Release 8.7.2022

In der dritten Runde geht´s mit der schwedische Post-Punk-Kombo in die Kellerkatakomben von Stockholm. Das wiederum mit Pelle Gunnerfeldt (The Hives, The Knife, etc.) und DJ Haydn produzierte 3te Album knüpft an "Welfare Jazz " an und buchstabiert Post-Punk in diversen Varianten aus, knallt voll in die Fresse wie das schwer tanzbare "Baby Criminal" oder "Troglodyte" oder das mit Killerbass-Lauf die Kniekehlen groovend massierende "Ain´t no Thief", kommt wie bei "Creepy Crawlers" auch mal creepy aus dem Gulli gekrochen, um sich zu einem experimentellen Art-Punk-Monster zu verwandeln. "Punk Rock Loser" zieht mit Glam im Midtempo um die Ecke, "Big Boy" tönt wie ein durchgeknallter, schräger Lo-Fi-Blues-Funkster aus der Feder von Ween und bei "Add" geht zu ´nem töften Lobster-Dark-Beat aus der Dose das Strobo an. Das Saxophon setzt neben dem knorke Bass und den coolen Gitarren so manchen entscheidenden Akzent wie bei dem verrückten Tiefflieger-Free-Kraut-Post-Punk-Rausschmeisser "Return to Monke". Die fortschreitende Digitalisierung und ihre Auswirkungen auf die menschliche Evolution und Verhaltensweisen ist dabei das immer wiederkehrende Thema der Texte, die Murphy mit seiner vollkehligen, sich immer wieder überschlagenden Stimme intoniert, predigt, zelebriert und im Zusammenspiel mit der Band eine unglaubliche Energie erzeugt, aber sie auch ab und an in Spoken Word-Parts zu experimentellen Passagen benutzt. Post-Punk 2.0, exzellent in Szene gesetzt. Was für eine geile Band, immer wieder, immer weiter...

Release 19.8.2022

Gnosis ist das mit Spannung erwartete 8. Album von Russian Circles. Auf ihren bisherigen sieben Studioalben hat das in Chicago ansässige Instrumental-Trio Russian Circles mit seinem begrenzten Arsenal an Schlagzeug, Bass und Gitarre eine vielfältige Topografie an Klängen, Stimmungen und Ansätzen durchquert. Es ist schwierig, eine Entwicklung in ihrem Sound nachzuvollziehen, wenn sich ihre Platten immer wie gut kuratierte Playlists angefühlt haben. Es war nicht ungewöhnlich, dröhnende Meditationen, schillernde Prog-Übungen, knüppelharte Riff-Festivals, eindringliche Folk-Balladen und spannungsgeladenen Noise-Rock innerhalb eines Albums zu hören. Dennoch ist es schwierig, die Entwicklung von den nachdenklichen und komplizierten Melodien von Enter (2006) zu den verzerrten Klängen von Blood Year (2019) zu ignorieren. Es war eine allmähliche klangliche Veränderung, die auf den rigorosen Tourplan der Band und ihre Vorliebe für das Spielen ihres maßgeblichen Materials auf der Bühne zurückzuführen ist. Doch mit ihrem neuesten Album Gnosis verlassen Russian Circles das abwechslungsreiche Terrain ihrer früheren Arbeiten und bahnen sich einen Weg durch das turbulenteste und erschütterndste Gebiet ihres Sounds. Wie bei so vielen Künstlern im Zeitalter von COVID zwangen die Hindernisse der Geographie und der Isolation Russian Circles dazu, ihren Schreibprozess neu zu bewerten. Anstatt im Proberaum aus fragmentarischen Ideen Songs zu basteln, wurden komplette Songs unabhängig voneinander geschrieben und aufgenommen, bevor sie mit den anderen Mitgliedern geteilt wurden, damit ihre ursprüngliche Vision erhalten blieb. Obwohl das gesamte Album aus der Ferne geschrieben wurde, wurden die Songs mit der gesamten Band aufgenommen, um das Live-Gefühl des Materials zu bewahren. Dem Klima der Zeit und einer neuen Schreibmethode geschuldet, schufen Russian Circles ihr bis dato rauchigstes und fokussiertestes Werk - ein Album, das den Exorzismus der Spannungen von zwei Jahren der Melancholie und Zurückhaltung vorzieht, die oft ihre früheren Unternehmungen prägten.

Release 15.7.2022

Innerhalb ihres schwarz-grau durchzogenenen Trademark-Sounds entwirft die Band aus New York auch auf dem 7ten Album eine den düsteren Zeitgeist einfangende musikalische Vision, die ihre Geschichte weiter schreibt und eigenen Charakter aufweist. Wie schon beim Vorgänger haben Interpol nicht die Freude am Spiel mit Offbeat-Rhythmik verloren, das sie varaantenreich betreiben und tendenziell hier mit einer verletzlich wirkenden, emotionalisierenden Grundhaltung kombinieren. Sehnsucht, Anmut und Nachdenklichkeit sind Elemente, die im Kontext von Daniel Kesslers Signature-Gitarren-Sound, Samuel Fogarinos messerscharfer Percussion-Präzision und Paul Banks sonorer Stimme das Album durchziehen, ohne dass Interpol in balladeske Bereiche gleiten würden, stattdessen ist das Album von Dynamik und einem einhüllenden songwriterischen Driften im Kontext von Moll-Akkorden geprägt, was auch der textliche Umgang mit Themen wie mentaler Widerstandsfähigkeit und der Leichtigkeit des Lebens in schweren Zeiten spiegelt (wie in Songs wie "Something changed"). Produziert mit Flood und Alan Moulder.

Vinyl-Release am 30.9.2022

Die Texaner ziehen auf ihrem 11ten Album mit einem hohen Grad stilistischer Vielfalt und souveränem Songwriting, in dem sich neben visionärer Kraft auch ihre ganze Erfahrung spiegelt, große und kleinere Kreise in den Kornfeldern der Rockmusik. Die verschlungene Spur des Todes führt entlang Weggabelungen und überrascht mit Brüchen. Der Weg des Albums nimmt immer wieder eine Kurve und führt manchmal auch scheinbar in die Irre, aus der die Band sich mit progressivem Acting, mit dem Einsatz von Dynamik, gefühlvollen Melodien und Brüchen innerhalb des Songwritings mit untrüglichem Riecher zurück auf den Weg befördert, den sie unbeirrbar mit unverminderter Kraft und kreativer Energie schon seit Ende der 90er beschreiten. Das musikalische Landschaftskaleidoskop, durch das sich Conrad Keely, Jason Reece & Co mit traumwandlerischer Sicherheit bewegen, reicht von Indie- und Alternativerock über Post-Hardcore, Emo, Piano-Prog und Progrock, Classic 70s-Rock, elegischen Postrock, Kraut- und Avantgarderock bis zu Folk und Neoklassik, gefiltert und kunstvoll zum Glanz innerhalb von 21 Songs gebracht von einer der aussergewöhnlichsten Bands unserer Zeit.

Release 2.9.2022

Neuer, heißer Wurf des San Diego Garage Soul Trios!! Ein absurd starkes Powerhouse von einem Album, aufgenommen von Dean Reis (Plosivs, RFTC). 11 Tracks wirft uns "The wildest Band in America" da entgegen, die sich irgendwo zwischen 60s Garagepunk und Soul-Einlagen tummeln. Heißblütige Hooks und hemmungslose Riffs werden rausgefeuert bis der Schweiß von der Decke tropft, dazu reißen uns ultracatchy Melodien, eine famos stompende Schießbude und wundervoll mitreißende Vocal-Einlagen direkt auf den mit Bier getränkten Dancefloor. Musikalisch grob irgendwo zwischen den Ghetto Ways, MC5 und James Brown's Fantastische Platte der "Makers of high octane, soulful garage punk.

Release 21.10.22

Nur vierzehn Monate nach der Veröffentlichung ihres Debüts geben Dry Cleaning Details zu ihrem zweiten Album "Stumpwork" bekannt und bieten heute in Form der Single "Don't Press Me" einen ersten Vorgeschmack auf das neue Werk. "Don't Press Me" ist weniger als 2 Minuten lang und handelt von der Freude am Spielen und dem Genuss intensiver und kurzlebiger Erfahrungen ohne Schuldgefühle. Sängerin Florence Shaw sagt dazu: "Die Worte im Refrain sind entstanden, weil ich versucht habe, einen Song zu schreiben, den ich meinem eigenen Gehirn vorsingen kann: "You are always fighting me / You are always stressing me out". Das offizielle Animationsvideo wurde von Peter Millard erstellt, dessen naive Darstellungen der Band perfekt mit den Hooks und Riffs des Songs harmonieren. "Stumpwork", der Nachfolger von "New Long Leg" aus dem Jahr 2021, wird am 21. Oktober 2022 veröffentlicht. Das erste Studioalbum der Gruppe aus dem Süden Londons, das in nur zwei Wochen mit dem Produzenten John Parish in den kultigen Rockfield Studios aufgenommen wurde, wurde mit überschwänglichen Kritiken gefeiert und auch ein kommerzieller Erfolg: es erreichte Platz 4 in den UK Album Charts und enterte die deutschen Charts auf #85. Von diesem Erfolg beflügelt, kehrten Nick Buxton (Schlagzeug), Tom Dowse (Gitarre), Lewis Maynard (Bass) und Florence Shaw (Gesang) Ende 2021 ins ländliche Wales zurück und arbeiteten erneut mit Parish und dem Ingenieur Joe Jones zusammen. Die vertrauensvolle Zusammenarbeit im selben Studio mit demselben Team ersetzte den Druck und die Ängste durch eine neue Freiheit und Offenheit, und man traute sich aus den Komfortzonen heraus. Ein längerer Aufenthalt im Studio gab der Band die Zeit zu experimentieren, zu improvisieren, zu spielen und ihre Tischtennisfähigkeiten zu verbessern. "Stumpwork" wurde von einer Fülle von Ereignissen, Konzepten und politischen Debakeln inspiriert, sei es durch das eisige Durcheinander von Ambient-Elementen, die eine gewisse existenzielle Verzweiflung widerspiegeln, oder durch die überraschende Wärme, mit der das Leben von geliebten Menschen gefeiert wird, die im vergangenen Jahr verloren gingen. Die surrealistischen Texte stehen nach wie vor im Vordergrund - aber es gibt jetzt auch eine Sensibilität für die Themen Familie, Geld, Politik, Selbstironie und Sinnlichkeit. Wütende Alt-Rock-Hymnen verbinden sich auf dem Album mit Jangle-Pop und Ambient-Noise und zeigen die Fülle der Einflüsse, aus denen sich die Band speist, und ihre tiefe Musikalität. Mit dem Druck ihres Debütalbums im Rücken haben Dry Cleaning ein ehrgeiziges und sehr lohnendes neues Werk geschaffen, das sie als eine der intelligentesten und aufregendsten Bands Großbritanniens auszeichnet. Das Album- und Single-Artwork wurde von den multidisziplinären Künstlern Rottingdean Bazaar und der Fotografin Annie Collinge konzipiert und gestaltet. James Theseus Buck und Luke Brooks von Rottingdean Bazaar arbeiteten zum ersten Mal mit Dry Cleaning zusammen, als sie das offizielle Video zu 'Scratchcard Lanyard' drehten, und während ihre kreative Partnerschaft mit der Band weiter floriert, haben sie eine brillante und einzigartige visuelle Identität für Stumpwork geschaffen.

Release 26.8.2022

Auch als Ltd.-Recycled 2LP 180g Gatefold Vinyl-Edition (CHF 48.90), und als Ltd.-2LP 180g Gatefold Crystal Blue Vinyl-Edition (52.90) erhältlich .

Das achte Album der Band aus Münster ist ein Konzeptalbum, auf welchem jeder der neun Song einer vom Aussterben bedrohten Tierart gewidmet ist. Die Botschaft der Band, das gefährliche Eingreifen des Menschen in die Natur, wird eindrucksvoll untermalt durch die Musikvideos der ersten beiden Singles. Hierbei wird in “Giants Leaving” beispielsweise mit gezeichneten Bildern das Schicksal der bedrohten Albatrosse, die monogam leben und deswegen durch Überfischung stark bedroht sind, dargestellt. Musikalisch mischt die Band wie immer eingängige Melodien mit harten Riffs, bleibt instrumental, ohne große elektronische Einflüsse, aber mit einer unglaublichen Dichte und Dynamik. Diese drückende Atmosphäre wird der behandelten Thematik absolut gerecht, ein wichtiges Gesamtkunstwerk!

Release 9.9.2022

Neues Album der aus der DIY-Szene von Calgary stammenden vierköpfigen Post-Punk-Band aus Kanada, die sich früher Vietcong und Women nannten. Das 3te Album ist ein fein abgestimmtes, köstliches, mit Punk/Prog/Kraut flirtendes Meisterwerk, ihr viertes Studioalbum, das erste auf ihrem eigenen gleichnamigen Label. Es beginnt mit dem stampfenden, metallischen Einschlag der Gitarrensaiten von "Fix Bayonets!". Das Stück ist zunächst rau, steigert sich dann zu einem mitreißenden Synthie-Sprint. Der Track bereitet den Weg für das, was kommen wird: ein Preoccupations-Album, das ihre gitarrenlastigen Ursprünge mit dem neueren synthiegestützten Stil verwebt. Das Ergebnis ist "Arrangements", ein Album, das gleichzeitig das intensivste, einnehmendste und verspielteste Werk der Band ist.

Release 29.7.2022

Zweites und neuestes Album für Anti- und eine Ergänzung zu ihrer gefeierten Veröffentlichung Black Encyclopedia of the Air aus dem Jahr 2021. Jazz Codes verwendet Free Jazz als Ausgangspunkt, aber die Sammlung setzt die jüngste Wende in Moor Mutters vielseitigem Katalog hin zu mehr Melodie, mehr Gesangsstimmen, mehr Refrains, mehr Komplexität fort. In seinem warmen, dicht geschichteten Parcours durch Jazz, Blues, Soul, Hip-Hop und andere klassische Black-Traditionen lässt Jazz Codes das Ohr glückselig schweben und befreit den Geist von der Gewohnheit. Durch ihre Arbeit beleuchtet Ayewa die Prinzipien ihrer multidisziplinären kollaborativen Praxis Black Quantum Futurism, einem theoretischen Rahmen für die Wahrnehmung und Anpassung der Realität durch Kunst, Schreiben, Musik und Performance, der von historischen schwarzen Ontologien geprägt ist. Jazz Codes entstand aus dem gleichnamigen Gedichtband, einer Sammlung von Gedichten, die zu Ehren von Jazz- und Blues-Ikonen wie Woody Shaw, Amina Claudine Myers und Mary Lou Williams geschrieben wurden. Während der pandemischen Abriegelungen Anfang 2020 nahm Ayewa Kontakt mit dem schwedischen Produzenten Olof Melander auf, um ihn zu fragen, ob er ihr ein paar Jazz-Loops schicken würde, mit der Absicht, eine CD zusammenzustellen, die die Veröffentlichung des Buches begleiten würde. Melander schickte ihr etwa hundert Tracks. Je mehr Ayewa mit ihnen arbeitete, desto mehr wuchs das Projekt aus sich selbst heraus. Jazz Codes nahm ein Eigenleben an; Melodien entstanden um Ayewas Gedichte herum. In Abkehr vom geräuschbetonten Sound ihrer früheren Alben begann sie, Songs mit R&B-Süße zu schreiben, Songs, die nach Sängern verlangten, um ihre Raps und Spoken-Word-Übertragungen zu begleiten. Sie suchte sich eine Reihe weit verstreuter Kollaborateure, um sie zum Blühen zu bringen. Ayewa arbeitete virtuell und holte Instrumentalisten wie die Flötistin Nicole Mitchell und die Harfenistin Mary Lattimore sowie Sängerinnen und Sänger wie Melanie Charles und Akai Soloin den wachsenden Raum des Albums. In "Ode to Mary" vermengt sich Ayewas gesprochene Poesie mit Orion Suns flatternden Ad-Libs und Jason Morans schwindelerregenden Klavierlinien. "So Sweet Amina" lässt die Trompete von Aquiles Navarro auf die Wellen von Wolf Westons suchender Stimme leuchten. Keiner von Ayewas Mitwirkenden hörte die Takes der anderen, bevor die Songs fertig waren. Sie fungierte als Dreh- und Angelpunkt zwischen ihnen, fand Gemeinsamkeiten und Synchronizitäten und fügte disparate Stücke zu einem widerhallenden Ganzen zusammen

Release 16.9.2022

Wilderness of Mirrors verfeinert gekonnt den psychedelischen Rock der Black Angels mit einer Vielzahl faszinierender Sounds und Texturen. Neben melancholischen, von Akustikgitarren getragenen Experimenten gibt es auch klassische Fuzz-Gitarren, die die Ohren anregen und den Geist anregen. Auch Mellotron, Streicher und andere Keyboards spielen auf Wilderness of Mirrors eine größere Rolle als je zuvor. Selbst inmitten dieser neuen Experimente bleiben die Black Angels ihren Psych-Rock-Ahnen wie Syd Barrett, Roky Erickson, Arthur Lee und den Mitgliedern von Velvet Underground meisterhaft treu, die alle auf dem Album-Highlight "The River" namentlich erwähnt werden.

Release 23.9.2022

Selbst für eine Band wie Editors, die kreativ noch nie auf der Stelle getreten ist, stellt das neue Album ´EBM´ einen atemlosen und mächtigen Schritt über den gewohnten Band-Sound hinaus dar. Wir werden Zeuge eines mitreißenden, unerbittlichen Vorstoßes von vollmundigem Elektro-Industrial-Rock. Der Albumtitel ist ein Akronym aus Editors und Blanck Mass - deren Kopf Benjamin John Power für ´EBM´ festes Bandmitglied wird - aber auch eine wissende Anspielung auf Electronic Body Music, den kraftvollen Sound, der in den 1980er Jahren entstand und das neue Material von Editors stark beeinflusst hat. Hier hämmern die Synthesizer von Bands wie Nitzer Ebb, Front 242 und DAF düster inmitten von Nebelmaschinen, Stroboskoplicht und dem Geruch von Leder.

Release 30.9.2022

Nachdem Karen O, Nick Zinner und Brian Chase sich kürzlich mit ihrer ersten neue Musik seit über neun Jahren zurückgemeldet hatten, sind sie nun offiziell mit ihrem 5ten Album zurück.

Release 12.8.2022

Das Album, das neben der Leadsingle "Night Vision" auch die Highlights "Unspeakable Things", "The Sound of Music" und "The Extra Sees the Film" enthält, wurde in Toronto von Sub Pop-Labelkollege Dan Boeckner (Wolf Parade, Handsome Furs, Operators) aufgenommen und produziert. "Chopper" ist der Nachfolger des 2021 erschienenen zweiten Albums "Cooler Returns", über das Pitchfork schrieb: "Sardonische Erzählungen und spöttische Bemerkungen...eine ungeduldige, slacker-rockige Vorstellung eines Folk-Albums....einige Akkorde erklingen mit George Harrison-Glanz, während andere so zottelig und ungestüm sind wie The Clean - selten koexistieren Hi-Fi und Lo-Fi-Pracht so harmonisch.

Release 12.8.2022

Auch als Ltd.-Red COlored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.90)

Das erste Hip-Hop-Album von Brian Burton ka Danger Mouse seit seiner "Dangerdoom"-Kollaboration mit dem großartigen, jedoch tragischerweise verstorbenen, MF Doom und folgt auf Black Thoughts bahnbrechendes Werk mit The Roots. Auf "Cheat Codes" sind verschiedene Freund:innen und Kolleg:innen des Duos vertreten, darunter A$AP Rocky, Run The Jewels, MF Doom, Michael Kiwanuka, Joey Bada$$, Russ, Raekwon, Kid Sister und Conway The Machine. Burton verspürte einen instinktiven Drang, zu seinen Wurzeln zurückzukehren, ein zeitloses Hip-Hop-Album zu machen und wusste, dass Tariq der einzige Rapper war, der diese Vision erfüllen konnte. Gleichzeitig war Trotter auf der Suche nach einem Raum, in dem er sich musikalisch jenseits der Grenzen und Strukturen seiner eigenen Band ausdrücken konnte. Mittlerweile ist Burton ein weitaus erfahrenerer Songwriter und Produzent, Trotter ein außergewöhnlicherer Rapper. Burton ließ also alle anderen Arbeiten ruhen und spielte Trotter einige neue Stücke vor, und die Ideen und Worte flossen. Es war befreiend.

Release 26.8.2022

Für das dritte Album, das in Montreal mit Co-Produzent Marcus Paquin (u.a. The National) aufgenommen wurde, hat sich Jacklin mit ihrer in Kanada ansässigen Tourband zusammengetan: Bassist Ben Whiteley und Gitarrist Will Kidman (The Weather Station), Drummerin Laurie Torres, Saxophonist Adam Kinner und Streicherarrangements von Owen Pallett (Arcade Fire), die von einem kompletten Orchester in Prag aufgenommen wurden. Nach dem folkigen Debüt "Don't Let the Kids Win" (2016) und dem Folgealbum "Crushing" aus dem Jahr 2018 präsentiert Jacklin zehn neue Songs, die sich ihre ganz eigene emotionale Welt beschwören und währenddessen versuchen, alte Freundschaften zu retten oder die Generationsprobleme einer Mutter-Tochter-Beziehung zu lösen.

Release 26.8.2022

Produziert von John Congleton, entfesselt das neue Album mit zwölf Songs Furmans Songwriting in einem offenen, lebendigen Sound, der zugleich auch sehr intim ist. In der Welt von "All of Us Flames" scheint das Ende des patriarchalischen kapitalistischen Imperiums unmittelbar bevorzustehen und auch unausweichlich zu sein.

Release 15.7.2022

Das dritte Album wurde nach der Veröffentlichung des Vorgängers "Cavalcade" in London in Abgeschiedenheit geschrieben und baut auf den melodischen und harmonischen Elementen des Vorgängers auf, während es die Brutalität und Intensität des Debüts "Schlagenheim" ausbaut. Wie Greep es beschreibt: "Wenn Cavalcade ein Drama war, ist "Hellfire" wie ein epischer Action-Film", der sich mit überlappenden Themen wie Schmerz, Verlust und Angst beschäftigt. Es ist ihr bisher thematisch kohärentestes und durchdachtestes Album". Während die Geschichten von "Cavalcade" in der dritten Person geschildert wurden, erzählt "Hellfire" seine Geschichten aus der Ich-Perspektive eines moralisch fragwürdigen Charakters. Es gibt direkte dramatische Monologe, die an unser verkommenes Gefühl für Recht und Unrecht appellieren. Man ist sich nie so ganz sicher, ob man lachen oder entsetzt sein soll. "Welcome To Hell" erzählt die Geschichte der Exzesse eines ausschweifenden Soldaten und seiner Entlassung aus dem Militärdienst, untermalt von funkigen Gitarrensätzen, treibenden Bläsern und einem knorrigen Gesang. Das Video wurde von Gustaf Holtenäs gedreht, der auch schon beim Video zu "Slow" Regie führte. Die Entstehung von "Hellfire" dauerte nur sechs Monate und begann mit einem Riff bei einem Jam der Gruppe, das sich zu dem futuristischen Boxdrama "Sugar/Tzu" entwickelte. Die Bandbreite und die Kraft sowie die starke Produktion der Musik von black midi war noch nie so groß wie auf dem neuen Album, was zum Teil der Produzentin Marta Salogni zu verdanken ist, die mit der Band bereits am "Cavalcade"-Opener "John L" gearbeitet hat. Aber wie immer ist die Art der Musik, die black midi spielen, nicht so wichtig wie ihre Qualität. Und was auch immer du über die Musik von black midi denkst, ist es wichtig, was du dabei fühlst, wenn du sie wirklich hörst. *Rough Trade

Release 9.9.2022

9tes Album, von der Band weitgehend getrennt voneinander und an verschiedenen Orten aufgenommen. Für seine Begleitband holte sich Dulli mehrere langjährige Mitstreiter ins Boot, darunter den mittlerweile tragischerweise verstorbenen Mark Lanegan, der regelmäßig bei Dullis Twilight Singers mitwirkte, ein Partner bei den Gutter Twins und ein enger Freund war. Lanegan gibt sein Debüt bei den Afghan Whigs und singt bei zwei Stücken Backgroundgesang. Susan Marshall, die auf dem Whigs-Album 1965 gesungen hat, kehrt für "Catch A Colt" zurück, einem der herausragenden Stücke des Albums, das mit seiner lockeren Art an die Rolling Stones der Some Girls-Ära und den flüssigen Polyrhythmen von Fleetwood Macs "Tusk" erinnert. Das Multitalent Van Hunt, der 2012 mit den Whigs auf Tour war und als Gastmusiker bei "Do to the Beast" mitwirkte, bringt seine klanggewaltige Stimme sowohl in den eindringlichen Voodoo-Blues von "Jyja" als auch in das kühne "Take Me There" ein und verwandelt letzteres, so Dulli, "in einen wilden Gospelsong. Wir singen wirklich gut zusammen, aber was Van produktionstechnisch macht... das ist unerbittlich". Dann ist da noch Marcy Mays, Leadsängerin bei "My Curse", dem Highlight des bahnbrechenden "Gentlemen"-Albums von 1993, die hier ihre Rolle bei dem himmlischen "Domino and Jimmy" wieder aufnimmt und Stevie Nicks anstelle von Dullis Lindsey Buckingham spielt. "Ich habe diesen Song mit Marcy im Hinterkopf geschrieben", sagt Dulli. "Niemand klingt wie sie, sie hat eine unglaublich einzigartige, emotionale und eindrucksvolle Stimme".

Release 29.7.2022

Neues Knalleralbum der Schweden auf dem sie ihren Mix aus Garagepunk und Postpunk ein Mal mehr bis in den Exzess zelebrieren. 12 tracks, die soundtechnisch im Wechsel zurück zu ihren Roots gehen und wahnsinnig an die unvergessenen Vicious erinnern - geilster melodiöser Garagepunk mit dicker Schwedenpop-Note. Zum anderen aber eben auch immer wieder ihre Wavepunk-Elemente in den Fokus rücken. Melancholisch wirds hier, treibend ist´s trotzdem und auch hier verpassen sie den Tracks ihren charmanten skandinavischen Pop-Touch, den man auch bei Dennis Lyxzen´s INVSN oder bei ihren tollen Labelmates True Moon findet. Ein Fest!

Release 7.10.2022

Das schwarze Album von Kevin Kuhn (Schlagzeug), Julian Knoth (Bass und Gesang) und Max Rieger (Gitarre und Gesang). Kein Wolf ziert das Cover, nein: ein schwarzer Schäferhund vor schwarzem Grund. Das Album ist auch ein Stimmungsbild. Und in der konsequenten Wortschatzverkleinerung ihrer Texte, die vage genug bleiben, um in der chaotischen Komplexität der Gegenwart Impulse zu setzen, ist die Musik auch Sprachrohr für ein Unbehagen geworden, mit dem man sich in jedem ihrer Stücke identifizieren kann: Zehn in Form und Inhalt vollendete Gegenwartsbetrachtungen mit Schaum vor dem Mund, die schließlich als vereinfachte Erzählungen mit Edding auf ein weißes T-Shirt geschrieben werden, so dass die Farbe durchdrückt und sich auf der zwischen Wut und Angst aufgebracht pumpenden Brust verewigt. "Europa" und "Ich Sterbe jeden tag in Deutschland" - wie alle Texte 2018/19 entstanden und somit irritierend visionär - offenbaren die Nerven als Teil einer behüteten Generation, die zu ahnen beginnt, dass ihr noch ganz andere Zeiten bevorstehen, und dass das erlebte Leid der Anderen untrennbar mit den eigenen Privilegien zusammenhängt. Deshalb: "Keine Bewegung"; vielmehr: Passivität und Ohnmacht ob der sich zuspitzenden Zustände, konterkariert durch die Wucht des Songs! "Alles reguliert sich selbst" entlarvt den Slogan als Lüge, macht das Kippmoment ins unausweichliche Chaos spürbar. "Ganz egal" erzählt sardonisch von der Sattheit einer Generation und vertont die Energie einer Auflehnung gegen diesen Zustand. Im Perspektivwechsel dann erleben wir - mit einem gewissen Zynismus erzählt -, wie die bis hierhin gewonnenen Erkenntnisse die Sozialen Medien überfordern und in ihnen eine übelschmeckende, narzisstische Dekadenz aufdecken: "Ein Influencer weint sich in den Schlaf" . Am anderen Ende werden wir ganz unabwendbar "Der Erde gleich" - und der Existentialismus, der die Nerven stets getrieben hat, findet zu einer gewaltigen Songkraft.

Release 8.7.2022

Die Zeiten sind ungemütlich, sie sind hart, und Wu-Lu aus South London hat den Soundtrack dazu. Jenseits von Genrekategorien macht er klangliche Ansagen und liefert War Dubs, die vor allem inspirieren sollen. Im Verlauf der 12 brodelnd-explosiven Tracks, die der Producer, Multiinstrumentalist und Sänger auf dem Album versammelt hat, blitzt tiefschürfender Post-Punk genauso auf wie haarsträubender Screamo, wie man ihn im Skatepark erwarten würde. Auch schemenhafte Hip-Hop-Szenarien bringt er ins Spiel, die so klingen, als ob sich Knwxledge hinter dem Windmill Club in Brixton Hill verlaufen hätte… Krass druckvolle Gitarren, die am Horizont auftauchen und sich winden wie Hochspannungsmasten im Sturm, stehen auf massiven Betonwänden aus purem Bass, auf satten Drill-Fundamenten mit treibenden Triolen und melodischen Klavierkapriolen, die einen immer tiefer in die Szenerie hineinziehen. Mal klingt das wie Factory Records in den düstersten Stunden der Achtziger, mal wie Klassiker von DJ Shadow oder Frühneunziger-Slipknot. "Loggerhead" wühlt sich quer durch die Vergangenheit und formt daraus das nächste Jetzt.

Release 19.8.2022

Das 5te Album ist erstmals ausschließlich innerhalb der Band entstanden und trägt deutlich die Handschrift von Produzenten und Schlagzeuger Karl Brausch. Viel Hall hüllt speziell die Refrains ein, teils wavig muten Songs mit Delays und Echo wie späte The Cure an („Alles ist einfach“, „Klimawandel“), Gitarren werden weich moduliert, bis wir sie für Keyboards halten ("Kann und will nicht mehr", "Achterbahn"), und gleichzeitig zeigen die Drums in manchen Songs eine mitreißende, fast ungewohnte Härte ("Klimawandel", "Achterbahn"). Dominik Mercier treibt am Bass die härteren Songs vor sich her ("Meisenstaat", "Schlucken oder spucken") und erinnert andernorts in gewohnter Lässigkeit an UK-Shoegaze ("Alles ist einfach"). Pop und Fragilität schweben über "Meisenstaat" und koexistieren neben Druck und Aggression. Vielleicht könnte man sagen, Love A sind mit ihrem Sound in der Summe einen Schritt von den 1980er in die 90er Jahre gegangen. In namentlicher Anlehnung an das Knochenfabrik-Debüt "Ameisenstaat" spiegelt das Album eine Mischung aus Zorn, Niedergeschlagenheit und Resignation wider. Dass die Band sich dabei Abwechslung gönnt, steht ihr nach über zehn Jahren ausgesprochen gut: So spielt Weyer häufiger Einzeltöne als Akkorde und der Gesang ist vielleicht eine der großen Überraschungen. An etlichen Stellen holt Mechenbier den, wie er ihn selbstironisch nennt, "Saarland-Elvis" raus. "Früher fühlte ich mich mit meiner tieferen Stimme nicht so energievoll wie mit dem hohen Keifen", beschreibt er die Entwicklung und singt folgerichtig in "Frag nicht", dem Liebling des Labels: "Klingt komisch, doch ich singe diese Lieder nicht. / Bin ferngesteuert, und die Lieder singen mich.".

Release 19.8.2022

Das achte Album der britischen Electronic-Pop-Legenden und ein weiterer Meilenstein in einer mehrere Jahrzehnte andauernden Karriere, in der Hot Chip immer wieder für Innovationen gesorgt und eine vielseitige, klangstarke Songstruktur entwickelt haben. Und während sie unverändert in Topform unterwegs sind, fühlt sich Freakout/Release wie ein ganz neues Kapitel für die Band an - ein kühnes und selbstbewusstes Album mit Texten voll dunkler Emotionen und dennoch so erbauend, wie es nur eine Hot Chip-Platte sein kann.

Release 16.9.2022

Neues Album von Frank Spilker & Co.! Bei dem Titel entsteht die Frage, ob die noch alle Tassen im Schrank haben. Denn Euphorie ist von allen Gefühlen, die man derzeit so haben kann, das unwahrscheinlichste. Dann hört man die zehn neuen Lieder, und spätestens vierzig Minuten später, wenn die Streicher vom letzten Stück - dem traurigsten Sterne-Song aller Zeiten - verklungen sind, spürt man sie, die Euphorie. Musikalisch ist "Hallo Euphoria" typisch Die Sterne, aber weitergedacht und freigedreht. Es gibt den Funk, die Licks und Riffs, das sexy Eckige, aber nun auch Streicherharmonien und so was Treibendes auf der Autobahn zwischen Köln und Düsseldorf - Krautpop, Baby. Die Band lässt es konzentriert verspielt und oberlässig laufen, mit Kraut und Funk und kurzen Schlenkern zur Bongo oder zum Schönklang. Das Album könnte auch als Debüt durchgehen, so frisch, leicht und relevant wie das Ding um die Ecke biegt.

Release 26.8.2022

Frontmann Matt Bellamy sagt über das neue Werk: "Will Of The People" entstand in Los Angeles und London und ist von den zunehmenden Ungewissheiten und Unsicherheiten in der Welt beeinflusst. Eine Pandemie, neue Kriege in Europa, massive Proteste & Unruhen, versuchte Aufstände, das Taumeln der westlichen Demokratie, zunehmender Autoritarismus, Waldbrände und Naturkatastrophen, ganz allgemein die Destabilisierung der globalen Ordnung – all das hat 'Will Of The People' beeinflusst. Lange haben das westliche Imperium und die Natur für unseren Schutz und unser Auskommen gesorgt, nun sind beide ernsthaft bedroht. Es sind beunruhigende und beängstigende Zeiten für uns alle. Dieses Album ist ein persönlicher Wegweiser durch diese Ängste und eine Vorbereitung auf das, was kommt." Wie man es von Muse kennt, beschränken sie sich auf ihrem neuen Album nicht auf ein einzelnes Genre. Der Titeltrack "Will Of The People" paart dystopische Glamrock-Klänge mit provokativen Lyrics. "Verona" bietet Retro-Texturen auf. Die erste Single "Won’t Stand Down" ist von purem Rock-Instinkt geleitet. "Kill Or Be Killed" ist Industrial-gefärbt. "Euphoria" versprüht den titelgebenden Glücksrausch. Das frenetische Finale des Albums bildet das brutal ehrliche "We Are Fucking Fucked". Und dann ist da natürlich noch die neue Single "Compliance", zu der Matt Bellamy sagt, sie handle davon, „dass sich Menschen autoritären Regeln und besänftigenden Unwahrheiten fügen, um in einer Gruppe akzeptiert zu werden. Gangs, Regierungen, Demagogen, Social-Media-Algorithmen & Religionen verführen in fragilen Zeiten, indem sie willkürliche Regeln und verdrehte Ideen aufstellen, denen wir uns unterordnen sollen. Sie verkaufen uns besänftigende Märchen und sagen uns, dass nur sie die Realität erklären können, während sie gleichzeitig unsere Freiheit, Autonomie und unser freies Denken beschneiden. Wir werden nicht nur genötigt, wir werden getrieben, verängstigt und zusammengepfercht, um täglich '2 Minuten Hass' auf eine von ihnen ausgewählte Gruppe Außenstehender zu schleudern und unsere eigene innere Stimme der Vernunft und des Mitgefühls zu ignorieren. Alles, was sie dazu brauchen, ist unsere Fügsamkeit - unsere Compliance.

Release 29.7.2022

Die langjährige musikalische Zusammenarbeit zwischen Will Canning und Remy Veselis mit drittem Album- Die 2015 in Sydney, Australien, gegründete Band hat sich sowohl in ihrer Heimat als auch in Übersee zu einer festen Größe im alternativen Underground entwickelt. Wiederbelebt und neu zentriert, präsentieren Death Bells ein schwindelerregendes Porträt einer Band auf dem Höhepunkt ihres Könnens. Der Longplayer fängt einen Querschnitt der schattigen, versteckten Zwischenzonen Südkaliforniens ein, abseits von Licht und Luxus. Die Gruppe hat dieses neue Album bereits mit den Singles "Intruder" und "Passerby" angeteasert - heute kommt mit "Lifespring" ein weiterer neuer Track aus dem Album. Für Fans von IDLES, Interpol, Editors, Slowdive, The Fall, Soft Kill, The Jesus and Mary Chain, Tempers, My Bloody Valentine, Ritual Howls, Siouxsie and The Banshees.

Reelase 26.8.2022

Drittes Album Der Song "Your Love" folgt auf den ersten Vorboten "Let You Go", dem von Kritikern eine außerordentliche Wirkung attestiert wurde. "Der Track fließt durch den Körper und löst augenblicklich einen Zen-Zustand aus," so der Kommentar der britischen Wonderland. Eine ähnlich meditative Wirkung hat auch "Your Love" - allein schon aufgrund des minimalistischen Rhythmus, der wie ein steter Herzschlag klingt. Auch sonst sind die Soundwelten zwar sehr ausgefeilt und vielschichtig, lassen aber klar den nötigen Raum für die bezaubernde Stimme des Künstlers. Geschrieben wurde das Stück, das vom leisen Flüstern bis hin zu einem lauten Falsettgesang die volle Bandbreite abbildet, von RY X und Frank Wiedemann, mit dem RY X bereits unter dem gemeinsamen Alias Howling veröffentlichte.

Release 22.7.2022

Blickt man zurück auf das gewaltige Feld der Indie-Bands, die in den Nullerjahren tonangebend waren, hat sich dieses Bild zuletzt ganz schön ausgedünnt: Viele davon sind längst verschwunden – und man muss entsprechend lange suchen, um eine Gruppe zu finden, die auch nach 15 Jahren noch neue Karrierehöhepunkte verzeichnen kann. Dabei war genau das der Punkt, an dem The Kooks vor vier Jahren standen. Gerade erst von einer internationalen Stadiontour zurück, erstürmte die Band aus Brighton 2018 abermals die britischen Top-10 mit dem Albumvorgänger Let’s Go Sunshine, um anschließend wieder überall ganz oben auf den Plakaten der größten Festivals in ganz Europa zu stehen. Der jüngste Streaming-Boom hatte der Band sogar noch mehr (und auch viele jüngere) Fans beschert, die ihren einzigartigen Indie-Rocksound nun endlich auch mal live erleben wollten. Obwohl die Platte letztlich an diesen zwei Orten entstehen sollte, spürt man die Berlin-Connection ganz klar im Verlauf von 10 Tracks To Echo In The Dark. Und obwohl sie auch mit ganz anderen Genres flirten – Synthie-Pop aus den Achtzigern, Funk, auch Prog-Elemente tauchen auf –, klingt das sechste Album unterm Strich immer noch wie ein astreines Indierock-Album. Eins mit unverwechselbarer Kooks-Handschrift. Tatsächlich versuchen sie mit der neuen LP auch gar nicht, das Rad neu zu erfinden. Stattdessen nehmen sie den klassischen Kooks-Sound und verpassen ihm einen dezent retro-futuristischen Anstrich - sowohl klanglich, als auch einfach gefühlt: in der ganzen Haltung, in der diese Songs entstanden sind. Es ist ein Album, das vor allem von Hoffnung handelt: sich diese Hoffnung zu bewahren, das Gute zu sehen in der Welt, egal wie düster sie gerade wirkt. Während immer mehr junge Fans den Sound von The Kooks für sich entdecken, fühlt sich 10 Tracks To Echo In The Dark vor allem wie ein Mission Statement an: Sie feiern damit die schwierigen Zeiten, die hinter ihnen liegen - und liefern eine lautstarke Parole für die Zukunft, die vor uns allen liegt. Vor allem hört man auf dem neuen Album eine Band, die ihren Karrierehöhepunkt noch vor sich hat. Sie liegen richtig, wenn sie ab sofort auf Zuversicht setzen, wenn sie darauf vertrauen, dass die Zukunft weniger düster sein wird.

Release 1.7.2022

Schon immer glichen seine Konzerte Gottesdiensten. Nun wird der Australier seinem Habitus als Prediger gerecht und veröffentlicht gemeinsam mit seinem langjährigen Freund Warren Ellis sieben Psalmen.

Während des Lockdowns habe Cave eine Reihe von kleinen, heiligen Liedern verfasst. Einen pro Tag, eine Woche lang – fast nach biblischem Vorbild. „Die sieben Psalmen werden als eine lange Meditation präsentiert – über Glaube, Wut, Liebe, Trauer, Barmherzigkeit, Sex und Lobpreis. Ein verschleiertes, kontemplatives Angebot, das aus einer unsicheren Zeit stammt. Ich hoffe, es gefällt euch“, so der 64-Jährige in einem Statement.

In einem kurzen Trailer gibt Cave einen Ausblick auf die neue Platte. „Such things should never happen, but we die/ The swallow finds an oak to nest her young,“ predigt er über einer ehrfürchtigen Instrumentierung, und weiter: „Defenseless between the Earth and the sky/ Uncounted beneath the vast, indifferent sun.“

Release 1.7.2022

"Gefühlte Wahrheiten" ist ein Album darüber, wie es sich anfühlt, lebendig zu sein. Zwölf bestürzend schöne Lieder, in denen Distelmeyer vom Sich-Verlieren und Wiederankommen, vom babylonischen Stimmengewirr der sozialen Medien, von Sehnsucht und Begierde, gesellschaftlicher Spaltung und einer am Ende gelingenden und triumphierenden Liebe erzählt

Release am 1.7.2022

Aufgenommen in Berlin und auf Abstand zwischen 2020 und 2021, legt die Band ihr 19. abendfüllendes Studioalbum vor. "Fire Doesn't Grow On Trees" ist der Beginn einer aufregenden neuen Phase für Anton Newcombe und seiner Band. Mit ihm im Studio und über Video/Mail haben Ricky Maymi (Gitarre), Ryan Carlson Van Kriedt (Keyboards), Hakon Adalsteinsson (Gitarre), Hallberg Dadi Hallbergsson (Bass) und Uri Rennert (Schlagzeug) an diesem Album gearbeitet. Ursprünglich war Newcombe stark von der psychedelischen Phase der Rolling Stones beeinflusst - der Name stammt vom Stones-Gitarristen Brian Jones in Verbindung mit einer Anspielung auf den Sektenführer Jim Jones -, aber in den 2000er Jahren hat sich seine Arbeit in ästhetische Dimensionen ausgeweitet, die sich dem britischen Shoegazing-Genre der 1990er Jahre annähern und Einflüsse aus der Weltmusik, insbesondere aus dem Nahen Osten und Brasilien mit einbezieht. "The Real" ist der erste Vorbote des Albums

Release 1.7.2022

Das letzte Album des Schotten liegt bereits acht Jahre zurück, eine im Musikgeschäft verdammt lange Zeit. Der Nachfolger vom damals gefeierten "Caustic Love" entschädigt nun für die lange Wartezeit mit über 70 Minuten Musik, die von souliger Rockmusik über Post-Punk bis hin zu hypnotischen Krautrockanleihen reicht. Die beiden bisher veröffentlichten Singles "Lose it" (erinnert an Can oder Neu!) und "Through the Echoes" (soulig angehauchter Pop) verdeutlichen genau dieses Spektrum schon mal und lassen die Vorfreude auf den Rest des Albums steigen. Stimmlich ist Nutini schon immer einer der Größten, das neue Album wird den Vorgängern an Tiefe und herausragendem Songwriting wohl in nichts nachstehen! *

Release 24.6.2022

Das von Luther Dickinson von den North Mississippi All-Stars produzierte Album verbindet beide Seiten von G. Loves eklektischer Karriere, indem es Old School Hill Country und Delta Blues mit New School Hip-Hop und Funk mischt. Die 13 Songs wirken locker, spontan und sind zumeist im Studio entstanden. Die freilaufenden Darbietungen bringen eine Reihe von besonderen Gästen zusammen, von Blues-Fackelträgern wie Alvin Youngblood Hart, Cam Kimbrough, Christone „Kingfish“ Ingram, Jontavious Willis, R.L. Boyce und Trenton Ayers über Rap-Ikonen wie Schoolly D, Freddie Foxx und Speech von Arrested Development bis hin zu Spitzenmusikern wie dem Fifemaster Sharde Thomas und der GRAMMY-nominierten Southern Avenue-Schlagzeugerin/Sängerin Tikyra Jackson. "Ich bin in Philadelphia, Pennsylvania, aufgewachsen, aber ich habe mein ganzes Leben in der Musik des Deltas verbracht“, erklärt er, „deshalb hat mich die Vorstellung, dass es dort unten ein ganz anderes Philadelphia gibt, immer fasziniert. In den letzten dreißig Jahren wollte ich eine Pilgerreise machen - nicht nur eine musikalische, sondern eine spirituelle – zum Herzen des Blues, und genau das ist dieses Album

Release 24.6.2022

Auf ihrem 7tem Album beeindruckt das in Minneapolis ansässige Projekts von Sängerin Channy Leaneagh, Produzent Ryan Olson und Bassist Chris Bierden mit komplexem Detailreichtum, so beim schillernden "Violence", das eindrucksvoll mit Orchestersounds und ziselierter Percussion hantiert, auch "Alive" lebt ein bisschn vom Clash von Glitch und Triphop-Sphärik mit den miteinander kommunizierenden Schichten von Instrumenten und Sounds im Dialog mit Leanagh´s unter die Haut gehenden, charismatischen Vocals. Verwendet haben sie das selbst entworfene anthropomorphe Produktionswerkzeug "AllOvers(c)", das für eigenartige, originelle Ergebnisse sorgt.

Release 24.6.2022

Nika Roza Danilova, die Sängerin, Songwriterin und Produzentin, die seit 2009 unter dem Namen Zola Jesus Musik veröffentlicht, verfügt über eine Stimme, die den Hörer an einen Ort führt, der bereits in einem steckt, aber der bewussten Erfahrung entzogen ist. "Arkhon" ist ihre erste Zusammenarbeit mit dem Produzenten Randall Dunn (Sunn O))), Jóhann Jóhannsson, Candyman Soundtrack) und dem legendären Drummer und Perkussionisten Matt Chamberlain (Bowie, Dylan). Zola Jesus dringt tief in ihr Inneres vor, jenseits von Ego und Kontrolle, um ihre bisher provokanteste und kraftvollste Musik zu entfesseln. Für Fans von: Chelsea Wolfe, Fever Ray, Perfume Genius, Angel Olsen, Beach House

Release 24.6.2022

Auf ihrem dritten Album als Soccer Mommy beweist sich Sophie Allison endgültig als einer der talentiertesten Songwriterinnen der Rockmusik unserer Zeit. Mit cleveren Anspielungen auf Synthie-Subgenres wie New Wave und Gothic erweitert die heute 24-Jährige die Grenzen ihrer Ästhetik. Sometimes, Forever ist eine faszinierende Sammlung, die sowohl von der Vergangenheit als auch von der Gegenwart geprägt ist und damit das gewagteste und ästhetisch abenteuerlichste Werk von Soccer Mommy. Das Album lebt von widersprüchlichen Kräften: Verlangen und Apathie, Ekstase und Elend, Gut und Böse, Selbstbeherrschung und Wildheit. Unverblümte Liebeslieder reiben sich an viel düstererer Kost mit makabre Bildern, die selbst die fröhlichsten Passagen heimsuchen. Aber da es ihr heute besser geht als zu der Zeit, als sie die Lieder schrieb, hat sie keine Probleme damit, in den Momenten des unkomplizierten Glücks zu schwelgen, die neben der Dunkelheit existieren. Sie sagt: "Ich wollte nicht etwas super Deprimierendes ohne jeden Sinn für Magie machen". Der Album-Titel bezieht sich auf die Idee, dass sowohl gute als auch schlechte Gefühle zyklisch sind. "Kummer und Leere gehen vorbei, aber sie kommen immer wieder - genauso wie die Freude", sagt Allison. "Irgendwann ist man gezwungen zu sagen: Ich muss einfach beides nehmen." Produziert wurde der neue Longplayer von Daniel Lopatin aka Oneohtrix Point Never.

Release 17.6.2022

The Smile sind Thom Yorke & Jonny Greenwood von Radiohead und Tom Skinner von Sons Of Kemet. Die 13 Tracks des Debut-Albums wurden von Nigel Godrich produziert sowie gemischt und von Bob Ludwig abschließend gemastert. Die Songs werden von Streichern des London Contemporary Orchestra und einer kompletten Bläsersektion zeitgenössischer britischer Jazzmusiker wie Byron Wallen, Theon und Nathaniel Cross, Chelsea Carmichael, Robert Stillman und Jason Yarde begleitet. Die Band, bestehend aus Thom Yorke und Jonny Greenwood von Radiohead und Tom Skinner von Sons of Kemet, hat bereits die Singles "You Will Never Work in Television Again", "The Smoke" und "Skrting On The Surface" veröffentlicht. "The Smoke" wurde außerdem als Dub-Remix des legendären Reggae-Produzenten Dennis Bovell veröffentlicht. Die letzte Single "Pana-vision" von The Smile wurde bereits am 3. April veröffentlicht und lief im Finale der BBC-Serie "Peaky Blinders". Das animierte Video zu Pana-vision zeigt Artworks des Radiohead-Künstlers Stanley Donwood sowie Thom Yorke. Die brandneue Single "Free In The Knowledge" erscheint heute parallel zur Albumankündigung. Das Video zum Song entstand unter Regie von Leo Leigh. Der Song wurde erstmals im Dezember 2021 von Thom Yorke im Rahmen der "Letters Live"-Veranstaltung in der Londoner Royal Albert Hall aufgeführt - dem ersten Auftritt von Thom Yorke seit Beginn der Pandemie. Bei der Vorstellung des Songs widmete er ihn allen britischen Musikerkollegen. Im Januar spielten The Smile drei aufeinanderfolgende ausverkaufte Liveshows innerhalb von 24 Stunden in London. Diese Shows wurden gleichzeitig per Livestream an ein weltweites Publikum übertragen. Die Band beginnt ihre Europatournee Mitte Mai 2022 und wird am 20.05 in Berlin im Tempodrom spielen.

Release 17.6.2022

Das zweite Sub-Pop-Album des gefeierten britischen Acts aus London baut auf dem Post-Punk ihrer frühen Werke auf und reift zu einem Kraftwerk spannungsgeladener, politisch bissiger und nachdenklicher Rockmusik.

Release 17.6.2022

Die jüngsten Singles deuteten es bereits an, nun bestätigt sich: Foals schlagen auf ihrem kommenden Album aufregende neue Wege ein. Es ist die logische Konsequenz aus dem triumphalen Erfolg des letzten, zweiteiligen Albums "Everything Not Saved Will Be Lost" (2019) – zumindest, wenn man Foals heißt und den Anspruch hat, alles, nur nicht bequem zu werden. Disco-gefärbte Gitarren, tighte, synkopierte Rhythmen und druckvolle, eindringliche Hooks – "Life Is Yours" ist eine natürliche Weiterentwicklung, mit der Foals zugleich den großen Bogen bis zu ihren frühen Tagen schlagen – damals, als Yannis und Co. mit ihrer Musik Hauspartys im heimischen Oxford aufmischten. Thematisch geht es viel um Eskapismus, darum, an andere, bessere Orte zu entfliehen. Und sich an den endlosen Möglichkeiten des Lebens zu erfreuen. Damit spiegelt das Album auf perfekte Weise ein – zumindest bis vor einigen Tagen – zunehmend vorherrschendes Gefühl wider: das öffentliche Leben kehrt in seiner früheren Unbeschwertheit zurück und die Welt ist in kollektiver Lebenslust vereint. Was nun nach dem Angriff auf die Ukraine passiert, kann niemand voraussagen. Fest steht, dass positive Musik in jeglicher Situation eine wichtige Funktion erfüllt.

Release 10.6.2022

Das vierzehnte Studioalbum der kanadischen Band strotzt nur so vor Mystik und Rausch, die Fäden von Dan Bejars Notizen sind von einer Fülle von Anspielungen durchwebt, die zugleich unheimlich vertraut und zutiefst verwirrend sind. Die Platte zieht sich auf Umwegen immer weiter nach innen und bietet dabei bei jeder Wendung schwindelerregende Überraschungen, beunruhigende Esoterik und pochende Emotionalität.

"Labyrinthitis" zeigt immer wieder, dass nicht alles in Ordnung ist, dass aber auch Isolation und Auflösung eine Quelle der Freude sein können, während sich Bejar wenn ein wildgewordener Minotaurus durch den Irrgarten manövriert.

Release 10.6.2022

Das erste neue Album von James Hinton aka The Range nach 6 Jahren tönt stimmungsvoll, mitreißend und wurde unbestreitbar von Rave beeinflusst. Auf Mercury baut Hinton auf den Techniken auf, die er auf seiner von der Kritik gefeierten LP Potential aus dem Jahr 2016 etabliert hat, und versucht, eine menschliche Verbindung im Internetzeitalter zu schaffen, indem er Vokalisten aus den Ecken von YouTube, Instagram und Periscope sampelt. "Ich habe das Gefühl, dass ich Wege finden kann, mich auf eine Art und Weise auszudrücken, für die ich in der realen Welt zu schüchtern oder unfähig bin", sagt Hinton über diesen Prozess.

Obwohl es IDM-Größen wie Aphex Twin und Grime-Pionieren wie Skepta verpflichtet ist, bewegt sich Hinton auf dem Album außerhalb der Grenzen eines bestimmten Genres. Das Ergebnis ist sowohl maximalistisch als auch zurückhaltend: riesige, weiche Synthies treffen auf treibende Beats, die die komprimierten Vocals seiner sorgfältig ausgewählten Clips ausgleichen. "Mercury ist mein bisher vielseitigstes Album", sagt Hinton. "Meine Erinnerungen an Rave-Musik, Grime und MPC-Musik spielen in fast jedem Song eine große Rolle." Mercury wurde von James Hinton mit zusätzlicher Produktion von Damian Taylor (Bicameral, Ricercar, Relegate) produziert, von Lexxx (Alex Dromgoole) gemischt, mit Ausnahme von "Relegate", das von Damian Taylor gemischt wurde, und von Dave Cooley bei Elysian Masters in Los Angeles, CA gemastert.

Release 10.6.2022

Das siebte Studioalbum, das von der Band und Dan Duszynski (LOMA) produziert wurde, zeigt uns, wo ihr wandernder Frontmann überall gewesen ist. Während die Songs des 2016 erschienenen Albums "Jet Plane And Oxbow" (Sub Pop) von der Angst vor der Entwicklung der Vereinigten Staaten unter der vorherigen Präsidentschaft geprägt waren, beschloss Jonathan Meiburg, für "The Great Awakening" einen neuen Ansatz zu finden. "I felt hopeless, and I didn't want to make hopeless music." Mit Duszynski als Mitstreiter und Co-Produzent entwickelte sich das Album in den langen Monaten der Jahre 2020 und 2021 zu einer Meditation über Hoffnung inmitten von Hoffnungslosigkeit und die Freiheiten, die man in der Isolation findet - oder von denen man träumt. Einige Shearwater-Veteranen kehrten zurück, darunter die Keyboarderin und Arrangeurin Emily Lee und der Schlagzeuger Josh Halpern, aber die rockigen Gesten von "Jet Plane" fielen weg: "The Great Awakening" ist ein gefühlvoller und eindringlicher Reisebericht mit großartigen Atmosphären und intimen Landschaften, garniert mit Feldaufnahmen von Meiburgs Reise während des Schreibens seines von der Kritik gefeierten Debüt-Buchs "A Most Remarkable Creature: The Hidden Life and Epic Journey of the World's Smartest Birds of Prey"

Release 3.6.2022

Das Nachfolgealbum des atemberaubenden "All Mirrors" ist "Big Time" und wer bei diesem Titel auf Großtaten hofft, wird nicht enttäuscht. Musikalisch wendet sich Angel Olsen stärker dem Americana Genre zu. Ihr famoses neues Werk erscheint als Doppel-LP im Klapp-Cover und enthält ein 12-seitiges Booklet im LP-Format mit zahlreichen Fotos von Angel Olsen, aufgenommen in North Carolina von Angela Ricciardi.

Release 3.6.2022

Auf seinem neuen Album widmet sich Andrew Bird all den komplexen Gedanken, Fragen und nächtlichen Obsessionen, die in jedem von uns herumschwirren. "Inside Problems" setzt sich auf 11 Songs mit den inneren Dämonen auseinander, die Amok laufen, wenn es besonders ruhig wird. Es ist ein üppiger und mitreißender Einstieg in seine gefeierte, sich ständig weiterentwickelnde und immer wieder neugierige Karriere. Für Bird war die Idee, die ihn immer wieder verfolgte, die unvermeidliche Präsenz von Schwellen: der Moment, in dem etwas zu etwas anderem wird. Das Phänomen taucht in unzähligen Aspekten des täglichen Lebens auf, vom Prozess der Projektion innerer Gefühle und Dialoge auf die äußere Umgebung bis hin zur scheinbar banalen Erfahrung, im Türrahmen zu stehen, Staatsgrenzen zu überschreiten oder irgendeinen Ort zu finden, an dem man weder hier noch dort ist, sondern dazwischen.

Release 27.5.2022

Auch als Ltd.-Clear Vinyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Das dritte Solo-Album des ehemaligen Oasis-Leadsängers. Als ersten Vorgeschmack auf die neue Platte präsentiert der Sänger den Song "Everything's Electric" zusammen mit Foo Fighters Frontman Dave Gohl. Außerdem verriet er in einem Radio-Interview, dass ein Track auf "C'mon You Know" seinem Bruder Noel gewidmet sei, mit dem er seit Jahren zerstritten ist. Der Brite selbst sagt dazu: "Und dann gibt es da noch ‚I Wish I Had More Power', das widme ich Noel. Yeah, es ist eine ungezogene kleine Nummer, aber ganz reizend." Passend zur Album Ankündigung hat Liam Gallagher für Juni 2022 ein großes Open-Air-Konzert in Knebworth angekündigt: Eingefleischte Oasis-Fans erinnern sich mit Sicherheit, dass die damalige Britpop-Band 1996 in dem kleinen Dorf zwei gigantische Konzerte spielte. Beide Shows vor mehr als 250.000 Zuschauern zählen zu den größten der britischen Musikgeschichte.

Release 3.6.2022

Man muss sich nur kurz mit dem Indie-Rock-Trio unterhalten, um die innige Wärme ihrer starken Verbundenheit zu spüren, die drei jungen Musikerinnen sind beste Freunde. Diese persönliche Nähe schimmert auch auf ihrem Debütalbum "Versions of Modern Performance" durch. Penelope Lowenstein (Gitarre, Gesang), Nora Cheng (Gitarre, Gesang) und Gigi Reece (Schlagzeug) machen alles gemeinsam, vom Songwriting über den wechselnden Gesang und den Tausch von Instrumenten bis hin zum Sound- und Visual Art-Design. "Versions of Modern Performance" wurde mit John Agnello (Kurt Vile, The Breeders, Dinosaur Jr.) im Electrical Audio-Studio aufgenommen. "Es ist unser erstes Album. Wir hatten bei Agnello sofort das Gefühl, dass er wirklich respektiert, was wir zu tun versuchten", sagt die Band. Horsegirl spielen auf dem Album gekonnt mit Texturen, Formen und Schattierungen und zeigen ihre Vorliebe für Improvisationen und Experimente. Der Opener "Anti-glory" ist schillernder Post-Punk-Song. "Dirtbag Transformation (Still Dirty)" und "World of Pots and Pans" haben einen rauen Pop-Charme. "The Fall of Horsegirl" besticht wiederum durch seine scharfen Konturen und einem kantigen Sound. Man kann in ihrer Musik Elemente der Independent-Musik der 80er und 90er Jahre hören, die Sounds die Horsegirl so sehr lieben - die schraddelige Melodik dessen, was man früher "College-Rock" nannte, den kühlen und sprudelnden Space-Age-Glanz der 90er-Jahre, das laute Dröhnen von Shoegaze, die sparsamen Hooks und Rhythmen von Post-Punk. Sogar ein bisschen No-Wave ist mit dabei. Horsegirl vermischen die Einflüsse zu einem Sound einer neuen Generation, für die die 90er-Jahre Lichtjahre entfernt zurückliegen und gleichzeitig doch so nah sind.

Release 3.6.2022

Mit ihrem 2ten Album gelingt der Kopenhagener Soul-Sensation ein perfekter Rundumschlag in Sachen Retro-Soul in allen Facetten. Der Soundtrack eines heissen Sommers, eingespielt mit Bläsern, Wah Wah- und Funk-Gitarre, Backgroundchor und toller Hammond-Orgel wechselt in jedem Song der Mood. Ob Hard Funk, JB´s artiger-Style ("Gotta have Soul") oder breit orchestrierter Crooner-Soul, auf Dramatik und Thrill setzender Psychfunk wie bei dem instrumentalen "D/Hustle" oder der von dem coolen Breakbeat des pfundigen "heavy" Schlagzeugs angetriebene Titelsong oder das unter die Haut gehende "Higher", die Dänen haben das gleiche Feuer, das Daptone-Scheiben so unwiderstehlich macht und setzen groove-technisch Akzente und haben mit Toke Bo Nisted einen 1A-Soulsänger. Eine grandiose, druckvolle Produktion von Meistern wie Wayne Gordon (u.a. Amy Winehouse), Simon Guzmán (u.a. Sharon Jones and The Dap-Kings) oder Jesper Reginal (u.a. PowerSolo) schenkt dem gleichzeitig retrostylisch, aber auch modern klingenden Album Groove, Wucht und Seele.

Release 3.6.2022

Das jüngst gesignte Rap-Duo Andre Gainey (he/him) und Vonne Parks (they/them) aus Tampa Bay in Florida mit seinem Jagjaguwar-Debüt .Entstanden ist "Finally, New" nicht in den Epizentren des Hip-Hop, sondern in der "uncoolen Stadt, die man sich vorstellen kann" (Vonne). Musikalisch ist das Album ein abenteuerlicher Ritt durch die Post-Genre-Landschaft geworden, der vor Entdeckerfreude und Experimentierlust nur so strotzt. Die bereits veröffentlichte Lead-Single "From The Floor" (ft. DJ GAY-Z) beweist, dass Dre und Vonne auf ganz organische Weise so unterschiedliche Einflüsse wie eisige UK-Drum&Bass-Breaks mit Miami-Bass-Bounce kombinieren können, darüber Raps im Dirty-South-Mixtape-Stil legen und das Ganze in eine spacige Psychedelik tauchen, die Bands wie Can absolut würdig ist

Release 27.5.2022

Das zweite Abum der fünfköpfigen Band aus Dundalk, Irland und ihr erstes für Partisan Records. Ein bemerkenswertes Album, das Vorstellungen darüber wie eine Rockband zu funktionieren hat neu konfiguriert und ein Jahr aus Lockdown und persönlichem Leid in ein atemberaubendes künstlerisches Statement konvertiert. Produziert von der Band selbst und aufgenommen zuhause sowie in den Attica Studios im ländlichen Donegal, entschied man sich fürs Mischen mit David Wrench zusammenzuarbeiten, der schon mit Frank Ocean, Let's Eat Grandma, Jamie xx, FKA twigs kollaboriert hat. 'Heart Under' ist ein Gitarrenalbum mit Gitarren, die nicht wie Gitarren klingen, ein Album das sich über traditionelle Konzepte hinwegsetzt, das sich nicht einordnen lässt, weder in ein bestimmtes Genre noch eine bestimmte Ära. Es ist zutiefst persönlich, emotional und aufrichtig, an Stellen schrill, dann wieder träumerisch.

Release 20.5.2022

Auch als Doppel-Tape erhältlich (CHF 24.90)

Das erste komplett von Beach House selbstproduzierte Album wurde im Pachyderm Studio in Cannon Falls (Minnesota), im United Studio in Los Angeles und in den Apple Orchard Studios in Baltimore (Maryland) aufgenommen. Zum ersten Mal kam ein Live-Streicherensemble mit Arrangements von David Campbell zum Einsatz. Gemischt wurde das neue Album hauptsächlich von Alan Moulder - einige Tracks wurden auch von Caesar Edmunds, Trevor Spencer und Dave Fridmann gemischt.

Release 20.5.2022

Die legendären Cave In melden sich mit ihrem Relapse-Debüt "Heavy Pendulum" zurück, ihrem ersten vollständigen Studioalbum seit über einem Jahrzehnt. Die Band (Stephen Brodsky - Gitarre/Gesang, Adam McGrath - Gitarre/Gesang, John-Robert Conners - Schlagzeug) erlebt eine Wiederbelebung durch die Hinzunahme von Nate Newton (Converge, Doomriders, Old Man Gloom) an Bass und Gesang. Produziert von Kurt Ballou @ God City, beweisen sie erneut, dass sie sich seit ihrem monumentalen Debüt "Until Your Heart Stops" von 1998 als eine der besten zeitgenössischen Rock-, Hardcore- und Metal-Bands etabliert haben. Von treibenden Tracks wie dem erdrückenden Opener "New Reality" bis hin zur metallischen Schärfe von "Blood Spiller", klingt das Album 100 Prozent nach Cave In, zeitgleich vertraut, aber immer auch mit Überraschungseffekten garniert.

Release 20.5.2022

Das Quartett aus dem australischen Melbourne mit seinem bisher natürlichsten und umfangreichsten Album, das den kollaborativen Geist und die Live-Power der Band perfekt abbildet. Während die ersten Ideen für das neue Album noch über lange Zeiträume hinweg online ausgetauscht werden mussten, wurde es dann letztendlich während eines kleinen Zeitfensters der Freiheit geboren, während dessen sich die Band sich in ein Lehmziegelhaus etwa zwei Stunden nördlich von Melbourne zurückzog, das von der Großfamilie Russo in den 1970er Jahren gebaut wurde. Dort nahmen die 12 Tracks Gestalt an, die so sehr von der Akustik und dem Ambiente des weitläufigen Hauses am See geprägt waren, dass die Band beschloss, das Album dort aufzunehmen (und das Haus auf das Albumcover zu setzen). Zum ersten Mal hat die Band das Album selbst produziert (zusammen mit dem Tontechniker, Kollaborateur und alten Freund Matt Duffy). Das Ergebnis ist eine Sammlung von Songs, die vom Geist des Ortes durchdrungen sind, unterstrichen von Feldaufnahmen von Regen, Feuer, Vögeln und Wind.

Release 20.5.2022

Auch als Tape erhältlich (CHF 21.90)

Debütalbum des neuen Rock/Power-Pop-Projekts von Metz-Gitarrist/Sänger Alex Edkins. Mit Gastbeiträgen von Loel Campbell (Wintersleep, Holy Fuck), Chad VanGaalen, Alicia Bognanno (Bully). "Weird Nightmare" präsentiert eine neue Seite von Edkins' bereits etabliertem Songwriting mit einem rauen, zuckersüßen Hauch von verzerrtem Pop. Man stelle sich vor, The Amps würden Big Star covern oder als wenn die herrlich zischenden Miniatur-Epen der klassischen Guided by Voices mit dem Bombast von Sugar zu "Copper Blue"-Zeiten kombiniert würden - einfach tonnenweise Verzerrung mit der Art von Melodie, die in dem Moment begeistert, in dem man sie hört

Release 20.5.2022

Schon seit Jugendjahren ist es eine wachsende Leidenschaft von Bridie Monds-Watson (they/them), ihr Leben in Fotos und Videos zu dokumentieren. "I hate the idea of getting older and forgetting, or having a family and not being able to perfectly explain a memory or a feeling. I always want to remember exactly how I felt at a certain moment," erklärt Bridie. Und in diesem Zuge steht auch der Nachfolger des Mercury Prize-nominierten Debüts "Before We Forgot How to Dream" (2015), sowie des 2019er "Grim Town", den SOAK als "song-memories" beschreibt. So hielt Bridie die Erlebnisse und jedes neue private Kapitel während der Pandemie fest, als sich die Zeit ellenlang zog und sich jeder Tag zu gleichen drohte. Den Schreibprozess meisterte Bridie mit dem langjährigen kreativen Partner Tommy McLaughlin, während sie Indie-Rock-Bands wie Broken Social Scene, Pavement oder den Radiohead Klassiker "The Bends" hörten. Dann kamen erstmals alle Mitglieder der SOAK-Live-Band zu den Aufnahmen in den Attica Studios in Donegal hinzu - nach all der Zeit in einsamer Isolation, hört man die Euphorie, die sich aufgrund des Zusammentreffens im Studio breit machte, in jedem Song. Bridie gelingt es, darauf sowohl verspielt, als auch selbstsicher zu klingen, während das Album das Thema Identität von mehreren Sichtwinkeln beleuchtet. Die Lyrics sind dabei sowohl höchst persönlich, als auch universal.

Release 20.5.2022

Drittes Album von einer der vitalsten neuen Stimmen in der alternativen Musikszene in Großbritannien. Wenn ihr zweites Album "Every Bad" die zitronenscharfe, herzliche Ehrlichkeit von Frontfrau Dana Margolin etabliert hat, dann treibt "Waterslide, Diving Board, Ladder To The Sky" diese Ehrlichkeit eingängig in neue, hymnische Höhen. Die erste Single "Back To The Radio" ist auch der Album Opener, ein kraftvoller Aufruf zu den Waffen, der Margolins Text über Panik und Abschottung - "lock all the windows and march up the stairs" - mit einem mitreißenden Refrain kontrastiert.

Release 13.5.2022

Noch nicht einmal ein Jahr nach ihrem letzten Album "Delta Kream", das in Deutschland Platz 3 der Charts erreichte, kündigen The Black Keys ein neues Werk an. "Dropout Boogie" nennt sich das insgesamt 11. Studioalbum der beiden ziemlich besten Freunde Dan Auerbach und Patrick Carney aus Akron, Ohio. Es erscheint am 14. Mai, zu den Gästen zählen unter anderem Billy F. Gibbons (ZZ Top), Greg Cartwright (Reigning Sound) und Angelo Petraglia (Kings of Leon).

Wie bei all ihren bisherigen Veröffentlichungen, schrieben Dan Auerbach und Patrick Carney auch dieses Mal sämtliche Songs gemeinsam im Studio. Auch ein paar erste Takes sind wieder dabei, was klanglich an den minimalistischen Bluesrock ihrer Anfangstage und die allerersten Sessions in den Kellern von Akron, Ohio erinnert.

Nachdem sie erste Ideen gemeinsam in Auerbachs Easy Eye Sound Studio in Nashville skizziert hatten, holten die beiden ihre neuesten Albumgäste zu den eigentlichen "Dropout Boogie"-Sessions dazu – Billy F. Gibbons, Greg Cartwright und Angelo Petraglia. Während The Black Keys früher regelmäßig den Producer Danger Mouse als Co-Songwriter ins Boot holten, öffneten sie den Prozess zum allerersten Mal für mehrere Co-Autoren gleichzeitig. Cartwright und Petraglia sind bereits auf der ersten Single „Wild Child“ zu hören.

Release 13.5.2022

Das 5te Album der Band beeindruckt mit der stimmlich auch hier wieder in einer eigenen Liga singenden britischen Sängerin Florence Welch. Der Albumtitel spiegelt sich in einem Song wie "My Love" wider, der ihren überirdischen Gesang im Bett von dancy Beats, aber auch Orchester und Bandinstrumentarium zum Strahlen bringt. Dagegen gallopiert "Free" im Uptempo rockig mit massivem Band-Unterbau, der an Arcade Fire erinnert. In "King" agiert Florence ebenfalls mit stimmlicher Präzision und einem hohen Grad an Emotionalität zu Unterboden-Bass und dunklen Klavier-Chords, auch Orchesterinstrumente spielen eine wichtige Rolle bei dem Song.

Release 13.5.2022

Morbys siebtes Album ist ein Loblied auf Americana, ein viszerales Leben und Tod, Blut auf der Leinwand. Der kreativ gestärkte Songwriter hat es geschafft, seine besten Songs, seine besten Gesangsleistungen, seine prägnantesten Texte und seine üppigsten Arrangements auf This Is A Photograph zu vereinen. Die Geschichte beginnt im Januar 2020, als Morby im Keller seines Elternhauses in Kansas City geistesabwesend in einer Kiste mit alten Familienfotos blättert. Nur Stunden zuvor war sein Vater bei einem Familienessen vor seinen Augen zusammengebrochen und musste ins Krankenhaus gebracht werden. In dieser Nacht spürte er noch immer den Schock und die Angst, die ihm in den Knochen steckten. Also sah er sich die Bilder an, bis ihm eines davon ins Auge sprang: sein Vater als junger Mann, stolz und stark und voller Selbstvertrauen, der mit freiem Oberkörper auf einer Wiese posiert. "In the photo he looks young and full of confidence, puffing his chest out at the camera as if he were looking for a fight," erklärt Morby "It was not lost on me that this was the same chest, just hours before, I had seen the ambulance put a stethoscope against as he lay on the kitchen floor of my sisters house." Während sein Vater wieder zu Kräften kam, grübelte er über diese Gedanken nach. Und dann machte er sich auf den Weg nach Memphis. Er zog in das Peabody Hotel und verbrachte seine Tage damit, den Träumern, die er bewunderte, Tribut zu zollen und sich vor ihnen zu verneigen; er ging hinunter zum Ufer des Mississippi, zu der Stelle, an der Jeff Buckley sein Ende fand. Er schlenderte durch das Viertel, in dem Jay Reatard seinen letzten Tag verbrachte, und fuhr dann am Stax-Zelt vorbei, um seine Stimmung kurz aufzuheitern. Dann fuhr er an Graceland vorbei, bevor er den Highway 61 überquerte und die Geister zu sich rufen ließ, um seine eigenen Träume zu gestalten. Abends kehrte er in sein Zimmer zurück und hielt seine Ideen auf einem behelfsmäßigen Aufnahmegerät fest, das nur aus seiner Gitarre und einem Mikrofon bestand. Die schwermütigen Songs, die zu all dem passen, was er gesehen hatte, sprudelten nur so aus ihm heraus.

Release 13.5.2022

Die Monophonics laden herzlich zur großen Wiedereröffnung des legendären Sage Motels ein, einer einst blühenden und pulsierenden Einrichtung. Ein Ort, an dem die Menschen die Höhen und Tiefen der menschlichen Existenz erleben. Ein Ort, an dem große Träume und gebrochene Herzen leben, an dem Menschen ankommen, ohne jemals zu wissen, wie sie dorthin gelangt sind. Es ist ein Ort, an dem sich Menschen an einem Scheideweg ihres Lebens wiederfinden. Was in den 1940er-Jahren als malerische Raststätte für Reisende und Trucker begann, entwickelte sich in den 1960er- und 1970er-Jahren zu einem Treffpunkt der Bohemiens. Künstler, Musiker und Vagabunden aller Art kehrten dort ein, während die zwielichtigen Besitzer unverschämt viel Geld in hochwertige Renovierungen steckten und schließlich einige der bekanntesten Künstler der damaligen Zeit anlockten. Doch als das Geld ausging, verwandelte sich das Sage Motel in einen Ort, an dem man stundenweise mietet. "Sage Motel", das fünfte Studioalbum seit 2012, erzählt diese Geschichte. Erneut von dem brillanten Bandleader Kelly Finnigan produziert, fängt das Album einen zeitlosen Sound ein, der schweren Soul mit Psych-Rock mischt.

Release 13.5.2022, Vinyl am 3.6.2022

Lyle Lovett kehrt mit seinem ersten neuen Album seit über 10 Jahren zurück, "12th of June", das bei Verve Records erscheinen wird.
Das Album ist eine fantastische und eklektische Sammlung von neuen Originalsongs und beliebten Interpretationen, die sowohl bestehende Fans erfreuen als auch neue einladen werden.
Die makellose Aufnahme unterstreicht die Dynamik von Lyle und seiner Large Band - und ihre einzigartige Fähigkeit, mit unheimlicher Anmut und Geschicklichkeit von einem Genre zum nächsten zu wechseln.
Von wunderschönen akustischen Balladen bis hin zu swingenden Big-Band-Nummern wird dieses Album die Zuhörer daran erinnern, warum Lyle ein nationaler Musikschatz ist.

Release 13.5.2022

Auch als Ltd.-180g Deluxe Vinyl-Edition erhältlich (CHF 35.90)

6 Jahre nach dem Vorgänger III (2016) melden sich Apparat (Sascha Ring) und Modeselektor (Gernot Bronsert und Sebastian Szary) mit ihrem gemeinsamen vierten Album als Moderat zurück. Das Berliner Trio zieht uns mit ihrer unverkennbaren Soundästhetik sofort wieder in ihren Bann. Emotionsgeladener Pop mit sphärischen Melodien und überirdischen, fragilen Gesang trifft auf pulsierende Soundscapes. Das Album ist eine musikalische Reflexion der letzten zwei Jahre, in denen Isolation und mediale Informationsflut zum permanenten Grundrauschen geworden sind. In einer Zeit, in der wir pausenlos mit Content bombardiert werden und kulturelle Debatten auf Plattformen geführt werden, die mehr Interesse an unseren Daten haben, als an der Kunst, kann man sich schnell überfordert und desillusioniert fühlen.

Im Zuge der Veröffentlichung der Studioversionen von "The Lightning" haben Arcade Fire ihr sechstes Studioalbum "We" angekündigt, das am 6. Mai erscheint und ab sofort vorbestellt werden kann. Die Platte wurde unter anderem von Nigel Godrich, einem langjährigen Radiohead-Produzenten produziert.
Über das neue Album sagte Butler, es sei "die längste Zeit, die wir jemals ununterbrochen mit dem Schreiben verbracht haben, wahrscheinlich sogar die längste überhaupt".

Release 6.5.2022

In einer neuen Dimension bewegt sich Van Etten auf ihrem 6ten Album, gehüllt in cineastischen Glanz und umgarnt von eigener umfangreicher Produktion, die ihren die Seele berührenden Gesang in den Vordergrund stellt und die Multi-Instrumentalistin in einem abwechslungsreichen, vielschichtigen Look zeigt. Sharon komponierte mit Gitarre, Synthesizer, Klavier, Drum-Machine, Wurlitzer, Orchester-Keyboards und mehr und nahm in ihrem neu gebauten Studio im Haus ihrer Familie in Los Angeles auf. unterstützt von ihrer Tourband. Entsprechend switchen die Songs zwischen Songwriter-Intimität, elegischer Orchestralität, dynamisch aufschichtender Grandezza und federndem, aber auch von sehnsuchtsvoll einwirkender Melancholie durchzogenem Indie-Pop, was die perfekte Umsetzung und Umgebung für das als roter Faden dienendeThema des Umgangs mit Trauer paßt

Release 6.5.2022

Das zehnte Studioalbum ist ihr erstes richtiges Album seit sieben Jahren. Das mag jeden überraschen, der die jüngsten Aktivitäten der siebenköpfigen Band aus Glasgow verfolgt: es gab eine Trilogie von EPs; ein Soundtrack für das Regiedebüt von Simon Bird (The Inbetweeners); The Boaty Weekender (ein viertägiges Musikfestival mit 3000 Zuschauern auf einem Kreuzfahrtschiff im Mittelmeer), ein Live-Album und 2020 ein gemeinsames Projekt mit ihren Fans namens "Protecting The Hive". "A Bit Of Previous" ist ein klassisches Belle and Sebastian Album mit Songs und Melodien, die einem nicht mehr aus dem Kopf gehen und wunderbaren Lyrics. Es wurde von der Band selbst produziert und aufgenommen unter Mithilfe von Brian McNeil, Matt Wiggins, Kevin Burleigh und Shawn Everett. In mancherlei Hinsicht ist das Album eine Art Homecoming: Es ist das erst, das die Band seit 20 Jahren in ihrer Heimatstadt Glasgow aufgenommen hat (das letzte war 2000 "Fold Your Hands Child, You Walk Like a Peasant"). Was als pandemische Notwendigkeit begann (ursprünglich plante man Aufnahmen in Kalifornien), wurde für die Band eine Rückkehr zu ihren Anfängen. So wurde der Proberaum zu einem behelfsmäßigen Studio ausgebaut und man traf einige kreative Entscheidungen bei der Inneneinrichtung, um ihn pandemisch sicher zu halten. Auf "A Bit of Previous" setzen sich Belle and Sebastian mit dem Älterwerden auseinandersetzen und klingen dabei so frisch wie lange nicht mehr. Die verspielten und treibenden Arrangements zeigen einen Band in Höchstform und erinnern uns einmal mehr daran, warum man Belle and Sebastian so tief ins Herz geschlossen hat. Natürlich gibt es auch hier wieder diese klein-großen Pop-Momente. "Unnecessary Drama", "Talk To Me Talk To Me" und "Reclaim the Night" sind Hits, zu denen man auf Konzerten der Band zukünftig tanzen wird. Songs wie "Do it for your Country" sowie "Sea of Sorrow" erinnern hingegen an die "The Boy with Arab Strap"-Phase der Schotten

Release 6.5.2022

Auf ihrem 9ten Album bewegen sich die New Yorker durchweg am Rande der Tanzfläche, die sie aber immer wieder mal kurz für einen Drink an der Bar verlassen. Das Album entstand komplett am Computer, hört sich aber nicht durchweg so an, sondern besitzt durchaus auch den Charme, der !!! immer schon ausgemacht hat. Ein gewisser Minimalismus ist nicht von der Hand zu weisen, egal ob sie mit House-Beats spielen oder New York-typisch Funk oder auch ein bisschen Post-Punk und New Wave in ihren Songs aufblitzen lassen. Der Future-Dancefloor wird mit den MItteln alter elektronischer Ästhetiken aus den 80ern und 90ern beschossen, wobei !!! durchaus auch britische Einflüsse gelten lassen. Und der Opener "Normal People" ist gar ein aus dem Rahmen fallendes Akustik-Pop-Juwel, das aber von dem töften Disco-Knaller "A Little Bit (more)" mit verrückten Sounds funky aus dem Wohnzimmer geschoben wird, gefolgt von dem triphoppigen "Storm around the World" und dem Stakkato-House von "Un Puente". Läuft

Release 6.5.2022

Nachdem sich die afro-kubanisch französischen Zwillinge Lisa-Kaindé und Naomi Díaz 2015 auf ihrem selbstbetitelten Debütalbum mit ihrer Familiengeschichte, dem Tod und ihrer Herkunft beschäftigten und auf dem Nachfolger "Ash" (2017) von Rassismus, Weiblichkeit und Aktivismus sangen, schlagen sie nun das nächste Kapitel ihres musikalischen Schaffens auf. Mit ihrem neuen Album "Spell 31", das am 6. Mai auf XL Recordings erscheint, kehren sie zu ihren spirituellen Wurzeln zurück. Harmonie, Heilung und Magie sind die zentralen Themen von "Spell 31". Es ist kein Zufall, dass dieses Album gerade jetzt erscheint - in einer Welt, die dringend spirituelle Heilung benötigt. Die 10 Songs wurden von Ibeyi 2021 geschrieben. Produziert und aufgenommen wurde das Album mit XL Recordings-Chef Richard Russell, der auch an den beiden Vorgängern beteiligt war. Neben den Zwillingen sind darauf Jorja Smith, Pa Salieu, BERWYN, sowie Ibeyis Vater, Mutter und eine Neuinterpretation von Black Flags "Rise Above" zu hören. Mit der Albumankündigung erscheint die neue Single "Sister 2 Sister", die von ihrem Leben als Schwestern, sowie ihren Latinx Wurzeln inspiriert ist und ein Sample der Single "River" vom Debütalbum beinhaltet

Release 6.5.2022

Geschmiedet in den Feuern der Pandemie, erscheint Warpaints mit Spannung erwartetes neues Album. Die Band setzt ihre brillante, schöne Geschichte mit einer eigenen, sehr modernen Mythologie fort. War das Vorgängeralbum der Beginn des Erwachsenwerdens, so präsentiert "Radiate Like This" Warpaint in ihrer ganzen Pracht, ein leuchtendes Zusammenwachsen von Sound und Vision, das hartnäckig über die Entstehung hinwegtäuscht, denn das Quartett nahm die einzelnen Parts alle separat in verschiedenen Städten auf. "Es ist das erste Mal, dass wir ein Album auf diese Weise aufgenommen haben, aber auf eine seltsame Art und Weise hat uns das dazu gebracht, uns mit allem Zeit zu lassen", sinniert Kokal. Dieses neue Gefühl der ruhigen Zuversicht ist auf dem gesamten Album zu hören, in dem ruhigen, langsamen Aufbau der ersten Single "Champion", dem betörenden Push-Sog von "Proof", der zarten Komplexität von Tracks wie "Melting" und dem augenzwinkernden "Send Nudes". Es ist ein Album, das vor Ideen, Energie und - was am wichtigsten ist - vor großartigen Melodien strotzt.

Release 29.4.2022

Das zwölfte Studioalbum der Band und das erste seit dem 2016 erschienenen "The False Foundation", ist ein 17 Titel umfassendes Doppelalbum, das in den RAK-Studios in London mit Jérome Devoise, aufgenommen wurde. Als Spiegel der Welt im Jahr 2021 porträtiert das Album dabei nicht nur die individuellen und kollektiven Frustrationen und Herausforderungen der Band, sondern auch die Realitäten und täglichen Kämpfe aller Individuen. Eine dunkle Strömung treibt "Call To Arms & Angels" direkt zu Beginn an, das sich auf seiner Reise mit einer progressiven, absorbierenden Dynamik aufbaut, die in ästhetische Einfachheit umschlägt und dem Album so einen reizenden Kontrast verleiht - der uns an dunkle Zeiten, aber auch Momente der Ruhe erinnert.

Release 29.4.2022

Das neue Album zeigt die österreichischen Popkönige von einer etwas verträumteren, aber nicht weniger verspielten Seite. Die Raffinesse ihres Songwritings offenbart sich nicht so sehr in der Zackigkeit, sondern in einer in die Tiefe gehenden Griffigkeit mit denglischen Texten und einer grundsätzlich etwas in die Breite und Weite gehenden Haltung bei den gerne mit Reverb flirtenden Songs, in denen sich auch manchmal unterschwellig ein bisschen progressive Psychedelic im Kontext von New Wave-Pop in den instrumentalen Ausführungen Bahn bricht und generell die 80er gerne ein bisschen durch die Ritzen schimmern.

Release 29.4.2022

Produziert von Nick Launay & Adam Greenspan (Nick Cave, Yeah Yeah Yeahs, IDLES), kehrt die Band mit dem Song "Traps" zu dem rohen, hochoktanigen Sound ihrer frühesten Arbeiten zurück und liefert einen treibenden Post-Punk-Sound. Kele Okereke, Sänger, Songwriter und Gitarrist von Bloc Party, sagt über die neue Single: "Von dem Moment an, als wir 'Traps' schrieben, wussten wir, dass es das Erste sein sollte, was die Leute von diesem Album hören würden; wir spielten es bei Soundchecks auf unserer letzten Tour, bevor es fertig war und hörten, wie es in großen Räumen und unter freiem Himmel klang."

Release 22.4.2022

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Drittes Album der Band aus Dublin! Es gibt immer noch Anklänge an den stürmischen Rock'n'Roll ihres Debutalbums "Dogrel" und die düsteren Atmosphären von "A Hero's Death". Der dritte Teil ist jedoch viel umfangreicher und filmischer. Die neuen Elemente reichen von Chorharmonien über Drum 'n' Bass-beeinflusste Percussion-Grooves und irische traditionelle Musik bis hin zu elektronischem Dance-Rock. In einem Song ist das einzige Instrument dabei sogar nur ein Akkordeon. Fontaines D.C. sind immer noch in erster Linie eine gitarrenbasierte Band, befinden sich dabei in einem Zustand ständiger Weiterentwicklung. Das Ergebnis ist ein Album mit wechselnden Stimmungen, verblüffenden Einsichten, Reife und beträchtlicher emotionaler Wucht.

Release 22.4.2022

Dritter Band der Reihe "Songs of Townes Van Zandt", die 2012 gestartet wurde und in der verschiedene Künstler Songs von Townes Van Zandt covern. Dieses Mal mit Amenra, Cave in und Marissa Nadler.

Release 22.4.2022

Auch als Ltd.-Vinyl-Edition erhältlich (CHF 49.90)

Das neue Album wurde in elf verschiedenen Studios aufgenommen, wobei J Spaceman alias Jason Pierce selber insgesamt 16 verschiedene Instrumente einspielte und sich zudem Unterstützung von diversen Streicher- und Bläsergruppen, Chören, befreundeten Acts wie John Coxon oder auch seiner Tochter Poppy einholte - sodass schlussendlich mehr als 30 Personen am finalen Album beteiligt waren. Das Ergebnis ist eine der am meisten 'live' klingenden Aufnahmen, die Spiritualized seit dem Live At The Royal Albert Hall-Album von 1998 veröffentlicht haben, mit einem Sound der sich von Free Jazz, mit kreischendes Saxophonen und Klarinetten, über improvisierte chaotische Shoegazing-Wellen bis hin zu brodelndem Rock 'n' Roll und verträumten Ambientklängen erstreckt.

Release 15.4.2022

Das zweite Album der Gruppe Die Wände. Im Spätsommer 2021 ging es für die Band ins Studio Tutti nach Leipzig um nach "Im Flausch" erneut gemeinsam mit Alexander Günther (u.a. Mellie, Adrie, Molde, Go Lamboghini Go) ein neues Album zu produzieren und aufzunehmen. Aufbauend auf dem Nebeneinander von schroffem Noise und einladendem Pop auf dem Debütalbum sind auch die neuen Songs mal schneidend dissonant, dann wieder fesselnd hypnotisch oder melancholisch wohltönend - gepaart mit oft pointierten, assoziativen Texten. 14-minütige hypnotische Grooves (24h) treffen auf knapp zwei Minuten Powerpunk (Der Trick), dazwischen finden sich aber auch nahezu klassische Popsongs (Future Me). Alle Songs verbindet die seltsam unheimliche (Un-)Ruhe einer pandemischen Zeit.

Release 15.4.2022 (CD am 29.4.2022)

Der Retro-Soulster schenkt seine crispe Stimme auf dem 8ten Album eine 12 Songs umfassende Kollektion aus Candlelight-Balladen und Love-Songs, die wie aus einer längst vergangenen Ära klingen und jedes Herz erwärmen. Grandios mit rotem Plüsch in Szene gesetzt mit Streicheldrums, Bläsern, Orgel, exotischer Percussion, softem Backgroundchor, spanischer Gitarre, aber Hunter ist wieder mal der King of the Hearts mit seiner angerauhten Schmelzstimme.

Release 15.4.2022

Neue "Supergroup" bestehend aus John Reis (Hot Snakes, Drive Like Jehu, Rocket From The Crypt), Rob Crow (Pinback), Schlagzeuger Atom Willard, dessen Lebenslauf so lang ist wie ein Kassenzettel (Against Me!, The Offspring, Rocket From The Crypt, Danko Jones, Social Distortion & Angels And Airwaves) und Jordan Clark (Mrs. Magician, The Frights und The Soaks). Gemeinsam isolierten sie sich unabhängig voneinander während des damaligen Höhepunkts der Pandemie (Oktober 2020). Nach einer kurzen Zeit, in der Ideen hin- und hergereicht wurden, trafen sie sich zum ersten Mal als Gruppe im Singing Serpent Studio in San Diego mit Ben Moore an den Reglern und nahmen diese zehn Songs umfassende, selbstbetitelte Platte auf.

Release 15.4.2022

Das neue Album des Psych-Pop-Meisters Kurt Vile aus Philadelphia, der durch seine Fähigkeiten als Songwriter zu einem der gefeiertsten Rockkünstler seiner Heimatstadt wurde. Auch auf seinem neuen Longplayer setzt er seine Talente als Sänger, Songwriter, Multiinstrumentalist und Produzent in unerwartete Richtungen ein - das Ergebnis ist ein lebendiges und doch meditatives Album, das von Viles entspanntem Charme und seinem neugierigen Geist getragen wird: "Es geht um Songwriting. Es geht um Texte. Es geht darum, Herr über alle Bereiche der Musik zu sein", sagt er über sein neuntes Album. "(watch my moves)" stammt aus einer Zeit, in der Vile an einem Ort blieb, sein Geist jedoch war immer in Bewegung. Er tüftelte an pointillistischen Texten, erdachte spitze Refrains und schaute in andere Dimensionen. "Meine Lieblingsbeschäftigung ist es heutzutage, morgens nach dem Frühstück am Fenster zu sitzen, Kaffee zu trinken, zu lesen und Sun Ra zu hören, während die Sonne durch die Bäume des Waldes scheint", sagt Vile. "In diesem Moment ist das alles, was ich je brauchen werde, um zu reisen. Diese Platte verkörpert all das - zwei Jahre verstreichen zu lassen und die ganze Zeit nur in meinem Kopf, am Klavier oder mit meiner Gitarre zu reisen.

Release 8.4.2022

Viertes Album von Mr. Jack White, demThird Man-Labelboss und der ehemaligen White Stripes-Hälfte! Jack White war überaus produktiv in den letzten Jahren und hat durchgehend Musik geschrieben und aufgenommen. Mit "Fear Of The Dawn" und dem für Juli 2022 avisierten Nachfolger "Entering Heaven Alive" hat der Musiker aus Nashville zwei völlig unterschiedliche Alben geschaffen, die jeweils von unterschiedlichen Inspirationen, Themen und Stimmungen geprägt sind. Geboren und aufgewachsen in Detroit als jüngstes von zehn Geschwistern, zieht sich Jack Whites utilitaristischer Ansatz durch seine gesamte Arbeit, von der Eigenproduktion seiner Musik bis hin zu dem von ihm gegründeten Third Man-Imperium (zu dem derzeit ein Presswerk, ein Plattenlabel, ein Fotolabor, eine Lounge/Bar und mehr gehören), verschiedenen anderen Kunst- und Designtätigkeiten sowie allem anderen, was seinen Schreibtisch kreuzt. Mehr als ein Vierteljahrhundert nach Beginn seiner professionellen Musikkarriere ist Whites Fähigkeit, relevante, fesselnde und ergreifende Kunst in seine Musik zu integrieren, unübertroffen.

Release 8.4.2022

Nachdem sie zwei der besten Singles des Jahres 2020 veröffentlicht hatten, wurden Rhian Teasdale und Hester Chambers von Wet Leg von ihrer Heimatinsel Isle of Wight in ausverkaufte Hallen und Festivalzelte in ganz Großbritannien katapultiert und sorgten überall für Begeisterung. Jetzt freut sich das Duo, neben der Ankündigung ihres Debütalbums "Wet Leg" das am 8. April auf Domino erscheint, auch zwei neue Songs vorstellen zu können. Die neuen Tracks heißen "Too Late Now" und "Oh No". "Too Late Now" zeigt eine eher introspektive Seite des Duos, wenn Teasdale gegen Dating-Apps und Fernsehen in einer chaotischen, trostlosen Welt wettert, bevor sie sich ironisierend darüber erhebt und sich für ein Schaumbad entschließt. Auf "Oh No" erkunden Wet Leg die deprimierenden Momente zwischenmenschlicher Kommunikation im digitalen Zeitalter. Das Album Wet Leg wurde von Dan Carey von Speedy Wunderground in London aufgenommen und produziert ("Chaise Longue" und "Angelica" wurden von Jon McMullen bzw. Josh Mobaraki produziert). Von Anfang an stand für Teasdale und Chambers bei Wet Leg der Spaß im Vordergrund, und ein trockener Sinn für Humor zieht sich durch das Album. "Ich wollte lustige Songs schreiben, ich wollte nicht zu sehr in traurigen Gefühlen schwelgen, ich wollte Sachen schreiben, die Spaß machen, zu hören und zu spielen", verrät Rhian. "Aber dann sickerte auch das Traurige durch." Wet Leg ist traurige Musik für Partygänger und Partymusik für traurige Menschen. Es ist kathartisch und fröhlich und punkig und schäbig und vor allem macht es Spaß.

Release 8.4.2022

Kate Tempest ist Meister:in ihrer Disziplin, dem Wort. Das Sprachwunder ist Bestseller-Autor:in, Poet:in und Songwriter:in, verbindet mühelos Rap, Lyrik und Literatur. Nach Kaes jüngster Arbeit an einem Theaterstück und Sachbuch ist es nun endlich Zeit für die Rückkehr zur Musik. Auf das 2019er Album "The Book of Traps and Lessons" folgt jetzt ihr fünfter Longplayer, der den Titel "The Line Is A Curve" trägt. Darin geht es um den Druck, dem wir ausgesetzt sind und die Chance der Erlösung, die er bietet. Kae Tempest ist unvergleichlich ehrlich in der Auseinandersetzung mit sich selbst, die das Ausnahmetalent in eindrucksvolle Poesie verwandelt.

Release 8.4.2022

Auch als normale Black Vinyl-Edition erhältlich (CHF 31.90)

Auf dem 10tem Album zelebriert die legendäre South-West-USA-Band aus Tucson um Joey Burns und John Convertino den Sound ihrer Heimat auf unwiderstehliche Weise und begibt sich in die Hände des Cumbia, nicht ohne Wüstengitarren und Mariachi-Bläser zu integrieren. Vor dem inneren Auge eröffnet sich bei jedem Song der Blick auf karge, weite, von Saguaro-Kakteen durchzogene Landschaft Arizonas. Famos ist dabei nicht nur das Titel-Song-Masterpiece, ein halb spanisch-halb-englisch gesungener, mit unwiderstehlichem Chicha-Groove und atemberaubend und detailreich inszeniertem Arsenal aus Geistersounds, Gitarre, Chicano-Streichern und -Gebläse gefertigter Song mit der guatemalesischen Songwriterin Gaby Moreno als Gast. Calexico feiern mit Twang- und Folk-Gitarren, süd- und mittelamerikanischen Einflüssen in der Hüfte, aber auch mit einem guten Schuss Indie-Pop im Blut das Leben.

Release 8.4.2022

Nach 10 Jahren Funkstille ein neues Album der Schweizer Band mit zwölf Tracks voller offener, agiler und sich entwickelnder Emotionen - wie mit einem scharfen und subtilen Messer geschnitten. Das Trio, bestehend aus Sami Benhadj Djilali (Gitarre und Gesang), Philippe Oberson (Bass und Gesang) und Christian Pahud (Schlagzeug und Gesang), entstand Ende des 20. Jahrhunderts in Lausanne. Als damals die Post-Rock-Szene aufblühte krönten Honey For Petzi diesen Prozess mit ihren packenden Rhytmen, schwachen Beats, Fallen und Synkopen. Diese Ästhetik hat im Laufe der Jahre über die herausragenden Alben der Band - insbesondere Heal All Monsters (produziert von Steve Albini) und Nicholson (2003), beide auf Two Gentlemen - mehrere Mutationen erfahren. Ende 2021 veröffentlichten Honey for Petzi mit 'Écoute' ein neues Stück: Die ungeraden Taktarten, die das bisherige Schaffen des Trios kennzeichneten, sind zwar vorhanden, werden aber durch eine einen befreienden Impuls ergänzt, den man so noch nicht gehört hatte. Grammatikalisch gesehen könnte 'Écoute' in zwei Kategorien eingeordnet werden: als Substantiv (die Handlung des Zuhörens), aber vielleicht auch als Imperativ. Dies impliziert: alles ist möglich. Und in der Tat: Dieser Track ist sowohl ein Vorspann als auch eine Einladung, das gesamte Album zu entdecken

Release 8.4.2022

Joshua Michael Tillman alias Father John Misty mit seinem fünften Album, das von August bis Dezember des 2021 von Tillman geschrieben und aufgenommen wurde, der dafür die langjährige Zusammenarbeit mit Produzent und Multi-Instrumentalist Jonathan Wilson wieder aufleben ließ. Auch Dave Cerminara kehrt als Toningenieur und Mischer zum kleinen Team zurück, das von Produzent Drew Erickson ergänzt wird. Die neuen Songs entstanden in Wilsons Five Star Studios im Osten von Los Angeles, die im späteren Verlauf mit diversen Streichern und Bläsern angereichert wurden, für die sich unter anderem Dan Higgins und Wayne Bergeron erkenntlich zeigen.

Release 8.4.2022

Das sechste Album des Wiener Elektro-Duos HVOB, bestehend aus Anna Müller und Paul Wallner - überzeugt über seine acht Stücke als ein wütendes, zärtliches, verletzliches und entschlossenes Abbild einer Generation auf der Suche nach Leben. Konzeptuell, inhaltlich und klanglich forscht das Album nach Extremen. Klanglich bedeutet das, einen Raum zwischen Aufbruch und Rückzug auszuloten, zwischen Entschlossenheit und Selbstzweifel, der sich in düsteren Elektro- und Techno-Beats und sphärischen Soundwelten entlädt und über die Vocals der Produzentin eine zusätzliche Ausdrucksform finden.

Release 1.4.2022

Der Mond hat zugenommen und ist schlecht drauf. Auch schlechtgelaunt die Engel nebendran im Himmel, der nie blau ist, sondern scheisshell wie ein Spital. Haben die Theodizee längst recht pragmatisch geklärt, die Engel und sagen: Gott hm. Und dann können sie nur C-Dur, stinken nach Rosen, es ist zum Davonlaufen – aber wohin? Durchwegs OK Bummer auf dem neuen allerersten Bandalbum von King Pepe und Band: Entstanden in den jeweiligen Daheims der für den Job eigentlich viel zu talentierten Musiker:innen, heisst das Terroir endlich wieder Bühne, gesungen wird endlich wieder bittersüss, im königlichen Jammertimbre und auch im Chor. Endlich: Ewigkeit? Abfahren.

Release 1.4.2022

Aus neu aufgenommenene Coverversionen bestehende Sammlung von Songs von von David Bowie, Neil Young, Gram Parsons, The Rolling Stones, Bob Dylan, Gordon Lightfoot, Vic Chesnutt und The Cure, die großteils schon länger zum Repertoire der Band gehören.

Release 1.4.2022

Auch als normale 2LP-Edition erhältlich (CHF 39.90)

Das letzte Album "Getaway" der US-Amerikaner ist bereits über sechs Jahre her. Bei der neuen Platte handelt es sich um das nunmehr elfte Studio-Album der Band um Frontmann Anthony Kiedis. Es ist das erste gemeinsame Album mit dem ehemaligen Band-Gitarrist John Frusciante seit 2006, der bereits vor drei Jahren zur Band zurückkehrte. Während der aktuellen Aufnahme-Sessions versuche die Band nicht den Sound zu reproduzieren, den man von RHCP-Klassikern wie "Blood Sugar Sex Magik" und "Californication" kennt, beteuert Drummer Chad Smith: "John war seit 10 Jahren nicht mehr in unserer Gruppe; das ist eine lange Zeit. Es klingt wie die Red Hot Chili Peppers, aber es ist anders und neu, und das finde ich großartig.

Release 1.4.2022

Zeitgemäßer American Soul mit Rock'n'Roll-Spirit und einem Hauch von Retro. Nummer zwei des GRAMMY®-nominierten Produzenten- und Songwriting-Duos Zach Cooper und Vic Dimotsis. Für Fans von: The Black Pumas, Alabama Shakes, Daptone Records.

Release 1.4.2022

Erstes Album seit 15 Jahren der schwedischen High Energy Rocker! "Eyes Of Oblivion" enthält absolut süchtig machende Melodien mit all den saftigen Riffs und dem unverblümten Auftreten, das man sich erhofft hat, gekrönt von fesselnden Hooks, die einem nicht so schnell aus dem Kopf gehen werden. Produziert von Nicke Andersson & Chips Kisbye (der jedes Hellacopters-Album seit "High Visibility" im Jahr 2000 betreut hat), wird es das erste Album der Band seit der Veröffentlichung ihres vorläufigen Abschiedsalbums "Head Off" im Jahr 2008 sein.

Release 25.3.2022

Das vierte Album der Afrofuturisten startet nachdrücklich mit dem druckvollen, von wildem lautmalerischem Prediger-Gesang, dark Juno-Synths und klasse Percussion angetriebenen "Protection from Evil" voll durch, auch im Anschluss beeindruckt der elektronische Afro-Funk der Londoner durch seine Wucht und elektrisiert mit hoher Spannung. Von Distortion-Sounds, analogen Synths und Acid-Elementen aufregend durchsetzt, von peitschenden Drums angetrieben und von mal predigendem, mal beseeltem, mal mit afrikanischer Melodik spielendem Gesang getoppter kaleidoskopischer Sound extraordinaire. Die Produktion von Hot Chip trug sicher einiges zur Klasse des Albums bei, in dem Einflüsse von Grace Jones, William Onyeabor, Tom Tom Club, Jon Hassell's "Fourth World," oder Bootsy Collins Resonanz finden.

Release 25.3.2022

Auch als Tape erhältlich (CHF 19.90)

Gegründet Mitte der 90er Jahre, zählen Placebo zu den prägenden Bands der letzten 25 Jahre und gelten als Visionäre ihres Genres. Mit dem Song "Beautiful James" meldete sich die Band um Sänger Brian Molko erstmals wieder zurück. "If the song serves to irritate the squares and the uptight, so gleefully be it. But it remains imperative for me that each listener discovers their own personal story within it - I really don't want to tell you how to feel", so Molko. Was aus einer Schlaflosigkeit heraus lediglich mit Fotografien und einem Songtitel begann, der ein ganz bestimmtes Gefühl bei der Band hervorrief und somit die musikalische Anmutung des Werkes vorbestimmte, resultiert in einem Song, der ebenso kraftvoll wie zart ist. Während "Beautiful James" es sich als eine Art Botschaft des Trotzes zum Ziel gesetzt hat, nicht-heteronormative Beziehungen zu normalisieren und zu feiern, geht es in dem Song "Surrounded By Spies" um weitere politische und gesellschaftliche Missstände.

Release 1.4.2022

Mit ihrem 4AD-Debüt, ihrem zweiten Album "Party", wurde die Neuseeländerin Aldous Harding 2017 zur gefeierten Newcomerin. Der Nachfolger "Designer" aus 2019 manifestierte sie zum Ausnahme-, oder um den Musikexpress zu zitieren, sogar zum Jahrhundert-Talent! Vielleicht auch deshalb, weil ihre Musik ihr immer wieder Vergleiche mit ganz Großen, wie PJ Harvey einbrachte. Das kam nicht von ungefähr. Schließlich arbeitete, die für ihre exaltierten Live-Auftritte bekannte Songwriterin, ebenfalls mit Harveys Produzent John Parish zusammen. Aber auch Nico, Cate La Bon oder Nina Simone fallen als musikalische Referenz für das eigensinnige Songwriting von Hannah Sian Topp, wie Aldous Harding mit bürgerlichen Namen heißt. Fernab vom Namedropping geht Aldous Harding weiter ihren Weg, kreiert ihren ganz eigenen Sound, schichtet die Melodien und verrückt die Gefühle - wieder dabei als Produzent: John Parish. Gemeinsam arbeiteten sie am neuen Album "Warm Chris" und erschaffen dabei den nächsten entrückten Klassiker einer außergewöhnlichen Diskographie. Sukzessive ist Aldous Harding selbst auf dem Weg zu einer großen Künstlerlinnen.

Release 25.3.2022

Das neue 7te Album des "German Wunderkind" Konstantin Gropper aka Get Well Soon. Nachdem er im letzten Jahr den Soundtrack des Netflix-Hits "How To Sell Drugs Online Fast" lieferte, wendet sich der 39-jährige nun wieder zu seiner anderen Berufung zu: Get Well Soon. Sein neues Werk folgt auf den Feuilleton-Liebling "The Horror", das 2018 für viel Begeisterung mit seinen düstere-orchestralen Songs sorgte. Das neue Album "Amen" ist - man kann es kaum verstecken - ein Corona-Album, in dem der sonst so düster getriebene Konstantin Gropper eines überrascht entdeckt: er ist Optimist. Es erwartet uns ein gewohnt reich orchestriertes und arrangiertes, und dennoch ungewohnt positives, temporeich-tanzbares Album, dass die besten Vorraussetzungen zum Kritikerliebling mitbringt. Neben zahlreichen EP's ist es das siebte Album seiner Diskographie und verspricht, ein ebenso beeindruckendes Werk zu sein, wie seine Vorgänger.

Release 18.3.2022

Ihren ursprünglich im Folk angesiedelten Sounds fügte Delia Meshlir in ihrer neusten EP «Almost Spring» einen guten Schuss Psychedelic-Rock hinzu – das neue Album erscheint am 18. März. Sonnendurchflutete Sounds, verträumt und sinnlich, Dream-Pop in schönster Manier. Dazu singt die Lausannerin von grossen Gefühlen mit ihrer Stimme, die sanft und wärmend klingt, so dass selbst der grösste Konzertraum zum kuschlig-dunstigen Tête-à-Tête schrumpft.

Release 18.3.2022

Gegründet in der Kleinstadt Denton, lieferten Midlake 2004 mit 'Bamnan and Slivercork' ein vielversprechendes Debüt, das 2006 mit 'The Trials of Van Occupanther' einen Nachfolger bekam, der 15 Jahre später durchaus als moderner Klassiker angesehen werden kann. 2010 begaben sich Midlake für 'The Courage of Others' in düstere Psych-Folk-Gefilde, ehe Tim Smith die Band verließ und Eric Pulido die Rolle des Leadsängers für das bis dato letzte Album übernahm. 'For the Sake of Bethel Woods' wurde von John Congleton mit vielschichtiger, liebevoller Perfektion produziert - ein Album von durchdringender Wärme und Mysteriösität einer Band, die von der Sehnsucht nach etwas Geheimnisvollem, nach einem Ort der Hoffnung und Optimismus angetrieben ist. Verlust und Entschlossenheit, Isolation und Gemeinschaft, das Streben nach Zielen und das Aufgeben dergleichen, ziehen sich als zeitlose und prägnante Themen durch das gesamte fünfte Album, das der Band eine neue Zukunft eröffnet und gleichzeitig die traditionsreiche Geschichte würdigt

Release 18.3.2022

Das unter der Ägide des in Detroit ansässigen Producers und Musikers Black Milk entstandene 10te Album legt über dreißig Jahre nach ihrem Debüt erneut ein ganzes Pfund obendrauf. "Dieses Album stellt die Rückkehr zu unseren Wurzeln dar", kommentiert Sen Dog. "Schon damals waren wir stolze HipHopper; und wir haben alles gesehen und alles erlebt. Wir sind stolz darauf, ein Teil der HipHop-Industrie zu sein. Unser Ziel war, eine direkte HipHop-Verbindung einzugehen.“ Mit "Bye Bye" legen sie zudem vora einen düster-perkussiven Track vor, auf dem der in Michigan geborene, aufstrebende Rapper Dizzy Wright zu hören ist, der einen unschlagbaren Vers über den Preis der Gewalt beisteuert.

Release 18.3.2022

The Fantasy Life of Poetry & Crime" ist eine weitere betörende Linkskurve vom Ex-Libertines-Sänger Peter Doherty, der sich einmal mehr über die Kritiker hinwegsetzt, die ihn abgeschrieben haben, und sein bisher bestes Werk vorlegt. Peters geschickte Lyrik in Kombination mit Frederics frankophonen musikalischen Arrangements ist eine himmlische Verbindung. "The Fantasy Life of Poetry & Crime" wurde während des Lockdowns geschrieben und von Frédéric Lo produziert. Aufgenommen wurde es in Cateuil in Étretat (Normandie) und im Water Music Studio in Paris, gemischt wurde es von François Delabrière im Studio Moderne in Paris. Alle Texte stammen von Peter Doherty und die Musik von Frédéric Lo. Frédéric Lo ist ein französischer Musiker, musikalischer Leiter, Komponist, Arrangeur, Musikproduzent und Singer-Songwriter. Der in Paris lebende Lo ist vor allem für seine Arbeit im Duett mit Daniel Darc und für seine Zusammenarbeit mit Pony Pony Run Run, Stephan Eicher , Maxime Le Forestier, Christophe Honoré und Alex Beaupain bekannt.

Release 18.3.2022

So sparsam das dritte Album sich auch betitelt - den Acht Eimer Hühnerherzen gelingt ein explosives und vielschichtiges Wandergitarren-Feuerwerk mit Fuzzpedal und Overdrive. Das eigenwillige Trio um Sängerin Apocalypse Vega entwirft 15 Kapitel voll trockenem Realismus, unerwarteter Brüche und existenzialistischer Betrachtungen. Der Sound der freundlich sinistren Nylonsaiten-Punker hat sich mit vielfältigen Instrumenten und Ideen verbreitert - überraschend, irre, fragil und schön zugleich. Acht Eimer Hühnerherzen - drei viel zu charmante Handgranaten aus Berlin und Brandenburg, die so klingen, als wäre Punk wieder jung, nervös und voller Möglichkeiten. In der Special Edition kommt die LP mit farbigem Vinyl, bedruckter Innenhülle, schwerem Coverkarton, Download-Code und als Besonderheit gibt es ein Erinnerungsstück aus dem Acht Eimer Archiv.

Release 11.3.2022 (Vinyl 2-4 Wochen später)

Seit jeher ziehen sich die Themen Rückzug und Auflösung durchs Stahlberger-Universum, spielen Dystopie, Albtraum und Paranoia eine zentrale Rolle. Die Texte auf «Lüt uf Fotene» in eine direkte Verbindung zum Lockdown zu bringen, wäre daher zu kurz gegriffen. Viel eher ist ein beinahe beängstigender Umkehrschluss angebracht: so sind es doch exakt Manuel Stahlbergers leicht verschobene Alltagsbeschreibungen, die sich seit März 2020 auf Schweizer Strassen, in Städten und Dörfern manifestieren.

Nun gibt es die Welt gratis zum Mitnehmen, das Wasser steigt höher als die Hütte auf dem Berg und dagegen sein ist genauso gemütlich, wie dafür sein. Auch wenn es nur leichte Überzeichnungen eines besorgniserregenden Ist-Zustands der Welt sind: Es bleibt zu hoffen, dass «Lüt uf Fotene» in ein paar Jahren nicht ein ähnlich visionärer Charakter beigemessen werden muss wie seinen Vorgängeralben.

Release 11.3.2022

Fesselndes Debutalbum, das von dem unter die Haut gehenden, die Synapsen durchdringenden Gesang von Vicky Mettler genauso lebt wie von der speziellen Art und Weise, den intim-intensiven Gesang in sehr eigenem Songwriting zu einem orginellen Glanz zu führen. Avantgardistischer elektroakustischer Sound zwischen Electronic und Experimental-Rock, der wie geronnene Träume klingt. Schräge Gitarren mit mal Post-Punk-, auch Indierock oder Jazzgestus und elektronische Grundierungen und Akzentuierungen im Dialog mit der verschiedene emotionale Aggregat-Zustände auslotenden Stimme der aus Montréal stammenden Producerin, dazu gesellen sich auch Horror-Klavier, Orchesterinstrumente und eine Fülle digitaler und organischer Samples zur Illustration der sich auf ungewöhnliche Weise festsetzenden Songs. Ein innovatives Album, in dem sich abseitige Fantasie Bahn bricht. Irgendwo im Orbit zwischen Scott Walker, Björk, Matmos, Juana Molina, PJ Harvey und Coil.

Release 4.3.2022

Die Musik von YĪN YĪN aus Maastricht steht für Tanzbarkeit. Stark beeinflusst von südostasiatischer Pop- und Psychedelic-Musik der 60er- und 70er-Jahre bleibt ihr markanter Sound mit knackigen Basslines, jeder Mange Percussions, Voice-Samples und vielen anderen elektronischen Elementen auch auf ihrem zweiten Album klar erkennbar. YĪN YĪNs „The Age of Aquarius“ ist eine musikalische Einladung, sich vom Hier und Jetzt wegzuträumen.

Samples, elektronische Drums und Synthesizer spielen auf "The Age of Aquarius" eine stärkere Rolle als bisher und können als Begleiter der intergalaktischen und kosmischen Referenzen des Albums gedeutet werden, das ursprünglich den Arbeitstitel "In Space" hatte. So schaffen vor allem der Opener-Song "Satya Yuga" sowie das letzte Lied der insgesamt acht Tracks "Kali Yuga" einen sphärischen Rahmen, des sonst sehr perkussiven Albums. Gleichzeitig sind sie nach dem ersten und letzten Weltzeitalter des hinduistischen Yuga-Zyklus’ benannt, wobei letzteres für das schlechte Zeitalter steht, indem sich die Welt derzeit befinden soll. Verweise aufs Kosmische finden sich einige. Der funky Synthesizer-dominierte Song "Shenzhou V." trägt zum Beispiel den Namen der ersten chinesischen Raumfahrt-Mission mit Menschen an Bord im Jahr 2003.

Release 11.3.2022

Mit dem sechseinhalbminütigen "Almost Always" beginnt das Album mit einer grandiosen, aber bittersüßen Note. Es ist ein dezentes Intro, das Eva Kormans Gesang auf einem Bett aus hallgetränkten Gitarren gleiten lässt. Die traumähnliche Qualität der ersten Minuten des Tracks weicht einem gedämpften Klavier und es dauert nicht lange, bis die Rückkopplung langsam aus den Lautsprechern verebbt und die Leadsingle "Cloaked" die Oberhand gewinnt. Im Vergleich zum Rest des Albums ist es ein eher "sicherer" Track, der die meisten Merkmale eines Rolo Tomassi-Songs aufweist, doch von hier an kommt "Where Myth Becomes Memory" wirklich zur Geltung. Es gibt ein Gefühl von Energie und sprunghafter Dringlichkeit, das sich durch das gesamte Album zieht. Sei es in der delikaten Balance von "Mutual Ruin", wo dissonante Gitarren und furchteinflößender Gesang mit düsteren Klanglandschaften und nachdenklichen Texten gepaart werden, oder in dem schwindelerregenden Höhepunkt "Labyrinthine", das knüppelt, schwebt und dann noch mehr knüppelt. Das Album ist nicht so ausladend wie der Vorgänger "Time Will Die..." - es ist unmittelbar, intim und jede Sekunde verdient ihren Platz.

Release 11.3.2022

Die norwegische Musikerin und Schriftstellerin mit ihrem neuen Album. Gleichzeitig veröffentlicht sie die neue Single "Year of Love" samt Video. "Classic Objects" beschreibt eine Landkarte der Orte: vergangene Orte, wie die leeren Pubs in Melbourne, in denen Hvals Band früher spielte, oder öffentliche Orte, die sie während der ganzen Zeit des Lockdowns vermisst hat - aber auch imaginäre und zukünftige Orte aus Träumen oder fiebrigen Halluzinationen. "Classic Objects" ist Hvals ganz persönliche Version eines Pop-Albums. Jeder Song hat eine Strophe und einen Refrain, was den Liedern eine gefestigte Struktur gibt, was nicht unbedingt üblich für Hvals Musik ist. Heba Kadry hat das Album abgemischt. Ziel war es, dass "Classic Objects" klingen soll wie auf einer Stereoanlage in einem geheimnisvollen Raum.

Release 11.3.2022

E-L-Rs zweites Album "Vexier" oszilliert elegant zwischen samtener Dunkelheit und Ausbrüchen wilder Energien. Der Stil der Schweizer wird oft als "Doomgaze" oder "Post-Metal" bezeichnet, und beide Begriffe treffen durchaus auf die mäandernden Down-Tempo-Doom-Epen des Trios zu. E-L-R variieren und verzerren hypnotische Riffs in sich wiederholenden Schleifen, die an schamanische, mit psychedelischen Farbspielen durchtränkte Rituale erinnern. Ausdauernd und sorgfältig webt das Trio einen subtilen Klangteppich, dessen Motive in ein Labyrinth voller verschlungener Details und verborgener Schätze locken.

"Vexier" gibt seine Geheimnisse nicht so leicht preis, denn in seinen Klangschatten verbergen sich zahlreiche Details und überraschende Wendungen, so wie es der Albumtitel bereits andeutet. Dieser leitet sich vom lateinischen Wort "vexare" ab, was so viel wie "plagen, irritieren" bedeutet und sich im Begriff "Vexierbild" wiederfindet. Dialektal kann "Vexier" auch ein Geduldsspiel meinen.

E-L-R wurde 2016 in der Schweizer Stadt Bern von I.R. (Bass) und S.M. (Gitarre) gegründet, die beide auch den Gesang beisteuern. Bald gesellte sich der Schlagzeuger M.K. dazu, dessen gefühlvoller und komplexer Stil sich als die perfekte Ergänzung erwies. Ihr Debütalbum "Mænad" (2019) wurde von Fans und Kritikern gleichermaßen hoch gelobt.

Mit "Vexier" machen E-L-R einen weiteren entscheidenden Schritt nach vorne und laden auf eine abenteuerliche Reise durch ihren ebenso faszinierenden wie multidimensionalen musikalischen Kosmos ein.

Release 11.3.2022

Das sechste Album der Band aus Brooklyn, NY. Widowspeak mischen gekonnt Slow-Core, Dream-Pop, Indierock und Outlaw-Country zu einer Ästhetik, die sowohl an die 1960er als auch an die 1990er Jahre erinnert. Sanfte, treibende Balladen und twangige Songs, produziert von Chris Coady (Yeah Yeah Yeahs, Beach House). Für Fans von Cat Power, Big Thief, Hand Habits, Sharon Van Etten, Mazzy Star.

Release 11.3.2022

Die US-amerikanische Post-Punk-Band Bodega hat ein neues Album mit dem Titel „Broken Equipment“ angekündigt. Damit steht also der Nachfolger zum 2018 erschienenen Longplayer „Endless Scroll“ ins Haus. Und damit die Wartezeit bis zum Erscheinungstermin sich nicht so lang anfühlt, kann man sich vorab schon mal den Track „Doers“ anhören, zu dem es auch ein Musikvideo gibt.

Der Song dreht sich um das Eindringen des Diktats der Produktivität und Selbstoptimierung in die eigene Alltagswelt. „Irgendwann auf Tour gegen Ende 2019 las und sah ich eine Fülle von Selbsthilfebüchern und YouTube-Videos. Dies begann mit einem echten Wunsch nach spiritueller und körperlicher Verbesserung, aber ich bemerkte bald, wie überall Werbung die Sprache der Selbsthilfe benutzte. Ich wurde programmiert“, so Sänger und Gitarrist Ben Hozie. „Diese Ideologie der konstanten Produktivität zwingt eine*n dazu, den eigenen Körper, den Geist, die Zeit und Freund*innen wie Produkte zu behandeln und zu bearbeiten. Dadurch wird die Welt ein kleiner, langweiliger Ort.“

Das Musikvideo hat die Band in verlassenen Büro-Räumen des IT-Konzerns IBM, einem Fitness-Studio und einem Parkhaus gedreht. Darin ist die Band zu sehen, wie sie maskiert in ihre Smartphones quatscht und anscheinend Sprachnachrichten aufnimmt. Während ein Roboter-Arm, den wir auch auf dem Album-Cover wiederfinden, mit erhobenem Finger durch die Gegend wedelt. Ein treffendes Sinnbild für Leistungsdruck und Technokratie.

Release 25.2.2022

Der Titel des neuen Albums scheint vom gleichnamigen Muff-Potter-Song von deren Abschiedsalbum "Gute Aussicht" (2009) inspiriert. Das in New Orleans komponierte Album wurde von Max Rieger (Die Nerven) produziert, auch Drangsal hat daran mit geschieben hat. In dem gleichnamigen Song rappt Casper über seine mentale Gesundheit, Erwartungshaltung und den Druck, von dem er sich befreien will und wird dabei von mächtigen Dur-Klavierakkorden und Chor-Backgrounds mit New-Orleans-Einfluss begleitet.

Release 4.3.2022

Ein atemberaubender Nachschlag zum 2021er-Album "Ignorance" ist dieses in nur 3 Tagen aufgenommenes Album, das Tamara Lindemann unter eigenen Bedigungen auf eigene Kosten aufnahm, ohne ihr Label zunächst zu informieren. Dezent instrumentiert mit primär Klavier/Wurlitzer und Kontrabass (aber auch Gitarre, Sax, Klarinette oder Flöte von Musikern der Jazzszene aus Toronto, aber kein Schlagzeug) offenbart Weather Station hier eine unglaubliche gesangliche Reinheit, Brillianz und fast schmerzhaft schöne Intimität und Sensibilität in den auch textlich unter die Haut gehenden Songs.

Vinyl-Release am 18.3.2022

All Them Witches sind berüchtigt für ihre lauten und langen Liveshows. 2020 veröffentlichte die Band ihr von der Kritik gefeiertes Album Nothing As The Ideal. Normalerweise hätte sich der Veröffentlichung eine 18-monatige Tour rund um den Globus angeschlossen, doch wurden alle Tourpläne der Band durch die Pandemie durchkreuzt. Doch hielt das die Band nicht davon ab, sich in einem Studio zu versammeln, um für ihre Fans ein Live Set zu übertragen. 16 Songs bestehendes Set ist nun erhältlich auf Dreifachvinyl und kommt verpackt in einem wunderschön gebundenen, in Leinen gehüllten Gatefoldsleeve.

Release 4.3.2022

Auf das Debüt "Miss Universe" aus 2019, das mit einem Augenzwinkern die selbstverliebten Ecken der Gesundheits- und Wellness-Industrie aufs Korn nahm - folgte letztes Jahr die Drei-Song-EP 'Feeling Lucky?', die Yanyas Faszination für Alt-Rock-Melodien der 90er Jahre weiter auslotete und Themen wie Vorurteile, ihre Flugangst und das Konzept des Glücks aufgriff. Als Tochter zweier künstlerischer Elternteile (ihre irisch-barbadische Mutter ist Textildesignerin, die Gemälde ihres türkischstämmigen Vaters sind im Britischen Museum ausgestellt), wuchs Nilüfer bereits in einem kreativen Umfeld auf. Mit ihrem zweiten Album begibt sich die Londonerin nun auf die nächste Stufe ihrer ideenreichen Reise und stürzt sich kopfüber in die Tiefen ihrer emotionalen Verletzlichkeit. Es ist ein Album, das den Hörer zwingt, sich mit dem Unbehagen auseinanderzusetzen, das so viele der größten Herausforderungen des Lebens begleitet, sei es das Scheitern einer Beziehung, der Umgang mit Einsamkeit oder die Suche nach dem eigenen Ich. Die zwölf Songs wurden in einem Kellerstudio in Stoke Newington und bei Riverfish Music in Penzance mit Miss Universe-Mitarbeiterin und Produzentin Wilma Archer, DEEK Recordings-Gründer Bullion, Big Thief-Produzent Andrew Sarlo und Musiker Jazzi Bobbi aufgenommen.

Release 4.3.2022

Klanglich repräsentiert das 6te Album die Rückkehr zu ihrem frühen Werk und dem eher rohen Sound, dem sich Band Of Horses schon immer verpflichtet gefühlt haben. Mit "Crutch" erscheint vorab die erste Single aus dem Album, mit dem sich alle Fans einen ersten Eindruck der neuen Scheibe verschaffen können. "Crutch" verfügt über eine ähnlich symbolschwangere Ikonographie wie eine Frida Kahlo Lithographie und stellt ein wunderbares, Gitarren-getriebenes Meisterwerk dar, das deutlich macht, weshalb Band Of Horses zu den wichtigsten Bands ihrer Generation zählen.

Release 25.2.2022

Auch als Black Vinyl-Edition erhältlich (CHF 30.90)

Musik aus der Dämmerung, um die blaue Stunde zu zelebrieren. Eine grandiose Mischung aus Noir-Americana, Indie-Folk, verhangenem Sehnsuchts-Blues und schwermütigem Indie-Rock. Boah, die Stimme von Hannah Merrick lässt es immer wieder einem kalt den Rücken runterrieseln, ein in die Tiefe der Seele gehender Gesangsvortrag, der manchmal wegen einer leichten Affinität vielleicht mit Beth Gibbons von Portishead vergleichbar ist, oftmals aber auch in seiner flüsternden und intimen Art des Vortrags sehr individuell wirkt, vielleicht auch wegen des speziellen Sounds, in dem ihre Stimme erklingt. Eingebunden in eine Einsamkeits- Atmo zwischen psychedelischem Americana, klassischen Meistern wie Neil Young und einer David Lynch-artigen Surrealität, aber auch sich plötzlich erhebender Indierockgitarren-Grandezza. Craig Whittle´s Einfluss ist hier mindestens genauso groß auf diesem zum Sterben schönen Album.