doors 19.30 // showtime 20.00

GOLFJUGO:
Danis Kobilic und Band durchschreiten den Nebel der Gegenwart mit Songs, die sich alle nötige Zeit nehmen. Es sind Songs, die die Indie-DIY-Kulturen der Vergangenheit im Hier und Jetzt weiterspinnen; Gitarren-Songs, in denen die nahen Teenage-Kicks-Tumulte in vereinzelten Noisestürmen noch nachklingen. Vor allem singt und spielt golfjugo Songs, die mit detailreicher Instrumentierung und persönlichen Stories behutsam nach Wärme und Zuversicht suchen. Und sie immer wieder finden.
(B. Sartorius)

CLAIRE MY FLAIR:
Claire my flair schreibt, spielt und singt intime Songs und seziert komplexe Innenwelten musikalisch. Ihren Stil beschreibt sie als «sticky, balmy, cozy, cocoony type of Indie Folk padded with sweet melancholy». Musik zum Schwelgen und Schweigen, zum Wippen und Nicken.
(Radio GDS.FM)

Eintritt Kollekte

Release 20.2.2026

Nach Jahrzehnten der Vorfreude ist »Light-Years« das Ergebnis einer 30-jährigen Zusammenarbeit.

Die Partnerschaft zwischen Nas und DJ Premier ist fest in der DNA des Hip-Hop verankert. Ihre gemeinsame Geschichte begann 1994 mit Illmatic, aus dem Hits wie »N.Y. State Of Mind«, »Memory Lane« und »Represent« hervorgingen. Illmatic trug dazu bei, Nas als Talent seiner Generation zu etablieren und Premier's damals aufkeimendes Vermächtnis weiter auszubauen. Ihre Chemie vertiefte sich im Laufe des nächsten Jahrzehnts durch Klassiker wie »I Gave You Power«, »2nd Childhood«, »Nas Is Like« und »N.Y. State Of Mind Pt. II«.

»Light-Years« ist ein echter Beweis für den Einfluss und das Vermächtnis beider Künstler und die Zeitlosigkeit der Musik, die sie gemeinsam schaffen.

Release 20.2.2026

Black Sea Dahu erschaffen Musik, die sich anfühlt, als stünde man mitten in einem Gewitter – unmittelbar, lebendig. Im Zentrum steht Janine Cathrein, deren Stimme Trauer und Widerstandskraft in einem Atemzug vereint.

Die Schweizer Band bewegt sich zwischen Indie Folk, Chamber Pop, Filmmusik und Rock, ohne sich in Genres einzuordnen. Ihre neueste Single, »One Day Will Be All I Have«, ist ein leuchtendes Zeugnis der Trauer und des Mutes, den Cathrein nach dem Verlust ihres Vaters in sich trägt. Der Song entführt uns in einen Raum, in dem Trauer und Hoffnung miteinander verschmelzen, eingebettet in filmische Arrangements. Diese Single gibt den Ton an für das kommende Album »Everything«.

Ein Werk, das von Tod und Verwandlung, von der Suche nach dem eigenen Kern und von Magie spricht. Black Sea Dahu, bekannt für ihre fesselnden Live-Auftritte, haben sich zu einem der eindrucksvollsten Acts Europas entwickelt. Ihre Musik, die durch unerschütterliche Ehrlichkeit geprägt ist, schafft Räume, in denen sich Verletzlichkeit zeigen darf und füllt europaweit die Konzertsäle.

Release 20.2.2026

Erstes Album der legendären Musikerin, Produzentin, Regisseurin und Performancekünstlerin seit über 10 Jahren! Das Album ist ihre erste Veröffentlichung bei dem renommierten Independent-Label Kill Rock Stars. Die 11 neuen Songs sind eine freche, kompromisslose Mischung aus Elektronik, Dance, Punk, Industrial und Pop und bewegen sich an der Schnittstelle zwischen Persönlichem und Politischem, wo der Körper nicht nur als sexuelles und spirituelles Gefäß dient, sondern auch als Frontlinie im Kampf um grundlegende Menschenrechte. Peaches' Texte sind hier derb und explizit, gespickt mit beißendem Sarkasmus und cleveren Wortspielen, aber sie sind auch überraschend verletzlich und bieten einen ehrlichen Blick in den Spiegel einer queeren Ikone nach der Menopause, die sich mit einer Gesellschaft auseinandersetzt, die Schweigen, wenn nicht gar völlige Auslöschung erwartet. Das Ergebnis, aufgenommen mit dem Produzenten The Squirt Deluxe in Berlin, ist eine bewusst provokative Auseinandersetzung mit Identität, Sexualität und körperlicher Autonomie von einer feministischen Vorreiterin, ein einzigartiges Werk emotionaler und klanglicher Alchemie, das Poesie und Profanität gleichermaßen in Einklang bringt und alle Reibungen und Frustrationen des modernen Lebens in Freude und Transzendenz verwandelt. "Fuck Your Face" ist ein chantender, pulsierender Knaller der Lustsuche. Der Song folgt auf die kürzliche Veröffentlichung von "Not In Your Mouth None of Your Business" – einem "energetisierenden Kampflied für körperliche Autonomie in Form einer hämmernden Punk-Dance-Hymne" (Stereogum).

Release 20.2.2026

Kurz vor Schluss – und der Moment danach. Zwischen diesen beiden Taktbalken ein Film: opulent, zynisch, besänftigend. Eine Musik, als wäre sie aus der Zeit gefallen und hätte nirgends ihren Platz gefunden: nicht im Jetzt, nicht im Gestern und schon gar nicht im Morgen. Der titelgebende Black Swan: eine Laune der Natur, eine Anomalie, ein glücklicher Zufall. Mag sein, ein Garant für Good News ist er aber eher nicht. So düster die Prognose auch ausfallen mag, ein schnörkelloser Abgang sei einem hier vergällt. Der Himmel zwar verdunkelt, aber voller Geigen. Dazu ein glühender Sänger, ein Crooner gar, dem es nicht gerade abgelöscht zumute ist. Das ist Doomsday-Pop: immer schön, und immer schön nah am Abgrund. Und warum man sich in dessen Nähe nun allmählich geborgen fühlt, mag der Gewissheit geschuldet sein, ohnehin bald aus diesem Fiebertraum aufzuwachen. Der Schlusssong verrät: «if you won’t wake, you will sleep forever». Was folgerichtig klingt, wirft dennoch Fragen auf: Wo werde ich denn aufwachen? Und schlafe ich überhaupt…?
Black Swan, das Solo-Debutalbum von Thomas Schmidiger aka Tender Ender, der zuvor mit verzerrten Stimmbändern (Dead Bunny) auf sich aufmerksam machte, schickt sich nun in geschmeidigere Gewänder. Doch nicht umsonst, die ganzen Klavierlektionen als Erstklässler. Das Songbook von Elton John: verstaubt, aber nicht vergessen. Drei Dekaden später ist diese Fusion aus Kitsch, Wut und Sanftmut die logische Konsequenz. Thomas Schmidigers Stimme zeigt sich auf diesem Album verwandelt und überrascht mit erstaunlicher Sonorität. Deren Erkundungslust lässt vermuten, dass dies der Anfang einer längeren Reise ist.
Auf dem Album zu hören sind ausserdem Mario Hänni («Mnevis», Schlagzeug), Sabine Ruch (Gesang) und Manuel Egger (Mix). Das Albumcover stammt aus der Linse des französischen Dokumentarfilm-Pioniers Jean Painlevé.

Release 20.2.2026

Die Grammy- und BRIT-Award-Gewinner kehren mit ihrem sechsten Studioalbum zurück. Ihr letztes Album "Rushmere" erschien Anfang 2025 und landete in Großbritannien auf Patz #1 der Album Charts und bei uns in Deutschland auf Platz #5. "Prizefighter" wurde von Mumford & Sons und Aaron Dessner (The National) gemeinsam produziert und enthält unteranderem ihre Single mit Hozier "Rubber Band Man" und weitere Features von Gracie Abrams, Gigi Perez und Chris Stapleton.

Release 20.2.2026

Sechs Jahre nach seinem Grammy-nominierten Album „LP5“ wagt Sascha Ring – alias Apparat – mit seinem sechsten Studioalbum einen mutigen Blick auf die Komplexität des Lebens.

„A Hum Of Maybe“ ist detailreich, kunstvoll gestaltet und wunderbar unvorhersehbar. Im Kern dreht sich das Album um die Liebe – zu sich selbst, seiner Frau und seiner Tochter – und darum, sie festzuhalten, zu beschützen und sich immer wieder neu auszurichten, da sie sich in einem ständigen Wandel befindet. Wie der Titel bereits andeutet, erkunden die Songs das Gefühl, zwischen den Stühlen zu sitzen: kein klares Ja oder Nein, sondern ein „A Hum Of Maybe“.

Ring vereint auf elegante Weise die Perspektiven eines Elektronikproduzenten und eines klassischen Komponisten und arbeitet eng mit seinen langjährigen Weggefährten Philipp Johann Thimm (Cello, Klavier, Gitarre) zusammen, der das Album auch mitgeschrieben und mitproduziert hat, Christoph „Mäckie“ Hamann (Violine, Keyboard, Bass), Jörg Wähner (Schlagzeug) und Christian Kohlhaas (Posaune). Das Album enthält außerdem Gastbeiträge der armenisch-amerikanischen Künstlerin KÁRYYN – Apparats Labelkollegin bei Mute – auf „Tilth“ sowie des in Berlin und Rom lebenden Musikers Jan-Philipp Lorenz (alias Bi Disc) auf „Pieces, Falling“.

„A Hum Of Maybe“ ist komplex, zutiefst persönlich und beschreibt einen Zustand der Ungewissheit. Es markiert ein aufregendes neues Kapitel für Apparat.

Release 27.2.2026

Auf ihrem dritten Album »Amaro« lädt uns Bibi Club dazu ein, uns den dunklen Bestien zu stellen, die uns unter der Oberfläche verfolgen, und uns der therapeutischen Kraft eines starken Lebenswillens hinzugeben. Es erkundet das sensible Spektrum zwischen dem Hier und Dort und verweist auf Liebe, Natur und Gemeinschaft als verbindendes Ziel. Die Songs zeichnen eine Karte einer eigenen Welt und folgen dabei dem Weg, den die Bibis in den letzten Jahren eingeschlagen haben. Nun verlassen wir das Wohnzimmer und tanzen in einem mentalen Raum, der mit Trauer und Angst in ihrer rohesten Form überladen ist. Nach dem Tod zweier geliebter Menschen im letzten Jahr hallt das Mantra »Ich möchte lieben, ich möchte leben« intensiv in jeder Melodie nach; wenn das Herz ein Ort ist, der niemals stirbt, müssen wir es so schnell wie möglich erreichen.

Inspiriert von unvergesslichen künstlerischen Begegnungen, Tourneen mit Blonde Redhead und Circuit des yeux sowie einer Zusammenarbeit mit Calvin Johnson präsentiert sich Bibi Club nun mit Avant-Pop und Electronic Body Music mit Elementen von Dark Wave und Neofolk, wobei gleichzeitig barocke Klänge mit Cembalos, Trompeten und auswendig zu lernenden rituellen Gesängen einfließen.

Unterstützt von einer fürsorglichen Community, darunter der Saxophonist und Aktivist Dimitri Milbrun (George Sand) und die Singer-Songwriterin Helena Deland (A Different Light), ermöglicht Amaro Bibi Club, sich sowohl in intimer als auch in kollektiver Hinsicht zu definieren.

Release 27.2.2026

Auf ihrem achten Album "Nothing's About to Happen to Me" erzählt Mitski, musikalisch unterstützt von ihrer Band und einem Orchester, eine vielschichtige, verrätselte Geschichte, in deren Mittelpunkt eine Frau steht, die zurückgezogen in einem verwahrlosten Haus lebt. Außerhalb ihres Zuhauses ist sie eine Außenseiterin; innerhalb ihres Zuhauses ist sie frei. Mitski schrieb alle Stücke auf "Nothing's About to Happen to Me". Das Album, produziert und aufgenommen von Patrick Hyland und gemastert von Bob Weston, setzt die musikalische Linie von "The Land Is Inhospitable and So Are We" (2023) fort. Eingespielt wurde es live von Mitskis Tourband The Land. Die Orchesteraufnahmen, arrangiert von Drew Erickson fanden in den Sunset Sound und TTG Studios statt, die Tontechnik übernahm Michael Harris. Mitski ist "die faszinierendste und geheimnisvollste Musikerin des Indie-Rock" (Rolling Stone), die sich "immer wieder auf brillante und wunderbare Weise weiterentwickelt" (NPR Music). Im Laufe ihrer Karriere hat sie bislang sieben Alben veröffentlicht, vier davon erreichten Goldstatus. Ihr Stück "My Love Mine All Mine" ist ein Welthit und erreichte Vierfach-Platin. Zu Mitskis vielfältigen Kollaborationen mit anderen Künstler:innen zählen zwei Co-Writing-Beiträge für das aktuelle Florence and the Machine-Album "Everybody Scream", sowie eine Zusammenarbeit mit David Byrne und Son Lux für den Oscar-nominierten Film "This Is A Life". Derzeit schreibt sie Musik und Texte für die Musical-Adaption von "Das Damengambit". Ihre Konzerte, die Variety als "faszinierende Bewegungsstudie" bezeichnet hat, wurden auch als "hochstilisiert, brillant umgesetzt, supercool" (Philadelphia Inquirer) und "ungewöhnlich, rätselhaft und absolut fesselnd"

Release 27.2.2026

Shelf Lives sind Electro-Bass-Punk (ein Genre, das es wahrscheinlich gar nicht gibt – aber irgendwie total Sinn ergibt, wenn man es hört). Nach Jahren des Komponierens, Veröffentlichens und mehr oder weniger Rücksicht auf die Meinung anderer, agiert die Band nun völlig kompromisslos und authentisch. Das Ergebnis dieses kontrollierten Chaos ist ihr Debüt-Album »hypernormaL«.

Auf dem von imdead produzierten Album definieren Shelf Lives die Grenzen von modernem Punk und elektronischer Musik erneut neu. Es fängt das Duo in seiner kompromisslosesten Form ein – mitreißend, selbstironisch und verstörend tanzbar. Gerade wenn man glaubt, sie durchschaut zu haben, grinsen Shelf Lives, drehen am Regler und treiben die Musik auf die Spitze.

Auf dem Album arbeitet die Band mit einer beneidenswerten Liste von Szenegrößen zusammen, von Danio (Fred Again, Joy Anonymous, Jelani Blackman) über Songwriting mit Pat Alvarez (Blessed Madonna, Joy Crookes, Good Neighbours) bis zu Lola Sam von HotWax.

Release 27.2.2026

Mit „The Devil's Door“ präsentiert die wahrhaft originelle Post-Punk-/New-Wave-Band ein Album, das wie ein stiller Sturm wirkt. Es ist zuweilen filmisch, poetisch und intensiv, mit einer Unterströmung dunkler Psychedelia. Es vervollständigt eine Trilogie von Werken, bestehend aus „The Bone Carver“, „Mother-of-Pearl Moon“ und nun „The Devil's Door“, die von der aktuellen Besetzung geschaffen wurde. Hier finden sich die charakteristischen poetischen Texte von „And Also The Trees“, orchestrale Gitarrenklänge und von Soundtracks beeinflusste Songs, die von Wochenschauen, Ölgemälden und Folklore inspiriert sind. Bei diesem Werk kommen jedoch einige überraschende Instrumente hinzu, die das Album in eine Welt versetzen, in der John Barry auf Bela Bartok trifft. And also the trees (AATT) entstanden in der ursprünglichen Post-Punk-Ära im ländlichen Worcestershire, einer Umgebung, die eine ständige Inspiration für eine Gruppe war, deren Musik oft sowohl die dunklen Seiten als auch die Schönheit der britischen Landschaft erkundet hat. Sie sind bekannt für ihre fesselnden Live-Auftritte, einen einzigartigen Stil mit mandolinenähnlicher E-Gitarre, eindrucksvollen Texten und dunklen Jazz-Rhythmen – ganz zu schweigen von ihrer kreativen Unabhängigkeit, die sie seit über vier Jahrzehnten vehement bewahren. Damals erregten AATT sofort die Aufmerksamkeit von Robert Smith von The Cure, der sie mehrmals zu Tourneen mit seiner Gruppe einlud. Smith war neben seinem Bandkollegen Lol Tolhurst, der ihre ersten Platten produzierte, auch an ihren frühen Aufnahmen beteiligt. Diese langjährige Freundschaft und gegenseitige Wertschätzung wurde weiter gefestigt, als AATT eingeladen wurden, beim von Robert Smith kuratierten Meltdown-Festival 2018 in London aufzutreten. Im Juli dieses Jahres treten AATT als Special Guests von The Cure beim Festival in Nîmes auf. Gegründet von Sänger Simon Jones und seinem Bruder Justin, einem Gitarristen, sind AATT seit jeher in der Post-Punk- und Alternative-Rock-Szene weltweit präsent und haben beispielsweise in Deutschland eine solide Fangemeinde.

Release 27.2.2026

Nach der sechsjährigen Albumpause zwischen “The False Foundation” (2016) und “Call To Arms & Angels” (2022) lassen sich Archive dieses Mal nicht ganz so viel Zeit. Ihr 13. Studioalbum “Glass Minds” erscheint am 27. Februar, rund vier Jahre nach dem Vorgänger.

Über Leadsingle “Look At Us”, die die Band in einer erstaunlich energiegeladenen Form zeigt, sagte Archive-Mastermind Darius Keeler: “[Der Song] ist schlichtweg ein Banger! Mit bedrohlichen Textzeilen, die ich als Spiegelbild der zutiefst verzerrten Welt interpretiere, in der wir leben, halte ich ihn für eine unserer besten Singles bis heute.”

Zum stimmigen Video dazu erklärte Regisseur Maxim Kelly: “Da der Song Lügen und Täuschung thematisiert, wollte ich, dass das Medium selbst dieses Thema verkörpert – indem es die Zuschauer dazu bringt, der vertrauten visuellen Sprache der Dokumentarfotografie zu vertrauen. So entsteht ein Meta-Kommentar zur Täuschung, bei dem das Medium buchstäblich zur Botschaft wird.”

Release 27.2.2026

Das achte Album und sein erstes seit 2022. Die zwölf Titel eröffnen eine unheimliche Ausdruckskraft, während Bill weiterhin einen der originellsten Wege im Songwriting und in der Performance beschreitet. Indem er die lebendige Energie seiner Konzerte in die Produktion dieses Albums einfließen lässt, schärft er seine Porträts aus dem Leben, um tiefer zu gehen, und setzt einen Strom von Mitsing-Bewusstsein frei: poetisch, filmisch, romanhaft, komödiantisch – und vor allem musikalisch.

Release 27.2.2026

Die Indie-Folk-Ikone Sam Beam, auch bekannt als Iron And Wine, bringt ein neues Studioalbum raus, das voll mit wunderschöner, natürlicher Americana ist, darunter zwei Kollaborationen mit dem weiblichen Folk-Trio I'm With Her. "Ich wollte schon immer diesen Titel verwenden", sagt Sam Beam über "Hen's Teeth", sein achtes Album in voller Länge und sein sechstes für Sub Pop Records. "Ich liebe ihn einfach. Für mich steht er für das Unmögliche. Hühnerzähne gibt's nicht. Und genau so fühlt sich dieses Album an: wie ein Geschenk, das es eigentlich nicht geben dürfte, aber doch da ist. Eine unmögliche Sache, aber sie ist real." "Hen's Teeth" und sein vorheriges Album "Light Verse" sind so was wie Geschwister. Sie wurden während derselben Sessions nach einer einjährigen Pause mit derselben Band im Waystation Studio in Laurel Canyon aufgenommen. "Wenn ich gerade richtig in Schreiblaune bin und die Band mich dort abholt, wo ich gerade stehe, treiben sie mich zu etwas, das ich mir nicht hätte vorstellen können. Ich bin an einem Punkt in meinem Leben, an dem Spontaneität für mich viel wichtiger ist. Ich muss nicht mehr so viel beweisen wie früher. Ich bin viel freier und liebe es mehr denn je, Musik zu machen. Es gibt keine richtigen oder falschen Antworten. Man betet einfach um Glück und gibt sein Bestes." In diesem Fall wurden die Gebete erhört und das Glück schlug voll zu. Die Musiker fanden so schnell zueinander und inspirierten sich gegenseitig so sehr, dass sie Songs oft in nur wenigen Takes aufnahmen, manchmal zwei oder drei pro Tag. Die beiden Alben können daher als zweieiige Zwillinge betrachtet werden: Sie teilen sich die DNA und ergänzen sich, haben aber unterschiedliche Identitäten und zeichnen sich ebenso durch ihre Unterschiede wie durch ihre Gemeinsamkeiten aus.

Release 27.2.2026

Lone Assembly ist ein Schweizer Quartett, das New Wave, romantischen Synthpop und düsteren, melancholischen Post-Punk miteinander verbindet. Die Besetzung: Raphaël Bressler (Gesang, Keyboards), Glenn Le Meur (Gitarre), Jim Bodeman (Bass) und Romain Segu (Schlagzeug). Donnernde Basslinien und hypnotische Rhythmen verschmelzen mit hallgetränkten Gitarren und atmosphärischen Synthesizern zu einer düsteren Klanglandschaft für Raphaëls tiefen, resonanten Gesang.

Release 27.2.2026

Mit "The Mirror" legt Buck Meek, Gitarrist von Big Thief, sein viertes Soloalbum vor - ein feinfühliges Werk über Sprache, Identität und das ständige Sich-Verändern. Freunde und Weggefährt:innen wie Adrianne Lenker, Jolie Holland oder Tucker Zimmerman wirken mit und hinterlassen ihre Spuren nicht nur musikalisch, sondern auch in den Texten. Meek begreift Songwriting als gemeinschaftlichen Prozess und nutzt den Spiegel als zentrales Bild: nicht zur Selbstbespiegelung, sondern als Gegenüber, das Fragen stellt. Aufgewachsen in einer kunst- und literaturgeprägten Familie in Texas, sammelte Meek früh vielfältige musikalische Erfahrungen - von Blues über Jazz bis Folk. Diese Offenheit prägt auch The Mirror. Gemeinsam mit Produzent James Krivchenia verbindet er die Live-Energie einer Band mit subtilen elektronischen Texturen. Die Aufnahmen entstanden in einem experimentellen, offenen Setting, das Spontaneität über Perfektion stellt. In seinen Songs geht es um Nähe, Verletzlichkeit und die Brüchigkeit von Erinnerung. Wortspiele, Spiegelungen und innere Dialoge machen Sprache selbst zum Thema. Angst und Zweifel erscheinen dabei nicht als Gegenspieler, sondern als Begleiter. The Mirror erklärt nicht - es hört zu, tastet sich vor und lädt dazu ein, dem Unbekannten mit Neugier zu begegnen.

Release 27.2.2026

»The Mountain« ist das neunte Studioalbum von Gorillaz, eine weitläufige Klanglandschaft aus Instrumenten und Sounds, reichhaltig unterlegt mit Stimmen, Melodien und mitreißenden Beats, die eine Sammlung von 15 Songs umfasst, welche die kollaborative Ethik von Gorillaz verkörpern.

Das Album enthält außergewöhnliche Künstler und Mitwirkende, darunter: Ajay Prasanna, Amaan & Ayaan Ali Bangash, Anoushka Shankar, Asha Bhosle, Asha Puthli, Bizarrap, Black Thought, Gruff Rhys, IDLES, Jalen Ngonda, Johnny Marr, Kara Jackson, Omar Souleyman, Paul Simonon, Sparks, TRUENO und Yasiin Bey sowie die Stimmen von Freunden und Mitwirkenden, die bereits von uns gegangen sind, darunter Bobby Womack, Dave Jolicoeur, Dennis Hopper, Mark E Smith, Proof und Tony Allen.

»The Mountain« ist eine Playlist für eine Party an der Grenze zwischen dieser Welt und dem, was danach kommt, die die Reise des Lebens und den Nervenkitzel der Existenz erkundet. Produziert von Gorillaz, James Ford, Samuel Egglenton und Remi Kabaka Jr. sowie Bizarrap (Orange County), wurde »The Mountain« im Studio 13 in London und Devon, an verschiedenen Orten in Indien, darunter Mumbai, Neu-Delhi, Rajasthan und Varanasi, sowie in Aschgabat, Damaskus, Los Angeles, Miami und New York aufgenommen. Auf dem Album sind Künstler zu hören, die in fünf Sprachen singen: Arabisch, Englisch, Hindi, Spanisch und Yoruba.

Jamie Hewletts Albumcover zeigt die vier beliebten Charaktere der Band – Murdoc, Noodle, Russel und 2D – in einer Sammlung wunderschön detaillierter, handgezeichneter Illustrationen.

Release 27.2.2026

„You Better Get Used To It“ ist Pina Palaus Soundtagebuch der Verwandlung. Schwärmerei und Liebeskummer prägen das dritte Album der Zürcher Songwriterin, das alles erforscht, was zwischen zwei Menschen unausgesprochen bleibt: Geständnisse, Widersprüche und Fragen, ehrlicher denn je. Von der Frustration über alte Muster bis hin zu frischen Klangfarben, von Unsicherheit und Schmerz bis hin zu einem neuen Selbstbewusstsein.

Die Songs entstanden in Pinas Schlafzimmer, wurden in Simon Borers Wohnzimmer (Long Tall Jefferson, Löwenzahnhonig) weiterentwickelt und mit den langjährigen Mitstreitern Mario Hänni (Mnevis, Sophie Hunger) und Vojko Huter (District Five) aufgenommen. Teile wurden von Pina im Butterama Recording Center in Berlin über einer Autowerkstatt aufgenommen, wo zwei Mitstreiter aus der Szene, Federico Corazzini und Antonia Estelle (beide von der US-Band Meagre Martin), dabei halfen, die Songs weiterzuentwickeln. „Die industrielle Umgebung, Pizza nach den Sessions, während aus dem Auto Old-School-Hip-Hop dröhnte – es fühlte sich eher wie New York als wie Berlin an. Das habe ich geliebt“, erinnert sich Pina.
Das Mixing übernahm Giuliano Sulzberger in Winterthur, das Mastering Simon Lancelot in Paris.
Musikalisch bewegt sich das Album zwischen intimem Folk und roher, emotionaler Indie-Rock-Direktheit: Man stelle sich einen grandiosen Americana-Sound vor, gefiltert durch eine Schweizer Sensibilität.

Man hört Pinas Vorbilder: Adrienne Lenker, Waxahatchee und MJ Lenderman, aber auch Anklänge an Courtney Barnett und Elliott Smith. Während frühere Werke eher indirekte Bilder verwendeten, spricht dieses Album eine klare Sprache – präzise, tagebuchartig, ohne etwas zu verbergen.
Das emotionale Herzstück ist „You See Me“, ein ruhiger Song über das Gefühl, wirklich gesehen zu werden. Um ihn herum kreisen Beobachtungen über Verlust, Nähe und Verliebtheit, Themen, die sich in Titeln wie „All I Want Is Her“ und „Bittersweet“ fortsetzen. Durch das gesamte Album zieht sich das ständige Verlangen, sich selbst besser zu verstehen.
„Ich habe erkannt, dass ich mein Leben nicht damit verbringen möchte, Dingen nachzujagen, die ich nicht kontrollieren kann. Ich möchte mehr Zeit in Beziehungen, Freundschaften, Liebe und das echte Leben investieren“, erklärt Pina Palau. Das Musikmachen geht nun mit einem klareren Gespür dafür einher, wann man festhalten, wann man vertrauen und wann man loslassen sollte. Das Album dokumentiert diese Entwicklung, von der wütenden Leichtigkeit von „Outdoor Guy“ bis zur neu gefundenen Ruhe von „Euphoria“. Es ist ein Album darüber, genau hinzuschauen: auf andere und auf sich selbst, und darüber, dass man besser im Chaos lebt, wenn man es zulässt.

Release 27.2.2026

Nothing waren schon immer Regelbrecher. Shoegaze-Rebellen, die das typischerweise leichtgewichtige Genre nach ihrem eigenen, knallharten amerikanischen Image neu erfunden haben. Outlaw-Poeten, die existenzielle Ängste auf kilometerbreiten Leinwänden aus Fuzz und Hall ausbreiten. Angefangen als Solo-Projekt in einem Schlafzimmer in Philadelphia im Jahr 2010, hat die Musik von Nothing immer die ganze Bandbreite des Menschseins eingefangen, sowohl die schreiende Wut als auch die flüsternde Traurigkeit. ,A Short History of Decay", das fünfte Soloalbum von Nothing und das erste für Run For Cover Records, erweitert diesen Horizont noch weiter und bietet die bisher hochauflösendste Darstellung von Nothing. Die Band hat noch nie so kolossal geklungen, sich noch nie so intim angefühlt, war noch nie so ehrlich. Mit dem stärksten Arsenal in der sich ständig verändernden Besetzung von Nothing - Gitarrist Doyle Martin (Cloakroom), Bassist Bobb Bruno (Best Coast), Schlagzeuger Zachary Jones (MSC, Manslaughter 777) und dem dritten Gitarristen Cam Smith (Ladder To God, ebenfalls von Cloakroom) - wusste Singer-Songwriter Domenic ,Nicky" Palermo wusste, dass er die nötige Manpower hatte, um das bisher ambitionierteste Album der Band aufzunehmen. Mitgeschrieben und produziert wurde es zusammen mit Whirr-Gitarrist Nicholas Bassett, zusätzliche Produktions- und Mixing-Arbeiten übernahm Sonny Diperri (DIIV, Julie). a short history of decay ist das musikalisch ausgereifteste Statement im Katalog von Nothing. Songs wie ,Cannibal World" und ,Toothless Coal" sind katastrophale Ausbrüche mechanisierten Industrial-Gaze, die wie My Bloody Valentine klingen - nur extremer. Am anderen Ende des Spektrums steht das kunstvoll-düstere ,Purple Strings" mit einem wunderschönen Streicharrangement, an dem die Harfenistin und zweifache Nothing-Mitwirkende Mary Lattimore beteiligt ist. Diese barocke Zartheit durchdringt auch andere Höhepunkte von ,A Short History of Decay", insbesondere ,The Rain Don't Care", eine beschwingte Ballade, die die abgenutzte Eleganz von Mojave 3 kanalisiert, sowie ,Nerve Scales", ein prasselnder Bop, der in seiner Verbindung von jenseitiger Atmosphäre und tödlicher Präzision an Radiohead erinnert. Palermo bezeichnet das neue Album als ,letztes Kapitel". Nicht das Ende von Nothing, sondern der Abschluss einer Geschichte, die mit dem Debütalbum von Nothing aus dem Jahr 2014, Guilty of Everything, begann - einem weiteren Album über Zeit, Reue und die Konfrontation mit unangenehmen Wahrheiten - und nun mit A Short History of Decay ihren Abschluss findet. Es ist ebenso sehr eine Momentaufnahme von Palermos Vergangenheit wie ein Sprung in die Zukunft von Nothing.

Release 6.3.2026

Mit »Live at the Hollywood Bowl« legen die Kölner Brachialpoeten ihr bislang griffigstes und leichtläufigstes Album vor. Ein Ohrwurm jagt den nächsten und zwischen tanzwütiger Hoffnung und ungeschminkter Tiefe zementieren Fortuna einmal mehr ihre Alleinstellungsmerkmale. Gassenhauer für Seitenstraßen.

Das magische Trio ist zurück.

Release 6.3.2026

Bonnie ›Prince‹ Billy kehrt im März 2026 mit dem Album »We Are Together Again« zurück. Das Album ist warm und persönlich und außerdem so angelegt, dass es mit denselben Worten beginnt und endet: »Why is the lion still here, outside?«

Thematisch ist das Album tief in Louisville, der Heimatstadt von Bonnie »Prince« Billy, verwurzelt. Es feiert die Kraft von Freundschaft, lokaler Gemeinschaft und gemeinsamem künstlerischem Schaffen. Damit setzt es bewusst einen Kontrapunkt zur Globalisierung und plädiert stattdessen für Lokalismus. Aufgenommen wurde es live im Studio End of an Ear mit lokalen Musikern und Musikerinnen, Freunden und Freundinnen und Familienmitgliedern. Jeder Ton ist direkt und unverfälscht – was im Raum passiert, hört man auch auf der Aufnahme.

»We Are Together Again« nimmt die Ängste einer sich verändernden Welt nicht weg, sondern begegnet ihnen mit Harmonie. Das Album erzählt von Zusammenhalt, von der Freude am Miteinander und davon, wie das gemeinsame Fragen selbst zur Quelle von Hoffnung wird.

Release 6.3.2026

„Make-up Is a Lie“ wurde von Joe Chiccarelli (The Strokes, The White Stripes, Weezer, My Morning Jacket) produziert, der damit ins Studio La Fabrique in Saint-Rémy-de-Provence in Südfrankreich zurückkehrte. Auf dem Album sind Jesse Tobias, Camila Grey, Carmen Vandenberg, Juan Galeano, Alain Whyte, Gustavo Manzur und Brendan Buckley zu hören. Die Tracklist enthält einige Songtitel, die Morrissey bereits erwähnte, sowie weitere, die bisher unveröffentlicht sind, und eine originalgetreue Coverversion des Roxy-Music-Klassikers „Amazona“ von 1973.

Release 13.3.2026

"The Sophs sind quasi aus dem Nichts aufgetaucht", sagen Rough-Trade-Mitgründer Geoff Travis und Jeannette Lee über ihr neuestes Signing: eine sechsköpfige Band aus L.A. mit dem feinsinnigen Namen The Sophs. Die kompromisslose Ehrlichkeit und der weite Soundkosmos der Band überzeugten sofort. Als Sänger Ethan Ramon ein Demo an seine Lieblingslabels schickte, rechnete er nicht mit einer Reaktion - doch schon am nächsten Tag meldete sich Rough Trade mit der Bitte um ein Gespräch. In den frühen Songs hörte das Label genau jene Kreativität, Vielseitigkeit und den draufgängerischen "Don"t expect me to act pretty"-Spirit, den The Sophs auf jede Bühne bringen: Ethan Ramon (Gesang), Sam Yuh (Keyboards), Austin Parker Jones (E-Gitarre), Seth Smades (Akustikgitarre), Devin Russ (Drums) und Cole Bobbitt (Bass). Die fünf Demo-Tracks bildeten die Blaupause für ihr Debütalbum. Musikalisch bewegen sich The Sophs im Zickzack: Pop-Punk trifft auf Funk, Delta Blues auf ZZ Top. Ramons warme, kraftvolle Stimme wandert dabei wie ein vokales Chamäleon durch die Genres. "Wir versuchen nie, so vielseitig zu sein, wie wir am Ende klingen", sagt Ramon. Songwriting verstehen sie als Pop Art - ein spielerisches Zitieren, Verformen und Neuerschaffen. Oft entstehen Songs aus spontanen Ideen, die im Bandprozess eine völlig neue Richtung nehmen. Der Track "The Dog dies in the end" erinnert an 2000er-Pop-Punk, getragen von düsteren Gedankenspiralen und Akkordeon. "Death in the Family" kombiniert sonnigen Rock mit bitterem Humor und der Sehnsucht nach Mitleid als Schutz vor Verantwortung. "Goldstar" stellt dabei einfache, aber unbequeme Fragen nach Anerkennung und Moral. Weitere Songs zeigen die Band zwischen Selbstentlarvung und euphorischer Energie - roh, lebendig und kompromisslos kreativ.

Release 13.3.2026

Prostitute, eine der aufregendsten und provokantesten neuen Bands der USA, veröffentlichen ihr mitreißendes Debütalbum endlich offiziell weltweit bei Mute. Die fünfköpfige Band aus Dearborn, Michigan, steht für pures Chaos und Katharsis - feurige Live-Shows, messerscharfe Intensität und einen Sound, der ebenso explosiv wie brutal präzise ist. Ihr Name spiegelt ihre Fixierung auf Identität, Verzweiflung und Überleben im Spätkapitalismus wider. "Attempted Martyr" wurde inmitten globaler und persönlicher Turbulenzen geschrieben und fängt den Zeitgeist einer Welt ein, die sich auflöst. Als loses Konzeptalbum erzählt es die Geschichte vom Aufstieg und Fall eines zum Scheitern verurteilten Fanatikers, dessen Streben nach heiliger Rache in eine psychotische Orgie aus Gewalt, Gier und Lust ausartet. Es ist dicht, turbulent und voller lautstarker Einflüsse aus dem Nahen Osten, Afrika und Ostasien - allesamt von Produzent Chris Koltay (The Armed, Mdou Moctar) in Form gebracht.

Release 13.3.2026

Neues Album! Anfang 2025 kehrten die Brüder nach Nashville zurück, um sich wieder mit Produzent Jay Joyce zusammenzutun und die Energie ihres letzten Albums wieder aufleben zu lassen – das Ergebnis ist hier zu hören. Entsprechend ihrer Stimmung und ihrem Ausdruck haben The Black Crowes ein Rockalbum geschaffen, das locker und funky, düster und heavy, sinnlich und kantig ist. Fleisch und Knochen ... Ein Pfund Federn oder ein Pfund Blei. Pass auf, was unter dir ist, und pass auf deinen Kopf auf.

Release 13.3.2026

Kim Gordon hat Kunst und Noise über Jahrzehnte immer wieder neu gedacht – und dabei nie an Schärfe verloren. Vierzig Jahre nach ihren Anfängen wirkt ihre Vision noch immer provokant. Dieses Abenteuer setzt sie mit ihrem dritten Soloalbum »Play Me« fort, das bei Matador Records erscheint.

Mit der Ankündigung erscheint die erste Single »Not Today«, begleitet von einem Kurzfilm der Modedesignerinnen und Filmemacherinnen Kate und Laura Mulleavy (Rodarte). Gordon trägt darin ein eigens für sie gefertigtes, handgefärbtes Seidentüllkleid. Der Song offenbart eine neue, fast poetische Spannung in ihrer Stimme: »Da kam eine andere Stimme zum Vorschein«, so Gordon.

»Play Me« ist ein konzentriertes, direktes Album, das ihren Sound um melodischere Beats und den motorischen Drive des Krautrock erweitert. Entstanden ist es erneut mit Produzent Justin Raisen (Charli XCX, Sky Ferreira, Yves Tumor). Die Songs sind kurz, prägnant und stark rhythmusorientiert – fokussierter und selbstbewusster als zuvor.

Nach »No Home Record« (2019) und »The Collective« (2024, zwei Grammy-Nominierungen) richtet Gordon den Blick auf die Gegenwart: Tech-Macht, KI-getriebene Kulturverflachung, den Abbau demokratischer Strukturen und den absurden Alltag des Spätkapitalismus. Trotz dieser Themen ist »Play Me« ein nach innen gewandtes, geradezu körperliches und ebenso emotionales Album. Mit verzerrten Stimmen und schroffen Beats legen Songs wie »Square Jaw«, »Dirty Tech« oder »Busy Bee« gesellschaftliche Realitäten frei. Der Titeltrack entlarvt die Logik einer durchkuratierten Komfortkultur.

»Play Me« ist radikal gegenwärtig, widerständig und kompromisslos eigenständig.

Release 13.3.2026

Mit "News from Planet Zombie" kehren The Notwist nach Jahren des Experimentierens und Erforschens mit einem Album zurück, das sowohl melancholisch als auch positiv ist und sich durch eine Reihe spannender, leidenschaftlicher Popsongs auszeichnet. Es ist ein Album, das eine chaotische Welt widerspiegelt, aber mit Wärme und Großzügigkeit darauf reagiert, um kreative und spirituelle Konsolidierung zu erreichen. Aufgenommen in ihrer Heimatstadt München, knüpft es an die Sicherheit des Lokalen an, um die Probleme des Globalen zu erforschen: ein Leitgedanke, der sich durch alle elf Songs des Albums zieht. Es ist auch das erste Studioalbum seit "12" aus dem Jahr 1995, das die gesamte Band in ihrer erweiterten Live-Besetzung gemeinsam im Studio aufgenommen hat. Ein neues Album von The Notwist ist immer ein spannendes Unterfangen; ihre musikalische Sprache ist so konsistent und widerstandsfähig wie die Kontexte für Kreativität unvorhersehbar und sich ständig verändernd sind. Für das Album nutzte das Kern-Trio Markus und Micha Acher sowie Cico Beck die vielfältigen Möglichkeiten des gemeinsamen Songwritings, brachte Songs in die Band ein und arrangierte, probte und nahm das Material dann live im Studio auf. Das Ergebnis ist ein energiegeladenes Album, das ganz im „Jetzt“ angesiedelt ist und spektakuläre Momente bietet, in denen man die Magie spürt, die in der Dynamik zwischen den Achers, Beck und den anderen Mitgliedern Theresa Loibl, Max Punktezahl, Karl Ivar Refseth und Andi Haberl entsteht. Während "Teeth" "News from Planet Zombie" ruhig und nachdenklich beginnt, sind bei "X-Ray" alle voller Energie und lassen mit voller Kraft Future-Hymnen erklingen. Die klingenden Töne von "Propeller" gleiten wie Steine über sprudelndes Wasser über die Oberfläche des Instrumentals; "The Turning" schlägt sich zu einer der herzerwärmendsten Melodien des Albums. "News from Planet Zombie" wurde innerhalb einer Woche im Import Export, einem gemeinnützigen Raum für Kunst und Musik, aufgenommen. Das merkt man auch: Es gibt hier einige angenehm raue Kanten, als ob das Streben von The Notwist nach verschwommener Perfektion bedeutet, dass sie auch selbstbewusst genug sind, die Songs atmen zu lassen und sich in unseren Ohren zu verändern. Diese Offenheit für Zufälle zeigt sich auch in den Gastauftritten von Freunden aus der Region und aus aller Welt, die das kosmopolitische München widerspiegeln: Enid Valu singt mit, Haruka Yoshizawa spielt Taishogoto und Harmonium, Tianping Christoph Xiao Klarinette und Mathias Götz Posaune. The Notwist sind nicht gerade für Coverversionen bekannt, aber „News from Planet Zombie“ enthält zwei: eine wunderschöne Version von Neil Youngs "Red Sun" (aus "Silver & Gold" von 2000), die die Gruppe ursprünglich für ein Theaterstück unter der Regie von Jette Steckel entwickelt hatte, und eine Interpretation von "How the Story Ends" der Folk-Pop-Band Lovers aus Athens, Georgia. Sie fügen sich perfekt in die Erzählung des Albums ein, schmiegen sich wie alte Freunde an und offenbaren The Notwist als poetische Interpreten. Gut gespielt, ist die Coverversion sowohl eine Anerkennung von Weggefährten als auch ein Akt der Großzügigkeit, und The Notwist treffen hier beide Aspekte genau. Und diese Erzählung, die Art und Weise, wie sich das Album entwickelt? "News from Planet Zombie" erkennt die Notlage unseres aktuellen geopolitischen Stillstands an und erinnert uns gleichzeitig daran, dass es kollektive Wege nach vorne gibt. Anhand der Figur des Zombies untersucht Markus Acher unsere Ängste: „Im Titel und in einigen Texten beziehe ich mich auf B- und Horrorfilme, was ein Verweis auf die verrückte Welt von heute ist, die wie ein wirklich schlechter und unrealistischer B-Film wirkt." Aber es gibt auch eine Erinnerung daran, den Faden nicht ganz zu verlieren, dass auch diese Dinge vorübergehen werden. "Der Fluss hier in München, an den ich oft gehe, ist schon immer da gewesen und wird noch lange nach uns da sein", reflektiert Acher und verweist auf eine wichtige Quelle der Erholung für ihn, „immer gleich und doch immer im Wandel. Sehr beruhigend, aber auch immer eine Erinnerung daran, dass die Zeit wie dieser Fluss nur in eine Richtung fließt und man nicht zurückgehen kann. Jeder Moment ist sehr kostbar."

Release 13.3.2026

Der englische Produzent, Songwriter und Musiker James Blake kehrt mit »Trying Times« zurück, seinem siebten Studioalbum und ersten vollständig unabhängigen Release. Das Album, das zwischen London und Los Angeles geschrieben wurde, setzt sich mit den Turbulenzen der letzten Jahre auseinander – globalen Unruhen, Uneinigkeiten und persönlichen Abrechnungen – und sucht dabei inmitten des Chaos nach Empathie, Verbundenheit und Liebe.

Release 20.3.2026

Drei Jahre nach dem Meisterwerk "Wie die Nocht noch jung wor" meldet er sich darauf als Popstar wider Willen zurück. Jetzt geht´s um die weite Welt die da draußen wartet. Und die kleine da drinnen: die in der eigenen Seele. In Text und Sound geht es auf "Gschnas" für Voodoo um die eigene Autonomie, die Wiedergeburt der Inspiration, das freistrampeln von der typisch österreichischen Enge die einen nach unten drückt. Kurzum: es geht um alles. Mit welcher Energie er und seine on fire agierende Band dieses Husarenstück von einem Album reiten, mit welcher Spielfreude und welchem Selbstvertrauen hier ein Künstler neu denkt ohne dabei von sich erschlossenes aufzugeben und sich dabei selbst revitalisiert. Dazu seine besten Melodien, seine wahrhaftigsten Texte, seine dringlichsten Performances, und eine Wolfgang Lehman (aka Möstl)-Produktion, die für alle Involvierten nach Magnum Opus riecht. Das kann was. Und nicht nur das. Ein Album aus Zweifel geboren, für das es am Ende Faschingskrapfen regnet. Ein Album als Ereignis, in einer Zeit die sich selbst vergessen hat. Voodoo Magie, die wirkt.

Release 20.3.2026

Die unerwarteten Umstände der Aufnahmesessions haben das Album maßgeblich geprägt. Konfrontiert mit einem Sturm, der den Strom ausfallen ließ (was den Einsatz eines Generators erforderlich machte), und einem Nachbarn, der sich über die Lautstärke beschwerte, stand die Band vor der Herausforderung, ihren charakteristischen Sound zu produzieren und dabei so leise wie möglich zu sein. Diese Einschränkung führte unerwarteterweise zu „zurückhaltenden Ambient-Klängen” und „pastoralen, stimmungsvollen Soundscapes”. Wenn man jedoch „Event Beat” abspielt, wird deutlich, dass sie die Idee eines reinen Ambient-Albums brillant umgangen haben.

Das Album folgt außerdem auf zwei wichtige Platzierungen, die zu einer unerwarteten Wiederentdeckung führten: Ihr Track „Tom Tom” wurde in der erfolgreichen Amazon Prime Video-Zeichentrickserie „Invincible” verwendet. Darüber hinaus tauchte „Lost Cool” in dem mit einem Oscar ausgezeichneten Body-Horror-Film „The Substance” wieder auf.

Mit der schieren Lebendigkeit von „Event Beat“ und ihrer Überzeugung, unabhängig von Trends weiterzumachen, sind Holy Fuck nach wie vor so relevant wie eh und je. Dieses Album ist ein Beweis für die „Zusammengehörigkeit und Menschlichkeit in der Musik“.

Übersetzt mit DeepL.com (kostenlose Version)

Release 20.3.2026

Der Singer-Songwriter und Multi-Instrumentalist Son Little erweitert seine musikalische Palette auf seinem kommenden Album „Cityfolk“. Mit einer Mischung aus Soul-, Folk- und Blues-Elementen fängt Son Little seinen charakteristischen Sound zusammen mit ausdrucksstarken und dennoch persönlichen Texten ein. „Cityfolk“ ist eine Reflexion über Liebe, Verlust und das Finden von Frieden im Chaos. Es geht darum, durchzuhalten, loszulassen und wieder zu atmen, wenn die Welt sich schwer anfühlt. Der als Aaron Earl Livingston in Los Angeles als Sohn eines Predigers und einer Lehrerin geborene Little machte sich durch seine Zusammenarbeit mit The Roots und RJD2 in seiner Wahlheimat Philadelphia einen Namen. Kritiker erkannten schnell die einzigartige Kraft von Littles Soloaufnahmen, die die Vergangenheit zerlegten, um Teile davon zu etwas völlig Neuem und Originellem zusammenzusetzen. NPR lobte Littles „makellos komponierte Songs“ als „ehrlich und unprätentiös“, während The Independent ihn als „beeindruckendes Talent“ bezeichnete. Seitdem hat sein Katalog über 250 Millionen Streams erzielt, und Little tourte mit Künstlern wie Leon Bridges, Kelis, Shakey Graves und Mumford & Sons und trat bei Festivals wie Bonnaroo, Newport Folk und anderen auf. Little ruht sich nie auf seinen Lorbeeren aus und gewann auch einen GRAMMY für seine Arbeit als Produzent des gefeierten Albums „See That My Grave Is Kept Clean” von Mavis Staples. *

Release 27.3.2026

The New P*rnographers ihr mit Spannung erwartetes neues Album »The Former Site Of« erscheint bei Merge Records.
Zur Feier der bevorstehenden Veröffentlichung präsentiert die Band den Albumtrack »Votive« zusammen mit einem neuen Video.

Eine Frau ist auf einem Kreuzfahrtschiff gefangen. Ein Prediger beschließt, mit seiner Stadt unterzugehen. Ein Mann im Blumenladen verliert sich in der Bedeutung eines Arrangements. Diese und andere Menschen an persönlichen wie gesellschaftlichen Grenzpunkten stehen im Mittelpunkt von zehn zeitgemäßen und zugleich zeitlosen Kurzgeschichten, die The New P*rnographers auf ihrem kommenden Album »The Former Site Of« in Form sorgfältig komponierter Popsongs versammeln.

Wie schon »Continue as a Guest« zeigt auch dieses Album The New P*rnographers - Bandleader A.C. Newman, Neko Case, Kathryn Calder, John Collins und Todd Fancey - dabei, wie sie ihren ohnehin reichen Katalog auf überraschende Weise erweitern. Unterstützt vom legendären Session-Drummer Charley Drayton (Divinyls, Keith Richards, Fiona Apple) war der Raum innerhalb eines New-P*rnographers-Songs noch nie so klar definiert und zugleich so reich texturiert. Das verleiht den Figuren, deren Leben sich in Newmans einfühlsamen, bildhaften Texten entfalten, einen unverwechselbaren Puls »The Former Site Of« verleiht dem Sound, den Newman durch das Schreiben und Aufnehmen im Heimstudio entwickelte, zusätzliche Tiefe und verfeinert den kreativen Prozess der Band weit über die Notwendigkeiten der Lockdown-Ära und der damaligen Remote-Zusammenarbeit hinaus. »Die Zeit in meinem Studio hat vieles geöffnet«, erklärt er. »Ich kann zuerst das Skelett eines Songs zusammenstellen - nur ein paar Elemente, das zentrale Gefühl, wirklich so wenig wie möglich - bevor ich ihn zur Band bringe und von dort aus weitermache.«

Zwei Alben nach dieser Veränderung erschaffen The New P*rnographers Klanguniversen von komplexer Textur und erzählerischer Detailfülle, bei denen jede Ebene darauf abgestimmt ist, eine unerwartete neue Facette offenzulegen. Weit davon entfernt, einfach das erwartbare nächste Kapitel von The New P*rnographers zu sein, ist »The Former Site Of« ein Plädoyer gegen Erwartungen - von einer Band, die sich weiterentwickelt, statt sich auf ihren Lorbeeren auszuruhen. Selbst in den dunkelsten oder selbstironischsten Momenten liegt in dieser Musik eine unwiderstehliche Spritzigkeit: eine Bestätigung, dass der Kampf ihrer Figuren und der Hörer:innen - wie das Foto eines fernen Planeten - es wert ist.

Release 27.3.2026

Ihr erstes Album seit fünf Jahren, und sie kehrt mit einem neuen Gefühl der Klarheit und Kontrolle zurück und behauptet sich als Songwriterin ihrer Generation mit einer geschärften Perspektive. Während ihre frühen Werke die emotionalen Turbulenzen junger Liebe dokumentierten, offenbart „Ricochet“ eine tiefere Fixierung: Zeit, Sterblichkeit und die stille Angst, mitanzusehen, wie die Dinge, die man liebt, einem entgleiten. Die 11 Songs des Albums sind geprägt von Selbstreflexion, Angst und Akzeptanz – einer Erkenntnis, dass sich die Welt weiterdreht, unabhängig davon, was sich in deinem eigenen kleinen Universum abspielt.

Release 27.3.2026

Courtney Barnett veröffentlicht ihr viertes Studioalbum »Creature Of Habit«, darunter die Single »Site Unseen« mit Waxahatchee.

»Creature of Habit« markiert einen entscheidenden neuen Abschnitt in Courtney Barnetts musikalischer Entwicklung. Es ist ein mutiges, emotional bewegendes Album, das sich mit der zentralen Frage beschäftigt: Wie kann man sich selbst aus dem Weg gehen, um sein Leben wirklich zu spüren? Geschrieben nach ihrem Umzug von Australien nach Los Angeles und der Schließung ihres langjährigen Labels Milk! Records, hatte Barnett mit Veränderungen zu kämpfen, die sowohl ihre Zukunft als auch ihre Karriere in Frage stellten. Anstatt diese Gefühle zu verinnerlichen, beschloss sie, all diese wirbelnden Verwirrungen direkt in den Aufnahmeprozess einfließen zu lassen.

Release 27.3.2026

»The Gaia II Space Corps« ist ein Album, das nicht ganz nach Heavy Metal oder Hard Rock klingt, aber eindeutig die Qualitäten dieser Genres aufgreift. Es ist Post-Psychedelic und Prä-Metal und nah an einem echten Classic-Hard-Rock-Album, zumindest so nah die Band Motorpsycho diesem jemals kommen wird. »The Gaia II Space Corps« ist ein kurzes, knappes, eingängiges und mitreissendes Album, das dort anknüpft, wo die Tracks Stanley und The Comeback vom letzten Album aufgehört haben. Die Instrumentierung besteht grösstenteils aus Gitarren, Gitarren und noch mehr Gitarren, doch es gibt auch eine ganze Menge Gesang sowie gelegentlich den einen oder anderen Keyboard-Sound.
Vor allem aber ist es Gitarrenmusik, die - nun ja, rockt! Und zwar heftig!!

Release 27.3.2026

Auf dem zweiten Longplayer präsentiert das Trio eine sorgfältig zusammengestellte Auswahl dessen, was funkige Orgelmusik leisten kann. Drei wahre Meister ihres Fachs: Tim Carman (ehemals GA-20) am Schlagzeug, Jimmy James (True Loves, ehemals Delvon Lamarr Organ Trio) an der Gitarre und Adam Scone (Scone Cash Players, The Sugarman 3) an der Orgel. Erfahrene und gefühlvolle Profis, die sich zusammengetan haben, um mitreißende, funkige Instrumental-Jams zu kreieren. Parlor Greens sind in Bestform: Sie sind eingespielt und selbstbewusster denn je, was ihre Identität und ihre Ausrichtung betrifft. Der Opener des Albums, ,Eat Your Greens", beginnt mit einem von Charles Earland inspirierten Four-on-the-Floor-Beat, wobei Jimmy und Scone den Song wie einen überladenen Güterzug vorantreiben, der einfach nicht zu stoppen ist. Greens", startet mit einem von Charles Earland inspirierten Four-on-the-Floor-Beat, wobei Jimmy und Scone den Song wie einen überladenen Güterzug vorantreiben, der einfach nicht zu stoppen ist. ,Lion's Mane" zeigt eine etwas raffiniertere Seite des Trios, mit Anspielungen auf einen von Scones Orgelmentoren , den unvergleichlichen Dr. Lonnie Smith. Um seinen Bandkollegen in nichts nachzustehen, demonstriert Tim Carman in ,Letter To Brother Ben", einem gospelartigen Shuffler, warum er den besten Shuffle diesseits des Mississippi spielt. Und obwohl die Ergebnisse stärker denn je sind, war die Stimmung bei dieser zweiten Aufnahmesession ganz anders. Als sich die drei zum ersten Mal in Loveland im Colemine's Portage Lounge Studio trafen, war die Atmosphäre von einer gewissen Frische geprägt. Es war neu, es war das erste Mal, dass sie alle zusammen spielten. Es war aufregend, es war Neuland. Die Session für Emeralds lastete viel schwerer auf allen drei Mitgliedern. Da alle drei mit persönlichen Tragödien in ihrem individuellen Leben zu kämpfen hatten, war die Session für die Gruppe ein echter Moment der Freude. Nur drei talentierte Musiker, die nun als Freunde in einer vertrauten Umgebung Musik schreiben und spielen. Nirgendwo wird die Bedeutung dieser Session deutlicher als beim letzten Titel des Albums, ,Queen Of My Heart", einem Stück, das Jimmy für seine Mutter kurz nach ihrem Tod geschrieben hat. Mit schwerem Herzen und voller Emotionen ist Colemine Records sehr stolz darauf, das zweite Album dieser drei Meister präsentieren zu dürfen.

Release 27.3.2026

Auf ihrem sechsten Album, dem ersten seit sieben Jahren, kehrt die schottische Post-Punk-Band zurück, um eine Geschichte von Verlust und persönlichen Krisen zu erzählen, die auf konkreten Erfahrungen basiert, aber mit einer universellen emotionalen Kraft grundiert ist. Unterlegt von den zärtlich-stürmischen Gitarren-Arrangements von Andy MacFarlane erzählt das Album von der Krankheit von Grahams Mutter und ihrem Tod, auch von seinen eigenen mentalen Struggles und handelt doch von etwas ganz Allgemeinem: der Verletzlichkeit des Menschen. Dies resultiert in dem bisher – man muss es wohl so sagen – persönlichsten und zugleich zugänglichsten Album der Band, die mit ihren Porträts geplagter und oft gebrochener Menschen schon lang enge Bande zu ihrem Publikum geknüpft hat. Sagt Graham: “In the past I’ve used a lot of metaphors within my lyrics. With this, there’s not as much. The record is heavily influenced by my mental health, grief and loss, and the need to be strong in positions where you’re not feeling it. It’s a very human story, I think – this is just my version of it. I feel that everybody goes through something like this. Everybody loses somebody. Everybody questions life.” Aber noch einmal von vorn. Im Jahr 2016 kehrten Graham und MacFarlane beglückt von einer Tournee mit The Cure zurück, die sie selbst kaum fassen konnten, und erfuhren, dass bei Grahams Mutter eine früh einsetzende frontotemporale Demenz diagnostiziert worden war. Während Graham in den folgenden Jahren mit dem brutalen Zwiespalt zwischen den Freuden seines Lebens – Ehe, Elternschaft – und dem grausamen Verfall seiner Mutter rang, entstanden etwa 80 Prozent des Materials, das auf dem Album nun zu hören ist.

Release 27.3.2026

Fünftes Album, das erste seit 4 Jahren. Das Album neue Album ist, wenn man so will, eine Fortsetzung und tiefere Auseinandersetzung mit jenen Themen, die er bereits auf seinem letzten, von der Kritik hochgelobten Album "Local Valley" aufgefächert hatte. Wo dieses vor allem nach Innen wies, und sich auf Orte, Sprache und persönliche Anschauungen konzentrierte, zoomt das neue Werk gewissermaßen in die Makroperspektive - und mündet in dem eindringlichen, mal frustrierten, mal wütenden, mal hoffnungsspendenden Appell, in einer Zeit, in der Technologie zunehmend unser Denken, Fühlen und Miteinander prägt, das Licht der Menschheit, so unzulänglich und unvollkommen sie auch sein mag, zu bewahren. In der Tradition von Folk als Protestmusik fordert José uns auf, uns gegen Systeme zu wehren, die entmenschlichen und spalten: "Disconnect from every algorithm, every perverse incentive that drags you down. Let’s rebel against the replicators, against the dying of the light. Kill the codes that feed the hate, keep the codes that make you thrive, celebrate the f__king fact that we’re alive”, singt er im programmatischen Titelstück und betont die Dringlichkeit, weiterhin nach Aufklärung zu streben – und gegen jene Kräfte zusammenzustehen, die das persönliche und kollektive Gedeihen des Menschen verhindern wollen. Obwohl José den technologischen Fortschritt stets begrüßt hat, hinterfragt er die Annahme, dass jede neue Möglichkeit bis zu ihrem maximalen Potenzial ausgeschöpft werden muss, insbesondere wenn der Fortschritt auf Kosten des menschlichen Wohlergehens, der Achtsamkeit und der Empathie geht. Sein Fokus liegt allerdings nicht nur auf Ängsten, die sich um Technologien drehen, sondern auch auf Themen wie dem Widerstand gegen ausgrenzende Ideologien und der Notwendigkeit, Denkweisen zu erkennen, die er als "unhelpful thinking" bezeichnet.

Release 27.3.2026
Dälek kehren mit »Brilliance of a Falling Moon« zurück – ein kompromissloses, düsteres und politisch aufgeladenes Statement von Experimental-Hip-Hop-Pionieren.

Der Titel stammt aus einem Abschnitt von Erik Larsons Roman »In The Garden of Beasts« aus dem Jahr 2011. Das Album zeichnet ein feuriges Porträt des Lebens und Widerstands im faschistischen Amerika. »Brilliance of a Falling Moon« wurde von Will Brooks (alias MC dälek) und Mike Mare konzipiert, komponiert und produziert und ist ein weitläufiges, kompromissloses Album, das den politischen Ton der Gegenwart widerspiegelt.

Aufgenommen in den Deadverse Studios der Gruppe im Laufe der Jahre 2024 und 2025, werden die Beats von »Brilliance of a Falling Moon« von brutalen, staubigen Drum Breaks angetrieben und sind in eine bedrohliche, jenseitige Atmosphäre gehüllt. Brooks' Reime zielen auf alles ab, von der Unterdrückung von Informationen durch den Staat über den Kolonialismus bis hin zu Trumps Dämonisierung von Einwanderern, und sie brennen geradezu vor Empörung über den aktuellen Zustand der Welt.

Release 27.3.2026

Teil 3 der legendären »Zum Glück in Zukunft«-Reihe.
„'ZGIDZ III' ist eine Mischung aus indirekt politischen und extrem persönlichen Liedern. Sie handeln vom großen Umbruch und dem Glück im Kleinen. Vom Irrsinn der Welt und der Innigkeit von Liebe. Von deren Ende und der ganzen weltbewegenden Macht neuer Anfänge“, heißt es in einem Statement zum Album. An den Reglern sitzen wieder The Krauts.

Diese Eco-Vinyl kommt aus nachhaltiger Produktion und besteht aus recycelbarem PET.

Release 3.4.2026

Seit fast 30 Jahren erweitern sunn O))) - Stephen O´Malley und Greg Anderson - die Grenzen der Heavy-Musik und verbinden die Welten der Avantgarde und des Rock, um einen Stil zu schaffen, der sofort als ihr eigener erkennbar ist. Jetzt melden sich sunn O))) mit ihrem ersten Album mit neuem Material seit dem gefeierten Pyroclasts aus dem Jahr 2019 zurück. Ihr zehntes Album - ihr Debüt bei Sub Pop - zeigt, wie gut das Duo mit Zeit und Raum, Licht und Dunkelheit umgehen kann und dass sie bereit sind, ihren unverwechselbaren Sound zu neuen, mutigen Formen weiterzuentwickeln. Das gleichnamige Album "sunn O)))" wurde in den Bear Creek Studios in Woodinville, Washington, mit Brad Wood (HuM, Tar, Sunny Day Real Estate, Liz Phair) aufgenommen. Dieser Ort erwies sich als entscheidend für den Aufnahmeprozess. "Der riesige Aufnahmeraum hatte große Fenster mit Blick auf Bäume", sagt O'Malley. "Wir konnten wandern gehen und draußen im Wald sein, Zeit im Freien verbringen. Das war ein wichtiger Teil davon." sunn O))) haben schon lange Mitwirkende in ihre eigenständige Welt aufgenommen: In früheren Werken waren Attila Csihar (Mayhem), die Komponistin Hildur Gudnadóttir, der Multi-Instrumentalist Steve Moore, der Universalgelehrte Mark Deutrom, Tim Midyett von Silkworm und der legendäre Singer-Songwriter Scott Walker zu hören. Auf diesem Album haben O'Malley und Anderson jedoch neue Möglichkeiten im ursprünglichen Format des Duos entdeckt und alle Instrumente selbst gespielt. "Was in den letzten Jahren mit unseren Auftritten zu zweit und ohne weitere Mitwirkende passiert ist, war wirklich neu und aufregend", sagt Anderson. Die Kompositionen auf sunn O))) sind weitläufig und panoramisch, aber dennoch detailreich und spiegeln die baumreiche Umgebung wider, in der sie aufgenommen wurden. Inmitten von heulendem Feedback und eisigem Knirschen findet man überraschend zarte Momente: eine Feldaufnahme von plätscherndem Wasser im Hintergrund, Klavierzwischenspiele, die eine gedämpfte, feierliche Stimmung erzeugen. Dabei erreicht das Duo neue Höhen telepathischer Intensität, während es Musik formt, die die belebende, erdige Luft des pazifischen Nordwestens atmet. Visuell wird das Album von zwei Gemälden des verstorbenen amerikanischen Künstlers Mark Rothko eingerahmt. Die Liner Notes stammen vom preisgekrönten britischen Schriftsteller Robert Macfarlane, der für seine Werke über Landschaft und die Beziehung zwischen Mensch und Natur bekannt ist. Durch die Arbeit der Band, Macfarlane und Rothko verbinden sich Klang, Wort und Bild zu einem umfassenden Erlebnis, das unbestreitbar ganz und gar sunn O))) ist.

Release 10.4.2026

»The Phantom Void« umfasst sieben Tracks und gilt als eines der fokussiertesten und stärksten Werke ihrer Karriere. Es ist zugleich das Studioalbum zum 20-jährigen Bandjubiläum von Long Distance Calling und zeigt die Band auf dem kreativen Höhepunkt ihres Schaffens: instrumental, imposant, kurzweilig – und dennoch voller Tiefe.

Release 10.4.2026

Tiwayo veröffentlicht neue Single »I've Got to Travel Alone» und kündigt sein neues Album »Outsider« an – eine authentische Soul-Revelation, produziert vom Grammy-Gewinner Adrian Quesada (Black Pumas).

Tiwayo tritt mit »Outsider« aus dem Schatten hervor: Eine authentische Soul-Offenbarung, produziert vom Grammy-Gewinner Adrián Quesada (Black Pumas). Der in Paris geborene Soulsänger und Songwriter Tiwayo, der wegen seiner zeitlosen Stimme den Spitznamen »The Young Old« trägt, kehrt mit »Outsider« zurück, einem kraftvollen neuen Album, das von Grammy-Gewinner Adrián Quesada (Black Pumas) produziert wurde. Outsider erscheint weltweit und wird als schwarze LP und CD-Digipack erhältlich sein.

»Outsider« markiert das triumphale Comeback eines Bohemien-Geistes, der als Straßenmusiker durch die Welt gereist ist und dabei die Wurzeln des Blues, Soul und Gospel in sich aufgenommen hat, die seine Musik bis heute prägen. Tiwayo, der von Musikgrößen wie Norah Jones, Marcus Miller, Tony Visconti und Don Was gefeiert wird, hat sich einen Namen als Vorband für Sting, Seal und Marcus Miller gemacht. Nach seinem gefeierten Debütalbum »The Gypsy Soul of Tiwayo« auf dem legendären Label Blue Note Records war Tiwayo fast von der Bildfläche verschwunden, bevor Adrian Quesada seine Demos hörte und ihn zurück ins Rampenlicht holte.

Ihre Wege kreuzten sich beim französischen Festival Les Eurockéennes, was Tiwayo von Paris nach Austin und in Adrian Quesadas Electric Deluxe Studio führte. Dort schufen er und Quesada eine rohe, genreübergreifende Interpretation des Soul, zu der Mitglieder von Black Pumas und andere führende Persönlichkeiten der Retro-Soul-Szene beitrugen. Doyle Bramhall II, langjähriger Mitarbeiter von Eric Clapton, spielt Gitarre auf drei Titeln, darunter »Daddy Was Born with the Blues«, Tiwayos Hommage an seinen verstorbenen Vater, bereichert durch Streicher von Sly5thAve. Kendra Morris (Colemine Records) aus Brooklyn begleitet ihn bei »Unchained Lovers«, einem samtweichen Duett, das tief in der südlichen Tradition von Hi Records verwurzelt ist.

Während viele moderne Retro-Soul-Acts sich an den Motown-Sound anlehnen, bleibt Tiwayos Sound rau, kompromisslos und in den Traditionen des Southern Soul verwurzelt - eine Tradition, die er einmal hautnah erlebt hat, als er Reverend Al Green in Memphis traf. Auf »Outsider« reflektiert Tiwayo darüber, was es bedeutet, ein Künstler zu sein (»I've Got to Travel Alone«), groovt verschmitzt in »Up for Soul«, feiert die Schönheit des Alltags (»Sunshine Lady«, »My House Is Your Home«) und findet Widerstandskraft im Verlust (»Dark Skies«).

Mit seinen dichten Grooves und lebhaften Geschichten ist das Album sowohl intim als auch kollektiv, zutiefst menschlich und unerschrocken ehrlich. Tiwayo hält sich nicht an die Regeln des Genres. Er steht für sich: ein Franzose in Texas, ein Soulsänger mit dem Herzen eines Bluesmusikers, ein Reisender, der nirgendwo wirklich hingehört. In einer Welt der polierten Revivals begrüßt Tiwayo es, ein Außenseiter zu sein - ein Antiheld des Soul, der beweist, dass das Rohe und Ungeschminkte die tiefste Kraft in sich trägt.

Release 17.4.2026

File under Waxahatchee. Allison und Katie Crutchfield haben eine neue Band namens Snocaps gegründet. Ihr 13 Titel umfassendes Debüt ist ein Indie-Rock-Album, das an Allisons Band Swearin und Katies frühe Alben als Waxahatchee erinnert. Es entstand aus dem Wunsch der Zwillingsschwestern, wieder wie in ihrer Teenager- und Twenties-Zeit gemeinsam Musik zu machen. Allison und Katie werden von ihren Freunden und engen Mitarbeitern Brad Cook und MJ Lenderman unterstützt. Das Album wurde fast ausschließlich von Cook produziert und alle vier Musiker spielen auf dem Album mehrere Instrumente. Nach einer Handvoll Konzerten Ende 2025 wird Snocaps auf unbestimmte Zeit auf Eis gelegt, obwohl, wie Katie sagt, „Allison und ich in gewisser Weise seit über 20 Jahren zusammenarbeiten“, sodass es praktisch sicher ist, dass sie irgendwann in der Zukunft wieder gemeinsam an Musik arbeiten werden.

Release 24.4.2026

Mit ihrem neuen Album schlagen Kneecap ein neues Kapitel auf – kompromisslos, laut und stilistisch grenzenlos. Das zweite Album des irischen Trios ist ein wuchtiges Statement zwischen politischer Schärfe, schwarzem Humor und maximaler Energie. Produziert von Dan Carey (u. a. Fontaines D.C., Kae Tempest, Wet Leg), verbindet es Rap und Rave mit Elementen aus Acid House, Trip-Hop, Dubstep und Dub. Revolutionär, konfrontativ und zugleich unwiderstehlich catchy, treibt das Album Kneecaps Spiel mit Sprache, Identität und Sound auf ein neues Level. Sirenen, Beats und Hooks prallen aufeinander – roh, intelligent und mitreißend. "Fenian" ist düsterer, direkter und gleichzeitig ihr bislang ausgefeilstes Werk: voller Haltung, Wucht und absoluter Banger. Ein Album, das überrascht, provoziert und elektrisiert – und Kneecap endgültig als eine der spannendsten und radikalsten Stimmen der Gegenwart etabliert.

Release 1.5.2026

»Peaches!« von The Black Keys ist das vierzehnte Studioalbum des Duos aus Akron (das sechste seit 2019), eine lebendige und rohe Sammlung von 10 Songs, die Sänger Dan Auerbach als die »natürlichste Platte« der Band seit ihrem Debüt »The Big Come Up« von 2002 bezeichnet. In ähnlichem DIY-Geist wurde das Album mit allen Musikern im selben Raum aufgenommen, mit wenigen Overdubs, und es ist das erste Album, das die Band seit »Magic Potion« von 2006 komplett selbst gemischt hat.

Die Auswahl der Songs spiegelt die obsessive Plattensammlung von Auerbach und seinem Bandkollegen Patrick Carney wider, die sich in den letzten Jahren zu einer fortlaufenden Serie von Record Hang DJ-Set-Tanzpartys ausgeweitet hat, bei denen sie alte 45er-Platten für volle, energiegeladene Tanzflächen an den coolsten Orten der Welt auflegen.

Das Cover von »Peaches!« basiert auf einem ikonischen Bild des in Memphis geborenen Fotografen William Eggleston und markiert die Rückkehr von Patricks Bruder Michael Carney, der die künstlerische Leitung innehat.

Release 8.5.2026

Das erste Studioalbum der Band seit fast einem Jahrzehnt vereint das Kollektiv aus Toronto erneut mit dem Produzenten David Newfeld, der bereits für ihren Durchbruch mit "You Forgot It in People" (2002) und ihr selbstbetiteltes 2005er Album verantwortlich war. Die Arrangements der 12 Tracks sind dicht und fesselnd – ein Gewebe aus Bläsern, Gitarren, Stimmen und Elektronik –, und doch stehen die Melodien stets souverän über dem Sound. Wann immer sich die Musik in Richtung Abstraktion neigt, sorgt etwa eine grundierende Basslinie dafür, dass wir Hörerinnen nicht den Anschluss verlieren - und erinnert uns daran, dass hier immer noch Menschen am Steuer sitzen, und dass es sich, so kunstvoll der Sound auch sein mag, immer noch um Rock ’n’ Roll handelt. Dieser Eindruck kristallisiert sich bereits im ersten Song - der ersten Single - des Albums, "Not Around Anymore", in dem Kevin Drew, Mitbegründer von Broken Social Scene, über das Verschwinden von Perspektiven in einer Welt singt, in der "it's all gone away“. Die Nostalgie aber, die hier im Text mitschwingt, wird durch die Musik sanft hintertrieben: Indem der Song eine verschwundene Vergangenheit heraufbeschwört, taucht er die Gegenwart unerwartet in ein Leuchten, das den beklagten Verlust konterkariert.Featuring Feist, Lisa Lobsinger, Hannah Georgas und andere.

Release 15.5.2026

Für Kevin Morby ist das ,kleine Weite" der weite Himmel, das einfache Leben, seine Herkunft aus dem Mittleren Westen und alle Pflichten, Bescheidenheit, Vertrautheit und Isolation: das Land, die Menschen und die Teile davon, die in ihm stecken. ,Der Mittlere Westen hat etwas Unbeabsichtigtes Musikalisches an sich: Zikaden, die in den Bäumen zirpen, ein vorbeifahrender Zug, eine Tornadosirene, die losgeht", erklärt Morby. ,Wenn man genau hinhört, gibt es diese fast unheilvollen Geräusche unter dem weiten Himmel - seine Hässlichkeit und seine Schönheit und wie beide oft gleichzeitig zusammenwirken. Und obwohl der Mittlere Westen technisch gesehen keine Ödnis ist, ist er meine Ödnis." Little Wide Open ist der Titel von Kevin Morbys achtem Studioalbum, produziert von Aaron Dessner. Im Sommer 2024 hatte Dessner Morby gebeten, The National bei ihrem Konzert im Londoner Crystal Palace Park zu unterstützen. Kurz darauf wandte sich Dessner, der gerade eine Glückssträhne hatte, nachdem er Alben für Taylor Swift, Ed Sheeran und Gracie Abrams produziert hatte, an Morby und teilte ihm mit, dass er gerne sein nächstes Album produzieren würde. Anfang 2025 begannen sie mit den Aufnahmen in Aarons Long Pond Studio in Stuyvesant, New York, und beendeten sie im September desselben Jahres. Das Album, an dem eine Vielzahl von Mitwirkenden wie Dessner, der mehrere Instrumente spielt, Amelia Meath, Andrew Barr, Justin Vernon, Katie Gavin, Lucinda Williams, Meg Duffy und anderen, wurde von Morby als dritter Teil einer Trilogie nach "Sundowner" (2020) und "This Is a Photograph" (2022) beschrieben, in denen er seine Zeit im Mittleren Westen nach seiner Rückkehr nach Kansas City dokumentierte. Dieses Mal wertet Dessners Produktion Morbys Aufnahmen auf, ohne dabei den Fokus auf die Songs selbst zu verlieren. Es gibt eine neu gewonnene Zuversicht und Klarheit sowohl in Morbys Songwriting als auch in Dessners Produktion, die an Tom Pettys Klassiker Wildflowers aus dem Jahr 1994 erinnert. Da Morby mittlerweile hauptsächlich in LA lebt, hat sich die Atmosphäre, die Little Wide Open durchzieht, gegenüber seinen Vorgängern etwas verändert. Wie Rachel Kushner in ihrem Begleittext zum Album über Morby schreibt: ,Es geht um Zeit, um das Gefühl, dass er sich von der Nostalgie und dem verlorenen, aber schönen Kampf, an der Vergangenheit festzuhalten, gelöst hat. Er hat akzeptiert, dass die Zeit unaufhörlich fließt und man sie nicht aufhalten kann. Stattdessen hat er das Gefühl, dass er auf ihr reitet. Er ist Passagier der Zeit." *Dead Oceans

Release 13.2.2026

"Wuthering Heights" ist das Album von Charli XCX, das für den mit Spannung erwarteten Film "Wuthering Heights" von Emerald Fennel mit Margot Robbie und Jacob Elordi in den Hauptrollen geschrieben wurde.

Charli XCX hat die Popmusik neu definiert. Ihr innovativer Stil und ihr unternehmerischer Antrieb haben die Popkultur neu gestaltet. Ihr Album "BRAT", das im vergangenen Juni erschien, war das von der Kritik am meisten gefeierte Album des Jahres 2024 und brachte ihr fünf BRIT Awards und drei Grammy Awards ein.

Release 13.2.2026 - Vinyl am 27.2.2026

Seit mehr als drei Jahrzehnten definieren »Converge« die äußeren Grenzen der Heavy Music und prägen Hardcore, Punk und Metal mit unnachahmlicher Dringlichkeit und Vision.
Auf »Love Is Not Enough«, ihrem elften Album, kanalisiert die Band die jahrzehntelange kreative Intensität in eine fokussierte und furchtlose Reflexion über Belastbarkeit, Verbindung und das Gewicht der Existenz. Aufgenommen und abgemischt von Kurt Ballou in den God City Studios in Salem, Massachusetts, fängt das Album »Converge« in ihrer bewusstesten und dynamischsten Form ein - heftig und doch zutiefst menschlich.

Jeder Song trifft mit Präzision und Zielstrebigkeit, vom explosiven Titeltrack bis zum mitreißenden »We Were Never the Same« Es ist ein Album, das die rastlose Entwicklung der Band in ein einzigartiges, beeindruckendes Statement fasst. Love Is Not Enough ist sowohl eine Abrechnung als auch eine Erneuerung - ein Beweis dafür, dass »Converge« nach 35 gemeinsamen Jahren immer noch eine der vitalsten und kompromisslosesten Kräfte der modernen Musik sind.

Release 13.2.2026

«I Wöt Mir Selber Is Gsicht Chotze» – der Titel sitzt wie ein Schlag in den Magen.

Doch Dachs bleibt sich treu: Unkonventionelle Songtitel, subversiver Witz und musikalische Ernsthaftigkeit schliessen sich bei Basil Kehl nicht aus. Schon mit «Beat Breu» und «Si händ dä Schlagzüger us de Band grüert» bewies er 2020, wie gut das funktioniert. Nach drei Alben bleibt die Frage: «Dörfs na bizeli meh si?» Ja, gerne – mehr Dachs-Musik bitte!

Auf dem vierten Album zeigt sich Dachs so offen und experimentierfreudig wie noch nie. Zwischen Dream-Pop, Indie, Disco, Electronica und Hip-Hop verschwimmen die Genregrenzen, wird ausprobiert, verschoben und neu kombiniert. Zwei völlig unterschiedliche Features mit Luuk und To Athena unterstreichen diese Offenheit. Trotz aller Experimente bleibt der charakteristische Dachs-Sound mit seinen markanten Texten und seinen eigängigen Melodien unverkennbar.

Eiskalt weht der Wind, der uns bald entgegenkommt – so der Tenor in «Kommentarspalte». Abgekühlt ist auch das Verhältnis zur Figur in «Herz us Granit», die ihren persönlichen Rechtsruck mit dem Älterwerden zu rechtfertigen versucht. Und in «Hallo Mueter» folgt die bittere Einsicht, dass selbst die Mutter gelogen hat – damals, als sie uns lehrte, Lügner kämen nicht weit. Diese drei Songs zeichnen ein düsteres Bild der globalen Verunsicherung. Es sind keine Stücke der Antworten, sondern der Ratlosigkeit – und vielleicht gerade darin besonders ehrlich. Lässt sich also der Albumtitel «I Wöt Mir Selber Is Gsicht Chotze» auch als Kommentar zur politischen Gegenwart verstehen? Vielleicht – aber nur zum Teil. Denn dafür ist dazwischen zu viel Skurriles, zu viele helle Momente und zu viel Unerwartet-Zärtliches zu fnden.

Beispielsweise stösst man in «Wör’s Nie Release» auf eine detaillierte Wegbeschreibung zum Versteck auf dem Dachs-Dachboden. Dort wartet ein unscheinbarer Karton mit einer Festplatte – randvoll mit Liedern, die zu intim sind, um veröffentlicht zu werden. Im Titeltrack «I Wöt Mir Selber Is Gsicht Chotze» kommt es zu einem Wiedersehen im Café mit einem alten Freund, der nur noch sendet, das Zuhören verlernt hat – und dabei vom Schein seines erfüllten, erfolgreichen Lebens erzählt. In «Äschäbächer Halb Voll» wird verpassten Chancen nachgetrauert, ja sogar eine Karriereleiter im Hinterhof symbolisch verbrannt. Und auf dem berührenden «Stabhochspringe» klingt die Schwierigkeit an, die eigenen Grenzen zu erkennen. Die stärksten Momente des Albums entstehen dort, wo die Stimme die Fassade aus Kontrolle und Coolness ablegt und ganz im Gefühl aufgeht. Ein solcher Moment ist der Refrain von «Es Reimt Sich Uf» – eingängig, dringlich, aufgeladen. Am Ende eines metaphorischen Telefonspiels, das die Missverständnisse der Liebe verhandelt, wird er kraftvoll hinausgeschrien – über ein Löwenzahnfeld hinweg, wie es das unbeschwerte, frühlingshafte Musikvideo zeigt.

Das vierte Album von Dachs überzeugt mit pointierten Zeilen, die nachhallen, zeichnet ein feinsinniges Bild des gesellschaftlichen Klimas im Jahr 2025 und entfaltet eine musikalische Vielfalt, die ebenso überraschend wie stimmig ist. Dabei bleibt die Musik nahbar – dank Basil Kehls Bereitschaft, auch über das Verletzliche und Unbequeme zu singen.

Release 13.2.2026

Nach einer zehnjährigen Pause haben Mariachi El Bronx für ihr viertes Album ihre Charro-Anzüge wieder aus dem Schrank geholt. Die unerwartete Geschichte der Band begann ursprünglich als Alter Ego der Punkrock-Helden The Bronx. Mariachi El Bronx suchte nach Wegen, sich kreativ weiterzuentwickeln und gleichzeitig die lateinamerikanische Kultur in ihrer Heimatstadt Los Angeles zu feiern. Mariachi El Bronx tourte mit den Foo Fighters und The Killers, trat überall auf, von Letterman bis NPRs Tiny Desk, und begeisterte das Publikum auf Festivals von Coachella bis Glastonbury.

Release 13.2.2026

Für dieses neue Album von Gogol Bordello wollte Songwriter Eugene Hutz Post-Punk-Texturen und Aggro mit dem freizügigen Gypsy-Punk von Gogol Bordello verbinden. - Um dieses Ziel zu erreichen, entschied er sich für eine Zusammenarbeit mit dem Produktionsteam von Nick Launay (Gang of Four, Yeah Yeah Yeahs, Idles) und Adam „Atom” Greenspan (Nick Cave, Idles, Flogging Molly). - Zusammen mit seiner langjährigen Band schufen sie zwölf äußerst kraftvolle und eingängige Songs. Der Titeltrack „We Mean It, Man!” ist voller punkiger Intensität, die sich zu einem No-Wave-Saxophon-Skronk steigert. „No Time For Idiots” ist ein Strummer/Jones-artiger Riff-Punk mit einem gigantischen Refrain. „Life Is Possible Again“ drückt Optimismus angesichts der Angst vor dem Krieg in der Ukraine aus. „Solidarity“ ist eine Cockney-Rejects-Solidarnosc-Punk-Hymne, die von Bernard Sumner von New Order neu interpretiert wurde, um auf die Kriegsanstrengungen in der Ukraine einzugehen. Dies ist das Album und die politische Botschaft, die die Welt jetzt braucht.

Release 6.2.2026

Neues atemberaubendes Album der kompromisslosen Rockband um den wie immer großartigen Visionär Maynard James Keenan (Tool, A Perfect Circle):"Es ist der Ort, an dem Goth auf Punk trifft. Dort liegt mein Ursprung." Inklusive dem harten, progressiven Alternative-Rocker "Self Evident".

Release 6.2.2026

Folkige Singer-Songwriter-Balladen, sphärisch verträumte Hippiewelten und Synthie-Pop mit französischem Charme: Das alles steckt in der Musik der Luzerner Songwriterin Heidi Happy.

Um ihr Jubliäum zu feiern, hat Heidi Happy mit zwanzig ihrer inspirierendsten Begegnungen der vergangenen zwanzig Jahre je einen Song geschrieben. Das daraus entstandene Album «20» erscheint am 6. Februar 2026.

Besonders hervorgehoben werden im Rahmen der Veröffentlichung und der begleitenden Jubiläumsshows u.a. folgende Gäste: Bübe Huber, Wallis Bird, Michael Von der Heide, Rebekka Lindauer und Handsome Hank.

Release 6.2.2026

Von Jay Buchanan, dem Grammy-nominierten Frontmann von Rival Sons, stammt Weapons of Beauty – ein mitreißendes, cineastisches Solo-Debüt, das in der Mojave-Wüste geschrieben und von Dave Cobb produziert wurde. Erhältlich auf CD (Digipak + Poster) und schwarzer Vinyl (Goldfolien-Gatefold). Weapons of Beauty – eine Offenbarung von einer der faszinierendsten Stimmen dieser Generation. Geschrieben in der Einsamkeit eines unterirdischen Bunkers in der Mojave-Wüste und aufgenommen in Savannah, Georgia, mit seinem langjährigen Kollaborateur Dave Cobb, zeigt „Weapons of Beauty“ den Grammy-nominierten Frontmann von Rival Sons von seiner verletzlichsten und visionärsten Seite. Eine mitreißende Sammlung von Songs – von „Caroline“ bis „Deep Swimming“ – ist es ein ungeschütztes Werk von raffinierter Einfachheit und filmischer Anmut.

Release 30.1.2026

Nach vier Singles und einer halben EP, erscheint nun das Debütalbum von Frau Lehmann, den Lieblingen von Toco´s Jan Müller. 12 Stücke über Trost und Trotz. Auf Seite A der Platte findet sich dabei der Trost, beispielsweise in einem beschwingten "Fuß im Grab", dem selbstverständlichen Herbeiwünschen der "Melancholia" und der wütenden Anklage eines KünstlerInnendaseins mit Lohnarbeit in "DLF Kultur will dass wir brennen". Seite B ermutigt zum Trotz: eine "Alte Leier" verwandelt sich in eine urvertraute Melodie im Inneren, "Rastloses Getier" schält sich "Wenn es abends endlich dämmert" aus den schweißgetränkten Laken, und zum Schluss dröhnt ein "Testament" als Manifest des Abschließens und Neuanfangs aus den Lautsprechern. In den mal tanzbaren, mal lyrischen Liedern geht es immer wieder um den Tod. Alle sind sie lebensbejahend und hell. Der Umgang mit Veränderungen, im Großen und im Kleinen, im Sozialen und im ganz Privaten, steht im Zentrum des Albums, das einer Dramaturgie der Entwicklung zu folgen scheint. Nachdenken über das Ende von Dingen, ohne Resignation, ohne Pathos.

Release 30.1.2026

Mit »All Tied Together« veröffentlichen Ye Vagabonds ihr bislang eindrucksvollstes Album - ein berührendes, cineastisches Werk voller Erinnerungen, Dankbarkeit und Gemeinschaft.

Die vielfach preisgekrönten Brüder Brian und Diarmuid Mac Gloinn verweben in ihren neuen Songs Heimat, Verlust und Zusammenhalt zu einem emotionalen Klangteppich, der weit über Irland hinausreicht. Aufgenommen in einem alten Haus in Galway und produziert von Phil Weinrobe (Big Thief, Adrienne Lenker), entfaltet das Album eine organische Intensität - live eingespielt, ohne Kopfhörer, mit bis zu zehn Musikern.

Akustische und elektrische Gitarren, Harmonium, Moog-Synthesizer, Trompete, Cello und die unverwechselbare Geschwisterharmonie schaffen einen warmen, zugleich modernen Sound. Von der nostalgischen Erinnerung in »On Sitric Road« über die mitreißende Hymne »The Flood« bis zur zarten Liebeserklärung »Young Again« erzählen Ye Vagabonds von echten Orten, echten Menschen und dem Wunsch nach Zugehörigkeit. In Songs wie »Danny« und »Mayfly« finden die Übersehenen und Gestrandeten eine Stimme, während Stücke wie »Four Walls« Hoffnung und Halt feiern. »All Tied Together« ist eine Ode an Freundschaft, Verlust, Heimat und das gemeinsame Singen - ein Album, das Herz und Seele gleichermaßen wärmt und die verbindende Kraft der Musik spürbar macht.

Release 30.1.2026

Lily Allen kehrt mit »West End Girl«, ihrem lang erwarteten fünften Studioalbum, zurück. Geschrieben und aufgenommen über einen Zeitraum von zehn intensiven Tagen, verbindet es raue Ehrlichkeit mit ansteckender Pop-Kunstfertigkeit und dokumentiert Elemente ihrer Zeit in New York mit durchdringender Klarheit und Einsicht.

Release 30.1.2026 / Vinyl 13.2.2026

Mit ihrem 8. Studio-Album »Wormslayer« bekräftigen Kula Shaker ihren Ruf eine der furchtlosesten und fantasievollsten UK Rock-Bands zu sein. Benannt nach einem indischen Dichterkönig aus dem 9. Jahrhundert, hat die Band schon immer in einer alternativen Realität existiert, in der sich Mystik, Psychedelia und raue Rock'n'Roll-Energie vermischen.

Die neuen Tracks auf »Wormslayer« bilden einen Strudel aus Psychedelia der 60er Jahre, üppigem Soul, Retro-Funk und kosmischen Geschichten. Im Kern verläuft ein thematischer Faden, der sich wie eine psychedelische Rock-Oper entfaltet – Geschichten von faustischen Pakten, geflügelten Träumern und mythischen Kämpfen, die den kompromisslosen kreativen Geist der Band widerspiegeln.

»Wormslayer« ist der Beweis dafür, dass die Flamme von Kula Shaker heller denn je brennt: ambitioniert, expansiv und voller der fröhlich

Release 30.1.2026

Daptone Records

Nach ihrem großartigen Debütalbum »The Olympians« aus 2016 auf Daptone Records meldet sich die Band um Frontmann Toby Pazner endlich mit einem brandneuen Album zurück!

Nach dem Erfolg seines Debütalbums verbrachte Pazner die nächsten Jahre damit, den musikalischen Kosmos zu erkunden – er schrieb Songs mit Lee Fields und begleitete ihn als Keyboarder auf Tournee. In dieser Zeit gründete er auch eine Familie. Diese Reihe von einschneidenden Lebensereignissen bereitete den Boden für das kommende Album »In Search of a Revival« (Daptone Records). Dieses Mal, ganze 10 Jahre nach der Veröffentlichung des selbstbetitelten Debütalbums, komponierte, arrangierte und produzierte Pazner das gesamte Album selbst.

Mit Musikern, die bereits auf dem Debüt zu hören waren, sowie einer Handvoll Freunden und Mitwirkenden, die er auf seiner musikalischen Reise kennengelernt hat, bildete er ein 17-köpfiges Ensemble aus den besten Musikern der Szene. Während »The Olympians« stark vom klassischen Soul-Stil von Curtis Mayfield und James Brown beeinflusst war, lehnt sich »In Search of a Revival« an die goldene Ära der Wrecking Crew, die üppigen Texturen der Gold Star Studios, Vintage-Filmmusik und die eher unbekannten Ecken der cineastischen Klanglandschaften an. Von den kaskadenartigen Harfenklängen, die »Sirens of Jupiter« eröffnen, bis hin zu treibenden Horns von »Sagittarius By Moonlight« liefern The Olympians einen ganz eigenen neuen Sound: einen alten Traum vom fernen Griechenland, gemalt in üppigen, filmischen Arrangements über harten Rhythmen.

»In Search of a Revival« ist auf dem besten Weg, ein weiterer Daptone-Klassiker zu werden – ein Album, das nicht nur die Traditionen des Instrumental-Soul würdigt, sondern auch einen kühnen neuen Standard für das Genre in den kommenden Jahren setzt.

Release 30.1.2026

Mit zwölf Songs, die zwischen Classic Rock, Indie und Americana oszillieren - Ballgame zeigt, wie große Stimmen und starke Melodien Herzen bewegen und Horizonte öffnen können. Die erste Single I Believe in Love, eine hymnische Mischung aus Lennon und Orbison, ist ab sofort mit Video erhältlich - gefilmt von engen Freunden in Ballgames WG. Entstanden am Küchentisch und inspiriert vom Rat seines Produzenten Jonathan Rado ("Schreib den größten Song der Welt"), wurde daraus eine Ode an die Liebe selbst - und an die Narren, die sie macht. Produziert von Jonathan Rado (Foxygen, Weyes Blood, Miley Cyrus) und Ryan Pollie (Los Angeles Police Department), bringt das Album analoge Wärme, akustische Energie und üppige Harmonien zurück - mit Unterstützung von Amy Aileen Wood (Fiona Apple) am Schlagzeug und Wayne Whitaker am Bass.

Ballgames Weg hierhin war alles andere als geradlinig: Vom Kellergeschoss in New England über Coverband-Auftritte in Rhode Island bis hin zum mutigen Neustart in Los Angeles. Offenheit, Risiko und der Glaube an sich selbst prägen seine Songs - und werden live zur großen Bühne.

Release 23.1.2026

Mit ihrem vierten Album Yatta! zünden Yin Yin ein kaleidoskopisches Feuerwerk aus Disco, Funk, Surf, Psychedelia und südostasiatischen Klangmotiven. Die gefeierte Band aus Maastricht bleibt ihrem Prinzip treu: globale Sounds treffen auf tanzbare Grooves - diesmal noch intensiver und organischer. Aufgenommen wurde live auf Band, was dem Album eine warme, natürliche Tiefe verleiht. Tracks wie "In Search of Yang" oder "Kasumi"s Quest" entführen in imaginäre Welten zwischen Retro-Futurismus und fernöstlicher Mystik. Die Band beschreibt Yatta! als ihren bisher vollständigsten musikalischen Ausdruck - ein Album, das nicht nur bewegt, sondern auch träumen lässt. Der Titel "Yatta!" (japanisch für "Wir haben es geschafft!") steht für das Gefühl, als Band angekommen zu sein - und für ein Album, das genau dieses Gefühl hörbar macht. *Glitterbeat

Release 23.1.2026

Während ihrer langen Karriere hat Lucinda Williams nie davor zurückgeschreckt, über schwierige, aber reale Themen zu schreiben. Man könnte »Change The Locks« sogar als ein seiner Zeit vorausgreifendes, aktuelles Lied bezeichnen. Auf ihrem Album »Good Souls Better Angels« finden sich mehrere bissige und mutige Songs, ebenso wie auf dem nach der Pandemie entstandenen Meisterwerk »Stories From A Rock N Roll Heart«.

Mit »World's Gone Wrong« legt Lucinda Williams in puncto Aktualität noch eine Schippe drauf. Es ist ein unverfälschtes Spiegelbild unserer sehr turbulenten Zeit, intensiv und musikalisch kraftvoll.

Release 23.1.2026 / Vinyl am 13.2.2026

Nach "And the Anonymous Nobody" (2016) melden sich Kelvin Mercer und Vincent Mason aus Amityville mit „Cabin In The Sky“, ihrem zehnten Album, zurück.

„Cabin in the Sky“ ist De La Souls erstes Studioalbum seit neun Jahren und wurde von DJ Premier, Super Dave und Pete Rock produziert. Es enthält Gastbeiträge von herausragenden Künstlern wie Killer Mike, Yukimi von Little Dragon, Common, Nas, Black Thought und anderen.

Release 16.1.2026

Neues Album! Auf der achten LP von Andrew Fearn und Jason Williamson sind erneut Gäste zu hören, darunter Sue Tompkins von Life Without Buildings, das Duo Big Special und Aldous Harding. Außerdem macht die Schauspielerin Gwendoline Christie ("Wednesday", "Severance", "Game Of Thrones") auf der Platte ihren ersten Ausflug in die Musikwelt und steuert ihre Stimme zur Single "The Good Life" bei. "The Demise Of Planet X steht für ein Leben in enormer Unsicherheit", erklärt Sänger Jason Williamson. "Als wir das letzte Album schrieben, ging es um Stagnation - um ein Land, das sich wie ein lebloser Körper anfühlte. Drei Jahre später ist dieser Körper aufgeplatzt durch Krieg, Völkermord und die anhaltenden psychologischen Nachwirkungen von Covid." In gewohnt ausdrucksstarker Herangehensweise, ist "The Demise Of Planet X" eine spottende Bestandsaufnahme der Gegenwart und zugleich ein wütender Aufschrei, der sich gegen die heraufziehende kulturelle Finsternis stemmt. Mit klaren Worten und scharfem Witz in 13 Stücken (die Herz, Verstand und Beine gleichermaßen in Bewegung setzen) holt das Album zum Gegenschlag aus. "The Demise Of Planet X" seziert dabei toxische Männlichkeit ebenso wie den Trumpismus und kombiniert den unverkennbahren Stil des Duos aus Nottingham mit surrealer Gesellschaftskritik.

Release 16.1.2026

Jule X, Astro Burger und ANRU veröffentlichen gemeinsam die EP «DiscoTrapper».
Mit seinem unverkennbaren Stil hat sich Jule X als einer der aufregendsten Rap-Acts der Schweiz etabliert. Seit Songs wie «Zistig» oder «Julä bitte» hat er sich eine treue Fanbase aufgebaut und sich mit eingängigen Hooks, ungeschliffenem Charme und selbstironischem Humor einen Namen gemacht. Gemeinsam mit Astro Burger und ANRU – bekannt als Teil der Vokuhila Mafia – erscheint nun die sieben Songs umfassende EP «DiscoTrapper».
DiscoTrapper ist ein Werk zwischen Party-Hymnen und persönlichem Storytelling. Produziert wurde die EP mehrheitlich von Mondetto, mit Unterstützung von Cheap Limousine und Anyvibe auf jeweils einem Track.

Release 16.1.2026

Mit Secret Love legt die Londoner Band Dry Cleaning ihr bislang reifstes Werk vor. Das dritte Studioalbum, produziert von Cate Le Bon, ist eine konzentrierte Momentaufnahme der besonderen Chemie zwischen Florence Shaw, Tom Dowse, Nick Buxton und Lewis Maynard. Aus intensiven Sessions in Peckham, Chicago, Dublin und schließlich im Black Box Studio in Frankreich entstand ein Werk, das Vertrauen und Verletzlichkeit ins Zentrum stellt - die Bande zwischen den vier Musiker_innen ebenso wie das fragile Verhältnis zwischen Nähe und Manipulation in der Gesellschaft. Musikalisch schlägt Secret Love eine Brücke zwischen den paranoiden Untertönen des frühen US-Punks, dem coolen Strut der Stones, Stoner-Rock, No-Wave-Experimenten und zarten, fast pastoralen Gitarrenfiguren. Die Stücke atmen gleichermaßen Schärfe und Verspieltheit, immer getragen von Shaws unverwechselbarem Sprechgesang, der präzise auf die dynamischen Soundlandschaften ihrer Band reagiert. Damit knüpft sie an eine Tradition von Spoken-Word-Künstlerinnen wie Laurie Anderson an, erweitert sie aber um eine ganz eigene Mischung aus Absurdität, Empfindsamkeit und lakonischem Humor. Die erste Single "Hit My Head All Day" zeigt exemplarisch, wie Secret Love gesellschaftliche Themen - etwa Desinformation und Einflussnahme - mit persönlicher Unsicherheit und existenzieller Fragilität verknüpft. Doch trotz aller Schwere bleibt das Album von einer spielerischen Offenheit geprägt: Ideen wurden ausprobiert, verworfen, neu zusammengesetzt - bis ein Sound entstand, der gleichzeitig roh, elegant und unerwartet warm klingt. Secret Love ist ein Album über das Vertrauen - in Freundschaften, in Musik, in sich selbst - und über die Risiken, die damit verbunden sind. Es markiert für Dry Cleaning den Schritt zu einer Band, die ihre avantgardistische Energie zu einem unverwechselbaren Ausdruck verdichtet hat.

Release 16.1.2026

„Self Portrait“ ist das neueste Kapitel des unermüdlich kreativen Ein-Mann-Kraftpakets Ryan Adams – ein brandneues Album mit 24 Titeln, das frische, unveröffentlichte Eigenkompositionen mit fesselnden Neuinterpretationen von Klassikern von R.E.M., New Order und anderen vereint.

Mit seiner rastlosen Kreativität und emotionalen Tiefe beweist diese kühne Sammlung einmal mehr, warum Ryan Adams zu den markantesten Stimmen der modernen Musik zählt. „Self Portrait“ zeigt Adams in Bestform – ergreifend, unberechenbar und klanglich opulent.

Release 16.1.2026

Das neue Album versammelt vertraute Indiepop-Momente im typischen Sterne-Sound, aber auch unerwartete Neuerfindungen. Neben deutschen Texten gibt es englischsprachige Songs, Post-Punk-Einflüsse, und auf zwei Stücken übernimmt Dyan Valdés den Leadgesang. Statt wie die hundertste Wiederholung klingt das Album wie ein Neuanfang - frisch, pointiert, humorvoll und kompromisslos. Die Single "Ich nehme das Amt nicht an" setzt auf ein gewaltiges Riff, einen treibenden Beat und eine Energie, die von Größen wie Jack White oder T. Rex inspiriert ist. Sänger und Frontmann Frank Spilker beschreibt den Song als "Riff-Rock" - ein Ventil für die Irrationalität und die Diskursverweigerung, die unsere Zeit prägt. Inhaltlich nimmt der Song die Renaissance des Irrationalen ins Visier: den Verlust argumentgetriebener Debatten, die Abkehr von Fakten, die Zuspitzungen, die längst in Gewalt umschlagen. Spilker formuliert scharf, ironisch und zugleich erschreckend aktuell - und zeigt damit einmal mehr, wie präzise Die Sterne gesellschaftliche Entwicklungen in Musik übersetzen.

Release 16.1.2026

Das vierte Album der Band wurde in der gleichen Kernbesetzung aufgenommen, markiert aber einen deutlichen Wandel in ihrem Sound und ihrer Herangehensweise. Musikalisch bedeutet es eine Abkehr vom rockigen, bluesigen, psychedelischen Tuareg-Gitarrensound, der von Tinariwens Erbe beeinflusst ist, und eine Hinwendung zu etwas Offenerem, Modernerem und Erkundungsfreudigerem. Zum ersten Mal übernahm ihr langjähriger Tontechniker Maxime Kosinetz die Rolle des Produzenten. Er reiste mit Emile Papandreou (vom französischen Duo UTO) nach Tamanrasset, einem Multiinstrumentalisten, der elektronische Elemente einbrachte, indem er Live-Instrumente sampelte und sie in Echtzeit mit einem modularen Synthesizer neu bearbeitete - und so die klangliche Identität der Band subtil umgestaltete. Das Album wurde größtenteils live in einem großen Raum im Aboogi Studio aufgenommen - dem bandeigenen Proben- und Aufnahmeraum in Tamanrasset. Freunde kamen während der Sessions vorbei, um Handclaps und Gesang beizusteuern und einfach Teil der Energie zu sein.

Release 16.1.2026

The Sha La Das sind Bill Schalda und seine talentierten Söhne Paul, Will und Carmine, die aus Staten Island, New York, stammen. »Your Picture«, das zweite Album der Sha La Das und ihre erste Veröffentlichung auf dem Label Diamond West Records des Produzenten Tom Brenneck (Charles Bradley, Menahan Street Band, Lady Wray), ist ein weiteres einzigartiges Zeugnis der mitreißenden Kraft der Harmonie zwischen Blutsverwandten und eine Hommage an die dauerhafte Liebesgeschichte zwischen Bill und der Matriarchin der Familie, Linda. Spuren alter Erinnerungen flimmern durch »Your Picture«.

Bills klassisches Songwriting und üppige Gesangsarrangements werden in neues Territorium katapultiert und aktualisieren den Doo-Wop mit dem basslastigen Groove und dem wirbelnden Pop von Brennecks schlanker, räumlicher Produktion. »Wir haben einige psychedelische Klänge eingebracht und uns von Deep-Soul-Platten bis hin zu den Beatles und den Beach Boys inspirieren lassen«, sagt Brenneck. Liebe strahlt aus »Your Picture« heraus und fließt aus den schimmernden Melodien, die Bill und seine Söhne produzieren, während sie ihren musikalischen Traum leben.

Release 19.12.2025

Idles sind am Soundtrack von Darren Aronofskys neuem Film “Caught Stealing” beteiligt und veröffentlichen heute den ersten von vier Songs, die sie beisteuerten. “Rabbit Run” begleitet ihrem typischen Post-Punk-Noise-Sound eine Hetzjagd durch das New York der 90er Jahre.

Um die Energie der New Yorker Punkszene der 90er einzufangen, gibt es laut Aronofsky niemand besseren als die Band aus Bristol: “‘Caught Stealing’ ist so aufgebaut, dass der Film eine spaßige Achterbahnfahrt wird. Mir war wichtig, dass der Film eine extrem hohe Sensibilität für die Punk-Szene hat”, so der Regisseur. “Ich glaube nicht, dass Bands oft damit beauftragt werden, Songs für Soundtracks zu schreiben. Mit wem also besser zusammenarbeiten als Idles? Es war ein Traum, ihnen dabei zuzusehen, wie sie ihre Noten verbiegen, um damit ein Loch in die Leinwand zu reißen.”

Release 12.12.2025

In den letzten zehn Jahren hat sich Portugal. The Man als eine der wertvollsten Bands der Rockmusik und als Live-Phänomen etabliert. Die Band hat über 1.600 Shows gespielt und sich einen sagenumwobenen Ruf als Festivallieblinge erworben. Die ursprünglich aus Alaska stammende Band aus Portland erreichte 2017 mit der Veröffentlichung ihres mittlerweile von der RIAA mit Platin ausgezeichneten Albums »Woodstock« neue Höhen. Das Album war geprägt vom erstaunlichen Erfolg ihrer mitreißenden Single »Feel It Still«, die der Gruppe eine Fülle neuer Auszeichnungen einbrachte – darunter einen GRAMMY für die »Best Pop Duo/Group Performance«, 7-fache RIAA-Platin-Auszeichnung, einen rekordverdächtigen 20-wöchigen Aufenthalt auf Platz 1 der alternativen Radiosender und eine unvermeidliche Präsenz in den Top 40 der Radiowellen.

Neben dem Glanz ihrer unzähligen musikalischen Errungenschaften besteht die langjährige Leidenschaft der Gruppe für soziale Gerechtigkeit. Tatsächlich ist dies genau die Schnittstelle, in der Portugal. The Man aufblüht; Im Laufe ihrer Karriere hat die Band stets beispielhaft gezeigt, wie man sich sowohl der Kunst als auch dem Aktivismus verpflichtet fühlt. Dies inspirierte sie schließlich dazu, 2020 offiziell die Pass The Mic Foundation zu gründen. Der Fokus liegt auf universellen Themen im Zusammenhang mit Menschenrechten, der Gesundheit der Bevölkerung und der Umwelt. Der Schwerpunkt liegt dabei auf Anliegen, die die indigenen Völker direkt betreffen, darunter Alaska Native Health (Bereitstellung von Gesundheitsdienstleistungen höchster Qualität für die Ureinwohner Alaskas) und Seeding Sovereignty (Radikalisierung und Störung kolonisierter Gebiete durch Arbeit für Land-, Körper- und Ernährungssouveränität und mehr).

Release 12.12.2025

Spanish Love Songs kehren mit einer neuen EP zurück, einer Sammlung, die während des Schreibprozesses ihres kommenden Albums entstanden ist. Sänger Dylan Slocum bezeichnet diese Songs als "unvollkommene Momentaufnahmen", die in Echtzeit mit Freunden und Mitwirkenden wie Kevin Devine, Illuminati Hotties, Dan Campbell und Tigers Jaw entstanden sind. Die Vinyl-Veröffentlichung kombiniert die neue EP mit ihren früheren "No Joy"- und "Doom and Gloom"-Sessions.

Release 12.12.2025

Woodkid komponiert die Musik zum heiß erwarteten PlayStation-Spiel »Death Stranding 2: On The Beach«. Das Album erscheint bei Milan Records / Sony Masterworks.

Mit seinem neuen Album »Woodkid For Death Stranding 2: On The Beach« zum sehnlichst erwarteten Spiel von Hideo Kojima hebt Woodkid die Idee von Game-Musik auf ein neues Level. Die Songs sind inspiriert von Kojimas Erzählkunst, seinen Figuren und der Welt von Death Stranding – und entfalten sich als eigenständiges Werk voller Tiefe, Kontraste und Atmosphäre.

Woodkid, bürgerlich Yoann Lemoine, ist ein französischer Sänger und Komponist. Mit seiner stilsicheren Kombination aus orchestraler Dramatik, elektronischer Präzision und emotionalem Tiefgang hat er sich international einen Namen in der Musik- und Filmwelt gemacht – sowohl als Musiker als auch als Videoproduzent für Künstler: innen wie Rihanna, Lana Del Rey, Pharrell Williams oder Harry Styles. Seine Musik wurde für zahlreiche Film-, Serien- und Videospielproduktionen eingesetzt (Arcane, Assassin's Creed, The Umbrella Academy). Für seine Arbeiten wurde er mehrfach für Grammy- und MTV-Awards nominiert, seine Single »Run Boy Run« wurde weit über fünfhundert Millionen Mal gestreamt. Auch in der Modewelt ist Woodkid präsent – etwa mit Musik für die Shows von Louis Vuitton oder Dior.

Über drei Jahre hinweg arbeitete Woodkid eng mit Kojima und dem Team von Kojima Productions zusammen, um Musik zu erschaffen, die weit über klassische Soundtracks hinausgeht. »Jeder Song, jedes Thema wurde in zahllosen Varianten und Schichten komponiert«, erklärt Woodkid. Das Ergebnis ist ein Album, das cineastische Orchesterarrangements mit elektronischen Klanglandschaften und eindringlichen Gesangslinien verbindet.

»Death Stranding 2: On The Beach« ist das neue Werk von Hideo Kojima, einem der visionärsten Köpfe der Gaming-Welt. Als Fortsetzung des vielfach ausgezeichneten ersten Teils, der über 20 Millionen Spieler: innen weltweit erreichte, führt das Spiel die Themen Verbindung, Isolation und Verantwortung in eine neue erzählerische Dimension. Das Spiel besticht zudem durch einen hochkarätigen Cast – darunter Norman Reedus, Léa Seydoux, Troy Baker, Elle Fanning und Shioli Kutsuna – und eine Geschichte, die von den globalen Erfahrungen der letzten Jahre inspiriert ist.

Von zarten Melodien bis zu eruptiven Breakcore-Momenten – jeder Track erzählt eine Geschichte. Für die Aufnahmen reiste Woodkid zwischen Paris, Los Angeles und Tokio, um die kreative Vision Kojimas einzufangen. »Es ist manchmal schwer, Hideos Vision ganz zu verstehen, weil sie sich ständig verändert. Man muss dem Prozess vertrauen – und das Ergebnis ist immer überwältigend«, sagt er. Was dabei entstand, ist mehr als ein Soundtrack: Es ist ein Manifest künstlerischer Freiheit, ein musikalischer Gegenentwurf zu Konventionen – und eine Hommage an das Anderssein.

Die erste Single »To The Wilder« erschien im März 2025 und verzeichnet bereits über 3, 7 Millionen Streams weltweit. Das Album erscheint digital, sowie als Vinyl- und CD-Edition – beide mit dem großartigen Artwork des Spiels und als liebevoll gestaltete Sammlerstücke für die internationale Fancommunity.

Release 12.12.2025

Mit »Strandbad Eldena« legen Von Wegen Lisbeth ihr viertes Studioalbum vor – eine Sammlung aus lakonischen Beobachtungen, nachdenklichen Momenten und dieser ganz eigenen Mischung aus Indie-Pop, die längst ihr Markenzeichen ist. Zwischen Alltagsabsurditäten und Fragen nach Halt in einer chaotischen Welt findet die Band einen Sound, der vertraut und doch neu wirkt. »Strandbad Eldena« umfasst 13 Tracks und ist auf Vinyl sowie CD erhältlich.

Release 5.12.2025

Doppel-LP, gepresst auf schwarzem Vinyl in einem hochwertigen Tip-On-Gatefold-Cover mit Spot-UV-Glanz auf den Innenseiten und mit bedruckten Innenhüllen. "Live God" ist ein eindrucksvolles Zeugnis der "Wild God"- UK- und Europatournee 2024 von Nick Cave & The Bad Seeds. Auf 15 Tracks fängt das Album die transzendente Atmosphäre jener unvergesslichen Shows ein, die laut Nick Cave selbst "ein Gegenmittel zur Verzweiflung“ waren. Die Trackliste enthält Live-Versionen des kompletten Studioalbums "WIld God" (2024) sowie beliebte Klassiker wie "Papa Won’t Leave You, Henry", "From Her to Eternity" und "Into My Arms".

Release 5.12.2025

Mit ihrem enthobenen Gesang und der "skandinavisch-psychedelischen" Einbettung steht das Projekt der Französin Melody Prochet für sich. Das 4te Album folgt weiter diesem Baustil, bietet aber dank einer etwas veränderten Grooveorientierung bei den Drums mit Affinitäten zwischen Jazz und Breakbeat eine so noch nicht gekannte Neuorientierung im Tonfall des Unterbaus. Während Melody´s Stimme und Gesangsharmonien weiterhin Eskapismus-Qualität besitzen und das Gefühl, sich in einem Zaubergarten zu bewegen, auch hier immer vorhanden ist, sind die musikalischen Umgebungen vielseitiger und abwechlungsreicher gehalten, was auch an der Vielzahl der mitwirkenden Musiker gelegen haben dürfte. Sven Wunder, Stockholmer Produzent mit Hang zu Jazz-Library-Sounds, verantwortet die Ko-Produktion. Josefin Runsteen liefert Streicherparts, die ihre Erfahrung zwischen Avantgarde und Pop hörbar machen. Dazu die von Dina Ögon stammenden Daniel Ögren (Git) und Love Örsan (Bass) mit ihrem "velvet groove" und als Gäste Reine Fiske (Dungen), dessen Gitarrenfiguren an Johnny Marr erinnern; Malcolm Catto, Schlagzeuger der Heliocentrics und Partner von Madlib und DJ Shadow und Leon Michels (El Michels Affair).

Release 5.12.2025

"Heroina" ist das neue Album von SEVDALIZA, der im Iran geborenen und in den Niederlanden aufgewachsenen multidisziplinären Künstlerin.

SEVDALIZA wird für ihre genreübergreifende Musik und ihre künstlerische Vielseitigkeit gefeiert. Mit über 1,5 Milliarden Streams in ihrer Karriere erlangte sie mit den bahnbrechenden Alben "ISON" (2017) und "Shabrang" (2020) große Anerkennung. Im Jahr 2024 gelang ihr der Durchbruch beim globalen Pop-Publikum: ihre eindringliche Single "Alibi“, die die Shazam-Charts als "Song of the Summer“ anführte, auf Platz 3 der globalen TikTok-Charts landete und ihr erster Einstieg in die Billboard Hot 100 war; und "Ride or Die Pt. 2“, eine düstere Neo-Perreo-Reggaeton-Hymne, die schnell zu einer ihrer meistgestreamten Veröffentlichungen wurde.
Letzterer stieg in die Billboard Global 200 ein, erreichte Platz 43 der Billboard Hot Latin Songs, Platz 1 der Shazam Global Latin Charts und sammelte über 300 Millionen Streams auf verschiedenen Plattformen – angetrieben durch einen viralen TikTok-Moment (über 700.000 Videos) und redaktionelle Unterstützung durch Spotify Global Top 50 und Apple Music's Top Latin Songs of 2024.

Im selben Jahr gab Sevdaliza ihr US-Fernsehdebüt in der Tonight Show mit Jimmy Fallon und trat zusammen mit Karo in l G beim Rock in Rio auf. Bekannt für ihre Zusammenarbeit mit Grimes, Anitta, Tiësto und Tokischa, erstreckt sich ihre Kunst auch auf die Haute Couture, wo sie bei der Paris Fashion Week für Y/Project und Iris Van Herpen lief und Kampagnen und Cover für internationale Ausgaben von Elle und Harper's Bazaar zierte. Als leidenschaftliche Verfechterin der Rechte von LGBTQ+ und marginalisierten Gemeinschaften spricht Sevdaliza mehrere Sprachen fließend.

Release 28.11.2025

So tief, so hoch, so K waren sie noch nie: Drei Jahre nach dem zuletzt erschienenen "KARGO" und dreizehn Jahre nach dem Debüt "Mit K" vollziehen Kraftklub mit ihrem neuen Album "Sterben in Karl-Marx-Stadt" inhaltlich und musikalisch einen full circle moment. Der Sound der 2010er-Jahre ist wieder da und die Fünf aus Chemnitz sind immer noch anti. Und klingen trotzdem verändert. Von 12 Songs beschäftigt sich die Hälfte mit dem Tod oder zumindest einem Ende, wenn nicht vom Leben, dann von der Liebe, was sich bekanntermaßen ähnlich anfühlt. War es das jetzt? Werden sich Kraftklub in Chemnitz öffentlich direkt unter Karl Marx´ Nase selbst unter mehreren Tonnen roter Labubus beerdigen? Oder ist das alles nur ein großer PR-Stunt? Es wäre so naheliegend. Aber auch so langweilig.

DITZ aus Brighton, UK mit einer lecker 2-Track 12", die es sowas von in sich hat! Die A-Seiten-Nummer, Don Enzo Magic Carpet Salesman, ist ein gut 9-minütiger Postpunk-Noise-Industrial-Ritt, der von zurückhaltend melodisch bis zu ausufernd brachial viel bietet und trotz seiner Länge enorm knackig bleibt. Großartig! Ihr Kalimba Song auf der B-Seite, bleibt bei regulärer Spielzeit mit knapp 4 Minuten, steht der A-Seite qualitativ aber in nichts nach. Ditz schaffen es irgendwie immer eine besondere Atmosphäre zu schaffen, die gleichzeitig beklemmend und befreiend wirkt. Auch auf 12" absolut empfehlenswert!

Release 28.11.2025

Stephan Eicher ist zurück mit einem neuen Album, seinem achtzehnten, mit dem Titel «Poussière d'Or». Für dieses neue Album mit 12 neuen Songs hat Stephan Eicher seine langjährigen Mitstreiter hinzugezogen: Philippe Djian und Martin Suter für die Texte, Martin Gallop für die Produktion (der bereits für das grossartige Album «Homeless Songs» verantwortlich war). Nichts ist tröstlicher inmitten des Lärms der Welt als diese Songs, die einem das Herz zusammenziehen und zum Träumen einladen.

Release 28.11.2025

»Forever, I've Been Born« ist das erste neue Album von Jesse Sykes & The Sweet Hereafter seit »Marble Son« aus dem Jahr 2011 und das fünfte Album der Band seit 2002.

Es umfasst eine Reihe meisterhafter Folk-Rock-Songs, emotionale Lieder, die von offenem Herzen stammen und in ihrer Helligkeit dennoch tief ätherisch und melancholisch sind. Das Album, das zehn Jahre lang entstanden ist, dreht sich um die Kraft von Jesses unglaublicher Stimme, die noch nie so schön, bewegend und eindringlich intim war. Der E-Gitarrist Phil Wandscher umrahmt diese Songs meisterhaft mit klassischen und gebrochenen Tönen, einem Duett aus Verletzlichkeit und Stärke, das häufig am Rande des Abgrunds steht.

Release 21.11.2025

Gesang, Gitarren, Schlagzeug und Bass: Die Grundelemente des Rock sind es, die Danko Jones, einer der erfolgreichsten Hard 'n' Heavy-Exporte Kanadas, seit seiner Gründung 1996 konsequent vertritt.

Ständiges Radio-Airplay in den führenden Rockländern der Welt, die treueste Fangemeinde, die sich eine Band nur wünschen kann, sowohl auf Festivals als auch bei ihren ausverkauften Clubshows, sowie mehrere Auszeichnungen - darunter fünf Juno-Award-Nominierungen (der kanadische »Grammy«) - haben im Laufe ihrer Karriere ihre führende Rolle in der Rock'n'Roll-Welt zementiert.

Danko Jones schaffen es, nicht nur Rocker, sondern auch Musikliebhaber von Genres weit jenseits von Hardrock und Punk zu vereinen. Ihr reichhaltiger Katalog besteht aus bisher elf erfolgreichen, elektrisierenden Studioalben, die internationale Chart-Erfolge einfuhren. Ihr zwölftes Werk wurde gerade unter den wachsamen Augen des Juno- und Grammy-Award-Gewinners Eric Ratz (Billy Talent, Big Sugar etc.) fertiggestellt.

Release 14.11.2025

Die beeindruckende Soul-Sängerin Celeste begeistert mit ihrer kraftvollen Stimme und tiefgründigen Texten. Jetzt meldet sich die Britin zurück mit ihrem neuen Album »Woman Of Faces«, welches ihr bisher zweites Studioalbum ist. Mit Auszeichnungen wie dem Brit Rising Star Award hat sie sich als eine der vielversprechendsten Künstlerinnen ihrer Generationen etabliert.

»Woman Of Faces« folgt dem Stil von Celeste und nimmt sowohl stimmlich als auch lyrisch ihre Hörer*innen mit auf eine Reise durch das Soul-Album des Jahres.

Release 14.11.2025

180g-schwere Independent Retail-Eco-Mix-LP in einer der überraschendsten und aufregendsten Kooperationen des Jahres haben sich Scott und Seth Avett von The Avett Brothers mit Mike Patton, dem legendären Frontmann von Faith No More und Mr. Bungle, zusammengetan, um AVTT/PTTN zu gründen. Was als zwangloser Austausch von Bewunderung begann, entwickelte sich bald zu einer echten kreativen Partnerschaft. Die Avetts und Patton, die sich seit langem gegenseitig bewunderten, tauschten Songs und Ideen über die Küsten hinweg aus, wobei sich jeder Entwurf weiterentwickelte, während er durch die Hände des Trios ging. „Das ist es, was Kunst ausmacht”, reflektiert Scott. „Das ist es, was Schaffen ausmacht: im Verborgenen und ohne Ambitionen.” Für die Avetts war die Zusammenarbeit mit Patton mehr als nur eine neue Kooperation – es war ein Moment, in dem sich der Kreis schloss. „Mike ist Teil unserer DNA, wie das Gewebe unserer Jugend“, sagt Scott. „Wir haben ihn buchstäblich studiert. Heute ist er ein lieber Freund, aber als wir jünger waren, habe ich ihn nachgeahmt.“ Patton fügt hinzu: „Meine besondere Herausforderung dabei war es, ein entfernter Cousin zu werden. Ein Bruder, der verwaist war. Vielleicht haben sie ihn im Hühnerstall oder so untergebracht. Jahre später haben sie ihn dann herausgeholt. Das Album beginnt mit der sanften Akustikgitarre von „Dark Night of My Soul“, wo Pattons erfahrener Gesang mit den Stimmen der Avetts zu einer reichhaltigen dreistimmigen Harmonie verschmilzt. An anderer Stelle führen der schmuddelige Stomp des Folk-Klassikers „The Ox Driver’s Song“ und der treibende Fuzz von „Heaven’s Breath“ die Avetts in neues klangliches Terrain und zeigen gleichzeitig Pattons charakteristischen Dynamikumfang. Jeder Track spiegelt die ungewöhnliche Art und Weise wider, wie das Album entstanden ist – Songs, die von Scott skizziert, von Patton umgestaltet und dann mit Seth neu interpretiert wurden – ein Prozess, der der Musik ihren unverwechselbaren Charakter und ihre Ausgewogenheit verlieh.

Release 7.11.2025

Die Lux-Vinyl enthält drei zusätzliche Songs, die exklusiv in diesem Format verfügbar sind.

»Lux« ist das vierte Studioalbum der GRAMMY-prämierten Sängerin, Songwriterin und Produzentin Rosalía. Es ist ihre bisher bahnbrechendste und globalste Veröffentlichung – ein monumentales Meisterwerk an Vision und Handwerkskunst. Das Album wurde mit dem London Symphonic Orchestra aufgenommen und enthält weibliche Stimmen wie Björk, Carminho, Estrella Morente, Silvia Pérez Cruz sowie den Chor der Escolania de Montserrat und des Orfeó Català.

Rosalía erforscht Themen wie weibliche Mystik, Transformation und Spiritualität und zeichnet den Bogen zwischen Illusion und Verlust, Glaube und Selbstfindung.

Release 7.11.2025

Betterovs zweites Studioalbum »Große Kunst« dokumentiert die Schlägerei seines Protagonisten mit internalisierten Heimatgefühlen - und ein bittersüßes Nachhausekommen. Gleichzeitig erzählt es vom Was davor geschah- von serpentinenartigen Biografien, von Flucht, von Stacheldraht, von Ferngläsern, von einem selbsternannten Friedensstaat, der aus Ruinen auferstand und Ruinen hinterließ. Anstatt von großer Kunst zu singen, singt Betterov von ihrer Absenz - und vom tiefen Riss zwischen Proletariat und Kulturklasse. Harter Tobak, das alles; aber eben schlichtweg das Fundament der Künstler-Persona Betterov, die nur wegen beschriebener Lebensgeschichte - der Provinzjugend in der Post-DDR, dem Erfahrungsschatz seines Elternpaars- klingt wie sie klingt und singt wie sie singt.

Mit »Große Kunst« ist Betterov ein Meisterwerk gelungen; und ein Siebenmeilenschritt aus dem sicheren Kokon. Betterov, das ist noch immer eine unverkennbare Indie-Spielart, die trotz ihrer Schroffheit feierlich zu glitzern scheint, kühlen Dark-Wave Elementen große, zeremoniöse Melodiebögen entgegensetzt und dabei mit traurigschöner Dynamik überzeugt. 2022 hat Betterov bereits mit »OLYMPIA« ein allseits beklatschtes Top-5-Album veröffentlicht, die im Oktober 2023 nachgeschobene Erweiterung »OLYMPIA (Ehrenrunde Deluxe)« samt neuer Stücke und Gastbeiträgen von Paula Hartmann, Blumengarten und Provinz haben Betterov über die deutsche Indieszene hinaus bekannt gemacht. Einmal mehr hat Betterov die neuen Lieder in Zusammenarbeit mit Produzent Tim Tautorat aufgenommen - immerhin hat dieser seinen Sound von Beginn an entscheidend mitgeprägt.

Release 7.11.2025

Ein Album von bittersüßer Schönheit, voller Ambivalenzen und gutem Pop. Steiner & Madlaina veröffentlichen ihr viertes Studioalbum »Nah Dran«; zweieinhalb Jahre nach ihrem letzten Album. Es ist ein Werk, das in seinem warmen Pop-Sound und seiner wie immer exzellenten Textarbeit hält, was man sich von diesem Duo verspricht, dabei aber einen Schritt nach vorn macht.

Inhaltlich verhandelt dieses Album die wichtigste Erkenntnis unserer Zeit: Die Welt ist widersprüchlich und wir müssen lernen, das auszuhalten. Die Songs erzählen präzise und poetisch von Selbstzweifeln, politischer Haltung, Beziehungen, Zeitgeist und Gesellschaft; sie sind witzig, tief, poetisch, doppeldeutig, zitatwürdig und gegenwärtig.

In seinem Sound streift dieses Indie-Pop-Album Jazz, Singer-Songwriting und orchestrale Elemente. Bläser, Streicher, Kinderchor und Klavier treffen auf Gitarren und handgemachte Sounds. Die Produktion ist detailverliebt, mal organisch, mal elektronisch, in Vielem mutig, oft All In. Trotz aller Komplexität bleibt Nah Dran tanzbar, mitsingbar und zugänglich. Es ist gut gelaunte Popmusik mit Haltung - nostalgisch, verspielt, aber nie naiv. Ein Album, das Gesellschaftskritik durch Selbstkritik übt, das feiert und reflektiert, das sich nicht mit einfachen Antworten zufriedengibt. (Und die Liebe kommt auch nicht zu kurz.)

Release 7.11.2025

Nur wenige Monate nach dem spektakulären Neustart »I Just Want To Be A Sound« kehren Kadavar zur Quelle ihrer urwüchsigen Fuzz-Kraft zurück. »Kids Abandoning Destiny Among Vanity And Ruin« vereint Stoner, Doom und Classic Rock.

Mit »I Just Want To Be A Sound« überraschten Kadavar nicht nur ihre Fans. War das Album doch im Vergleich zu ihren bisherigen Alben poppiger und quasi ein klangliches Manifest für Freiheit und Neuerfindung. Das in dem Quartett eine unglaubliche Kreativität und Produktivität steckt, beweist das jetzt schon folgende Album. Die Bandbreite reicht vom frechen Slacker-Rock von »Stick It« über den dröhnenden Moloch von »K.A.D.A.V.A.R.« bis zur Thrash-Metal-Keule »Total Annihilation«. Vielfältiger und zugleich archetypischer klangen Kadavar wahrscheinlich noch nie.

Aber so ist das eben, wenn wirklich jedes Bandmitglied gleichberechtigt Songs und Ideen beisteuert. Ob man das dann jetzt am Ende des Tages Hard Rock, Retro Rock, Classic Rock, Vintage Rock, Doom Rock oder einfach nur gottverdammte Rockmusik nennt, ist völlig egal: Es klingt vertraut und neu zugleich, würdigt das Gestern ohne darin verhaftet zu sein. Und ist vor allem eines: Ein Album übervoll mit Spielfreude.

Release 7.11.2025

Düstere Tage verlangen nach heftiger Liebe. Und Mavis Staples, eine der beständigsten Persönlichkeiten der amerikanischen Musik, legt sie auf. »Sad And Beautiful World« ist das neueste Solo-Album eines nationalen Schatzes und Multigenerationstalents.

Produziert von Brad Cook, umspannt »Sad And Beautiful World« sieben Jahrzehnte des amerikanischen Songbooks - eine Bandbreite, die fast so groß ist wie Mavis' Karriere - und enthält Neuinterpretationen zeitloser Songs von Tom Waits, Sparklehorse, Gillian Welch, Frank Ocean und anderen. Cook stellte sich ein Album in der Tradition von »Will the Circle Be Unbroken« der Nitty Gritty Dirt Band vor: eine Gruppe von Künstlern, die zusammenkommen, um eine Gemeinschaft zu feiern - in diesem Fall eine, die sich um Mavis dreht. Zu den Mitwirkenden gehören Buddy Guy, Bonnie Raitt, Jeff Tweedy, Derek Trucks, Katie Crutchfield, MJ Lenderman und Justin Vernon.

Mavis wurde in mehrere Ruhmeshallen (Blues, Rock und Gospel) aufgenommen, vom Kennedy Center geehrt und mit mehreren GRAMMYs ausgezeichnet (darunter ein Preis für ihr Lebenswerk). Sie hat mit fast allen Größen ihrer Ära zusammengearbeitet, von Bob Dylan bis Prince, Aretha Franklin und Willie Nelson - ganz zu schweigen von unzähligen Stars der nachfolgenden Generationen.

Release 7.11.2025

Tristen stammt aus der lebhaften Roots-Rock-Szene von Nashville, Tennessee, und hat sich in den letzten zwei Jahrzehnten als produktive und vielseitige Musikerin etabliert. Ihr Talent für das Komponieren fesselnder Melodien und scharfsinniger Texte hat ihr hochkarätige Kooperationen eingebracht. Sie war Co-Autorin von »Love is an Art«, dem neuesten Album von Vanessa Carlton, und tourte mit Jenny Lewis als Teil ihrer Band Voyager.

Ihr folkiges Debütalbum »Charlatans at the Garden Gate« aus dem Jahr 2011 brachte ihr das Lob als »Nashvilles bestgehütetes Geheimnis« (The Boston Globe) ein, während sie sich mit »CAVES« aus dem Jahr 2013, das von Stephen Hague co-produziert wurde, als hypnotische »Synth-Pop-Sirene« (SPIN) neu erfand. Sneaker Waves erschien 2017 und markierte ihren Übergang zur vollständigen Produktion ihrer Musik und Musikvideos in ihrem Heimstudio zusammen mit ihrem langjährigen Kollaborateur und Ehemann Buddy Hughen. Rolling Stone beschrieb es als »Nilsson-würdige Powerballade«, während Ann Powers von NPR es als »voller großartiger Melodien und eingängiger Arrangements, die das Ohr kitzeln und nicht mehr aus dem Kopf gehen« bezeichnete.

2021 erschien »Aquatic Flowers«, woraufhin Talkhouse verkündete: »Sie ist eine dieser Songwriterinnen und Performerin, die von anderen Musikern absolut geliebt werden, und das aus gutem Grund. Sie ist eine Risikofreudige im Studio, wagt sich in unbekanntes Terrain vor und findet fast immer etwas, das zumindest interessant und oft unglaublich ist.« Ihr fünftes Studioalbum «Unpopular Music« erscheint im Oktober und enthält Beiträge von Pat Sansone von Wilco, Vanessa Carlton, Becca Mancari, Erin Rae und Natalie Prass. Damit kehrt sie auch endlich wieder auf die Bühne zurück und setzt ihre Karriere fort, in der sie bereits mit Robyn Hitchcock, Television, Ezra Furman und den Mountain Goats aufgetreten ist.

Release 7.11.2025

Nach Neu- und Umbesetzungen innerhalb der Band, eine, man möchte fast sagen, ungeheuerliche neue Platte, bei der es, wie scheinbar bei jeder Naked Lunch-Veröffentlichung, wieder einmal um alles zu gehen scheint. Schon der Titel führt Licht und Tod - in kleinen Portionen - mit sich, signalisiert: hier wird ohne Vorbehalte mit den Mitteln der (Pop-)Musik einmal mehr die "human condition" durch- und vermessen. Der ganze Wahnsinn, der Blick und die Reise des Songwriters und Sängers Welter mit diesen Songs gehen tief, führen weit, nicht zuletzt in sich selbst hinein - und von dort dann wieder ganz weit hinaus. "Über viele, zu viele Jahre habe ich mich wohl täglich gefragt, ob ich diese Band überhaupt noch am Leben lassen soll. Ob es denn überhaupt noch Menschen da draußen gibt, die Freude hätten mit einer neuen Platte. Und ob ich überhaupt noch bereit bin etwas preiszugeben von der ewigen eigenen Zerrissenheit, dem ewigen haltlosen Pendeln zwischen hellem Licht und dem genauen Gegenteil davon. Der dringlichen Umarmung für alles und jeden, das und der/die mir lieb ist, wie in "To All And Everyone I Love" dokumentiert, oder der bloßen Zerstörung meiner selbst, wie so schonungslos als möglich in der Miniatur "Fuck My Senses" beschrieben. Eine andere, reale Form der Zerstörung meines Körpers übernahm in dieser Zeit ein Arschloch-Krebs, der mich, vor allem psychisch, über 24 Monate gefangen hielt, eh er mich schließlich (zumindest vorübergehend) wieder freiließ und ich dadurch wieder arbeits- und gesellschaftsfähig wurde. Dem gegenüber und fast parallel zur Krankheit stand mit der Geburt meines dritten Kindes jedoch das absolut Schöne, das alles Übel weggewaschen hat, wie nur irgend möglich. Dass ich dazu in den letzten, sagen wir fünf Jahren (mindestens) zwei fertig geschriebene Alben ersatzlos getilgt habe, geschenkt …" (Oliver Welter) Die fast schon schicksalshafte Begegnung mit dem Musiker und Produzenten Wolfgang Lehmann ("der beste und talentierteste Musikversteher überhaupt", so Welter) beflügelte Welter mit ebendiesem in dessen Studio die verschiedenen Layouts der Songs von Lights And A Slight Taste Of Death fertig zu arrangieren, zu produzieren und final auch von Lehmann mixen zu lassen. Das alles freilich auch mit Hilfe der ewigen Gefährten Alex Jezdinsky (Drums) und Boris Hauf (Keys/Sax). Lights And A Slight Taste Of Death ist eine 14 Songs lange Tour de Force; ist sowohl fordernd und hart, wie zärtlich und umarmend. Ist eine intime Nabelschau, die von großen Balladen wie den betörend schönen Liedern Come Into My Arms oder Love Don't Love Him Anymore, den großen, überbordenden, himmelsstürmenden Pophymnen To All And Everyone I Love, We Could Be Beautiful oder Going Underground, sowie völlig unerwartet expressiven Ausbrüchen wie einem Saxophon-Free-Jazz-Solo im verdrogten If This Is The Last Song You Can Hear geklammert wird. "Lights And A Slight Taste of Death" nimmt so seinen Platz als konsequente Fortschreibung in der Kontinuität der qualitativ so dichtgewobenen Naked Lunch-Diskographie ein. So und nicht anders hat es zu sein.

Release 7.11.2025

Seit ihrem Debüt 925 2020 arbeiten sie an einer Topografie aus Anspielungen, Zitaten, falschen Fährten. Nun reißen sie die Landkarte ab, zeichnen alles neu. Ein Album als Maskenball: Jede Figur darf hier auftreten, lebend oder tot, real oder erdacht. Es ist das Werk, das Sorry von sich selbst befreit. "Echoes", die erste Single, basiert auf einem Gedicht: ein Junge ruft in einen Tunnel, wartet auf die Antwort. Sorry machen daraus eine Geschichte über das Verlieben, in der das Echo zu einer dritten Person wird, ein Dazwischen, das man nicht mehr auseinanderhalten kann. "Meet me at the butterfly sanctuary. Echo", haucht Asha Lorenz, als wäre das ein Schwur, der ewig gelten soll. Das Album fühlt sich an wie ein Spielzimmer für popkulturelle Geister. Ein Guided by Voices-Song mutiert zur Ballade über die Schmuddelecken des Ruhms, die berühmteste Cartoonfigur der Welt schleicht sich als Sirene ins Bild, theoretische Physik wird zu Rockmusik, die schwerer schlägt als jede Formel. Sorry haben das neue Material bereits live erprobt, erst auf eigener UK-Tour, dann als Support von Fontaines D.C., und man hört die Mischung aus Selbstsicherheit und Übermut, die dabei gewachsen ist. *

Release 31.10.2025

Offizielle Chromakopia-CD-Pressung. Gatefold-Verpackung mit Prägung und 20-seitigem Booklet. Enthält alle Chromakopia-Songs, einschließlich »Mother«.

Release 31.10.2025

Auf «Working in the Garden» besingen Batbait das Leben und seine Realitäten: Höhen und Tiefen, das Schöne, das Wilde, das Unschöne und laden in den DIY-Garten ein – hier darf das Unkraut wuchern. In der Sonne gibt es Platz für Siesta, im Schatten für Wut und Grimmiges. Das Album ist eine Einladung, sich zu verlieren und dabei Wurzeln zu schlagen. «Working in the Garden» ist Aufruf zur Selbstreflexion – die Arbeit im eigenen Garten, eine nie endende Aufgabe.

Release 31.10.2025

2020 veröffentlichte Anna von Hausswolff ihr fünftes Studioalbum »All Thoughts Fly«. Im darauffolgenden Jahr musste die schwedische Künstlerin Kirchenkonzerte absagen, weil Demonstranten ihr satanische Musik vorwarfen. Im darauffolgenden Jahr veröffentlichte sie eine Live-LP. Jetzt meldet sie sich mit der Ankündigung ihres nächsten Albums »Iconoclasts« zurück, auf dem unter anderem Iggy Pop und Ethel Cain zu hören sein werden.

Von Hausswolff dazu: »Manchmal müssen wir uns ins tiefste Wasser stürzen und so lange wie möglich den Atem anhalten. Sobald wir die Oberfläche erreichen, können wir über die Kleinlichkeit des Lebens hinausblicken und nur die Wahrheit sagen. Dieses Liebeslied ist eine Hommage an den Mann, der zuhören kann; es ist für die Frau, die mutig genug ist, einzutauchen.«

Release 31.10.2025

Die Charlatans sind zurück mit ihrem mit ihrem ersten Studioalbum seit 2017. Die elf Songs umfassende Sammlung markiert ein bedeutendes Comeback der Band. Mit "We Are Love" erweitern die Charlatans ihre klanglichen Grenzen und bieten spannende Kollaborationen mit dem gefeierten Dev Hynes und dem renommierten Produzenten Steven Street. Das Ergebnis ist ein frischer und dennoch unverkennbarer Charlatans-Sound

Release 31.10.2025

Nach zwei experimentellen Instrumentalalben kehrt Woods auf ihrer neuen LP zur Songform und vor allem zu ihrer Stimme zurück. Das intime Ökosystem des Albums mit sieben Songs nutzt Vokalharmonien und die Aussprache der Texte als Mittel, um wieder in den Körper einzutreten, mit dem Unbewussten zu sprechen und es bewusst zu machen. "Night CRIU" ist eine Zeremonie aus Licht und Schatten, ein Album, das sich gegen die erdrückende Monokultur auflehnt, indem es gleichzeitig verlorene Unschuld zurückerobert und betrauert. Woods' Klangpalette ist dynamisch und verletzlich zugleich, in ihrem Bestreben, verlorene und zersplitterte Teile des Ganzen zu integrieren. Losgelöste Klangfäden erinnern an die Risse, Ränder, vergessenen Handlungsmöglichkeiten und vielschichtigen, schlummernden Persönlichkeiten, die nachts an die Oberfläche kommen und darauf warten, bei Tageslicht wiedergefunden und integriert zu werden. Inspiriert und beflügelt von vielen Dingen, darunter die Wiederbelebung indigener Sprachen, persönliche Erfahrungen mit Paraden und Prozessionen, frühe irische Musik, die Freude am Northern Soul-Tanzen, Aspekte des tschechischen und frühen italienischen Kinos, die Unmittelbarkeit des Klangs und das Aufbegehren einer Gegenwartskollektivität, die sich mit ihrer Stimme und ihrem Eintreten für das Menschsein angesichts von Tyrannei und Unterdrückung zu Wort meldet. Night CRIU wurde zwischen 2023 und Januar 2025 an der Westküste Irlands, in Dublin, London und teilweise in Lettland aufgenommen. Die Lieder für Gesang, Blechblasinstrumente, Streicher, Elektronik, Feldaufnahmen, Texturen, Synthesizer und Klavier wurden aus vielen frühen Heimaufnahmen ausgewählt, die Woods als Spiegelbilder einander gegenüberstellte. Night CRIU wurde von Hilary Woods geschrieben und produziert, von Dean Hurley gemischt, mit zusätzlicher Produktion von Dean Hurley und Oliver Turvey, gemastert von Brian Lucey und mit Beiträgen von Hannah Fallon, Hangleton Brass Band, Gabriel Ferrandini und Ajo Gonsenica. ,Jede Platte ist eine Rettungsboje, eine Momentaufnahme, eine Markierung im Sand, ein Termin, den ich einhalten muss", so Woods. ,Ein Floß, das gleichzeitig kathartisch, schwimmfähig und verspielt ist - Platten aufzunehmen ist eine Art zu sein."

Release 24.10.2025

Splendid ist die neue Band von Michael Egger, Sänger und Songschreiber der Elektropop-Formation Jeans for Jesus und Levin Lucca Dennler, eines der wohl am wenigsten bekannten und gleichzeitig erfolgreichsten musikalischen Talente der Schweiz.

Dennler lebt und arbeitet in Zürich, Bern und Berlin und produziert u.a. für Acts wie Trettmann, CRO, Loredana, Dhurata Dora, 01099, Jule X, Stereo Luchs, Lena Meyer-Landrut, den Afrobeat Star Ruger, Bonez MC, Leila, EAZ oder Manillio. Gefragt ist Dennler ebenfalls als Komponist und Produzent für diverse Spots.

Egger und seine Band Jeans for Jesus hievten den Mundartpop aus seiner Komfortzone und verliehen ihm einen neuen, kontemporären Sound. Die Band tourte erfolgreich im In- und Ausland und arbeitete unter anderem mit Stephan Eicher, mit dem Egger mehrere Auftritte absolvierte, Sirens of Lesbos, Gere Stäuble (Züri West) oder Round Table Knights.

Die Songs für die neue, gemeinsame Formation der beiden Protagonisten zeitgenössischer CH-Popmusik entstanden in verschiedenen Sessions, in Bern, Zürich, Berlin, Mürren und Ascona. Unterstützt wurden die beiden u.a. von Faber, Stereo Luchs oder Anina Shona von Hotel Samar, die als Features auf dem Album zu hören sind. Das zweite Album ist bereits in Arbeit.

Release 24.10.2025

»Touch« ist das erste neue Album der bahnbrechenden Post-Everything-Ikonen Tortoise seit 2016. Mit »Touch« nutzen die Tortoise-Bandmitglieder Jeff Parker, Dan Bitney, Douglas McCombs, John Herndon und John McEntire ihren kollektivistischen Songwriting-Ansatz, einen leicht anarchistischen, aber entschlossen egalitären Prozess, bei dem Ideen über das Ego triumphieren und zu einer abstrakten Kraft führen. Zwar gibt es immer noch Ausflüge in die düstere, elegant knorrige Jazz-Atmosphäre, die auf wegweisenden Werken wie »Millions Now Living Will Never Die« und »TNT« florierte, doch »Touch« ist vielleicht am bemerkenswertesten für Tortoises unapologetische Umarmung großartiger Gesten.

Aerodynamisch überarbeiteter Krautrock, handgekurbelte Techno-Rave-Ups und pointillistische Spaghetti-Western-Fanfaren sind alle von Tortoises mittlerweile charakteristischer innerer Logik durchdrungen – gleichermaßen verführerisch und verwirrend, ein Rätsel, das man eher genießen als lösen sollte.

Aufgenommen in den drei Städten Los Angeles, Portland und Chicago, ist »Touch« das Ergebnis einer bewussten Anstrengung dieser fünf Musiker, ihren Sound neu zu verbinden, neu zu zentrieren und neu zu beleben, was vielleicht das bisher vielfältigste Album der Gruppe ist.

Release 24.10.2025

The Lemonheads kehren mit ihrem ersten Studioalbum mit ausschließlich Originalmaterial seit fast 20 Jahren zurück. Nach Jahren des Schreibens, des Umherziehens und des Neuanfangs sowie der Veröffentlichung der Single "Fear Of Living" kehrt Evan Dando mit 11 Original-Lemonheads-Songs zurück. Seit langem in Arbeit, geprägt von wechselnden geografischen Gegebenheiten, entstanden mit einer Reihe willkommener Gäste, ist es eine kühne, melodische Bestätigung einer der markantesten Stimmen des Alternative Rock. Dandos Wohnsitz in Brasilien, wo ein Großteil des Albums aufgenommen wurde, hat ihm in den letzten Jahren einen ruhigen Perspektivwechsel ermöglicht - eine Chance, sich neu zu orientieren, sich wieder zu verbinden und seine Songs endlich in den Fokus zu rücken. Das Ergebnis ist ein Album, das sowohl frisch als auch vertraut klingt: verwurzelt in den Merkmalen der besten Arbeiten der Lemonheads, aber erweitert durch jahrelange Lebenserfahrung und eine neue Umgebung. Love Chant wurde von dem brasilianischen Multiinstrumentalisten Apollo Nove produziert und bringt alte Freunde und neue Partner zusammen: J Mascis (Dinosaur Jr), Juliana Hatfield und Tom Morgan sind wieder mit an Bord, zusammen mit dem Produzenten Bryce Goggin (Pavement, Antony and the Johnsons), Erin Rae aus Nashville, John Strohm von den Blake Babies und Nick Saloman von The Bevis Frond. Und Adam Green von der New Yorker Kultband The Moldy Peaches ist als Co-Autor an dem lockeren Country-Abstecher "Wild Thing" beteiligt.

Release 24.10.2025 - Vinyl am 7.11.2025

Spidergawd sind klassischer Heavy Rock mit gigantischem Melodieverständnis, das teils poppige Züge annimmt. Twin-Gitarren zelebrieren dieses Melodieverständnis exzessiv, duellieren sich und feuern es an und alles steht auf einem solide klassischen NWOBHM Fundament. Für ihr achtes Album in elf Jahren Band-Geschichte haben sie einen überraschenden Titel gewählt: "From Eight to Infinity". Damit beendet die Band die Verwendung römischer Titel, die sie für ihre vorherigen sieben Alben verwendet hatte. Ansonsten scheint vieles vertraut, wenn sie mit ihrem unverkennbaren Sound, doppelten Gitarren, dreifachen Gesang und Bariton Saxophon in gewohnt aufwändigem Album Artwork stets wiedererkennbar bleiben. Natürlich bleiben die wichtigsten Referenzen wie Thin Lizzy und Motorhead offensichtlich. Aber während "VII" sich ein wenig an 80er-Jahre-Bands wie Rush, Adrian Smith und Boston anlehnen konnte, ist "From Eight to Infinity" in seinen Referenzen eher bei AC/DC und Cheap Trick auf der einen Seite und Metallica und Black Sabbath auf der anderen

Release 24.10.2025

Just Mustard ist eine fünfköpfige Band aus Dundalk, Irland.

Ihr drittes Studioalbum »We Were Just Here« ist eine Erkundung der Wiedervereinigung und des Strebens nach Glück - durch Eskapismus, Euphorie und Liebe. Musikalisch sowohl heftig als auch ekstatisch, finden sich in den Texten Charaktere, die dem Glück über alles verpflichtet sind - einschließlich des Glücks selbst. Während die Band auf ihrem zweiten Album »Heart Under« unter Wasser erstickte, erhebt sie sich auf diesem Album in die Lüfte und entdeckt den intensiven Rausch der Gefühle wieder.

Release 24.10.2025

Lebanon Hanover kehren mit Songs zurück, welche die Zeit bis zum nächsten Termin mit der LieblingstherapeutIn überbrücken können. Fast fünf Jahre nach der Veröffentlichung ihres letzten Werkes »Sci-Fi Sky« hat Lebanon Hanover nun mit »Asylum Lullabies« einen Soundtrack für einen Besuch in einer psychiatrischen Klinik kreiert.

Das 2025 erscheinende Album ist die Weiterentwicklung eines noch kälteren, noch bissigeren Sounds einer Band, die seit über einem Jahrzehnt die Nu Wave/Post-Punk-Szene dominiert, es ist ein sehr schweres Album, das sich mit psychischen Problemen, einer Trennung, andauernden Kriegen und dem aktuellen Horror der Welt befasst, der einen letztendlich mit Angst, Furcht und einem ständigen Gefühl der Erdrückung zurücklässt. Alles bricht gleichzeitig zusammen. Die Mitglieder Larissa Iceglass und William Maybeline schrieben diese Songs aus polarisierenden Perspektiven, haben dabei ein schlüssiges Album produziert. Für Fans von Twin Tribes, Ash Code, Selofan, Cold Wave, Independent, Postpunk

Release 17.10.2025

Mit ihrem zweiten Album „THE HEART THE HEART THE HEART" loten Lia Sells Fish neue Wege zwischen Poesie, Wildheit und klaren Songstrukturen aus. Aus Improvisationen sind intime, ehrliche Songs entstanden, die durch verschiedene Stilrichtungen mäandern. Pop, Post-Rock, Jazz, Trip-Hop, immer mit der Stimme von Christine Hasler im Vordergrund, die getragen und abgelöst wird von Ueli Kempter an den Keys, Pascal Lüthi an den Drums und Stefan Shishkanov an Gitarre und Bass-Klarinette.

Frische, herzöffnende, tiefe und ehrliche Texte über Neuanfänge, Erschöpfung, Freiheit und die Liebe strahlen über alle Songs hinweg und treffen direkt ins Herz.

Release 17.10.2025

Auf »Deadbeat«, dem fünften Album von Tame Impala, entwirft Parker eine Sammlung verrucht potenter Club-Psych-Explorationen als Vehikel für einige seiner direktesten, hirnverbrannten Songtexte, die er bisher geschrieben hat, wobei er Tame Impala als eine Art primitiven Rave-Act der Zukunft darstellt.

»Deadbeat« klingt wie das Werk eines Künstlers, der sein Handwerk beherrscht und mit neuer Experimentierfreude glänzt. 12 Songs, die mit einer neu entdeckten Spontaneität des bekannten Perfektionisten entstanden sind. Das manifestiert sich in einem ausgeprägten Minimalismus und Crunch in vielen der Tracks, mit einer Reihe entscheidender Details, Klangfarben und Texturen, die dem Sound eine unbeschreiblich neue Dimension verleihen, sowie einer reichhaltigeren, verspielteren stimmlichen Bandbreite als je zuvor.

Release 17.10.2025

Nach über drei Jahrzehnten endlich neue Musik der Schweizer Metal-Pioniere CORONER. „Dissonance Theory“ enthält 10 neue Songs auf 47 Minuten, aufgenommen von Tommy Vetterli in den New Sound Studios in der Schweiz und gemischt/gemastert von Jens Bogren in den Fascination Street Studios in Schweden (Opeth, Kreator, Amon Amarth, etc.). Erhältlich als Limited 2CD Mediabook (mit erweitertem Booklet und dem legendären „Death Cult“-4-Track-Demo von 1986 – mit Tom G. Warrior [Triptykon, Celtic Frost, Hellhammer] am Gesang – als Bonus-CD), Standard-CD-Jewelcase und LP auf 180g Vinyl. Brutale Präzision. Unerbittliche Klarheit.

Release 17.10.2025

"Some Like It Hot" - so heißt nicht nur der legendäre Hollywood-Film von 1959, sondern auch das neue Album des Londoner Trios. Wie die Vorlage sprüht es vor Romantik, Intrigen und Selbstfindung - mal im Gewand von leidenschaftlichen Rockhymnen, mal als betörender Folk-Pop oder taumelnde Ballade, durchzogen von plötzlichen Momenten, die wie Sonnenlicht aus dem Nichts aufblitzen. Nina Cristante, Jezmi Tarik Fehmi und Sam Fenton bringen drei unverwechselbare Stimmen und Persönlichkeiten ein, die sich zu einem intensiven Ganzen verweben. Die Band lotet Kontraste aus - zwischen Zartheit und Ekstase, Intimität und Ausbruch - und verwandelt ihre Eigenheiten in hymnische Refrains. Songs wie das elektrisierende "omni shambles", die New-Wave-Majestät "Lioness" oder das leidenschaftliche "rooster" zeigen eine Gruppe, die die große Bühne gierig erobert. Nach zwei gefeierten Alben 2023 und über 160 Konzerten weltweit - von Istanbul bis Tokio, von Glastonbury bis Coachella - präsentiert sich bar italia nun als expressive, selbstbewusste Live-Band, die sich zwischen Festival-Moshpit und Momenten atemloser Stille mühelos bewegt. "Some Like It Hot" ist die Essenz dieser Reise: ein Album, das Herz, Kopf und Bühne gleichermaßen im Sturm nimmt.

Release 17.10.2025

“From The Pyre“ (dt. „Vom Scheiterhaufen”) ist das hoch antizipierte zweite Studioalbum der wahrscheinlich meist gehypten Newcomer-Band aus UK – The Last Dinner Party. Die fünfköpfige Londoner Band ging Ende 2024 mit dem Grammy-prämierten Produzenten Markus Dravs (Wolf Alice, Florence & The Machine, Bjork) ins Studio, um die Arbeit am Nachfolger gefeierten Debütalbums “Prelude to Ecstasy“ aus dem Jahr 2023 aufzunehmen. Auf “From The Pyre“ hört man eine Band, die eine Menge Spaß hat und sich trotz des unglaublichen Erfolgs ihres Debütalbums nicht unter Druck gesetzt fühlt. Es ist auch der Sound einer jungen Band, die ihr Songwriting gemeinsam weiterentwickelt hat und durch die lange Zeit auf Tour zu einer engen Einheit gereift ist. Die Band sagt über das Album: „Dieses Album ist eine Sammlung von Geschichten und das Konzept des Albums als Mythos verbindet sie miteinander. „The Pyre“ (dt. „der Scheiterhaufen“) selbst ist ein allegorischer Ort, an dem diese Geschichten ihren Ursprung haben, ein Ort der Gewalt und Zerstörung, aber auch der Regeneration, der Leidenschaft und des Lichts.“
Mit zwei BRIT Awards und ausverkauften Konzerten auf der ganzen Welt war die Ankunft von The Last Dinner Party in der Musikszene und der anschließende weltweite Erfolg eins der aufregendsten Debüts für eine neue britische Band seit Jahrzehnten. Mit der Ankündigung von "From The Pyre" deutet nun alles darauf hin, dass diese beispiellose Erfolgsgeschichte nahtlos fortgeführt wird.
Das Album erscheint auf CD im Digipack und als 140g Standard Black 1LP.

Release 17.10.2025

Das erste neue Album von Soulwax seit 8 Jahren: „All Systems Are Lying“. Seit 1995 haben David und Stephen Dewaele die Grenzen der Musik immer wieder in neue und innovative Bereiche verschoben, indem sie sich in viele verschiedene Richtungen entwickelt haben. Sie sind eine Band (Soulwax), DJs (2manydjs), ein Plattenlabel (DEEWEE) und ein Soundsystem (Despacio). Zu ihren kultigen Remixen gehören Fontaines DC, Roisin Murphy, Robyn, Arcade Fire, The Rolling Stones, Tame Impala, Metronomy, Daft Punk, The Gossip, Hot Chip, MGMT.

Release 17.10.2025

Das brandneue Ensemble aus Bern und Hamburg macht sich auf, mit einer ganz eigenen, modernen Mixtur die Szene aufzumischen: schnell und dreckig, doomig und verzerrt, balladesk und bläserarrangiert. Man kann Alternative Rock und Indie Pop unserer Tage heraushören, wenn man will. Irgendwann wird’s bombastisch und die Stimme von Jeannette Wolf hebt ab. Dazu formieren sich Higi Bigler, Tobi Heim und Urs Gilgen, die einst bei den verblichenen Kummerbuben zu Werke gingen. The Loupettes schaffen Musik, die mal schwebt, mal kracht, und mal zum beherzten Tanz bittet.

Release 17.10.2025

Endlich veröffentlichen POLIÇA ihr neues Album „Dreams Go“ über Memphis Industries.

Seit ihrem Durchbruch aus der pulsierenden Underground-Szene von Minneapolis im Jahr 2011 hat sich POLIÇA einen einzigartigen Platz im elektronischen Indie-Pop erobert, indem sie düstere Synthesizer, pulsierende Rhythmen und die unverwechselbare Stimme von Channy Leaneagh miteinander verbinden.

Mit „Dreams Go“ liefern POLIÇA ihr bisher emotionalstes und texturreichstes Werk – eine ergreifende Meditation über Verlust, Widerstandsfähigkeit und die zerbrechliche Schönheit des Festhaltens. Das Album, das im Schatten der Glioblastom-Diagnose von Bassist Chris Bierden geschrieben und aufgenommen wurde, ist sowohl eine Elegie als auch ein Akt der Bewahrung und fängt die Band in einem Moment tiefgreifender Veränderung ein.

Das Album ist eine Sammlung von acht neuen Songs, die im Pachyderm Studio in Minnesota aufgenommen wurden und die letzten Sessions der Band mit Chris Bierden markieren, bevor er seine Spielfähigkeit verlor. Die Platte pulsiert mit einer rohen, elegischen Energie, ein Zeugnis der Chemie, die das erste Jahrzehnt von POLIÇA geprägt hat.

Obwohl aus Trauer entstanden, ist „Dreams Go“ alles andere als statisch. Es atmet, schimmert und betont letztendlich die Kraft des Schaffens von Kunst angesichts der Ungewissheit.

Release 17.10.2025

Mit dem weltweiten Erfolg von Natural Brown Prom Queen im Rücken legt Sudan Archives noch eine Schippe drauf: Aus einer hands-on DIY-Künstlerin ist eine ausführende Produzentin geworden.

Aufgenommen in Los Angeles, Chicago und Detroit, hat sich die innovative US-amerikanische Geigerin, Sängerin, Songwriterin und Produzentin mit THE BPM - ihrem dritten und bislang wohl ehrgeizigsten Album - ganz der Clubmusik verschrieben. Nach wie vor geprägt von ihrem Signature Instrument, der Geige, präsentiert sich die Musik auf The BPM tanzbarer denn je.

Release 17.10.2025

Miles Kane, gefeierter englischer Rocker und Mitbegründer von The Last Shadow Puppets zusammen mit Alex Turner von den Arctic Monkeys, veröffentlicht mit Sunlight In The Shadows sein erstes Easy Eye Sound-Album in Zusammenarbeit mit dem GRAMMY-prämierten Produzenten Dan Auerbach (The Black Keys). Das Album wurde gemeinsam mit Auerbach, Patrick Carney, Daniel Tashian und Pat McLaughlin geschrieben. Überlagert von üppigen, kreischenden Gitarren und vollgepackt mit Hooks, bewegt sich das Album auf dem schmalen Grat zwischen rauem, energiegeladenem Rock und entspannten Crooning-Hymnen, alles mit einer Prise von Miles' charakteristischer Tremolo-Gitarre und einer ganzen Menge Spaß. Über die Entstehung von Sunlight In The Shadows sagt Miles: "Alle Wege, die ich in den letzten 20 Jahren gegangen bin, haben hierhergeführt"

Release 17.10.2025

Das bemerkenswerte Debütalbum des Quartetts bietet eine Spritztour durch klangliches Terrain, das herrlich laut, hymnisch, bombastisch und wunderschön ist, mit sofort fesselnden Songs, die das seltene Kunststück vollbringen, Nostalgie zu wecken und gleichzeitig völlig neu zu klingen. Der zerklüftete, verwaschene Sound der Band hat Vorläufer in 90er-Jahre-Gitarrenbands wie Sonic Youth und My Bloody Valentine, aber die Band um Sängerin Janelle Barreto macht aus diesen Prüfsteinen etwas ganz Eigenes. Kein Wunder, dass sie weithin als eine der vielversprechendsten Gitarrenbands ihrer Generation gelten.

Release 17.10.2025

Es sind acht Jahre vergangen, seit Montreals The Barr Brothers ein Album veröffentlicht haben. In dieser Zeit hat das Leben sie - persönlich wie beruflich - in neue Richtungen geführt und ihre Art, gemeinsam Musik zu machen, verändert. Ihr viertes Studioalbum Let it Hiss ist nicht einfach nur eine neue Sammlung von Songs. Es ist ein Dokument der Transformation. Die Entstehung dieses Albums markierte einen Wendepunkt: eine Phase der Reflexion, eine Auseinandersetzung mit Verletzlichkeit und eine Wiederverbindung zwischen den beiden Brüdern, die seit über drei Jahrzehnten Seite an Seite Musik machen. Schon ab diesem ersten Moment lädt das Album in einen Raum ein, in dem Makel nicht herausgeschnitten, sondern verstärkt und gefeiert werden. Es ist ein kraftvoller Einstieg in ein Album, das auf Ehrlichkeit, Wiederentdeckung und Vertrauen beruht.Für die Brüder wurde das Aufnehmen zu einem Spiegel. Der Prozess begann nicht mit Klang - er begann mit Wahrheit. Sie setzten sich nicht nur mit kreativen Blockaden auseinander, sondern auch mit persönlichen: alten Mustern, unausgesprochenen Spannungen, Trauer, Wachstum. Durch all das fanden sie wieder zu einem Rhythmus - nicht durch Perfektion, sondern durch Erlaubnis.

Release 10.10.2025

Das Debütalbum „Violent God“ von Pain Magazine entsteht aus der unerwarteten Fusion zweier gefeierter Acts aus völlig unterschiedlichen Musikwelten. Die französischen Post-Hardcore-Veteranen Birds in Row – darunter Singer-Songwriter Quentin Sauvé – schließen sich mit dem französisch-amerikanischen Elektronik-Duo Maelstrom und Louisahhh zusammen, um etwas zu schaffen, das über ihr individuelles Erbe hinausgeht.

Was als zufällige Begegnung im Studio während eines eisigen Winters begann, entwickelte sich zu elf Tracks, die innerhalb von sechzehn Tagen geschrieben wurden. Diese Künstler entwickelten einen Sound, der die Post-Hardcore-Intensität von Birds in Row mit der elektronischen Präzision von Maelstrom und Louisahhh verbindet und etwas schafft, das über ihre etablierten Grenzen hinausgeht.

Violent God dokumentiert das Überleben unter den heutigen Bedingungen. Das Album thematisiert psychische Erkrankungen, systemische Ausbeutung, Sucht und Erlösung auf direkte Weise. Von der Auseinandersetzung mit Glauben und Schuld im Titelsong über die Analyse toxischer Beziehungen in „Dead Meat“ und die Kritik am Raubtierkapitalismus in „Weak and Predatory“ bis hin zur Untersuchung von Sucht in „Magic“ – Pain Magazine konfrontiert schwierige Themen, ohne sie zu romantisieren.

Dies ist Musik, die den Hörer herausfordert und gleichzeitig melodisch bleibt.

Release 10.10.2025

Das 10 Songs enthalnde 5te Album ist von großartiger musikalischer und emotionaler Tiefe und stellt das neueste Kapitel in der Geschichte der Band dar. Der Großteil von Volume V wurde in The Sheerar aufgenommen, einer ehemaligen Kirche, die heute das Stillwater History Museum ist. "Zurück in unserer Heimatstadt zu sein, war in mehr als einer Hinsicht ein Zufluchtsort für uns", sagt Gründungsmitglied Jonathon Mooney. "Mystic" ist der erste Track des Albums, und von den ersten Tönen an ist klar, dass die cineastische Bandbreite ihrer Arrangements und Melodien um mehrere Stufen gestiegen ist. Die acht Songs und zwei Instrumentalstücke des Albums sind voller orchestriert und von größerer Dramatik - ein Beweis für den Hunger der Band, sich weiterzuentwickeln und gleichzeitig die Essenz dessen zu bewahren, was Other Lives so einzigartig und unwiderstehlich macht.

TV CULT haben vor zwei Jahren beeindruckend gezeigt, was Postpunk heute alles sein kann, wenn man nur mutig genug ist, dessen Grenzen auszuloten, um selbige dann respektvoll niederzureißen. Jetzt melden sich die vier Kölner zurück und präsentieren nach "COLONY" dessen gewaltiges Gegenstück "INDUSTRY". Ein kolossales Zweitlingswerk, das die Tugenden des Debüts an die Hand nimmt, um diese noch ein paar Schritte weiter in Richtung Abgrund zu führen. Was geblieben ist, ist die stimmgewaltige Umarmung Sänger Marcos, der es erneut schafft, TV CULTs markante Kernschmelze aus croonigem Factory-Sprech und brutalen DC-Hardcore-Shouts erstrahlen zu lassen. "INDUSTRY"s messerscharfes Songwriting, seine perfekt inszenierten Details und die großartige Produktion (Aufgenommen hat Christoph Scheidel (Hammerhead), Mixing Misha Hering (High Vis/ Idles) / Mastering Brad Boatright (Sleep, Stranger Things OST)) katapultieren TV CULT und ihre zehn neuen Songs allerdings auch in ganz neue Sphären. Der neue Synthie ist kein Beiwerk, sondern Teil des Konzepts und ist mal subtil-emotional ("Surrender"), mal treibend ("Crack The Whip"). Das Fundament lebt von den wummernden Basslines und den wuchtigen Drums, die in "Whirlwind" an die frühen Killing Joke erinnern. Gitarrist Martin präsentiert sein Instrument diverser und gereifter, ohne sein Gespür für minimalistisches und zugleich wirkungsvolles Riffing einzubüßen. All das macht "INDUSTRY" nicht nur zu einem der besten Alben 2025, sondern stellt TV CULT auch auf eine Stufe mit ihren Freunden von DITZ, IDLES und HIGH VIS.