Release 12.3.2021

Daß der Cypress Hill-DJ eine Art "dunkler Ordensbruder" des Hiphop ist, unterstreicht der wie ein Hörfilm funktionierende, mit gothic Sounds, gruseligen (Sprach-) Samples und exzellenten "darkest" Beats beeindruckende Soundtrack für einen Film, der noch gedreht werden muss. Muggs überzeugt mit dramaturgische Qualität eines DJ Shadow und gelingt ein atmosphärisch aufregender wie in die Tiefe gehender Sog der unheimlichen Sorte mit Beats zwischen Hiphop, Grime und Dub und einer Mischung aus Horror-Samples, Analog-Synthchords, durch die Räume hallendem Klavier, mystischen, psychedelisch eingesetzten Samples, britzelnden Unschärfesounds und Field Recordings zur Unterstreichung seines Anliegens, das Excalibur der Dunkelheit zum Glanz zu bringen und die Angst vor dem Black Goat eindrucksvoll zu illustrieren. Ein bedrohliches Gefühl von akustischem Schaudern stellt sich auf kompletter Albumlänge ein.

Release 14.5.2021

Sein 17tes Album besteht aus zehn intensiven Songs, die Geschichten von Menschen erzählen, die schlimmen Umständen trotzen. Das vom aus Seattle, Washington stammenden amerikanischen Singersongwriters selbst produzierte Album gehört klanglich zu seinen exponiertesten Arbeiten. Einflüsse waren der einzigartige Sound von Alben wie Lou Reeds "The Bells" oder Paul McCartneys "Ram". Düstere Szenerien und Geschichten des Zwielichts sind seit langem fester Bestandteil von Jurados Songs über Geister, Mörder, grausame Liebhaber oder den falschen Messias. Auf "The Monster Who Hated Pennsylvania" wirken die Inhalte mehr geerdet, fast schon aus dem Lebensalltag zitiert und von gewöhnlichen, aber nicht weniger gewaltigen Katastrophen gezeichnet: ein sich auf eine Stadt zubewegender Wirbelsturm, Amnesie, Krankheit oder belastete wie belastende Beziehungen. Auf "The Monster Who Hated Pennsylvania" kreiert Jurado seine eigene Twilight Zone, 'einen Ort zwischen Licht und Schatten', wie es der 48-Jährige ausdrückt. Er öffnet dem Zuhörer eine Dimension der Vorstellungskraft rund um den Grenzbereich zwischen Herzschmerz. Er kennt die geheimen Worte und flüstert sie im richtigen Moment.

Release 14.5.2021

Das sechste Album von St. Vincent deckt eine neue Facette an der sich ständig weiterentwickelnden Künstlerin Annie Clark auf, einer der faszinierendsten Erscheinungen gegenwärtiger Pop-Musik ist: "I was inspired by the classic records of the 70's. Stevie. Sly. Stones. Steely Dan. Chords. Groove. The days when sophisticated harmony and rhythm didn't sound heady - they just sounded, and felt, good. Lots of guitar. But warm sounds, not distortion and chaos. Hopefully a turn nobody will see coming." Das Album wurde von Annie Clark und Jack Antonoff produziert, von Cian Riordan gemixt und von Chris Gehringer gemastert. Als MusikerInnen beteiligt sind Annie, Jack und Cian sowie Thomas, Evan Smith, Sam KS, Greg Leisz, Daniel Hart, Michael Leonhard, Lynne Fiddmont und Kenya Hathaway.

Release 12.3.2021

Produziert von Jack Splash (Kendrick Lamar, Alicia Keys, John Legend) und Valerie June, ist das neue Album mitreißend und ambitioniert, mit einer erdigen R&B-Produktion und einem Hauch von Psychedelik inmitten der astralen Folk-Pop-Orchestrierung – die beiden haben einen Sound geschaffen, der elegant und immer wieder überraschend ist. Im Mittelpunkt steht Junes fesselnder Gesang und ihr ansteckender Sinn fürs Staunen, mit dem die aus Brooklyn – via Memphis – stammende Künstlerin von ihrer oft prekären, doch freudvollen Reise voller Möglichkeiten erzählt.

Von der zart geflüsterten Epiphanie von Fallin, dem Erneuerungs-Soul von Two Roads bis zur freudigen Entschlossenheit von Smile und der andächtigen Anrufung von Home Inside – die sich wandelnden Texturen von The Moon and Stars: Prescriptions for Dreamers sind grenzenlos hypnotisierend.

Release 19.3.2021

Die Dunkelheit ist immer präsent, das bringt das aussergewöhnliche Timbre ihrer Stimme immer mit sich, auch wenn sie Versionen von Songs anderer singt. In der Isolation des Lockdown nahm die Britin in ihrem Zushause in Nord-London eine Reihe von Versionen von Fans vorgeschlagenen Songs auf, als einzige Begleitung ist dabei das ebenfalls von ihr gespielte Klavier zu hören. Am passendsten zur Lebens-Situation paßt vielleicht "Every day is exactly the same" von Nine Inch Nails, richtig unter die Haut geht auch "Lovesong" von The Cure, ausserdem interpretiert sie Pixies "Where is my mind", Deftones "Be quiet and drive", Smashing Pumpkins, Godron Lightfoot, Radiohead´s "Creep" oder auch sehr klasse "Nights in White Satin" von Moody Blues. Nur bei der version von "Into the arms" von Nick Cave ist sie mit Bandbegleitung zu hören.

Release 16.4.2021

Neues Album des norwegischen Trios Bent Saether und Hans Magnus Ryan mit dem Drummer Tomas Järmyr ! Harte Zeiten verlangen nach grossen Riffs ! Motorpsycho sind bereits 1 Jahr nach Veröffentlichung von "The All is One" und dem Abschluss ihrer "Gullvåg Trilogy" zurück mit einem neuen Studio-Album, das erneut im Black Box Studio (Frankreich) und im heimischen Trondheim fertig gestellt wurde. Manche Musiker sind mit ihren Alben und neuen Produktionen in der Corona-Zeit introvertierter und melancholischer geworden, Motorpsycho stellen den Freiheitsbeschränkungen durch den Virus ihr bis dato Riff- und Metal-lastiges Album seit "heavy metal Fruit" entgegen. Im Entstehungsprozess zu Kingdom of Oblivion ging es den 3 Norwegern aber nicht nur um das Zentrum "a pure hard rock record", zu entwickeln, sondern aus 'Kingdom Of Oblivion' wurde viel mehr als das, aufgrund der vielen Einflüsse der Band entstanden Songs, die in etwas so klingen, als hätten The Incredible String Band, Fleetwood Mac und Bert Jansch sich zu einer gemeinsame Session von Tony Iommi Unterstützung geholt.

Release 23.4.2021

Das 13te Album der Indie-Rock-Legenden wurde von Kurt Vile koproduziert, der auch als gelegentlicher Gastmusiker mitwirkte, eine ausgesprochen "haarige" Kombination! Das 5te Album seit ihrer Wiedergeburt Mitte der 00er-Jahre bietet natürlich in erster Linie den typischen coolen Signatur-Sound, was in erster Linie der Stimme und Gitarre von J. Mascis geschuldet ist, aber natürlich auch dem knarzigen Lou Barlow-Bass und dem Go-Cart from Hell"-Drumming von Murph, wie gleich das gut ins Ohr gehende "I ain´t" mit weiblichen Backgroundvocalzusatz zeigt. Es gibt durchaus einige kleine Überraschungen: "I met the Stones" begeistert überraschenderweise mit einem astreinen Metal-Gitarrenschrabbel-Riffing der dann aber leicht entschärft wird und mit coolem Backgroundraunen unterlegt ist. Das im Uptempo gehaltene "I ran away" baut auf akustischer Staffelei auf, überbaut von cool ineinander zahnenden weiteren Gitarren und Vocals. Etwas sehnsüchtiger wird es da schon bei dem barock angehauchten "The Garden", bei dem Lou Barlow wie bei einem weiteren Song das Mikro übernimmt. Das anschliessende "Hide another round" setzt mit seinem Stop & Go-Riff und seinem Zwischengerattel einen energetischen Kontrapunkt. Bei dem großartigen "Take it back" kommt auch ein Klavier zum Einsatz, um das bluesige Song-Feeling noch zu unterstreichen, ein besonderer Song mit klasse Refrain. Natürlich gibt´s mehr als genug typische Dino-Nummern, die im Gitarren-Tiefflug typisch voll und breitbeinig nach vorne gehen wie "And me" oder "I expect it always" oder "N say", bei dem J. eines seiner klasse GitarrenSolis andeutet. Ursprünglich war das Album schon zur Veröffentlichung für Mitte 2020 angedacht, nachdem die Albumsessions im späten Herbst 2019 im Anschluss an eine Tournee in der gewohnten Umgebung begonnen hatten und dann wie gewohnt im Amherst's Biquiteen aufgenommen wurde.

Release 28.5.2021

Nun folgt CARNAGE, das erste Studio-und-Song-Album des Duos Nick Cave und Warren Ellis. Es handelt sich tatsächlich um eine Art Bad-Seeds-Platte ohne die anderen: kein Bass, keine Drums. Cave singt und spielt Klavier, Ellis organisiert den Rest: Geige, Loops, Gitarren, Elektronik – auch Beats. Das Album beginnt mit einem pumpenden Wumms, der nahelegt, CARNAGE könnte zum Electronica-Abenteuer werden. Zur Ruhe kommt das Album erst in der zweiten Hälfte. Im ersten Stück „Hand Of God“ widmet sich Nick Cave mit biblischen Versen der Katastrophe, die uns umgibt, lähmt und tötet. Er war schon immer ein Dichter der Apokalypse, seine Metapher von der Hand Gottes, die wie ein Hammer vom Himmel auf uns niederschlägt, zeigt Wirkung: Electro-Goth von einem, der vom Glauben abfällt.

CARNAGE startet mit der Apokalypse und endet also damit, die Balkontür aufzumachen, den neuen Tag zu begrüßen. Nick Cave, der Lockdown-Storyteller. Plus Warren Ellis, dem begnadet guten Mitstreiter.

Release 23.4.2021

"Wenn ich wüsste, was in dieser Kiste ist, küsste ich Dich, den Fürst von Metternich", mit diesen Zeilen beginnt der von Olaf O.P.A.L. produzierte Psychedelic-Rock-Trip des 2ten Albums und schon befinden wir uns mittendrin im 17 Lieder starken Ententraum-Epos von Peter Rubel, Pedro Goncalves Crescenti und Joel Roters. Aber Moment mal, meinen die tatsächlich den europäischen Politiker?! Oder den nach ihm benannten Sekt aus dem Rheingau?! Dann wiederum würde auch die besungene Kiste wieder Sinn machen. Die Musik dieses Traum sklingt jedenfalls so, als hätten die Beatles ihre Inspiration für das Weiße Album nicht nur in Indien, sondern auch bei einem schottischen Dudelsackvirtuosen gesucht. Aber kaum hat man seine Gedanken zum fraglichen Fürsten etwas geordnet, da taucht auch schon ein gewisser Herr Schmidt als "Gedankenzähler" auf. Dieser merkwürdige, von Pedro Concalves-Crescenti gesprochene Charakter, tritt auf diesem Album immer mal wieder als eine Art manischer Philosoph in Erscheinung. Er ist es auch, der sich später auf der Platte für den "Traum der Ente" verantwortlich zeigt. Auch wenn Peter Rubel ihm dabei immer wieder ins Wort fällt - und das nicht nur in diesem Song. Der Gedankenzähler jedenfalls scheint vor allem ein großer Geschichtenerzähler zu sein, voller versponnener und entzückender Ideen. Aber das wirklich Verrückte auf diesem Album: Alles in diesem surrealen Ententraum ergibt sofort Sinn, wenn die Band zum Chorgesang anstimmt. Der für International Music so typische Harmonie-Gesang, der immer so klingt, als singen The Byrds gerade zusammen mit Ian Curtis. Sixties-Pop und 80er Jahre Postpunk in einer vollkommen stimmigen Melange. Flowerpower in einer Welt aus Beton und Glasfaserkabeln. Dabei spielt es überhaupt keine Rolle, ob gerade die "Beauty of the bar" oder ein "Wassermann" besungen wird, ob wir uns mit ihnen auf die "Insel der Verlassenheit" oder in die "Höhle der Vernunft" begeben. Am treffendsten bringt es die Band selbst im Song "Misery" auf den Punkt: "Die Sprache ist eklektisch. As you and me!" Doch sobald der Chorgesang aufblüht, ist die Band über "All this misery" komplett erhaben. Das Herz geht einem auf - und das ohne jeden Deutschrock-Pathos! Da wird sich zwischendrin lieber in bester S.Y.P.H.-Punk-Manier mit verzerrten Instrumenten gegenseitig angemacht und "Spiel Bass!" geschrien, Oder es erklingt, wie im Song "Marmeladenglas", ein Stoner-Rock-Riff, das sich im Laufe des Stücks zum monotonen Drone entwickelt, weil Drummer Joel Roters den Schlagzeug-Einsatz so schön lang herauszögert. Und wenn es schließlich in dem Song "Zucker" heißt: "Falsche Leute angelacht / Zu viel nachgedacht / Weltraumschrott im Treppenhaus / und der Blues schaut aus seiner Wohnung / in seinem Samtpullover in dunkelblau / Hart aber fair, am Start und zwar sehr", dann sind die Fehlfarben aus "Monarchie & Alltag" tatsächlich nicht mehr weit. Vielleicht sind International Music so etwas wie eine hochmusikalische Punkband. Wobei sie unbedingt auch eine Krautrock-Band sind, hörbar große Verehrer von La Düsseldorf, sich aber immerzu dem Song verpflichtet fühlen. Ebenso unüberhörbar: Der Einfluss der brasilianischen Tropicalismo-Bewegung. Der "Ententraum" ist ein humorvolles, sprachverliebtes, psychedelisches (Anti-) Konzeptalbum voller Hits für hochkomplizierte Zeiten!

Release 5.3.2021

Sven Regener, Richard Pappik und Ekki Busch, alle drei bekannt und verbunden durch die Band Element of Crime, haben ein Jazz-Album aufgenommen. Sie spielen mit Trompete, Schlagzeug und Klavier zwölf Klassiker des Jazz, vorwiegend aus den 40er und 50er Jahren: Stücke von John Coltrane, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Billie Holiday, Charlie Parker und anderen. Regener Pappik Busch brauchen keinen speziellen Grund, um diese Stücke zu spielen. Ihre hörbare Lust am musikalischen Fabulieren, ihr unbedingtes Einlassen auf jeden Song, ihr gemeinsames instrumentales Vorpreschen ohne Hemmungen, Vorbehalte oder Beipackzettel erklären sich von selbst. Ein Jazz-Album von ganz ungewöhnlicher Frische ist entstanden, ein unbekümmertes Sichaustoben in einer musikalischen Welt, die den Dreien zwar nicht fremd ist, aber neu und aufregend. Harter Regen, Film Noir, Melancholie: wir kommen!

Reease 30.4.2021

Das 6te Album der Band um das Songwriter-Duo Andy Hull und Robert McDowel wird als cinematisches, majestätisch-episches Werk mit konzeptuellem Unterbau und umfangreicher Instrumentierung angekündigt.

Release 7.5.2021

Das fünfte Album der Kopenhagener Indierock / Postpunk-Band überzeugt auf ganzer Linie und wurde produziert von Pete Kember a.k.a Sonic Boom (Spacemen 3). Elias Bender Rønnenfilts Stimme fasziniert in langsamen Balladen genau so gut wie auf Wall-Of-Sound-Indierock mit Rave im Sinn. Nils Gröndahls sengende Gitarren, pochende Geigenschichten, Happy-Mondays-Drums, alles perfekt in Szene gesetzt von Produzent Pete Kember a.k.a. Sonic Boom von den legendären Spacemen

Release 5.3.2021

Ein wärmendes Gefühl von Geborgenheit und Vertrautheit vermittelt das 9te Album des Indie-Folk-Tausendsassas Eric D. Johnson, das lt. Eigenaussage "die Schönheit und Absurdität der Existenz" feiert. Das mit seinem Bonny Light Horseman-Bandkollegen Josh Kaufman produzierte Album überzeugt mit allerbestem Americana und von Band mit umfangreichem Instrumentarium und einer die Seele um den Finger wickelnden Weite im Sound. Kurt Vile und War on Drugs wohnen im stimmlichen Ausdruck genauso wie Iron & WIne und Father John Misty musikalisch um die Ecke des Sounds dieses Albums, das einen prima runterkommen und Hoffnung schöpfen läßt mit seinen verwehten Akustikgitarren, Piano, Fidel und Pedal Steel-Elementen.

Release 26.3.2021

Der schwedische Songwriter und Multi-Instrumentalist Emil Svanängen, besser bekannt als Loney Dear, veröffentlicht seine neue Single „Trifles“. Sie ist Vorbote zu seinem kommenden Album „A Lantern And A Bell“, das am 26. März 2021 via Caroline International bei Peter Gabriels Real World Label erscheinen wird.

Über Emils neue Platte sagt Labelgründer Peter Gabriel, es seien „traurige, gefühlvolle Melodien, die Raum in deinem Kopf schaffen, der sich mit Erinnerungen, Träumen und Zärtlichkeit füllt. Ich bin sehr stolz, dass wir mit einem so begabten Songwriter zusammenarbeiten. Wenn man isoliert ist, was gibt es dann Besseres, als sich in diese wunderschönen, fantasievollen Konstrukte einzuhüllen – das Werk eines Meisters.“

Auf den Festival-Start hin gibt das Ghost Festival unter dem Label Ghost Records ein Album heraus. Darauf sind 187 Bands aus dem Line Up vertreten - nicht mit ihren Songs, wie man jetzt vermuten könnte, sondern mit ihrem ureigenen Geistersound. The Ghost Orchestra vereint Bands wie: Stephan Eicher, Annie Taylor, Chlyklass, Vera Kaa, Bubi Eifach, James Gruntz, Big Zis, Open Season, Pablo Nouvelle, Lina Button oder Jeans for Jesus zur Super-Gruppe. Dieses Album ist ein einzigartiges und limitiertes Zeitdokument von Musikschaffenden aus der Schweiz. 187 Interpretationen der Geister dieser Zeit!

Das Ziel: Sie wollen damit die Schweizer Album-Charts entern und somit dem grössten Teil der Bands, welche sich zum The Ghost Orchestra zusammen geschlossen haben, einen unvergesslichen Erfolg bescheren: Mal aus den Top Ten von der Hitparade zu grüssen.

Der Nettoerlös aller Tonträgerverkäufe kommt vollumfänglich den Musikschaffenden des Ghost Orchestras zugute.

Release 30.4.2021

In den Parr Street Studios in Liverpool produziertes neues 9tes Album der 2002 erstmals mit einem Album und einer Melange aus 1960er Psychdelia, Folk und modernem Rock'n'Roll in Erscheinung getretenen britischen Band. Der Trip auf die Koralleninsel ist im Umfang opulent als Doppelalbum ausgefallen. Das von einer grandiosen hall-losen Twang-Gitarre unterlegte "Faceless Angel" klingt wie der ideale, Lee Hazelwood-beeinflusste Soundtrack für den Brexit-veranlassten Abgang von der Insel mit seinem psychedelischen Flair und catchy Pre-60s-Appeal .

Release 12.3.2021

Nach vier The Soft Moon-Alben (Captured Tracks, Sacred Bones) betritt der Post-Punk/Dark-Wave-Multiinstrumentalist aus L.A. insofern neues Terrain, daß er auf Gesang verzichtet. Grandiose düstere Visionen offenbaren sich hier, die definitiv auch als Soundtrack für einen Horrorfilm taugen, aber auch an die Nine Inch Nails erinnern. Ein mit grandiosen analogen Synth-Sounds, Bratzgitarren und Industrial-Elementen gespicktes Klanguniversum zwischen Gothic, Dark-Wave, Industrial, Post-Punk und halluzinogenem White Noise, das in post-apokalyptische Abgründe blickt mit steilen Synth-Wänden, brodelnden Bässen, unheimlicher Atmosphärik, Drone- und Noise-Sounds und mechanischen Rhythmen. Die einzigen Vocals sind in der Wall-of-Sound-Ballade "Used To Be" zu hören, bevor uns das post-apokalyptische Epos "Worlds On Fire" mit symphonischer Verwüstung ins Armageddon entlässt.

Release 18.6.2021

6 Jahre nach Superwolf, dem ersten gemeinsamen Album von Matt Sweeney und Bonnie ´Prince´ Billy, heulen die beiden Musiker erneut den Mond an. In klassischer Garcia-Hunter-Manier arbeiteten Sweeney und der 'Prince' zunächst getrennt und fanden dann mit ihren separaten Song-Visionen den Weg zueinander. An Matt gelieferte Bonnie-Lyrics entfachten Sweeneys Fantasie an der Gitarre; Akkorde und eine Melodie wurden geformt, schnell und locker aufgenommen und an den 'Prince' zurückgeschickt, dann trafen sich beide Parteien, um sie zu singen, zu verweben, zu festigen und schließlich gemeinsam vor einem kleinen, ahnungslosen Publikum aufzuführen. Neue Blöcke von Texten und Song-Elementen wurden verschickt, verstrickt und verstanden, bis alles bereit war für die finalen Aufnahmen. Die Arbeit an "Superwolves" begann bereits vor fünf Jahren, die erste eigentliche Session fand jedoch erst vor etwa einem Jahr im Brooklyn's Strange Weather statt und die nächste im Butcher Shoppe in Nashville. Sweeney überwachte die Brooklyn-Sessions während Oldham die Nashville-Mixe überwachte. Sweeney singt die Harmonien um Will Oldham herum mit und spielt alle elektrischen, akustischen und Bassgitarren, stellenweise unterstützt von David Ferguson am Stand-up-Bass, Mike Coltun am E-Bass, Mdou Moctar an der elektrischen Leadgitarre, Ahmoudou Madassane an der Rhythmusgitarre, Souleyman Ibrahim, Ryan Sawyer und Peter Townsend am Schlagzeug und Mike Rojas an den Tasten. Und Bonnie 'Prince' Billy singt. Natürlich. *Domino

Release 26.3.2021

Neues, viertes Album der beiden Kanadier Sebastien Grainger und Jesse Keeler, um die es lange still war (bzw. auch mal nicht so gute Nachrichten verlauteten), die aber in alter Wirkmächtigkeit zurückkehren. Ihr Rezept von simplem Noise-Rock-Pop funktioniert noch immer hervorragend, und hat sich zusammen mit anderen Bands wie No Age etc. quasi zu seinem kleinen Subgenre entwickelt, und auch die beiden schaffen es nach wie vor, diesem Neues abzugewinnen. Die schweren Riffs sind natürlich immer noch prägnant as ever, die Beats dazu wirken etwas klomplexer (und elektronischer?), der Gesang ist noch etwas klarer. Für Fans sicher das was kommen sollte, um nicht zu stagnieren. Immer noch eine Institution ihres Genres

Release 7.5.2021

2tes Album! Sophia Kennedy ist eine der wandlungsreichsten Künstlerinnen, die es zurzeit in der deutschen Popmusik gibt. Aufgewachsen in Deutschland, nachdem ihre Familie aus Baltimore ausgewandert war, entwickelte sie beim Durchstöbern der Plattensammlung ihrer Mutter ein Ohr für exzentrische Songkunst. Ihre Musik klingt manchmal wie der Soundtrack zu einer zerfallenden Welt, die am seidenen Faden der Erinnerungen hängt und jede Nummer macht Lust auf mehr!

Release 26.3.2021

Die Tracks der Live-CD befinden sich bei der3xLP auf den anderen beiden Vinyls! Während es bei Kadavar und ihrer musikalischen Entwicklung immer um Befreiung und das Überschreiten der Grenzen des Retro-Rock-Genres ging, ist dies noch ein größerer Schritt in einen Kosmos, in dem das Dogma des klassischen Trio-Ansatzes völlig hinter sich gelassen wird. Sie verwenden dreifache Vokalharmonien und trippige Gitarrensoli, die sanft auf einem Ozean von Vintage-Synthesizern reiten. Dazu drückt das Schlagzeug und die Bassgitarre ruhig von unten. Mehr Pink Floyd wie Black Sabbath und das ist auch gut so (um mal mit einer ausgelutschten Phrase zu schließen). PS: Wie der Titel "The Isolation Tapes" vermuten lässt, sind die Songs allesamt im ersten Covid 666 Lockdown enstanden.

Release 19.3.2021

Das Elektro-Punk-Glitch-Hop-Absurd-Pop-Duo aus Freiburg "Crème solaire" veröffentlicht sein zweites Album mit dem Titel "Pannenstreifen ist ohne pic-nic". Mit 13 Tracks (darunter die Singles Autobahn/Autobahn und Live/Like) in 5 verschiedenen Sprachen bietet Crème solaire ein ekliptisches Klanguniversum in einer Autorennen-Ästhetik mit moderater Geschwindigkeit.

Release 26.3.2021

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 33.90)

Die Produzentin, Sängerin und Rapperin aus Tel Aviv hat das relativ enge Elektropop-Korsett ihres Debütalbums "Off The Radar" aus dem Jahr 2017 weitgehend hinter sich gelassen und auf dem 2ten Album stattdessen mit sehr breitem Pinsel eine sehr eigene und originelle musikalische Sprache gefunden.

Release 26.3.2021

Auch als Ltd.-Vinyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Nach 8 Jahren ein neues Album der gemensamen Band von Duane Denison (The Jesus Lizard/Unsemble), Trevor Dunn (Mr. Bungle/Fantômas), Mike Patton (Faith No More/Mr. Bungle, etc.) und John Stanier (Helmet/Battles)!

Release 5.3.2021

Kings of Leons Comeback-Album «When You See Yourself» soll die bisher persönlichste Platte der Rocker sein. Die «Use Somebody»-Band kündigte ihr neues Album seit der Erscheinung ihres «Walls»-Albums von 2016 an. Der Leadsänger der Rocker Caleb Followill meinte, dass die brandneuen Lieder sehr persönlich seien.

Followill enthüllte zudem, dass die amerikanische Band Vintage-Equipment nutzte. Damit soll der Sound der neuen Platte genauso «zeitlos und wunderschön» klingen. Ihre Vorbilder dafür waren Pink Floyd und den The Beatles.

Release 2.4.2021

Für sein fünftes Album, das vollständig akustisch aufgenommen wurde, setzte Stringmaster Pallett das bislang großartigste Ensemble in ihrer* Solokarriere ein - das London Contemporary Orchestra, das live in den Abbey Road Studios aufgenommen wurde. Und doch präsentiert das Album sie in ihrer destilliertesten, oft schmucklosesten Form. Island beginnt mit 13 düsteren Akkorden. Es ist der Klang des Erwachens - allein, an einem neuen Ufer. Was als nächstes kommt, ist schillernd und üppig: ein Orchesteralbum, das die ganze Bandbreite von Pallett's Diskographie ausbreitet, von Heartland's (2010) prächtigem Technicolour bis hin zur glitzernden, gezupften Gitarre, die Pallett's erste Alben mit Les Mouches kennzeichnete. Zum ersten Mal hat Pallett ein Album geschaffen, ohne darüber nachzudenken, wie es auf der Bühne aufgeführt werden könnte. Das war keine leichte Entscheidung: Ein Großteil von Pallett's Ruf beruht auf ihrer Live-Virtuosität. Sie spielten Geige für Gruppen wie Arcade Fire und The Hidden Cameras und tauchten dann als Solo-Fiddle- und Loop-Pedal-Act unter dem Namen Final Fantasy auf. Für Island schrieb Pallett die neun Songs des Albums auf einer altmodischen Akustikgitarre, bevor er sie für das Orchester überarbeitete.

Release 5.3.2021

Schenkt man Aidan Moffat, dem Arab Strap-Frontmann, Glauben, so soll es beim siebten Studioalbum der Band um Hoffnungslosigkeit gehen. Und Dunkelheit. Aber auf lustige Weise. 15 Jahre sind seit dem Erscheinen Ihres letzten Albums, The Last Romance (2005), vergangen. "As Days Get Dark" ist eine Platte, die sich sowohl als Evolution, als auch als Revolution anfühlt. Die verwobene Mischung aus düsteren Post-Rock-Soundscapes, subtiler Elektronik, klickenden Drum-Beats, apokalyptischen Streichern und Moffats unvergleichlichem halb gesungenem, halb gesprochenem Gesang sind nach wie vor vertreten - werden aber durch eine Vielzahl neuer Sounds wie Saxophonpassagen und Disco-Grooves erweitert! "It's about hopelessness and darkness", erzählen die Beiden.

Release 30.4.2021

Vorbote des neuen Ja, Panik-Albums, das nach sieben langen Jahren Wartezeit erscheint, ist "Apocalypse or Revolution", ein umwerfend intensiver Sechsminutensong, der just im Heraufdämmern des neuen Jahres die gestern wie morgen entscheidende Gegenwartsfrage stellt. Ein betörender Klagegesang, der in deutsch-englisch-italienischem Poesiestrom über sanften Akkorden das allseits spürbare Altern der Zeit beschwört

Release 12.2.2021

Den Franzosen muss man in einem Atemzug mit DJ Shadow oder RJD2 nennen. Die Gäste auf seinem neuen Album sind Mark Lanegan, Del the Funky Homosapien, Gil Scott Heron, Mr LIF u.v.a. Wax Tailor, mit richtigem Namen Jean-Christophe Le Saoût, ist einer der bekanntesten französischen Produzenten im Bereich Hip Hop und Trip Hop. 2001 startete er international durch, mit dem Remix von Breathing Under Water, einem gemeinsamen Track von Looptroop und La Formule. Seit der ersten EP Lost The Way (2004) ist klar: Wax Tailor ist sein Soloprojekt, das wechselnde Gastkünstlern unterstützen. 2005 folgt das Debütalbum Tales Of The Forgotten Melodies. Sein Sound lässt sich grob irgendwo zwischen DJ Shadow, RJD2 und Portishead einordnen. Ich denke, es geht bei mir eher um Soul, Funk, Jazz - nur eben mit den Methoden des Samplings.

Release 30.4.2'21

Auf dem dritten Soloalbum gibt sich die australische Singer-Songwriterin nicht mehr damit zufrieden, die Wildnis des Folk- und Indie-Rocks zu erkunden. Stattdessen taucht sie kopfüber in die kosmopolitische, hedonistische Welt des nächtlichen, mondhellen Pops ein. Sie tauscht den Dreck unter den Schuhen gegen nasses Kopfsteinpflaster und klebrige Tanzflächen, den blauen Himmel gegen rote Lichter und Lippen. Sixty Summers ist keine Metamorphose oder gar ein billiges Umstyling, sondern eine Häutung, eine Enthüllung. Die Schwester von Angus Stone zeigt ihr wahrhaftiges strahlendes Selbst, eine kraftvolle und verehrte Ikone, die sich mit ihrem eigenen Pinsel und ihrer eigenen Farbpalette selbst gemalt hat.

Release 30.4.2021

Oha! Gabriels aus Kalifornien lassen hören, wie die Leidenschaften in speziellen Zeiten klingen können. Besonders. Soul, Gospel, Rhythm&Blues – ja, gibt’s auch, aber eben auch viel mehr. Avantgarde trifft Unterhaltung. Dichte Atmosphäre, deren Spannung auch zu den Bildern von David Lynch passen könnte. Überall Hintertüren, überall Ungewissheit, überall Faszination. 5 Kunst-Stücke, deren eindringlicher Wirkung man sich nicht entziehen kann. Winter-Blues, aber schön ist’s doch.

Release 30.4..2021

10tes Album der Schotten! Selbst wenn wir nicht gerade außerordentlich beunruhigende Zeiten durchleben würden, gibt es nichts Vergleichbares wie ein Teenage Fanclub-Album, um Geist, Körper und Seele zu beruhigen und zu bekräftigen, dass in dieser Welt doch nicht alles verloren ist. "Endless Arcade" folgt auf das 2016er Album "Here", mit dem Teenage Fanclub ihren ersten Top-10-Erfolg seit 1997 feierten - ein klarer Beleg dafür, wie sehr diese Band bis heute geschätzt wird. Das neue Album ist die Quintessenz von Teenage Fanclub: Die Melodien sind zu gleichen Teilen herzerwärmend und herzzerreißend, die Gitarren klingen teils glockenklar, teils kratzig, Keyboard-Linien verweben sich ineinander und drehen sich um sich selbst, harmonieerfüllte Refrains brechen durch wie die Sonne an einem stürmischen-grauen Tag.*

Release 26.2.2021

Nachdem sie mit 2 Alben und der Supergroup boygenius die Herzen von Fans und Kritikern weltweit erobert hat, startet die US-amerikanische Songwriterin mit ihrem neuen Album eine neue Phase ihres Schaffens. Waren die ersten beiden Alben zum Teil eher spärlich instrumentierter Indie-Kammerpop, so überwältigt "Little Oblivions" mit einem vollen und breitwandigen Band-Sound. Wie gut sich das anhört, kann man auf der ersten Single "Faith Healer" hören!"Little Oblivions" wurde in Julien Bakers Heimatstadt Memphis, Tennessee, mit dem Tontechniker Calvin Lauber aufgenommen und von Craig Silvey (The National, Florence & the Machine, Arcade Fire) abgemischt. Nachdem Baker bisher hauptsächlich an der Gitarre und dem Klavier zu hören war, fügte sie dieses Mal noch Bass, Drums, Synthesizer, Banjo und Mandoline ihrem Soundkosmos hinzu und spielte den Großteil davon selbst ein. Wie von Julien Baker gewohnt sind ihre Lyrics hochpersönlich und zeugen von der außergewöhnlichen Beobachtungsgabe der Songwriterin. Mit ihren beiden bisherigen Alben landete sie auf einer Vielzahl von Jahresbestenlisten.

Release 26.2.2021

Mitten in der Nacht geht die Sonne auf! Überragende Mischung aus instrumentalem Soul und cineastischem Funk, unterlegt mit grandiosen Drums, die im Stile von Khruangbin´s DJ Johnson knochentrockene Breakbeats performen. Die Hausband des aus Brooklyn stammenden Labels Daptone mit Mitgliedern der Daptones, Antibalas und der Budos Band liefert hier ein echtes Masterpiece ab. Ein zeitlos klingender Instrumental-Klassiker mit unwiderstehlichem Soundtrack-Gefühl jagt den nächsten. Grandiose Bassläufe, herrliches elektronisches Piano und Moog-Orgelklänge mit auch psychedelischen Touchierungen, eine zwischen Funk und garagiger Aufmüpfigkeit pendelnde Gitarre unterstützen die formidablen Bläser-Lines und die zusätzliche Perussion zugunsten brillianter Vibes mit exotischen Grundierungen. Ein Masterpiece, das sich aus der DNA der späten 60er und frühen 70er Jahre speist und auf das Oeuvre von Morricone verweist.

Release 26.2..2021 (Vinyl am 5.3.) auf Glitterbeat Records

Die türkisch-niederländische Psychedelic-Band Altin Gün hat eine neue Single namens „Ordunun Dereleri“ veröffentlicht. „Ordunun Dereleli“ heißt auf Deutsch „Die Flüsse von Ordu“. Bei Ordu handelt es sich um eine Region im Osten der Türkei, an der Küste zum Schwarzen Meer. Der Track ist eine eigene Interpretation des türkischen Folk-Songs, der von Sehnsucht und einer verflossenen Liebe handelt. Der Liedtext dreht sich um eine Frau, die allmorgendlich an einem Fluss über ihre große Liebe singt. Und zwar mit der Hoffnung, dass sie zu ihr zurückkehrt.

Der Track reichert den funky 70er-Sound der Band, wie er noch auf ihren letzten Alben „On“ oder „Gece“ zu hören war, mit 80s-Synth-Pop an und ist Vorbote des nächsten Albums „Yol“ (zu Deutsch: „Weg“). „Ordunun Dereleri“ gibt zugleich einen Hinweis auf die neue musikalische Ausrichtung der Band: Zwar wird auch die neue Platte weiterhin in der Tradition türkischer und anatolischer Folk-Musik stehen, allerdings werden mehr als bisher auch Synthesizer zum Einsatz kommen. Und es soll noch mehr „Ausflüge auf die Tanzfläche“ geben. Produziert wurde das Musikvideo zur neuen Single von NotAnEyeThing.

Release 26.2.2021

Seit 2006 aktive Band, die gekonnt und souverän auf ihrem 5ten Album Space Rock und Neo-Psychedelia aufeinander treffen lassen in dem ein bisschen an Spacemen 3 erinnernden "Rauschen" mit einem experimentellen Klangpool aus verzerrten Orgeln, Drones und Gitarren zu hämmernden Drums - und Gesang wie Balsam von Songwriter Tom Hessler. Die Berliner Band setzt auf "Das Verlangen" auf motorischern Beat und eine klasse Wall of Sound aus Gitarrenschrammel und Orgel innerhalb eines vernebelnden Space-Sound-Panoramas und setzt den auf dem Vorgänger eingeschlagenen Weg fort mit dem dröhnenden Klang des Serge Modular System, von Hessler toll kontrastiert mit pop-orientiertem, effekt-verziertem Gesang und Hängenbleiber-Melodien.

Release 26.2.2021

Auch als Ltd.-Green Vinyl-Edition erhältlich (CHF 45.90)

Das ikonische, seit über 25 Jahren die Grenzen elektronischer Musik innerhalb eines eigenwilligen wie sound-neugierigen Orbits erforschende, in Berlin lebende Duo Andi Thomas und Jan St. Werner erfindet sich wieder mal neu hier in einer ungemein detailreichen Produktion, aus der ein explorativer Geist im wahrsten Sinne spricht. Das neue Album spiegelt das Verhältnis von Mensch und Maschine. AAI steht für "Anarchic Artificial Intelligence". Sie kollaborierten hier mit dem Schriftsteller Louis Chude-Sokei, einem Kollektiv aus Computer-Programmieren und dem Percussionisten Dodo NKishi zu der musikalischen wie inhaltlichen Exploration künstlicher Intelligenz als narrativem Science-Fiction-Rahmen. MoM verwendeten hypnotische elektronische Polyrhythmik, vibrierende Electronic, rollende Bässe und pulsierende Synthesizer für ein verspieltes, fatasievolles Album zwischen Abstraktion, Hörkino und rhythmisch grundiertem Grooveacting. Zusammen mit dem AI Tech-Kollektiv Birds on Mars erschufen sie auch eine maßgeschneiderte Software zur Modellierung von Sprache. Wenn es so scheint, daß Chude-Sokei auf dem Album eine Geschichte erzählt, so ist es in Wirklichkeit die AI, die als Speech-Instrument zu hören ist und wie ein Synthesizer gespielt werden konnte, nachdem Text und Stimme von Chude-Sokei in die Software als Modell eingespeist worden waren.*Thrill Jockey

Release 26.2.2021

Zweites Album der dänischen Entrepreneurs und ein ausgereiftes kreatives Statement einer der wildesten Rockbands Dänemarks. Die Entrepreneurs begannen als Duo, als sich der Bassist Anders Hvass und der Sänger / Gitarrist Mathias Bertelsen als Teenager in Norddänemark trafen. Nachdem das Trio mit seiner Debüt-EP ausgiebig auf Tour war, erlangte es einen Ruf als eine der besten Live-Bands in Dänemark, die ihre experimentelle Interpretation von Grunge und Post-Rock auf Bühnen in ganz Europa brachte. Ihr zweites Album litt nicht unter dem "Difficult Second Album Syndrome". Im Gegenteil war der Prozess eher sorglos, ohne darüber nachzudenken, was andere denken könnten. Thematisch beschäftigt sich das Album mit dem Persönlichen und dem Sozialen. Ersteres mit alltäglichen Bildern wie "Cinnamon Girl" (eine Vignette aus dem Familienleben), Herzschmerz, Sucht und Reife (wie auf dem Fokus-Track "Wrestler"). Letzteres wurde von unseren polarisierenden Zeiten inspiriert, aufgenommen in einem Studio in North Carolina, in dem die Band offen über die Absurdität nachdachte, eine Meinung oder einen Standpunkt mit Gewalt zu unterstreichen. 'Wrestler' ist ein ausgereiftes kreatives Statement einer der wildesten Rockbands Dänemarks.

Release 26.2.2021

Neues Album der belgischen Band. Der Albumtitel verbildlicht den Wunsch und das unruhige Warten darauf, einen Moment wirklich vollends ohne Einschränkungen ausleben zu können. Innerhalb der nächsten Sekunden verfliegt dieser Augenblick scheinbar jedoch schon wieder und endet in der Vergänglichkeit - wie der Sand in der sprichwörtlichen Uhr. "There’s a theme running through these tracks, waiting, restlessness, not being able to live in the moment or putting your trust into the future", berichtet die Band. Auf "Sand" präsentieren die Belgier eine gefühlvolle Indie-Pop-Umarmung, die mit elektronischen Lo-Fi-Anleihen gespickt ist, und dabei insgesamt weniger mit melancholischen Fesseln vorbelastet ist, als der 2019er-Vorgänger "Fever". Auf Albumlänge heben Balthazar die Nuancen von Liebe, Verlust und Leben hervor und experimentieren mitunter auch mit neueren Klängen und Sounds.

Release 26.2.2021

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.90)

Nach der Trennung von Keyboarder Lukas Wooller, begannen sich Smith, Lloyd und English im vergangenen Sommer auf die Suche nach einem neuen, vierten Mitglied zu machen. Im besten Fall jemand, der gleichzeitig die Produzentenrolle einnehmen könnte. Schlussendlich wurde die Band in dem in Atlanta ansässigen Grammy-Gewinner Ben Allen (Animal Collective, Deerhunter) fündig, der das Trio eigentlich seit dem Frühjahr im Studio unterstützen sollte. Lockdown-Beschränkungen machten es der Band in der Folgezeit nicht leicht, was in komplizierten Online-Aufnahmesessions quer über den Atlantik hinweg gipfelte. Auf Albumlänge stellen sich Maxïmo Park großen Fragen: Wer sind wir? Wer wollen wir sein? Und haben wir eigentlich irgendeine Kontrolle darüber? Der Albumtitel verweist auf die Debatte zwischen Nature versus Nurture und stellt die Diskussion auf, ob Veränderungen unter dem Einfluss von Zeit, Perspektive und Umwelt möglich sind oder ob wir dazu bestimmt sind, für immer an unsere eigene Genetik gebunden zu sein. "Nature Always Wins" ist eine Art Prüfung, die sich auf den Begriff des Selbst, der Identität als Band und der Menschheit als Ganzes konzentriert und diese grundlegend in ihren Einzelheiten erforscht. Die Albumankündigung folgt dem Track "Child Of The Flatlands" - einem majestätischen, psychedelischen Slow-Burner, der einen sehnsüchtigen, verliebten Blick auf das Aufwachsen von Frontmann Paul Smith irgendwo zwischen englischen Natur- und Stadtlandschaften wirft. Als erste richtige Single teilen die Vier nun den neuen Song "Baby, Sleep", der die Hörerschaft in eine Welt voller wilder, ungezähmter Indie-Rock-Energie schickt. Angetrieben von der unnachahmlichen Gitarre von Duncan Lloyd und den geschliffenen Worten von Smith, der auf dem Song stressbedingten Schlafentzug und die Folgen thematisiert, präsentieren sich Maxïmo Park von ihrer besten Seite.

Release 19.2.2021

Das Album beinhaltet schöne Popsongs, die nicht in sich verfallen, sondern hängen bleiben. Mario Hänni ist der Kopf hinter dem Songwriting und noch für diverse weitere Projekte bekannt. Seine charaktervolle Stimme erzeugt Wärme und verleiht den Tracks die nötige Atmosphäre. Die Songs wirken komplexer und zeigen mehrere Gesichter. Teils erinnern Tracks wie 'Moviestar' an 'Real Estate' und gleichzeitig beinhaltet das Album Tracks, die schon fast Club-Elemente mit einfliessen lassen.

Release 19.2.2021

Vor zwei Jahren veröffentlichte Tash Sultana ihr beeindruckendes Debüt »Slow State«, das in ihrer Heimat Australien Platz zwei der Charts eroberte.
Am 19. Februar 2021 kommt endlich der Nachfolger, Album Nummer zwei der Sängerin, Multiinstrumentalistin und »One-Woman-Band«.

Gemeinsam mit dem aufstrebenden Melbourner Künstler Jerome Farah singt Tash über schmetternde Trompeten und schimmernde Gitarrenlines.

»Terra Firma« zeigt einmal mehr, dass sie zwischen Elektro, Pop, Singer-Songwriter, Reggae und Soul ihren ganz eigenen Style gefunden hat.

Release 19.2.2021

Das 10te Album wurde gemeinsam mit Produzent Dave Fridmann und unter Mitwirkung von Atticus Ross und Colin Stetson aufgenommen. Eigentlich war der Plan, zu Fridmann in die USA zu reisen, doch mussten auch Mogwai sich, wie viele andere Künstler*Innen, einen Plan B überlegen und zogen sich stattdessen in das ländliche Worcestershire zurück. Ohne Aussicht darauf, das Album in näherer Zukunft live aufführen zu können, hofft Stuart Braithwaite, dass "As The Love Continues" die Leute an einen besseren Ort mitnimmt und ergänzt: "unless you are somewhere really amazing and then why are you listening to some weird music like this?" "Dry Fantasy" gibt einen Einblick in den Sound des neuen Albums: träumerische Synthies, Bass und Gitarre steigen ohne Hektik mal ein, lehnen sich dann wieder zurück, lassen das Konstrukt atmen und den Song wachsen ehe alles wieder in sich zusammenfällt. Das Video zu "Dry Fantasy" wurde von Vaj Power aufgenommen und zeigt ineinander verschwimmende Bilder, Anzeichen von blühenden Blumen und Ideen eines weit entfernten Planeten. Mogwai stehen seit 25 Jahren und 9 Studioalben - nebst zahlreichen Soundtracks - für einen jugendlichen Drang nach neuen Ideen, ungebändigter Experimentierlust und der Suche nach dem Neuen im bereits Bekannten. Auch "As The Love Continues" bietet eine Auszeit vom Alltag, den Soundtrack zum Tagträumen und eine immense Energie zwischen brachialer Wucht und träumerischer Leichtigkeit.

Release 19.2.2021

Uncut bezeichnet Neale als "Mazzy Star with an Omnichord" und damit hat das britische Musikmagazin nicht Unrecht, da das aus der Zeit gefallene Instrumentenspielzeug tatsächlich die Hautrolle auf ihrem zweiten Album spielt. Nachdem sie sich von unterschiedlichen Einflüssen von Mitmusikern und Produzenten bei Sessions in ihrer Wahlheimat Los Angeles erdrückt fühlt, sollte ein 2019 zugelegtes Omnichord sie wieder zu sich selbst finden lassen. Herausgekommen ist hierbei genau das, was sie beabsichtigt hat - ein ursprüngliches Album, welches die Essenz jedes Songs und ihrer eindringlichen Stimme einfängt. Neale arrangierte und spielte alle Songs komplett selbst ein, das Mastering kommt von Chris Coady. Die Hinwendung zu vierspurigem Recording und First Takes only machen ihr Debüt auf Sub Pop zu einem reduziertem, aber trotzdem flächig dichten Album, welches an Vashti Bunyan oder Julia Holter erinnert!

Release 19.2.2021

Auch als Ltd.-Indie Vinyl-Edition erhältlich (CHF 33.90)

Die britische Rockband um Sänger Stuart A. Staples ist seit den 1990er-Jahren bekannt für ihre Verschmelzung von Gitarren-Pop und Kammermusik - der Einsatz von klassischen Instrumenten, wie Streicher, Bläser und Perkussioninstrumente sind charakteristisch für ihren eigenen Stil und Sound- Das Eröffnungsstück des neuen Albums und der bisher längste Song der Tindersticks, "Man Alone (Can't Stop the Fadin')", reitet auf einem hypnotischen Basspuls, über den sich Staples' mantrischer Gesang legt: Er kitzelt die Nuancen aus der Wiederholung heraus und verlässt die konventionelle Songstruktur, um seinen eigenen Raum zu schaffen.

Distractions" ist ein Album der subtilen Neuausrichtungen und Verbindungen einer rastlosen und intuitiven Band: reich an Textur und Atmosphäre, lebt es zwischen seinen offenen Räumen und filigranen Details und findet immer wieder neue Wege, sich mit einem Song zu verbinden *

Release 19.2.2021

Fünftes Studioalbum zum 10jährigen Bandbestehen! Passend zu einer Gegenwart, in der sich Realitäten plötzlich tagtäglich wandeln, wird auch die Berliner Combo um Schlagzeuger Michael Drummer nicht müde, sich zu verändern - personell wie musikalisch. "Neue Methoden verändern die Erfahrung, und neue Erfahrungen verändern den Menschen" - dem Prinzip von Karlheinz Stockhausen folgend, überraschen sie hier erneut mit einer weiter gefassten Idee ihrer selbst, ohne dabei die über eine Dekade aufgebaute eigene Note zu verlieren. Dabei verwundert es kaum, dass Camera in manchen Plattenläden bereits ihr eigenes Fach neben Krautrock-Pionieren wie NEU!, Can oder La Düsseldorf belegen. Julian Cope verglich die in den 1960ern und 1970ern losgetretene Krautrock-Bewegung einmal sehr treffend mit "Dr. Whos Zeitmaschine. Man geht durch ein enges Portal und kommt dann in einen gigantischen, dynamischen Raum." Sie haben das in der deutschen Musikgeschichte lange als verschüttet gegoltene Portal zu Beginn der 2010er für sich entdeckt und es, ohne zu fragen, ob sie das dürfen, forsch durchschritten. Wegen ihrer DIY-Konzerte in U-Bahn-Schächten und auf Straßenkreuzungen, damals noch mit Camera-Gründungsmitglied und Gitarrist Franz Bargmann, der heute mit Timm Brockmann das Ambient-Duo Brockmann // Bargmann betreibt und fester Bestandteil der Live-Band von Michael Rother (NEU!, Harmonia) ist, erhielten sie von Außenstehenden die Bezeichnung "Krautrock-Guerilla". Fünf Alben später ist es offensichtlich, dass jedweder Epigonen-Stempel für das Projekt zu kurz greift, zu vereinnahmend bewegt sich Michael Drummers Kollektiv innerhalb des "gigantischen, dynamischen Raums", wobei besagtes Portal mittlerweile weit aufgestoßen scheint und länderübergreifend immer neue Wellen an Krautrock-Inspirierten hereintreten.

Release 19.2.2021

8tes Studioalbum, aufgenommen im The Clubhouse in Rhinebeck, NY, mit Produzent Josh Kaufman und D. James Goodwin. Die zweite LP von The Hold Steady, auf der die aktuelle sechsköpfige Besetzung der Band zu hören ist. Zu den weiteren Interpreten gehören Stuart Bogie und Jordan McLean an den Hörnern, Cassandra Jenkins und Annie Nero als Backup-Gesang und Matt Barrick am Schlagzeug.

Release 12.2.2021

Sie kreiseln auf ihrem 5ten Album in ihrem eigenen Indie-Pop-Universum und heben dabei immer wieder ab in stratosphärische Höhen. Vielleicht sind sie eine Art inoffizielle Wiedergeburt der legendären Beta Band, in deren Fahwasser sie sich bewegen mit ihrem immer leicht exotischen Stilgemisch, das sich nicht einzäunen lassen möchte. Die Indie-Pop-Alchemie der nordbritischen Band setzt sich zusammen aus Elementen von New Wave und Post-Punk in Gestalt entsprechender Bässe und Gitarren, die aber innerhalb des melodiösen, kaleidoskopischen Indie-Popuniversums herrlich maskiert in einem Timewarp mit einem frischen Glanz überzogen werden, dazu gesellen sich freigeistige 00er-Jahre-Indie-Pop-Elemente, ein bisschen von dem mehrstimmigen Approach der Beach Boys, Anleihen an britische Clubkultur und die Ästhetik von Metronomy bis hin zu einem aufgegriffenen Latin-Groove, aber auch schrammeligen Indie-Pop-Songs mit Kopfstimmengesang. Charlotte Gainsbourg gastiert passenderweise auf "Waking Up"

Release 12.2.2021

Was sollen wir aus der Welt machen? In vielerlei Hinsicht fasst der Albumtitel unseren kollektiven Zustand des Unbehagens und der Angst perfekt zusammen, aber er eignet sich besonders gut für den Singer-Songwriter Alec Ounsworth / CYHSY und ein Trauma, das ihn drei Jahre begleitet hat. "It's pretty personal," sagt Ounsworth. "It's about what I think we're all experiencing at the moment, certainly here in the United States anyway - trying to move forward amidst an almost cruel uncertainty." Im Titeltrack "New Fragility" stellt Ounsworth die Fragen, die uns alle verfolgen. Depressionen, Scheidung, Älterwerden und die Konfrontation mit der Vergangenheit werden zusammengekehrt, ebenso wie die frühen Jahre von CYHSY und der schädliche Einfluss des Ruhmes. Und mit solch herzlichen Texten in Verbindung mit seiner einzigartigen, eklektischen Musik und seiner unverwechselbaren Stimme ist dies ein weiterer klassischer Einstieg in die Karriere eines der klügsten und dauerhaftesten Künstler der unabhängigen Musik. "I never want to take another chance on anyone", klagt Ounsworth über gedämpfte Gitarrenakkorde, zartes Klavier und geschäftiges Schlagzeug. "I can't believe the things I do to myself." Es ist ein Lied, das einen langen, harten Blick in den Spiegel wirft und einige unbequeme Wahrheiten ausspielt. Aber es zeigt auch, worin Ounsworth so meisterhaft geworden ist - er bringt eine gewisse Ernsthaftigkeit in etwas Lustiges ein. Etwas, das tanzbar ist. Das ist es, was einige der denkwürdigsten Momente von der Band angetrieben hat und was "New Fragility" zu einem so gelungenen, bewegenden Album macht.

Release 12.2.2021

Die Instrumental Post Rock-Band GOD IS AN ASTRONAUT verrät erste Details zu ihrem zehnten Album “Ghost Tapes #10”. Die Scheibe enthält sieben neue Songs und kommt mit einem Artwort von David Rooney, der bereits in der Vergangenheit für die Formation tätig war. Für die Songs “Burial”, “In Flux” sowie “Barren Trees” konnte zudem Gitarrist Jimmy Scanlan als Gastmusiker gewonnen werden. Auf “Luminous Waves” ist außerdem ein Cello, gespielt von Jo Quail, zu hören.

Release 12.2.2021 (Vinyl in der Nachpressung, Release 27.8.2021)

2tes Album des Grime-Rappers aus Northampton. Die 14 Tracks sind erzählerisch in zwei Hälften geteilt. Das Album soll zeigen, dass es zu jeder Geschichte zwei Seiten gibt. Als Gäste mit dabei sind unter anderem Skepta, A$AP Rocky und Denzel Curry

Release 5.2.2021

"Dark age day dream" ist eine mehr als einstündige Klangreise, welche die Grundidee des Synth-Pops auf den Kopf stellt, sich um die eigene Achse dreht, um sie dann noch einmal komplett umzukrempeln. Durch die intuitive Verschmelzung vieler Elemente Synthesizer-basierter Musik - klassischer Electronica der späten 70er-Jahre, Cold und New-Wave sowie Techno - schufen Eutropic ein einzigartiges Klangamalgam: gleichzeitig tanzflächenfreundlich und die perfekte Begleitung für tiefe Introspektion.

Release 12.2.2021

Wer in den letzten zwei Jahren nur einmal vor einer Bühne stand, auf der Nora Steiner und Madlaina Pollina sangen und Gitarren spielten, der ahnte ja bereits, dass diese beiden Schweizerinnen Mitte zwanzig in Sachen Songwriting (… und Gesang! … und Charisma!) in der Champions League spielen. Alle anderen werden spätestens von ihrem zweiten Album „Wünsch mir Glück“ überzeugt werden, das am 29.01.2021 erscheinen wird.

Steiner & Madlaina schreiben ihre Songtexte jeweils alleine, sind aber trotzdem schon seit ihrer Jugend eine kreative Einheit. Gerade auf diesem Album haben sie viel über die Themen und Texte gesprochen und sich gegenseitig als höchste und einzige Instanz in Sachen Qualitätskontrolle ausgetauscht

Release 5.2.2021

Das Debutalbum der aus London stammenden Post-Punks auf dem US-Label Sub Pop ist bestes Futter für Fans von Protomartyr bis The Fall. Sänger Charlie vereint in seiner eindringlichen, aufwühlenden Gesangsperformance das Nöhlige, Fordernde eines Mark E. Smith mit dem exaltierten, überbordenden lyrischen Erzähl-Style von Joe Casey und steht doch für sich, wie er Absurditäten und Mondänität des Lebens skizziert und mit kleinen Stakkato-Tricks, unglaublichem Charisma und gekonnt gesetzten Betonungen würzt und zu Größe aufbläst. Großartig der ihn umspielende und in Szene setzende Post-Punk mit sehr coolen atonalen oder hallosen noiselnden Gitarrenriffs zu schiebendem Distortion-Bass und nach vorne gehendem Drumming. Aber die Band driftet immer wieder auch ins Atmosphärische wie bei dem Gänshautsong "Powers of ten". Was für ein großartiges Einstandsalbum, das nicht nur mit Songs wie "Slideshow", einem von schrägen Gitarren und brilliantem ins Ohr gehenden New Wave-Refrain getoppten Monstersong oder dem minimalistisch und monoton Drucke entwickelnden "Fathers and Sons" weitere Höhepunkte hat.

Release 29.1.2021

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

MIt ihrem 2ten Album macht die Südlondoner Frauen-Band den nächsten Schritt und zeichnet ein Bild einer Generation, die in Zeiten des Post-Brexit aufwächst und lernen muss mit den Folgen zu leben. Dazu gehören clevere Unvohersehbarkeit und Detailreichtum bei den Songsstrukturen und der Instrumentierung, aber auch Eingängigkeit bei den Refrains abseits ausgetrener Pfade. Goat Girl verfolgen einen Indierock-Look, der sich nicht einzwängen lässt und seine Freiheiten offensichtlich geniesst, sich hier auch auf eine psychedelisisrte Ästhetik bezieht, die von Warpaint bis Stereolab reicht. Die trockenen Gitarren sind geblieben, dazu gesellen sich wärmende Bassläufe der neuen Bassistin Holly Hole und bissige politische Texte.Der Sound wurde um Synthesizer-Klänge, Drum-Machine-Loops und andere Sounds erweitert, was dem Ganzen einen etwas experimentellern Touch verleiht, ohne dass etwas von ihrer Indie-Pop-grundierten Energie verloren gegangen wäre.

Release 5.2.2021

Das Album, das Anfang 2020 mit Andy Savours (My Bloody Valentine) aufgenommen und am Ende der landesweiten Ausgangssperre in Großbritannien fertiggestellt wurde, ist die perfekte Momentaufnahme einer neuen Band und all ihrer Energie, Wildheit und explosiven Ladung, die mit ihr einhergeht, während es gleichzeitig eindeutig die Arbeit einer Gruppe ist, die kein Interesse an Wiederholungen, eintönigem Songwriting oder kreativer Stagnation hat. Mit sechs neuen Songs, darunter Neuinterpretationen der frühen Titel "Sunglasses" und "Athens, France"" ist "For The First Time" eine akustische Zeitkapsel, die es irgendwie schafft, die Vergangenheit, die Gegenwart und die Zukunft einzufangen und gleichzeitig stattfinden zu lassen. Obwohl sie bisher nur diese beiden frühen Singles hatten, haben Black Country, New Road - ihren Namen ermittelten sie ursprünglich durch einen Zufallsgenerator - tiefen Eindruck bei Fans und Kritikern gleichermaßen hinterlassen. Sie wurden von The Quietus zur „besten Band der Welt“ erklärt, es hagelte glühende Kritiken von New York Times bis Guardian, es gab bereits ein Coverfeature bei Loud & Quiet, für BBC 6 Music spielten sie eine Live-Session, verkauften Shows im ganzen Land aus, darunter 1700 Karten in London, wurden auf Festivals in der ganzen Welt eingeladen - darunter Primavera und Glastonbury - und fanden sich auch schon im französischen Fernsehen zwischen Kim Gordon von Sonic Youth und Ed O'Brienvon Radiohead wieder.

Release 5.2.2021

Der erste Teil einer zweiteiligen Serie an EPs des Rappers. Für das 9-Track-lange Projekt hat sich Common eine hochkarätige Band aus preisgekrönten Muiskern zusammengestellt. Als Featuregäste sind außerdem Black Thought und der 4-fache Grammy-Gewinne, Lenny Kravitz mit dabei.

Release 29.1.2021

Wenn es um dramatische Inszenierungen in ähnlichem emotionalem Fahrwasser wie Low ging, war das kanadische Duo Olga Goreas und Jace Lasek immer eine der ersten Adressen. Auf ihrem 6ten Album heben sie gewissermassen ab mit einer kosmischeren, mehr in die Ferne des Alls reichenden, aber auch die volle Kino-Breitwand bespielenden Sounds, der Dream-Pop und Psychedelic verbindet. Mit indierockig angezerrten Gitarren durchpflügen sie orchestrale Keyboard-Landschaften unter dem Gewitterhimmel. Lasek´s auch öfter in Kopfstimmen-Modus gehaltene Vocals vervielfachen sich zu regentropfenschweren Wolkenschwaden, die das Firmament verdunkeln und anschliessend wieder erhellen. Ein opulentes, mit Tausenden von Zungen sprechendes Himmelfahrtskommando, das von paukigem Drumming zusammengehalten wird und mit Schichten von Gitarrensounds, Keys und Gesangslinien eine gigantische Weite vermittelt, aber manchmal auch lieblich daherkommt.

Release 29.1.2021

Auch als Ltd.-Indies only Vinyl-Edition erhältlich (CHF 31.90)

Ein dickes Ausrufezeichen zum Jahresanfang setzt das umwerfende Debutalbum der in London lebenden Musikerin, deren Stimme in Prägnanz, Leidenschaft, Verletztlichkeit, Wärme und Tiefe der von Anna Calvi in nichts nachsteht und auch in ihrer Virtuosität und Art des Gesangs an Antony erinnert. Dazu angeblueste oder auch mal gezupft ins atonale gehende Landschaften von Gitarren und Bass, die mit ihrer Dynamik und ihrem Ausdruck den aussergewöhnlichen Gesang eindrucksvoll illustrieren, dazu kommt auch noch passagenweise der Einsatz von Electronic auf diesem Album der Marke „Haste noch nicht gehört“. Produziert von William Doyle (East India Youth).

Tilman Rossmy hat offenbar Neil Young'sche Output-Qualitäten. Wenn er mit seinen Mitmusikern den Proberaum betritt, entstehen sofort neue Songs. Wobei auf "Da" auch hörbar viel gejammt und experimentiert wurde. Es gibt Elemente aus Krautrock und Dub. Aber auch bewährte Stones-Riffs und erwachsene Schrammelmusik. Mit sehr schönen Arrangements garniert. Klar, die Regierung ist immer auch Pop. Textlich scheint "Da"von Transzendenz zu handeln. Vom Ende des irdischen Lebens und von dem, was danach kommt. Oder auch nicht. Von der mitunter rauschhaften Suche nach dem eigenen Selbst und dem Konsum von Poesie, Musik und Philosophie. Die Regierung lassen auf "Da" sprichwörtlich die Gans für uns raus. Sie lassen sie fliegen. Und wieder einmal hat Jakobus Siebels (Ja König Ja) das Cover gemalt. Und Norman NIetzsche den Mix besorgt. 10 Songs. 10 Themen. 10 gesungene Thesen bietet dieses Album. Vom philosophischen Treppenwitz bis zu tiefer, tiefer Liebe betreten wir musikalische Paralleluniversen von The Dream Syndicate bis King Tubby.

Release 29.1.2021

Wilsons sechstes Album ist eine Erkundungsreise in den menschlichen Verstand in Zeiten des Internets und den ultramodernen Konsumenten der Gegenwart. Während er sich auf "To The Bone" (2017) mit den Problemen von Post-Wahrheiten und Fake News auseinandersetzte, nimmt Wilson die Hörerinnen und Hörer auf "The Future Bites" mit in eine Welt der Süchte des 21. Jahrhunderts. Es ist ein Ort, an dem beständig und ganz öffentlich mit den Auswirkungen aufkommender Technologien auf unser Leben experimentiert wird. Trotz Themen wie außer Kontrolle geratener Kaufsucht, manipulativer sozialer Medien oder dem Verlust von Individualität ist "The Future Bites" weniger die dunkle Vision einer heraufziehenden Dystopie als vielmehr eine neugierige Analyse der Zustände im Hier und Jetzt. Musikalisch gesehen ist "The Future Bites" gewohnt großartig. "Personal Shopper" der erste Track ist zehn Minuten lang, und erinnert an Moroder, elektronische Sounds - durch menschliches Einwirken verfremdet (King Ghost), sphärische Akustikklänge (12 Things I Forgot) oder Bass-getriebene Krautrock-Grooves (Follower) verbinden sich mit triefendem, düsteren Funk zu Wilsons vielleicht konsistentestem Werk. Das Album wurde in London aufgenommen und von David Kosten (Bat For Lashes, Everything Everything) und Steven Wilson koproduziert.

Release 29.1.2021

Ein einzigartiger Künstler an einem legendären Ort: Tripping with Nils Frahm dokumentiert seine transzendentalen Liveshows in der geschichtsträchtigen Kulisse des Funkhaus Berlin. Gleich vier Shows im Funkhaus Berlin gaben den Auftakt zu Nils Frahms ambitionierter All Melody Tournee Anfang 2018, die sein gleichnamiges und allseits gepriesenes Studioalbum in den nächsten zwei Jahren auf die Bühnen dieser Welt brachte. In den folgenden über 180 ausverkauften Shows war der Ausnahmekünstler unter anderem im Sydney Opera House, in der Disney Hall in Los Angeles, im Barbican in London, in der Elbphilharmonie sowie auf zahlreichen großen Festivalbühnen zu Gast. Dennoch blieben Frahm die Konzerte im ehrwürdigen und für seine großartige Akustik gerühmten Saal 1 im Funkhaus Berlin in besonderer Erinnerung. Als Frahm ein knappes Jahr später zu vier weiteren Konzerten im Funkhaus einlud, waren die Tickets binnen Stunden vergriffen. Tripping with Nils Frahm ist ein Dokument Frahms vielfach gepriesener Fähigkeiten als Komponist und passionierter LiveMusiker sowie der besonderen Stimmung und Atmosphäre seiner legendären Funkhaus-Shows. Ein außergewöhnlicher musikalischer Trip - exklusiv und intim, roh und direkt.

Release 29.1.2021

Auch als Ltd.-Olive Green Vinyl-Edition erhältlich (42.90)

Das neue Album nach 7 Jahren unterstreicht eindrucksvoll das Bewegungspotential der Band aus Weilheim, die uns seit ihren und unseren Anfängen begleitet und mit jedem Album ein bisschen glücklicher macht ohne sich zu wiederholen, aber auch nicht ohne die melancholische Signatur und somit die Contenance zu verlieren. Auffällig wie aussergewöhnlich ist an diesem Album, wie divergente Wege zu einem in sich geschlossenen Sound geführt haben, sei es der offensichtliche EInfluss von Krautrock, was sich nicht nur in der Motorik ausdrückt, das Auftauchen von Brass-Jazz-Momenten, experimenteller Indierockigkeit, cineastischen Elementen, von japanischem Indie-Pop (die enge Verbindung zu Tenniscoats manifestiert sich nicht nur im Gastgesang von Saya von Tenniscoats aus, sondern auch bei der Brass-Band Zayaendo) bis hin zum überraschenden Song-Auftritt der argentinischen Ausnahmemusikerin Juana Molina bei "Al Sud". Zudem haben sie auch die verblüffende Spontaneität ihrer überragenden Livekonzerte einfangen können, was sich in überraschenden Kurven und Songausgestaltungen ausdrückt. Das Gefühl von Vertrautheit kehrt immer wieder zurück, wofür Acher´s unnachahmliche Stimmfarbe verantwortlich ist, die aber nicht so sehr im Zentrum steht, was der Abwechslung wiederum sehr gut tut. Ein komplexes, multidimensionales Album mit einem tiefen, lange anhaltenden Sog.

Release 5.2.2021

Verglichen zu den drei Vorgängeralben ist "Shore" weniger von einprägsamen Songs und Melodien geprägt. Die Songs verbinden sich zu einem langen Traum – Shore, also das Ufer und die Bewegung des Wassers, verbindet die Lieder.
Robin Pecknold, der von Komposition bis Umsetzung Mastermind des Albums ist, lässt sich freien Lauf: von hippieesken Reflektionen auf das Leben, mit vielen Einflüssen der amerikanischen Literatur und Kunst bis hin zu der respektvollen Verneigung vor den verstorbenen Größen der Vergangenheit. Otis Redding, Alice Russell und weitere Musiker werden im Song "Sunblind" genannt.

Release 5.2.2021

Neues, 10tes Album von Dave Grohl´s Band. Knackiges Teil mit 9 Songs in 37 MInuten. Inkl. der Vorabsingle "Shame Shame." Das Album wurde von Greg Kurstin und der Band produziert.

Reelase 22.1.2021

Auf NAKED in ENGLISH CLASS haben Olifr M. Guz und Taranja Wu ihren Sound weiter verschärft: angetrieben von Strobo-Punk Beats jagen uns die Songs durch die surreale Klangwelt von NiEC. Über allem kreisen Helikopter in bedrohlicher Tiefe und mischen sich surrende, zischende und knarrende Klänge in ihren Gesang.

NAKED in ENGLISH CLASS machen den Soundtrack, zu dem wir uns tanzend auf dem Weg in eine dystopische Welt hin bewegen.

Release 22.2.2021

Mit ihren crispen Jangle-Gitarrenmelodien reiht sich das kanadische Indie-Rock-Quartett nahtlos neben ihre Labelkollegen von Rolling Blackouts Coastal Fever und Corridor ein. Ihr Sound wurde schon mit dem Satz "This is like if Weezer tried to sound like The Strokes" treffend im Netz beschrieben, Vorab erscheint der den Titeltrack zum Album inklusive Musikvideo. Der Song wurde von Stereogum als "scratchy post-punk jam with some seriously funny lyrics" bezeichnet und geht ohne Zweifel direkt ins Ohr.

Release 22.1.2021

Mit dem 2ten Album greift das Duo aus Belfast eindrucksvoll nach den Sternen. Sie haben ihrenStil verfeinert, ausgearbeitet, perfektioniert und emotionalisieren enorm mit ihren Entwürfen. Die Mittel ähneln denen des Debutalbums, Fluß und Sog ihres Sounds beeindrucken in vermehrtem Maße. Die Mischung aus technoidem Bounce, nordischer IDM-affiner Synth-Flächigkeit zwischen Trentemöller und Boards of Canada, London-affiner Minimal-Dubstep-Haltung mit leichtem House-Appeal, Sample-Spielereien und von durchweg hohem Thrill und Spannung paßt perfekt, vereint Massenkomapatibilität und Anspruch und integriert auch coole Vocalfeatures. Ein Album, daß von vorne bis hinten paßt und auf das sich die elktroische Community einigen kann.

Release 22.1.2021

Nachdem Mike Milosh alias Rhye sich auf seiner letzten EP »Spirit« den sanften Pianoklängen widmete, kehrt er 2021 mit einem neuen Album zurück.

»Home« heißt der mittlerweile dritte Longplayer des Sängers und Multiinstrumentalisten mit der soulig-zarten Stimme. Und die ist auf dem Album wieder allgegenwärtig, wie schon die ersten Singles »Beautiful« und »Helpless« sowie »Black Rain« eindrucksvoll zeigen. Dazu gibt es elektronisch-minimalistischen R’n’B, entspannten Soul und 80er-Jahre-Disco-Vibe. Eine perfekte Kombination.
Das Album wurde in den United Recording Studios und Revival at the Complex in Los Angeles sowie in Miloshs Heimstudio aufgenommen.

Release 15.1.2021

Sie haben 2018 dem britischen Post-Post-Game wieder zu seiner Blüte verholfen. Die Rede ist von Shame, den fünf Musikern aus dem Süden Londons. Nun haben sie mit „Drunk Tank Pink“ den Nachfolger des äußerst erfolgreichen Debütalbums „Songs Of Praise“ angekündigt. Als Produzenten haben sie sich James Ford an Land gezogen, der in der Vergangenheit bereits mit Acts wie den Arctic Monkeys, The Last Shadow Puppets, Florence + The Machine und Depeche Mode zusammengearbeitet. Dies alleine sollte schon die Ambitionen der Band untermauern.

Die Single „Water in the Well“ zeigt bereits, wohin die Reise hingehen könnte. Der Sound ist größer und abenteuerlustiger. Dafür muss die Unverblümtheit im Sound den großen Gesten weichen. Dieser kreative Sprung wurde auch zum Teil durch den kürzlichen Knall der Band zurück auf den pandemischen Boden der Tatsachen ausgelöst. Der Großteil der Band-Existenz ruhte auf den wilden Live-Erlebnissen, die sie eben genau so nicht mehr erleben können. Pubs sind geschlossen, Venues sowieso und virtuell möchte bei einer Band wie shame nicht so recht Stimmung aufkommen.

Release 15.1.2021 (Vinyl am 12.2.2021)

Vielleicht ist auch „Love Is The King“ ein Beispiel dafür. Dabei handelt es sich um die neuste Solo-LP von Wilco-Frontmann Jeff Tweedy. Die Platte erscheint am 23. Oktober, natürlich über das Wilco-Label dBpm Records, und wird flankiert von Tweedys neuem Buch „How To Write One Song“.

Das neue Album ist nach „Together At Last“ (mit selbst eingespielten, reduzierten Wilco-Klassikern, 2017), „Warm“ (2018) und „Warmer“ (2019) bereits die vierte Solo-Scheibe des Sängers in vier Jahren. Der 53-Jährige, nebenher auch Produzent (zuletzt im Wilco-Studio The Loft mit Jazz-Darling Norah Jones) und Autor einer vorzüglichen Autobiographie („Let’s Go – So We Can Get Back“), ist immer noch einer der umtriebigsten Kreativen der Branche.

Als Vorgeschmack für seine neue Platte stellte Jeff Tweedy bereits die Songs „Guess Again“ und „Love Is The King“ ins Netz.

Release 15.1.2021

Kurt verbeugt sich vor seinem musikalischen Helden. Der amerikanische Slacker-König ist schon seit langen Jahren ein großer John Prine- und Nashville-Fan als sich durch Vermittlung von Matt Sweeney (Chavez, Superwolf) die Möglichkeit auftat, selbst mit seinem musikalischen Helden in Nashville aufzunehmen. Über einen Zeitraum von vier Jahren entstanden in sporadischen Sessions in Prines und Fergies Studio fünf Songs (drei Cover von Prine & Clement und zwei neue eigene Songs), aufgenommen mit lokalen Größen wie Bobby Wood, Dave Roe, Kenny Malone, Dan Auerbach (The Black Keys) und eben Matt Sweeney. "How Lucky", ein Duett mit John Prine, ist dabei für Vile, "probably the single most special musical moment in my life".

Release 15.01.2021

Album Nummer Sechs von Jason Williamson und Andrew Fearn aka Sleaford Mods aus Nottingham, und die Fresse wird nur noch größer. Die beiden feilen an ihrem Sound, ohne den Charme und Minimalismus einzubüßen, der sie so groß gemacht hat. Sie sind nach wie vor das Paradebeispiel des mündigen DIY-Künstlers, vor keinem Kommentar zurückschreckend, und Anlass dafür gibt es im Brexit- und Corona-Chaos auf der Insel mehr als genug. Die Songs sind bissig wie eh und je, musikalisch evtl teils etwas "weicher" und versierter, aber das steht den beiden gut und sorgt für Kurzweil und Abwechslung, und von den wütenden Rants der bisherigen Alben gibt es auch immer noch genug, sodass jedeR sein Fett weg bekommt. Kaum ein Act sitzt in den letzten Jahren so perfekt zwischen den Stühlen wie diese beiden. Als Gäste u.a. die britische Newcomerin Billy Nomates (nicht die Punkband), und Amy Taylor/Amyl & The Sniffers

Release 15.1.2021 (Vinyl am 12.3.2021)

Auf dem blättrigen Cover ihres dritten Albums laden die Grandbrothers den Betrachter ein, durch das dichte Laub eines Weißdornstrauchs zu blicken, offenbar angetrieben von einem ähnlichen Gefühl der Neugierde, das ihrer neuen Platte zugrunde liegt. Das türkisch-deutsch-schweizerische Duo hat die selbstgewählten Beschränkungen ihres früheren Set-Ups hinter sich gelassen und mit ihrem neuen Album einen Sprung ins Unbekannte gewagt. Auf „All The Unknown“ präsentieren der Pianist Erol Sarp und der Produzent/Audio-Softwareentwickler Lukas Vogel, die seit ihrer Gründung im Jahr 2012 ihre moderne und einzigartige Interpretation des präparierten Klaviers einsetzen, eine weite, offene Klangwelt der kompositorischen Möglichkeiten. Die beiden stellen auf ihrem neuen Album wieder Vergangenheit und Zukunft einander gegenüber und wagen sich mit einem Konzertflügel, einer selbstgebauten, computergesteuerten Apparatur und einem neuen Sinn für Freiheit weiter in die Weiten des Kosmos der elektronischen Musik vor."Wir wollten die schöne und romantische Klaviermusik hinter uns lassen", erklärt Sarp, dessen Affinität zu Clubmusik schon immer einen Einfluss auf sein Songwriting hatte. Wer genau hinhört, kann ein Oldschool Hip-Hop-Beat zusammen mit einem melodischen Klavier fusionieren hören - oder spüren wie eine Spur Techno blitzschnell vorbeizieht. Motive der Clubmusik schleichen sich subtil in die makellos strukturierte Soundpalette von „All The Unknown“ ein, die dennoch ausschließlich Klänge verwendet, die ihren Ursprung im Klavier haben. Diese Klänge und Samples werden mit Hilfe einer von Vogel gebauten Mechanik generiert, gesammelt, dann extrahiert, verarbeitet und über ihre ursprüngliche Identität hinaus geformt, um fremdartige Bleeps, Beats und Töne zu erzeugen. Diese ungewöhnlichen Sounds mit den organischen Klavierklängen zu verschmelzen, ist das, was die Klangwelt von Grandbrothers ausmacht.

Release 8.1.2021

Auch als Ltd.-Translucent Pink Glass Vinyl erhältlich (CHF 37.90)

Eigentlich kennt man Aaron als Schlagzeuger und Goldkehlchen von Durand Jones & The Indications. Jetzt tritt er als Solist hinter dem Drumkit hervor. Der in Brooklyn lebende und in Baltimore aufgewachsene Songwriter - der zuvor bereits alsThe Flying Stars of Brooklyn, NY Musik veröffentlicht hat - besitzt eine in der Tat einzigartige Stimme, die sowohl zeitgenössisch als auch zeitlos klingt und eine breite Palette an Emotionen sowie progressive Weltanschauungen transportiert, die in der Tradition von musikalischen Vorbildern wie Curtis Mayfield steht. Die wie das gesamte Album von Dan Auerbach (Black keys) produzierte Single "Bad News" ist ein Lied mit Botschaft im Stil von Gil Scott-Heron. Aufgenommen in Nashville mit einer Crew legendärer Session-Musiker - darunter Mitglieder der Memphis Boys (die in Dusty Springfields "Son of A Preacher Man" und Aretha Franklins "You Make Me Feel Like A Natural Woman" mitspielten), dem Perkussionisten Sam Bacco sowie diversen Musikern aus dem Daptone/Big Crown Records-Umfeld, demonstriert Frazer sein beeindruckendes Können als Vokalist.

Release 8.1.2021 (Vinyl am 29.1.2021)

Als The Dirty Nil Anfang des Jahres zum ersten Mal in den Union Studios in Toronto zusammenkamen, um den Nachfolger ihres für den Juno-Preis 2018 nominierten Brechers "Master Volume" aufzunehmen hatte das Coronavirus gerade seine Nordamerika-Tournee begonnen und das Gerede über Grenzschließungen schlich sich in die Schlagzeilen. Plötzlich wurde das, was eigentlich ein gemächlicher Aufnahmeprozess sein sollte, zu einer angespannten Mission, bei der es um Leben und Tod ging, da der Produzent John Goodmanson gezwungen war, nach Seattle, in seine Heimat zu verschwinden. Mit der Entscheidung zurückgelassen, ob die Aufnahmen fortgesetzt werden sollten oder nicht, entschied sich die Band aus der Ferne dazu weiterzumachen und die Verbindung übers Internet zu halten. Das Ergebnis ist das wunderbar blasphemische Album "Fuck Art", eine Erklärung des Vertrauens und des Trotzes, von einer Band, die jetzt drei Alben im veröffentlicht hat - d.h. sie sind an dem Punkt, an dem ehrgeizige Rock Bands ein Orchester hinzuziehen oder versuchen mit Elektronik zu experimentieren. The Dirty Nil hingegen haben sich dafür entschieden die Formel zu perfektionieren, die sich bereits bewährt hat.

Release 4.12.2020

WAR ON WOMEN, die sich selbst als „Co-ed feminist Hardcore-Punk-Band“ bezeichnen, bringen eine neue Platte raus: „Wonderful Hell“ erscheint am 20. November 2020 via Bridge 9 / Soulfood.

Der Titelsong "wonderful hell" verspricht schon mal Einiges!

Fertiggestellt wurde das Album bereits im Frühjahr 2020, als die Band eigentlich mit Bad Religion auf Tour sein sollte. Die Tour wurde wegen der Covid-19-Pandemie abgesagt.

Release 11.12.2020

Auch als Ltd.-Clear Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.90)

Neues Album des aus Arizona stammenden Trios Maynard James Keenan (Tool, A Perfect Circle) mit Mat Mitchell (Gitarre, Bass, Keyboards) und Carina Round (Gesang, Keyboards). Folgendes Back-Up-Team wurde zur Verstärkung zusammengestellt: Greg Edwards (ein erfahrener Agent, der in geheimen Operationen unter den Titeln Failure und Autolux gedient hat, Bass, Gitarre, Keyboards), Gunnar Olsen (Drums) und Sarah Jones (Drums). Maynard James Keenan bediente sich dieses Namens erstmals, als er 1995 in einer Episode der amerikanischen TV-Serie "Mr. Show" zu sehen war, 2007 wurde die gleichnamige Electro-Rock-Band gegründet, die er heute mit seinen Mitstreitern Mat Mitchell (Gitarre, Produktion) und Carina Round (Gesang, Songwriting) betreibt.

Release 11.12.2020

B-Seiten und Raritäten-Album mit Songs, die zumeist von den 7"-Singleveröffentlichungen der Band aus den Jahren 2002 bis 2009 stammen. Vollständig neu gemasterte Songs. Der Titel "Little Bastards" war der liebevolle Spitzname, den Alison Mosshart und Jamie Hince der Drum-Maschine gaben, die ihre Existenz als Band mit nur zwei Mitgliedern in der ersten Hälfte ihrer Karriere ermöglichte. Das Album enthält auch die bisher unveröffentlichte Demoversion von "Raise Me" aus der Ära des Albums "Midnight Boom" (2008-2009). Weitere Höhepunkte sind "I Call It Art" von der Monsieur Gainsbourg Revisited-Cover-Compilation, der brillante Midnight Boom-Bonustrack "Night Train", eine mitreißende Darbietung von "Love Is A Deserter" aus einer XFM-Radiosession und eine Handvoll klassischer amerikanischer Roots-Songs, die mit der Art von Schnodderigkeit aufgeführt werden, für die The Kills berühmt sind: Howlin' Wolfs' "Forty Four", Screamin' Jay Hawkins' "I Put A Spell on You" und Dock Boggs' "Sugar Baby".

Release 11.12.2020

Mitten im Stillstand standen Faber, Sophie Hunger und Dino Brandao am Zürichsee bei der Roten Fabrik. Angezählt vom Lockdown. «Wir haben da zusammen den Kopf etwas hängen lassen», sagt Hunger. Aus dem gemeinsamem Trübsalblasen wurde schliesslich gemeinsames Arbeiten: Musik machen, Lieder schreiben, ausprobieren. Seither sind ein paar Wochen ins Land gegangen.
Oft wird die Liebe besungen. Sie ist längst nicht immer glücklich. Teils unerwidert, teils kräfteraubend. Mal geht es um die Liebe zu einem Menschen, mal zu einer Stadt. Es ist eine wolkenverhangene Sicht auf die Liebe, aber die lichten Momente fehlen nicht. Denn wenn die Liebe dann wirklich gut ist, wird sogar Rapperswil zum Paradies, wie Hunger unnachahmlich schön singt. Wie sie das Suchen nach Halt und Liebe musikalisch umsetzt, ist grossartig. Es bleibt stets luftig und doch immer fassbar.

Release 15.1.2021

Neues Album der psychedelischen Rocgranaten from down under. "K.G." markiert das zehnjährige Jubiläum einer aus dem Geheimtipp-Status herausgewachsenen Band. Es ist das 16. Album seit ihrer Gründung und eines ist sicher, kaum eine andere Band kann mit solch einer massiven, klanghaft vielfältigen Discographie mithalten. Drei Songs wurden bereits vorab veröffentlicht. Wenn der globale Lockdown im Frühjahr/Sommer 2020 Unruhe unter denen hervorrief, die auf Live-Auftritte angewiesen sind, dann waren King Gizzard besser als die meisten anderen in der Lage, während einer Pandemie nicht nur zu überleben, sondern auch stilvoll zu gedeihen. Ein Großteil des kreativen Lebens hat Frontmann Stu Mackenzie bereits damit verbracht, im Schlafzimmer Songs aufzunehmen und diese auf eine temporäre Eremiten-ähnliche Existenz vorzubereiten, aus der "K.G." geboren wurde. Es trug auch dazu bei, dass die Band zum ersten Mal seit ihrer Gründung finanziell unabhängig ist, sowie komplett als eigenständige Industrie existiert. Alle Alben wurden auf dem Label des ehemaligen Schlagzeugers Eric Moore Flightless Records veröffentlicht. Das gesamte Artwork und Videos entstanden im eigenen Haus. Es ist eine Arbeitsweise, die daran erinnert, dass DIY, Independent und Underground immer noch ein Weg zum internationalen Erfolg und völlige kreative Kontrolle sein können. *

Release 4.12.2020

Der australische, im britischen Brighton lebende Allrounder Nick Cave ist nicht nur Sänger, sondern auch Dichter in seinem zweiten Projekt mit dem belgischen Komponisten Nicholas Lens. Nach ihrem gemeinsamen Projekt Shell Shock aus dem Jahr 2014 taten sich Lens und Cave während des Lockdowns zusammen für L.I.T.A.N.I.E.S. Cave schrieb zwölf Litaneien - "Bittgebete an einen göttlichen Schöpfer" -, die der Komponist nach eigenen Worten in ein Stück "aus Nachtträumen" verwob. Als Lens mit dem Fahrrad durch ein ungewohnt leeres Brüssel fuhr, musste er an die magische Ruhe der Rinzai-Zen-Tempel denken, die er im ländlichen Japan gesehen hatte. Erinnerungen an diese Bauwerke und den inneren Frieden, den er dort erlebt hatte, waren die Inspiration für die minimalistische, zuweilen tranceähnliche Musik von L.I.T.A.N.I.E.S, gesungen von Denzil Delaere, N. L. Noorenbergh, Claron Mc- Fadden und Lens' Tochter Clare-Lane, die ebenfalls Künstlerin ist. Die elf Instrumentalisten nahmen ihre Parts einzeln in Lens' Haus auf, um den Pandemievorschriften zu genügen, das gemeinsame Ziel ihrer Arbeit aber ist deutlich spürbar in diesem vollendeten Vokalwerk

Release 27.11.2020

Jede Schallplatte wurde auf Basis von 100% mehrfarbigem Recycling-PVC gepresst und ist ein Unikat. Die Farbzusammenstellung ergibt sich aus dem vorliegenden Rohmaterial und ist bei jeder Platte einzigartig. "Das neue Album entstand im Lockdown. Ein Album, das unter Schock entstanden ist. Für uns hat es immer drei Teile gehabt - den düsteren Beginn, das Aufatmen danach und die süß-bittere Wahrheit zum Schluss. Wir wünschen uns, dass dieses Album am Stück gehört wird. Die Reihenfolge der Lieder hat für uns Bedeutung, und wer so großzügig ist sich das Album auch in dieser Reihenfolge anzuhören hat einen gepolsterten Sitzplatz in der Mehrzweckhalle unserer Herzen." (Severin, Christopher, Henning aka AnnenMayKantereit)