Release 9.6.2023

Auch als Strictly Ltd.-Clear Vinyl erhältlich (CHF 35.90)

Nachdem seine intime Underplay-Show-Tour "SHHH" im März binnen Sekunden ausverkauft war, kündigt Archy Marshall sein mittlerweile viertes Studioalbum als King Krule an. Zehn Jahre nach der Veröffentlichung seines umjubelten Debütalbums "6 Feet Beneath the Moon" zeigen die 15 neuen Songs den britischen Songwriter auf der Höhe seines Schaffens. Entstanden ist das Album zwischen 2020 und 2022, als Archy Marshall sowohl London als auch Liverpool seine Heimat nannte und viel Zeit auf den Reisen von einem zum anderen Ort verbrachte. Während diesen Trips entstand seine Faszination für "the space between", wie er es nennt: die Orte, die von Träumen voller Liebe verfolgt werden, während sich Archy in seinen Texten mit persönlichen Verlusten befasst. Nachdem die Texte fertig waren, entstand die Musik gemeinsam mit dem Produzenten Dilip Harris sowie seiner langjährigen Band, bestehend aus Ignacio Salvadores (Saxophone), George Bass (Schlagzeug), James Wilson (Bass) und Jack Towell (Gitarre). In den 15 Songs verbinden sich viele Elemente seiner bisherigen Karriere mit dem klanglichen Kosmos, der ihm das Attribut als eine der Stimmen seiner Generation einbrachte. Die dichten Lyrics seines Debüts, die Verschiebung seines Sounds bei "The OOZ" (2017), die Ursprünglichkeit von "Man Alive!" und die rohe Verletzlichkeit, die er auf "You Heat Me Up, You Cool Me Down" zeigte, fließen in den Sound seines neuen Albums ein.*

Release 16.6.2023

Auch als Ltd.-Blue, Red, Green und Silver Vinyl-Editions erhältlich (alle CHF 41.90)

Das 8te Album der Band um Josh Homme ist roh, bisweilen brutal und nichts für schwache Nerven. Und doch ist es vielleicht das schönste und definitiv das lohnendste Album in ihrer epischen Diskografie. Die bisher bissigsten Texte des Gründers Joshua Homme werden von der sofort erkennbaren QOTSA-Sound-Signatur getragen, die in praktisch jedem Song mit neuen und noch nie dagewesenen Wendungen erweitert und verschönert wird. Mit In Times New Roman... sehen wir, dass man manchmal unter die Narben und Schrammen schauen muss, um Schönheit zu sehen, und manchmal sind die Schrammen und Narben die Schönheit. Die Mitglieder von QOTSA fühlten sich ein wenig fehl am Platz und hatten Schwierigkeiten, Musik zu finden, mit der sie sich identifizieren konnten, und so taten sie, was sie zu tun pflegen: In Times New Roman... ist der Sound einer Band, die die Musik kreiert, die ihre eigenen Mitglieder hören wollen, während sie dem Rest von uns ein klangliches Forum bietet, in dem wir uns versammeln können. "Die Welt wird in ein oder zwei Monaten untergehen", singt Homme und wirft damit die Frage auf: Was wollt ihr mit der Zeit anfangen, die euch noch bleibt? Homme, Troy Van Leeuwen, Dean Fertita, Michael Shuman und Jon Theodore können uns vielleicht nicht retten, aber sie geben uns einen Ort, an dem wir es aushalten können. Die erste Auskoppelung von In Times New Roman... ist "Emotion Sickness", das den Hörer in eine warme Decke aus patentierten hypnotischen QOTSA-Refrains und schrägen Grooves einhüllt - unterbrochen von einem Hauch psychischer Turbulenzen. Die letzten Jahre waren für alle hart, und es ist kein Geheimnis, dass die Mitglieder von QOTSA ihren Teil an Herzschmerz und Verlusten ertragen mussten. Aber wer von uns hatte in letzter Zeit nicht auch mit einem (oder zwei) Anfällen von Gefühlskrankheit zu kämpfen? In Times New Roman... wurde in Hommes eigener Pink Duck (RIP) aufgenommen und gemischt, mit zusätzlichen Aufnahmen im Shangri-La. Das Album wurde von Queens of the Stone Age produziert und von Mark Rankin abgemischt. Das Album wird am 16. Juni auf allen digitalen Plattformen sowie auf Vinyl und CD erhältlich sein. Das Artwork und die Doppel-LP-Gatefold-Verpackung wurden von dem langjährigen Mitarbeiter Boneface entworfen.

Release 9.6.2023

Das Indie-Rock-Duo, das Mitte der 2000er Jahre als Nebenprojekt von Amber Webber und Joshua Wells von Black Mountain gegründet wurde, kombiniert seinen dunklen, an Synthesizer angelehnten Rock mit gedämpftem Folk und minimalen dunklen elektronischen Synthesizern. 2019 hatte sich LD nach privater Trennung aufgelöst, doch ihnen wurde klar, dass ihnen die gemeinsame Band viel bedeutet. So entstand die Idee von Nostalgie als loses Konzept. Amber´s aussergewöhnliche Stimmfarbe mit der leichten Brüchigkeit und ihr erhabener Gesang hat auf dem neuen Album einmal mehr etwas von wärmender Erlösung, vor allem innerhalb der hauptsächlich mit Tasteninstrumenten geschaffenen musikalischen Einbettung, die mal fliesst, mal tropft, mal sich erhebt, mal in die Weite weist

Release 11.8.2023

Meist aufs Wesentliche konzentriert, ohne unnötiges Fett aufgenommen offenbart das neue Album Bonnie pur, begleitet von Akustikgitarre und Backgroundgesang von Dane Waters. Bei einigen Songs erklingt auch Violine, Cello oder Mandoline oder ein paar Tastenklänge oder auch mal ein Saxophon. Bonnie´s Gesang nimmt mit, zeigt jede Facette seiner Stimmbänder und seiner Stimmfarbe. Herrliche Songs voller Herzblut für ruhige Stunden, am besten zu geniessen auf der Veranda oder dem Balkon an einem entspannten freien Tag. Ein Album, das so gemacht wurde, wie es gehört werden sollte: in einem Raum. Der Klang von Menschen, die zusammen sind, die miteinander spielen, kommunizieren. Das Gefühl von Gemeinschaft überträgt sich in den intimen Folksongs.

Release 9.6.2023 - CD-Release am 23.6.23

Die neuseeländische Post-Punk-Band aus Auckland mit ihrem Zweitling. Das zehn Tracks umfassende sozio-politische Werk befasst sich mit unserem kollektiven spirituellen Chaos und zieht Einflüsse aus der gesamten Punk-Geschichte heran, die sie auf persönliche und universelle Weise zu etwas dezidiert Aotearoanischem und Einzigartigem verarbeitet. Elemente von Wire und 100 Flowers/ Urinals sind nicht von der Hand zu weisen, verbinden sich mit dem Sound von Midwesternpunk und der Schraddeligkeit von Kombos wie The Clean und werden letztendlich doch zu etwas ganz Eigenem emporgehoben. Sehr geile, tighte Platte!

Release 23.6.2023

Der Titel des 9ten Albums ist einem Freund der Anfang der 2004 in Alaska gegründeten Band gewidmet. Der Song "Dummy" ist ein etwas schräger, aber auch pop-orientierter Song, der mit Funk flirtet und mit den Gitarren und den Hiphopdrums etwas nach Beck klingt. Etwas ungewöhnlich dagegen der Dub/Reggae-Einfluss auf "Thunderdome", das der Seele Amerikas auf den Grund zu gehen versucht und vom MItwirken der mexikanischen Musikerin Natalia Lafourcade geprägt ist, zudem ist der omnipräsente The Roots-Rapper hier mit am Start

Release 11.8.2023

Auch als Tape erhältlich (CHF 17.90)

Das neue Album folgt auf "Loving In Stereo", das ein Meilenstein für das gefeierte britische Duo war. Es erreichte die bisher höchste Position in den UK-Charts und debütierte auf Platz 3. Gleichzeitig erreichte es die beste Position in den internationalen Charts in Australien, Deutschland, der Schweiz, Belgien und den Niederlanden. In den USA katapultierte es sich auf Platz 1 der Billboard Dance Albums Charts. Die freigeistige Energie, die sich durch das Album zieht, spiegelt wider, wie organisch das Album entstanden ist. J und T hatten den Großteil des Albums auf Tournee geschrieben, bevor sie mit den Aufnahmen begannen, während sie in einem Airbnb in Los Angeles wohnten. Später wurde das Album zu Hause in London in ihrem Lieblingsort, dem Studio B der Metropolis Studios, fertiggestellt. Dieses Mal wollte das Duo eine größere Vielfalt an Stimmen in das Album integrieren. Neben Erick The Architect haben sie für "Pretty Little Thing" auch Bas (der bereits auf der "Loving In Stereo"-Single "Romeo" zu hören war) wiederverpflichtet, sowie Talente wie Roots Manuva, Channel Tres und JNR Williams hinzugezogen.

Release 8.9.2023

Auch als Ltd.-Clear Indie Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Royal Blood, das sind: getriebene Vocals, ein wildes Schlagzeug und ein treibender Bass, der mit Effekten so weit gepitcht wird, dass er wie Bass und rotzige Gitarre zugleich klingt. Ihr treibender Rocksound bewegt sich zwischen Led Zepplin, White Stripes und Queens of the Stone Age.

Release 11.8.2.023

Auch als Ltd.-Off-White Opaque Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Die unbestrittenen Ikonen des Rock'n'Roll sind zurück und kanalisieren mit ihrem ersten neuen Album seit über 10 Jahren die elektrisierende Energie der größten Hits der Gruppe. Ihr kolossales neues Album lässt die Geschichte der Band auf fesselnde Weise wieder aufleben, indem es das Verschwinden des mysteriösen sechsten Bandmitglieds Randy Fitzsimmons erforscht. Nachdem er vor einiger Zeit verschwunden ist, steht die Band ohne ihren besten Mann da, und es sieht nicht gut aus auf dem Anwesen. Vielleicht, aber nur vielleicht, wird die Veröffentlichung neuer Musik Randys Aufmerksamkeit erregen und ihn aus der Leere zurückholen...

Release 7.7.2023

Harveys erstes seit dem 2016 für einen Grammy nominierten "The Hope Six Demolition Project" wurde von den langjährigen Weggefährten Flood und John Parish produziert. PJ Harvey hat seit Beginn ihrer Karriere für Aufsehen gesorgt. Sie ist die einzige Musikerin, die mehr als einmal mit dem britischen Mercury Music Prize ausgezeichnet wurde, zuerst 2001 für Stories From The City, Stories From The Sea und erneut 2011 für Let England Shake. Als Dichterin und bildende Künstlerin sowie als Musikerin und Songschreiberin besticht ihr Werk durch seine Originalität: lebendig, fesselnd und unverwechselbar. Seit der Veröffentlichung von The Hope Six Demolition Project, das in ihrem Heimatland Großbritannien auf Platz 1 der Albumcharts landete, hat sie Kompositionen für Bühne und Film beigesteuert, zuletzt für Sharon Horgans gefeierte Miniserie Bad Sisters. Im Laufe ihrer Karriere hat Harvey immer dafür gesorgt, dass jede Phase ihrer Entwicklung sie zu etwas Neuem geführt hat, aber ihre neueste Musik ist selbst für ihre Verhältnisse kühn und originell. Erfüllt von dem Gefühl einer zyklischen Rückkehr zu neuen Anfängen, verbindet sie ihren kreativen Wagemut mit einem Gefühl der Offenheit und Einladungskraft, und das auf faszinierende Weise. Die neuen Songs, so Harvey, bieten "einen Ruhepol, einen Trost, einen Trost, einen Balsam - was sich für die Zeiten, in denen wir leben, genau richtig anfühlt." Die Geschichte von I Inside the Old Year Dying reicht sechs Jahre zurück, bis zum Ende der Tournee um ihr letztes Album im Jahr 2017 und wie sich Harvey unmittelbar danach fühlte. Sie spürte deutlich, dass sie irgendwo im endlosen Zyklus von Alben und Tourneen ihre Verbindung zur Musik selbst verloren hatte - eine Erkenntnis, die unbeschreiblich beunruhigend war. Es war keine Zeit des kreativen Rückzugs: Dank der Betreuung durch den schottischen Dichter Don Paterson arbeitete sie an Orlam, ihrem zweiten Gedichtband nach The Hollow of the Hand (2015), der letztes Jahr veröffentlicht wurde und eine der wichtigsten Inspirationen für das neue Album war. Hinzu kamen die Neuauflagen von Harveys Vorgängeralben - und, in Neuauflagen, deren Demoversionen -, die zwischen 2020 und 2022 herauskamen. Aber schließlich waren es zwei Dinge, die sie in Richtung neuer Songs, Musik und Klänge trieben. Das eine war die Erinnerung an ein Treffen mit dem Künstler und Filmemacher Steve McQueen in Chicago während der Zeit von Hope Six. Er riet ihr, sich daran zu erinnern, was sie an Worten, Bildern und Musik liebt, und das Konzept, ein "Album" zu schreiben, beiseite zu legen, um sich auf diese drei Leidenschaften zu konzentrieren und mit ihnen zu spielen. Der andere Auslöser für die Rückkehr zur Musik war ganz einfach: der bloße Akt des Musizierens. Wenn sie die Gitarre in die Hand nahm oder sich ans Klavier setzte, um ihre Lieblingssongs von Künstlern wie Nina Simone oder Bob Dylan zu spielen, wurde ihre Leidenschaft für diese Kunstform erneut bestätigt. Bald begann sich etwas zusammenzufügen. Als Harvey begann, neue Songs zu schreiben, hatte sie das befreiende Gefühl, Musik um ihrer selbst willen zu machen, und nicht mehr die ersten Schritte zurück in den Album-Tour-Album-Tour-Zyklus. Sie schöpfte aus dem Gefühl der kreativen Freiheit, das sie bei ihrer früheren musikalischen Arbeit an Soundtracks und im Theater verspürt hatte. Gleichzeitig verlagerte sich ihre Perspektive, weg von den großen Themen von Let England Shake und Hope Six ("looking out, at war, politics, the world"), hin zu etwas Intimerem und Menschlicherem. Die neuen Songs, sagt Harvey, "sind in etwa drei Wochen aus mir herausgekommen". Aber das war nur der Anfang. Der Schlüssel zu dem, was als Nächstes - in den Battery Studios im Nordwesten Londons - passieren sollte, lag in einer fast dreißigjährigen kreativen Verbindung zwischen Harvey, ihrem langjährigen Mitarbeiter und kreativen Partner John Parish und Flood: nominell ein Produzent, obwohl dieses Wort ihm nicht wirklich gerecht wird. "Das Studio war für Live-Auftritte eingerichtet, und das war alles, was wir gemacht haben", sagt sie. Wenn I Inside the Old Year Dying ein sehr greifbares, menschliches Album ist, dann liegt das zum Teil daran, dass so gut wie alles auf dem Album auf Improvisation beruht: spontane Auftritte und Ideen, die im Moment ihrer Entstehung aufgenommen wurden. Die Aufnahme hat etwas zutiefst Erhebendes und Erlösendes an sich, was durch die erste Single des Albums, "A Child's Question, August", verdeutlicht wird. "Ich glaube, das Album handelt von der Suche, der Intensität der ersten Liebe und der Suche nach Bedeutung", sagt Harvey. "Nicht, dass es eine Botschaft geben muss, aber das Gefühl, das die Platte bei mir auslöst, ist das der Liebe - es ist von Traurigkeit und Verlust geprägt, aber es ist liebevoll. Ich glaube, das ist es, was es so einladend macht: so offen.

Release 23.6.2023

Gaststars wie First Aid Kit, Shovels & Rope, Scott McMicken, Neko Case, Jim James und andere beleben das 12te Album mit Überraschungen. Acht der zehn Songs des Albums sind Ward-Originale, aber es gibt auch eine unorthodoxe Bowie-Auswahl, "I Can't Give Everything Away" aus "Blackstar", und eine Live-Interpretation von Daniel Johnstons "Story of an Artist".

Release 21.7.2023

Neues Album von Damon Albarn, Graham Coxon & Co !!!! Blur zählt ohne Zweifel zu den wichtigsten Vertretern der 1990er-Britpops. Anlässlich des 30. Jubiläums ihres epochalen Albums "Parklife" spielt die Band am 8. Juli ein Konzert im Wembley-Stadion. Damit steht Blur nach ganzen acht Jahren wieder gemeinsam auf der Bühne. Und als ob das noch nicht genug wäre, legt die Band mit der Ankündigung ihres neuen Albums sogar noch einen oben drauf.

Release 16.6.2023

Neues Album des norwegischen Trios, produziert von Reine Fiske and Lars Fredrik Swahn (Dungen, Melody´s Echo Chamber, The Amazing et al)

Release 30.6.2023

Lucinda Williams' Musik hat sie durch ihre dunkelsten Tage gebracht. Das war schon so, als sie inmitten des Familienchaos im tiefen Süden aufwuchs, wie sie in ihren neuen Memoiren Don't Tell Anybody the Secrets I told You erzählt. In den letzten zwei Jahren war es die treibende Kraft bei ihrer Genesung von einem schweren Schlaganfall, den sie am 17. November 2020 im Alter von 67 Jahren erlitt. Ihr meisterhaftes, mehrfach mit einem Grammy ausgezeichnetes Songwriting hat sie nie im Stich gelassen. Ihr atemberaubendes, sechzehntes Studioalbum Stories from a Rock n Roll Heart enthält einige der besten Werke ihrer Karriere. Und obwohl Williams ihre geliebte Gitarre - ein ständiger Begleiter seit ihrem 12. Lebensjahr - nicht mehr spielen kann, klingt ihr markanter Gesang besser denn je. Die Band rockt beim jubelnden Eröffnungsstück des Albums, "Let's Get the Band Back Together", mit einer Reihe von Background-Sängern, darunter Margo Price und Buddy Miller. Inspiriert von dem Bedürfnis nach Gemeinschaft nach all der Isolation während der Pandemie", so Williams, geht es in dem Song darum, alte Freunde wieder zusammenzubringen, die sich auseinandergelebt haben". Price schließt sich ihr auch bei dem bluesigen Protestsong "This Is Not My Town" an. Das stimmungsvolle "New York Comeback" enthält auch Gastsänger - Bruce Springsteen und Patti Scialfa. Als Lucinda-Williams-Fan stand Springsteen vor einigen Jahren in London mit ihr auf der Bühne, und er und Scialfa wollten schon seit längerem an einem Williams-Album mitwirken. Mit Reese Wynans an der B3 und der Pettibone-Mathis-Gitarren-Attacke passt der musikalische Rahmen perfekt zum Thema von "Comeback", ebenso wie bei dem eingängigen Story-Song "Rock N' Roll Heart", zu dem Springsteen und Scialfa auch Gesang beisteuerten. Williams: "Bruce und Patti bei diesen Songs zu haben, ist wirklich toll. Es ist einfach so cool!" Wie sie auf dem kraftvollen letzten Stück von Stories from a Rock n Roll Heart - einem der besten Alben ihrer Karriere - verspricht, wird Lucinda Williams "niemals verblassen".

Release 23.6.2023

Cory Hansons dritte Solo-LP folgt auf das leuchtende "Pale Horse Rider" von 2020 und steigert die Hitze auf geschmolzene Ebenen, sechs Saiten auf einmal. Auf der Suche nach weiteren Abenteuern schöpft Cory mit vampirischer Freude aus dem Wahnsinn, der durch die Welt da draußen strömt; eine spiralförmige Shitshow, die einen Zwang in ihm wiedererweckt hat - einen alten Ehrgeiz, sogar! - Brutalität und Eleganz zu einem neuen Satz von Steinen zu zermalmen, die auf uns herabhageln. Western Cum ist eine hochtrabende, hart tanzende, erste Liebe/Herzschmerz, heute Nacht ist die Nacht, Zukunftsnostalgie - der Klang von Gitarren durch die Lautsprecher von Luxusautos. Wie der Traum, den du einmal hattest, als du allein in einem Verstärker schliefst und Guns N" Roses aus allen Körperöffnungen schallte. Und es kommt durch! Western Cum "s Karte zum Schatz ist jedoch weniger eine Nachahmung, sondern eher eine Ausführung der Songs mit der Henkersaxt, die ihre enthaupteten Rhythmusköpfe und hochfliegenden Melodien, die ganze Palette von Corys melodischen Impulsen mit Gitarren, Gitarren, Gitarren wälzt. Harmonie-Leads sind nur die Spitze des Eisbergs, aber sei schnell - die Gitarren schmelzen gerne alles, was sich ihnen in den Weg stellt! Die acht Songs von Western Cum werden vom kräftigen Bass von Bruder Casey Hanson und dem Schlagzeug von Evan Backer angetrieben, mit ein paar beiläufigen Akustikklängen von Cory und den gelegentlichen Geisterstöhnen der Steel Guitar von Tyler Nuffer. Der Quartettsound - zwei Gitarren, Bass und Schlagzeug - dient als Beat- und Phrasierungsinstrument sowie als Vorlage für Corys Sechssaiter- und Gesangstexturen. Vom Dach ihres musikalischen Unterschlupfs - die Band in ihrer provisorischen Hütte und Cory in einem Plumpsklo - lassen sie eine Explosion los, die sowohl das Gesicht schmelzen als auch den Verstand überwältigen lässt: ein sozialer Dienst, der Verstopfung einen guten Namen gibt.

Release 9.6.2023

Neues 5tes Album der Mitbegründerin von Rilo Kiley. Eine ohne Umweg ins Ohr gehende Mischung aus frischem, hintergründigen Songwriting, warmen, akustischen Vibes aus klassischem Pop, Soul und einer Prise Americana, und der einmaligen Stimme von Jenny LewisBekannt ist sie außerdem durch ihr Mitwirken als Gastsängerin in verschiedenen anderen Bands, z. B. The Postal Service und vielen Bands aus dem Umfeld des Saddle-Creek-Labels.

Blue Note Records!

Release 21.7.2023

Neues Album der Grammy Gewinner aus Michigan, deren erste beide Alben "Anthem Of The Peaceful Army" und "The Battle At Garden's Gate" jeweils auf #3 der deutschen Albumcharts debütierten. Ein starker Vorbote ist die erste Single "Meeting The Master", die sich von einem zarten Akustik Intro zu einem Rock-Monster entwickelt. Zehn Songs enthält das neue Album, die sich mit der Dualität zwischen Fantasie / Realität und dem Kontrast zwischen Licht und Dunkelheit, befassen. Das Album wurde von der Band geschrieben und von Grammy-Gewinner Dave Cobb (Chris Stapleton, Brandi Carlile) produziert. Die Aufnahmen fanden in den legendären RCA Studios in Nashville statt. *

Release 9.6.2023

Das dritte Studioalbum der malischen Sängerin enthält Features von Damon Albarn, Roberto Fonseca (Buena Vista Social Club), -M-, Angie Stone, Yemi Alade und M.anifest Als eine der herausragendsten Stimmen des Global Pop, lässt sich Fatoumata Diawaras Musik zwischen Afro-Pop, Afro-Folk und Afro-Futurismus einordnen - inmitten von Tradition und Moderne.

Immer mit einer Gitarre in der Hand, bringt sie die Rhythmen des Wassoulou und westafrikanische Gesangstechniken mit zeitgenössischen Klängen zusammen. Die Sängerin, Komponistin, Musikerin und Schauspielerin macht auf London Ko durch einen Wechsel aus Avantgarde und Hommagen an ihre Vorfahren auf Konflikte der Gegenwart aufmerksam und verarbeitet Erfahrungen ihrer Heimat Mali, insbesondere die Rolle der Frauen und Kinder. Entstanden aus der Zusammenarbeit mit Damon Albarn, steht London Ko für einen imaginären Kontinent, der Europa und Afrika näher zusammenbringt - insbesondere London und Bamako. Der gemeinsame Song »Nsera« war nicht nur der erste Track des kommenden Albums, sondern auch Zeugnis einer langen musikalischen Verbundenheit der beiden Musiker.

In Projekten wie Africa Express, Rocket Juice & The Moon, dem Gorillaz-Track »Désolé« sowie zahlreichen Live-Auftritten arbeiteten sie bereits Hand in Hand. Weitere prominente Unterstützung erhält die Künstlerin u.a. von dem kubanischen Klaviervirtuosen Roberto Fonseca (Buena Vista Social Club), der nigerianischen Afropop-Sängerin und Aktivistin Yemi Alade, sowie dem französischen Rockmusiker -M-. Entstanden ist mit London Ko ein vielseitiges Werk, das getreu dem eigenen Stil der zweifach Grammy-nominierten Sängerin traditionelle afrikanische Musik mit Facetten aus Afrobeat, Jazz, Pop, Electro und Hip-Hop verbindet. Mit London Ko zeigt uns Fatoumata Diawara eine Vision der Vielseitigkeit Afrikas. Sie kreiert einen Ort, an dem es möglich ist, Herr*in des eigenen Schicksals zu werden und positioniert sich damit als wichtige Akteurin in der zukünftigen Gesellschaft. Fatoumata Diawara zeigt einmal mehr, dass sie in die erste Liga der großen Stimmen des Afrofuturismus gehört.

Release 22.6.2023

In einer braunen Spanplattenhülle mit einer Download-Karte für zusätzliche 44 Minuten Musik. Das sechzehnte Album der New Yorker Noise-Rock-Urgesteine Swans um deren Kopf und Sänger Michael Gira, inklusive einer Schar an namhaften Gästen wie Ben Frost. "Nach zahlreichen pandemiebedingten Tourabsagen für das vorherige Swans-Album "Leaving meaning" und einer scheinbar bodenlosen Grube des Wartens, Wartens, Wartens und der seltsamen Orientierungslosigkeit, die mit dieser plötzlichen, aber nicht enden wollenden erzwungenen Isolation einherging, beschloss ich, dass es Zeit war, Songs für ein neues Swans-Album zu schreiben und alles andere zu vergessen. Es fiel mir relativ leicht, sie zu schreiben, immer in dem Bewusstsein, dass es meine letzten sein könnten. Als ich endlich in der Lage war, mit den Songs in der Hand nach Berlin zu reisen, um mit meinen Freunden an diesem Album zu arbeiten, war das Gefühl ähnlich wie der Moment in 'Der Zauberer von Oz', wenn der Film von Schwarz-Weiß auf Farbe wechselt. Jetzt fühle ich mich ziemlich optimistisch. Meine Lieblingsfarbe ist rosa. Ich hoffe, dass euch das Album gefällt.

Release 8.9.2023

Auf ihrem fünften Album klingt die norwegische Band größer und kreativer als je zuvor. Bewaffnet mit massiven Riffs, Black-Metal-Wildheit und ihrer bisher ambitioniertesten Instrumentierung beherrschen sie die Kunst, moderne Metal-Klassiker zu kreieren, die sowohl heftig sind als auch Spaß machen.

Release 7.7.2023

Eine Sammlung von dreiundzwanzig der beliebtesten Songs von Nick Drake, liebevoll dargeboten und neu interpretiert von zweiunddreißig der talentiertesten Künstler des gesamten musikalischen Spektrums, wird am 7. Juli über Chrysalis Records veröffentlicht. "The Endless Coloured Ways" wurde von Cally Callomon, der Managerin des Nick Drake Estate, und Jeremy Lascelles, dem Mitbegründer von Blue Raincoat Music und CEO von Chrysalis Records, ins Leben gerufen und enthält unter anderem Aufnahmen von Fontaines D.C., Let's Eat Grandma, John Grant, Self Esteem, Emeli Sandé, Guy Garvey, David Gray und vielen anderen. Im Vorfeld der Veröffentlichung des Albums wird Chrysalis eine Reihe von fünf 7"-Singles in limitierter Auflage mit einer Auswahl der versammelten Künstler herausbringen. Die Singles-Serie wird durch eine Bonus-7" vervollständigt, die der limitierten, farbigen 2LP-Variante beiliegt und eine wunderbare, nie zuvor veröffentlichte Aufnahme von Nick Drake enthält, der den Bob Dylan-Song "Tomorrow Is A long Time" zu akustischer Gitarre singt. "Cally und ich haben dieses Projekt mit einem einfachen Auftrag an jeden der Künstler begonnen - sie sollten die Originalaufnahme von Nick ignorieren und den Song in ihrem eigenen Stil neu erfinden. Wir bekamen viele ähnliche Antworten, wobei alle sagten, wie wichtig Nicks Musik für sie gewesen ist und wie sehr sie an diesem Projekt teilnehmen wollten. Als die Ergebnisse nach und nach eintrafen, waren wir begeistert von der Brillanz und dem Einfallsreichtum, den die Künstler gezeigt hatten. Sie hatten genau das getan, was wir uns erhofft hatten - sie hatten den Song zu ihrem eigenen gemacht." - Jeremy Lascelles "Nick Drake war nicht so sehr darauf bedacht, sich selbst zu promoten, aber ich denke, er wäre überglücklich gewesen, zu hören, dass seine Kunst von so vielen dynamischen und talentierten Künstlern neu aufgegriffen und gefördert wurde. Jeremy und ich hielten es auch für wichtig, dass das Album ein zusammenhängendes Hörerlebnis ist, im Gegensatz zu einer Galerie von einzelnen Exponaten. Ob wir diese beiden Ziele erreicht haben, kann nur der Hörer beurteilen. Wir fühlen uns geehrt und sind all unseren Freunden, alten und neuen, die an der Entstehung dieses wunderbaren Sets beteiligt waren, sehr dankbar.

Release 16.6.2023

Die Rapperin ist eine der Top-Entdeckungen des britischen Hiphop und ihr viertes Album bietet once more allerbeste Sophistication und eine raptechnisch fantastisch aufgelegte Little Simz. Neben dem intelligent und effektiv eingesetzten, meist furztrockenen Hiphop-Beat kulminieren auf edelste Weise Orchestersamples und verschiedenste Chorpassagen mit Gospelappeal mit ihrem supercoolen, smooth-spröden Rapstyle, wow. Für Fans des guten alten Native Tongues-Sound ein El Dorado.

Release 16.6.2023

Vier Jahre haben sich The Teskey Brothers Zeit genommen, jetzt ist es offiziell: Ihr drittes Album „The Winding Way“ erscheint am 16. Juni und kann ab sofort vorbestellt werden. Als Vorboten haben die beiden Brüder die neue Single „Oceans Of Emotions“ veröffentlicht. Nach der Schließung ihrer geliebten Half Mile Harvest Studios in Warrandyte, in denen sie ihre ersten beiden Studioalben aufnahmen, entschieden sich Sam und Josh bei The Winding Way bewusst dafür, etwas anderes auszuprobieren, und fuhren nach Sydney, um mit dem renommierten Produzenten (und großen Teskey-Fan) Eric J Dubowsky (Flume, Chet Faker, Chemical Brothers) zu arbeiten.

Release 9.6.2023

Im Laufe der letzten Jahre und mit ihrem Top-5-Chart-Debüt Bright Green Field haben sich Squid, sowohl live, als auch auf Platte als eine der innovativsten neuen Bands aus Großbritannien etabliert, die "auf individuelle Showeinlagen verzichten und stattdessen auf kollektive Höhepunkte setzen" (Pitchfork). Produziert von ihrem langjährigen Mitarbeiter Dan Carey und abgemischt von John McEntire (Tortoise), strotzt ihr zweites Album "O Monolith" vor melodischen Epiphanien und ist eine musikalische Beschwörung von Umwelt, Häuslichkeit und selbst geschaffener Folklore. Wie sein Vorgänger ist es dicht und trickreich - aber auch wärmer, mit einer gewundenen, fragenden Natur. Es wird ein Gefühl der offenen Konversation kultiviert: dies ist unverkennbar Musik, die von Freunden gemacht wird.

Release 16.6.2023

Das 5. Studioalbum von Django Django besteht aus 21 Titeln, die in vier Teile aufgeteilt sind. Ursprünglich sollten es vier experimentelle EPs werden, die aber schnell in ein richtiges Album verwandelt wurden, als die Band das Potenzial der Aufnahmesession erkannte. "Off Planet" enthält einige der aufregendsten und dynamischsten Stücke, die Django Django je produziert haben. Das Album ist eine Rückbesinnung auf ihre experimentellen und elektronischen Wurzeln und enthält außerdem spannende Gastauftritte von Self Esteem, Jack Penate und vielen anderen.

Release 2.6.2023

Auch als Ltd.-White Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Nach einem Jahr voller erschütternder Verluste, persönlicher Refelxion und bittersüßer Erinnerungen kehren die Foo Fighters mit neuem Album zurück. "But Here We Are" ist eine brutal ehrliche und emotional rohe Antwort auf alles, was die Foo Fighters im letzten Jahr durchgemacht haben, und ein Zeugnis für die heilenden Kräfte von Musik, Freundschaft und Familie. Mutig, beschädigt und unbeirrbar authentisch eröffnet But Here We Are mit der neu veröffentlichten Leadsingle "Rescued", dem ersten von 10 Songs, die die emotionale Skala von Wut und Trauer bis hin zu Gelassenheit und Akzeptanz und unzähligen Punkten dazwischen durchlaufen."But Here We Are", produziert von Greg Kurstin und den Foo Fighters, ist gleichermaßen das elfte Foo Fighters-Album und das erste Kapitel des neuen Lebens der Band. But Here We Are ist der Sound von Brüdern, die Zuflucht in der Musik gefunden haben, die sie vor 28 Jahren zusammengebracht hat - ein Prozess, der ebenso therapeutisch wie lebensbejahend ist und der die Naivität des Foo Fighters-Debüts von 1995 widerspiegelt.

Release 2.6.2032

Auch als Ltd.-Blue Indies only Vinyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Ein zentrales Album für die heutige Zeit: hell, frei, unnachgiebig, optimistisch. Brain Worms ist das bisher vollste und makelloseste Album von RVG. Während des gesamten Albums "Brain Worms" wird deutlich, dass die Band in bester Form ist. Der Album-Opener 'Common Ground' gibt den Ton an für das, was kommen wird; ein glänzendes, mitreißendes, schlagkräftiges Album mit allen geliebten RVG-Merkmalen. Vagers Stimme ist ungefiltert und souverän wie immer, wenn sie ihre cleveren, nicht ganz ironischen Texte vorträgt. Hier fühlen sich diese Texte jedoch viel weniger resigniert und sehnsüchtig an, sondern viel mehr trotzig und fröhlich. Tambourine" ist der einzige Covid-Song, den Vager schrieb, als sie "versuchte, keine Covid-Songs zu schreiben", und es ist ein schmerzhaft ehrliches Porträt der Trauer inmitten der Isolation. Brain Worms" erzählt die nur allzu bekannte Geschichte eines Menschen, der in den Kaninchenbau des Internets fällt und Trost in Verschwörungen findet. Nothing Really Changes" ist ein Keyboarder-lastiges New-Wave-Ding, während das abschließende "Tropic of Cancer" mit Vagers selbstbewusstem neuen Manifest glänzt: Ich weiß, wie ich bin, und ich weiß, wie ich werde. Wenn du denkst, ich bin seltsam, hast du noch nichts gesehen. Bloxham, Nolte und Wallace erwecken Vagers Songwriting mit Bravour zum Leben. Aufgenommen in den Londoner Snap Studios mit James Trevascus (Nick Cave & Warren Ellis, PJ Harvey), strotzen alle zehn Tracks vor üppigen Klängen, klaren Absichten und der Magie einer Akustikgitarre, die einst Kate Bush gehörte und die ihr von Tears for Fears geschenkt wurde (die, so die Legende, "Everybody Wants to Rule the World" darauf geschrieben hat). Die vier Bandmitglieder - Leadsänger und Gitarrist Vager, Gitarrist Reuben Bloxham, Schlagzeuger Marc Nolte und Bassist Isabele Wallace - sind so selbstbewusst wie noch nie bei RVG. Sie haben ihre Einflüsse hinter sich gelassen, sich selbst vorangetrieben und neue Dinge ausprobiert. Und sie haben ein Album gemacht, das sie nach allem, was man hört, als ihr bestes bezeichnen können. "Brain Worms feels like the antithesis to what a post-pandemic record could easily be. For a band who were already writing music about being reclusive "we were depressed and not going outside on our first two albums" the enforced isolation and time to think gave Vager space to write about anything she wanted. And, it turned out, she was ready to write about acceptance. "If we could only make one more album, it would be this one," says Vager. "Easily one of the most vital bands on the Aussie scene today" Rolling Stone "A calling card for outsiders... dynamic and vital post-punk"

Release 2.6.2023

Auch als Ltd.-Blue Colored Loser Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Alicia Bognanno aka Bully meldet sich mit ihrem vierten Album zurück! "Lucky For You" ist voller kraftvoller, persönlicher Rockhymnen, die sich aus Punk, Shoegaze, Britpop und klassischem Indie-Rock speisen. Diese zehn Songs sind eindeutig die unwiderstehlichsten, die Bognanno bisher aufgenommen hat, während sie gleichzeitig den massiven Sound beibehält, für den sie in den letzten zehn Jahren bekannt geworden ist. Ein kaleidoskopisches Rock-Album und ihr bisher größter Triumph, ein Album, das unverkennbar von den Erfahrungen seiner Schöpferin geprägt ist, aber dennoch den massiven Sound beibehält, für den Alicia Bognanno im letzten Jahrzehnt bekannt geworden ist. Ihr viertes Album schöpft aus dem persönlichen Schmerz und dem universellen Kampf, der darin besteht, zu existieren, zu lernen und weiterzugehen - und all das wird von Bognannos felsenfestem melodischen Gespür und einem Breitwandsound untermalt, der es unmöglich macht, die erforschten Texturen festzulegen. Der thematische Schwerpunkt von Lucky For You liegt auf Trauer und Verlust: Die Platte ist größtenteils durch den Tod von Bognannos Hund und bester Freundin Mezzi inspiriert, zu einer Zeit, als sich ihr Leben bereits wie eine Metamorphose anfühlte. Die Single "Days Move Slow" wurde kurz nach Mezzis Tod geschrieben und spiegelt die Beharrlichkeit von Bognannos prägnantem Witz im Angesicht von Widrigkeiten wider. Und dann ist da noch das leidenschaftliche Eröffnungsstück "All I Do", das mit gewaltigen Riffs und lyrischen Reflexionen über drei Jahre Nüchternheit die Tür aufstößt. "Als ich mit dem Trinken aufgehört habe, hatte ich das Gefühl, dass ich immer noch von Fehlern und Dingen verfolgt werde, die passiert sind, als ich getrunken habe, und es dauert immer noch lange, bis ich das vergessen kann, während ich in diesem Haus lebe. Wie ziehe ich die Haut von einem Weg ab, den ich hinter mir gelassen habe?" In diesem Sinne ist "Lucky For You" ein Dokument der Beharrlichkeit im Angesicht der großen und kleinen Dinge. "Ich bin so übermäßig emotional und sensibel, das ist ein Segen und ein Fluch", sagt sie lachend, aber es gibt keinen Nachteil, wenn sie auf dieser Platte ihre Verletzlichkeit zum Ausdruck bringt; es ist der jüngste Beweis dafür, dass Bognanno nichts zurückhalten kann.

Release 2.6.2023

Am 2. Juni erscheint das Album Shadow Kingdom, welches Dylans legendäres, damals exklusives Streamingkonzert vom Juli 2021 präsentiert.

Die Setlist des Albums umfasst 13 Original-Songs, die Bob Dylan für seinen Auftritt im „Shadow Kingdom“ neu eingespielt hat, sowie das abschließende Instrumental „Sierra’s Theme“. Dem Untertitel des Films „The Early Songs Of Bob Dylan“ zum Trotz reicht die Spanne der Songs bis in die späten 1980er Jahre. Aber bei mittlerweile gut 60 Karrierejahren, kann man das wohl doch noch als „Frühwerk“ bezeichnen.

Enthalten sind ewige Songklassiker wie „Forever Young“ oder „It’s All Over Now, Baby Blue“ ebenso wie beispielsweise „I’ll Be Your Baby Tonight“, „To Be Alone With You“ und „When I Paint My Masterpiece“, die Dylan auf seiner aktuellen „Rough And Rowdy Ways Tour“ im Programm hat.

Release 2.6.2023

Auch als Strictly Ltd.-Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Neues, 10. Album der aus den blauen Sümpfen von Berkeley, Kalifornien emporgestiegenen Punkrock-Institution, die vor gut 30 Jahren aus Operation Ivy hervorgegangen ist. Und Tim Armstrong, Matt Freeman, Lars Frederiksen und Branden Steineckert rocken heuer noch genauso wie damals! Die 16 (!) neuen Tracks setzen sich wie üblich mit politischen und sozialen Themen auseinander, die mit persönlichen Geschichten von Liebe, Verlust und Herzschmerz mit Haltung in Balance gebracht werden. Der musikalische Unterbau ist dabei wieder herrlich rau und räudig, lässt die Faust sofort in die Höhe schnellen, haut uns aber eben auch genau diese geilen Melodien um die Ohren für die wir die Jungs so lieben und die sich auch diesmal wieder brutal ins Ohr bohren. Cooles Album einer coolen Band, die nach wie vor so relevant ist wie vor Jahrzehnten!

Release 2.6.2023

Das erste neue Album der Band seit fünf Jahren folgt auf ihre Coversammlung "Songs of the Recollection" aus dem Jahr 2022. Such Ferocious Beauty. Das Album der kanadischen Lo-Fi-Band, die aus den Geschwistern Margo, Michael und Peter Timmins und ihrem lebenslangen Freund Alan Anton besteht, ist eine Reflexion über das Altern, den Verlust der Eltern, die Konfrontation mit der Sterblichkeit und die Schaffung von Raum für das eigene Leben inmitten der Zerstörung, die das bloße Leben mit sich bringt. Michael betont, dass er und Margo bei Beauty mehr Zeit damit verbracht haben, die Songs durchzuarbeiten, damit sich ihre Interpretationen wirklich festsetzen konnten, bevor sie ins Studio gingen. Im Studio arbeitete er mit Alan und Peter zusammen, um noch dynamischere Tracks als sonst zu schaffen. "Dies ist eine andere Art von Aufnahme; sie hat eine größere Dichte. In vielerlei Hinsicht werden die Musik, die Wahl bestimmter Strukturen und die verwendeten Töne für die Vermittlung der Themen des Albums genauso wichtig wie die Texte.

Release 2.6.2023

Neues Album der Detroiter Post-Punk-Band. Auf "Formal Growth In The Desert" bringt die Wüste ein existenzielles Bewusstsein mit sich, das letztlich innerlich ist. Das "Wachstum" entstand in einer Zeit großer Veränderungen für Casey, einschließlich des Todes seiner Mutter, die anderthalb Jahrzehnte lang mit Alzheimer kämpfte. Der 45-jährige Casey hatte sein ganzes Leben im Haus der Familie im Nordwesten von Detroit verbracht. Die Nachbarschaft, die in der SPIN-Titelgeschichte von Protomartyr verewigt wurde, prägte viele der gefeierten Protomartyr-Alben und diente als Basis für die Entwicklung der Band von rauflustigen Punks zu solchen, die um den Globus touren oder 2020 Kelley Deal von The Breeder als Tourmitglied gewannen. Im Jahr 2021 signalisierten jedoch wiederholte Einbrüche, dass es an der Zeit war, endgültig auszuziehen. Die Musik von Protomartyr - weiträumiger und dynamischer als je zuvor - half Casey dabei, sich aufzurichten. "Es war mir sehr wichtig, dass die Band weiter existiert", fügt Casey hinzu, "und das hat meine Laune definitiv verbessert." Der Gitarrist Greg Ahee, der lange Zeit als inoffizieller musikalischer Leiter von Protomartyr fungierte, produzierte "Formal Growth In The Desert" zusammen mit Jake Aron (Snail Mail, L'Rain). Ahee wusste, was Casey durchmachte und welche Herausforderungen er zu bewältigen hatte, und als Ahee die Musik konzipierte, überlegte er, wie er das Ganze "wie einen narrativen Film" gestalten könnte. Ahee erklärt: "Ich habe angefangen, zu Hause auf einem Klavier und einem Keyboard zu schreiben und dann zu Kurzfilmen zu spielen und zu beobachten, wie man beim Spielen Stimmungen beeinflussen und verstärken kann." Die filmische Sensibilität zeigt sich auch in Caseys Erzählungen, ob er nun den bedrohlichen Tech-Kapitalismus kritisiert oder das Altern, die Zukunft und die Chancen der Liebe verarbeitet. In gewisser Weise ist "Formal Growth In The Desert" ein Beleg für widersprüchliche Realitäten - die Unvermeidlichkeit von Verlust, die Notwendigkeit, dadurch Freude zu finden und durchzuhalten -, die mit einem längeren Leben und fortgesetzter Kreativität einhergehen. Das Album beginnt mit Schmerz, hält ihn aber aus und bricht in einem sanft dahinfließenden Strom von Klängen auf, der für Protomartyr völlig neu ist.

Release 2.6.2023 - Vinyl voraussichtlich am 9.6.2023

"Darkfighter" ist das insgesamt siebte der zweifach Grammy-nominierten Band und erscheint am 10. März 2023. Produziert wurde das Album von ihrem langjährigen Kreativpartner, dem mehrfachen Grammy-Preisträger Dave Cobb.

Einen ersten Einblick in das Album liefert die explosive Single „Nobody Wants to Die“. Das Musikvideo zum Song entstand unter der Regie von Eli Sokhn und kann unten angesehen werden. Die Single ist die erste neue Musik von Rival Sons seit Release ihres 2019 erschienenen Albums "Feral Roots", das ihnen zwei Grammy-Nominierungen einbrachte.

Zur neuen Single „Nobody Wants to Die“ erzählt Rival-Sons-Sänger Jay Buchanan: „Du lebst dein Leben in dem stetigen Wissen, dass das Damoklesschwert an einem seidenen Faden über deinem Kopf baumelt. Du bist dir der eigenen Vergänglichkeit zwar bewusst, aber kannst auch nicht ständig daran denken – sonst drehst du durch. Für ein paar Jahre habe ich in einem Bestattungsinstitut gearbeitet und die Leichenwagen gefahren. Es gab Tage, da war ich bei drei Beerdigungen dabei. Manchmal waren sie menschenüberlaufen, manchmal waren da nur ich, ein Priester und ein Loch im Boden. Am Ende spielt es keine Rolle, wer du bist; der Tod holt uns irgendwann alle ein. Daran muss ich bei diesem Song denken, weil er für mich wie das Verfolgen dieses unausweichlichen Weges klingt.“

Zum Entstehungsprozess des Albums erklärt Buchanan: „DARKFIGHTER verkörpert die kulturelle Spaltung, ausgelöst durch Isolation, die Pandemie und die Tatsache, dass das Band, das unser Land zusammenhält, immer lockerer und lockerer wird. Wenn ich von ‚kultureller Mitose‘ oder kultureller Spaltung spreche, meine ich damit, dass ständig neue Grenzlinien entstehen. Unsere Spaltung ist bereits weit fortgeschritten und man kann keine Grenzen überschreiten, ohne dabei jemanden zu verletzen. Das hat meinen Schreibprozess auf alle Fälle beeinflusst. Wir haben eine Verantwortung gespürt, den Menschen etwas Positives zu erzählen, damit sie wiederum etwas Positives weitererzählen können. Uns haben die Liveshows und diese magische Interaktion, die dabei mit dem Publikum entsteht, unglaublich gefehlt. Als uns das genommen wurde, hatte ich das Bedürfnis, über wirklich bedeutungsvolle Dinge zu singen. Unser neues Album ist deshalb geprägt von wichtigen Themen wie Identitätsverlust, der Kunst, Freude zu bewahren, und dem Wiedererkennen von Licht und Konturen.“

Lead-Gitarrist Scott Holiday ergänzt: „Platten sind eine gesunde Form der Realitätsflucht. Ich hoffe, diese bringt dich so weit weg wie möglich. Wir wollten mit DARKFIGHTER ein cineastisches Werk schaffen. Wenn sich die Türen hinter einem schließen, muss man sich voll und ganz auf etwas einlassen. So klingt es, wenn wir mit unserem Sound wirklich zu uns selbst gefunden haben. Wir haben uns ein Stück von unseren Einflüssen entfernt und sind uns selbst dabei noch näher gekommen. DARKFIGHTER klingt wie die Rival Sons.“

Release 2.6.2023

Der aus Chicago stammende, in Richmond lebende Rapper sorgte schon mit dem Vorgänger "For My Mama and Anyone Who Look Like Her" für viel Aufsehen und knüpft eindrucksvoll daran an. Stlistisch ist er auf dem neuen Album zwischen Conscious Rap und Jazz-Rap unterwegs, um seine poetischen und literarischen Texte mit durchdachter und dynamischer Sprachezu illustrieren. Die mit Jazz-Licks, aber auch Orchester-Sounds und Boom Baps gewürzte Musik und Texte haben gleichgestellte Bedeutung und kreisen darum, was es was es heisst, als Farbiger in den USA zu leben. Inkl. Gastauftritte von SchriftstellerInnen wie Hanif Abdurraqib, Teller Bank$, Alfred, Ghais Guevara, Anjimile und Seline Haze.

Release 2.6.2023

Auch als Ltd.-Pink Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.90)

Musiker und Schriftsteller meldet sich mit dem Track "Aylesbury Boy" aus seinem neuen Album "I Thought I Was Better Than You" zurück, das von Paul White produziert wurde, der für seine Arbeit mit Golden Rules und Künstlern wie Charli XCX und Danny Brown bekannt ist. Neben Baxters Stammsängerin Madeline Hart sind auch die Singer-Songwriter Eska und JGrrey mit von der Partie. Über den neuen Track sagt Baxter: "In diesem Song geht es darum, von einem Ort zu kommen und an einem anderen anzukommen, ohne in einen von beiden zu passen, und ich stelle mir diese Leute wie Figuren aus Studio Ghiblis Spirited Away (Chihiros Reise ins Zauberland) vor

Release 2.6.2023

Das deutsche Trio mit neuem Album. Gespickt mit kraftvollen und dramatischen Instrumentaltracks, ließen Brandt Brauer Frick bewusst Raum in ihrer Musik offen, um Gastvokalisten wie Mykki Blanco, Sophie Hunger, Azekel & Marina Herlop oder Duane Harden einzuladen, diesen zu füllen. "Wir wollten mit Leuten aus verschiedenen musikalischen Szenen und Hintergründen zusammenarbeiten", betont die Band. Ihre Stimmen wurden gesampelt und oft als Instrumente eingesetzt, wobei die Kunst des Vocal-Loops in der französischen House-Musik als direkter klanglicher Einfluss diente. "Multi Faith Prayer Room" zeigt eine Band auf dem Höhepunkt ihres Könnens, sowohl was den Inhalt als auch die Gestaltung betrifft. Es ist ein elektronisches Musikalbum, das instrumentale Darbietungen, digitale Produktionsarbeit und melodischen Pop elegant miteinander verbindet. Hier treffen tanzbare Tracks auf futuristische Protestsongs oder langsame, analoge Stücke. House, elektronischer Soul, Techno, elektroakustische Musik, Synth-Pop, Future R'n'B - genreübergreifend hat Brandt Brauer Frick einen einzigartigen und berauschenden Mix neuer Musik geschaffen.

Release 2.6.2023

Neues Album vom einflussreichen Ex-Oasis-Musiker, dem vielleicht wichtigsten Songwriter des Britpop. Vom vielsagenden Albumtitel über das Cover bis hin zu den Texten selbst - mit Council Skies" besinnt sich Noel Gallagher auf seine Vergangenheit und huldigt seinen "Mancunian roots". Das vierte Soloalbum ist sein bisher abwechslungsreichstes und gelungenstes Solowerk. Es ist ein Album, das von Selbstvertrauen, Risikobereitschaft, sicherer kreativer Freiheit und großer emotionaler Tiefe geprägt ist. "Council Skies" wurde in Noels eigenen Lone Star Sound Recording Studios in London aufgenommen, während die üppig orchestrierten Streicher des Albums in den legendären Abbey Road Studios eingespielt wurden. Produziert wurde das Album von Noel zusammen mit seinem langjährigen Mitarbeiter Paul 'Strangeboy' Stacey. An drei Stücken ist auch Johnny Marr beteiligt, darunter die Single "Pretty Boy". Der Titel "Council Skies" stammt aus einem Buch des bekannten nordischen Illustrators und Freundes von Noel, dem Künstler Pete McKee. Er behandelt Themen wie jugendliche Sehnsucht und ungezügelten Ehrgeiz

Release 26.5.2023

Von Genres völlig losgelöste, hochoriginelle wie experimentelle Mischung aus Indierock, Postpunk, kreisenden Beatstrukturen, elektronischen Schraffuren und vielem mehr, die süchtig macht. Der Sampler war zweifellos wichtiges Hilfsmittel für dieses unkonventionelle 2te Albums des Duos Rachel Brown und Nate Amos, das in seiner eklektizistischen Machart oftmals an die Scheiben der musizierenden Plattenladenbesitzerin Solex erinnert. Aber es gibt auch Songs, die ruhige industrielle Polyrhythmen, Ambient-Drone-Musik, gezupfte Streicinstrument und sowieso immer wieder mehr oder weniger heftige Noise-Gitarren verwenden. Die Tracks weigern sich beharrlich, ein eindeutiges Ende zu finden oder sich an traditionelle Strukturen zu halten. Viele Songs wurden unter Verwendung von Serialismus und Mikrotonalismus geschrieben und erinnern zuweilen an die futuristisch-poppigen Bewegungen des japanischen Komponisten Haruomi Hosono und den Brutalismus von Glenn Branca. "Barley" ist ein Dance-Rock-Stück, das in fremdartiger Tonalität sequenziert ist, wobei Brown verstümmelte Übertragungen ("One two three / Counter / You're a cool thing count mountains") über schreienden Gitarren spricht. Großartig.

Release 26.5.2023 - Vinyl am 14.7.2023

In seiner gut 25-jährigen Karriere als Musiker und Produzent, Ausnahmetexter und Andersdenker hat der Seeed-Sänger immer auch die Geschichte im Blick gehabt. Viel mehr noch aber interessiert ihn die Zukunft: wie man sie vielfältiger, lauter, pinker machen kann. Die Musik, die er seit seinem rosafarbenen Comeback im November mit der Single "Zukunft Pink" feat. Inéz und dem vor Kurzem erschienenen Nachfolger "Vergessen wie" veröffentlicht, ist also komplett neu und komplett folgerichtig zugleich. Auch mit seiner nächsten Single "Weisse Fahnen" rasiert Peter Fox die alten Zöpfe auf Null und präsentiert seine Vision von Future Pop - eine Vision geprägt von frischen Sounds aus R'n'B und Afrobeat. Die leicht orchestralen Klänge erinnern nur hier und da an seinen 2008er Meilenstein. Stattdessen dominiert die Stimmung des Aufbruchs. Auf "Weisse Fahnen" geht es um die fast vergessene Kunst der aufrechten Kapitulation, um die befreiende Akzeptanz einer persönlichen Niederlage. Und wer, wenn nicht Peter Fox würde auch in dieser Situation wieder die richtigen Worte finden: "Die Wut steht in der Tiefgarage und wartet darauf, dass ich sie fahre", lässt er gleich zu Anfang verlauten.

Release 26.5.2023

Nach "Dear Dead Days" (2020) ist Kassi Valazzas zweites Album "Kassi Valazza Knows Nothing", eine bezaubernde Sammlung von Songs, die wie schützende magische Talismane baumeln, Träume einfangen und im Licht glitzern. Sie hypnotisiert die Zuhörer mit einer kräftigen, aber sanften Stimme und einem malerischen Songwriting, das von einem unabhängigen Geist durchdrungen ist. Obwohl ihre Musik dem britischen Folk verwandt ist und an Größen wie Sandy Denny (Fairport Convention) und Karen Dalton erinnert, bahnt sich ein südwestlicher amerikanischer Zug seinen Weg durch diese feierlichen, süß gesungenen Melodien wie ein Canyon.

Release 26.5.2023

Die doppelt Grammy-nominierte Mercury- und BRIT-Award-Preisträgerin Arlo Parks kehrt drei Jahre nach ihrem furiosen Debüt mit ihrem zweiten Album »My Soft Machine« zurück, das im Mai 2023 via Transgressive Records erscheint.

»My Soft Machine« ist ein zutiefst persönliches Werk, das von Arlo Parks Erfahrungen ihrer frühen 20er erzählt. Musikalisch vielseitiger und gereifter als auf »Collapsed In Sunbeams« thematisiert die britische Sängerin mit der ihr eigenen Poesie und vertraut-weichen Stimme die Angst ihrer gleichaltrigen Mitmenschen, den Drogenmissbrauch von Freunden, die Tiefen ihrer ersten Verliebtheit, den Umgang mit PTBS, Trauer, Selbst-Sabotage aber auch überschwängliche Euphorie und Freude.

Release 19.5. - Vinyl am 8.9.2023

Debut des Londoner Trios bestehend aus Nina Cristante, Jezmi Tarik Fehmi und Sam Fenton. "Tracey Denim" wurde von bar italia aufgenommen und produziert und von Marta Salogni abgemischt. Es enthält die Single "Nurse!", die im März unter großem Beifall veröffentlicht wurde und als "hypnotische Post-Punk-Ballade" (The Guardian) und "narkotisch fesselnd" (Pitchfork) beschrieben wurde. bar italia spielen im Mai eine Headline-Tour durch Großbritannien und Europa, darunter eine ausverkaufte Album-Release-Show im Londoner ICA am 25. Mai. Außerdem hat die Band UK-Tourdaten für November angekündigt und wird am 7. November eine Headline-Show im Village Underground in London spielen. In diesem Sommer treten sie auf Festivals wie Primavera Sound Barcelona & Madrid, Latitude, Midi Festival und End Of The Road auf. Eine Liste der kommenden Live-Termine finden Sie unten. In den letzten zwei Jahren haben bar italia zwei Alben, eine EP und mehrere Singles auf Dean Blunts World Music Label veröffentlicht, was zu viel Mundpropaganda, ausverkauften Headline-Shows und Festivalauftritten beim Pitchfork Music Festival London, by:Larm, OUT.FEST, Le Guess Who? und End Of The Road führte. In den letzten zwei Jahren haben bar italia zwei Alben, eine EP und mehrere Singles auf Dean Blunts World Music Label veröffentlicht. Vielmehr ist über die Band nicht bekannt. Schnell rätselte man in der Szene der britischen Hauptstadt über die Hintergründe der einzelnen Bandmitglieder. Spekulationen und Mythen um die Band führten dazu, dass sich ihre Musik im Underground wie ein Lauffeuer entzündete.

Release 19.5.2023 - Vinyl am 2.6.2023

'All Of This Will End' markiert für Indigo De Souza eine wärmere und kühne Ära. Es ist eine Aussage darüber, sich furchtlos von der Vergangenheit in eine von Dankbarkeit erfüllte Gegenwart zu bewegen, jeden Schritt zu fühlen und sich dafür zu entscheiden, liebevolles Bewusstsein zu verkörpern. Über 11 Songs hinweg ist das Album ein radikal optimistisches Werk, das sich mit Sterblichkeit, der Verjüngung, die die Gemeinschaft bringt, und der Wichtigkeit, sich jetzt zu zentrieren, auseinandersetzt.

Release 19.5.2023

Perfekter Sound für den Zeitgeist von US-Indie-Pop. Die aus Texas stammende, in NYC lebende Musikerin bewegt sich auf ihrem Debutalbum im Gitarren und Synthesizer auf gleicher Ebene verwendenen Bereich von Indie-Pop. Im Gesamtlook ist Hannah in ähnlichem Terrain unterwegs wie Mitski oder Japanese Breakfast, wechselt mühe- und grenzenlos mit eigenen Vignetten zwischen angeschrammelten Gitarrenpop-Songs, mit Akustikgitarren unterbautem Dream-Pop und mit Synthesizern gefliestem oder ziseliert elektronisch grundiertem Seelenzeitgeist.

Release 19.5.2023

Das von der Kritik gefeierte Folk-Duo The Milk Carton Kids ist zurück mit neuem Album. Produziert von Kenneth Pattengale, bietet dieses Album eine Sammlung zeitloser und traditioneller Tracks mit eindringlich schönen und reichen Gesangsmelodien und lyrischen Inhalten, die die Themen Zeit, Nostalgie, Herzschmerz, Traurigkeit, Liebe, Natur, Trauer, Verlust, Freiheit, Einsamkeit und Beziehungen umfassen.

Release 19.5.2023 CD-Release am 26.5.2023

Auch als Ltd.-White Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.90)

Einige Leute haben angemerkt, dass Tinariwen schon immer eine Country-Band waren, wenn auch eine nordafrikanische Interpretation dieses nordamerikanischen Genres. Dieser Gedanke wird auf dem neuen Album Amatssou noch verstärkt. Hier verschmelzen die für die Tuareg-Band typischen schlängelnden Gitarrenlinien und hypnotischen Rhythmen nahtlos mit Pedal Steel, Klavier und Streichern von Gastmusikern wie Daniel Lanois, wobei die verschönerten Arrangements den Liedern eine epische, universelle Bedeutung verleihen. Die Texte sind voller poetischer Allegorien und rufen zu Einheit und Freiheit auf. Es sind Lieder des Kampfes und des Widerstands mit schrägen Verweisen auf die jüngsten verzweifelten politischen Umwälzungen in Mali und die zunehmende Macht der Salafisten. Der Albumtitel Amatssou ist tamashekisch für 'Jenseits der Angst', und das passt. Tinariwen haben sich schon immer durch ihre Furchtlosigkeit ausgezeichnet oder wie Bob Dylan einmal sagte, besteht die Kraft des Rock'n'Roll darin, dass er uns 'die Angst vergessen lässt', uns die Kraft und die Widerstandsfähigkeit gibt, uns den Widrigkeiten zu stellen. In den zwei Jahrzehnten, seit Tinariwen ihre Basis in der afrikanischen Wüste verlassen haben, um durch die Welt zu touren, haben sie viele bekannte Country-, Folk- und Rockmusiker aus den USA kennengelernt, darunter Kurt Vile, Stephen O'Malley, Jack White und Wilco. Der zeitlose Horizont der endlosen Sahara und die wilde Grenze des Alten Westens - mehrere tausend Meilen Ozean mögen den Wüstenblues von Tinariwen und die authentische Country-Musik des ländlichen Amerikas trennen, aber die Verbindungen sind ebenso greifbar wie romantisch.

Release 12.5.2023

Das dritte Alois-Album «Night Vision» verknüpft trippige Jams nahtlos mit Pop-Präzision, Live-Anspruch mit Studio-Seriosität und technische Versiertheit mit jugendlicher Verspieltheit. Ein Werk, das nach mediterraner Sehnsucht, inspiriertem Alleinsein und durchtanzten Hitzenächten klingt. Schlagwörter und Labels wie Balearic Groove oder Psychedelic Dance-Pop können sich einer der erfrischendsten Schweizer Bands bloss annähern. Bei «Night Vision» haben Alois die gängigen Genreschubladen hinter sich gelassen. Ihr drittes Album offeriert knusprig produzierte, zeitlose und doch zeitgemässe Tanzmusik mit viel Verspieltheit und einem unüberhörbaren Faible für elektronische Instrumente.

Release 12.5.2023

Auch als Ltd.-Yellow Vinyl-Edition erhältlich (CHF 52.90)

Die verkommene R&B-Power des Quartetts ist unaufhaltsam, sie stürmen nach der pandemischen Flaute mit voller Wucht ins Jahr 2023, mit aufrührerischem Blues-Drama, Soul und Gospel-Leidenschaft, erstklassigem Hip-Hop und der viszeralen Elektrizität des Garage-Punk, die durch das 6te Album pulsiert. Die Songs wurden während der Sessions in Florida am Ende der The Heavy US-Tour 2019 geschrieben, erste Demos entstanden im Februar 2020 in Großbritannien, das finale Album wurde in den Rockfield Studios mit Produzent Tchad Blake (The Black Keys, U2) und Tontechniker Joe Jones (Real World Studios) aufgenommen.

Release 12.5.2023

James Ellis Ford hat sich während seiner gesamten zwei Jahrzehnte währenden Karriere im Verborgenen gehalten. Der Komponist, Multiinstrumentalist, Produzent und Songwriter hat mit einigen der größten Namen der Musikbranche zusammengearbeitet, von den Arctic Monkeys über Depeche Mode, Foals, Gorillaz und Kylie Minogue bis zur Tourband von Simian Mobile Disco und The Last Shadow Puppets. In diesem Jahr steht er mit seinem ersten Soloalbum im Mittelpunkt. Das Album ist eine ausufernde, genreübergreifende Ode an die Psychedelia, die sowohl zeitgenössisch als auch nostalgisch ist und komplett von James geschrieben, produziert und aufgeführt wurde

Release 12.5.2023

Auch als Ltd.-Yellow Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Debutalbum des Londoner Indie-Rock-Trios, bestehnd ausKarim Newble, Linus Munch und Daniel Alvarez Giraldo. Ursprünglich hieß das Album 'Love Island' - bis "Linus das Casting nicht geschafft hat, also haben wir den Namen umgedreht" (oder möglicherweise aus rechtlichen Gründen) - und Third Man London's erstes Signing entschied sich stattdessen für 'Island of Love'. Für das Label ist eine Insel in der britischen Musikszene genau das, was Karim, Linus und Daniel sind: Feedback-getriebene Heranwachsende mit einer Tiefe des Songwritings, wie man sie seit Teenage Fanclubs prägendem "Catholic Education" und den späten 80ern von Dinosaur Jr. nicht mehr gehört hat. Die Gruppe ist so umwerfend gut, dass Third Man-Mitbegründer und -Eigentümer Ben Swank ihnen etwa dreißig Sekunden nach ihrem Auftritt am Eröffnungswochenende in den neuen Räumlichkeiten von Third Man in Soho ein Angebot unterbreitete (...so neu, dass der Schlagzeuger die Bühne mit Farbe auf dem Rücken verließ). Verbunden durch das Spielen in verschiedenen Punk-, Hardcore- und Metal-Bands in ihrer Heimatstadt London, schrieben und tauschten die beiden Frontmänner von Island of Love, Linus und Karim, Demos zwischen ihren Familienhäusern aus. Die lo-fi, unscharfen Früchte dieser Sessions verschmolzen 2020 zu dem sieben Songs umfassenden "Promo Tape", gefolgt von der 2021 erschienenen Third Man EP "Songs of Love". Jetzt, wo sie nicht mehr nur im Schlafzimmer arbeiten, präsentieren sie ihr adrenalingeladenes Debüt mit verzerrten Gitarren, den dunklen Harmonien von Linus und Karim und nachdenklichen Texten, die über ihre Teenagerjahre hinausgehen.

Release 5.5.2023

Nach dem klasse Solo-Ausflug von Aaron Frazer (Schlagzeuger bei Durand Jones & the Indications) geht der Bandleader mit seinem Solo-Debüt an den Start. Die elf Songs vereinen sich zu einer trotzigen Verkörperung von Jones' ganzem Selbst: Persönlich sowie kulturell, Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft vereint. Auf der Grundlage von Rock, Folk, Kirchenmusik und R&B erkundet "Wait Til I Get Over" den eigenen Wert und den Glauben durch Liebe, Sehnsucht, Gedichte und Gebete - basierend auf dem Sound Durands eigener Heimat im ländlichen Schwarzen Süden Nordamerikas.

Release 5.5.2023

"Atum" ist eine Rock-Oper in drei Akten, die von der unnachahmlichen amerikanischen Rockband The Smashing Pumpkins geschrieben und im Studio aufgenommen wurde. Das Album erzählt eine epische interplanetarische Geschichte, die in einer nicht allzu fernen Zukunft spielt, obwohl die Songs selbst jeweils für sich allein im Pumpkins Pantheon stehen. Es ist der letzte Teil einer Konzeptalbum-Trilogie, die mit dem 1995 erschienenen Album "Melancholy and the Infinite Sadness" begann und im Jahr 2000 mit "Machina/The Machines of God" fortgesetzt wurde. An diesem nun finalen und dritten Teil "Atum" sind mit William Corgan, James Iha, und Jimmy Chamberlin drei Original-Mitglieder der Band, sowie der langjährige Gitarrist Jeff Schroeder beteiligt. Corgan hatte die Idee für die Rock-Oper schon vor Jahren entwickelt und die Zwangspause durch die andauernde Pandemie gab ihm die Zeit, um das Werk in der grandiosen Art und Weise zu vollenden, wie er es sich vorgestellt hatte.

Release 28.4.2023

Das neunte Album ist ein spannendes neues Kapitel in der belebten Diskografie der Band. Die 11 Songs wurden von The National in den Long Pond Studios in Upstate New York produziert und beinhalten Gastauftritte von Taylor Swift, Phoebe Bridgers und Sufjan Stevens. Der Nachfolger des 2019 erschienenen "I Am Easy To Find" geriet zunächst ins Stocken als Leadsänger Matt Berninger "eine sehr dunkle Phase durchlebte, in der mir überhaupt keine Texte oder Melodien einfielen, und diese Phase dauerte über ein Jahr. Obwohl wir schon immer ängstlich waren und uns oft stritten, wenn wir an einer Platte arbeiteten, war dies das erste Mal, dass es sich so anfühlte, als ob die Dinge wirklich zu einem Ende gekommen wären". Stattdessen haben es The National "geschafft, wieder zusammenzukommen und alles aus einem anderen Blickwinkel anzugehen, und dadurch sind wir in einer gefühlten neuen Ära für die Band angekommen", so Gitarrist/Pianist Bryce Dessner, zu dessen Bandkollegen auch sein Bruder Aaron (Gitarre/Piano/Bass) sowie die Brüder Scott Devendorf (Bass, Gitarre) und Bryan Devendorf (Schlagzeug) gehören. "First Two Pages of Frankenstein" synthetisiert die neue Chemie in der Band. Entstanden ist ein Album, das eine wunderbare Balance zwischen dem eleganten Sound und den eigenwilligen Impulsen von The National hält. Tracks wie "Grease in Your Hair" und "Ice Machines" wurden 2022 auf Tour gespielt bevor sie aufgenommen wurden, so dass die Band das Material in Echtzeit auf der Bühne während der Konzerte verfeinern konnte. "Für mich hat die Kraft dieser Platte mit der Absicht und der Struktur der Musik zu tun, die auf eine Menge zufälliger Magie trifft", sagt Aaron Dessner.

Release 28.4.2023

Der nicht zuletzt von Iggy Pop und Grace Jones geadelte, in Johannesburg geborene und in Doncaster aufgewachsene Kopf und Namensgeber der One-Man-Band mit seinem zweiten Album. Entschlossen, die Sammlung nicht wie ein Bandalbum klingen zu lassen, aber auch nicht zu sehr "button push-y", erfand Skinny seine Songs neu, indem er die ursprünglich live aufgenommenen Instrumente sampelte und neu zusammensetzte, einschließlich der zerhackt-komplexen Beats, die der brillante Malcolm Catto (The Heliocentrics) beigesteuert hatte. Ein mühsamer Prozess, aber ein lohnender, an dessen Ende ein Album stand, das seinen verheißungsvollen Vorgänger hinter sich lässt und die kreative Entwicklung von Skinny als Häutung schon im Titel widerspiegelt; eine trotzig nach außen blickende Platte, die sich mit Familie, Religion und den wichtigsten Wendepunkten im Leben - von der Elternschaft bis zum Tod - auseinandersetzt. Dass er die Schwere seiner Themen dabei immer wieder mit einem gesunden Humor und dem Hang zu einer gewissen Selbstironie zu brechen imstande ist, macht Skinny Pelembe zu einer der vielleicht furchtlosesten und originellsten künstlerischen Stimmen des zeitgenössischen Großbritanniens.

Release 28.4.2023

3tes Album. War das 2017 veröffentlichte Album "The Moral Crossing" noch durch seine dramatische Rhythmusgruppe definiert, muss das aus Leeds stammende Industrial-Post-Punk-Quartett um den Sänger und Haupt-Songwriter Craig Johnson jetzt ohne seinen früheren Schlagzeuger auskommen. Der Wechsel macht eine Sound-Evolution notwendig. Wie schon beim Vorgänger handelt es sich um eine komplett eigenproduzierte Platte, die in zwei selbstgebauten Studios mit einer Reihe von analogen Geräten aufgenommen wurde, wobei die Geister ihrer industriellen Vorfahren in den Schaltkreisen spuken Nach der bereits veröffentlichten Single "Post-History" steigern Autobahn jetzt mit der zweiten Auskopplung "Silver" die Vorfreude auf ihr neues Album. Das Video zum Song verwendet abstrakte Bilder und Texturen, um ein Gefühl der Desorientierung und Verwirrung zu erzeugen, welches das Chaos und die Brüche in unserer Gesellschaft widerspiegelt.

Release 28.4.2023

It Like It's Stolen ist genauso ernsthaft und herzlich, roh und real wie alles, was Dave Hause bisher geschrieben hat. Und doch gibt es einen subtilen, aber signifikanten Unterschied - hier taucht er in eine eher fiktionale Art des Geschichtenerzählens ein, um das zu schaffen, was er als "post-apokalyptische Americana" bezeichnet. Die verstörende, apokalyptische Quasi-Realität der Texte des Albums wird durch die Musik ergänzt und verstärkt. Drive It Like It's Stolen", das von Hause zusammen mit seinem jüngeren Bruder Tim geschrieben wurde, ist - genau wie die drei Vorgängeralben und Tims Debütalbum von 2022 - die nächste Phase ihrer kreativen Partnerschaft. Die dritte Veröffentlichung auf dem eigenen Blood Harmony-Label der Brüder schüttelt die Erwartungen durcheinander und baut gleichzeitig auf dem Sound und dem Ruf auf, den sich Hause in den letzten zehn Jahren erarbeitet hat." Drive It Like It's Stolen wurde von David Axelrod produziert und abgemischt, und - wie Blood Harmony - von Will Hoge produziert und bei Santi Sound in Nashville aufgenommen. Mit dieser besonderen Autofahrt ist Hause also auf dem Weg in eine ganz neue Welt. Ob real oder imaginär oder eine Kombination aus beidem, es ist Zeit, sich für die Fahrt anzuschnallen.

Release 21.4.2023

Soloalbum der Windhand-Sängerin! Sowohl in ihrem Solowerk als auch als Sängerin der renommierten Doom-Band Windhand versteht Dorthia Cottrell ihre Musik als ein Dokument der Liebe und der Versöhnung mit dem Tod. Auf ihrem neuen Album wehrt sie den Tod durch Schöpfung ab - die destillierteste Form der Liebe. Der Geist der Liebe, der durch ihre Worte weitergegeben wird, wird die ultimative Belohnung für irdisches Leid sein. Cottrells rätselhafte Präsenz führt den Hörer auf einen Pfad der Introspektion - der gewaltige Umfang von Death Folk Country berührt Geschichten über Liebe, Verlust und so viel mehr.

Release 21.4.2023

Zur Grill-Gartenparty sorgt die Band um Gitarrist und Sänger Ripley Johnson sowie u.a. Pedal Steel-Gitarrist Barry Walker, Bassist Dewey Mahood für geschmeidigem Uplift. Gerne im Uptempo gespielte Songs, die Ripley mit angenehmer Samtstimme wundervoll anleitet, während geschlagene Akustikgitarre und Orgel zum behende antreibenden Drumbeat Schleifen drehen. Ripley´s Gitarrensoli schweben in ihrere typischen Art im akustischen Raum, die Pedal Steel setzt atmosphärische Country-Akzente. Auch in den langsameren Songs macht sich dabei immer wieder leichte Psychedelic breit auf einem an sich klassisch orientierten Album.

Release 21.4.2023

Debutalbum des kürzlich gegründeten Duo Ariel Engle (La Force, Patrick Watson, Broken Social Scene) und Efrim Manuel Menuck (Godspeed You! Black Emperor, Thee Silver Mt. Zion). Die beiden langjährigen Freunde, Kollaborateure und Urgesteine der Montréaler Post-Punk-Gemeinde haben hier ihr erstes gemeinsames Projekt vorgestellt. AH_ML verwebt diese beiden einzigartigen Stimmen durch schillernde Ranken von ausgeblasenen Tönen und Drones und erweitert damit Menucks gleichnamige modulare und analoge Synthesizer-basierte Arbeit der letzten Jahre, die nun durch Engles Gesang mit einer zusätzlichen brennenden, gefühlvollen Wärme und Melodik durchtränkt wird. "Darling The Dawn" ist ein fesselndes Album mit übernatürlich genresprengenden Klängen und Songwriting: eine Art elektronischer Shoegaze, durchdrungen von Freak-Folk, Kosmischer Musik, Darkwave und Post-Industrial, fließend von ambientem Minimalismus zu pulsierendem Maximalismus, beschwört Traditionals herauf, die im Dunst des frühesten Lichts gesungen werden, begleitet von übersteuerten Platinen, die mit ungeerdeten Kabeln betrieben werden. Engle und Menuck sehen All the HAnds make Light in einer Folk-Linie, die sich über Pentangle und Trees bis hin zu White Magic und Amps For Christ erstreckt. Während es auf dem Album keine erkennbaren Gitarren oder akustischen Instrumente gibt (warme, verzerrte Synthesizer bilden die Palette, zusammen mit der signalverarbeiteten Geige von Jessica Moss, die ebenfalls mitgereist ist), sind es vielleicht die schrägen Drone-Beschwörungen wie "A Sparrow's Lift" und "A Workers' Graveyard (Poor Eternal)", die sich am deutlichsten in diese Nahtstellen des schrägen Folksubstrats einfügen. Der dichotomische Ritualismus von Can ist ein benachbarter Wegweiser, bei dem sich methodisches Longform-Soundscaping mit einem Gefühl der extemporierten Unmittelbarkeit verbindet. Die gewaltigen 10-Minuten-Hauptstücke des Albums, "We Live On A Fucking Planet And Baby That's The Sun" und das motorisch getriebene "The Sons And Daughters Of Poor Eternal", machen diesen Einfluss ebenfalls deutlich, auch dank des großartigen Schlagzeugspiels von Gastmusiker Liam O'Neil (Suuns), der beide Stücke zu ihren spiralförmigen Höhepunkten treibt. Es sind vor allem der Gesang und die Texte, die in ihrer Art und Melodieführung gewisse Freak-Folk-Furchen beschwören. "Darling The Dawn" ist das Ergebnis der überzeugenden Zusammenarbeit von Engle und Menuck in einem Album von echter thematischer Kraft, das von einer abwechselnd zarten und zerklüfteten Schönheit durchdrungen ist, wie sie nur ihre gemeinsamen Stärken und Sensibilitäten hervorbringen können. *Constellation

Release 21.4.2023

Silver Moth ist ein neu gegründetes Kollektiv um Stuart Braithwaite von Mogwai, Elisabeth Elektra, Evi Vine und Steven Hill. Erster Kontakt wurde über Twitter (wo auch sonst?) hergestellt, Ideen ausgetauscht und dann traf man sich im abgelegenen Black Bay Studio auf den Hebriden zum ersten Mal. Dort, am Rand der Welt, hatte man vier Tage, um mit Produzent Pete Fletcher und unter Mithilfe von u.a. Gitarrist Matthew Rochford von Abrasive Trees und Drummer Ash Babb (Burning House) ein Album aufzunehmen - Zeit für Kennenlernen gab es also nicht. Herausgekommen ist ein schmerzhaft schönes, beinahe episches Post-Rock Album voller imposanter Soundkulissen, verträumter Synthies und Gitarren, die aber auch heftigste Ausbrüche zulassen und vielseitig arrangiert sind. Diese Platte klingt wie der Ort, an dem sie aufgenommen wurde - nordisch schön!

Release 21.4.2023

Lael Neale hat immer noch ein Klapphandy und bei der Entstehung ihres neuen Albums waren keine Bildschirme im Spiel. Das Album ist ihr zweites für Sub Pop und zeigt eine Ausweitung ihrer klanglichen Zusammenarbeit mit dem Produzenten und Begleiter Guy Blakeslee. Im April 2020 zog Lael im Zuge persönlicher und globaler Veränderungen von Los Angeles zurück auf die Farm ihrer Familie im ländlichen Virginia. Um die Welt aus der Ferne zu betrachten und sich auf ihren eigenen Rhythmus einzustimmen, schrieb und nahm sie zwei traumhafte Jahre lang ununterbrochen auf, getrieben von dem Bedürfnis, Ordnung in das Chaos zu bringen. Star Eaters Delight wurde in der Isolation geschmiedet und ist ein Vehikel, um nicht nur in die Zivilisation zurückzukehren, sondern auch um zu feiern. Sie sagt: "Acquainted with Night (aufgenommen 2019 und veröffentlicht 2021) war nach innen gerichtet, inmitten des lauten und hellen Los Angeles, das mich umgab. Es war ein Versuch, Raum und ruhige Träumerei im Inneren zu schaffen. Als ich zurück auf die Farm zog, stellte ich fest, dass die ununterbrochene Stille mich dazu zwang, sie mit Klang zu durchbrechen. Dieses Album ist mehr äußerlich. Es ist mein Weg zurück in die Welt, ich möchte mich verbunden fühlen, aufwachen und wieder zueinander finden." Der Album-Opener und die Leadsingle "I Am The River" bringt das Eis zum Schmelzen mit einer dynamischen Explosion von minimalistischem transzendentalem Pop, der eindeutig vom Velvet Underground-Zweig des Stammbaums der modernen Musik abstammt. Blakeslees sparsame und doch filmische Arrangements schaffen einen Raum, in dem Neales klare und ungekünstelte Stimme vertraute Themen auf unerwartete Weise erkunden kann. Subtile, aber aussagekräftige Verweise auf Shakespeare, Emerson und die Bibel (die sie nicht gelesen hat) vermischen sich mit sehr persönlichen Betrachtungen und einem Hauch von schrägem Humor, der immer eher optimistisch als zynisch ist. Auch wenn es sich um ein Album über Polaritäten handelt - Land gegen Stadt, Menschlichkeit gegen Technologie, Einsamkeit gegen Beziehung -, so ist die tiefere Absicht doch, zu heilen; sich mit unseren Unterschieden zu arrangieren und die zerbrochenen Teile wieder zusammenzusetzen. Laels Affinität zu den Transzendentalisten hat mit ihrem Bestreben zu tun, die Souveränität über ihren eigenen Geist zu behalten. In einer Zeit, in der unsere Geräte uns ständig mit Informationen, Meinungen und Propaganda überfluten, nimmt Lael bewusst auf, was sie aufnimmt - daher das Klapphandy und der Kassettenrekorder. Neale bezeichnet sich als Minimalistin, "nicht weil ich Dinge nicht mag, sondern weil ich Freiheit mehr schätze". *Sub Pop

Release 21.4.2023

Vierundzwanzig Jahre nach dem, was viele für sein letztes Album hielten, meldet sich das britische Bestseller-Duo Everything But The Girl, bestehend aus Tracey Thorn und Ben Watt, mit dem brandneuen Album "Fuse" zurück, das unter anderem die Leadsingle "Nothing Left To Lose" enthält. Das Album ist eine moderne Interpretation des glanzvollen elektronischen Souls, den sie in ihrer Blütezeit Mitte der 90er Jahre entwickelt haben. Thorns berührende und facettenreiche Stimme steht wieder im Vordergrund von Watts schillernder Landschaft aus Subbass, scharfen Beats, typischen Synthesizern und leerem Raum, und wie zuvor ist das Ergebnis der Sound einer Band, die sich damit wohlfühlt, klanglich zeitgemäß und doch zeitlos sie selbst zu sein.

Release 14.4.2023

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 52.90)

Das 12te Album beinhaltet 12 neue Songs, produziert von James Hetfield, Lars Ulrich und der Rock-Produzenten-Ikone Greg Fidelman (U2, Slipknot, Johnny Cash, Slayer, Red Hot Chili Peppers, uvm.). Als Vorgeschmack auf das Gesamtwerk dient der bereits veröffentlichte Song "Lux Æterna". Mit 77 abwechslungsreichen Minuten bietet das Album darüber hinaus jedem Fan die Möglichkeit, sich vollkommen in das Werk fallenzulassen. Den Titel erklärt James Hetfield wie folgt: "72 seasons. The first 18 years of our lives that form our true or false selves. The concept that we were told 'who we are' by our parents. (…) Prisoners of childhood or breaking free of those bondages we carry."

Release 14.4.2023

Auch als Ltd.-Colored Sky High Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Hiphopalbum im Stile glorreicher Zeiten. Mit Black Thought von den Roots am Mic ist raptechnisch höchstes Rap-Niveau am Start. Der umtriebige Leon Michels liefert dafür exquisit die Sound-Flächen mit cineastischem und/oder im funkigen Soul-Style. Herrlich tönen Vintage-Orgeln, eingestreute Gitarrenlicks, wärmende Bässe und mäandernde Chöre, die wie aus alten Movies klingen sowie Bläsersätze oder Harfensamples. Etwas Jazz und Dub, ein Hauch Rock und manchmal eine kleine Spinnerei mit dem Beat-Juggling. Ein relaxtes, intelligentes Hiphop-Album mit herrlichem Verve, sowohl mit Samples als auch Liveinstrumentierung eingespielt. Großartig auch die leicht nostalgischen autobiographischen Erinnerungs-Raps von Black Thought, der mit seinem Endlosflow ein ums andere mal um den Finger wickelt.

Release 14.4.2023

Auch als Ltd-White Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

War das Ende 2021 erschienene Debutalbum schon ein Kracher, so ist der Nachfolger eine Granate, denn alle Bandmitglieder performen hier am Limit, alle gehen bis an die Grenze. Wuchtig, fiebrig und impulsiv tönt das 2te Album der Band des hier wieder stimmlich exzellent performenden, mit seiner Stimmfarbe Energie, Nachdruck und Wärme vereinenden Aydo Abay (Ex-Blackmail, Abay, Freindz) und dem im chromfarbenen, schillernden Noiserock-Look die Klampfe ein ums andere Mal zum Brennen bringenden Gitarrist Aren Emirze (ex-Harmful, Emirsian, Taskete), an deren Seite statt Thomas Götz (Beatsteaks, Freindz u.a.) Sascha Madsen die Schiessbude mit hörbarem Elan und höchstgeschaltetem Powergrad fast auseinanderfliegen lässt. Die gewaltige Energie des Trio Infernale geht mit allerlei verrückten Blitzbreaks und überraschenden Zwischenparts und Wechseln verspielt einher und enthält neben 90er-Indierock und kantigem Alternativerock auch Verweise zu Hardcore, Shoegazer und Noiserock, wobei Aydo mit seinem Melodie-Gespür den Gegenpart bildet zu den oft wie Derwische abgehenden Kollegen, die aber auch mit Laut-Leise-Gegensätzen Akzente setzen. Zudem bringt Aren neben kantigen Riffkanonaden immer wieder auch leicht fernöstlichen klingende Harmonien der Distortion-Gitarre ein, die zusätzlichen Drive erzeugen. Auch das 2te Album ist ein lauter Husarenritt, von Moses Schneider im Clouds Hill-Studio erstklassig eingefangen und aufgenommen.

Release 14.4.2023

Das erste Album von Fruit Bats seit The Pet Parade (2021) und folgt auf Eric D. Johnsons Beteiligung an dem von der Kritik hochgelobten Album Rolling Golden Holy des Indie-Folk-Trios Bonny Light Horseman aus dem Jahr 2022. "Im Laufe der Jahre gab es in meiner Musik viel Geografie, viele Landschaften", sagt Johnson. "Manchmal sind die Orte real, manchmal sind sie emotional. Ich mochte schon immer die Idee von Songs und Alben, die in einem Kontinuum zueinander stehen. Ich spreche nicht von einer Art tiefgründiger Serie von Konzeptalben, wohlgemerkt. Eher von der Idee, dass meine Songs alle so etwas wie Nebenflüsse desselben Flusses sind. Das macht metaphorisch gesehen viel Sinn, denn mein Weg war lang und kurvenreich und oft langsam und schlammig. Aber ich bewege mich immer auf das Meer zu. Ich schätze, man könnte sagen, dass dieses Album dasjenige ist, bei dem ich all diese emotionale Geographie genommen und sie irgendwie kartiert habe

Release 14.4.2023

Die kanadische Pop-Ikone Feist meldet sich facettenreich zurück! Die vierfach GRAMMY-nominierte Singer/Songwriterin prägte mit Songs wie "1234" und dem Album "The Reminder" bereits die späten 2000er und ist jetzt zurück, um an diesen Erfolg anzuknüpfen. Das gelingt mit gleich drei brandneuen Singles. Jede davon ein Ohrwurm-Garant und gespeist aus ihren emotionalen Tiefen und Höhen der letzten Jahre.

Release 14.4.2023

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Neues Album der in Großbritannien geborenen und jetzt in New York lebenden Künstlerin. Big Picture ist ein großartiges und fesselndes Porträt der letzten zwei Jahre von Fenne. Das Album, das live im Studio von Co-Produzent Brad Cook in North Carolina aufgenommen wurde, beschreibt die Phasen der Liebe und wird zu einer Landkarte von Komfort und Klaustrophobie. "Das Schreiben dieses Albums war mein Versuch, eine Art Ordnung in die Katastrophe von 2020 zu bringen", erklärt Fenne. "Indem ich die verletzlichsten Teile dieser Zeit dokumentierte, hatte ich das Gefühl, eine Art Autonomie zurückzuerlangen." Diese Kollision von Ruhe und harter Realität wird in Big Picture's Leadsingle "Lights Light Up" deutlich, einem aufschlussreichen Bericht über die Liebe in ihrer besten Zeit. Teilweise als Gespräch geschrieben, zeichnet es die zarten Details einer aufkeimenden Beziehung nach und erkennt die Vergänglichkeit jeder gemeinsamen Sache; die bittersüße Wahrheit, dass man nur so lange Hand in Hand mit jemandem gehen kann, wie man in dieselbe Richtung geht. Mit fein verwobenen Gitarrenlinien, einem treibenden Rhythmus und einem Refrain, der das Gefühl einer Sprachnachricht vermittelt, die jemand aus der Vergangenheit hinterlassen hat, fühlt sich der Song gleichzeitig sehr persönlich und universell an.

Release 14.4.2023

Das neue Album ist einmal mehr eine sehr persönliche Angelegenheit, die sie aber hin und wieder mit einem rotzigen Statement gehörig aufmischen. Nora und Madlaina haben sich für die Aufnahmen der zwölf Songs des neuen Albums neun Tage lang mit ihrer Band in das französische "Black Box Studio" in der Normandie zurückgezogen. Dort wurden alle Takes live eingespielt und zusammen mit Giuliano Sulzberger produziert. "Die Aufnahmen zählen zu den besten Zeiten, die wir als Band erlebt haben", sagen Nora Steiner und Madlaina Pollina über ihr bereits drittes Album. Genau DAS hört man aus jedem der zwölf Songs heraus. Ob es damit das beste Album ist, das sie je gemacht haben? Die Entscheidung überlassen sie anderen.

Release 14.4.2023

Das vierte Temples Album, das von Sean Ono Lennon produziert wurde, spielt in dieser wundersamen Umgebung einer utopischen Insel, die sich Sänger/Gitarrist James Bagshaw, Bassist Tom Walmsley, Keyboarder/Gitarrist Adam Smith und Schlagzeuger Rens Ottink ausgedacht haben. Mit ihrer schillernden Collage aus Psychedelia, Glamrock und Dream-Pop erweckt 'Exotico' diese bunte Welt mit gefühlvollen Melodien, futuristischen Synthesizern und fesselnden Gitarrenriffs zum Leben und erkundet dabei ein ganzes Spektrum existenzieller Themen. "The idea of the record is that we’re transporting people to a place they’ve never experienced, a beautiful destination that’s meant for everybody", erzählt Bagshaw. Abgemischt von Dave Fridmann (Beach House, Spoon, The Flaming Lips) und hauptsächlich in Lennons Studio im Bundesstaat New York aufgenommen, setzt 'Exotico' die Zusammenarbeit fort, die auf der von Lennon produzierten Single 'Paraphernalia' (2020) begonnen wurde. Dafür erweiterte die aus Kettering stammenden UK-Band ihre musikalische Palette um eine enorme Bandbreite an Instrumenten - passend für ein Werk, das von klassischen Symphonien über italienische Horror-Soundtracks bis hin zu Girlgroups der Brill Building-Ära inspiriert ist.

Release 14.4.2023

Neues Album der Frontfrau von La Luz! Mit der orchestralen Pop-Single "Faces in the Firelight" gibt es einen ersten Vorgeschmack auf die LP. Der Song ist sowohl an ihren Sohn (als er noch im Mutterleib war) als auch an ihren Lebenspartner Will Sprott (Shannon and the Clams) gerichtet. "In dem Song geht es darum, dass ich Will dabei beobachtete, wie er sich um einen riesigen Brandhaufen kümmerte, der noch lange nach Einbruch der Dunkelheit brannte, und dabei feststellte, dass er da draußen auf dem dunklen Feld wie das Ultraschallbild aussah, das wir an unserem Kühlschrank hatten", sagt sie. "Ich dachte, dass der größte Akt der Liebe vielleicht darin besteht, auf jemanden zu warten. Zu sagen: 'Ich bin hier, wenn du fertig bist, wenn du bereit bist.'"

Release 7.4.2023

Elena Tonra ist zwar keine passionierte Schwimmerin, aber der Sound auf dem neuen Daughter Album "Stereo Mind Game" klingt wie ein Ozean, in den man eintauchen möchte. Das dritte Album der britischen Band, gleichzeitig das erste Studioalbum seit sieben Jahren, setzt sich damit auseinander, was es bedeutet, von geliebten Menschen und auch von sich selbst getrennt zu sein - ein komplexes Thema. Daughter, das Trio bestehend aus Elena Tonra, Igor Haefeli und Remi Aguilella - wurde 2010 gegründet. Nach der Veröffentlichung von zwei Studioalben, "If You Leave" (2013) und "Not to Disappear" (2016), und dem Videospiel-Soundtrack Music "From Before the Storm" (2017), beschlossen sie, eine Auszeit voneinander zu nehmen. In den nächsten Jahren, in denen die Mitglieder an ihren eigenen Projekten arbeiteten, darunter auch Tonras Soloplatte als Ex:Re, trafen sich Daughter gelegentlich zum gemeinsamen Schreiben in Studios in London, Portland und San Diego, wo Haefeli 2019 für sechs Monate lebte. Daughter begann 2021 schließlich konkret mit den Aufnahmen für die zwölf Songs des Albums. Haefeli, der in Bristol lebt, traf sich mit Tonra in den Middle Farm Studios in Devon. Aguilella, der in Portland, Oregon, lebt, nahm seine Schlagzeugparts im Bocce Studio in Vancouver, Washington, auf. Haefeli produzierte eine Reihe der Songs, während Tonra "Junkmail" produzierte. Den Rest haben sie gemeinsam produziert. Während Daughters frühere Arbeiten ihre Kraft in ihrer entwaffneten und emotionalen Ehrlichkeit fanden, handelt "Stereo Mind Game" von gegensätzlichen Gefühlen. "Es geht darum, nicht in absoluten Kategorien zu arbeiten", sagt Haefeli. Nach mehr als einem Jahrzehnt, in dem sie die dunkelsten Emotionen darstellten, haben Daughter ihr bisher optimistischstes und ein, für ihre Verhältnisse fast schon strahlendes Album aufgenommen.

Release 7.4.2023

Neues Album von Sven Regener & Co nach 4 1/2 Jahren Abstinenz. Als erste Single gibt’s "Unscharf mit Katze", und was es dazu zu sagen gibt, überlassen wir der Band selbst: "Ein Lied wie ein weit geöffnetes Fenster, die Luft, die hier einströmt, ist zugleich erfrischend und kalt. Katze, Axt, Unschärfe und Liebe greifen ineinander, unter dem Pflaster liegt der Strand und die Neugier auf das Ende ist ein ebenso guter Grund, weiterzumachen, wie jeder andere auch. Ein Lied für und über eine Welt, die aus den Fugen geraten scheint, tröstlich und kämpferisch zugleich, liebevoller Trotz, romantische Sprödigkeit, raue Schale, weicher Kern.

Release 7.4.2023

Auch als Ltd.-Purple Colored Indies Only Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.90)

Halb ironisch-witzige, halb dramatische Botschaften der aus North Carolina stammenden Karly Hartman, die sich irgendwo zwischen dem wimmernden Skuzz von mit ihrer Art der verzerrung grandios klingenden, auf Krawall gebürsteten Shoegaze-Gitarren, geschrammelten Indie-Gitarren und aber auch unverzerrter und verzerrter Pedal-Steel-Gitarre und klassisch orientiertem Country-Twang. Hartmans Gesangsnarrativ orientiert sich am klassischen 90er Jahre-Indie-Gestus, und sitzt prima auf dem oft zwischen massivem Distortion-Teppich und Indie-Country hin und her switchenden Sound auf - Klasse gestrickte Landschaften für die klasse Texte von Karly.

Release 7.4.2023

Erik Truffaz, in der Schweiz geborener französischer Jazztrompeter, bekennt sich seit langem zu seinem größten Vorbild Miles Davis. Aber auch die Klangästhetik eines Nils Petter Molvaer schwingt in seiner Musik mit. Mit seinem neuesten Album nimmt er seine Hörer jetzt mit in den abgedunkelten Kinosaal und führt ihnen mit seiner Musik unvergessene Filmklassiker vor Augen.

Natürlich darf Miles Davis' legendäres Thema aus »Fahrstuhl zum Schafott« nicht fehlen, auch zu hören sind Kompositionen von Ennio Morricone, Nino Rota u.a. Der Jazz und das Kino haben sich schon immer gegenseitig befruchtet und bleibende Eindrücke hinterlassen, Erik Truffaz führt diese Tradition jetzt auf moderne Art fort.

Erik Truffaz - trumpet
Alexis Anérilles - Piano, Keyboards
Matthis Pascaud - Guitar
Marcello Giuliani - Bass, Double Bass
Raphaël Chassin - Drums

Blue Note Records

Release 7.4.2023

Auch als Ltd.-Red Vinyl-Edition erhältlich (CHF 33.90)

Füntes Album. Das Chicagoer Trio hat seinen intensiven, kathartischen Artrock im Laufe von vier sich ständig weiterentwickelnden Alben perfektioniert. Angefangen mit "Negative Houses" (2018) bis hin zu "Present Tense" (2021) grub das Trio tief in den klaffenden Schlund eines schwarzen Lochs und holte alles an Trümmern heraus, was sie greifen konnten. Wenn die Gitarre den Lock-Step-Swing der ersten Single "When You Say" durchbricht, trifft sie wie ein Hammer. Case nutzt seine Texte wie ein Mensch, der an anterograder Amnesie leidet, indem er Phrasen wiederholt und an alten Erinnerungen festhält, in dem verzweifelten Versuch, das Abgleiten in die Vergessenheit zu verhindern.

Release 31.3.2023

Boygenius kehren mit neuer Musik zurück! Das aus Phoebe Bridgers, Julien Baker und Lucy Dacus bestehende Indie-Trio mit erstem Full-Length-Album, das mit gefühlvollen Stimmen, intelligenten Texten und zarten Harmonien für Begeisterung sorgt.

Release 31.3.2023

Fünftes Album des in Amsterdam lebenden, Grammy-nominierten Sextett, das den türkischen Titel Ask (dt. "tieferes Gefühl der Liebe") trägt und die überschwängliche Rückkehr zum anatolischen Folk-Rock-Sound der 70er Jahre markiert, der die ersten beiden Alben von Altin Gün charakterisierte. Es ist ein Album, das die ansteckende Energie der gefeierten Live-Auftritte der Band ausstrahlt und ihre Klangpalette auf ein nächstes Level von türkischem Psychedelic Groove Pop, Sci-Fi Disco und verträumtem Acid Folk hebt. Das erste, was einen an dem neuem Album packt, ist die Energie. Mit Ask wendet sich das Amsterdamer Sextett von dem elektronischen, synthiegetränkten Sound ihrer 2021er Alben Alem und Yol ab. Während diese beiden, die während der Pandemie zu Hause entstanden, eine Hommage an den elektronischen Pop der 80er und frühen 90er Jahre darstellten, markiert Ask eine überschwängliche Rückkehr zum anatolischen Folk-Rock-Sound der 70er Jahre, der die ersten beiden Alben von Altin Gün, On (2018) und Gece (2019), prägte. Aber auch hier gibt es eine Entwicklung. Ask kommt der ansteckenden Energie ihrer Live-Auftritte bisher am nächsten.

Release 31.3.2023

Auch als Ltd.-Yellow Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 40.90)

Ein fiebriger Albumtraum, gebettet auf grandiosen Wolkensounds aus schwebenden Fender Rhodes-Klängen und analog-modalen Keyboardklängen, leise schrammelnden und sich mit kleinen, gandiosen Riffmelodien drehenden Gitarren, stoischem Bass und spacigen Sounds. Verträumte Stimmung verbreitet auch der wundervolle, versöhnliche, vereinnahmende Dream-Pop-Gesang von Marleen Nilsson. Herrliches, ätherisches, leicht psychedelisches Pop-Räkeln in einer Schnittmenge aus Fleetwood Mac, Laika, Broadcast, Melody´s Echo Chamber, Can und dem Radiophonic Workshop in pastellfarbener Cinemascope-Stimmung. Das 6.Album reflektiert die schwierige Gegenwart auf losgelöste Weise, glänzt mit Tiefe und traumwandlerischem Drift, lädt zum Gedankentrip ein mit Querverweisen zu Psych- und Kraut-Pop mit auch motorischen Passagen, gelegentlich blitzt auch etwas Dub als Einfluss auf. Grandios

Release 7.4.2023

Ditz veröffentlichen ihr Debütalbum "The Great Regression" auf Öko-Vinyl neu, nachdem die ersten 1.500 Exemplare innerhalb weniger Wochen ausverkauft waren. Das schroffe, aber zugängliche The Great Regression wurde weithin als eines der wichtigsten britischen Gitarrendebüts des Jahres 2022 gelobt. Resident kürte es auf Platz 4 der besten Alben des Jahres, Pitchfork gab ihm eine 7,3, Steve Lamacq, John Kennedy, Jack Saunders, Joe Talbot und Tom Robinson legten es fröhlich auf und Spiegel, Gigwise, Loud & Quiet, Upset, Flood, Under The Radar, Brooklyn Vegan, Pop Matters, Louder Than War und viele andere verliebten sich. Das 10-Track-Album hat lange auf sich warten lassen - die fünfköpfige Band hat sich erst Ende 2015 in Brighton zusammengefunden und im darauffolgenden Jahr ihre Debüt-EP veröffentlicht. Im Laufe der Zeit gab es einige Besetzungswechsel, aber seit ihren Durchbruchstracks "Gayboy", "Total 90" und einer Coverversion von Peaches' "Fuck The Pain Away" im Jahr 2019, die Joe Talbot von Idles zu der Aussage veranlasste: "DITZ sind die beste Band in Brighton, wenn nicht sogar der Welt". Auch wenn die verschiedenen Sperren den Schwung der Band für eine Weile verlangsamten, nutzten sie die Situation zu ihrem Vorteil, indem sie die Auszeit nutzten, um an diesem unglaublichen Debüt zu feilen.

Vinyl-Release voraussichtlich am 7.4.2023

Das neue Album ist einerseits Abschied von und gleichzeitig eine Rückbesinnung auf eine Version von Waterhouses früherer Existenz, die von einer Stadt umrahmt wird, die teils Traum, teils Realität und teils Potenzial ist – eine Geschichte über eine Stadt, die von Songs heimgesucht wird – ein Ort voller Vinylsingles, die von Leuten wie Bert Berns produziert oder auf Scepter, Wand, Atlantic und Verve veröffentlicht wurden und in den Jukeboxen ikonischer Institutionen in San Francisco wie Tosca, Specs und Trieste in North Beach zu hören waren. The Fooler ist ein makelloses Album, das mit jedem Durchlauf neue Schätze und neue Perspektiven eröffnet. Zum ersten Mal gab Waterhouse im Studio ein gewisses Maß an Kontrolle ab und begnügte sich damit, Künstler zu sein. Der Titel des sechsten Albums des kalifornischen Singer-Songwriters ist mehr als nur der Name eines der Dutzend erstklassigen Stücke. The Fooler ist sowohl ein Hinweis als auch ein Ablenkungsmanöver. The Fooler ist der Beobachtete und der Beobachter, Erzähler und Subjekt, Wahrheit und Lüge. Der Fooler ist der Schatten und das Spiegelbild einer Stadt, die der Künstler gut genug kennt, um sie mit geschlossenen Augen zu durchstreifen, und eines Ortes, der sehr wahrscheinlich nie existiert hat.

Release 31.3.2023

Das neunte Studioalbum der 2003 gegründeten Band erscheint parallel zum 20-jährigen Bestehen und enthält neue Ideen, Klänge und Texturen. Das Album wurde von ihrem langjährigen Mitarbeiter Josh Kaufman im The Clubhouse in Rhinebeck, NY, produziert und von D. James Goodwin gemischt. "The Price of Progress" ist das bisher klanglich umfangreichste Album der Band und gleichzeitig unverkennbar The Hold Steady, die mit ihren erzählerischen Rock'n'Roll-Geschichten von gewöhnlichen Menschen erzählen, die in einer modernen Welt kämpfen und überleben. Die Vorder- und Rückseite des Albumcovers zeigen Fotografien des renommierten Fotografen Alec Soth aus Minneapolis.

Release 31.3.2023

The New Pornographers sind eine kanadische Indie-Rock-Band, die 1997 in Vancouver gegründet wurde. Die Lead-Single "Really Really Light" wurde gemeinsam mit Dan Bejar (Destroyer) geschrieben und ist eine Neuinterpretation des Titels "Cutting Room Floor" von ihrem gefeierten Album "Brill Bruisers" (2014). Das neue Album wurde von Bandleader A.C. Newman produziert und befasst sich mit Themen wie Isolation und Zusammenbruch und verfolgt die Ambivalenz des Alltags während der Pandemie und die endlosen Fallstricke des Online-Lebens. Die New Pornographers haben zuvor acht Studioalben veröffentlicht, darunter ihr klassisches Debüt "Mass Romantic" (2000), das 2021 neu aufgelegt wurde. Ihr letztes Album "In The Morse Code Of Brake Lights" (2019) war in den USA sehr erfolgreich und erreichte Platz 2 der Billboard Alternative Charts, Platz 6 der Billboard Rock Charts und Platz 15 der Billboard Album Charts. Rolling Stone lobte, "dass die kanadische Power-Pop-Crew immer wieder Songs hervorbringt, bei denen das Verhältnis von Hooks pro Minute fast unangemessen ist".

Release 24.3.2023

Auch als Ltd.-Alt.-Cover Green Vinyl 2LP-Edition erhältlich (CHF 49.90)

Das neunte Studioalbum der renommierten Singer-Songwriterin Lana Del Rey. Es enthält 16 Tracks und musikalische Zwischenspiele von Father John Misty, Tommy Genesis, Jon Batiste, Bleachers und weiteren. Das Album der Ausnahmekünstlerin folgt auf die 2021 erschienenen Alben Chemtrails Over The Country Club und Blue Banisters.

Release 24.3.2023

Das 15. Studioalbum ist das erste, das die übelebenden DM-Mitglieder Gahan und Gore nach dem tragischen Tod von Bandmitgründer Andrew "Fletch" Fletcher im Jahr 2022 in zweiköpfiger Besetzung aufnahmen. Produziert von James Ford mit Unterstützung von Marta Salogni. Die 12 Albumtracks schlagen die Brücke zwischen einer Vielzahl von Stimmungen und musikalischen Texturen - angefangen beim bedrohlichen Opener bis zur Auflösung am Schluss spannt sich das Gefühlsspektrum von Paranoia und Besessenheit bis hin zu psychischer Befreiung und Freude sowie zahllosen emotionalen Zwischentönen. Mit der Single "Ghosts Again" geht der Albumveröffentlichung ein eindrucksvoller Vorbote voraus. Der Song stellt schon jetzt nicht weniger als einen lupenreinen Depeche Mode-Klassiker dar: Dave Gahans bilderstarke Lyrics wie "wasted feelings, broken meanings… a place to hide the tears we cry" verbinden sich über einem erhebenden, optimistischen Groove mit einer hypnotischen Gitarrenfigur von Martin Gore.

Release 24.3.2023

Das erste Album auf Sub Pop wurde von Debby und Graham Walsh (METZ, Holy Fuck) im Candle Recording Studio in Toronto koproduziert und gemischt und von Heba Kadry in New York gemastert. Über die kosmisch erhabene Leadsingle "So Hard to Tell" sagt FRIDAY: "Ich habe eine tiefe Stimmlage und spreche mit Fry-Stimme, also weiß ich nicht, was über mich kam, als ich diesen Track machte. Ich habe noch nie in meinem Leben so gesungen und ich hatte keine Ahnung, dass ich diese Art von Klängen mit meiner Stimme erzeugen kann. Es gibt keine Pitch-Effekte auf dem Album, es ist alles von mir." Das Video zeigt Friday in prismatischer Sicht. Sie durchstreift felsige Hänge, psychedelische Wälder, antike Steintempel und vieles mehr. Sie ist leuchtend und vielfältig - die vielen Versionen ihrer selbst, die sich zu der Form eines aufkeimenden Sterns zusammenfügen.

Release 24.3.2023

»Love in Exile« ist ein Trio, bestehend aus den Mitgliedern Arooj Aftab, Vijay Iyer, Shazad Ismaily, das sich erst vor Kurzem gefunden hat. Aufgrund der jeweiligen Originalität der Künstler:innen experimentiert und improvisiert die Gruppe gerne und entwickelt dabei einen ganz speziellen Sound – teils mysteriös, aber auch von einer beflügelten Klangfarbe geprägt.

Sängerin und Komponistin Arooj Aftab gewann erst kürzlich als erste pakistanische Künstler:in den Grammy Award für »Best Global Music Performance« und beeindruckt mit ihrer ruhigen, berührenden Stimme und charismatischen Ausstrahlung. Als talentierter Pianist bekam Vijay Iyer in den zurückliegenden Jahren mehrere renommierte Auszeichnungen und ist so einer der führenden Musiker:innen seiner Generation. Mit großem Feingefühl in seinen Fingern, fesselt er die Fans und zieht jede:n Einzelne:n in seinen Bann.

Shahzad Ismaily, das experimentierfreudigste Mitglied des Trios, kollaborierte bereits mit verschiedenen genreübergreifenden Musiker:innen. Durch diese Erfahrungen und sein herausragendes Talent als Multiinstrumentalist und Komponist bringt er viel Abwechslung und Kreativität in die Musik.

Release 24.3.2023

Dieses neue Album von Eric Bibb zeigt das besondere Talent dieses Bluesmeisters. Die Handschrift von Eric Bibb ist hier mehr denn je zu hören, sobald die ersten Noten erklingen.

Inspiriert von einem legendären Gemälde von Eastman Johnson, ist Ridin ein großartiges Albumkonzept, das Eric Bibb fast zwei Jahre nach seinem letzten Album wieder in den Mittelpunkt des Geschehens stellt. Der Boss ist eindeutig zurück und das fühlt sich so gut an! Eric bringt seine Menschlichkeit und seinen Sinn für Humor in seine Arbeit ein.

Release 24.3.2023

Auch als Ltd.-Orange Transparent Vinyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Die Iren sind ganz vorne mit dabei, wenn es um Übergänge der Melodik und Harmonien des Folk der britischen Inseln und einer Umsetzung mit experimentell-psychedelischem Gestus geht. Das 4te Album besitzt ungemeine poetische Kraft, die Musik folgt den Worten auf veranschaulichende Weise und nutzt gerne Tempo- und Intensitäts-Wechsel, um die narrative Kraft der Songs zu unterstreichen. Die mehrstimmigen Vocals erinnern bisweilen an Tunng und Sufjan Stevens, musikalisch ziehen Lankum mit stehenden Drone-Klängen und der Macht der Wiederholung von Riffs in den Bann. Ein großartiges Album, das von der wilden und oftmals seltsamen Schönheit des Schmerzes und der Freude, von Himmel und Hölle getrieben ist und traditionellen irischen und Brit-Folk auf ein höheres Niveau bringt.

Release 24.3.2023

So sehr wir uns auch wünschen, dass unser Lebensweg linear verläuft und einen logischen Sinn ergibt, manchmal hat das Leben andere Pläne mit uns. Dann müssen wir auf die kleine Stimme in uns hören, die uns zuflüstert: Rebelliere gegen den Status quo. Diese Erfahrung hat die Sängerin, Songschreiberin, Multiinstrumentalistin und Komponistin Kate Davis gemacht, als sie das Leben, das sie zu kennen glaubte, ausbremste, die kreativen Zügel in die Hand nahm und ihr künstlerisches Fundament neu errichtete. Auf dem Weg von ihrem früheren Leben als Jazzmusikerin mit Konservatoriumsausbildung in ihre Zukunft als experimentelle Art-Rock-Sängerin hat Davis ein neues Zuhause in sich selbst gefunden. Aufgewachsen in Portland, zog Davis später nach New York City, um die Manhattan School Of Music zu besuchen. Nachts schlich sich Davis nach Brooklyn, wo sie sich die Indie-Rock-Innovatoren Grizzly Bear und die Dirty Projectors ansah und insgeheim davon träumte, aus der akademischen Strenge der Jazzwelt auszubrechen, in der sie lebte. Mit der Zeit fand Davis einen Weg, ihr musikalisches Schicksal selbst in die Hand zu nehmen und ihren eigenen Weg als Coming-of-Age-Geschichte zu definieren, die auf dem hochkonzeptionellen Album "Fish Bowl", das drei Jahre nach ihrem Debütalbum "Trophy" erscheint, mit lebhafter Klarheit dargestellt wird. Davis vermengt verschiedene Genres - Art-Rock, Pop und Folk - zu einem komplizierten, einzigartigen Klangteppich. Mit dem Eintritt in eine aufregende neue Phase ihrer Musikkarriere wendet Davis die Akribie, die sie in ihren Jahren in der Welt des Jazz entwickelt hat, auf Fish Bowl an. Wie die Säule des Genres, John Coltrane, begibt sich Davis an einen musikalisch spirituelleren Ort - einen Ort, an dem Regeln keine Rolle spielen, Experimentierfreudigkeit gefördert wird und Veränderungen Teil der natürlichen Entwicklung eines Künstlers sind. Da Davis weiterhin mit klarer Entschlossenheit nach vorne drängt, wird die Indie-Rock-Welt bald einen neuen Klangreisenden bekommen.

Release 17.3.2023

Neuntes Album. Über zwei Jahrzehnte hinweg hat sich M83-Mastermind Anthony Gonzalez als ein Künstler etabliert, dessen Werke über bloße Realitätsflucht hinausgehen und stattdessen eine ganz neue Welt erschaffen. Für Gonzalez war die Richtung und Ästhetik von "Fantasy" sofort klar. "Ich wollte, dass diese Platte live sehr eindrucksvoll klingt", sagt er. "Die Idee war, dass das Album näher an die Energie von "Before The Dawn Heals Us" rankommt. Die Kombination von Gitarren und Synthesizern ist immer Teil meiner Musik, aber auf dieser neuen Platte ist sie vielleicht noch präsenter als auf den vorherigen." Gonzalez wollte außerdem den Trend fortsetzen, der sich schon auf seinen letzten Alben immer deutlicher abgezeichnet hat. "Ich wollte lyrisch und stimmlich präsenter sein, damit das Album persönlicher wird als meine bisherigen Projekte", sagt er. Um die Ausgelassenheit seiner umwerfenden Live-Auftritte einzufangen, änderte Gonzalez seinen typischen Aufnahmeprozess. "Normalerweise schreibe ich die Demos und gehe dann zu meinem Produzenten, um mit der Arbeit an einem Album zu beginnen", erklärt er. "Aber dieses Mal war es ein wenig anders. Ich wollte einfach die Energie der anderen Musiker spüren. Das Gefühl, dass Musiker zusammen spielen, hatte mir ein bisschen gefehlt.

Release 17.3.2023

Schon nach den ersten Zeilen seines neuen Songs "6 Nullen" fühlt sich die Stimme des Chemnitzers wieder warm und vertraut wie eh und je an. Einfach wie „nach Hause kommen“, nach einem (jahre)langen Urlaub in der Ferne. Das liegt zum einen an Trettis markanter, tiefer Stimme, aber natürlich auch an dem subtil flackernden Beat von den musikalischen Partner:innen in spe, KitschKrieg, die seit jeher den Sound von Trettmann gewaltig prägen – oder wie Trettmann es sagt: „ (…) Mittlerweile haben wir Geschichte geschrieben. In schwarz/weiss, für die Ewigkeit.

Bereits seit dem Release der ersten selbstbetitelten KitschKrieg EP im Jahr 2016 gehören das Producer-Kollektiv und Trettmann irgendwie zusammen wie Pech und Schwefel, wie Schwarz und Weiß. Doch das könnte sich in Zukuft ändern, wie Trettmann jetzt auf IG verlauten ließ: „Seit längerem quälen wir uns mit einem Thema. Es wurden immer eindringlicher: wie kann unsere Kunst noch besser werden ohne, dass wir uns wiederholen? Wie bleiben wir unserem Anspruch treu. Und wie geht es weiter? Muss es das überhaupt? (…) Ganz ehrlich, wir haben das Gefühl, dass wir unserer Geschichte nichts mehr hinzuzufügen haben. Was das bedeutet? Ihr kennt uns.“

KitschKrieg und Trettmann werden in Zukunft getrennte Wege gehen. „Wir hören auf, wenn wir das Gefühl haben, alles gesagt zu haben. Wir hören auf, wenn es am besten ist. Jeder geht nach dem gemeinsamen Höhepunkt erstmal seinen eigenen Weg.“ Was für ein Auf und Ab der Gefühlen. Die Freunde über eine neue Trettmann x KitschKrieg-Single wird von einem Ende der gemeinsamen Zusammenarbeit etwas gedämpft. Doch vielleicht können wir sie mit einer weiteren News wieder etwas entfachen, denn: Zum Abschluss der Trettmann-KitschKrieg-Ära wird es ein letztes gemeinsames Album geben! „Insomnia“ wird die Platte heißen und sie soll bereits am 17. März erscheinen. Pünktlich eine Woche vor Trettis Tour-Start in Berlin.

Release 24.3.2023

Bei ihren jüngsten musikalischen Ausflügen hatte sich die Isländerin bereits mit dem belgischen Duo The Colorist Orchestra zusammengetan, das eine Reihe von Songs aus ihrem Backkatalog neu komponierte, woraus 2018 das Live-Album "The Colorist & Emiliana Torrini" entstand. Auch das neue Album "Right Here" entstand gemeinsam mit Aarich Jespers und Kobe Proesmans, die beide auch Teil der belgischen Indie-Rock-Band Zita Swoon sind

Release 17.3.2023

Auch als Ltd.-Indies Only Gold Vinyl-Edition erhältlich (CHF 49.90)

Konzipiert von dem hawaiianisch-neuseeländischen Musiker Ruban Nielson zwischen Palm Springs, Kalifornien, und Hilo, Hawaii, schöpft "V" aus den reichen Traditionen von West Coast AOR, klassischen Hits, Weirdo Pop und hawaiianischer Hapa-haole-Musik. "V" erinnert an blauen Himmel, Cocktailbars am Strand, Hotelpools und an die Dunkelheit, die unter perfekten, makellosen Oberflächen lauert. Bereits im Oktober 2022 bereitete UMO die Bühne für das Album mit dem ersten Vorgeschmack "I Killed Captain Cook". Heute erscheint die Single "Layla". Das begleitende Filmvideo unter der Regie von Vira-Lata ist der erste Teil eines Zweiteilers, der die Abenteuer zweier junger Frauen dokumentiert. Mit "V", dem ersten Doppelalbum von UMO, gestaltet und bereichert Nielson den Weg, der ihn zu diesem Moment geführt hat. Die vierzehn Mitsing-Hymnen, kinematischen Instrumentalstücke und schelmischen Popsongs des Albums wurden in Palm Springs mit der Hilfe seines Bruders Kody Nielson, des langjährigen UMO-Mitglieds Jake Portrait, und seines Vaters Chris Nielson (Saxophon/Flöte) aufgenommen.

Release 10.3.2023

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Das zwölfte Album der Sleaford Mods baut auf den einzigartigen, aufrührerischen Stärken früherer Alben auf und verfeinert sie gleichzeitig auf eine neue Weise. Das Album präsentiert die Band in ihrer makellosesten Wut, gepaart mit wilder Poesie. Obwohl "UK Grim" größtenteils vor den Turbulenzen des Jahres 2022 entstanden ist, nimmt es die Erschütterungen einer Gesellschaft, die den Verstand verliert, auf unheimliche Weise vorweg, erzählt von einem Mann, der entschlossen ist, sich mit Heucheleien auseinanderzusetzen, insbesondere mit seinen eigenen. Die 14 Tracks klingen nach knarzigem Punk, widerspenstiger Elektronik und Elementen von Hip-Hop. Sie beschreiben die Realität in zu brutaler Unverblümtheit, um nur einfache Protestsongs zu sein. Sie sind zu Vinyl gewordene Wut, aufgekocht von den Großmeistern des pointierten Zorns - den Sleaford Mods! Wie bei den "Spare Ribs" Kollaborationen mit Billy Nomates und Amy Taylor helfen auch bei "UK Grim" Freunde aus: Florence Shaw von Dry Cleaning ist auf dem schaurigen "Force 10 From Navarone" zu Gast. Williamson ist ein Fan der Band und sagt: "Sie erinnert mich wirklich an die frühen Sachen, die ich gemacht habe, einfach die Art und Weise, wie sie ein einziges Wort benutzt, um eine ganze Geschichte zu erzählen." Perry Farrell von Jane's Addiction rappt auf dem bizarren "So Trendy", einem Song, von dem Williamson sagt, er sei "sehr vorsichtig... ein wirklich seltsamer Track".

Release 10.3.2023

Entstanden zwischen Berlin, den schattigen Lech-Auen Bayerns, der märkischen Schweiz und einem viel zu heißen Sommer in Frankreich. Dort wurden aus 100 Skizzen, 40 Songs und am Ende 12 Albumtracks, die die Rebellion und das Leben groß heißen. "Apokalypse Wow" ist auch das Ergebnis von drei Jahren Suche, Suche nach Neuem in den eigenen Konstanten und endlosen Möglichkeiten. Eine Reise, die für Frittenbude zu dritt begonnen hat und nach dem Ausstieg von Martin Steer, nun zu zweit fortgesetzt wird. Aber ganz wegzudenken und zu überhören ist er noch nicht, der langjährige Freund und Wegbegleiter. Auf gut der Hälfte der Songs sind sie noch zu hören, die unverkennbar melancholischen und doch Wärme verbreiteten Gitarren und Synthflächen. Das experimentelle Soundbild von Jakob Häglsperger geht wie gewohnt mit diesen Hand in Hand, findet aber neue Wege und harmoniert stets auch mit dem Gesang von Johannes Strizi Rögner, wenn dieser zwischen post-punkig, gefühlvoll heiser oder laut und anklagend, je nach Zustand, Lage und Inhalt, umherspringt.

Release 10.3.2023

Sowohl elegant als auch wild, ist die Single "Oh Me Oh My" in einem Moment aufwühlend, im nächsten ein Balsam. Gefeierte Kollaborateure wie Michael Stipe ("Oh Me, Oh My"), Sharon Van Etten ("None of Us Will Have But a Little While"), Moor Mother ("I Am Part of the Wonder", "Earth Will Be There"), Justin Vernon von Bon Iver ("Kindness Will Follow Your Tears") und Rokia Koné ("If We Get Lost They Will Find Us") dienen als Engelschöre und Co-Piloten, die Lonnies Botschaft zum Fliegen bringen und ihn als eine galvanisierende, ikonoklastische Kraft in der Musikgemeinschaft bekräftigen. Oh Me Oh My ist eine Errungenschaft in der Verfeinerung von Holleys impressionistischen, bewusstseinsverändernden Texten und beschreibt sowohl globale als auch persönliche Geschichten. Während jeder Session diskutierten Holley und der Produzent Jacknife Lee (The Cure, REM, Modest Mouse) die Essenz der Songs und destillierten Holleys Worte auf ihren unmittelbarsten Kern. Auf dem Titeltrack, der vom gegenseitigen menschlichen Verständnis handelt, ist Holley so tiefgründig wie eh und je, und das in viel weniger Sätzen: "The deeper we go, the more chances there are, for us to understand the oh-me's and understand the oh-my's." Holleys Musik ist eine Darstellung der Beharrlichkeit, der unermüdlichen Hoffnung, des "Daumen hoch für Mutter Universum". Oh Me Oh My enthält sowohl kinetischen Kurzwellen-Funk, der an Brian Enos My Life in the Bush of Ghosts erinnert, als auch die tiefen Weltraum-Satellitenklänge von Enos Ambient-Werken. Es gibt auch Elemente von Laurie Andersons Meditationen, Anklänge von Gil Scott-Herons tiefgründigem Longform-Soul oder auch von John Luries Grabbag-Jazz, und ja, auch Elemente von Sun Ras kühnem Afrofuturismus. Aber Oh Me Oh My ist eine triumphale klangliche Errungenschaft für sich selbst.

Release 3.3.2023

Zweites Album des Washington DC/Dischord-Allstar-Post-Hardcore-Dreamteam plus dem Refused/International Noise Conspiracy-Frontmann Dennis Lyxzén. Das Line-Up besteht aus Brian Baker (Minor Threat, Dag Nasty, Bad Religion), Mike Hampton (S.O.A., Embrace, One Last Wish) und Johnny Temple (Soulside, Girls Against Boys), sowie erstmals auch Brendan Canty (Rites of Spring, Fugazi). Aufgenommen mit Adam "Atom" Greenspan (u.a. Idles, Yeah Yeah Yeahs).

Release 10.3.2023

Fever Ray alias Karin Dreijer mit dem ersten neune Album seit über fünf Jahren. Dreijer begann bereits im Herbst 2019 mit dem Schreiben und arbeitete dafür in den Stockholmer Studios, die zusammen mit Bruder und Bandkollege Olof Dreijer von The Knife gebaut wurden. Mitte 2020 schloss sich Olof den Arbeiten auch als Co-Produzent an. Die neuen Stücke auf 'Radical Romantics' sind die ersten gemeinsam produzierten und geschriebenen Songs der Geschwister seit acht Jahren. In weiteren Produzentenrollen tauchen das Duo Trent Reznor und Atticus Ross (Nine Inch Nails), der portugiesische DJ und Produzent Nídia, Johannes Berglund, Peder Mannerfelt, Pär Grindviks Aasthma sowie Vessel auf dem Album auf. In der Welt von 'Radical Romantics' präsentiert Fever Ray, eingerahmt von analogen Synthesizern, den Kampf mit der Liebe - genauer gesagt, dem Mythos der Liebe. Mit Songs, die Stärke und Verletzlichkeit, Angst aber auch Sicherheit in Einklang bringen.

Release 3.3.2023

Während man die neuen Songs hört, fühlt es sich so an, als säße man selbst in diesem Proberaum. So nah, direkt und auf magische Weise wahrhaftig klingt diese Musik. AnnenMayKantereit waren während der Produktion ihres neuen Albums "Es ist Abend und wir sitzen bei mir" im Sommer 2022 nicht nur Musiker und Songschreiber, sondern immer auch Gastgeber: "Wir hatten wahnsinnig viel Lust darauf, dass Freunde zum Proberaum kommen und mit uns rumhängen. Einen schönen Abend haben und schauen, was passiert" - und daraus wurden sehr viele schöne Abende und schließlich ein wunderbares Album.

Release 3.3.2023

Auch als Black Vinyl-Edition erhältlich (CHF 30.90)

Slowthai meldet sich nun mit einem neuen Albumprojekt zurück: Sein drittes Album "Ugly" (U Gotta Love Yourself) zeigt vielleicht eine Seite von ihm, die die Leute noch nie zuvor gehört haben, aber Slowthai selbst sieht es als das bisher vollständigste Bild. "Dieses Album ist ganz und gar ich - darüber, wie ich mich fühle und was ich sein möchte … es ist alles, worauf ich hinaus will." Bei Ugly geht es darum, sich wieder mit den Grundprinzipien zu verbinden. Das Eintauchen ins Punk-Genre, mit ebenso viel Gesang wie Rappen, ist sowohl ein markanter Aufbruch für Slowthai als auch eine Rückkehr zu seinen Wurzeln. Als Teenager in Northampton liebte er emotional intensive Rockmusik, insbesondere von Nirvana, Radiohead und Daniel Johnston, und wollte einer Band beitreten, aber das ist schwierig, wenn man kein Instrument spielt. Jetzt hatte er endlich die Möglichkeit zu reflektieren, eine Band zu finden etc - so ist UGLY ist entstanden.

Release 24.2.2023

Neues viertes Album mit Gastbeiträgen von Zack de La Rocha (Ex-RATM), Mark Cisneros, Samuel T. Herring (Future Islands), JAe Matthews (Boy HArsher), NAdah El Shazly, Lee Bains III, Bily WOods, Big Rube, Patrick Shirosh, Deforrest Brown Jr., Latoya Kent u.a.

Release 24.2.2023

Auch als Ltd.-Numbered inkl. 12-Inch Vinyl-Edition erhältlich (CHF 59.90)

Sensationell gutes neues Album, das einen ungemeinen Sog entwickelt. Seit mittlerweile 8 Jahren bewegt sich Sebastian Lee Philipp mit seinem Projekt Die Wilde Jagd im Spannungsfeld zwischen kontemporärer elektronischer Musik und Avant-Pop. So entstanden zwischen 2015 und 2020 drei Studioalben als Dokumente von Philipps schier ungebrochener musikalischer Schaffenskraft. Zuletzt erschien 2022 mit "Atem" eine Kompositionsarbeit für das niederländische Roadburn Festival, die nochmal eine weitere, experimentellere Seite des Projektes dokumentierte. Auf dem neuen, mit Spannung erwartetem vierten Album werden all diese facettenreichen Welten auf beeindruckende Weise zusammengeführt.

Release 17.2.2023

Die Band um Sebastian Dürre aka Porky, Henning Besser aka La Perla sowie Philipp Grütering aka Kryptik Joe hatte während der Pandemie mit der Arbeit an dem neuen Album begonnen und die allgemeine Stimmung und Atmosphäre jener frühen Pandemiephase hat sich ganz automatisch in Texte und Musik der neuen Songs eingeschrieben. Deichkind sind also wieder da - genau zur richtigen Zeit. Die erste Singleauskopplung aus dem Album, der doppelbödige Song "In Der Natur", verbindet hintersinnige Jodelkunst mit abstrakter Zivilisationskritik und zeigt: Die Gesellschaftskritik von Deichkind funktioniert so gut, weil sie nicht von der Tribüne kommt und schon gar nicht aus dem Elfenbeinturm. Deichkind meinen immer auch sich selbst, wenn sie über die Zumutungen der Gegenwart spotten - und dabei wie im Vorbeigehen noch die vermeintlich sperrigsten Themen in potenzielle Hits kleiden, die man auf Anhieb mitsingen möchte.