiriert wurde und auch Themen wie Angst und Scham und die HIV-Erkrankung, die sein Leben seit einigen Jahren überschattet, mit der Brille eines queeren Mannes in den Dreißigern behandelt. Entschlackt-verspielte Songs für homelistening mit einer gewissen 80er-Affinität, die Sim als vielseitigen Songwriter zeigen.

Release 9.9.2022

Lange war es ruhig um Harvey Rushmore & the Octopus. Jetzt meldet sich die Psychrock-Band mit ihrer dritten LP «Freedomspacecake» zurück – nach «Futureman» (2018) und «The Night» (2017) erstmals auf dem Psychedelic-Plattenlabel Taxi Gauche Records. Die pandemiebedingte Tournee- und Konzert-Unmöglichkeit hat das Quartett genutzt, um die herrschenden Zustände musikalisch zu verarbeiten. Herausgekommen sind neun Tracks, die von Ängsten, Exzessen und dem Untergang der Welt handeln. Ein schlechter Trip, welcher die Welt schon länger bedroht. Geht es nach Harvey Rushmore & the Octopus, gibt es nur ein Heilmittel: «Freedomspacecake».

So scheint uns «Plastiq» aufs erste freundlich gestimmt, schnell wird aber klar: Die Dinge stehen weit düsterer («Just a war in my head/I can’t have it back») und der Ritt nimmt in «Speedmaster» ordentlich an Fahrt auf. Getrieben durch psychedelische Sphären, Höhen und Tiefen, bäumt sich in diesem dämonischen und effektreichen Fuzzmonster die Stimmung auf, bis man dem Rausch erliegt und für immer von der Nacht verschlungen wird. Psychedelische Fuzz-Gitarren und die hellen, melancholischen Klänge von «Rainbow
Machine» holen uns zurück auf den bittersüssen Boden der Tatsache: Das Schauermärchen ist wahr geworden, die Welt geht unter («Black horses collapsing in slow motion/ Birds are falling slowly into the ocean»). Sie zersetzt sich langsam Stück für Stück, entlang verzerrter Gitarren-Riffs und tänzelnder Perkussion. In «Spacegarage in your Head» und «Harvey Stardust» ändert sich die Vision: Garage-Elemente, gemischt mit einer ordentlichen Portion hallender Rock-Sphären lassen auf eine bessere Welt hoffen. Mit dem gleichnamigen Track
schliesst «Freedomspacecake» die Reise mit einer hypnotischen Lo-Fi-Hymne ab, die einem jegliches Zeitgefühl vergessen lässt.
«Freedomspacecake» ist Harvey Rushmore & the Octopus 46-minütige dystopische und psych-fuzz-getränkte Antwort auf eine Welt, die von einer Katastrophe zur nächsten schreitet, ohne die Hoffnung auf etwas Besseres aufgegeben zu haben. Eine Reise vor der man fast schon Schiss hat, die aber trotzdem so begeistert, dass man sich wünscht, sie würde nie enden.

Release 9.9.2022

Auch als Ltd.-Indies Only Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Der neuseeländische Singer-Songwriter Marlon Williams kündigt sein drittes Soloalbum My Boy an, das am 9. September bei Dead Oceans erscheint. Mit My Boy zeigt sich Williams von einer neuen Seite. Vorbei ist es mit dem feierlichen Country-Crooner mit der Samtstimme - an seine Stelle tritt ein verspielteres, sich wandelndes Wesen. Nach dem bereits veröffentlichten Titeltrack "My Boy" zeigt die vom Spionagedrama The Americans inspirierte neue Single "Thinking Of Nina" erneut Williams´ klangliche Erweiterungen und glänzt in einem 80er-Jahre-Noir-Glanz.

Release 2.9.2022

Neuer, heißer Wurf des San Diego Garage Soul Trios!! Ein absurd starkes Powerhouse von einem Album, aufgenommen von Dean Reis (Plosivs, RFTC). 11 Tracks wirft uns "The wildest Band in America" da entgegen, die sich irgendwo zwischen 60s Garagepunk und Soul-Einlagen tummeln. Heißblütige Hooks und hemmungslose Riffs werden rausgefeuert bis der Schweiß von der Decke tropft, dazu reißen uns ultracatchy Melodien, eine famos stompende Schießbude und wundervoll mitreißende Vocal-Einlagen direkt auf den mit Bier getränkten Dancefloor. Musikalisch grob irgendwo zwischen den Ghetto Ways, MC5 und James Brown's Fantastische Platte der "Makers of high octane, soulful garage punk.

Release 26.8.2022

Auch als Ltd.-Recycled 2LP 180g Gatefold Vinyl-Edition (CHF 48.90), und als Ltd.-2LP 180g Gatefold Crystal Blue Vinyl-Edition (52.90) erhältlich .

Das achte Album der Band aus Münster ist ein Konzeptalbum, auf welchem jeder der neun Song einer vom Aussterben bedrohten Tierart gewidmet ist. Die Botschaft der Band, das gefährliche Eingreifen des Menschen in die Natur, wird eindrucksvoll untermalt durch die Musikvideos der ersten beiden Singles. Hierbei wird in “Giants Leaving” beispielsweise mit gezeichneten Bildern das Schicksal der bedrohten Albatrosse, die monogam leben und deswegen durch Überfischung stark bedroht sind, dargestellt. Musikalisch mischt die Band wie immer eingängige Melodien mit harten Riffs, bleibt instrumental, ohne große elektronische Einflüsse, aber mit einer unglaublichen Dichte und Dynamik. Diese drückende Atmosphäre wird der behandelten Thematik absolut gerecht, ein wichtiges Gesamtkunstwerk!

Reelase 26.8.2022

Drittes Album Der Song "Your Love" folgt auf den ersten Vorboten "Let You Go", dem von Kritikern eine außerordentliche Wirkung attestiert wurde. "Der Track fließt durch den Körper und löst augenblicklich einen Zen-Zustand aus," so der Kommentar der britischen Wonderland. Eine ähnlich meditative Wirkung hat auch "Your Love" - allein schon aufgrund des minimalistischen Rhythmus, der wie ein steter Herzschlag klingt. Auch sonst sind die Soundwelten zwar sehr ausgefeilt und vielschichtig, lassen aber klar den nötigen Raum für die bezaubernde Stimme des Künstlers. Geschrieben wurde das Stück, das vom leisen Flüstern bis hin zu einem lauten Falsettgesang die volle Bandbreite abbildet, von RY X und Frank Wiedemann, mit dem RY X bereits unter dem gemeinsamen Alias Howling veröffentlichte.

Release 26.8.2022

Produziert von John Congleton, entfesselt das neue Album mit zwölf Songs Furmans Songwriting in einem offenen, lebendigen Sound, der zugleich auch sehr intim ist. In der Welt von "All of Us Flames" scheint das Ende des patriarchalischen kapitalistischen Imperiums unmittelbar bevorzustehen und auch unausweichlich zu sein.

Vinyl-Release 26.08.22 - CD am 16.9.2022

Ein Hauch von Chicano, Philadelphia, Chicago, Detroit und sogar Panama-Soul wird auf dem fesselnden Debüt der 2019 gegründeten südkalifornischen Senkrechtstarter gekonnt verbunden, und obwohl es eine bewusst analoge Sammlung ist, ist sie dennoch ausgesprochen modern. Schlagzeuger/Songwriter Alex Garcia und Bassist/Songwriter Sal Samano, die die Band im Alter von 23 Jahren ins Leben riefen, bieten eine Meisterklasse in Sachen Rhythmus und tadellosem Geschmack. Während Garcia und Samano sich von der Lowrider-Szene in Chula Vista und einer wachsenden Sammlung von Plattenkisten inspirieren ließen, brachte Leadsänger und Songwriter Josh Lane seine Liebe zu Soul-Titanen wie Marvin Gaye und Smokey Robinson in die Band ein, wobei er seine Stimme durch ein klassisches Gesangsstudium am College und das Singen von Arien und italienischen Opern verfeinerte. Die Lorbeeren und die stetig steigende Aufmerksamkeit für eine Band, die erst vor kurzem auf der Bildfläche erschienen ist, häufen sich: Co-Signs von Alicia Keys, Princess Nokia, Black Pumas, Timbaland, Gary Clark, Jr. und ein von Curren$y verwendetes Sample, 40 Millionen Streams weltweit...

Daptone Records

Release 26.8.2022

Nach einer klasse EP knallt die Band aus dem ländlichen West Yorkshire mit ihrem Debutalbum voll rein mit einem Debutalbum, das mit einer atemberaubenden Mischung aus Postpunk, raffiniertem Gitarrenindieriffing und leichtfüßigem Gitarren-Funk sowie auch tackerndem Electro-Synth-Sound einen oft in rasantem Tempo nach vorne gehenden, mit überbordendem Gesang ausgestatteten Soundtrack einer zerbröckelnden Gesellschaft liefert. Juveniler Aufruhr mit elegant rührenden und geschlagenen Gitarrenriffs mit einer faszinierenden groovenden Kantigkeit und oftmals fast surreal anmutenden Steigerungsraten einer sich hochpeitschenden Intensität, die sich in dem lamentierenden, aus sich heraus gehenden, wortgewandt mit bissigem Sarkasmus ausgestatteten Gesang fortsetzt

Release 26.8.2022

Für das dritte Album, das in Montreal mit Co-Produzent Marcus Paquin (u.a. The National) aufgenommen wurde, hat sich Jacklin mit ihrer in Kanada ansässigen Tourband zusammengetan: Bassist Ben Whiteley und Gitarrist Will Kidman (The Weather Station), Drummerin Laurie Torres, Saxophonist Adam Kinner und Streicherarrangements von Owen Pallett (Arcade Fire), die von einem kompletten Orchester in Prag aufgenommen wurden. Nach dem folkigen Debüt "Don't Let the Kids Win" (2016) und dem Folgealbum "Crushing" aus dem Jahr 2018 präsentiert Jacklin zehn neue Songs, die sich ihre ganz eigene emotionale Welt beschwören und währenddessen versuchen, alte Freundschaften zu retten oder die Generationsprobleme einer Mutter-Tochter-Beziehung zu lösen.

Release 26.8.2022

Frontmann Matt Bellamy sagt über das neue Werk: "Will Of The People" entstand in Los Angeles und London und ist von den zunehmenden Ungewissheiten und Unsicherheiten in der Welt beeinflusst. Eine Pandemie, neue Kriege in Europa, massive Proteste & Unruhen, versuchte Aufstände, das Taumeln der westlichen Demokratie, zunehmender Autoritarismus, Waldbrände und Naturkatastrophen, ganz allgemein die Destabilisierung der globalen Ordnung – all das hat 'Will Of The People' beeinflusst. Lange haben das westliche Imperium und die Natur für unseren Schutz und unser Auskommen gesorgt, nun sind beide ernsthaft bedroht. Es sind beunruhigende und beängstigende Zeiten für uns alle. Dieses Album ist ein persönlicher Wegweiser durch diese Ängste und eine Vorbereitung auf das, was kommt." Wie man es von Muse kennt, beschränken sie sich auf ihrem neuen Album nicht auf ein einzelnes Genre. Der Titeltrack "Will Of The People" paart dystopische Glamrock-Klänge mit provokativen Lyrics. "Verona" bietet Retro-Texturen auf. Die erste Single "Won’t Stand Down" ist von purem Rock-Instinkt geleitet. "Kill Or Be Killed" ist Industrial-gefärbt. "Euphoria" versprüht den titelgebenden Glücksrausch. Das frenetische Finale des Albums bildet das brutal ehrliche "We Are Fucking Fucked". Und dann ist da natürlich noch die neue Single "Compliance", zu der Matt Bellamy sagt, sie handle davon, „dass sich Menschen autoritären Regeln und besänftigenden Unwahrheiten fügen, um in einer Gruppe akzeptiert zu werden. Gangs, Regierungen, Demagogen, Social-Media-Algorithmen & Religionen verführen in fragilen Zeiten, indem sie willkürliche Regeln und verdrehte Ideen aufstellen, denen wir uns unterordnen sollen. Sie verkaufen uns besänftigende Märchen und sagen uns, dass nur sie die Realität erklären können, während sie gleichzeitig unsere Freiheit, Autonomie und unser freies Denken beschneiden. Wir werden nicht nur genötigt, wir werden getrieben, verängstigt und zusammengepfercht, um täglich '2 Minuten Hass' auf eine von ihnen ausgewählte Gruppe Außenstehender zu schleudern und unsere eigene innere Stimme der Vernunft und des Mitgefühls zu ignorieren. Alles, was sie dazu brauchen, ist unsere Fügsamkeit - unsere Compliance.

Release 19.8.2022

Seit mehr als 30 Jahren und unzähligen Alben-Highlight im Gepäck geben sich die Norweger rastlos wie eh und je und bewahren sich den subtil wahnsinnigen, kreativ überbordenden Spirit, der in ihre Band-DNA eingeschrieben ist. Mit einem neuen Coverartwork wird die Richtung vorgegeben: als Kern-Triobesetzung im Sommer 2021 im Amper Tone Studio in Oslo aufgenommen, entwickeln sich die 4 Tracks zu einer waghalsigen Odysssee durch ihre eigene Bandhistorie. Der wilde Opener "The Ladder" erinnert an die rifflastigen, schweren Epen der letzten Zeit, ist von bluesiger Grundierung, um nur umso mehr gen Spacerock zu reisen. Ein Drone-Kraut-Sci-Fi-Zwischenspiel folgt in Form des 2-Minüters "The Flower Of Awareness", der in den Mellotronlastigen 60s-Folkrock von “Mona Lisa/Azrael” transzendiert, während nach lieblichem Vorspiel die norwegische Variante von Hawkwind Einzug erhält und den 12minütigen Track in Überschall-Riff-Drumaction-70s-Progmetal-Gigantismus überführt. Dieser Track, wie der, die komplette 2. Seite einnehmende Longtrack "Chariot Of The Sun", gehören zu einer Auftragsarbeit als Kooperation mit Homan Sharifi und der Impure Dance Company und war als Liveperformance gedacht. Eben diese 2. Seite erweitert mit seinen quasi introvertierten "Kosmische Musik-Referenzen" aus Ambient und Spontankomposition ihren eigenen Horizont um eine hypnotische Qualität. Eines ihrer trippigsten Alben so far.

Release 19.8.2022

Gnosis ist das mit Spannung erwartete 8. Album von Russian Circles. Auf ihren bisherigen sieben Studioalben hat das in Chicago ansässige Instrumental-Trio Russian Circles mit seinem begrenzten Arsenal an Schlagzeug, Bass und Gitarre eine vielfältige Topografie an Klängen, Stimmungen und Ansätzen durchquert. Es ist schwierig, eine Entwicklung in ihrem Sound nachzuvollziehen, wenn sich ihre Platten immer wie gut kuratierte Playlists angefühlt haben. Es war nicht ungewöhnlich, dröhnende Meditationen, schillernde Prog-Übungen, knüppelharte Riff-Festivals, eindringliche Folk-Balladen und spannungsgeladenen Noise-Rock innerhalb eines Albums zu hören. Dennoch ist es schwierig, die Entwicklung von den nachdenklichen und komplizierten Melodien von Enter (2006) zu den verzerrten Klängen von Blood Year (2019) zu ignorieren. Es war eine allmähliche klangliche Veränderung, die auf den rigorosen Tourplan der Band und ihre Vorliebe für das Spielen ihres maßgeblichen Materials auf der Bühne zurückzuführen ist. Doch mit ihrem neuesten Album Gnosis verlassen Russian Circles das abwechslungsreiche Terrain ihrer früheren Arbeiten und bahnen sich einen Weg durch das turbulenteste und erschütterndste Gebiet ihres Sounds. Wie bei so vielen Künstlern im Zeitalter von COVID zwangen die Hindernisse der Geographie und der Isolation Russian Circles dazu, ihren Schreibprozess neu zu bewerten. Anstatt im Proberaum aus fragmentarischen Ideen Songs zu basteln, wurden komplette Songs unabhängig voneinander geschrieben und aufgenommen, bevor sie mit den anderen Mitgliedern geteilt wurden, damit ihre ursprüngliche Vision erhalten blieb. Obwohl das gesamte Album aus der Ferne geschrieben wurde, wurden die Songs mit der gesamten Band aufgenommen, um das Live-Gefühl des Materials zu bewahren. Dem Klima der Zeit und einer neuen Schreibmethode geschuldet, schufen Russian Circles ihr bis dato rauchigstes und fokussiertestes Werk - ein Album, das den Exorzismus der Spannungen von zwei Jahren der Melancholie und Zurückhaltung vorzieht, die oft ihre früheren Unternehmungen prägten.

Release 19.8.2022

Das achte Album der britischen Electronic-Pop-Legenden und ein weiterer Meilenstein in einer mehrere Jahrzehnte andauernden Karriere, in der Hot Chip immer wieder für Innovationen gesorgt und eine vielseitige, klangstarke Songstruktur entwickelt haben. Und während sie unverändert in Topform unterwegs sind, fühlt sich Freakout/Release wie ein ganz neues Kapitel für die Band an - ein kühnes und selbstbewusstes Album mit Texten voll dunkler Emotionen und dennoch so erbauend, wie es nur eine Hot Chip-Platte sein kann.

Release 19.8.2022

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Die Band huldigt auf ihrem 3ten Album eindrucksvoll der im britischen Nordosten liegenden Stadt Hull mit einem musikalischen Liebesbrief, den sie mit der Tinte von Post-Punk und Indie-Rock britischer Prägung zum Klingen bringen. So kontrastreich wie die Texte, die von Schönheit, Freundschaft, Sehnsucht, aber auch von Horror, Chaos und Ausgebranntsein handeln, tönt die dynamische Umsetzung. Der Sound von Life ist vielfältig, direkt und freaking out, gewürzt mit atonalen Noiserock- und Post-Punk-Gitarren, brachialem Bass-Roar, mit Sprechgesangspassagen, die sich immer wieder hochsteigern zu klasse Mitgröhl-Hooklines und von peitschenden Drums angetriggert werden. Ein guter Schuss Pop-Punk gehört zur mitreissenden Action dieses gute Laune verbreitenden Albums mit dazu.

Release 19.8.2022

Neue Scheibe der Australischen Überflieger-Kidz (Produziert von Cody McWaters (Headlice)..), die seit ihrem Überraschungserfolg "Smoko" von vor 4 Jahren in aller Munde, Köpfe und Ohren sind. Die neuen Tracks liefern uns erneut diesen charmanten und humorvollen Soundtrack des Lebens, der sich Themen wie Panikattacken, Junkies, Gefängnisausbrüchen, den Preisen für Zigaretten und der Surf-Mafia widmet - ach, ja und ums Besoffensein in jedem Pub in Brisbane, basierend auf persönlichen Erfahrungen. 13 Tracks irgendwo zwischen 80s UK Punk, Cosmic Psychos und Neo Garagekram. Aggro, messerscharf, catchy wie Hölle und überaus unterhaltsam - diesmal außerdem mit dickerer Produktion und mehr spielerischem Können. Get Fucked!

Release 19.8.2022

Drif bedeutet "Versammlung". Eine Menschenmenge, eine Horde, eine Schar, ein Rudel. In Symbiose mit dem Albumtitel besteht Drif aus einer Schar, einer Sammlung, einer Versammlung, einer Collage von Liedern, die wie kleine Flammen zueinander streben, um sich zu vereinen, zu verbinden, zu erschaffen und gemeinsam zu etwas Größerem zu werden. Dieses Album hat sich seinen Weg ganz klar selbst diktiert - unsere Versuche, es zu zähmen, waren immer wieder erfolglos; und als wir zu dieser Einsicht kamen, strömte der kreative Fluss mit ungeheurer Kraft nach vorne - so sehr, dass es sich manchmal anfühlte, als würden die Songs sich selbst schreiben. Alle Songs auf Drif haben ihre eigene Geschichte. Jeder von ihnen hat seinen Platz und sein Zugehörigkeitsgefühl, mit Inspirationen nicht nur aus Nordeuropa, sondern aus den alten großen Zivilisationen.

Release 19.8.2022 - Vinyl am 14.10.2022

Das 5te Album ist erstmals ausschließlich innerhalb der Band entstanden und trägt deutlich die Handschrift von Produzenten und Schlagzeuger Karl Brausch. Viel Hall hüllt speziell die Refrains ein, teils wavig muten Songs mit Delays und Echo wie späte The Cure an („Alles ist einfach“, „Klimawandel“), Gitarren werden weich moduliert, bis wir sie für Keyboards halten ("Kann und will nicht mehr", "Achterbahn"), und gleichzeitig zeigen die Drums in manchen Songs eine mitreißende, fast ungewohnte Härte ("Klimawandel", "Achterbahn"). Dominik Mercier treibt am Bass die härteren Songs vor sich her ("Meisenstaat", "Schlucken oder spucken") und erinnert andernorts in gewohnter Lässigkeit an UK-Shoegaze ("Alles ist einfach"). Pop und Fragilität schweben über "Meisenstaat" und koexistieren neben Druck und Aggression. Vielleicht könnte man sagen, Love A sind mit ihrem Sound in der Summe einen Schritt von den 1980er in die 90er Jahre gegangen. In namentlicher Anlehnung an das Knochenfabrik-Debüt "Ameisenstaat" spiegelt das Album eine Mischung aus Zorn, Niedergeschlagenheit und Resignation wider. Dass die Band sich dabei Abwechslung gönnt, steht ihr nach über zehn Jahren ausgesprochen gut: So spielt Weyer häufiger Einzeltöne als Akkorde und der Gesang ist vielleicht eine der großen Überraschungen. An etlichen Stellen holt Mechenbier den, wie er ihn selbstironisch nennt, "Saarland-Elvis" raus. "Früher fühlte ich mich mit meiner tieferen Stimme nicht so energievoll wie mit dem hohen Keifen", beschreibt er die Entwicklung und singt folgerichtig in "Frag nicht", dem Liebling des Labels: "Klingt komisch, doch ich singe diese Lieder nicht. / Bin ferngesteuert, und die Lieder singen mich.".

Release 12.8.2022

Auch als Ltd.-Red Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.90)

Das erste Hip-Hop-Album von Brian Burton ka Danger Mouse seit seiner "Dangerdoom"-Kollaboration mit dem großartigen, jedoch tragischerweise verstorbenen, MF Doom und folgt auf Black Thoughts bahnbrechendes Werk mit The Roots. Auf "Cheat Codes" sind verschiedene Freund:innen und Kolleg:innen des Duos vertreten, darunter A$AP Rocky, Run The Jewels, MF Doom, Michael Kiwanuka, Joey Bada$$, Russ, Raekwon, Kid Sister und Conway The Machine. Burton verspürte einen instinktiven Drang, zu seinen Wurzeln zurückzukehren, ein zeitloses Hip-Hop-Album zu machen und wusste, dass Tariq der einzige Rapper war, der diese Vision erfüllen konnte. Gleichzeitig war Trotter auf der Suche nach einem Raum, in dem er sich musikalisch jenseits der Grenzen und Strukturen seiner eigenen Band ausdrücken konnte. Mittlerweile ist Burton ein weitaus erfahrenerer Songwriter und Produzent, Trotter ein außergewöhnlicherer Rapper. Burton ließ also alle anderen Arbeiten ruhen und spielte Trotter einige neue Stücke vor, und die Ideen und Worte flossen. Es war befreiend.

Release 12.8.2022

Klingt wie ein schlechter Trip in einer schrottreifen Garage an der lysergischen Grenze zu den Wastelands. Unglaublich wie das hyperaktive Bandkonglomerat die Gehörgewohnheiten mal eben so wieder zersetzt. War das letzte Osees-Release ein Experiment in Kraut und Longtrack, sind die 10 neuen Tracks ein beschleunigter Mindfu.., den John Dwyer unter rudimentären Produktionsbedingungen einprügelte: die Gitarrenamps auf 10, die Doubledrumactrion im Schallmodus, der Bass drückt die Wand ein und Dwyer schreit mehr als das er singt. Von besonderer Qualität ist die wunderbare Lo-Fi-Ästhetik der Songs, die sich willentlich dem Label "Acid Punk" unter ordnen, als wären Chrome nie weg gewesen und eine Energie entfachen, die die gesamten gecancellten Livegigs der letzten Zeit kompensieren. Ein kaum gezügeltes, wildes, gefährliches und faszinierendes Album wie sie es so noch nie gewagt haben, das Referenzen an Rudimentary Peni, Bad Brains, Black Flag, Abwärts oder Stooges beinhaltet, doch nur wie Ohsees klingt. "Dies ist eine Hommage an die Punkbands, mit denen wir aufgewachsen sind - die Verrückten und Kunstfreaks, die unser Interesse geweckt und uns auf den Weg ins Hier und Jetzt geführt haben."

Release 12.8.2022

Das Album, das neben der Leadsingle "Night Vision" auch die Highlights "Unspeakable Things", "The Sound of Music" und "The Extra Sees the Film" enthält, wurde in Toronto von Sub Pop-Labelkollege Dan Boeckner (Wolf Parade, Handsome Furs, Operators) aufgenommen und produziert. "Chopper" ist der Nachfolger des 2021 erschienenen zweiten Albums "Cooler Returns", über das Pitchfork schrieb: "Sardonische Erzählungen und spöttische Bemerkungen...eine ungeduldige, slacker-rockige Vorstellung eines Folk-Albums....einige Akkorde erklingen mit George Harrison-Glanz, während andere so zottelig und ungestüm sind wie The Clean - selten koexistieren Hi-Fi und Lo-Fi-Pracht so harmonisch.

Release 12.8.2022

Hudson Mohawke ist für viele ein Produzent, der neben Leuten wie Flying Lotus und Oneohtrix Point Never die moderne Ära von Warp definiert hat. Seine Talente als Klangkünstler und Clubagitator kommen auf 'Cry Sugar' voll zur Geltung, was sich wie das kompromisslose Hudson Mohawke-Album anfühlt, auf das wir alle gewartet haben, auf dem er seine Faszination der Verschmelzung von Hoch- und Trivialkultur auslebt. Schließlich ist er der Architekt der hochauflösenden Trap-Produktion, die sich in den 2010er Jahren zu einem Stil entwickelt hat, der überall - von mit Bierdosen übersäten College-Partys bis hin zu Arby's-Werbespots - Verwendung findet. Amerikanische Dekadenz wird so zu einer Bühne, auf der seine Musik gedeihen kann - der DJ-Pult wird für ihn zum Komponistenpodium, auf dem er das spannungsgeladene Drama zwischen Ausschweifung und Apokalypse inszeniert, die 'mise-en-scene' der Clubkultur 2022.

Release 12.8.2022

Auch als Ltd.-Orange Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Die langjährige musikalische Zusammenarbeit zwischen Will Canning und Remy Veselis mit drittem Album- Die 2015 in Sydney, Australien, gegründete Band hat sich sowohl in ihrer Heimat als auch in Übersee zu einer festen Größe im alternativen Underground entwickelt. Wiederbelebt und neu zentriert, präsentieren Death Bells ein schwindelerregendes Porträt einer Band auf dem Höhepunkt ihres Könnens. Der Longplayer fängt einen Querschnitt der schattigen, versteckten Zwischenzonen Südkaliforniens ein, abseits von Licht und Luxus. Die Gruppe hat dieses neue Album bereits mit den Singles "Intruder" und "Passerby" angeteasert - heute kommt mit "Lifespring" ein weiterer neuer Track aus dem Album. Für Fans von IDLES, Interpol, Editors, Slowdive, The Fall, Soft Kill, The Jesus and Mary Chain, Tempers, My Bloody Valentine, Ritual Howls, Siouxsie and The Banshees.

Release 29.7.2022

Die Heavy Hypnotic Rock Meister kehren mit ihrem dunkelsten und emotionalsten Album ihrer Geschichte zurück! Atma - der logische Nachfolger von Moksha (2015) - beschreibt das (absolute) Selbst, die unzerstörbare, ewige Essenz des Geistes und wird oft als "Seele" übersetzt. Krankheit mit unklarem Ausgang, Tod und Existenzängste brachten die Band über die letzten Jahre an einen musikalischen und persönlichen Punkt im Leben, an dem sie kurz davor standen, sich zu trennen. Doch ihr unbändiger Überlebenswille wurde auf Atma festgehalten, einer Platte, von der die Band 2017, als sie anfingen am Album zu arbeiten, nur wenige Jahre später nicht einmal sicher war, ob sie aufgrund aller persönlicher Tiefpunkte jemals erscheinen würde. Und wenn, vermutlich nicht für den Ruhm oder Erfolg. Atma ist MY SLEEPING KARMA's Katharsis. Licht trifft auf tiefste Dunkelheit.

Release 29.7.2022

Zweites und neuestes Album für Anti- und eine Ergänzung zu ihrer gefeierten Veröffentlichung Black Encyclopedia of the Air aus dem Jahr 2021. Jazz Codes verwendet Free Jazz als Ausgangspunkt, aber die Sammlung setzt die jüngste Wende in Moor Mutters vielseitigem Katalog hin zu mehr Melodie, mehr Gesangsstimmen, mehr Refrains, mehr Komplexität fort. In seinem warmen, dicht geschichteten Parcours durch Jazz, Blues, Soul, Hip-Hop und andere klassische Black-Traditionen lässt Jazz Codes das Ohr glückselig schweben und befreit den Geist von der Gewohnheit. Durch ihre Arbeit beleuchtet Ayewa die Prinzipien ihrer multidisziplinären kollaborativen Praxis Black Quantum Futurism, einem theoretischen Rahmen für die Wahrnehmung und Anpassung der Realität durch Kunst, Schreiben, Musik und Performance, der von historischen schwarzen Ontologien geprägt ist. Jazz Codes entstand aus dem gleichnamigen Gedichtband, einer Sammlung von Gedichten, die zu Ehren von Jazz- und Blues-Ikonen wie Woody Shaw, Amina Claudine Myers und Mary Lou Williams geschrieben wurden. Während der pandemischen Abriegelungen Anfang 2020 nahm Ayewa Kontakt mit dem schwedischen Produzenten Olof Melander auf, um ihn zu fragen, ob er ihr ein paar Jazz-Loops schicken würde, mit der Absicht, eine CD zusammenzustellen, die die Veröffentlichung des Buches begleiten würde. Melander schickte ihr etwa hundert Tracks. Je mehr Ayewa mit ihnen arbeitete, desto mehr wuchs das Projekt aus sich selbst heraus. Jazz Codes nahm ein Eigenleben an; Melodien entstanden um Ayewas Gedichte herum. In Abkehr vom geräuschbetonten Sound ihrer früheren Alben begann sie, Songs mit R&B-Süße zu schreiben, Songs, die nach Sängern verlangten, um ihre Raps und Spoken-Word-Übertragungen zu begleiten. Sie suchte sich eine Reihe weit verstreuter Kollaborateure, um sie zum Blühen zu bringen. Ayewa arbeitete virtuell und holte Instrumentalisten wie die Flötistin Nicole Mitchell und die Harfenistin Mary Lattimore sowie Sängerinnen und Sänger wie Melanie Charles und Akai Soloin den wachsenden Raum des Albums. In "Ode to Mary" vermengt sich Ayewas gesprochene Poesie mit Orion Suns flatternden Ad-Libs und Jason Morans schwindelerregenden Klavierlinien. "So Sweet Amina" lässt die Trompete von Aquiles Navarro auf die Wellen von Wolf Westons suchender Stimme leuchten. Keiner von Ayewas Mitwirkenden hörte die Takes der anderen, bevor die Songs fertig waren. Sie fungierte als Dreh- und Angelpunkt zwischen ihnen, fand Gemeinsamkeiten und Synchronizitäten und fügte disparate Stücke zu einem widerhallenden Ganzen zusammen

Release 29.7.2022

Neues Knalleralbum der Schweden auf dem sie ihren Mix aus Garagepunk und Postpunk ein Mal mehr bis in den Exzess zelebrieren. 12 tracks, die soundtechnisch im Wechsel zurück zu ihren Roots gehen und wahnsinnig an die unvergessenen Vicious erinnern - geilster melodiöser Garagepunk mit dicker Schwedenpop-Note. Zum anderen aber eben auch immer wieder ihre Wavepunk-Elemente in den Fokus rücken. Melancholisch wirds hier, treibend ist´s trotzdem und auch hier verpassen sie den Tracks ihren charmanten skandinavischen Pop-Touch, den man auch bei Dennis Lyxzen´s INVSN oder bei ihren tollen Labelmates True Moon findet. Ein Fest!

Release 22.7.2022

Auf dem zweiten von zwei Alben, die Mr. White während der Covid-Pandemie fabriziert hat, entschwebt er musikalisch in ein vom Sound der 50er, 60er und 70er beeinflusstes Panorama, das sich mit geschlagenen Folkgitarren, warmen Walking Bässen, Honky Tonk-Blues-Klavier, Fender Rhodes-Orgel-Sounds und genialem, gerne ein bisschen jazzig agierendem Schlagzeug den Weg durch eine Vergangenheit bahnt, die Jack musikalisch selbst noch gar nicht erlebt hat, die er aber musikalisch authentisch und mit gesanglicher Leidenschaft zum Leben erweckt. Ein musikalisch breit gefächertes, im Vergleich zu "Fear of the Dawn" in eher hellen Farben gehaltenes Album mit an die Stones erinnerndem, sehnsüchtig-erdigem Songwriting ("A tip from you and me"), fingerfertig gespieltem Folk-Blues ("All along the way"), von Streichern und Marimbaphon begleitetem, ausdrucksstarkem 70s-Rock ("Help me along"), eindrücklicher Americana-Folkballaderie ("Love is selfish") und psychedelischen Perlen wie "Madman from Manhattan" oder "I´ve got you surrounded", aber auch ausgestattet mit karibischen Einflüssen ("Queen of the Bees" oder dem Vaudeville-Charme des mit Fidel und Polarhythmus neu interpretierten "Taking me Back (Gently)".

Release am 22.7.2022

Auch als Tape erhältlich (CHF 24.90)

Womöglich das exquisit unterproduzierte Album, mit dem der begnadete, hyperaktive Psych-Hipster zu seinen Songwriter-Roots zurückfindet und im Alleingang in seinem Heimstudio ein wunderbar schwebendes Westcoast-Folk-Opus in 10 Kapiteln verantwortet, das ihn v.a. als Renaissancekünstler des Psychfolk neuerfinden lässt. Vorwiegend wählt er den Produktionsrahmen, den er wandlungsfähig mit rein akustischen Arrangements von Gitarre und seiner Falsettstimme eskapistisch auflädt, während nur das Titelstück den typischen "Brown Acid"-Fuzz-Out-Sound aus schweren Riffs, weirder Dynamik und zupackenden Hooks bietet. Doch lieber geht er neue Wege hin zu einem subtil jazzigen Acid Folk-Songwriting, das er mit Bass, Zweitgitarre, Drums, mehrfach geschichten Vocals und Saxophonsoli zu einem freigeistigen, hypnotischen, analogen Wunderwerk fügt. Ein überraschendes, konzises Statement, das den Laurel Canyon-Folkrock der 60s assoziert und vergleichbar mit dem frühen Ryley Walker ist. "Welcome in, to a new room to play the styles and feels that lie under Ty Segall's fingers, easing fresh air into acoustic space with an assortment of love songs flowering in righteous unconsciousness.

Release 22.7.2022

Die seit Highschoolzeiten gemeinsam musizierenden Avery Tucker (he/him)und Harmony Tividad (she/her) aus Los Angeles arbeiten auch auf dem 4ten Album weiter an Themen wie Identitätsbewältigung und Beziehungsdynamiken. Mit einer Mischung aus introspektiv-melancholisch klingenden Ohrwürmern und surreal wirkender Partymusik geht das Album weit über die Parameter von Indie-Rock hinaus und verändert immer wieder seinen musikalischen Look. Von schrammeligem, zweistimmig gesungenem Akustik-Pop-Songs über Post-Country-Pop bis hin zu elektronisch glitzernden autotune meets glitch-Songs und melancholisch klingenden Post-Pop-Songs mit zeitgeistigem Flair und bisweilen auch ätherischem Gipfelgesang wie bei "Junkie" zeigen Girlpool Interesse an Bodenhaftung wie auch an freakigem elektronisiertem Hollywood-Future-Pop. Produziert von Yves Rothman (Yves Tumor etc.).

Release 22.7.2022

Blickt man zurück auf das gewaltige Feld der Indie-Bands, die in den Nullerjahren tonangebend waren, hat sich dieses Bild zuletzt ganz schön ausgedünnt: Viele davon sind längst verschwunden – und man muss entsprechend lange suchen, um eine Gruppe zu finden, die auch nach 15 Jahren noch neue Karrierehöhepunkte verzeichnen kann. Dabei war genau das der Punkt, an dem The Kooks vor vier Jahren standen. Gerade erst von einer internationalen Stadiontour zurück, erstürmte die Band aus Brighton 2018 abermals die britischen Top-10 mit dem Albumvorgänger Let’s Go Sunshine, um anschließend wieder überall ganz oben auf den Plakaten der größten Festivals in ganz Europa zu stehen. Der jüngste Streaming-Boom hatte der Band sogar noch mehr (und auch viele jüngere) Fans beschert, die ihren einzigartigen Indie-Rocksound nun endlich auch mal live erleben wollten. Obwohl die Platte letztlich an diesen zwei Orten entstehen sollte, spürt man die Berlin-Connection ganz klar im Verlauf von 10 Tracks To Echo In The Dark. Und obwohl sie auch mit ganz anderen Genres flirten – Synthie-Pop aus den Achtzigern, Funk, auch Prog-Elemente tauchen auf –, klingt das sechste Album unterm Strich immer noch wie ein astreines Indierock-Album. Eins mit unverwechselbarer Kooks-Handschrift. Tatsächlich versuchen sie mit der neuen LP auch gar nicht, das Rad neu zu erfinden. Stattdessen nehmen sie den klassischen Kooks-Sound und verpassen ihm einen dezent retro-futuristischen Anstrich - sowohl klanglich, als auch einfach gefühlt: in der ganzen Haltung, in der diese Songs entstanden sind. Es ist ein Album, das vor allem von Hoffnung handelt: sich diese Hoffnung zu bewahren, das Gute zu sehen in der Welt, egal wie düster sie gerade wirkt. Während immer mehr junge Fans den Sound von The Kooks für sich entdecken, fühlt sich 10 Tracks To Echo In The Dark vor allem wie ein Mission Statement an: Sie feiern damit die schwierigen Zeiten, die hinter ihnen liegen - und liefern eine lautstarke Parole für die Zukunft, die vor uns allen liegt. Vor allem hört man auf dem neuen Album eine Band, die ihren Karrierehöhepunkt noch vor sich hat. Sie liegen richtig, wenn sie ab sofort auf Zuversicht setzen, wenn sie darauf vertrauen, dass die Zukunft weniger düster sein wird.

Release 15.7.2022

Das dritte Album wurde nach der Veröffentlichung des Vorgängers "Cavalcade" in London in Abgeschiedenheit geschrieben und baut auf den melodischen und harmonischen Elementen des Vorgängers auf, während es die Brutalität und Intensität des Debüts "Schlagenheim" ausbaut. Wie Greep es beschreibt: "Wenn Cavalcade ein Drama war, ist "Hellfire" wie ein epischer Action-Film", der sich mit überlappenden Themen wie Schmerz, Verlust und Angst beschäftigt. Es ist ihr bisher thematisch kohärentestes und durchdachtestes Album". Während die Geschichten von "Cavalcade" in der dritten Person geschildert wurden, erzählt "Hellfire" seine Geschichten aus der Ich-Perspektive eines moralisch fragwürdigen Charakters. Es gibt direkte dramatische Monologe, die an unser verkommenes Gefühl für Recht und Unrecht appellieren. Man ist sich nie so ganz sicher, ob man lachen oder entsetzt sein soll. "Welcome To Hell" erzählt die Geschichte der Exzesse eines ausschweifenden Soldaten und seiner Entlassung aus dem Militärdienst, untermalt von funkigen Gitarrensätzen, treibenden Bläsern und einem knorrigen Gesang. Das Video wurde von Gustaf Holtenäs gedreht, der auch schon beim Video zu "Slow" Regie führte. Die Entstehung von "Hellfire" dauerte nur sechs Monate und begann mit einem Riff bei einem Jam der Gruppe, das sich zu dem futuristischen Boxdrama "Sugar/Tzu" entwickelte. Die Bandbreite und die Kraft sowie die starke Produktion der Musik von black midi war noch nie so groß wie auf dem neuen Album, was zum Teil der Produzentin Marta Salogni zu verdanken ist, die mit der Band bereits am "Cavalcade"-Opener "John L" gearbeitet hat. Aber wie immer ist die Art der Musik, die black midi spielen, nicht so wichtig wie ihre Qualität. Und was auch immer du über die Musik von black midi denkst, ist es wichtig, was du dabei fühlst, wenn du sie wirklich hörst. *Rough Trade

Release 15.7.2022

Innerhalb ihres schwarz-grau durchzogenenen Trademark-Sounds entwirft die Band aus New York auch auf dem 7ten Album eine den düsteren Zeitgeist einfangende musikalische Vision, die ihre Geschichte weiter schreibt und eigenen Charakter aufweist. Wie schon beim Vorgänger haben Interpol nicht die Freude am Spiel mit Offbeat-Rhythmik verloren, das sie varaantenreich betreiben und tendenziell hier mit einer verletzlich wirkenden, emotionalisierenden Grundhaltung kombinieren. Sehnsucht, Anmut und Nachdenklichkeit sind Elemente, die im Kontext von Daniel Kesslers Signature-Gitarren-Sound, Samuel Fogarinos messerscharfer Percussion-Präzision und Paul Banks sonorer Stimme das Album durchziehen, ohne dass Interpol in balladeske Bereiche gleiten würden, stattdessen ist das Album von Dynamik und einem einhüllenden songwriterischen Driften im Kontext von Moll-Akkorden geprägt, was auch der textliche Umgang mit Themen wie mentaler Widerstandsfähigkeit und der Leichtigkeit des Lebens in schweren Zeiten spiegelt (wie in Songs wie "Something changed"). Produziert mit Flood und Alan Moulder.

Release am 15.7.22 - Vinyl am 30.9.2022

Die Texaner ziehen auf ihrem 11ten Album mit einem hohen Grad stilistischer Vielfalt und souveränem Songwriting, in dem sich neben visionärer Kraft auch ihre ganze Erfahrung spiegelt, große und kleinere Kreise in den Kornfeldern der Rockmusik. Die verschlungene Spur des Todes führt entlang Weggabelungen und überrascht mit Brüchen. Der Weg des Albums nimmt immer wieder eine Kurve und führt manchmal auch scheinbar in die Irre, aus der die Band sich mit progressivem Acting, mit dem Einsatz von Dynamik, gefühlvollen Melodien und Brüchen innerhalb des Songwritings mit untrüglichem Riecher zurück auf den Weg befördert, den sie unbeirrbar mit unverminderter Kraft und kreativer Energie schon seit Ende der 90er beschreiten. Das musikalische Landschaftskaleidoskop, durch das sich Conrad Keely, Jason Reece & Co mit traumwandlerischer Sicherheit bewegen, reicht von Indie- und Alternativerock über Post-Hardcore, Emo, Piano-Prog und Progrock, Classic 70s-Rock, elegischen Postrock, Kraut- und Avantgarderock bis zu Folk und Neoklassik, gefiltert und kunstvoll zum Glanz innerhalb von 21 Songs gebracht von einer der aussergewöhnlichsten Bands unserer Zeit.

Release 8.7.2022

In der dritten Runde geht´s mit der schwedische Post-Punk-Kombo in die Kellerkatakomben von Stockholm. Das wiederum mit Pelle Gunnerfeldt (The Hives, The Knife, etc.) und DJ Haydn produzierte 3te Album knüpft an "Welfare Jazz " an und buchstabiert Post-Punk in diversen Varianten aus, knallt voll in die Fresse wie das schwer tanzbare "Baby Criminal" oder "Troglodyte" oder das mit Killerbass-Lauf die Kniekehlen groovend massierende "Ain´t no Thief", kommt wie bei "Creepy Crawlers" auch mal creepy aus dem Gulli gekrochen, um sich zu einem experimentellen Art-Punk-Monster zu verwandeln. "Punk Rock Loser" zieht mit Glam im Midtempo um die Ecke, "Big Boy" tönt wie ein durchgeknallter, schräger Lo-Fi-Blues-Funkster aus der Feder von Ween und bei "Add" geht zu ´nem töften Lobster-Dark-Beat aus der Dose das Strobo an. Das Saxophon setzt neben dem knorke Bass und den coolen Gitarren so manchen entscheidenden Akzent wie bei dem verrückten Tiefflieger-Free-Kraut-Post-Punk-Rausschmeisser "Return to Monke". Die fortschreitende Digitalisierung und ihre Auswirkungen auf die menschliche Evolution und Verhaltensweisen ist dabei das immer wiederkehrende Thema der Texte, die Murphy mit seiner vollkehligen, sich immer wieder überschlagenden Stimme intoniert, predigt, zelebriert und im Zusammenspiel mit der Band eine unglaubliche Energie erzeugt, aber sie auch ab und an in Spoken Word-Parts zu experimentellen Passagen benutzt. Post-Punk 2.0, exzellent in Szene gesetzt. Was für eine geile Band, immer wieder, immer weiter...

Release 8.7.2022

Die Zeiten sind ungemütlich, sie sind hart, und Wu-Lu aus South London hat den Soundtrack dazu. Jenseits von Genrekategorien macht er klangliche Ansagen und liefert War Dubs, die vor allem inspirieren sollen. Im Verlauf der 12 brodelnd-explosiven Tracks, die der Producer, Multiinstrumentalist und Sänger auf dem Album versammelt hat, blitzt tiefschürfender Post-Punk genauso auf wie haarsträubender Screamo, wie man ihn im Skatepark erwarten würde. Auch schemenhafte Hip-Hop-Szenarien bringt er ins Spiel, die so klingen, als ob sich Knwxledge hinter dem Windmill Club in Brixton Hill verlaufen hätte… Krass druckvolle Gitarren, die am Horizont auftauchen und sich winden wie Hochspannungsmasten im Sturm, stehen auf massiven Betonwänden aus purem Bass, auf satten Drill-Fundamenten mit treibenden Triolen und melodischen Klavierkapriolen, die einen immer tiefer in die Szenerie hineinziehen. Mal klingt das wie Factory Records in den düstersten Stunden der Achtziger, mal wie Klassiker von DJ Shadow oder Frühneunziger-Slipknot. "Loggerhead" wühlt sich quer durch die Vergangenheit und formt daraus das nächste Jetzt.

Release 8.7.2022

Wenn das 2020er-Album "My Echo" - geschrieben kurz vor ihrer Trennung von ihrem Ehemann, dem langjährigen Produzenten und Vater der gemeinsamen beiden Söhne - Veirs' Scheidungsalbum war, handelt der neue Longplayer 'Found Light' von dem, was danach kommt. Obwohl es technisch gesehen das 12. Studioalbum der Künstlerin aus Portland ist, fühlt es sich in vielerlei Hinsicht wie ein Debüt an: 'Found Light' ist das erste Album, das sie gemeinsam mit Shahzad Ismaily produziert hat, wobei Veirs eine Selbstständigkeit und künstlerische Unabhängigkeit an den Tag legte, die sie selber bisher so nicht von sich kannte. Trotz der Traurigkeit, die diese 14 anmutigen Tracks hervorgebracht haben, sind sie ein Zeugnis für die Inspiration der Unabhängigkeit und für die Gestaltung neuer Möglichkeiten, auch nach einem so großen Verlust.

Release 1.7.2022

Schon immer glichen seine Konzerte Gottesdiensten. Nun wird der Australier seinem Habitus als Prediger gerecht und veröffentlicht gemeinsam mit seinem langjährigen Freund Warren Ellis sieben Psalmen.

Während des Lockdowns habe Cave eine Reihe von kleinen, heiligen Liedern verfasst. Einen pro Tag, eine Woche lang – fast nach biblischem Vorbild. „Die sieben Psalmen werden als eine lange Meditation präsentiert – über Glaube, Wut, Liebe, Trauer, Barmherzigkeit, Sex und Lobpreis. Ein verschleiertes, kontemplatives Angebot, das aus einer unsicheren Zeit stammt. Ich hoffe, es gefällt euch“, so der 64-Jährige in einem Statement.

In einem kurzen Trailer gibt Cave einen Ausblick auf die neue Platte. „Such things should never happen, but we die/ The swallow finds an oak to nest her young,“ predigt er über einer ehrfürchtigen Instrumentierung, und weiter: „Defenseless between the Earth and the sky/ Uncounted beneath the vast, indifferent sun.“

Release 1.7.2022

"Gefühlte Wahrheiten" ist ein Album darüber, wie es sich anfühlt, lebendig zu sein. Zwölf bestürzend schöne Lieder, in denen Distelmeyer vom Sich-Verlieren und Wiederankommen, vom babylonischen Stimmengewirr der sozialen Medien, von Sehnsucht und Begierde, gesellschaftlicher Spaltung und einer am Ende gelingenden und triumphierenden Liebe erzählt

Release am 1.7.2022

Aufgenommen in Berlin und auf Abstand zwischen 2020 und 2021, legt die Band ihr 19. abendfüllendes Studioalbum vor. "Fire Doesn't Grow On Trees" ist der Beginn einer aufregenden neuen Phase für Anton Newcombe und seiner Band. Mit ihm im Studio und über Video/Mail haben Ricky Maymi (Gitarre), Ryan Carlson Van Kriedt (Keyboards), Hakon Adalsteinsson (Gitarre), Hallberg Dadi Hallbergsson (Bass) und Uri Rennert (Schlagzeug) an diesem Album gearbeitet. Ursprünglich war Newcombe stark von der psychedelischen Phase der Rolling Stones beeinflusst - der Name stammt vom Stones-Gitarristen Brian Jones in Verbindung mit einer Anspielung auf den Sektenführer Jim Jones -, aber in den 2000er Jahren hat sich seine Arbeit in ästhetische Dimensionen ausgeweitet, die sich dem britischen Shoegazing-Genre der 1990er Jahre annähern und Einflüsse aus der Weltmusik, insbesondere aus dem Nahen Osten und Brasilien mit einbezieht. "The Real" ist der erste Vorbote des Albums

Release 1.7.2022

Das letzte Album des Schotten liegt bereits acht Jahre zurück, eine im Musikgeschäft verdammt lange Zeit. Der Nachfolger vom damals gefeierten "Caustic Love" entschädigt nun für die lange Wartezeit mit über 70 Minuten Musik, die von souliger Rockmusik über Post-Punk bis hin zu hypnotischen Krautrockanleihen reicht. Die beiden bisher veröffentlichten Singles "Lose it" (erinnert an Can oder Neu!) und "Through the Echoes" (soulig angehauchter Pop) verdeutlichen genau dieses Spektrum schon mal und lassen die Vorfreude auf den Rest des Albums steigen. Stimmlich ist Nutini schon immer einer der Größten, das neue Album wird den Vorgängern an Tiefe und herausragendem Songwriting wohl in nichts nachstehen! *

Release 24.6.2022

Das von Luther Dickinson von den North Mississippi All-Stars produzierte Album verbindet beide Seiten von G. Loves eklektischer Karriere, indem es Old School Hill Country und Delta Blues mit New School Hip-Hop und Funk mischt. Die 13 Songs wirken locker, spontan und sind zumeist im Studio entstanden. Die freilaufenden Darbietungen bringen eine Reihe von besonderen Gästen zusammen, von Blues-Fackelträgern wie Alvin Youngblood Hart, Cam Kimbrough, Christone „Kingfish“ Ingram, Jontavious Willis, R.L. Boyce und Trenton Ayers über Rap-Ikonen wie Schoolly D, Freddie Foxx und Speech von Arrested Development bis hin zu Spitzenmusikern wie dem Fifemaster Sharde Thomas und der GRAMMY-nominierten Southern Avenue-Schlagzeugerin/Sängerin Tikyra Jackson. "Ich bin in Philadelphia, Pennsylvania, aufgewachsen, aber ich habe mein ganzes Leben in der Musik des Deltas verbracht“, erklärt er, „deshalb hat mich die Vorstellung, dass es dort unten ein ganz anderes Philadelphia gibt, immer fasziniert. In den letzten dreißig Jahren wollte ich eine Pilgerreise machen - nicht nur eine musikalische, sondern eine spirituelle – zum Herzen des Blues, und genau das ist dieses Album

Release 24.6.2022

Auf ihrem 7tem Album beeindruckt das in Minneapolis ansässige Projekts von Sängerin Channy Leaneagh, Produzent Ryan Olson und Bassist Chris Bierden mit komplexem Detailreichtum, so beim schillernden "Violence", das eindrucksvoll mit Orchestersounds und ziselierter Percussion hantiert, auch "Alive" lebt ein bisschn vom Clash von Glitch und Triphop-Sphärik mit den miteinander kommunizierenden Schichten von Instrumenten und Sounds im Dialog mit Leanagh´s unter die Haut gehenden, charismatischen Vocals. Verwendet haben sie das selbst entworfene anthropomorphe Produktionswerkzeug "AllOvers(c)", das für eigenartige, originelle Ergebnisse sorgt.

Release 24.6.2022

Nika Roza Danilova, die Sängerin, Songwriterin und Produzentin, die seit 2009 unter dem Namen Zola Jesus Musik veröffentlicht, verfügt über eine Stimme, die den Hörer an einen Ort führt, der bereits in einem steckt, aber der bewussten Erfahrung entzogen ist. "Arkhon" ist ihre erste Zusammenarbeit mit dem Produzenten Randall Dunn (Sunn O))), Jóhann Jóhannsson, Candyman Soundtrack) und dem legendären Drummer und Perkussionisten Matt Chamberlain (Bowie, Dylan). Zola Jesus dringt tief in ihr Inneres vor, jenseits von Ego und Kontrolle, um ihre bisher provokanteste und kraftvollste Musik zu entfesseln. Für Fans von: Chelsea Wolfe, Fever Ray, Perfume Genius, Angel Olsen, Beach House

Release 24.6.2022

Auf ihrem dritten Album als Soccer Mommy beweist sich Sophie Allison endgültig als einer der talentiertesten Songwriterinnen der Rockmusik unserer Zeit. Mit cleveren Anspielungen auf Synthie-Subgenres wie New Wave und Gothic erweitert die heute 24-Jährige die Grenzen ihrer Ästhetik. Sometimes, Forever ist eine faszinierende Sammlung, die sowohl von der Vergangenheit als auch von der Gegenwart geprägt ist und damit das gewagteste und ästhetisch abenteuerlichste Werk von Soccer Mommy. Das Album lebt von widersprüchlichen Kräften: Verlangen und Apathie, Ekstase und Elend, Gut und Böse, Selbstbeherrschung und Wildheit. Unverblümte Liebeslieder reiben sich an viel düstererer Kost mit makabre Bildern, die selbst die fröhlichsten Passagen heimsuchen. Aber da es ihr heute besser geht als zu der Zeit, als sie die Lieder schrieb, hat sie keine Probleme damit, in den Momenten des unkomplizierten Glücks zu schwelgen, die neben der Dunkelheit existieren. Sie sagt: "Ich wollte nicht etwas super Deprimierendes ohne jeden Sinn für Magie machen". Der Album-Titel bezieht sich auf die Idee, dass sowohl gute als auch schlechte Gefühle zyklisch sind. "Kummer und Leere gehen vorbei, aber sie kommen immer wieder - genauso wie die Freude", sagt Allison. "Irgendwann ist man gezwungen zu sagen: Ich muss einfach beides nehmen." Produziert wurde der neue Longplayer von Daniel Lopatin aka Oneohtrix Point Never.

Release 17.6.2022

The Smile sind Thom Yorke & Jonny Greenwood von Radiohead und Tom Skinner von Sons Of Kemet. Die 13 Tracks des Debut-Albums wurden von Nigel Godrich produziert sowie gemischt und von Bob Ludwig abschließend gemastert. Die Songs werden von Streichern des London Contemporary Orchestra und einer kompletten Bläsersektion zeitgenössischer britischer Jazzmusiker wie Byron Wallen, Theon und Nathaniel Cross, Chelsea Carmichael, Robert Stillman und Jason Yarde begleitet. Die Band, bestehend aus Thom Yorke und Jonny Greenwood von Radiohead und Tom Skinner von Sons of Kemet, hat bereits die Singles "You Will Never Work in Television Again", "The Smoke" und "Skrting On The Surface" veröffentlicht. "The Smoke" wurde außerdem als Dub-Remix des legendären Reggae-Produzenten Dennis Bovell veröffentlicht. Die letzte Single "Pana-vision" von The Smile wurde bereits am 3. April veröffentlicht und lief im Finale der BBC-Serie "Peaky Blinders". Das animierte Video zu Pana-vision zeigt Artworks des Radiohead-Künstlers Stanley Donwood sowie Thom Yorke. Die brandneue Single "Free In The Knowledge" erscheint heute parallel zur Albumankündigung. Das Video zum Song entstand unter Regie von Leo Leigh. Der Song wurde erstmals im Dezember 2021 von Thom Yorke im Rahmen der "Letters Live"-Veranstaltung in der Londoner Royal Albert Hall aufgeführt - dem ersten Auftritt von Thom Yorke seit Beginn der Pandemie. Bei der Vorstellung des Songs widmete er ihn allen britischen Musikerkollegen. Im Januar spielten The Smile drei aufeinanderfolgende ausverkaufte Liveshows innerhalb von 24 Stunden in London. Diese Shows wurden gleichzeitig per Livestream an ein weltweites Publikum übertragen. Die Band beginnt ihre Europatournee Mitte Mai 2022 und wird am 20.05 in Berlin im Tempodrom spielen.

Release 17.6.2022

Das zweite Sub-Pop-Album des gefeierten britischen Acts aus London baut auf dem Post-Punk ihrer frühen Werke auf und reift zu einem Kraftwerk spannungsgeladener, politisch bissiger und nachdenklicher Rockmusik.

Release 17.6.2022

Die jüngsten Singles deuteten es bereits an, nun bestätigt sich: Foals schlagen auf ihrem kommenden Album aufregende neue Wege ein. Es ist die logische Konsequenz aus dem triumphalen Erfolg des letzten, zweiteiligen Albums "Everything Not Saved Will Be Lost" (2019) – zumindest, wenn man Foals heißt und den Anspruch hat, alles, nur nicht bequem zu werden. Disco-gefärbte Gitarren, tighte, synkopierte Rhythmen und druckvolle, eindringliche Hooks – "Life Is Yours" ist eine natürliche Weiterentwicklung, mit der Foals zugleich den großen Bogen bis zu ihren frühen Tagen schlagen – damals, als Yannis und Co. mit ihrer Musik Hauspartys im heimischen Oxford aufmischten. Thematisch geht es viel um Eskapismus, darum, an andere, bessere Orte zu entfliehen. Und sich an den endlosen Möglichkeiten des Lebens zu erfreuen. Damit spiegelt das Album auf perfekte Weise ein – zumindest bis vor einigen Tagen – zunehmend vorherrschendes Gefühl wider: das öffentliche Leben kehrt in seiner früheren Unbeschwertheit zurück und die Welt ist in kollektiver Lebenslust vereint. Was nun nach dem Angriff auf die Ukraine passiert, kann niemand voraussagen. Fest steht, dass positive Musik in jeglicher Situation eine wichtige Funktion erfüllt.

Release 10.6.2022

Das vierzehnte Studioalbum der kanadischen Band strotzt nur so vor Mystik und Rausch, die Fäden von Dan Bejars Notizen sind von einer Fülle von Anspielungen durchwebt, die zugleich unheimlich vertraut und zutiefst verwirrend sind. Die Platte zieht sich auf Umwegen immer weiter nach innen und bietet dabei bei jeder Wendung schwindelerregende Überraschungen, beunruhigende Esoterik und pochende Emotionalität.

"Labyrinthitis" zeigt immer wieder, dass nicht alles in Ordnung ist, dass aber auch Isolation und Auflösung eine Quelle der Freude sein können, während sich Bejar wenn ein wildgewordener Minotaurus durch den Irrgarten manövriert.

Release 10.6.2022

Das erste neue Album von James Hinton aka The Range nach 6 Jahren tönt stimmungsvoll, mitreißend und wurde unbestreitbar von Rave beeinflusst. Auf Mercury baut Hinton auf den Techniken auf, die er auf seiner von der Kritik gefeierten LP Potential aus dem Jahr 2016 etabliert hat, und versucht, eine menschliche Verbindung im Internetzeitalter zu schaffen, indem er Vokalisten aus den Ecken von YouTube, Instagram und Periscope sampelt. "Ich habe das Gefühl, dass ich Wege finden kann, mich auf eine Art und Weise auszudrücken, für die ich in der realen Welt zu schüchtern oder unfähig bin", sagt Hinton über diesen Prozess.

Obwohl es IDM-Größen wie Aphex Twin und Grime-Pionieren wie Skepta verpflichtet ist, bewegt sich Hinton auf dem Album außerhalb der Grenzen eines bestimmten Genres. Das Ergebnis ist sowohl maximalistisch als auch zurückhaltend: riesige, weiche Synthies treffen auf treibende Beats, die die komprimierten Vocals seiner sorgfältig ausgewählten Clips ausgleichen. "Mercury ist mein bisher vielseitigstes Album", sagt Hinton. "Meine Erinnerungen an Rave-Musik, Grime und MPC-Musik spielen in fast jedem Song eine große Rolle." Mercury wurde von James Hinton mit zusätzlicher Produktion von Damian Taylor (Bicameral, Ricercar, Relegate) produziert, von Lexxx (Alex Dromgoole) gemischt, mit Ausnahme von "Relegate", das von Damian Taylor gemischt wurde, und von Dave Cooley bei Elysian Masters in Los Angeles, CA gemastert.

Release 10.6.2022

Das siebte Studioalbum, das von der Band und Dan Duszynski (LOMA) produziert wurde, zeigt uns, wo ihr wandernder Frontmann überall gewesen ist. Während die Songs des 2016 erschienenen Albums "Jet Plane And Oxbow" (Sub Pop) von der Angst vor der Entwicklung der Vereinigten Staaten unter der vorherigen Präsidentschaft geprägt waren, beschloss Jonathan Meiburg, für "The Great Awakening" einen neuen Ansatz zu finden. "I felt hopeless, and I didn't want to make hopeless music." Mit Duszynski als Mitstreiter und Co-Produzent entwickelte sich das Album in den langen Monaten der Jahre 2020 und 2021 zu einer Meditation über Hoffnung inmitten von Hoffnungslosigkeit und die Freiheiten, die man in der Isolation findet - oder von denen man träumt. Einige Shearwater-Veteranen kehrten zurück, darunter die Keyboarderin und Arrangeurin Emily Lee und der Schlagzeuger Josh Halpern, aber die rockigen Gesten von "Jet Plane" fielen weg: "The Great Awakening" ist ein gefühlvoller und eindringlicher Reisebericht mit großartigen Atmosphären und intimen Landschaften, garniert mit Feldaufnahmen von Meiburgs Reise während des Schreibens seines von der Kritik gefeierten Debüt-Buchs "A Most Remarkable Creature: The Hidden Life and Epic Journey of the World's Smartest Birds of Prey"

Release 3.6.2022

Das Nachfolgealbum des atemberaubenden "All Mirrors" ist "Big Time" und wer bei diesem Titel auf Großtaten hofft, wird nicht enttäuscht. Musikalisch wendet sich Angel Olsen stärker dem Americana Genre zu. Ihr famoses neues Werk erscheint als Doppel-LP im Klapp-Cover und enthält ein 12-seitiges Booklet im LP-Format mit zahlreichen Fotos von Angel Olsen, aufgenommen in North Carolina von Angela Ricciardi.

Release 3.6.2022

Auf seinem neuen Album widmet sich Andrew Bird all den komplexen Gedanken, Fragen und nächtlichen Obsessionen, die in jedem von uns herumschwirren. "Inside Problems" setzt sich auf 11 Songs mit den inneren Dämonen auseinander, die Amok laufen, wenn es besonders ruhig wird. Es ist ein üppiger und mitreißender Einstieg in seine gefeierte, sich ständig weiterentwickelnde und immer wieder neugierige Karriere. Für Bird war die Idee, die ihn immer wieder verfolgte, die unvermeidliche Präsenz von Schwellen: der Moment, in dem etwas zu etwas anderem wird. Das Phänomen taucht in unzähligen Aspekten des täglichen Lebens auf, vom Prozess der Projektion innerer Gefühle und Dialoge auf die äußere Umgebung bis hin zur scheinbar banalen Erfahrung, im Türrahmen zu stehen, Staatsgrenzen zu überschreiten oder irgendeinen Ort zu finden, an dem man weder hier noch dort ist, sondern dazwischen.

Release 27.5.2022

Auch als Ltd.-Clear Vinyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Das dritte Solo-Album des ehemaligen Oasis-Leadsängers. Als ersten Vorgeschmack auf die neue Platte präsentiert der Sänger den Song "Everything's Electric" zusammen mit Foo Fighters Frontman Dave Gohl. Außerdem verriet er in einem Radio-Interview, dass ein Track auf "C'mon You Know" seinem Bruder Noel gewidmet sei, mit dem er seit Jahren zerstritten ist. Der Brite selbst sagt dazu: "Und dann gibt es da noch ‚I Wish I Had More Power', das widme ich Noel. Yeah, es ist eine ungezogene kleine Nummer, aber ganz reizend." Passend zur Album Ankündigung hat Liam Gallagher für Juni 2022 ein großes Open-Air-Konzert in Knebworth angekündigt: Eingefleischte Oasis-Fans erinnern sich mit Sicherheit, dass die damalige Britpop-Band 1996 in dem kleinen Dorf zwei gigantische Konzerte spielte. Beide Shows vor mehr als 250.000 Zuschauern zählen zu den größten der britischen Musikgeschichte.

Release 3.6.2022

Man muss sich nur kurz mit dem Indie-Rock-Trio unterhalten, um die innige Wärme ihrer starken Verbundenheit zu spüren, die drei jungen Musikerinnen sind beste Freunde. Diese persönliche Nähe schimmert auch auf ihrem Debütalbum "Versions of Modern Performance" durch. Penelope Lowenstein (Gitarre, Gesang), Nora Cheng (Gitarre, Gesang) und Gigi Reece (Schlagzeug) machen alles gemeinsam, vom Songwriting über den wechselnden Gesang und den Tausch von Instrumenten bis hin zum Sound- und Visual Art-Design. "Versions of Modern Performance" wurde mit John Agnello (Kurt Vile, The Breeders, Dinosaur Jr.) im Electrical Audio-Studio aufgenommen. "Es ist unser erstes Album. Wir hatten bei Agnello sofort das Gefühl, dass er wirklich respektiert, was wir zu tun versuchten", sagt die Band. Horsegirl spielen auf dem Album gekonnt mit Texturen, Formen und Schattierungen und zeigen ihre Vorliebe für Improvisationen und Experimente. Der Opener "Anti-glory" ist schillernder Post-Punk-Song. "Dirtbag Transformation (Still Dirty)" und "World of Pots and Pans" haben einen rauen Pop-Charme. "The Fall of Horsegirl" besticht wiederum durch seine scharfen Konturen und einem kantigen Sound. Man kann in ihrer Musik Elemente der Independent-Musik der 80er und 90er Jahre hören, die Sounds die Horsegirl so sehr lieben - die schraddelige Melodik dessen, was man früher "College-Rock" nannte, den kühlen und sprudelnden Space-Age-Glanz der 90er-Jahre, das laute Dröhnen von Shoegaze, die sparsamen Hooks und Rhythmen von Post-Punk. Sogar ein bisschen No-Wave ist mit dabei. Horsegirl vermischen die Einflüsse zu einem Sound einer neuen Generation, für die die 90er-Jahre Lichtjahre entfernt zurückliegen und gleichzeitig doch so nah sind.

Release 3.6.2022

Mit ihrem 2ten Album gelingt der Kopenhagener Soul-Sensation ein perfekter Rundumschlag in Sachen Retro-Soul in allen Facetten. Der Soundtrack eines heissen Sommers, eingespielt mit Bläsern, Wah Wah- und Funk-Gitarre, Backgroundchor und toller Hammond-Orgel wechselt in jedem Song der Mood. Ob Hard Funk, JB´s artiger-Style ("Gotta have Soul") oder breit orchestrierter Crooner-Soul, auf Dramatik und Thrill setzender Psychfunk wie bei dem instrumentalen "D/Hustle" oder der von dem coolen Breakbeat des pfundigen "heavy" Schlagzeugs angetriebene Titelsong oder das unter die Haut gehende "Higher", die Dänen haben das gleiche Feuer, das Daptone-Scheiben so unwiderstehlich macht und setzen groove-technisch Akzente und haben mit Toke Bo Nisted einen 1A-Soulsänger. Eine grandiose, druckvolle Produktion von Meistern wie Wayne Gordon (u.a. Amy Winehouse), Simon Guzmán (u.a. Sharon Jones and The Dap-Kings) oder Jesper Reginal (u.a. PowerSolo) schenkt dem gleichzeitig retrostylisch, aber auch modern klingenden Album Groove, Wucht und Seele.

Release 3.6.2022

Das jüngst gesignte Rap-Duo Andre Gainey (he/him) und Vonne Parks (they/them) aus Tampa Bay in Florida mit seinem Jagjaguwar-Debüt .Entstanden ist "Finally, New" nicht in den Epizentren des Hip-Hop, sondern in der "uncoolen Stadt, die man sich vorstellen kann" (Vonne). Musikalisch ist das Album ein abenteuerlicher Ritt durch die Post-Genre-Landschaft geworden, der vor Entdeckerfreude und Experimentierlust nur so strotzt. Die bereits veröffentlichte Lead-Single "From The Floor" (ft. DJ GAY-Z) beweist, dass Dre und Vonne auf ganz organische Weise so unterschiedliche Einflüsse wie eisige UK-Drum&Bass-Breaks mit Miami-Bass-Bounce kombinieren können, darüber Raps im Dirty-South-Mixtape-Stil legen und das Ganze in eine spacige Psychedelik tauchen, die Bands wie Can absolut würdig ist