Doors 19.00 - Showtime 19.30
Eintritt Kollekte

Nur knapp anderthalb Jahre nachdem die Lausanner Musikerin ihr Debütalbum im Rahmen einer «Sounds! Session» vorstellte, gibt's bereits ihren nächsten Langspieler. So viel vorweg: die PJ Harvey-Vergleiche gehören ab sofort der Vergangenheit an – auch dank den wilden Saxophon-Ausflügen von Stefan «Sha» Haslebacher (u. a. Nik Bärtsch's Ronin).
«Bring Back the Light» ist Songwriting-technisch ein guter «Gump» nach vorne für Delia Meshlir. Und das, obwohl sie auf ihrem zweiten Album mindestens ein Mal auch zurückschaut, wie sie uns im Interview erzählt.
So entstand «Goodbye California», eines der Highlights des Albums, aus einem Text, der über fünf Jahre alt ist. Die Gefühlswelt von damals scheint also auch heute noch zu passen.
Trauer erinnert uns an die Vergangenheit, an Kindheitserinnerungen. Es kann uns aber auch eine Vision geben, wie wir mit der Zeit in unserem Leben umgehen und sie spüren können. Die Jahre vergehen so schnell, und doch ändert sich nichts wirklich. Es gibt Momente, in denen ein Mantra nötig ist, um sich geerdet und lebendig zu fühlen, um zu spüren, dass wir etwas in der Weite des Universums sind. „Bring Back the Light“ ist das Mantra, das Delia Meshlir geschaffen hat, um ihrem Leben Helligkeit und Stabilität zu verleihen.

CD-Release 8.12.23 - Vinyl-Release am 19.1.2024

Yeah!

Release 16.2.2024

Endlich wieder ein Lebenszeichen der legendären Indie-Rock-Band aus Kalifornien. Zuletzt feierten Grandaddy ihr Schaffen mit einer Reihe von Wiederveröffentlichungen zum 20-jährigen Bestehen, darunter das hochgelobte Sumday Twunny-Boxset, das von Pitchfork als „Best New Reissue“ ausgezeichnet wurde. Auf Wunsch der Familie seines Freundes und Psychedelic-Pop-Kollegen Mark Linkous steuerte Lytle auch Gesang zu einem posthumen Sparklehorse-Album bei.

Release 2.2.2024

Auch als Loser-Edition Neon Pink Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.50)

Das fünfte Solo-Studioalbum, das J Mascis seit 1996 aufgenommen hat. Das ist offensichtlich kein sehr aggressiver Veröffentlichungszeitplan, aber wenn man die Live-Alben, Gastauftritte und Aufnahmen mit seinen verschiedenen anderen Bands (Dinosaur Jr., The Fog, Heavy Blanket, Witch, Sweet Apple und so weiter) mit einbezieht, nun, um Lou Reed zu paraphrasieren, "J's week beats your year". "What Do We Do Now" begann sich in den letzten Tagen der Pandemie zu kristallisieren. In seinem eigenen Bisquiteen Studio begann J, eine Reihe von akustischen Stücken zu schreiben, die eine andere Dynamik haben als die Stücke, die er für Dino schreibt. "Wenn ich für die Band schreibe", sagt er, "versuche ich immer, an Dinge zu denken, zu denen Lou und Murph passen würden. Für mich selbst denke ich mehr darüber nach, was ich mit einer Akustikgitarre machen kann, selbst bei den Leads. Natürlich habe ich dieses Mal ein komplettes Schlagzeug und elektrische Leads hinzugefügt, obwohl die Rhythmus-Parts immer noch rein akustisch sind. Normalerweise versuche ich, die Solosachen einfacher zu machen, damit ich sie selbst spielen kann, aber ich wollte unbedingt das Schlagzeug hinzufügen. Als ich damit anfing, fügte sich alles andere von selbst. So klang es am Ende viel mehr wie eine Band-Platte. Ich weiß nicht genau, warum ich das gemacht habe, aber es ist einfach so passiert." Diesmal sind zwei Gastmusiker mit von der Partie: Ken Mauri (von den B52s) aus Western Mass spielt auf mehreren Stücken Klavier. Da J selbst einige Erfahrung mit den Tasten hat, antwortet er auf die Frage, warum er einen Gastmusiker brauchte: "Ken ist großartig und er spielt alle Tasten. Ich habe auf dem ersten Fog-Album versucht, ein paar Keyboards zu spielen, aber ich fühle mich nur bei den weißen Noten wohl, also ist das irgendwie einschränkend. (lacht) Heutzutage könnte ich einfach die Tonhöhe auf einem Mini-Mellotron drehen, um verschiedene Sounds zu spielen, aber schwarze Tasten scheinen mir einfach schwer zu sein. Aus welchem Grund auch immer, ich haue einfach gerne auf die weißen Tasten. Es scheint schwieriger zu sein, herauszufinden, wie man seine Finger um die anderen Tasten herum streckt. Mauri hat keine solchen Skrupel und spielt alle Tasten verdammt gut. Besonders gut klingt er bei "I Can't Find You", wo er als Jack Nitzsche zu J's Neil Young eine der schönsten Melodien des Albums schafft. Der andere Gastmusiker, Matthew "Doc" Dunn, ist ebenfalls auf diesem Stück zu hören. Dunns Stahlgitarre schafft es, die musikalischen Kanten der Musik sowohl zu erweitern als auch abzuschwächen und ihr ein volles klassizistisches Profil zu verleihen. Dunn ist ein vielseitiger Musiker aus Ontario, den J durch Matt Valentine kennengelernt hat. Nachdem J auf Docs großartiger Sub Pop-Single "Your Feel" aus dem Jahr 2022 mitgespielt hatte, fand er, dass es Zeit für eine Revanche war. Sowohl Dunn als auch Mauri tragen auf wunderbare Weise dazu bei, die Songs von akustischen Skizzen in ausgewachsene Post-Core-Power-Balladen zu verwandeln. What Do We Do Now ist das beste Soloalbum, das J bisher geschrieben hat, und die Art und Weise, wie es präsentiert wird, ist nahezu perfekt. Auf die Frage, ob er auf Tour gehen wird, um das Album zu unterstützen, sagt J, dass er einige Wochenendtermine wahrnehmen wird, aber wahrscheinlich keine Band zusammenstellen wird. Und ich bin mir sicher, dass die Songs auch solo und akustisch großartig klingen werden, aber die Arrangements auf diesem Album sind wirklich großartig und geben Mascis' sofort wiedererkennbarem Ansatz, Musik zu machen, einen coolen, anderen Dreh. Also, was machen wir jetzt? Ich weiß es nicht. Aber anscheinend ist das, was J macht, eine seiner besten Platten überhaupt. Hut ab vor ihm.

Release 19.1.2023

Auch als Ltd.-Magenta/Black Colored Vinyl-Edition (CHF 45.90) und Tape (CHF 20.90) erhältlich .

Neues, 14tes Album der amerikanischen Punk-Rocker rund um den Frontman Billie Joe Armstrong. Wie nicht anders zu erwarten, gibt die neue Single der Band die Gelegenheit, dem politischen Frust Luft zu machen - natürlich zur Melodie einer Pop-Punk-Melodie. "Send out an SOS/ It's getting serious/ Bulldoze your family home/ Now it's a condo", singt er über ein hin und her gehendes Riff. Trotz seiner Pop-Struktur ist es ein ziemlich brutaler Singalong: "Küss mich, ich bin innerlich tot", witzelt Armstrong. "Wer braucht schon Selbstmord?"

Release 23.2.2024

Nach dem düsteren "Image" (2018) und dem minimalistischen "Several Others" (2021) stellt das dritte Album eine Neuausrichtung und ein Umdenken dar. Aufgenommen in der Nähe von Eindhoven und an der Nordseeküste ist das neue der belgischen Band nicht nur ein Album, das einen Ozean von Emotionen, Stimmungen, Energie und Geschichten umspannt, sondern auch eine Folge der gezeitenähnlichen Veränderungen innerhalb der Gruppe aus Brüssel. Die sind nämlich wieder ein Fünfergespann. Der ursprüngliche Schlagzeuger Sander Pelsmaekers musste mit einer Nervenkrankheit zwischenzeitlich mit dem Musizieren aufhören, kann aber jetzt wieder an den Synthesizern mitwirken. Bassist Tuur Vandeborne ist auf den Drumhocker gewechselt, während der langjährige Tontechniker der Band Bert Vliegen am Bass dazugekommen ist. Die ausgearbeiteten Demos von Gitarrist Lijnens und Vliegens boten schon früh eine starke Vision für den Sound des Albums.
Das Innere eines durch ein Feuer zerstörten Autos, das das Cover des Albums ziert, steht dabei zeitgleich im Einklang mit dem Gefühl der Erneuerung, das "The Great Calm" ausstrahlt.

Release 9.2.2024

The Dead South werden mit jedem neuen Album abenteuerlustiger und selbstbewusster. Für ihr viertes Album brachten sie den Produzenten Jimmy Nutt nach Mexiko City, wo sie 13 Songs voller Handlungsstränge, Familienstammbäume, Groll, Versicherungsbetrug, Speck, Beerdigungen, Banjo-Riffs und mehr aufnahmen. The Dead South beherrschen Banjo-Rolls und blitzschnelle Mandolinen-Tremolos, dreistimmige Harmonien und Lieder mit klassischen Themen - Mordballaden, Untreue, Geister und dergleichen - mit einem Augenzwinkern und einem Lächeln. Wo Bluegrass auf Bach auf Billy Talent trifft, für Fans von Frank Sinatra und Tool gleichermaßen, findet man The Dead South "s "Chains & Stakes". "Chains & Stakes" ist wahrlich eine "Dead South"-Sammlung in der Balance von Dunkelheit und Leichtigkeit, die ihren unverwechselbaren Stil ausmacht.

Release 26.1.2024

Auch als Ltd.-Blue Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.90)

Zweites Album von Thom Yorke, Jonny Greenwood und Tom Skinner aka The Smile. Das neue Album, das zwischen Oxford und den Abbey Road Studios aufgenommen und von Sam Petts-Davies produziert sowie abgemischt wurde, enthält Streicherarrangements des London Contemporary Orchestra.

Release 9.2.2024

Auch als Ltd.-Green Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.90)

Wolfe's siebtes Studioalbum ist eine Wiedergeburt im Prozess. Es ist ein kraftvolles, kathartisches Statement über das Trennen von Bindungen und eine wichtige Erinnerung daran, dass Heilung ein zyklischer und kein linearer Prozess ist. Wolfe erklärt: "Es ist eine Platte über das vergangene Ich, das dem gegenwärtigen Ich die Hand reicht, das dem zukünftigen Ich die Hand reicht, um Veränderung, Wachstum und Führung herbeizurufen. Es ist eine Geschichte, in der es darum geht, sich von Situationen und Mustern zu befreien, die einen zurückhalten, um sich selbst zu ermächtigen. Es ist eine Einladung, in die eigene Authentizität zu gehen. Wolfe, die von Guitar World als "Königin der Gothic-Industrial-Gitarre" bezeichnet wurde, hat sich nie gescheut, Genres zu überschreiten oder ihre eigenen Mischformen zu erfinden. Sie schrieb und bearbeitete das neue Album mit ihren langjährigen Mitstreitern, dem Multiinstrumentalisten Ben Chisholm, dem Schlagzeuger Jess Gowrie und dem Gitarristen Bryan Tulao, bevor sie sie Anfang 2022 zu dem Produzenten Dave Andrew Sitek brachte. Gemeinsam dekonstruierten sie die Kompositionen und drängten die Songs in unbekannte Gewässer, wo sie dann transformiert und neu geboren wurden. Die Stücke fanden ihren endgültigen Fokus bei Shawn Everett (The War On Drugs, SZA, Yeah Yeah Yeahs), der das Album abmischte, die feinen Details aus den Vocals extrahierte und sie in die üppige Klangwelt der Produktion einfügte, in der sich schwere Gitarren in Trip-Hop-Breaks auflösen und gedämpfte Vocals aufsteigen, bevor sie von der renommierten Ingenieurin Heba Kadry gemastert wurden. Nach der Leadsingle "Dusk" verbindet "Whispers in the Echo Chamber" eine Reihe von Elementen, die Wolfe in der Vergangenheit erforscht hat, und wechselt in dynamischen Wellen zwischen minimalen Synthesizern und schweren, vollen Band-Momenten. Die wirbelnden Gesangstexturen des Songs - die durch Siteks modulare Wand laufen - sollen jene hartnäckigen intuitiven Stimmen widerspiegeln, die in einem aufsteigen, wenn es an der Zeit ist, das Alte zu verlassen und sich dem Neuen zuzuwenden. Wie Wolfe in dem rasanten Stück singt, "verdreht sie ihr altes Ich in Poesie" und "badet im Blut dessen, was sie einmal war".

Release 23.2.2024

Ein "MGMT-Album", das die Band als "eine Gruppe von Songs über Liebe und Veränderung, in erster Linie" beschreibt. Zu den Beschreibungen der Band gehören: mutig, geschmackvoll, verspielt, aufrichtig, optimistisch, einfühlsam. Loss Of Life wurde von MGMT und Patrick Wimberly (Solange, Lil Yachty, MGMT) produziert und von Dave Fridmann (Flaming Lips, Interpol, Spoon) abgemischt und zusätzlich produziert. Das Album enthält den ersten MGMT-Song mit einem Feature, das von Christine and the Queens beigesteuert wurde. Das Album-Artwork wurde von John Baldessaris Nachlass lizenziert und trägt den Titel Noses & Ears, Etc. (Part Two). MGMT wurden 2002 gegründet und veröffentlichten 2007 ihr epochales Debütalbum Oracular Spectacular. Eines der einflussreichsten Alben der 00er Jahre - es verkaufte sich weltweit über 2 Millionen Mal und wurde in über 10 Ländern mit Gold oder Platin ausgezeichnet, darunter Doppelplatin in Großbritannien, Platin in Australien, Gold in Frankreich und Platin in den USA. Es bescherte der Welt Evergreen-Hits wie "Kids", "Electric Feel" und "Time to Pretend", die bis heute neue Generationen von Künstlern und Musikfans gleichermaßen inspirieren - diese drei Songs wurden seit ihrer Veröffentlichung zusammen über 2 Milliarden Mal auf Audio-Streaming-Plattformen gestreamt. MGMT, die mit jeder neuen Platte eine unerwartete kreative Wendung nehmen, aber ihre kulturelle und kommerzielle Relevanz in den folgenden 15 Jahren stets beibehalten, veröffentlichten später drei weitere Studioalben: "Congratulations" (2010), "MGMT" (2013) und "Little Dark Age"

Release 22.3.2024

Neues, von Rick Rubin produziertes Album der aus Ausnahmesängerin Beth Dito, Nathan "Brace Paine" Howdeshell und Hannah Billie bestehenden Band, das erste seit 11 Jahren.

Release 12.1.2024

Die Fackelträger der britischen Gitarrenmusik sind zurück mit ihrem sechsten Studioalbum. Der Titel stammt von einem Text aus Don McCleans "American Pie", einem Song, der für Young den Tod der Unschuld und des amerikanischen Traums beschwört. Nachdem er nach Los Angeles gezogen war - eine Stadt, in der die Band aufgewachsen ist, war er gezwungen, sich mit der Desillusionierung auseinanderzusetzen, die auftritt, wenn Erwartungen, Träume und Realität nicht übereinstimmen. Doch obwohl "Pick-UpFull of Pink Carnations" ein Album über die Versöhnung mit dem Verlust ist, ist es auch voller Dankbarkeit für die Menschen und Orte, die wir einst geliebt haben.

Release 8.3.2024

Nach 8 Jahren endlich mittlerweile vierte Studioalbum, das 11 neue Songs der vierköpfigen Band enthält. Entstanden sind die Songs in Port Antonio, Jamaica und wurden später in "The Albion Rooms" in Margate zusammen mit dem Grammy nominierten Produzenten Dimitri Tikovoi (The Horrors/Charlie XCX/Becky Hill) aufgenommen. Abgemischt wurde das Album von dem legendären Dan Grech (Lana Del Rey/Liam Gallagher/Paul McCartney). Die erste Single "Run Run Run" dreht sich um das Streben nach Freiheit und gibt bereits einen Vorgeschmack auf die musikalische Reise, die Fans auf dem Album erwartet. "This one feels like we were all actually in the same place, at the same speed, and we really connected.", erklärt Carl die Zusammenarbeit zu der neuen Platte.

Release 24.2.2024

Auch als Ltd.-Translucent Orange (CHF 36.-) und Ltd.-Translucent Yellow Deluxe Vinyl-Editions erhältlich (CHF 39.50).

Ein Album voller Liebeslieder, Dankbarkeit und Kraft ist das fünfte Album der aus Bristol (UK) kommenden Band, von Nigel Godrich (Radiohead, The Smile, Beck), Mark Bowen und Kenny Beats (Denzel Curry, Vince Staples, Benee) und der Band selbst co-produziert. "Tangk" - ausgesprochen "Tank" mit einem Hauch von "g" und einer lautmalerischen Anspielung auf den peitschenden Gitarrensound, den sich die Band als eine Art Siegel für das Leben in der Liebe vorstellte - ist das bisher ehrgeizigste und eindrucksvollste Album der Band. Das neue Album ist gleichzeitig ausladend und konzentriert, einfallsreich und unmittelbar. Über das Album sagt Sänger Joe Talbot: "TANGK. Ich brauchte Liebe. Also habe ich es gemacht. Ich habe der Welt Liebe gegeben und es fühlt sich wie Magie an. Dies ist unser Album der Dankbarkeit und der Kraft. Alles Liebeslieder. Alles ist Liebe." Auf ihrer ersten Single treffen sich die Post-Punk-Lieblinge mit LCD Soundsystem auf dem Dancefloor.

Release 1.3.2024

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Die britische Band Yard Act mit ihrem 2ten Album. Darauf stellt James Smith sein Talent zum Geschichtenerzählen erneut unter Beweis und nimmt uns mit auf eine Reise in seine Gefühlswelt, die sich um Verantwortung und Ehrgeiz, Liebe und Schuld rankt. Seitdem das Quartett Yard Act aus Leeds im Jahr 2020 seinen goldenen Rover zum ersten Mal in die Öffentlichkeit lenkte, ist es zu einer der größten Indie-Erfolgsgeschichten des Jahrzehnts geworden. Auf dem Weg dorthin haben sie viele Meilensteine erreicht, von einer Nummer-zwei-Platzierung in den Charts und einer Nominierung für den Mercury Prize für ihr Debütalbum The Overload bis hin zu einem Gastauftritt von Elton John, der sich der Band anschloss, um bei der streicherreichenreichen Neubearbeitung des Albumabschlusses 100% Endurance" mitzuwirken. Doch während es mit der Band stetig bergauf ging, bekamen Sänger James Smith und seine Frau auch einen Sohn. Und es ist dieses Duell zwischen Verantwortung und Ehrgeiz, Schuldgefühlen, Liebe, Tatendrang und allem, was dazwischen liegt, das das erzählerische Rückgrat des brillant erforschenden zweiten Albums Where's My Utopia? bildet. Geschrieben in Momentaufnahmen zwischen einem unerbittlichen Tourplan und produziert von der Band und Remi Kabaka Jr. von den Gorillaz, ist der zweite Akt des Quartetts ein riesiger Sprung nach vorn in weite und verspielte neue Klanggewässer. "Der Hauptgrund dafür, dass 'Post-Punk' das Vehikel für Album eins war, war, dass es wirklich erschwinglich war, aber wir mochten schon immer so viel andere Musik, und dieses Mal hatten wir das Selbstvertrauen, sie zu umarmen", erklärt James. Auf dem Album sind Einflüsse von Fela Kuti bis Ennio Moricone und Spillers 00er-Jahre-Pop-Hit Groovejet" zu hören. Es ist eine feierliche Palette, auf der Smith sich erlaubt, lyrisch tiefer in sich zu gehen als je zuvor. Die nach außen gerichteten Charakterstudien von früher sind größtenteils verschwunden und wurden durch eine Reihe von Songs ersetzt, die voll und ganz in die Scheinwerfer des Lebens starren und mit den eigenen Ängsten und Schwächen des Frontmanns ringen, um eine Art prometheische Erzählung zu schaffen - allerdings mit Witzen. "Man kann sich auf die Idee einlassen, dass wir nur Tiere sind, die fressen und ficken und dann sterben, und das ist gut so", meint er. "Aber für mich scheint Kreativität immer der beste Weg zu sein, das absolute Minenfeld der menschlichen Existenz zu artikulieren

Release 19.1.2024

Auch als Ltd.-Clear Vinyl-Edition erhältlich (CHF 35.90)

Weniger als zwei Monate nach dem letzten Tourtermin ihrer "As Long As You Are"-Tour, geben die Synth-Pop-Götter von Future Islands heute die Details ihres neuen Albums "People Who Aren't There Anymore" bekannt, das am 26. Januar 2024 bei 4AD erscheinen wird. Das siebte Album der Band - Samuel T. Herring (Gesang, Lyrics), William Cashion (Bass, Gitarre), Gerrit Welmers (Keyboards, Programmierung) und Michael Lowry (Schlagzeug) - folgt auf das 2020 erschienene "As Long As You Are". "People Who Aren't There Anymore" läutet ein neues Kapitel der Band ein, die sich vor fast zwei Jahrzehnten gegründet hat. Mit dem neuen Album wollten sich Future Islands selbst aufs Neue herausfordern. Wo sie in der Vergangenheit nach immer energiegeladeneren Hymnen suchten, haben sie sich dieses Mal ein wenig nach Innen gekehrt und so ihre vielleicht herzzerreißendsten Tracks geschrieben. Sie lassen jeden Atemzug, jede Silbe, jeden Beckenschlag auf den Hörerwirken lassen. Das Ergebnis ist ein kraftvolles, prägendes Statement einer Band, die das beste Album ihrer Karriere geschaffen hat. Zusammen mit der Ankündigung veröffentlicht die Band eine neue Single aus dem Album: "The Tower", zusammen mit einem Video, bei dem Jonathan van Tulleken (Top Boy, Shogun) Regie führte. Das Video zum Song ist das zweite Projekt, an dem van Tulleken und Herring gemeinsam gearbeitet haben - die beiden arbeiteten zuvor an der Apple TV-Serie "The Changeling", deren erste Staffel im September ausgestrahlt wurde. Der Track folgt den bereits veröffentlichten Singles "Deep In The Night", "King of Sweden" und "Peach", die ebenfalls auf "People Who Aren't There Anymore" vertreten sind

Release 26.1.2024

Blue Raspberry ist der Nachfolger von Katy Kirbys berühmtem Debütalbum Cool Dry Place, das im Februar 2021 erschienen ist. Die Singer/Songwriterin Katy Kirby stellte ihre warme, artikulierte Stimme, ihre einfühlsamen Texte und ihren verspielten Adult-Alternative-Stil auf ihrem Debütalbum vor, als sie unermüdlich als Support für Bands wie Waxahatchee, Andy Shauf, Julia Jacklin und Alex G tourte. Blue Raspberry, das mit derselben Band und denselben Produzenten (Logan Chung und Alberto Sewald) aufgenommen wurde, gibt Gas und betritt ein völlig neues Terrain, auf dem sich Katy als Songwriterin voll entfalten kann. In Tracks wie "Redemption Arc" und dem Titeltrack "Blue Raspberry" lehnt sie sich furchtlos weit in den barocken Piano-Pop hinein, und lyrisch erkundet sie Themen wie Verlust und queere Liebe. Nur wenige sind in der Lage, die gleiche emotionale, theatralische Magie von Künstlern wie Fiona Apple, Tom Waits und Joanna Newsom einzufangen, aber Katy schafft es auf diesem Album; das herausragende "Drop Dead".

Release 19.1.2024

"Little Rope" ist eines der feinsten und vielschichtigsten Alben in der fast 30-jährigen Karriere von Sleater-Kinney. Das 11te Album als makellos zu bezeichnen, wäre eine Beleidigung seiner Intention - es stürzt sich kopfüber in Fehler und Gebrochenheit - eine Meditation darüber, was das Leben in einer Welt der ständigen Krise aus uns gemacht hat, und was wir im Gegenzug der Welt antun. Oberflächlich betrachtet, reichen die 10 Songs des Albums von sparsam bis hymnisch, von eingängig bis absichtlich hart. Dahinter verbergen sich jedoch die vielleicht komplexesten und subtilsten Arrangements aller Sleater-Kinney-Alben und ein lyrischer und emotionaler Kompass, der fest auf etwas Befreiendes und zugleich Erschreckendes ausgerichtet ist: das Gefühl, dass der einzige Weg, die Kontrolle zu gewinnen, darin besteht, sie loszulassen. Im Herbst 2022 erhielt Carrie Brownstein einen Anruf von Corin Tucker, die selbst gerade einen Anruf von der amerikanischen Botschaft in Italien erhalten hatte. Jahre zuvor hatte Brownstein auf einem Passformular Tucker als Notfallkontakt angegeben, und während sie inzwischen ihre Telefonnummer geändert hatte, hatte Tucker dies nicht getan. Die Botschaftsmitarbeiter versuchten verzweifelt, Brownstein zu erreichen. Als sie sie schließlich erreichten, erzählten sie ihr, was passiert war: Während eines Urlaubs in Italien waren Brownsteins Mutter und Stiefvater in einen Autounfall verwickelt worden. Beide kamen dabei ums Leben. Obwohl ein Teil des Albums bereits geschrieben war, wurden Aspekte der einzelnen Songs - ein Gitarrensolo, der Gesangsstil, der klangliche Ansatz - in eine veränderte emotionale Landschaft gezogen. Während Brownstein und Tucker sich durch die frühen Nachwirkungen der Tragödie bewegten, begannen sich Elemente dessen herauszubilden, was das emotionale Rückgrat von Little Rope werden sollte - wie wir mit der Trauer umgehen, mit wem wir sie durchleben und wie sie uns verwandelt. Das Ergebnis ist eine Kollision von Gewissheit und Ungewissheit, die schon in den ersten paar Sekunden des Eröffnungsstücks und der ersten Single "Hell" deutlich wird.

Release 26.1.2023

Auch als Ltd.-Colore Vinyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Neues, sechstes Studioalbum von Mackenzie Scott. Sie wurde am 23. Januar 1991 geboren und lebt mit ihrer Frau Jenna, ihrem Stiefsohn Silas und ihrem Hündchen Sylvia in Brooklyn, New York. Seit 2013 veröffentlicht sie Alben und tritt als Torres auf. Das Album wurde im September und Oktober 2022 im Stadium Heights Sound in Durham, North Carolina, aufgenommen. Es wurde von Ryan Pickett aufgenommen, von Mackenzie Scott und Sarah Jaffe produziert, von TJ Allen in Bristol, UK, gemischt und von Heba Kadry in NYC gemastert. Das Album enthält 10 Songs. Mackenzie hat sie alle geschrieben. Sarah spielte Bassgitarre, Synthesizer, Schlagzeug, Orgel und Klavier. Mackenzie sang Gesang, spielte Gitarre, Bass, Synthesizer, Orgel, Klavier und programmierte Schlagzeug. Zusätzlicher Synth-Bass, Tamburin und Shaker wurden von TJ Allen gespielt.

Release 8.12.2023

„Boom Boom“ ist der Nachfolger des 2015 erschienenen „Traité de guitarres triolectiques à l’usage des portugaises ensablées“. Pascal Comelade und Lionel & Marie Liminana alias The Liminanas haben gemeinsam ein weiteres Album aufgenommen. 12 neue Songs, geschrieben von Pascal Comelade & Lionel Liminana. Mit Gitarristen, die seit langem mit Pascal Comelade befreundet sind: Ivan Telefunken (vom Bel Canto Orquestra, der auch live mit The Liminanas spielt), Xarim Aresté und Lalo Lopez.

Release 1.12.2023

Auch als Deluxe 2LP Dark-Side MIx erhältlich (49.90)

Erstes Album mit neuem Songmaterial seit dem 2002 erschienenen "Up". Im Laufe des Jahres 2023 veröffentlichte Peter zu jedem Vollmond einen neuen Song aus dem Album. Erstes Album mit neuem Songmaterial seit dem 2002 erschienenen "Up". Im Laufe des Jahres 2023 veröffentlichte Peter zu jedem Vollmond einen neuen Song aus dem Album. i/o besteht aus zwölf Tracks von Anmut, Schwere und Schönheit die nicht nur Gabriels Fähigkeit, packende Songs zu schreiben, ungebrochen zeigen, sondern auch seine aufregende Stimme. Im Verlauf des Albums berühren die klugen, nachdenklichen - oft auch zum Nachdenken anregenden - Songs thematisch das Leben und das Universum. Die Verbindung mit der Welt um uns herum ist ein wiederkehrendes Motiv auf i/o ("I'm just a part of everything", heißt es im Titeltrack). Aber auch das Vergehen der Zeit, Sterblichkeit und Trauer tauchen immer wieder auf und berühren dabei Themen, die von Ungerechtigkeit und Überwachung bis zu den Wurzeln des Terrorismus reichen. Aber i/o ist keine pathetische Platte. Trotz aller Reflexion ist die Stimmung nie bedrückt. Das Album ist musikalisch ausschweifend, oft durchsetzt von Momenten der Freude und letztlich voller Hoffnung, abgerundet durch den furios-optimistischen Schlusssong Live And Let Live. Alle 12 Tracks sind in zwei Stereomixen zu hören: dem Bright-Side Mix, der von Mark 'Spike' Stent bearbeitet wurde, und dem Dark-Side Mix, der von Tchad Blake umgestaltet wurde. Beide Versionen sind auf der Doppel-CD enthalten und auch separat als Doppel-Vinyl-Alben erhältlich. Eine dritte Version - der In-Side Mix in Dolby Atmos - wurde von Hans-Martin Buff erstellt und ist im Drei-Disc-Set inklusive Blu-ray enthalten.

Release 1.12.2023 - Vinyl am 8.12.2023

Auch als Dolphin Spashdown Vinyl erhältlich (CHF 41.90)

Die Crumpets überraschen auch auf der 6ten Albumrunde mit einem spritzigen Rundumschlag, der Elemente aus Psychedelic-Rock, Alternative-Rock und hyperschnell gespieltem Bluesrock sowie eingestreuten 60s-Pop und 70s-Pop-Ideen zu einem innovativen Gemisch gebraut hat. Songs wie das unglaubliche"Nootmare (K.i.l.l.i.n.g.) Meow! zeigen die Energie und visionäre Kraft der Band, die mittels ungewöhnlicher Song-Arrangements, Knaller-Breaks und wechselnden Gesangsintensitäten eine unglaubiche Zackigkeit erzeugen.

Release 1.12.2023

Das Electro Wave / Indie-Pop Projekt der Schweizer Musikerin Daniela Weinmann mit dem dritten und persönlichsten Album bislang. Mit "Feel Better" reist Weinmann in der Zeit zurück. Zurück in diese Kleinstadt, um sich den Umständen zu stellen, die sie zu der gemacht haben, die sie heute ist. "Feel Better" ist ein Album über den Mut, die eigenen dunklen Räume zu erforschen, um endlich weitermachen und ein Leben nach den eigenen Vorstellungen führen zu können.

Release 24.11.2023

Obwohl es das dritte Album von Ghost Woman innerhalb von 18 Monaten ist, glaubt Songwriter und Multiinstrumentalist Evan Uschenko, dass dies das erste Album ist, das "endlich die wahre Natur der Band einfängt". Das Album wurde größtenteils live in drei Tagen in den analogen Kerwax-Studios in der Bretagne, Frankreich, von Christophe Chavanon (The Good Damn) aufgenommen. Uschenko erklärt, dass "die ersten beiden Alben nie als Alben gedacht waren: Sie sind wie Seiten aus Tagebüchern, die längst verbrannt sind. Mit der Einführung von Ille van Dessel als Co-Autorin/Drummerin fühlt sich das Projekt an, als ob es eine Richtung hätte". Es gibt eine Zuversicht und Sicherheit, die auf dem gleichnamigen Debüt von 2022 und dem Nachfolger "Anne, If", der erst im Januar 2023 veröffentlicht wurde, aufbaut. Diese Dringlichkeit, voranzukommen und sich weiterzuentwickeln, spiegelt sich in der Band wider: "Wir ziehen es vor, beschäftigt zu sein. Aber wir sind auch faul. Wir haben immer noch das Gefühl, dass wir viel mehr machen könnten." Insgesamt wirkt das Album im Vergleich zu früheren Veröffentlichungen düsterer und dichter, aber der Sound und die Stimmung dieses Albums entsprechen eher dem, was das Projekt sein sollte, als es 2016 begann, und verwirklicht endlich die kreative Vision von Ghost Woman. Man taucht sofort in das Album ein und wird von den unaufhörlichen Riffs von "Bonehead" in den Bann gezogen, die den Rahmen für das Folgende bilden. Als Nächstes folgt der echolastige Garagen-Surf-Twang von "Alright Alright". Die Eröffnungszeile "take a little walk with me..." hat eine düstere, gotische Färbung, die auch bei Murder Ballads oder Peaky Blinders nicht fehl am Platz wäre. Klanglich hält sich das Album in einer warmen, analogen Klangwelt zusammen, aber mit wenigen verdaulichen Gesangsmelodien, die die Tracks lenken oder ihre Bedeutung leicht aufgeben. Das ist eine bewusste Entscheidung, denn, so Uschenko, "es gibt nie ein Konzept, wenn es darum geht, etwas zu erschaffen, und keine Absicht hinter allem, was wir erschaffen, außer Krach zu machen und ein Album fertigzustellen". "Yoko" kehrt zu einem tuckernden Boogie zurück, der durch schrille Gitarren und einen Breakdown in der Mitte des Songs zum Leben erweckt wird, der vermuten lässt, dass die Live-Version die dreieinhalb aufgenommenen Minuten bei weitem überdauern wird. Die meisten Songs sind in ihrer Spielzeit ähnlich zurückhaltend, was auf einen starken Sinn für Fokus und Schnitt hindeutet, anstatt die Songs mit sich selbst davonlaufen zu lassen. Nur Juan" überschreitet wirklich die Fünf-Minuten-Marke und fühlt sich wie das Herzstück des Albums an; eine überschwängliche Verschmelzung der Themen und Töne, die ihn umgeben. Die Band sagt, dass "diese Songs gemacht wurden, um live gespielt zu werden", und der abschließende Build wird perfekt im dunkelsten, lautesten Club funktionieren, den man finden kann. Der Titeltrack setzt diese positive Entwicklung fort. Der Titel ist eine Anspielung auf das Sprichwort "Hindsight is 20/20", das auf dem schiefgegangenen Tattoo eines Freundes basiert. "Vielleicht bedeutet es, dass das Leben nur aus Zufall besteht. Vielleicht bedeutet es, dass gesunder Menschenverstand nicht so verbreitet ist", sagt die Band. Der Gesang ist in Hall getaucht und die Bedeutung wird oft eher angedeutet als explizit. Die Gitarren sind härter und der Gesang ist weniger leicht zu erkennen, aber Uschenko glaubt, dass "Gesang nicht wichtig ist. Wir ziehen es vor, nicht verstanden zu werden. Wenn Sie in den Texten eine Bedeutung suchen, empfehle ich Ihnen, eine Lenny Bruce-Platte zu kaufen". In der Tat ein guter Rat, also tauchen Sie in dieses Album ein und erzählen Sie Ihren Freunden davon, ohne den Vorteil der Rückschau, ob 20/20 oder anders. Insgesamt schätzen Ghost Woman, dass sie dort angekommen sind, wo sie immer hinwollten: "Es ist der Sound, der es sein sollte. Es ist die Band als Ganzes".

Release 24.11.2023

Löwenzahnhonig! Ein Bandname, der so was von auf der Zunge zergeht. Ebenso sind die Musiker, die sich dahinter verbergen, so was von stadtbekannt. Einmal Fai Baba, der Zürcher Künstler, der mit Disco Doom und Velvet Two Stripes den Bogen F am häufigsten beschallt hat. Dann Long Tall Jefferson, den wir ebenfalls schon auf der Bogen-Bühne begrüssen durften und der im Cloud Folk zu Hause ist. Ebenso Paul Märki, der Ex-Bassist der Schweizer Entdeckung Black Sea Dahu. Gemeinsam taucht das Trio ein in die unendlichen Weiten des instrumentalen Dream-Folk-Pop: geheimnisvoll, harmonischmelodisch, atmosphärisch, cineastisch, funkelnd, bewusstseinserweiternd.

Release 24.11.2023

Neues Studioalbum und 10-jähriges Jubiläum der norwegischen Hardrock-Helden! Auch wenn die neuen Songs vielleicht eingängiger/poppiger sind als je zuvor, orientiert sich der Sound des neuen Albums wieder mehr an "IV" und "V". Album Nr. "VI" hingegen war eine inspirierende und interessante Reise darüber, wie direkt und aufgeräumt ihr Sound sein kann. Musikalisch zuletzt von Bands wie Thin Lizzy und 80er-Jahre-Hardrock geprägt, klingt das neue Album deutlich sumpfiger, chaotischer und "größer". Alles, was den Zuhörer näher an das heranführt, was bei einem Live-Auftritt von Spidergawd auf der Bühne passiert. Tracks wie "Sands Of Time", "The Tower", "Your Heritage" oder "Dinosaurier" beweisen, dass die Band on fire ist wie nie zuvor - und vielen Pseudo-Rockern mal wieder zeigt, wo der Barthel den Most holt!

24.11.2023

Nach diversen EPs und einer Split mit Thou unterschrieb die Band Ende 2022 bei Flenser und präsentiert nun ihr Debütalbum. Auf "Desolation´s" Flower greifen Ragana auf eine Reihe von Einflüssen zurück, von der Flora und Fauna ihrer Herkunft aus dem pazifischen Nordwesten bis hin zum düster-nostalgischen Folk von Mt. Eerie und, ja, ihren olympischen Vorfahren Wolves In The Throne Room, und vermischen es zu einer experimentellen, höchst eigenwilligen Interpretation von Black Metal. Zusammengehalten durch einen intensiven Fokus auf rohe Emotionen und eindringliche Atmosphären, wechseln sie nahtlos von zarten, hypnotisierenden Gesangsharmonien zu durchdringenden, herzzerreißenden Schreien und wieder zurück, was zu einer Musik führt, die schwer, schön und strafend zugleich ist.

Release 24.11.2023

Taranja Wu aus Basel präsentiert ihr erstes Soloalbum "dance with taranja wu" auf Ikarus Records.

In 13 Songs klatscht uns Taranja Wu ihren wilden Ritt durch die Abgründe der menschlichen Existenz um die
Ohren, der gleichzeitig zum Tanzen und zum Nachdenken einlädt.

Dieses Album ist nicht für diejenigen, die sich in der Komfortzone des Mainstreams verstecken. Taranja Wu ist hier, um eure musikalischen Erwartungen zu zerstören und euch in eine Welt voller frecher, witziger und verdrehter Geschichten zu entführen. DANCE WITH TARANJA WUistein Tanz in surrealen Bildern und ein Cocktail aus musikalischem Wahnsinn, derebenso süchtig macht wie beunruhigend ist. Klingt ungemütlich? Ist es auch, aber höllisch tanzbar."
Taranja Wu hat alle 13 Songs des Albums alleine im Startrack Studio/Schaffhausen und in den Ruby Amp Studios/Basel geschrieben, aufgenommen und produziert.

Release 17.11.2023

Auch als Ltd.-Pink Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 42.90)

Nachdem The National den Soundcheck für ihren Auftritt in Vancouver am 5. Juni 2023 beendet hatten, spielte die Band einfach weiter. Etwas braute sich zusammen: Die prägnanten Gitarrenparts von Aaron und Bryce Dessner trafen auf den Signature-Drumbeat von Bryan Devendorf. Als der Bassist Scott Devendorf loslegte, fing Matt Berninger an, einige Zeilen zu singen, die schon seit ein paar Jahren in ihm reiften. " Smoke detector, smoke detector / All you need to do is protect her", intonierte er. Ihr Tontechniker ließ die Aufnahme laufen und plötzlich war es ein 12 Minuten-Jam. Sie wussten, dass sie etwas Besonderes hatten, und nahmen die Live-Aufnahme bald darauf in Aarons Studio mit. Sie haben ein paar Minuten gekürzt, aber ansonsten das beibehalten, was auf der Bühne in Vancouver passiert ist. Dieser Song, "Smoke Detector", ist der krönende Abschluss von "Laugh Track", die überraschende zweite Hälfte eines Doppelalbums, das im April mit "First Two Pages of Frankenstein" begann. Es erwies sich als das letzte Kapitel eines Werks, das ansonsten neben dem Schwesteralbum geschrieben wurde - der Schlussakt einer Katharsis, die zeigt, was The National in den letzten drei Jahren durchgemacht haben. Vor zwei Jahren war die "Smoke Detector"-Zeile einer der wenigen Fetzen, die Matt während einer lähmenden Depression schreiben konnte und das zu einer Zeit, in der sich die Band fragte, ob sie jemals wieder ein Album machen würde. Nach der Pandemie belebte ihr neuer Glaube aneinander die kreativen Fähigkeiten wieder. "Weird Goodbyes", das bereits im August 2022 erschien, war ihr erster Durchbruch und der erste Vorgeschmack auf diese neue Ära. "Wir haben es wirklich schnell veröffentlicht, weil es wie ein Baby war, das in der Dunkelheit geboren wurde, oder so", lacht Matt. "Wir mussten es den Menschen zeigen". Aber als sie schließlich mit diesem umfangreichen Werk vorankamen, entschieden sie sich, "Weird Goodbyes" nicht auf das Frankenstein-Album zu nehmen. "Es fühlte sich an, als ob die Geschichte bereits erzählt worden wäre. Es war eine eigene Sache", sagt Aaron. "Aber es fühlte sich auch so an, als hätte es einen Bezug zu dem, was wir taten. Das war ein Teil der Logik für die Aufnahme einer weiteren Platte - wir wollten "Weird Goodbyes" ein eigenes Zuhause geben." "Laugh Track" ist das vielleicht musikalisch bedingungsloseste Album, welches die Band seit Jahren gemacht hat. Es ist aufmüpfig und dennoch leichtfüßig, doch es enthält ebenso viel seltene, ungebremste Schönheit wie Trostlosigkeit. Thematisch gibt es keine absichtliche Trennung zwischen "Frankenstein" und "Laugh Track". Während Matt auf "Frankenstein" eher auf der Suche nach einem Zufluchtsort war, hat er hier eine neue, klare Sicht auf das, was zählt. Sein dringendes Bedürfnis nach Intimität wird durch eine immer größere Angst vor der Unwirklichkeit des modernen Lebens noch verstärkt. Die Charaktere auf diesem Album (keine Vornamen, abgesehen von einer Tourmanagerin namens Alice - nur "ich" und "du") decken einander, träumen füreinander und helfen, den Schein zu wahren - und lösen damit das Versprechen von der gegenseitigen Fürsorge ein, das Matt auf dem Frankenstein-Schlusslied "Send for Me" gegeben hat. Wenn "Frankenstein" ein Zeichen für die Wiederherstellung des Vertrauens zwischen den einzelnen Bandelementen war, so ist das lebendige und neugierige "Laugh Track" das selbstbewusste Produkt dieses Prozesses und eine Absichtserklärung für jetzt und die Zukunft.

17.11.2023

Begleitende Live-Aufnahme zum gleichnamigen Film von Regisseur Josh Sliffe. Aufgenommen im Haw River Ballroom in Saxapahaw, North Carolina, enthält der Soundtrack neunzehn Songs aus der über zwanzigjährigen Karriere des Singer-Songwriters Sam Beam. "Who Can See Forever" bietet neue und frische Versionen von Iron And Wine-Songs, darunter "The Trapeze Swinger", "Boy With a Coin" und "Naked As We Came", die er im Laufe der Jahre auf originelle Weise live neu erfunden hat. "Who Can See Forever" wurde von Sam Beam produziert und von seinem langjährigen Live-Toningenieur Jelle Kuiper aufgenommen, von Matt Ross-Spang bei Southern Grooves in Memphis, TN, gemischt und von Richard Dodd in Nashville, TN, gemastert. Ursprünglich als Live-Konzertfilm gedacht, entwickelte sich der Film zu einem visuellen Porträt, das Beam während eines kreativen Ausbruchs einfängt, der ihm vier Grammy-Nominierungen in vier Jahren einbrachte. Wie seine Musik berührt auch der Film universell persönliche Themen, da Beam sich mit der Bewältigung seines privaten und beruflichen Lebens als Künstler auseinandersetzt. Zusammengenommen sind Soundtrack und Film ein faszinierender erster Blick hinter die Kulissen von Iron And Wine. Der Dokumentar-Konzertfilm wird in diesem Herbst/Winter in ausgewählten US-amerikanischen Städten in die Kinos kommen, bevor er 2024 auf Streaming-Diensten abrufbar wird.

Release 17.11.2023

Ein Jahr nach der Veröffentlichung seines hochgelobten "Inside Problems"-Albums folgt Outside Problems". Eine Sammlung von neun flüchtigen, ausgedehnten Momenten instrumentaler Improvisation und melodischer Erkundung auf einem Album, das den Klang von Musik im Alltag einfängt. Ähnlich wie beim Entstehungsprozess seiner Echolocations-Serie hat Bird hauptsächlich im Freien aufgenommen, inmitten der Berge und Orangenhaine von Ojai, Kalifornien. "Outside Problems" legte den Grundstein für viele der Songs, Gedanken und komplexen Fragen, die "Inside Problems" von 2022 füllen. Die Arrangements und Motive von "Outside Problems" in Tracks wie "Epilogue", "Mormon House Party", "Tik Tok" und anderen entwickelten sich zu Themen, die Bird in "Inside Problems" weiter verfeinerte.

Release 17.11.2023

Auch als Ltd.-Vinyl-Edition erhältlich (CHF 33.90)

In ihrem eigenen musikalischen Universum unterwegs ist wiederum Tirzah, deren 3tes Album von ihrer langjährigen Kollaborateurin Mica Levi produziert wurde und durch das der Geist des DIY weht. Die Tracks bauen auf dem sich auf dem Album wiederholdenen Prinzip sich auf einem Beat aufbauender Piano-Loops auf, die mit kleinen Verzerrungssounds versehen und mit dem seelenvollen, befreit klingenden Gesang von Tirzah versehen wurden. Ihre Gedichte drehen sich um Lovestories, sowohl der realen als auch der imaginären Welt. Das Album klingt wegen des klar konturierten Sound-Setup wie aus einem Guß, besitzt klasse Flow und fühlt sich an wie ist eine entspannte Club-Fantasie, der Tagebucheintrag eines Moments.

Release 10.11.2023

Auch als Ltd.-Ice Breaker Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Hadsel ist das erste neue Album seit Beiruts 2019 veröffentlichtem Album "Gallipoli". Aufgenommen auf der norwegischen Insel Hadsel, kurz nachdem ein körperlicher und mentaler Zusammenbruch Condon dazu zwang, seine Tournee für 2019 abzusagen, suchte er nach einem Ort, an dem er sich erholen konnte, nachdem er sich in einem Zustand des Schocks und der Selbstzweifel befand. In der Isolation arbeitend, erklärt Condon: "Ich war in einer Trance verloren. Ich stolperte blindlings durch meinen eigenen mentalen Zusammenbruch, den ich seit meiner Teenagerzeit verdrängt hatte. Er kam und läutete mich wie eine Glocke. Ich quälte mich mit vielen Dingen der Vergangenheit und der Gegenwart, während die Schönheit der Natur, die Nordlichter und die furchterregenden Stürme um mich herum ein beeindruckendes Schauspiel boten. Die wenigen Stunden Licht brachten die unergründliche Schönheit der Berge und Fjorde zum Vorschein, und die stundenlange Dämmerung erfüllte mich mit gedämpfter Erregung. Ich würde gerne glauben, dass die Landschaft irgendwie in der Musik präsent ist. Das Ergebnis ist eine Sammlung von Liedern, die diese Verletzlichkeit, den Sinn für Selbstbestimmung und den Glauben daran, dass man nach einem Zusammenbruch wieder lernen kann, allein zurechtzukommen, auf wunderbare Weise widerspiegeln.

Release 10.11.2023

Rock'n'Roll, ehr Wichser (haben wir Jazz gesagt?)! Knöppel haben sich endlich mal wieder aufgerafft, die müden Knochen ins Studio geschleppt und ein Drittwerk eingeprügelt. Es trägt den wohl vielsagendsten und schönklingendsten Namen: «Sex Jazz Scheisse» und erscheint im November –und ab dann stehen Knöppel wieder auf den Bühnen und zelebrieren ihre einmalige Mischung aus Tief- und Abgründigkeit, verpackt in dreckigen Punkrock.

Release 10.11.2023

Nur knapp anderthalb Jahre nachdem die Lausanner Musikerin ihr Debütalbum im Rahmen einer «Sounds! Session» vorstellte, gibt's bereits ihren nächsten Langspieler. So viel vorweg: die PJ Harvey-Vergleiche gehören ab sofort der Vergangenheit an – auch dank den wilden Saxophon-Ausflügen von Stefan «Sha» Haslebacher (u. a. Nik Bärtsch's Ronin).

«Bring Back the Light» ist Songwriting-technisch ein guter «Gump» nach vorne für Delia Meshlir. Und das, obwohl sie auf ihrem zweiten Album mindestens ein Mal auch zurückschaut, wie sie uns im Interview erzählt.

So entstand «Goodbye California», eines der Highlights des Albums, aus einem Text, der über fünf Jahre alt ist. Die Gefühlswelt von damals scheint also auch heute noch zu passen.

Trauer erinnert uns an die Vergangenheit, an Kindheitserinnerungen. Es kann uns aber auch eine Vision geben, wie wir mit der Zeit in unserem Leben umgehen und sie spüren können. Die Jahre vergehen so schnell, und doch ändert sich nichts wirklich. Es gibt Momente, in denen ein Mantra nötig ist, um sich geerdet und lebendig zu fühlen, um zu spüren, dass wir etwas in der Weite des Universums sind. „Bring Back the Light“ ist das Mantra, das Delia Meshlir geschaffen hat, um ihrem Leben Helligkeit und Stabilität zu verleihen.

Am Samstag, 16.12. live@Serge and Peppers Records

Release 10.11.2023

Auch als Ltd.-White Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Cat Power Sings Dylan: The 1966 Royal Albert Hall Concert" wurde am 5. November 2022 in der berühmten Londoner Royal Albert Hall aufgenommen und zeigt Chan Marshall wie sie Song für Song eines der legendärsten und transformativsten Live-Sets aller Zeiten nachspielt. Im Mai 1966 fand das Konzert in der Manchester Free Trade Hall statt, das aufgrund eines falsch beschrifteten Bootlegs lange Zeit als "Royal Albert Hall Concert" bekannt war. Bei dem Originalauftritt wechselte Bob Dylan in der Mitte des Konzerts von der akustischen auf die elektrische Gitarre, was den Zorn der Folk-Puristen auf sich zog und den Verlauf des Rock 'n' Roll für immer veränderte. "Cat Power Sings Dylan: The 1966 Royal Albert Hall Concert" würdigt liebevoll Dylans Spuren in der Geschichte und bringt eine bezaubernde Vitalität in viele seiner am meisten verehrten Songs, einschließlich "She Belongs to Me" und "Ballad of a Thin Man"

Release 10.11.2023

Auch als Ltd.-Red Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Alles ist nur Übergang": So heißt das neue Album Max Riegers. Man kann dies als künstlerisches Credo betrachten, als Selbstbeschreibung, als ästhetisches Programm. Bei Max Rieger war es schon immer so; es ist immer schon alles im Übergang gewesen: im Werden, im Fluss. Seit über einem Jahrzehnt gehört er zu den prägendsten Künstlern im deutschen Pop, wandlungs- und erfindungsreich wie kaum einer sonst. Mit seiner Gruppe Die Nerven hat er dem elektrisch verstärkten Gitarrenrock hierzulande eine neue Gestalt und neue Schärfe geschenkt. Fünf Alben haben Die Nerven seit 2012 herausgebracht, zuletzt 2022 ihr schwarzes Album, finstere, harte, zugleich nihilistische und ironische Musik, getragen von großer Weisheit und dem Wissen um die Weisheit des Primitiven. Max Rieger ist auch ein großer Klangschöpfer, er ist jemand, der Musik und Ideen zu veredeln versteht, der sich ebenso inspirieren lässt wie er inspiriert. Für eine ganze Generation junger Künstlerinnen und Künstler ist er zu einem wichtigen, prägenden Partner und Mentor geworden, als Produzent und als unterstützender Songwriter. Er hat für Casper 2022 das Album "Alles war schön und nichts tat weh" produziert, Mia Morgan, Stella Sommer, Ilgen-Nur, Jungstötter und Drangsal gearbeitet und zuletzt mit den legendären Noise-Pionieren Swans. Wer die wahre Größe Max Riegers ermessen will, der - freilich - muss seine Soloalben anhören, die er unter dem Namen All diese Gewalt veröffentlicht. "Kein Punkt wird mehr fixiert" hieß das Solo-Debüt 2014, seither sind zwei weitere Alben erschienen, das majestätisch-weiche "Welt in Klammern" 2016 und das kühle "Andere" von 2020. "Alles ist nur Übergang" ist nun sein viertes Werk als All diese Gewalt, es führt die großen Linien des Rieger"schen Schaffens fort und hebt seine Kunst doch auf eine neue Ebene: So organisch, so schwebend hat seine Musik noch nie geklungen, so scheinbar anstrengungslos dahingespielt und zugleich intensiv, mit einem unwahrscheinlichen Gespür für Dramaturgien, für das rechte Maß zwischen dem Treibenlassen der Klänge und dem plötzlich alles ändernden Break.

Release am 3.11.2023

Auch als Ltd.-Silver Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 35.90)

"The Twits" wurde von der Band im Februar 2023 innerhalb von nur acht Wochen in einem provisorischen Heimstudio auf Mallorca aufgenommen und von Marta Salogni abgemischt. Nach einem Kinderbuch von Roald Dahl benannt, zeigt sich das Songwriting von bar italia in rauen, mystischen, ungebürsteten und gelegentlich düsteren Arrangements. Songs wie "my little tony" mit seinen harten Riffs und dem kathartischen Sound ist ein klassischer Indie-Banger für die große Bühne. In anderen Momenten wagt sich die Band auf bisher unbekanntes Terrain, auf dem sie eine hypnotische Dissonanz ihrer Stimmen schaffen. "Jelsy" zum Beispiel spielt sich wie ein Gespräch zwischen Freunden über wehmütigen, summenden Country-Blues ab, wobei die Stimmen abwechselnd tröstlich, ironisch und hoffnungslos sehnsüchtig sind. Der geschmeidige, langsam brennende Walzer "Twist" besticht durch seine nackte Lyrik und scheint jedes Bandmitglied zu einem individuellen Bekenntnis einzuladen. Während "Tracey Denim" von seinen kompakten 2-3-minütigen Songs lebte, besticht "The Twits" durch seine eher offenen und mitunter uferlosen Kompositionen. "glory-hunter" nimmt z.b. spielerische Wendungen, bevor es an einem völlig anderen Ort endet, als es begonnen hat. Das abschließende "bibs" ist ein seltener Fall, in dem alle drei im Einklang zu hören sind. Eine Prozession geradezu geisterhafter Akkorde mit einer zerreißenden Rückkopplung bildet den Abschluss des Albums. Das im Mai veröffentlichte Matador-Debüt "Tracey Denim" von bar italia wurde schnell zum Gesprächsthema der weltweiten Indieszene. Publikationen wie The Guardian ("eines der Alben des Jahres 2023 bisher"), The Times ("excellent debut album"), The Observer ("Artist To Watch"), NME ("a lasting impression that"s all of their own making"), The Quietus ("endlessly evocative") und Pigeons And Planes ("quickly establishing themselves as one of the most enticing upcoming bands") feierten das Album. Im Juni gaben bar italia ihr Live-Debüt in den USA mit fünf ausverkauften Konzerten in New York sowie vier in Los Angeles und auch ihre Debüt-Show in Berlin war binnen kürzester Zeit ausverkauft. Über einen der New Yorker Auftritte schrieb Brooklyn Vegan: "Live spielt die Band ganz natürlich und großartig auf, mit Songs wie "Punkt", "Changer" und "Nurse!" (...), die Post-Punk der frühen 80er mit Indie-Rock der 90er und einem Hauch Trip-Hop mischen".

Release am 3.11.2023 - Vinyl im Februar 2024

Eine Schublade voller Fragmente, Demoaufnahmen, Ideen, Schnipsel und Fötzel...
Über Jahre sammelte sich im alten Vidmar-Möbel von Stuwi Aebersold Mundart-Material an, bis er vor der Frage stand: Soll ich oder soll ich nicht? Machen oder verbrennen? Er entschied sich schlussendlich dann doch für Ersteres.
Einige Telefonate, Treffen, Demo-Anhörungen und Biere später befand man sich im Probelokal im Progr zu Bern und übte Songs ein, diskutierte Beats und Akkorde und ob man Ossobucco besser bei 80 oder 90 Grad köcheln lässt.
Wer ist «man»?: Gross in Japan sind Stuwi Aebersold (voc/git), Didi Meier (git/voc), Stöffu Jaussi (Drums/voc) und Tevfik Kuyas (bs). Vorzustellen braucht man die vier nicht mehr gross – Phon Roll, Ray Wilko, Züri West, Slam & Howie, MGM, Justina Lee Brown, Wurzel 5, Menic und Tequila Boys sind nur einige der Formationen, in denen die vier gespielt haben bzw. spielen.
Nachdem der eine und andere Stolperstein überwunden war, nahm Wolfi Zwiauer im April 2023 das Erstlings-Album von Gross in Japan im Studio Zoo auf. Danach wurden die 12 Songs von Tom Etter gemischt und von Oli Bösch gemastert.
Mit dem Artwork von Pedä Siegrist und den Bildern von Nik Egger ist ein facettenreiches und unterhaltsames Album entstanden. Die Stücke transportieren Geschichten über den alltäglichen Irrsinn, Missverständnisse, schrumpfende Gläser, Schlaflosigkeit und (natürlich...) Liebe. Die Musik ist pures Handwerk und zeichnet sich durch Spielfreude, Eleganz, Kraft und Intimität aus.

Release 3.11.2023

Auch als Ltd.-Indies Only Gold Vinyl-Edition erhältlich (CHF 31.90)

Es heißt, lang lebe der König und so weiter, aber nichts ist jemals in Stein gemeißelt. Ein Vierteljahrhundert nach seiner selbstverschuldeten Krönung und seinem selbstveröffentlichten Debüt-Soloalbum hat Kenny Anderson - DIY-Pop-Reisender, Restaurator eines angestammten Hauses am Meer, Squeezebox-Lothario, Fife for life, Diamantenschürfer, Herzensbrecher, und der Mann, der auch als King Creosote bekannt ist - über 100 Platten veröffentlicht (wenn man relativ konservativ schätzt), mit Künstlern wie Jon Hopkins, KT Tunstall und Lone Pigeon von Beta Band zusammengearbeitet und seine Songs von Künstlern wie Patti Smith und Simple Minds covern und aufführen lassen. Jetzt hat er trotz oder vielleicht gerade wegen all dem eine neue LP angekündigt. Sie heißt I DES und wird am 3. November veröffentlicht. Es heißt, lang lebe der König und so weiter, aber nichts ist jemals in Stein gemeißelt. Ein Vierteljahrhundert nach seiner selbstverschuldeten Krönung und seinem selbstveröffentlichten Debüt-Soloalbum hat Kenny Anderson - DIY-Pop-Reisender, Restaurator eines angestammten Hauses am Meer, Squeezebox-Lothario, Fife for life, Diamantenschürfer, Herzensbrecher, und der Mann, der auch als King Creosote bekannt ist - über 100 Platten veröffentlicht (wenn man relativ konservativ schätzt), mit Künstlern wie Jon Hopkins, KT Tunstall und Lone Pigeon von Beta Band zusammengearbeitet und seine Songs von Künstlern wie Patti Smith und Simple Minds covern und aufführen lassen. Es ist nicht an ihm, der so sehr von spielerischer Lyrik beseelt ist, vorbeigegangen, dass der Titel seiner neuesten Veröffentlichung ein einfaches Anagramm von "Dies" ist. Aber man sollte sich ein paar Dinge vor Augen halten: 1) I DES ist eine Anspielung auf KCs wichtigsten Kollaborateur dieses Mal - Multiinstrumentalist und Co-Produzent Derek O'Neill alias Des Lawson of Blantyre (From Scotland With Love von 2014, Astronaut Meets Appleman von 2016); und 2) HRH King Creosote hat sein ganzes musikalisches Leben lang um sein Ende gerungen. Das Album wurde größtenteils zwischen 2016 und 2020 geschrieben, aber nichts ist jemals so einfach: Es gibt etwas Altes (Bäume), etwas Blaues (ebenfalls Bäume), etwas Geliehenes (Heimkassetten und Gesang aus allen Epochen; Texte aus der fernen Vergangenheit) und etwas Neues (KC scherzt, dass ein möglicher Titel für dieses Album We All Got Synths for Christmas war).

Release 3.11.2023

Mit "Make (less) Babies", ihrem dritten Album, das im Oktober 2023 bei Humus Records erscheinen wird, wollte die belgische Band The Guru Guru ihr persönlichstes und freies Werk abliefern. Direkt von Herzen kommend, bietet das Album energiegeladene Drums, tiefe Basslinien, heulende Gitarren und einen sehr ausdrucksstarken Gesang. Die neue Identität von The Guru Guru.

Humus Records

Release 27.10.2023

Am 27. Oktober erscheint ihr neues Album "Chronicles of a Diamond" bei ATO Records. Produziert von Quesada und hauptsächlich abgemischt vom sechsfachen Grammy-Preisträger Shawn Everett (Alabama Shakes, The War on Drugs), übernimmt Burton auf den zehn Songs die Rolle des Co-Produzenten und lässt seine freigeistige Musikalität in jeden Track einfließen. "It felt like a metamorphosis in a way that was both beautiful and difficult, but in the end feels more true to who we are as collaborators", erzählt der Sänger. Die Songs entstanden zwar im Studio, fangen aber definitiv auch die verrückte Energie ein, die während den Live-Shows der beiden entsteht. Das endet in einem besonderem Hybrid aus Soul und symphonischem Pop, der verrückter und extravaganter als sein Vorgänger komponiert wurde. Inklusive unerwartete Ausflüge in Jazz-Funk und psychedelische Gefilde samt hypnotischen Rhythmen, wilden Gitarrenriffs und stimmungsvollen Mellotron-Melodien, die eine tranceartige Euphorie ausstrahlen. „With this album I felt very free in my vocal performance, which has a lot to do with Adrian hearing something in my voice and helping me to explore that”, ergänzt Burton. Als Black Pumas 2019 ihr selbstbetiteltes Debüt veröffentlichten, löste das Duo aus Austin eine Reaktion aus, die fast so außergewöhnlich und mitreißend war wie ihre Musik selbst. Gefeiert von den Medien, hagelte es insgesamt 6 Grammy Award-Nominierungen (darunter Best New Artist und Album of the Year). Neben Live-Auftritten bei den genannten Grammy Awards, spielten die Black Pumas außerdem bei der Übertragung des NFL Drafts sowie zur Amtseinführung von Joe Biden. Sie tourten durch ganz Europa sowie Nord- und Südamerika und waren bei bekannten Late-Night-Shows wie Jimmy Fallen, Jimmy Kimmel, Ellen DeGeneres oder Stephen Colbert zu sehen. Ihr Album verkaufte sich über eine Millionen Mal, alleine ihre Single "Colors" steht inzwischen bei über 450 Millionen Streams. Nun ist es an der Zeit, das zweite Kapitel der Band aufzuschlagen.

Release 27.10.2023

Auch als Standard Vinyl-Edition erhältlich (CHF 29.50)

Auf den 12 Tracks von "God Games" stoßen Alison Mosshart und Jamie Hince in neue klangliche Gefilde vor, ohne dabei die für die Band typische Bravour zu verlieren. Nach der Doppelsingle "New York/LA Hex" vom Juli 2023 wird die Albumankündigung am 30. August von der Single "103" begleitet. Während "LA Hex" seinen Blick auf die emotionalen und zwischenmenschlichen Realitäten des modernen Lebens in Los Angeles richtete, beleuchtet "103" (Fahrenheit) die brutale Realität der beängstigenden Unbewohnbarkeit der Stadt durch die Linse eines dunklen, verdrehten Liebesliedes - Mosshart singt schneidende Texte wie "stick with me under the last palm tree / and sip a little water from the dirty fountain meant to be / the sum of it all".

Release 27.10.2023

Der Nachfolger von Get Hurt aus dem Jahr 2014 ist das erste neue Album seit 9 Jahren und die erste Veröffentlichung auf ihrem eigenen Label Rich Mahogany Recordings. Für das neue Album arbeiteten sie mit dem renommierten Produzenten und Tontechniker Peter Katis (The National, Interpol, Death Cab for Cutie) zusammen und nahmen in seinen Tarquin Studios in Bridgeport, CT, auf. "Wir hatten kein Interesse daran, den Sound von The Gaslight Anthem neu zu erfinden", verrät Fallon. "Wir wollten uns selbst treu bleiben, aber auch Peter das tun lassen, was er am besten kann, nämlich die Dinge schön und traurig und lustig und aufregend zugleich klingen lassen." Wie so viele der essentiellsten Rockbands haben The Gaslight Anthem die seltene Gabe, im unausweichlichen Schmerz des Lebens Ruhm zu finden. Auf "History Books" bringt die vierköpfige Band aus New Jersey ihre gefühlvolle Art von Punk in zehn mitreißende Songs ein, die alles von Sterblichkeit über Geisteskrankheiten bis hin zu den prekären Dimensionen menschlicher Beziehungen erkunden. In der Tradition ihres bahnbrechenden zweiten Albums The '59 Sound gelingt The Gaslight Anthem mit ihrem sechsten Album das Kunststück, jeden wunden Punkt zu treffen und gleichzeitig zu triumphalem Mitsingen zu animieren. Das Album enthält 10 neue TGA-Songs, darunter "Positive Charge" und das Titelstück "History Books (feat. Bruce Springsteen). "History Books" ist ein schweres Stück über die Kraft des Loslassens von Dingen, die einem nicht mehr dienen. "Ich denke, dass Vergebung auf so vielen Ebenen wichtig ist, aber ich habe gelernt, dass man in manchen Fällen die Verbindung zu den Menschen, die einem Schaden zugefügt haben, abbrechen muss", sagt Fallon. In den Texten, die Fallons Vorliebe für herrlich gelebte Poesie perfekt auf den Punkt bringen (z. B. "Nights of smoke and dirty jokes/Darkened rooms with lonely ghosts/They were beautiful some time ago/But time keeps rollin' us on"), spiegelt "History Books" auch die Themen des Albums wider: Vergänglichkeit und Transzendenz. "In gewisser Weise ist jeder Song ein Geschichtsbuch - jeder erzählt eine Geschichte aus der Vergangenheit und all den Dingen, die wir zurückgelassen haben", erklärt Fallon.

Release 27.10.2023

Erlebe den hypnotisierenden Soul und Blues von Robert Finleys neuestem Album »Black Bayou«. Mit seiner reichen und kraftvollen Stimme nimmt Finley die Zuhörer mit auf eine Reise durch die eindringlichen, mystischen Bayou-Landschaften von Louisiana und erzählt dabei sehr persönliche Geschichten. Vom langsam brennenden Funk von »Livin' Out A Suitcase« bis zum beschwingten und groovigen »Sneakin' Around« zeigt jeder Titel auf diesem Album Finleys außergewöhnlichen Ton und stimmliche Vielseitigkeit.

Die Kombination aus Soul, Rhythm and Blues und fachmännisch ausgearbeiteten Gitarrenriffs, jede Note auf diesem Album ist ein Zeugnis von Finleys musikalischem Können und seinem unerschütterlichen Engagement für diese Genres. Aufgenommen in den Easy Eye Sound Studios in Nashville und produziert von Dan Auerbach, der Finley als »den größten lebenden Soulsänger« bezeichnet, ist Black Bayou der Nachfolger seiner von der Kritik hochgelobten Alben »Sharecropper's Son« und »Goin' Platinum«!

Neben Auftritten bei America's Got Talent (2019) und America's Got Talent (All-Stars 2023) war Finley Headliner bei Shows in ganz Nordamerika und Europa und tourte unter anderem mit The Black Keys, Greta Van Fleet, Lake Street Dive, Nathaniel Rateliff, Dan Auerbach und Low Cut Connie. Featuring: Dan Auerbach, Kenny Brown, Eric Deaton, Patrick Carney, Jeffrey Clemens.

Release 27.10.2023

Pierre Omer wurde in London als Sohn eines indischen Vaters und einer Schweizer Mutter geboren. Er ist Gründungsmitglied der legendären Schweizer Beerdigungs-Rock'n'Roll-Band The Dead Brothers (Gitarre und Akkordeon). Im Jahr 2009 startete er mehrere Soloprojekte zusammen mit Robert Butler (The Shit, The Miracle Workers), Roland Bucher und Christian Aregger (Blind Butcher). 2013 wurde die the Swing REvue geboren. Pierre Omer: Gesang, Gitarre Julien Israelian: Schlagzeug, Géraldine Schenkel: Fender Rhodes, Christoph Gantert: Gesang, Trompete und die einzigartige Lalla Morte: Singt Fakir und Tanzt.
In der Vergangenheit wurdern viele Shows gespielt ua: Binic Folk Blues Festival, Montreux Jazz Festival, Buskers Bern, Festival Les Athénéennes, Pod'Ring Biel, Vinelz, Le Cirque Electric Paris usw Dieses neue Album wurde von der Band selbst in völliger eigenarbeit aufgenommen. (Pierre hatte in der Vergangenheit bereits einige Voodoo-Rhythmus-Platten (Mama Rosin) produziert) und wurde im Berliner Big Snuff Studio mit Nene Baratto (Movie Star Junkies, Black Lips, Heat, Jimi Tenor, King Khan, Black Mass Rising (Soundtrack) usw. Das gesamte Album zeichnet sich durch Pierres erstaunliche Songwriting Fähigkeiten aus und dem ständig trägen, entspannten, dunklen Gesang und sein irritierendes Gitarrenspiel (tropical breakdown) zusammen mit Christoph Ganterts teuflisch besessenem Trompetenspiel aus.

Release 27.10.2023

Auf seinem achten Studioalbum entwickelt sich DJ Shadow in 14 überwiegend instrumentalen Tracks als Produzent und Songwriter weiter. Es ist eine aufregende neue Ergänzung zu seinem einflussreichen Werk, das von seiner Rastlosigkeit geprägt ist, immer auf der Suche nach einem untergegangenen Juwel aus dem Mülleimer der Musikgeschichte oder einem frischen Sound der Gegenwart ist. Die ersten gesampelten Worte, die auf "Action Adventure" zu hören sind, sind "all my records and tapes". Es sind einige der einzigen Worte, die auf dem fast ausschließlich instrumentalen Album zu hören sind; sie sind eine Art These für ein nach innen gerichtetes Projekt, das von Shadow allein und ohne Mitstreiter gemacht wurde. Action Adventure sagt dem Hörer: "Hier geht es um meine Beziehung zur Musik. Mein Leben als Sammler und Kurator. Alle meine Platten und Kassetten, und die von niemandem sonst". Die Arbeit am neuen Album brachte Shadow dazu, sich intensiver mit der Komposition zu beschäftigen. "Ich wollte keine Musik schreiben, die für Vokalisten gedacht ist. Ich wollte Musik schreiben, die verschiedene Energien freisetzt", sagt er. Obwohl er nicht klassisch ausgebildet ist, stellte er sich Fragen wie "welche Akkordfolge wäre hier am natürlichsten und welche am wenigsten vorhersehbar" und arbeitete nach der inneren Logik, die sich für ihn richtig anfühlte. Seine Regel für die Platte war einfach: keine Kompromisse. "Action Adventure" erinnert an die goldenen Zeiten des Videothekenbesuchs, ein passender Titel für ein Album voller Klanglandschaften und dem bedrohlichen, mysteriösen Gefühl, das sich durch seine gesamte Arbeit zieht. "You Played Me" wurde teilweise durch eine eBay-Auktion von 200 Kassetten inspiriert, die von einem Radiosender aufgenommen wurden, der in den 80er Jahren die Gegend um Baltimore/D.C. versorgte - eine ausgeprägte Mischung aus Tanzmusik, R&B und frühem Hip-Hop. Shadow hörte sich Platten aus seiner Sammlung an, die er noch nicht gehört hatte, während sein Instrumentalbett in einer Schleife darunter lief. Er legte die Nadel auf eine obskure R&B-A-Capella-12-Inch aus der Mitte der 80er Jahre und der Track war wie aus einem Guss. "Craig, Ingels & Wrightson" ist düster und geisterhaft, eine Anspielung auf die Horror-Comiczeichner der 50er Jahre, die im Titel des Stücks genannt werden. Das cineastische letzte Viertel des Albums besteht aus dem fast 8-minütigen "Reflecting Pool", einer experimentellen Collage aus knirschenden Percussions und schrillen Synthies.

Release 20.10.2023

Neues Album von Taylor Kirk, im kanadischen Toronto ansässigen Musiker, der seit dem letzten Album (2017) gerne als Produzent gearbeitet hat. Nun gibt es mit "Lovage" wieder neue eigene Musik, die beweist, dass Kirk nicht nur seine Arbeitsmethoden verfeinert hat, sondern auch gekonnt unterschiedliche Einflüsse miteinander kombiniert. Kirk entwickelte "Lovage" in enger Zusammenarbeit mit Michael Dubue im Studio des Produzenten in Quyon, Quebec. Das gemeinsame Arbeiten erwies sich als so fruchtbar, dass Dubue kurzerhand als Keyboarder und Sänger zum Kollektiv dazustieß, während Adam Bradley Schreiber das aktuelle Line-up an Schlagzeug und Percussion vervollständigte. Gemeinsam bringen sie die abwechslungsreiche Klangpalette von Brian Wilson mit der speziellen Melancholie von Leonard Cohen in Einklang, aber auch Sun Ra, Dorothy Ashby und Alice Coltrane sowie italienische Sänger wie Pino Daniele und Paolo Conte spielten eine große Rolle während der Entstehung, was die cineastische Leichtigkeit des neuen Albums erklären könnte.

Release 20.10.2023

Neues Album der fünf Australier, die 2010 als mehr oder weniger geradliniger Hardcore-Punk-Act startete, sich im Laufe ihrer ersten vier Alben stetig weiterentwickelten und ihren Sound in jede beliebige Richtung mutiert, auf die sie Lust hatten. Die neue liefert powervollen Punkrock mit Metalkante, schreibt ROCK in dem Fall extra groß. Hymnischer fett produzierter Sound mit aggressiven Vocals und unglaublich viel Energie, Referenzen sind gar nicht so einfach, die Mitte zwischen Propagandhi und The Bronx mit mehr Geschrei? 12 Songs, als Gäste u.a. Feine Sahne Fischfilet!

Release 20.10.2023

"Lightbringer" ist das Begleitalbum zu "Darkfighter", das im Juni erschienen ist. Das Album wurde während der gleichen Sessions 2021 aufgenommen wie "Darkfighter", mit dem langjährigen Produzenten Dave Cobb.

Release 20.10.2023

Das erste Studioalbum seit 10 Jahren der in den späten 70er Jahren als SIdekick von The Birthday Party gegründeten Band besitzt kauzigen Charme und erdigen Verve und entführt in eine oftmals unwirklich wirkende Welt, die auf den 7 Songs wesentlich geprägt ist von Simon Bonney´s halb-gesungenen, halb gesprochenen Erzählungen, die von einer tiefgründig agierenden Band, in der neben Bronwyn Adams (Violine, Backgroundgesang) eine Riege neuer Musiker am Start ist. Das in Berlin eingespielte, aber in Down Under entstandene sechste Album besitzt eine magische Atmosphäre, driftet durchs Halbdunkel mit Einsätzen von erdiger oder in die Weite spielender Gitarre und Klavier als begleitende Instrumente neben der Rhythmussektion. Das Album enstand als Seitenprodukt von Bonneys Arbeit im Rahmen von Hilfsprogrammen im indopazifischen Raum, wo er zahllose Orte besuchte, die einem hohen Maß an Gewalt ausgesetzt sind. Im Laufe des Albums webt Simon auch immer wieder Motive von unkontrollierbaren Naturgewalten ein, personalisiert in der Figur eines Farmers, der gar nicht erst den vergeblichen Versuch unternimmt, sie zu kontrollieren, sondern sie zu akzeptieren sucht, um mit ihnen zu arbeiten.

Vinyl-Release 20.10.2023 - CD-Release am 3.11.2023

Auch als Ltd.-Indies Only Vinyl-Edition erhältlich (CHF 42.90)

Auf seinem allerersten Soloalbum unter eigenem Namen liefert David Eugene Edwards einen ganz eigenen Sound mit einer Verletzlichkeit und Introspektion, wie man sie von ihm noch nie gehört hat. "Hyacinth" nimmt den schweren Rock seiner jüngsten Arbeit mit Wovenhand zurück und stellt die Stimme des Mannes und die sparsame Instrumentierung in den Mittelpunkt. Die Songs sind von einer düsteren Schönheit und einem weltmüden Ton durchzogen. Das Album könnte als eine leichte Rückkehr zu den melodischeren Klängen von 16 Horsepower´s Secret South (2000) und dem ersten, selbstbetitelten Wovenhand-Album (2002) betrachtet werden. Aber hier ist mehr los: eine rhythmische, pulsierende Unterströmung, die an die Tape-Loops und rudimentären Rhythmen des 80er-Jahre-Industrial-Post-Punk sowie an 808-Drill-Style-Beats erinnert. "Hyacinth war eine Art Vision", sagt Edwards. "Ein Traum. Ich suchte in meinem alten Holzbanjo und meiner Nylonsaitengitarre einen verborgenen Weg. Geheimnisse, die sie in all den Jahren vor mir verborgen gehalten hatten, und schuf für mich einen neuen Mythos aus philosophischen und spirituellen Ideen oder Konzepten."

Release 20.10.2023

Nach der Veröffentlichung der letzten Singles "My Big Day" und "Diving" (feat. Holly Humberstone) haben Bombay Bicycle Club "I Want To Be Your Pet" veröffentlicht - die neueste Auskopplung aus ihrem kommenden sechsten Album "My Big Day" (erscheint am 20. Oktober).

My Big Day" enthält Kollaborationen mit Damon Albarn, Jay Som, Nilüfer Yanya und einem noch anzukündigenden Special Guest und wurde von Jack Steadman, dem Frontmann der Band, in den The Church Studios in Nordlondon produziert. Über 'I Want To Be Your Only Pet' sagte Jack: "Ich habe beim Soundcheck mit Gitarrensounds herumgespielt und fing an, dieses Riff zu spielen. Jamie muss etwas darin gehört haben, denn er holte sein Handy heraus und begann mit der Aufnahme. In den nächsten Monaten schrieb er mir ständig SMS und fragte: 'Hast du schon einen Song über dieses Riff geschrieben? Schliesslich habe ich das getan, damit er mich nicht weiter belästigt. Für mich klingt es so, als ob die Beatles aus der Abbey Road-Ära ein Kind der Liebe mit den Queens of the Stone Age aus der Rated R-Ära hätten."

Release 20.10.2023

Auch als Ltd.-Clear Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Sein erstes Soloalbum seit 5 Jahren demonstriert die einzigartige Fähigkeit des Oscar-prämierten Singer-Songwriters, Irish Folk mit modernem Rock zu mischen, und die Schlagkraft seiner legendären Live-Shows, über die The Guardian sagt: "Hansards kraftvolle Stimme, ob rau vor Leidenschaft oder zart vor Bedauern, glänzt über Arrangements, die vor Schwung nur so strotzen". *

Release 20.10.2023

Auch als Ltd.-White Vinyl-Edition erhältlich (CHF 35.90)

Nach dem Namen seines Großvaters väterlicherseits benannt, der gleichzeitig auch Samphas zweiter Vorname ist, fließt die Musik auf dem 2ten Album zwischen der Ehrfurcht vor dem Leben und der Magie der weltlichen Existenz und beschreibt das Chaos, das man erlebt, wenn man sich dem Kreislauf des Lebens und dem Jenseits stellt. Auf den 14 Tracks hat Sampha enge Freunde und Kollegen zusammengerufen - darunter fantastische Künstler wie Yaeji, Léa Sen, Sheila Maurice Grey (Kokoroko), Ibeyi, Morgan Simpson (Black Midi), Yussef Dayes, Laura Groves und Kwake Bass. Im Gegensatz zum Vorgänger "Process" ist "LAHAI" ein eher kollaboratives Album. Die neueste Single "Only", die von einem Musikvideo von Dexter Navy in Zusammenarbeit mit Sampha begleitet wird und auf dem Vorab Track "Spirit 2.0" folgt, zeigt einen extrem lebendigen Sampha, der melodisch über einen fragmentierten Hip-Hop-Beat mit Co-Produktion von spanischen Musiker El Guincho singt. Im Juni kehrte Sampha zum ersten Mal seit fünf Jahren für seine Satellite Business Residencies in London und New York auf die Bühne zurück. Das einzigartige Setup, bei dem Sampha und seine Band in der Mitte des Raums auftraten, ermöglichte den Fans einen intimen Zugang zu der improvisierten Performance neuer, unveröffentlichter Musik und alternativer Arrangements von Samphas Katalog, die das Publikum "wie gebannt" (Pitchfork) zurückließ. In diesem Herbst wird Sampha eine größere Version der Satellite Business Live-Show auf Tournee mitnehmen. Den Anfang machen mehrere Abende in London in der St. Johns at Hackney Church im Oktober, bevor er nach Nordamerika zurückkehrt, um in großen Städten aufzutreten: Los Angeles, Toronto, New York City, Chicago, San Francisco, Washington D.C., Philadelphia und Atlanta. Anfang Dezember kehrt er nach Europa zurück und spielt in Berlin, Amsterdam und Paris. Wie sein Schöpfer lässt sich auch "LAHAI" nicht in eine Schublade stecken. Das neue Album ist eine Mischung aus Jazz, Soul, Rap, Dance, Jungle und westafrikanischer Musik, mit der Sampha seine produktionstechnischen und stimmlichen Ambitionen auf ein neues Niveau hebt. Als begnadeter Sänger , Songwriter und Produzent ist es kein Wunder, dass Künstler wie Kendrick Lamar, Stormzy, Travis Scott und früher auch Drake, Solange, Frank Ocean, Beyoncé, Lil Wayne und Alicia Keys ihn für seine unnachahmliche Stimme sowie seine Beiträge zum Songwriting und zur Produktion ihrer Musik um Unterstützung baten. Zu seinen früheren kreativen Partnerschaften gehören die Modedesignerin Grace Wales Bonner, das Shy Light Zine mit Durimel (der auch das LAHAI-Artwork gedreht hat), sein Process-Film mit dem Regisseur Kahlil Joseph und kürzlich die Zusammenarbeit mit Jonny Lu, mit dem Sampha das Artwork für sein LAHAI-Album und sein neues Logo entwickelt hat. Wenn "Process", Samphas 2017 mit dem Mercury-Preis ausgezeichnetes Debütalbum, einen Künstler zeigte, der seinen eigenen Platz in der Welt suchte und schließlich auch fand, ist "LAHAI" eine Übung in der radikalen Akzeptanz und Freude am Leben und der Schönheit der Reise bis hierhin.

Release 13.10.2023

Bruder Alain Croubalian (1964-2021) ist mitten der Aufnahmen zu diesem Album verstorben und nimmt uns mit auf seine letzte Reise seiner Geschichten, die er über die Jahre mit seinen vielen Mit-Musikern geschrieben hat. Zu diesen Aufnahmen sei gesagt, dass Alain gegen Ende der Sessions von uns gegangen ist und wir in enger zusammen Arbeit mit seinem Text Partner/Poeten Marc Littler diese Songs ins finale Leben rufen, Resli Burri und Bertrand Siffert haben die ganzen Spuren zusammen gemischt , geschnipselt und verfeinert, und diese allerletzten Songs liegen nun auf diesem wunderbaren Tonträger vor, zudem Luc Navette das Cover gezeichnet hat. "Wayfaring Stranger" war der letzte Song, den The Dead Brothers jemals aufgenommen haben, und ein Wunsch der Hinterbliebenen, diesen als Abschieds- und auch Willkommens-Song der unglaublichen "The Dead Brothers" zu sehen. The Dead Brothers haben als Beerdigungskapelle angefangen und spielen nun auf ihrer eigenen, in dem Wissen im laufe ihres Schaffens viele Musiker und Bands weltweit inspiriert (u.a.The Dresden Dolls, Gogol Bordello etc) Du kennst THE DEAD BROTHERS, the one and only Death Blues Funeral Orchestra noch nicht? Die Dead Brothers sind eine Klasse für sich: Ein "Beerdigungsorchester", das mit dem Todesblues tief in die Seele eindringt. Rau, aber mit einer sehr warmen Attitüde aus Volksmusik, psychotischem Punk, Bluegrass, der zu Blackgrass wird, Rock'n'Roll und Weltmusik. Aber warte nicht, bis DU tot bist!

Text von Voodoo Rhythm Records






Voodoo Rhythm Records

Release 13.10.2023

20 Jahre nach ihrem Debütalbum "Original Pirate Material" und 12 Jahre nach dem eigentlich letzten Album von The Streets erscheint im Oktober die neue Platte "The Darker The Shadow The Brighter The Light" mit einem dazugehörigen Spielfilm an. Die erste Single "Troubled Waters" erinnert an den guten alten Streets Sound, allerdings im modernen Gewand und wird damit sicherlich den Geschmack der Mike Skinner Fans treffen. Begleitend zum neuen Album wird Skinners erster gleichnamiger Spielfilm Premiere feiern. Den 80-minütigen Film hat Skinner fast komplett alleine auf die Beine gestellt, neben der Regie, dem Sound und der Finanzierung hat er auch selber mitgespielt, produziert und geschrieben

Release 13.10.2023 - Vinyl am 20.10.2023

Mit neuem Selbstvertrauen als Produzentin und zwei vorherrigen großartigen Alben nahm Ella Williams ihr neues Album in den Drop of Sun Studios in Asheville zusammen mit dem renommierten Toningenieur Alex Farrar (Wednesday, Indigo de Souza, Snail Mail) auf. Williams und Farrar nahmen viele der Instrumente auf, bauten die Songs in der ersten Woche gemeinsam auf und stellten dann eine Studioband zusammen. Matt McCaughan (Bon Iver), Seth Kauffman (Angel Olsen Band), Jake Lenderman (MJ Lenderman, Wednesday) und Dave Hartley (The War on Drugs) steuerten ihre Beiträge bei. Williams zitiert Künstler wie Jason Molina, Tom Waits und Bruce Springsteen als Inspirationsquellen für Tomorrow's Fire, Musiker, die es immer verstanden, sich in die Gedanken eines Fremden hineinzuschreiben, die in weniger als vier Minuten die Geschichte eines Lebens erzählen konnten. "Die Songs, die ich schreibe, sind nicht immer autobiografisch, aber sie sind immer wahr", sagt Williams.

Release 13.10.2023

Auf ihrem vierten Album begibt sich die belgische Sängerin und Querflötistin auf eine Reise zu ihren familiären Wurzeln in Italien. Das Album ist als zweiteilige Reise kreiert worden und entsprang Melanies Erinnerung an ihre italienische Herkunft, weshalb sie einen Großteil des Albums auch in einem kleinen Bergdorf (Lettomanoppello) in den Abruzzen aufnahm. Melanie reiste ihrer eigenen Geschichte hinterher, nahm immer wieder kleine Skizzen auf und tauchte tief in die eigene Gefühlswelt und ihre italienischen Wurzeln ein. Beide Teile, "Lay Your Ear To The Rail" und "The Chaos Azure", tragen den Drang nach stetiger Veränderung und Weiterentwicklung in sich und bearbeiten diese auf einer einnehmenden Reise - "Il Viaggio", wie es im Italienischen heißt. Das Album klingt wie eine Traumreise, gespickt mit Natursounds, unaufdringlichen Momentaufnahmen von Wind, Wasser, Vogelgezwitscher sowie Kirchenglocken und öffnet so einen Raum, in dem das Konkrete kein Gewicht hat. Klavier, Flöte, Streichinstrumente, elektronische Soundscapes und Melanies Stimme vereinen sich zu einer beinahe transzendentalen Reise.

Release 13.10.2023

Das neue Album „Wenig“ von Anna & Stoffner ist ein dunkles, berauschendes Album geworden. Es ist radikal in seiner Eigenheit und verbindet Rap mit Jazz, Pop und Punk auf ungekannte Weise. Die neuen Songs strotzen vor einer Kraft, die in den Bann zieht. Das liegt einerseits an der Rapperin und Lyrikerin Anna Frey, die ihre berührenden Texte mit einer Dringlichkeit vorträgt, wie man es nur selten erlebt. Andererseits ist hier eine virtuose Band am Werk, die mit grosser Spielfreude und Ernsthaftigkeit, die eigensinnigen Kompositionen zum Klingen bringt und mit ausdrucksstarken Soloparts die Texte kommentiert, erweitert und verstärkt. Musik und Text bilden eine Symbiose. Diese Band ist eingespielt, hellwach und immer auf der Suche nach dem unmittelbaren Ausdruck. So ist dieses Album ein kompromissloser Gegenentwurf zu dem auf Radio und Spotify zugeschnittenen Musik- Einheitsbrei.

Release 13.10.2023

Vanishing Twin erforschen mit Afternoon X erneut ausgesprochen experimentelle Gefilde. Das Album zeichnet sich durch eine spielerische Balance aus Humor und Strenge aus, wobei jedes Mitglied die Rolle des Multiinstrumentalisten und den Prozess über das Ergebnis stellt. Nach einer Reihe von Besetzungswechseln besteht Vanishing Twin nun aus der Sängerin und Multiinstrumentalistin Cathy Lucas, der Schlagzeugerin Valentina Magaletti (Holy Tongue, Tomaga, Moin) und dem Bassisten Susumu Mukai (Zongamin). Die Band nutzt die verschiedenen Berührungspunkte ihrer Mitglieder - Lucas' unkonventionelles Songhandwerk, Magalettis einzigartige Ansätze für experimentelle Perkussion und Mukais lange Erfahrung in der Produktion elektronischer Musik - und hat einen hypnotischen Sound an der Schnittstelle von Minimalismus, Kosmik, Post-Punk und traumbeladenem Psychedelic-Pop entwickelt. Diese acht flatternden Abstraktionen wurden aus einer riesigen Konstellation von Instrumenten, Samples und nicht genutzten Quellen ausgewählt, collagiert und weitergebaut. Lucas setzt ihre Stimme als Instrument und als Generator roher Klänge ein und verwebt surreale Bilder und unheimliche Nebeneinanderstellungen mit dem Tanz und dem treibenden Drive. Von den ansteckenden Grooves des Titeltracks und dem zurückhaltenden Minimalismus von "Subito" bis hin zu den ehrgeizigen Stücken wie "The Down Below" und "Lazy Garden", die einen psychedelischen Avantgardismus von der Größe und dem Ausmaß eines David Axelrod und Scott Walker entfalten. Vanishing Twin begeben sich auf eine neue, facettenreiche Reise, die in ihrer Gesamtheit als die bisher zukunftsweisendste und bahnbrechendste Veröffentlichung der Band gipfelt.

Release 6.10.2023

Auch als Ltd.-Lemonade Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

"Javelin" ist Stevens' erstes Soloalbum seit "The Ascension" (2020) und sein erstes in voller Singer-Songwriter-Manier seit "Carrie & Lowell" (2015). Das neue Album verbindet musikalischen Schwung mit emotionaler Weite. Manchmal hat man das Gefühl, dass das Album von einem großen Team produziert wurde - aber das ist es ganz und gar nicht: Fast jeder Sound hier ist das Ergebnis von Stevens zu Hause, der selbst etwas geschaffen hat, das sich manchmal wie ein Zeugnis der Studio-Opulenz der 70er Jahre in Los Angeles anfühlt. Die Beiträge stammen von einem engen Freundeskreis - Adrienne Maree Brown, Hannah Cohen, Pauline Delassus, Megan Lui und Nedelle Torrisi -, die bei vielen Songs Harmonien beisteuern, sowie von Bryce Dessner, der bei "Shit Talk" akustische und elektrische Gitarre spielt. Der zärtliche und mystische Abschluss des Albums, "There's A World", wurde von Neil Young geschrieben. Während "The Ascension", das von der New York Times als "ein Schrei der Verzweiflung und ein Gebet um Erlösung" gelobt wurde, eine kunstvolle, aber dringliche Elektronik verwendet, um sich dem Moment zu nähern, beginnt "Javelin" wie ein Selbstporträt, detailliert und doch schlicht. Dies ist Stevens' intimstes Werk, das an "Seven Swans" oder "Carrie & Lowell" erinnert und den Hörer in die Nähe seiner inneren Abrechnung ruft. "Javelin" wird von einem 48-seitigen Booklet mit Kunst und Essays begleitet, die alle von Stevens geschaffen wurden, darunter eine Reihe von akribischen Collagen, zerschnittenen Katalogfantasien, Puff-Paint-Wortwolken und sich wiederholenden Farbfeldern. Die 10 kurzen Essays - abwechselnd lustig, tragisch, ergreifend, stumpfsinnig und spezifisch - bieten kleine Einblicke in Lieben und Verluste, die ihn und diese Lieder geprägt haben.

Release 6.10.2023

Das dritte Hyperdub-Album von Loraine James, ist ein angenehm träges, unzusammenhängendes Set, das sie beeinflusst von Math-Rock und Emo-Elektronik wie DNTEL, Lusine und Telefon Tel Aviv aufgenommen hat. Das Album enthält eine vielfältige Auswahl an Feature-Gästen, die James in ihre ungewöhnliche musikalische Umgebung platziert und deren sensible und reflexive Performances sie hervorhebt. Gentle Confrontation behandelt Beziehungen (vor allem familiärer Art), während der Sound der Platte wasserähnliche Atmosphären mit denaturiertem Rhythmus und ASMR-Beats kreuzt. Diese 16 Tracks sind Loraine James' bisher bestes Werk und ein persönlicher und musikalischer Sprung nach vorn, der ihre ganz eigene Vision von elektronischer Popmusik liefert.

Release 6.10.2023

Auch als Ltd.-Lilac Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 45.90)

"Ich stelle mir vor, wie ich diese Songs in einem kleinen Club spiele, der langsam brennt", sagt A. Savage über sein zweites Soloalbum. Nach mehr als einem Jahrzehnt in New York hat der Co-Frontmann von Parquet Courts die Stadt verlassen und markiert seinen Abgang mit einem Meisterwerk der Reife und einer würdigen Fortsetzung seines ersten Soloprojekts, Thawing Dawn von 2017. "Feuer ist etwas, vor dem man fliehen muss. Dieses Album ist ein brennendes Gebäude, und diese Songs sind Dinge, die ich zurücklassen würde, um mich zu retten." Das Album wurde von John Parish in nur zehn Tagen in Bristol auf 16 Spuren produziert und mit der Unterstützung von Cate Le Bon und Jack Cooper (Modern Nature, Ultimate Painting) sowie dem Saxophonisten Euan Hinshelwood (Cate Le Bon) bestückt, Schlagzeuger Dylan Hadley (Kamikaze Palm Tree, White Fence) und Geigerin Magdalena McLean (Caroline), glänzt Savage mit seiner überragenden Begabung als Lyriker und Beobachter - eine Qualität, die Parish als "emotionale Offenheit, bewacht von einem lakonischen Witz" bezeichnet. Savage stellt Fragen zu Reichtum und Armut, zu sich selbst und anderen, und zeigt die Gabe des Dichters, zu wissen, wann er erzählen und wann er verschwinden sollte, indem er den Zuhörer seiner eigenen emotionalen Privatsphäre überlässt, anstatt ihm vorzuschreiben, was er fühlen soll. Das Endergebnis kommt einer psychischen Odyssee gleich: "Elvis in the Army" versetzt uns in einen unterirdischen Raum, in dem das lebhafte, ratternde Becken den Blutdruck des Raumes in die Höhe treibt, während "Mountain Time", das an einen herben Walzer in einem verlassenen Haus erinnert, die Zuhörer ins Leben zurückholt. Beeinflusst von Sybille Baier und Townes Van Zandt, reiht sich Savage in einen Kanon von Songwritern ein, die Öffnung und Perspektive immer weiter ausdehnen. Indem er die Beschilderung von Waschsalons und die Drohungen von Schuldeneintreibern ebenso glitzernd und totemistisch darstellt wie die Weite der Berge, Flüsse, Meere und des Himmels, findet Savage Hoffnung und Fluch gleichermaßen.

Release 6.10.2023

Die multidimensionalen Künstler:innen und Produzent:innen yeule (Pronomen they/them, folglich in deutscher Sprache im Plural) kündigen ihr neues Album an.. "softscars" repräsentiert eine neue Richtung für yeule, da sie weichere Texturen und körperlose Arrangements erforschen, die ihre ätherischen Vocals in den Vordergrund stellen. Das Projekt untersucht die Anatomie ihrer lang gehegten emotionalen Wunden für ihr bisher verletzlichstes Werk. Indem sie ihre inneren Grübeleien mit kathartischen Punk-Riffs und ätherischer Elektronik vertonten, schufen yeule "softscars". "Ich habe die Metapher der Narbe genommen, um jeden Song zu repräsentieren, und jede Narbe bleibt weich.", sagen yeule. "Ob man nun ein emotionales Trauma oder eine körperliche Wunde heilt, die Zeit heilt eine Narbe nie vollständig. Es gibt keinen Schmerz mehr, aber man kann die Narbe immer noch sehen. Ich habe das tiefe Gefühl, dass das, was meine Vorfahren durchgemacht haben, weitergegeben wurde; es gibt einige Traumata, die einfach haften bleiben. Es gab immer Verfall und Verzerrung in meinem Leben, es gab immer etwas, das falsch oder hässlich war. Die Narbe erinnert mich daran, dass ich beschützt werde und dass ich mich selbst schützen sollte.“ Obwohl die Thematik schwer und geheimnisvoll ist, strahlt das Projekt, das von yeule und ihren Kolleg:innen Kin Leonn geschrieben und produziert wurde, mit zusätzlicher Produktion von Mura Masa und Chris Greatti (Yves Tumor, Willow Smith) ein Gefühl der freudigen Katharsis aus. Angetrieben wird das Album von yeules sich verändernden Vocals, die mit all ihren Ecken und Kanten und ihrem eindringlichen Flüstern sicherer denn je klingen und den unvollkommenen Prozess der Heilung widerspiegeln. Das neue Album folgt auf das von der Kritik gefeiertes Album, "Glitch Princess", aus dem Jahr 2022, das von Pitchfork mit dem Prädikat "Best New Music" ausgezeichnet wurde und auch hierzulande sehr wohlwollend abgefeiert wurde, u.a. mit 5 von 6 Sternen im Musikexpress, mit 4 von 5 Punkten bei laut.de und 8 von 10 Punkten bei Plattentests. yeule machen sowohl Musik als auch visuelle Kunst, das Projekt wurde ins Leben gerufen, um als Portal oder Spalt zu fungieren, der es ihnen ermöglicht, ihre Kunst der Außenwelt mitzuteilen, während sie gleichzeitig in ihrer inneren Hülle geschützt sind. yeule wurde als Manifest ihrer eigenen Identitäten konstruiert, in denen sie immer Zugang zu multiplen Avataren und der Freiheit hatten, sich nach Belieben zu verändern oder zu verformen - Trost durch die Verkörperung von wandelbaren, chamäleonartigen Vielfältigkeiten.

Release 6.10.2023

Fünf Jahre nachdem er mit seinem bahnbrechenden Debüt den Polaris Music Prize gewonnen hat, ist Jeremy Dutcher mit einer bewegenden und strahlenden Auseinandersetzung mit der zeitgenössischen Indigenität und seinem Platz darin zurückgekehrt. Mit Liedern, die in der Wolasotqey-Sprache seines Volkes, aber zum ersten Mal auch auf Englisch vorgetragen werden, demonstriert Motewolonuwok eine Bandbreite und Tiefe, die über alles hinausgeht, was der Musiker bisher geschaffen hat, und umfasst traditionelle Lieder, sternenklare Balladen und atemberaubende Orchestrierungen. „Wenn wir uns mit unseren traurigen Geschichten beschäftigen – was ist da der goldene Faden?“ er fragt. „Ich wollte den Schmerz zum Ausdruck bringen und uns auf die Schönheit hinweisen.“

Release 6.10.2023

Auch als Ltd.-Clear Vinyl-Edition erhältlich (CHF 42.90)

Hania Ranis drittes Soloalbum »Ghosts« erscheint im Oktober 2023. Auf dem Album sind Patrick Watson, Olafur Arnalds und Duncan Bellamy (vom Portico Quartett) zu hören und es wurde mit Hilfe von Viktor Orri Árnason (Arrangements), Greg Freeman (Mixing) und Ziemowit Klimek (Bass, Moog) aufgenommen.

»Mit ›Ghosts‹ wollte ich etwas von Grund auf neu beginnen, mit Werkzeugen und Geschichten, mit denen ich nicht vertraut war, die mir aber am Herzen lagen. ›Ghosts‹ ist eine Geschichte über Leben und Tod, Licht und Dunkelheit, real und unwirklich. Es ist ein Versuch, letzte Qualitäten zu berühren und meine eigenen Mythologien zu erschaffen; mich Ängsten zu stellen, tief in Dinge einzutauchen, die mir Angst machen, mich aber auch unbewusst verführen. ›Ghosts‹ versammelt all diese Dinge und vermischt die Vergangenheit, die Gegenwart und die Zukunft zu einem neuen Sound von mir.

Release 29.9.2023

Das dreizehnte Studioalbum wurde über einen Zeitraum von zwei Jahren im legendären Chicagoer Studio - The Loft - aufgenommen. Die zehn neuen songs stammen aus der Feder von Bandleader Jeff Tweedy und werden von der langjährigen Stammbesetzung Nels Cline, Mikael Jorgensen, Glenn Kotche, John Stirratt, Pat Sansone und natürlich Tweedy am Gesang begleitet. Nach einem kurzen Abstecher zu ihren Country-beeinflussten Wurzeln auf dem letztjährigen Doppelalbum "Cruel Country" kehren Wilco mit Cousin in ihr vertrautes progressives und experimentelles Rockgebiet zurück. Tweedys einzigartige Songwriter-Stimme ist in vollem Umfang zu hören, mit Texten, die eine Vielzahl von Themen umfassen - von ikonoklastisch bis introspektiv. Ein einzigartiges und neues Element im Aufnahmeprozess war die Beteiligung der walisischen Singer/Songwriterin Cate Le Bon als Produzentin - das erste Mal seit über zehn Jahren, dass eine Außenstehende aktiv an einer Wilco-Aufnahmesession beteiligt war. Le Bon brachte ihre einzigartige musikalische Perspektive in den charakteristischen Sound der Band ein und stellte sie vor die inspirierende neue Herausforderung, ihre musikalischen Grenzen zu erweitern.

Release 29.9.2023

Auch als Ltd.-Indies Only Orange Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 47.90)

Mit "The Harmony Codex" veröffentlicht Steven Wilson sein siebtes Album. Wer "The Harmony Codex" hört, hat das Gefühl, sich in einer Escher-Zeichnung zu verlieren, die nur aus Sound besteht. In den zehn Tracks des Albums navigiert Steven Wilson durch ein Wirrwarr von Erinnerungen und führt den Hörer über Pfade, auf denen sich Schatten von Reflexion, Nachdenklichkeit und Wehmut ausbreiten. Erdacht und zusammengesetzt wurde das Album von Wilson, der allein in einem Studio in der Garage eines Stadthauses im Norden Londons arbeitete und dabei Unterstützung von Musikern aus der ganzen Welt erhielt (darunter langjährige Studiopartner wie Ninet Tayeb, Craig Blundell und Adam Holzman sowie eine Reihe von erstmaligen Kollaborateuren, darunter Jack Dangers von Meat Beat Manifesto und Sam Fogarino von Interpol). Jeder Musiker wurde eingeladen, der Platte seinen individuellen Stempel aufzudrücken. Die Snares, Streicher und gesampelten Sounds, die jeder Künstler beisteuerte, wurden zu der einzigartigen Musik auf diesem Album verwoben. Und obwohl "The Harmony Codex" eine Platte ist, die mit dem Gedanken an räumliches Audio gemacht wurde, ist es keine Platte, die ein ausgeklügeltes Soundsystem braucht, um einen mitzureißen - zwei Lautsprecher und ein offenes Ohr reichen völlig aus.

Release 29.9.2023

Auf Yard schmiegt sich das aus Wisconsin stammende und in Chicago beheimatete Vierergespann Slow Pulp bequem in Taschen voller Nuancen, Eindrücke und Widersprüche - Klänge und Texte, die so aufeinander abgestimmt sind, dass sie die spezifische Spannung eines Gefühls einfangen, für das man nie die richtigen Worte gefunden hat. In dieser Hinsicht kann sich das Hören von Slow Pulp so anfühlen, als wäre man mit jemandem in einem Raum, der einen schon so lange kennt, dass er jeden Mikroausdruck von einem lesen kann und genau weiß, was man fühlt, bevor man es selbst weiß. Vielleicht liegt das an der gemeinsamen Geschichte und Chemie der Band; auf verschiedene Weise sind die vier zusammen aufgewachsen - und wachsen immer noch zusammen auf. Die verträumten Songs der Indie-Rock-Band aus dem Mittleren Westen der USA basieren auf stimmungsvollem Shoegaze, hooky Grunge und intimer Lo-Fi-Kost. Die Band gab 2020 mit Moveys ihr Debüt in voller Länge. Nach der niederschmetternden 2021er 7" Deleted Scenes legten sie den Fokus auf hookigen Grunge-Pop für Singles wie 2021" In Too Deep" und 2023" Cramps". Nach ihrer Debüt-Single tourte die Band Anfang des Jahres als Hauptsupport für Death Cab For Cutie durch Europa und Großbritannien.

Release 29.9.2023

Auch als Ltd.-Silver-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Das Jeffrey Lee Pierce Sessions Project hatte immer das Ziel Jeffrey Lee Pierce als einen der einflussreichsten, aber auch meist unterschätzten US Singer-Songwriter hervorzuheben und seine Kunst in die heutige Zeit zu transportieren, indem Wegbegleiter:innen und Bewunderer:innen die Musik des 1996 viel zu früh verstorbenen The Gun Club Sängers neu interpretieren. Nach "We Are Only Riders" (2009), "The Journey Is Long" (2012) und "Axels and Sockets" (2014) präsentiert "The Task Has Overwhelmed Us" Songs aus Pierce"s The Gun Club- und Solo-Zeiten. Außerdem gänzlich neue Tracks, entstanden aus Song- und Textskizzen sowie Live-Demos, die der 1958 in Kalifornien geborene Pierce vor seinem Tod aufgenommen und niedergeschrieben hatte. Fast zehn Jahre nachdem das Vorgänger Album "Axels and Sockets" veröffentlicht wurde, erscheint mit "The Task Has Overwhelmed Us" endlich das finale Kapitel mit Künstler:innen wie u.a. Dave Gahan, Debbie Harry im Duett mit Nick Cave oder Peter Hayes von The Black Rebel Motorcycle Club.

Release 29.9.2023

Auch als Ltd.-Indies Only Orange 2LP Vinyl-Edition erhältlich (CHF 35.90)

Das neue Studioalbum des aus Avey Tare, Panda Bear, Deakin und Geologist bestehenden Quartetts wurde mit dem Grammy-Preisträger und Produzenten Russell Elevado (D'Angelo, The Roots, Kamasi Washington) aufgenommen, der es auch mitproduzierte und abmischte. Die Struktur von AC ist seit langem eine Spielwiese, ein offener Raum, um neue Ideen und Einflüsse auszuprobieren und auszuleben. Und warum auch nicht? Es kann bedeuten, dass man Panda Bear erlaubt, sich mehr auf sein Schlagzeugspiel zu konzentrieren, oder dass man Deakin ermutigt, tiefer in sein Klavierspiel einzutauchen. Oder man lässt dem aufkeimenden Interesse von Avey Tare und Geologist an der Musik der Renaissance - dem Flötenspiel, der Drehleier, der vergoldeten Polyphonie - Raum zur Entfaltung. Diese Impulse sind der Kern des neuen Albums und ein markanter Meilenstein auf ihrer fröhlichen Rundreise. Mit 64 Minuten ist es das längste AC-Album aller Zeiten, wobei fast ein Drittel der Laufzeit auf die hinreißende und eruptive 22-minütige Ode an die hoffnungsvolle Beharrlichkeit, "Defeat", entfällt. Sie haben es in nur 12 Tagen fertiggestellt und dabei höchstens 24 Kanäle verwendet, was nicht nur davon zeugt, dass sie diese Songs auf der Time Skiffs-Tour aufgenommen haben, sondern auch davon motiviert, dass sie wieder in einem Raum zusammen waren.

Release 29.9.2023

Auch als Ltd.-Red Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 34.90)

Ahora, die neue Platte von Melenas, ist das genaue Gegenteil von "dem schwierigen dritten Album". Während andere Bands unter einem Mangel an Inspiration leiden, der typisch für diesen heiklen kreativen Moment ist, erscheint unser spanisches Quartett unbesiegbarer denn je, mit einer Sammlung umwerfender Songs und revitalisiert mit einer herrlichen neuen Klangpalette, die folgende Frage aufwirft: Kann man Jangle Pop und Garage Rock mit Synthesizern machen? Wenn man sich Songs wie "K2" oder "Bang" anhört, ist die Antwort ein klares Ja, denn das herrliche Pochen der analogen Keyboards, die Ahora dominieren, verrät nicht den Sound von Melenas, diese brodelnde Vibration, die bisher die Gitarren lieferten und ihre Songs in den Pop-Himmel trieben. Die neuen Texturen, die Vintage-Synthesizer wie der Korg Delta oder der Yamaha PSR-36 liefern, bewahren diese Unmittelbarkeit und prägen faszinierende neue Farbschattierungen, indem sie die klangliche Identität der Band ausdehnen und mit neuen Nuancen versehen, vom kristallinen Pop von "1986" bis zu den düsteren, aber bewegenden Untertönen von "Flor de la Frontera". Dieser neue Reichtum an Klangfarben steht im Übrigen im Einklang mit einem Album, auf dem Melenas viel zu sagen haben: Sein Titel (übersetzt "Now") will, so die Band, "die Bedeutung der Zeit rechtfertigen, um darüber nachzudenken, wie wir unseren Alltag leben, mit wem wir unsere Momente teilen und wie wir es tun (oder nicht tun) wollen". Eine Erkundung ihrer eigenen Identität, ihrer Beziehungen zu anderen und der Bedeutung von "Zusammengehörigkeit, geteilten Gefühlen und gemeinsamen Aktionen". Gleichzeitig vertiefen die neuen Klänge symbolisch diese Themen: Das Konzept der Zusammengehörigkeit wird in den Gesangsharmonien vermittelt, die reichhaltiger und ausgefeilter sind. Das Konzept der Zeit wird mit Hilfe einiger verblüffender Sequenzer, Arpeggiatoren und mechanischer Rhythmen vermittelt. Kombiniert mit Melenas´ Gespür für Pop machen diese Elemente viele dieser Songs zu einer aufregenden Mischung aus dunkleren, maschinenartigen Tönen (die Cold-Wave-Echos von "Flor de la Frontera", der Kraut-Rhythmus von 'Bang') und himmlischen Melodien. All dies wird mit einer Fülle von schillernden elektronischen Arrangements verwoben, die handwerklich perfekt gemacht sind, aber mit der Energie einer Live-Band gespielt werden, in einer sehr post-punkigen Verbindung von Synthesizern mit echtem Bass und Schlagzeug. Das Ergebnis sind solche Wunder wie "Dos pasajeros", "Tu y yo", "1986" oder das wunderschöne "Promesas", letzteres ein wahrer Neo-Synth-Pop-Klassiker. Melenas sind mehr denn je im Besitz ihrer kreativen Kräfte. Nicht so sehr, um ihrer Musik - die im Wesentlichen immer noch in der Liebe zum Pop verwurzelt ist - eine neue Wendung zu geben, sondern um ihre Songs mit einer neuen elektronischen Energie und einem neuen Vibe zu versehen.

Release 29.9.2023

Auch als Clear Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Die schwedischen Classic Rock Legenden Graveyard kehren mit ihrem lange und ungeduldig erwarteten sechsten Studioalbum zurück. Mit dem sehr stimmungsvollen und intensiv atmosphärischem Grundtenor ist "6" ein weiterer Meilenstein in ihrer bemerkenswerten Karriere. "6" ist leicht als das markanteste, originellste Album der bisherigen Bandgeschichte zu identifizieren. Mit einer sanft lysergischen Mischung aus trostlosen Gitarren, brodelnder Hammond und geschmeidigem, flinkem Bass und Schlagzeug beweisen die Schweden eine Leichtigkeit, die sie in der Vergangenheit nur angedeutet haben. Die Band kommentiert: "Endlich ist es da, bereit, geerntet und genossen zu werden wie die verbotene Frucht in deinem Garten. Wir sind sehr, sehr glücklich, dass wir Album Nummer 6 bald mit euch allen teilen können.

Release 29.9.2023

Blonde Redhead melden sich mit ihrem ersten Album seit sieben Jahren und ihrem Debüt bei section1 zurück. Der Titel ist eine Anspielung auf das oft zelebrierte kollektive Ritual, eine Mahlzeit mit den Menschen zu teilen, die man liebt. Dieses fesselnde, minutiös ausgearbeitete Album ist Ausdruck eines beständigen Miteinanders und ein Zeugnis der einzigartigen inneren Logik, die Blonde Redhead in den letzten drei Jahrzehnten verfeinert haben. Zurückhaltende, aber dennoch eindringliche Melodien tragen jeden Song und schaffen eine Kulisse für Texte über die unausweichlichen Kämpfe des Erwachsenseins: Kommunikationsprobleme in andauernden Beziehungen, die Frage, wohin man sich wenden soll, das Festhalten an Träumen. Letztendlich ist 'Sit Down for Dinner' das vielleicht stärkste Album in einem ebenso illustren wie abwechslungsreichen Katalog.

Release 29.9.2023

Auch als Tape (CHF 18.90) und Ltd.-Picture Vinyl (CHF 42.90)

"Kimosabe" ist Angus Stones viertes Album unter dem Pseudonym Dope Lemon. Es folgt auf "Rose Pink Cadillac" aus 2021, das in Australien auf Platz 1 der dortigen Albumcharts gelangte. "Diese Platte ist alles, was mich ausmacht", sagt er. "In der Vergangenheit war das Artwork in gewisser Weise anonym, weil ich versucht habe, diese Stile zu erforschen, und es war schön, dieses Schild vor mir zu haben - ich konnte mich sozusagen im Schatten herumschleichen, ohne dass die Öffentlichkeit ein Urteil über die Person dahinter fällen konnte. Bei dieser Platte hatte ich Momente der Klarheit, als ich über meine Kindheit nachdachte, und ich konnte sehen, wo ich in der Zukunft sein möchte. Mich selbst auf das Cover zu setzen, fühlte sich also einfach richtig an."

Release 25.9.2023

Pablo Nouvelle und Nativ sind zwei wichtige Figuren der Schweizer Musikszene. Auf den ersten Blick mag die Ausrichtung der beiden ziemlich unterschiedlich sein: Während Pablo Nouvelle primär im elektronischen Bereich unterwegs ist, gilt Nativ als einer der relevantesten Exponenten der Schweizer Rapszene. Gleichwohl oder vielleicht gerade darum harmonieren sie hervorragend: Wiederholte Zusammenarbeiten münden nun im Album «Embrace» (Erscheinungsdatum: 1. September 2023). Den retro-futuristischen und farbigen Sound bringen Nativ (Vocals) und Pablo Nouvelle (Keys) zusammen mit Amos Fankhauser (DJ) und Matthias Nydegger (Drums) auf die Bühne.

Release 29.9.2023

Ein äusserst kreativer Kopf, der gute Dan Auerbach, die singende Hälfte der Black Keys. Während der Tour zum letzten Album `Attack & Release´ entstanden die Songs seines ersten Soloalbums, auf dem viele von Auerbach´s Freunden (u.a. Jessica Lea Mayfield) und Familie (sein Onkel und sein Vater) mitwirken. Musikalisch ist kein großer Unterschied zur gewohnt hohen Qualität und dem Sound der Black Keys auszumachen, der Blues schwingt in allen 14 Songs mit, den Auerbach mit dem Verve alter Rockriffs und den reduzierten, knallenden Black Keys-typischen Gitarrensounds kombiniert, immer wieder auch Stücke, auf denen er unterschiedliche Spielarten und Elemente von Folk und psychedelischem Gitarrenloungesound integriert, auch herzergreifende Balladen und orgel- und bassangetriebene bluesige Unglücklichkeitsmanifeste kommen zum Zuge. Ein hoher Grad an Abwechslung, gekrönt von Auerbach´s rauem wie klarem Stimm-Vibrato, das seinesgleichen sucht und auch diese Soloscheibe in Kombination mit einer ggü. den Black Keys abwechslungsreicheren Instrumentierung zu einem großen Album werden lässt.

Release 22.9.2023

Auch als Ltd.-White Colored Vinyl-Release erhältlich (CHF 49.90)

Der britische Songwriter und Producer trat zuletzt auf dem Soundtrack für Spider Man - Across the Spiderverse in Erscheinung, wo er mit Metro Boomin und A$AP Rocky kollaborierte. Im Laufe seiner Karriere hat James Blake sich zu einem gefeierten Songwriter und Producer entwickelt, der nun mit den größten Popstars der Welt zusammenarbeitet und sich von ihnen inspirieren lässt - darunter unter anderem Beyoncé, Frank Ocean oder Kendrick Lamar. Für seine vielseitigen kollaborativen Arbeiten erhielt er bereits zahlreiche Auszeichnung, unter anderem 2019 einen Latin Grammy Award als Songwriter und Producer für ROSALIAs Album "Motomami" und im selben Jahr einen Grammy für "Best Rap Performance". (Außerdem wurde er weitere fünf Mal für einen Grammy nominiert) und hat einen Mercury Preis gewonnen. Auf seinem neuen Album "Playing Robots Into Heaven" schlägt er die Brücke zwischen elektronisch generierten Beats und sanftem Gesang. Er schafft darauf Klangwelten im Loop und bricht daraus aus - er kehrt zurück zu seinen Wurzeln der elektronischen Musik.

Release 22.9.2023

Das neue 11te ist ein Album der wiederkehrenden Dualitäten, eine Dose voller Paradoxien, eine Kiste voller Würmer. Das von Redwood und Pinien umgebene Studio, in dem Banhart "ständig The Grateful Dead hörte", brachte etwas Glattes, Modernes, City-Pop-nahes und Eno-eskes hervor. Es ist auch die Verwirklichung einer "kostbaren Freundschaft" mit der gefeierten Solokünstlerin, Multiinstrumentalistin, Produzentin und Mexican-Summer-Stallgefährtin Cate Le Bon - ein Zusammentreffen, das durch die spiegelbildlichen Titel ihrer frühen Soloalben (Banharts Oh Me Oh My von 2002 und Le Bons Me Oh My von 2009) und eine Zärtlichkeit, die auf groben Haarschnitten beruhte, prophezeit wurde ("Wir trafen uns schließlich, Kurz darauf schnitt sie mir die Haare mit einer Gabel, und das war's") und selbstgemachten Tattoos - die aber nie zuvor im Aufnahmestudio umgesetzt wurden. "Es geht um die Umwandlung von Verzweiflung in Dankbarkeit, von Wunden in Vergebung und von Trauer in Lobpreis" - das Produkt einer rituellen kreativen Praxis, die den Stoff der Traurigkeit einschmelzen und neu gießen lässt, während er seine Form verändert - und die in einer Platte gipfelt, die sich anhört, als würde man eine sehr melancholische Massage bekommen oder weinen, aber in einem wirklich schönen Outfit... wenn ich schon weinen muss, dann in meinem besten Kleid.

Release 22.9.2023

Auch als Ltd.-Natural Blue Swirl Vinyl-Edition (CHF 37.90)

Sister Squares sind Miles Francis, Julie Shore, Jenny Shore und Sara Dobbs; was sie zu einer musikalischen Einheit machte, war die Zusammenarbeit mit dem Grammy-Gewinner und Oscar-Nominierten Arcade Fire-Member Will Butler. Das Ergebnis ist ein Album mit einer warmen, menschlichen Seele. "Ich lernte Jenny - meine Frau - im College kennen, ein Jahr bevor ich zu Arcade Fire kam", sagt Will. "Als ich eine Band brauchte, um mit Policy auf Tour zu gehen, bat ich Jennys Schwester Julie, mitzumachen, weil ich ihr musikalisch vertraute. Und ich fragte Sara, Jennys und Julies Jugendfreundin, weil ich wusste, dass sie super talentiert ist", sagt Will. "Antibalas (für die ich trommelte) eröffneten einige Arcade Fire-Shows", sagt Miles, der sich anbot, jederzeit Schlagzeug zu spielen, wenn Will es brauchte. Will, Julie, Sara und Miles fanden auf der Tournee zueinander und arbeiteten gemeinsam an den Gesangsarrangements. Jenny trug die ganze Zeit über zu den Aufnahmen und allgemeinen Performance-Ideen bei. Die Band spielte im August 2022 eine Reihe von Konzerten, bei denen sie ihre Ideen aus dem Studio in Live-Räumen ausprobierten. Nach ihrer Rückkehr fand sich die Band in den Figure 8 Studios in Brooklyn wieder zusammen. Das Album besteht zu gleichen Teilen aus Aufnahmen in Figure 8, Gruppenexperimenten in Wills Keller und Sessions in Miles´ Synthia Studio. "Ich hatte meine Band Arcade Fire erst kürzlich nach 20 Jahren verlassen - vielleicht die schwierigste Entscheidung meines Lebens. Ich hatte die letzten zwei Jahre zu Hause mit meinen drei Kindern verbracht. Ich war 39 Jahre alt. Ich wachte jeden Morgen auf und las Emily Dickinson, bis ich jedes Gedicht gelesen hatte. Ich hörte Morrissey, Schostakowitsch und die Spotify Top 50. Ich hatte ungeformte Fragen mit unausgegorenen Antworten", sagt Will. "Aber ehrlich gesagt, hatte ich ein gutes Gefühl bei der Platte".

Release 22.9.2023

Mit ihrem fünften Album 'Subtle Love' präsentieren The Slow Show eine Hommage an die Liebe und ihre bislang kraftvollste und vielfältigste Songsammlung. 'Subtle Love' lebt so nicht nur von ihrem üppig instrumentierten Indie-Pop mit Rob Goodwins beeindruckender Stimme, sondern erkundet auch neue Horizonte mit Elementen von Folk und Rockhymnen. Über die zehn Songs begibt man sich auf eine Reise von der Vergangenheit der Band bis in eine verlockende Zukunft - ein zutiefst melodisches und bewegendes Erlebnis.

Release 8.9.2023

Auch als Ltd.-Clear Vinyl-Edition erhältlich (CF 36.90)

Posthumer Release eines noch nie zuvor gehörtes Album von Mark Linkous aka Sparklehorse. Ursprünglich im Jahr 2010 aufgenommen und von Mark Hamilton (der auch an It "s A Wonderful Life gearbeitet hat) gemischt, merkt Marks Bruder Matt an: "Wir haben große Sorgfalt darauf verwendet, Marks Musik zu archivieren und zu bewahren. Wir sind sehr dankbar für Mark und die Schönheit, die er in diese Welt gebracht hat." Sparklehorse war eine amerikanische Indie-Rock-Band, die Mitte der 1990er Jahre vom Singer-Songwriter und Multiinstrumentalisten Mark Linkous gegründet wurde. Linkous wurde am 9. September 1962 in Arlington, Virginia, geboren und begann bereits als Teenager mit der Musik. Sparklehorse, die von Pitchfork als Künstler beschrieben wurden, der "die Zuhörer zwingt, die Schönheit der Dunkelheit zu beachten", veröffentlichten viele einflussreiche Alben, darunter die berühmten Alben Vivadixiesubmarinetransmissionplot und Good Morning Spider in den 90ern, It "s A Wonderful Life und Dreamt for Light Years in the Belly of a Mountain in den frühen Achtzigern sowie das 2010 veröffentlichte Gemeinschaftsalbum Dark Night of the Soul. Im Laufe seiner Karriere arbeitete Mark mit Künstlern wie Vic Chesnutt, Daniel Johnston, Tom Waits, Danger Mouse und David Lynch zusammen, die zum Nachdenken anregten. Während Mark in verschiedenen Studios aufnahm und mit anderen Musikern und Produzenten zusammenarbeitete, machte er den Großteil seiner Arbeit in seinem Heimstudio Static King, wo er oft alles selbst einspielte und aufnahm. Er war "ein Typ aus der Arbeiterklasse mit einer sehr poetischen Sensibilität, der sich zu Künstlern wie ihm hingezogen fühlte, die in Isolation arbeiteten", so Ken Tucker von NPR Fresh Air.

Release 15.9.2023

Auch als Tape erhältlich (CHF 21.90)

Die Grammy-nominierte Heavy-Rock-Band meldet sich mit ihrem neuen Album zurück. Das Quartett aus Philadelphia, bestehend aus John Baizley (Gitarre/Gesang/Illustration), Gina Gleason (Gitarre), Nick Jost (Bass) und Sebastian Thomson (Schlagzeug), hat auf dem sechsten Album das gewaltige Multi-Genre-Vokabular des von der Kritik gefeierten Vorgängers Gold & Grey (2019, DE# 14) gestrafft. Dies ist immer noch sehr viel Baroness - nur neu fokussiert, um effizienter zu sein, und neu durchdacht als Folge der Stabilität. Die herausragendsten Tracks von STONE, "Last Word", "Beneath the Rose", "Shine" und "Anodyne", reflektieren nachdenklich, groovend und brechen mühelos den Tumult. Während Baroness "Stone" schrieben, nahm Baizley das Album auf und mischte es vor. Nachdem die Gruppe die Aufnahmen von Schlagzeug, Gitarren und Bass beendet hatte, brachten sie alles zurück in Baizleys Keller - wo auch Teile von Gold & Grey aufgenommen wurden - um den Gesang aufzunehmen und andere Details hinzuzufügen. "Stone" wurde dann zum endgültigen Abmischen und Polieren an den Grammy-nominierten Mixmaster Joe Barresi (Kyuss, Alice In Chains) und den Grammy-prämierten Mastering-Guru Bob Ludwig (Led Zeppelin, Nirvana) in den Gateway Mastering Studios übergeben

Release 15.9.2023

Das erste Album von Chilly Gonzales, das in der Sprache von Molière und Bangalter geschrieben und aufgeführt wird. Chilly Gonzales ist für seine intime Annäherung an das Klavier durch seine Solo Piano Album-Trilogie ebenso bekannt wie für seine unbestreitbaren Talente als Performer, der seine Showman-Energie in den Philharmonien Europas versprüht. Er hat mit international bekannten Künstlern wie Feist, Drake, Jarvis Cocker und Daft Punk zusammengearbeitet, und die hymnische Kraft seines Tracks Smothered Mate (aus Ivory Tower) wurde zum Soundtrack des WM Sieges der französischen Fußballnationalmannschaft 2018. Seitdem ist der unberechenbare Pianist Frankreich immer näher gekommen, bis er schließlich nach Paris zurückkehrte, um im Herzen der Ile Saint-Louis zu leben, von wo aus er die Einweihung von Notre-Dame mit einer Träne im Auge und einem Joint auf den Lippen beobachtete. Nach mehreren Jahren intensiver Vorbereitung, die darin bestand, sich ausschließlich von Camembert und französischer Literatur zu ernähren, und während er darauf wartete, in die berühmte Académie Française gewählt zu werden, veröffentlicht er nun sein neues Album.

Release 15.9.2023

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Auf ihrem bisher umfangreichsten, epischsten und klügsten Album scheinen die Songs Wunden zu öffnen und sie dann aktiv zu heilen. Liebe als eine Zeitreise. Das Album ist voller Sehnsucht der erwachsenen, scheinbar banalen Herzschmerzen und Freuden, die oft unbesungen sind, sich aber enorm anfühlen. Vom Boden eines Glases über eine mit Erinnerungen und Schnee bedeckte Einfahrt, von einem Güterzug, der durch den Mittleren Westen donnert bis hin zum Mond - es fühlt sich an, als würde alles und jeder einen Schrei ausstoßen, vor Schmerz schreien und sich nach Liebe krümmen. Mitski hat diese Songs in den letzten Jahren in kleinen Schüben geschrieben, und sie sind geprägt von Momenten des Bemerkens - des Bemerkens eines Geräuschs, das fehl am Platz ist, eines Gebäudes, das im Verfall ächzt, einer Meinung, die einen Raum spaltet, eines Gefühls, das sich nicht in einem Körper einsperren lässt. Es wurde sowohl im Bomb Shelter in East Nashville als auch in den Sunset Sound Studios in Los Angeles aufgenommen und umfasst ein Orchester, das von Drew Erickson arrangiert und dirigiert wurde, sowie einen kompletten Chor von 17 Personen - 12 in Los Angeles und 5 in Nashville -, der von Mitski arrangiert wurde. Zum ersten Mal war es Mitski wichtig, eine Band zu haben, die gemeinsam im Studio aufnimmt, um diesen neuen erhabenen Sound zu schaffen. In Zusammenarbeit mit ihrem langjährigen Produzenten Patrick Hyland hat das Album eine breite Palette von Referenzen, von Ennio Morricones bombastischen Spaghetti-Western-Scores bis zu Carter Burwells Tundra-erfüllendem Fargo-Soundtrack, von der gehauchten Intimität Arthur Russells bis zur schrillen Lebendigkeit von Scott Walker oder Igor Stravinsky, von der Freude von Caetano Veloso bis zur Sehnsucht Faron Youngs. Die Leadsingle "Bug Like an Angel" findet das Göttliche im Gewöhnlichen, im Ertränken von Kummer. Der Erzähler singt aus dem seltsamen Trost des Tiefpunkts: "sometimes a drink feels like family". Und plötzlich singt der Chor der Engel: "FAMILY!" Dieser erste Track führt ein kosmisches Paradox ein: "The wrath of the devil was also given him by God." Dies ist ein Album, in dem Dunkelheit und Licht in der gleichen Geste, dem gleichen gebrochenen Gebet existieren. Wie der Buddha den Dämon Mara zum Tee einlädt, umarmt "The Land…" den brutalen, täglichen Schmerz - den notwendigen Tribut der transzendenten Liebe. "The Land…" stellt immer wieder die gleiche Hypothese auf. Ohne Liebe, ist hier jemand? Liebe ist immer radikal, was bedeutet, dass sie immer stört, was bedeutet, dass es immer Arbeit erfordert, sie zu empfangen. Dieses Land, das sich schon für so viele seiner Bewohner ungastlich anfühlt, wird sich bald wieder hoffnungslos zerrissen und hin- und hergeworfen fühlen - manchmal sogar ohne Liebe. Dieses Album bietet eine wohltuende Abwechslung. "Dies ist mein amerikanischstes Album", sagt Mitski über ihr siebtes Album, und die Musik fühlt sich an wie ein tiefgründiger Akt der Zeugenschaft für dieses Land, mit all seinen privaten Sorgen und schmerzhaften Widersprüchen. Aber "vielleicht geht es über das Bezeugen hinaus", sagt sie. Manchmal, sagt Mitski, fühlt es sich so an, als wäre das Leben ohne Hoffnung, ohne Seele, ohne Liebe einfacher. Aber wenn sie die Augen schließt und darüber nachdenkt, was ihr wirklich gehört, was nicht zurückgenommen oder zerstört werden kann, dann sieht sie die Liebe. "Das Beste, was ich je in meinem Leben getan habe, war, Menschen zu lieben", sagt Mitski. "Ich wünschte, ich könnte all die Liebe, die ich habe, nach meinem Tod zurücklassen, damit ich all das Gute, all die gute Liebe, die ich geschaffen habe, auf andere Menschen ausstrahlen kann." Sie hofft, dass "The Land Is Inhospitable and So Are We" diese Liebe noch lange nach ihrem Tod ausstrahlen wird. Wenn man sich das Album anhört, fühlt es sich genau so an: wie eine Liebe, die das Land heimsucht.

Release 15.9.2023

Nach 7 Jahren das neue 7te Album, das die ruhige Zurückhaltung und das erdrückende Gewicht ihrer frühen Aufnahmen mit der klanglichen Erkundung und den kunstvollen Experimenten ihrer späteren Werke (während es gleichzeitig ihren immer umfangreicheren Katalog an Film- und Fernsehkompositionen mit einbezieht). "End" wurde von der Dunkelheit inspiriert, entwickelte sich aber zu einem lauten, dramatischen und wilden Nachdenken über Leben und Tod. "Unser Ausgangspunkt war das Konzept eines Endes - der Tod oder das Ende einer Freundschaft oder Beziehung", erklärt die Band. "Jeder Song entstammt einer Geschichte oder einer Idee, die einer von uns hatte und die wir alle weiterentwickelt und zu einer eigenen Welt gemacht haben. Vielleicht liegt es in unserer Natur, aber wir hatten immer das Gefühl, dass der Albumtitel letztendlich für viel mehr Interpretationen offen ist - das Ende einer Sache oder einer Zeit kann ein Ende bedeuten, aber auch einen Anfang, und was nach dem Ende einer Sache passiert, könnte im Vergleich zu dem, was als nächstes kommt, verblassen." Explosions In The Sky sind zum Goldstandard für kühne, emotionale, kinematische Musik geworden. Sie sind langsam und organisch gewachsen, von bescheidenen Anfängen, die in fragwürdigen DIY-Lokalen spielten, über Auftritte als Vorgruppe von Fugazi und Built To Spill bis hin zu Headliner-Auftritten in weltweit bekannten Veranstaltungsorten wie der Radio City Music Hall, der Royal Albert Hall, dem Greek Theatre und dem Sydney Opera House. In den fast 25 Jahren ihres Bestehens (mit der gleichen Besetzung) haben sie mit ihrer besonders unkommerziellen Musik bemerkenswerte Erfolge bei Kritik und Publikum erzielt. Sie sind zum Sound moderner Sportfilme, Dokumentarfilme und Fernsehserien geworden - vor allem dank ihrer genredefinierenden Filmmusik zu Friday Night Lights - und haben eine Reihe bedeutender Künstler als Fans gewonnen, die sie zu Tourneen mit Nine Inch Nails, The Smashing Pumpkins, The Flaming Lips, Death Cab for Cutie und vielen anderen geführt haben.

Release 15.9.2023

Auch als Ltd.-Transparent Blue Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Gitarrenkoryphäe und Tuareg-Folkheld Bombino mit dem ersten kompletten Album seit über fünf Jahren. Die New York Times bezeichnete ihn damals als 'Sultan des Shreds'. Vice ging sogar noch einen Schritt weiter und verlieh ihm den Titel des 'besten Gitarristen der Welt'. Es folgte eine GRAMMY®-Nominierung. Die erste für einen Künstler aus Niger überhaupt. "Sahel" wurde von David Wrench (David Byrne, Frank Ocean, Caribou, The xx) produziert und im Studio HIBA in Casablanca, Marokko, aufgenommen.

Release 8.9.2023

Das neue Album der unnachahmlichen Moloko-Sängerin wurde in Zusammenarbeit mit DJ Koze produziert. Diese hypermoderne Scheibe ist musikalisch weit entfernt vom vorhergehenden Albums aus dem Jahr 2020, und zementiert stattdessen Murphys Ruf als einzigartige Künstlerin auf einem kreativen Höhepunkt, als ein ständig neugieriger und rastloser Geist, der seinesgleichen sucht. Die warmen Klänge des Hiphop, psychedelische Elemente und elegante, gefühlvolle Grooves sowie sich schnell festsetzende Melodien sind allesamt Teil der Vision von Murphy und Koze. Die 13 Tracks wurden in sechsjähriger Arbeit fast vollständig aus der Ferne gebastelt.

Release 8.9.2023

Auch als Black Vinyl-Edition erhältlich (CHF 34.90)

Das erstes Soloalbum der The XX-Musikerin greift nach den Sternen und bewegt sich im Flackerlicht von Discokugel. Beseelter Gesang, der Freude und Schmerz vereint, innerhalb von Tracks, die oftmals von 1990er-Jahre- Brit-Electronic-Großraum-Disco-Techno-Beats, der pushenden Dynamik und den Effekten dieser Zeit genauso geprägt sind wie von der modernistischen Gesangseffekthascherei der 2020er Jahre gepaart mit maximalem emotionalem Leidenschaftsausdruck beim Gesang. Diese Mischung nennt Romy selbst "emotionale Musik zum Tanzen" und meint damit die Art von Musik, die Menschen in Clubs zusammenbringt, insbesondere in queeren Clubs. Romy begann als Teenager in Londoner Queer-Clubs aufzulegen und sieht das Album als eine Rückkehr in diese Zeit, ein Pop-Dance-Album, das die Orte beschwört, an denen sie sich zum ersten Mal in das Genre und seine Kraft, Menschen zu bewegen, verliebt hat. "Mid Air" ist ein Album über das Feiern, die Zuflucht und die Erlösung auf der Tanzfläche. Ein Album, das sich mit Liebe, Trauer, Beziehungen, Identität und Sexualität beschäftigt

Release 8.9.2023

Für ihr viertes Album hat die Indie-Avant-Pop-Supergruppe der beiden Tenniscoats-Mitglieder Saya und Ueno und des The Notwist-Sängers MIcha Acher mit Cico Beck (Joasinho/Notwist) und Mat Fowler (Jam Money) aus der Entfernung eine Tugend gemacht: Die Mitglieder der Gruppe sind über ganz Europa verteilt, und die Aufnahmen fanden nach einer kurzen Europatournee 2021 statt. Es ist ein Lehrstück in Sachen Durchhaltevermögen und Engagement, denn die Musik auf diesem Album gehört zu den bisher bewegendsten von Spirit Fest. Die sechs Songs auf diesem Album beleuchten verschiedene Aspekte des Charakters des transnationalen Quintetts - liebliche, herzzerreißende Popsongs, melancholische Gesänge, die Freude an einfachen Wiederholungen - wobei der Gitarrenpop der Gruppe durch sanfte Schnörkel von Klavier und Elektronik ergänzt wird. Einige dieser Schnörkel wurden auf "Bear In Town" über die Wellen mit Mat Fowler (Bons, Jam Money) aus Großbritannien beigesteuert, während der Hauptteil der Musik in einem kleinen Apartmentstudio in München von den anderen Mitgliedern von Spirit Fest aufgenommen wurde: Saya und Ueno (Tenniscoats), Markus Acher (The Notwist) und Cico Beck (Joasinho, Aloa Input). "Bear In Town" ist prägnant und kraftvoll, die ansteckende Freude des Geistes wird auf wunderbare Weise durch Melodien vermittelt, die ein Gleichgewicht zwischen Herzlichkeit und Melancholie herstellen. Im Rückblick auf diese Sessions sagt Acher: "Ich denke, das Album fängt ein, wie gut wir damals zusammen gespielt haben." Das ist umso beeindruckender, wenn man bedenkt, dass das Material live im Studio aufgenommen wurde, mit ein paar Gesangs-Overdubs. Die Tiefe der Gefühle, die den Kern der Musik von Spirit Fest ausmachen, ist von den ersten Tönen von "Bear In Town" an offensichtlich.

Release 8.9.2023

Neues 10tes Album! Trotz ihres etablierten Status in der Szene findet das Duo kontinuierlich einen innovativen Ansatz zur Musik: so ist auch ihr zehntes Studioalbum "For That Beautiful Feeling" zeitgemäß und energetisch. Das Album katapultiert die Zuhörenden innerlich direkt auf den Dancefloor, untermalt von psychedelischen Melodien und treibenden, ineinander übergehenden Rhythmen.

Release 8.9.2023

Das dritte Album und Sub Pop-Debüt der Chicagoer Rockband bringt einen Hauch von The Cars, Television und David Bowie der Low-Ära in den eingängigen, energiegeladenen und gitarrenbetonten Rock der Band. Deeper ist ein fester Bestandteil der pulsierenden Chicagoer Szene, zu der auch Bands wie Dehd, Lala Lala, Horsegirl und Lifeguard gehören. Aufgenommen und gemischt von Dave Vettraino (Horsegirl, Ohmme/Finom, Lala Lala) in Chicago.

Release 8.9.2023

Daptone Records

Jeder, der das Vergnügen hatte, Jalen live zu erleben, weiß, dass er einer der fesselndsten Künstler der heutigen Soul-Szene ist. Seine Stimme, die zu gleichen Teilen aus rauem Gefühl und Eleganz besteht, strahlt Zuversicht und Charme aus - und entwaffnet damit volle Säle voller ausgelassener Konzertbesucher, die stumm jeder gesungenen Silbe lauschen. Die Pläne für das Album wurden nur wenige Monate vor der Pandemie COVID 19 geschmiedet, die die Welt lahmlegte. Nichtsdestotrotz schaffte es Jalen schließlich in die Hive Mind Studios in Brooklyn, NY, wo er mit Hilfe der Produzenten/Arrangeure Mike Buckley und Vincent Chiarito (beide Mitglieder von Charles Bradleys Extraordinaires) und einem erstklassigen Team von Musikern aus der Daptone-Familie mit dem Schreiben und Aufnehmen begann. Das Team verbindet gekonnt schwere Arrangements und introspektive Texte mit Motown-Raffinesse und hinterlässt den Hörer in einer glückseligen Spülung der Verwunderung. Jalen schreibt Songs, seit er 14 Jahre alt ist, und auch seine Kompositionen sind ganz im Zeichen dieser Zeit.

Release 8.9.2023

Gebürtig aus North Carolina, zog Jonathan Wilson schon vor gut 15 Jahren nach Los Angeles, wo er als gefragter Produzent, Multiinstrumentalist und Komponist sofort zentrales Mitglied der Songwriter-Community wurde. Schon auf den gefeierten Alben Gentle Spirit (2011), Fanfare (2013) und Rare Birds (2018) erledigte er so gut wie alles im Alleingang, spielte fast alle Instrumente selbst ein und übernahm auch die Produktion. Kurz vor Beginn der Pandemie ging er nach Nashville, um dort im legendären Sound Emporium Studio von "Cowboy" Jack Clement das Album Dixie Blur (2020) aufzunehmen – eine Sammlung von Songs, mit denen sich Wilson sowohl klanglich als auch inhaltlich ganz klar auf seine Südstaaten-Wurzeln bezog. Einerseits eine Rückbesinnung auf seine musikalischen Roots im US-Süden, machte er mit dem Vorgänger zugleich auch einen Schritt nach vorn, indem er auch zeitgenössische Sounds ins Spiel brachte. Als gefragter Live-Musiker regelmäßig auf den größten Bühnen der Welt zu sehen, hat Wilson parallel zu seinen Solo-Veröffentlichungen in den letzten Jahren auch als Produzent für etliche hochkarätige Kolleg:innen gearbeitet, unter anderm für Father John Misty, Margo Price, Billy Strings, Conor Oberst, Roy Harper, Dawes und Angel Olson. Auf dem gesamten neuen Album hat Wilson so gut wie alle Instrumente selbst eingespielt und dazu auch die Rolle des Produzenten selbst übernommen. Während er sich unter anderem um Gitarre, Klavier, Schlagzeug und Keyboards kümmerte, schaute neben dem Bassisten Jake Blanton (The Killers) auch eine Auswahl von renommierten Streicher:innen und Bläser:innen im Studio vorbei – unter anderem C.J. Camerieri (Bon Iver), Rita Andrade (Kanye West), Wynton Grant (Miley Cyrus, Hans Zimmer) und Paul Cartwright (Lana Del Rey, Mary J. Blige).

Release 8.9.2023

Auf ihrem fünften Album klingt die norwegische Band größer und kreativer als je zuvor. Bewaffnet mit massiven Riffs, Black-Metal-Wildheit und ihrer bisher ambitioniertesten Instrumentierung beherrschen sie die Kunst, moderne Metal-Klassiker zu kreieren, die sowohl heftig sind als auch Spaß machen.

Release 1.9.2023

Das 5. Album von slowdive ist genau das, was der Titel vermuten lässt: eine Erkundung der schillernden Natur des Lebens und der universellen Berührungspunkte darin. Während es Teile dieses Albums gibt, die nahtlos an die atmosphärische Qualität von Pygmalion aus dem Jahr 1995 anknüpfen könnten, schafft es "Everything is Alive" auch, die Grenzen dessen zu sprengen, was vor ihm kam. Zwischen psychedelischen Klanglandschaften, pulsierenden 80er-Jahre-Elektronik-Elementen und John-Cale-inspirierten Reisen wirkt das Album wie geschaffen für das Jahr 2023 und darüber hinaus. Für ein Genre, das oft als spalterisch gilt und oft eine Selbstbeobachtung rechtfertigt, zeigen Slowdive hier, dass sie ihr Handwerk beherrschen, indem sie es über das Singuläre hinaus vorantreiben; das Endergebnis ist eine Platte, die sich ebenso emotional und kathartisch anfühlt, wie sie hoffnungsvoll ist. Sechs Jahre nach dem monumentalen Comeback mit dem selbstbetitelten Album, finden Slowdive - bestehend aus Rachel Goswell und Neil Halstead (beide Vocs und Git.), Christian Savill (Git.), Nick Chaplin (Bass) und Drummer Simon Scott - auf "everything is alive" immer mehr Konturen ihres eindringlichen, elementaren Sounds. "kisses" ist der bisher größte Pop-Moment von Slowdive, der durch das von Noel Paul gedrehte Video zu einer Art "Naples-by-Night" Roadmovie wird.

Release 1.9.2023

Auch als Ltd.-Yellow Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.90)

Das erste neue Studioalbum seit zehn Jahren, ihre bisher intimste und emotional direkteste Platte. Nur wenige Bands durchdringen den Lärm und die Ablenkungen der Welt, um eine reine, elementare Wahrheit oder ein Gefühl zu vermitteln wie Sigur Rós. Wie man auf "Átta" hören kann, hat die Band durch die neue Besetzung eine neue Kraft und einen neuen Antrieb bekommen. Der Multi-Instrumentalist Kjartan Sveinsson ist zurück in der Band - nachdem er sie 2012 verlassen hatte - und schließt sich Frontmann Jónsi und Bassist Georg Holm an. Aufgenommen auf mehreren Kontinenten - im Sundlaugin-Studio der Band in Island, in der legendären Abbey Road in Großbritannien und in mehreren Studios in den USA - tendiert das Album stark zum Orchestralen und berührt alles, was Sigur Rós zu einer der ehrgeizigsten und am meisten gefeierten Bands der letzten Zeit gemacht hat, mit fast zehn Millionen verkauften Alben, während es gleichzeitig eine aufregende und expansive Möglichkeit für ihre Zukunft signalisiert. Auf "Átta"spielt das London Contemporary Orchestra unter der Leitung von Robert Ames neben den Bläsern, die von den langjährigen isländischen Kollegen Brassgat í bala gespielt werden, eine herausragende Rolle. Das Album wurde von Paul Corley, einem weiteren häufigen Mitarbeiter der Band, gemischt und mitproduziert.

Release 1.9.2023

Auch als Ltd.-Clear Indie Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Royal Blood, das sind: getriebene Vocals, ein wildes Schlagzeug und ein treibender Bass, der mit Effekten so weit gepitcht wird, dass er wie Bass und rotzige Gitarre zugleich klingt. Ihr treibender Rocksound bewegt sich zwischen Led Zepplin, White Stripes und Queens of the Stone Age.

Release 1.9.2023

Empire State Bastard entstand aus den dunklen Gedankenregionen des Duos Simon Neil und Mike Vennart. Die beiden spielten sich gegenseitig in den Auszeiten während der Tourneen von Biffy Clyro die härteste, avantgardistischste oder abstoßend konfrontativste Musik vor, die sie finden konnten und ließen sich davon inspirieren. Nun hat das Duo - mit Unterstützung von Dave Lombardo (Slayer) - eine Sammlung von Songs erarbeitet, die mit Abenteuerlust fast jede erdenkliche dunkle Nische in den unzähligen Sounds des Metals und genreverwandten Auswüchsen durchforstet. Ihr angsteinflößender Ausflug führt sie zu knallhartem Hardcore im Stile von Siege, frenetischem, viszeralem Thrash aus dem Slayer-Kiez, dem klaustrophobischen Sludge der Melvins, der stimmlichen Freeform-Wendigkeit von Mike Patton und den gigantischen Stoner-Riffs von Sleep. Es ist eine Band, die in der Tradition der Metal-Urväter verwurzelt ist, aber von neueren Einflüssen der Leftfield-Aggression beeinflusst wird.

Release 8.9.2023

Mick Harvey und die in San Luis Potis lebendende mexikanische Sängerin und Filmemacherin Amanda Acevedo lernten sich vor einigen Jahren kennen, als jener auf Tour mit P.J. Harvey in Mexiko-Stadt gastierte. Doch erst 2021 wurde ihr aktuelles Projekt Wirklichkeit, nachdem Acevedo eine Zusammenarbeit vorgeschlagen hatte und die beiden begannen, zwischen Mexiko und Australien Ideen auszutauschen. "Schon die erste Aufnahme, die wir gemeinsam gemacht hatten, war erstaunlich. Unsere Stimmen passten einfach sehr gut zusammen"; erinnert sich Acevedo. Harvey fügt hinzu: "...nach und nach entwickelte sich das Gefühl, dass dies ein wichtiges Projekt sein könnte, und so wurde es unversehens zu unserem Hauptthema für die nächsten 18 Monate." Und so entstand das nun vorliegende Album "Phantasmagoria in Blue", ein 14 Titel umfassendes Duett-Album, auf dem Harvey und Acevedo alten Stücken neues Leben einhauchen, sei es dergestalt, dass sie sich existierende Duette zu eigen machten, sei es, dass sie Lieder, die nie als Duette gedacht waren, als solche umarrangierten, manche Stücke dazu aus dem Spanischen übertrugen, andere auf Spanisch sangen - und zusätzlich einige Eigenkompositionen aufnahmen. Thematisch befasst sich das Album mit den immerwährenden Themen der Sterblichkeit, der Liebe, des Rätselhaften und Mythischen und der Suche des Menschen nach Sinn. Ein üppiges und mitreißendes Album voller überbordender Fantasie und Sinnlichkeit, mit der es Songs von so unterschiedlichen Künstlerinnen wie Tim Buckley, Luis Eduardo Aute, Sibylle Baier, Silvio Rodriguez und Pat Benatar neu interpretiert.

Release 1.9.2023

Auch als Ltd.-Purple Colored und Ltd.-Clear Vinyl-Editions erhältlich (beide CHF 34.90)

CRAVER, die Schweizer Dark Rock Metaller und Hoffnungsträger für Fans von Unto Others (Ex-Idle Hands) präsentieren auf ihrem Debut Album "Torch Of Wisdom" eine dunkelromantische Reise mit 9 Craver Hymnen. Wer auf heavy Sound mit einschlägigen Melodien steht - Ghost, Unto Others, Sisters Of Mercy lassen grüssen - und Erinnerungen an die Juwelen der 80er mit mal Maiden hier und (älteren) Scorpions da mag, der sollte CRAVER seine Aufmerksamkeit schenken.

"Torch Of Wisdom" - craving for lust an joy with real metal heavyness.

Release 1.9.2023

Die Band aus Devon macht Musik zwischen charmantem Jangle-Pop und Aspekten aus dem Krautrock. Bereits mit dem ersten Album bekamen sie einige positive Reviewss und größere Liveshows und sind nun stärker zurück. Thematisch geht es um Trauer und die Verarbeitung derer und die damit einhergehende Verantwortung und Veränderung.

Release 25.8.2023

Auch als Ltd.-Clear/Black Vinyl (CHF 42.90) und Ltd.-Sea Blue Vinyl (41.90) erhältlich

"Perfect Saviors ist unser völlig unironischer, aufrichtiger Versuch, das größte und beste Rockalbum des 21. Jahrhunderts zu schaffen." The Armed - das in Detroit gegründete Alternative Metal-Post-Hardcore - Kollektiv - meldet sich mit neuen Album zurück, dem nächsten Schritt seit ihrem Durchbruch "Ultrapop"aus dem Jahr 2021. Perfect Saviors wurde von Tony Wolski zusammen mit Ben Chisholm und Troy Van Leeuwen produziert, mit Beiträgen von Julien Baker, Sarah Tudzin, Mark Guiliana, Justin Meldal-Johnsen, Eric Avery, Stephen Perkins, Josh Klinghoffer und vielen anderen. Das Album wurde von zudem von Alan Moulder (u.a. NIN, Iggy Pop, Jesus & Mary Chain, Wet Leg, Foo Fighters...) gemischt. Sänger Tony Wolski äußerte sich wie folgt zu dem Album: "Zu viele Informationen haben uns dumm und verwirrt gemacht. Zu viele Möglichkeiten, sich zu vernetzen, haben versehentlich zur Isolation geführt. Und zu viele Erwartungen haben jeden gezwungen, eine Berühmtheit zu werden. Vorhersehbare ursprüngliche Gefahren sind neueren sozialen Gefahren gewichen. Das Ergebnis ist eine Welt, die verwirrend und beängstigend, aber letztlich auch schön ist. Wir hoffen, dass diese Platte genau das alles auch ist. Perfect Saviors ist der Abschluss einer Trilogie von Alben, die untersucht und seziert, was "Popkultur" in einer Welt der grenzenlosen Information und des Zugangs ausmacht. Jedes Album nutzt "Popmusik" als lockeres Format, um diese Ideen auszudrücken, und nutzt Komposition und Präsentation als eine Möglichkeit, diese Fragen weiter zu hinterfragen. Perfect Saviors ist das ultimative Produkt dieser Entwicklung. Mit Hilfe eines der weltweit bekanntesten Mixing Engineers haben The Armed ein wunderschönes Album geschaffen, das die Sprache und die Welt des Pop durch eine einzigartige, extreme und perverse Linse betrachtet und so ihre Kunst vermittelt.

Release 25.8.2023

Auch als Black Vinyl erhältlich (CHF 34.90)

Der in Texas aufgewachsene Singer-Songwriter und Big Thief-Gitarrist mit neuem Album. Seine erste Solo-Veröffentlichung bei 4AD folgt auf das 2021er Album "Two Saviors" und handelt von der Liebe...und etwas anderem. Etwas Größerem, etwas, dass Liebe nicht wirklich herausfordert, eher im direkten Kontrast dazu steht. Eine völlige Erfüllung der Seele. Meek gesteht ein, dass Liebeslieder für ihn die am schwersten zu schreibenden sind. Vielleicht holte sich Meek auch deshalb beim Schreiben Verstärkung in Form der Freundin und langjährigen Heldin Jolie Holland, die bei fünf von elf Songs des Albums Co-Autoren-Credits hat. Die ersten zwei Verse und der Chorus von "Haunted Mountain" stammen von der Texanerin, die diese als Liebeslied für Mount Shasta in Nord-Kalifornien geschrieben hat. Meek fügte den finalen Vers hinzu, in der gemeinsamen Suche nach dem Austausch mit der Natur. "It"s about being humbled by the thing you"re drawing power from only at which point an actual, fair relationship begins", erklärt er. Seit seinem selbstbetitelten Solo-Debüt sind Meeks Band-Kollegen die gleichen: Adam Brisbin (Gitarre), Austin Vaughn (Schlagzeug) und Mat Davidson (Pedel Steel, Bass). Für "Haunted Mountain" stießen noch Ken Woodward (Bass) und Meeks Bruder Dylan (Klavier, Synths) zu diesem eingeschworenen Haufen dazu. Davidson übernahm die Produktion, während Adrian Olsen, der auch die Sound Manipulation mit einem Modular Synthesizer übernahm, das Album innerhalb von zwei Wochen mixte. Der Ansatz war ein hi-fi-Album als Gegensatz zum lo-fi-Ansatz des Vorgängers zu erschaffen, während die Intimität erhalten bleiben sollte. Meek glaubt selbst daran, dass alle großen Liebeslieder noch nicht geschrieben wurden. Zwischen den Zeilen von "Haunted Mountain" hört man, dass Liebe in jeglicher Form die Erschaffung eines Zuhauses ist, von innen - für immer auf der Suche nach dem anderen.

Release 18.8.2023

Das dritte Full Length Album von Chelsea Deadbeat Combo hievt die Band auf das Level welches Sie bereits seit Jahren als Live Band auszeichnet. Die Topliga des schweizerischen Musikschaffens.

Der unwiederstehliche Mix aus Punk & Hardcore vs. purer Lebensfreude zieht sich wie ein roter Faden durch die 10 Songs und bettet sich prächtig in den bisherigen Songkatalog der Band ein.
Outsider Oten & Rockawaybeach Record Store Bern präsentieren in zusammenarbeit mit Sixteen Times Music eine auf 100 stk. limitierte “Record Store” Vinyl Edition welche ab sofort in beiden Shops vorbestellt werden kann.

Release 25.8.2023

Auch als Ltd.-Green Vinyl erhältlich (CHF 36.90)

Etwas überraschend kehrt die Mitte der 00er-Jahre als Teen-Punk-Sensation schwer gehypte Band aus Nashville nach langer Unterbrechung mit ihrem 3ten Album zurück. 2006 und 2008 erschienen die beiden ersten Alben, die zu medialem Hype führte, der der damals blutjungen Band offensichtlich zu viel wurde und zur Auflösung führte. Jack White´s Label Third Man Records versprach ihnen nun einen Rahmen, der sie nicht den Mechanismen von damals aussetzt. Musikalisch sind sie auch 15 Jahre später schwer in Form, begeistern mit einer abwechslungsreichen Mischung aus Garage-Punk und punk-infiziertem Indierock mit geschickt und gewinnbringend eingeflochtenen Elementen aus Alternativerock, Power-Pop, etwas Funk und Indie-Pop, gekrönt von prima Hooklines zum Mitskandieren an den Peaks, druckvoller Energie beim Gitarrenriffing und viel Punch beim gerne in den Offbeat wechselnden Drumming. Im Mittelpunkt steht die stimmlich wie auf den ersten beiden Alben umwerfende Jemina Pearl Abegg, allerdings mit altersgemässen Text-Themen, zu denen auch Muttersein und Verantwortung des Erwachsenenlebens gehört. *

Release 11.8.2023

Auch als Black Vinyl-Edition erhältlich (CHF 31.90)

Meist aufs Wesentliche konzentriert, ohne unnötiges Fett aufgenommen offenbart das neue Album Bonnie pur, begleitet von Akustikgitarre und Backgroundgesang von Dane Waters. Bei einigen Songs erklingt auch Violine, Cello oder Mandoline oder ein paar Tastenklänge oder auch mal ein Saxophon. Bonnie´s Gesang nimmt mit, zeigt jede Facette seiner Stimmbänder und seiner Stimmfarbe. Herrliche Songs voller Herzblut für ruhige Stunden, am besten zu geniessen auf der Veranda oder dem Balkon an einem entspannten freien Tag. Ein Album, das so gemacht wurde, wie es gehört werden sollte: in einem Raum. Der Klang von Menschen, die zusammen sind, die miteinander spielen, kommunizieren. Das Gefühl von Gemeinschaft überträgt sich in den intimen Folksongs.

Release 11.8.2023

Auch als Tape erhältlich (CHF 17.90)

Das neue Album folgt auf "Loving In Stereo", das ein Meilenstein für das gefeierte britische Duo war. Es erreichte die bisher höchste Position in den UK-Charts und debütierte auf Platz 3. Gleichzeitig erreichte es die beste Position in den internationalen Charts in Australien, Deutschland, der Schweiz, Belgien und den Niederlanden. In den USA katapultierte es sich auf Platz 1 der Billboard Dance Albums Charts. Die freigeistige Energie, die sich durch das Album zieht, spiegelt wider, wie organisch das Album entstanden ist. J und T hatten den Großteil des Albums auf Tournee geschrieben, bevor sie mit den Aufnahmen begannen, während sie in einem Airbnb in Los Angeles wohnten. Später wurde das Album zu Hause in London in ihrem Lieblingsort, dem Studio B der Metropolis Studios, fertiggestellt. Dieses Mal wollte das Duo eine größere Vielfalt an Stimmen in das Album integrieren. Neben Erick The Architect haben sie für "Pretty Little Thing" auch Bas (der bereits auf der "Loving In Stereo"-Single "Romeo" zu hören war) wiederverpflichtet, sowie Talente wie Roots Manuva, Channel Tres und JNR Williams hinzugezogen.

Release 11.8.2023

Auch als Black Vinyl-Edition erhältlich (CHF 31.90)

Die unbestrittenen Ikonen des Rock'n'Roll sind zurück und kanalisieren mit ihrem ersten neuen Album seit über 10 Jahren die elektrisierende Energie der größten Hits der Gruppe. Ihr kolossales neues Album lässt die Geschichte der Band auf fesselnde Weise wieder aufleben, indem es das Verschwinden des mysteriösen sechsten Bandmitglieds Randy Fitzsimmons erforscht. Nachdem er vor einiger Zeit verschwunden ist, steht die Band ohne ihren besten Mann da, und es sieht nicht gut aus auf dem Anwesen. Vielleicht, aber nur vielleicht, wird die Veröffentlichung neuer Musik Randys Aufmerksamkeit erregen und ihn aus der Leere zurückholen...

Release 21.7.2023

Neues Album der Grammy Gewinner aus Michigan, deren erste beide Alben "Anthem Of The Peaceful Army" und "The Battle At Garden's Gate" jeweils auf #3 der deutschen Albumcharts debütierten. Ein starker Vorbote ist die erste Single "Meeting The Master", die sich von einem zarten Akustik Intro zu einem Rock-Monster entwickelt. Zehn Songs enthält das neue Album, die sich mit der Dualität zwischen Fantasie / Realität und dem Kontrast zwischen Licht und Dunkelheit, befassen. Das Album wurde von der Band geschrieben und von Grammy-Gewinner Dave Cobb (Chris Stapleton, Brandi Carlile) produziert. Die Aufnahmen fanden in den legendären RCA Studios in Nashville statt. *

Release 21.7.2023

9tes Album von Damon Albarn, Graham Coxon & Co, ohne Zweifel neben Oasis und Pulp die wichtigsten Vertretern des 1990er-Britpops. Blur stehen 2023 also nicht nur zum ersten MAl seit 30 Jahren wieder gemeinsam auf der Bühne, sondern kehren mit ihrem ersten Album seit "Magic Whip" von 2015 zurück. Produziert hat James Ford (u.a. Arctic Monkey, Foals, Depeche Mode). Die Vorab-Single "The Narcissit" glänzt neben einer unwiderstehlich schönen Gesangslinie von Damon Albarn mit schrammeligen Indie-Gitarren, warmem Bass und prägnantem Backgroundgesang und lässt auf Großes hoffen! Sänger Damon Albarn sagt über das Album: "Diese Platte ist ein Nachbeben, eine Reflektion und ein Kommentar dazu, wo wir uns gerade befinden." Gitarrist Graham Coxon ergänzt: "Je älter und wütender wir werden, desto wichtiger wird es, dass wir mit den richtigen Emotionen und Absichten spielen. Manchmal reicht ein Riff einfach nicht aus.

Release 28.7.2023

Auch als Ltd.-transparent Purple Vinyl-Edition erhältlich (CHF 47.90)

Neues Album der Punkrock- und Metal-Superhelden - bestehend aus Cave In-Sänger/Gitarrist Steven Brodsky, Converge-Schlagzeuger Ben Koller und dem neu hinzugekommenen High on Fire-Bassisten Jeff Matz. Brodsky und Koller, die eine fast telepathische Chemie besitzen, haben sich schon immer dadurch ausgezeichnet, dass sie ihre eigene, einzigartige Art von rasendem, hyperfokussiertem, dynamischem und exzessivem Griffbrett-versiertem Metal kreieren. Wenn man zwei Musiker nimmt, die in der Hardcore-Welt aufgewachsen sind und schnell die technischen Anforderungen übertrafen, um selbst die anspruchsvolleren Varianten dieses Sounds zu spielen, und sie dann dazu bringt, sich gegenseitig spielerisch in unverschämte und eingängige Gefilde zu drängen, erhält man eine grobe Annäherung an den Mutoid Man-Sound. Aber mit dem neuen Bassisten Jeff Matz im Schlepptau hat man nun ein Dreiergespann von Prog-Level-Spielern, die sich dem Metal mit punkiger Respektlosigkeit nähern, auf "Mutants", einem Album, das ihre bisher gelungenste und verblüffendste Leistung darstellt.

Release 7.7.2023

Cory Hansons dritte Solo-LP folgt auf das leuchtende "Pale Horse Rider" von 2020 und steigert die Hitze auf geschmolzene Ebenen, sechs Saiten auf einmal. Auf der Suche nach weiteren Abenteuern schöpft Cory mit vampirischer Freude aus dem Wahnsinn, der durch die Welt da draußen strömt; eine spiralförmige Shitshow, die einen Zwang in ihm wiedererweckt hat - einen alten Ehrgeiz, sogar! - Brutalität und Eleganz zu einem neuen Satz von Steinen zu zermalmen, die auf uns herabhageln. Western Cum ist eine hochtrabende, hart tanzende, erste Liebe/Herzschmerz, heute Nacht ist die Nacht, Zukunftsnostalgie - der Klang von Gitarren durch die Lautsprecher von Luxusautos. Wie der Traum, den du einmal hattest, als du allein in einem Verstärker schliefst und Guns N" Roses aus allen Körperöffnungen schallte. Und es kommt durch! Western Cum "s Karte zum Schatz ist jedoch weniger eine Nachahmung, sondern eher eine Ausführung der Songs mit der Henkersaxt, die ihre enthaupteten Rhythmusköpfe und hochfliegenden Melodien, die ganze Palette von Corys melodischen Impulsen mit Gitarren, Gitarren, Gitarren wälzt. Harmonie-Leads sind nur die Spitze des Eisbergs, aber sei schnell - die Gitarren schmelzen gerne alles, was sich ihnen in den Weg stellt! Die acht Songs von Western Cum werden vom kräftigen Bass von Bruder Casey Hanson und dem Schlagzeug von Evan Backer angetrieben, mit ein paar beiläufigen Akustikklängen von Cory und den gelegentlichen Geisterstöhnen der Steel Guitar von Tyler Nuffer. Der Quartettsound - zwei Gitarren, Bass und Schlagzeug - dient als Beat- und Phrasierungsinstrument sowie als Vorlage für Corys Sechssaiter- und Gesangstexturen. Vom Dach ihres musikalischen Unterschlupfs - die Band in ihrer provisorischen Hütte und Cory in einem Plumpsklo - lassen sie eine Explosion los, die sowohl das Gesicht schmelzen als auch den Verstand überwältigen lässt: ein sozialer Dienst, der Verstopfung einen guten Namen gibt.

Release 7.7.2023

Harveys erstes seit dem 2016 für einen Grammy nominierten "The Hope Six Demolition Project" wurde von den langjährigen Weggefährten Flood und John Parish produziert. PJ Harvey hat seit Beginn ihrer Karriere für Aufsehen gesorgt. Sie ist die einzige Musikerin, die mehr als einmal mit dem britischen Mercury Music Prize ausgezeichnet wurde, zuerst 2001 für Stories From The City, Stories From The Sea und erneut 2011 für Let England Shake. Als Dichterin und bildende Künstlerin sowie als Musikerin und Songschreiberin besticht ihr Werk durch seine Originalität: lebendig, fesselnd und unverwechselbar. Seit der Veröffentlichung von The Hope Six Demolition Project, das in ihrem Heimatland Großbritannien auf Platz 1 der Albumcharts landete, hat sie Kompositionen für Bühne und Film beigesteuert, zuletzt für Sharon Horgans gefeierte Miniserie Bad Sisters. Im Laufe ihrer Karriere hat Harvey immer dafür gesorgt, dass jede Phase ihrer Entwicklung sie zu etwas Neuem geführt hat, aber ihre neueste Musik ist selbst für ihre Verhältnisse kühn und originell. Erfüllt von dem Gefühl einer zyklischen Rückkehr zu neuen Anfängen, verbindet sie ihren kreativen Wagemut mit einem Gefühl der Offenheit und Einladungskraft, und das auf faszinierende Weise. Die neuen Songs, so Harvey, bieten "einen Ruhepol, einen Trost, einen Trost, einen Balsam - was sich für die Zeiten, in denen wir leben, genau richtig anfühlt." Die Geschichte von I Inside the Old Year Dying reicht sechs Jahre zurück, bis zum Ende der Tournee um ihr letztes Album im Jahr 2017 und wie sich Harvey unmittelbar danach fühlte. Sie spürte deutlich, dass sie irgendwo im endlosen Zyklus von Alben und Tourneen ihre Verbindung zur Musik selbst verloren hatte - eine Erkenntnis, die unbeschreiblich beunruhigend war. Es war keine Zeit des kreativen Rückzugs: Dank der Betreuung durch den schottischen Dichter Don Paterson arbeitete sie an Orlam, ihrem zweiten Gedichtband nach The Hollow of the Hand (2015), der letztes Jahr veröffentlicht wurde und eine der wichtigsten Inspirationen für das neue Album war. Hinzu kamen die Neuauflagen von Harveys Vorgängeralben - und, in Neuauflagen, deren Demoversionen -, die zwischen 2020 und 2022 herauskamen. Aber schließlich waren es zwei Dinge, die sie in Richtung neuer Songs, Musik und Klänge trieben. Das eine war die Erinnerung an ein Treffen mit dem Künstler und Filmemacher Steve McQueen in Chicago während der Zeit von Hope Six. Er riet ihr, sich daran zu erinnern, was sie an Worten, Bildern und Musik liebt, und das Konzept, ein "Album" zu schreiben, beiseite zu legen, um sich auf diese drei Leidenschaften zu konzentrieren und mit ihnen zu spielen. Der andere Auslöser für die Rückkehr zur Musik war ganz einfach: der bloße Akt des Musizierens. Wenn sie die Gitarre in die Hand nahm oder sich ans Klavier setzte, um ihre Lieblingssongs von Künstlern wie Nina Simone oder Bob Dylan zu spielen, wurde ihre Leidenschaft für diese Kunstform erneut bestätigt. Bald begann sich etwas zusammenzufügen. Als Harvey begann, neue Songs zu schreiben, hatte sie das befreiende Gefühl, Musik um ihrer selbst willen zu machen, und nicht mehr die ersten Schritte zurück in den Album-Tour-Album-Tour-Zyklus. Sie schöpfte aus dem Gefühl der kreativen Freiheit, das sie bei ihrer früheren musikalischen Arbeit an Soundtracks und im Theater verspürt hatte. Gleichzeitig verlagerte sich ihre Perspektive, weg von den großen Themen von Let England Shake und Hope Six ("looking out, at war, politics, the world"), hin zu etwas Intimerem und Menschlicherem. Die neuen Songs, sagt Harvey, "sind in etwa drei Wochen aus mir herausgekommen". Aber das war nur der Anfang. Der Schlüssel zu dem, was als Nächstes - in den Battery Studios im Nordwesten Londons - passieren sollte, lag in einer fast dreißigjährigen kreativen Verbindung zwischen Harvey, ihrem langjährigen Mitarbeiter und kreativen Partner John Parish und Flood: nominell ein Produzent, obwohl dieses Wort ihm nicht wirklich gerecht wird. "Das Studio war für Live-Auftritte eingerichtet, und das war alles, was wir gemacht haben", sagt sie. Wenn I Inside the Old Year Dying ein sehr greifbares, menschliches Album ist, dann liegt das zum Teil daran, dass so gut wie alles auf dem Album auf Improvisation beruht: spontane Auftritte und Ideen, die im Moment ihrer Entstehung aufgenommen wurden. Die Aufnahme hat etwas zutiefst Erhebendes und Erlösendes an sich, was durch die erste Single des Albums, "A Child's Question, August", verdeutlicht wird. "Ich glaube, das Album handelt von der Suche, der Intensität der ersten Liebe und der Suche nach Bedeutung", sagt Harvey. "Nicht, dass es eine Botschaft geben muss, aber das Gefühl, das die Platte bei mir auslöst, ist das der Liebe - es ist von Traurigkeit und Verlust geprägt, aber es ist liebevoll. Ich glaube, das ist es, was es so einladend macht: so offen.

Release 7.7.2023 - Vinyl voraussichtlich am 28.7.2023

Annie Taylor sind zurück! Mitreißend, roh und zügellos - so lässt sich der neue Song „Love is Blind“ der Schweizer Psychedelic-Grunge-Band beschreiben. Mit der Single kündigt die Band ihr zweites Album „Inner Smile“ an. Es wurde im vergangenen Jahr mit Ali Chant (PJ Harvey, Algiers, Soccer Mommy) aufgenommen und wird am 7. Juli 2023 über Taxi Gauche Records veröffentlicht.

„Love is Blind“ ist ein akustischer Angriff auf die Sinne, eine zweiminütige Explosion der Wut. Sängerin Gini spricht zu Beginn des Songs eine Warnung an alle aus, die es wagen, ihren Weg zu kreuzen: „Stay away before I explode, anything could make me overload.“ Das ist keine leere Drohung, denn die Band stürzt sich schnell in einen gewaltigen Angriff mit verzerrten Gitarren, krachenden Drums und knurrendem Gesang in bissiger Rage. „Love is Blind“ ist ein Beweis für die Kraft des Punkrocks. Eines Genres, in dem es schon immer darum ging, den Mächtigen die Wahrheit zu sagen und die Grenzen dessen, was als akzeptabel gilt, zu überschreiten. Annie Taylor nimmt sich dieses Ethos zu Herzen und schafft mehr denn je Musik, die roh, unverblümt und absolut authentisch ist. Wenn dies nur ein Vorgeschmack auf das ist, was sie auf Lager haben, dann können wir es kaum erwarten, zu sehen, was sie sich als Nächstes einfallen lassen werden.

Release 7.7.2023

Auch als Ltd.-Sky Blue Vinyl-Edition erhältlich (CHF 38.90)

Nach 6 Jahren endlich das transzendent klingende neue Album der US-Songwriterin das ein Zeugnis von Geduld und Entschlossenheit für die Bereitschaft ist, sich durch die Trostlosigkeit des Verlustes zu wandeln, Kraft für Erneuerung zu schöpfen und für den Mut zur Veränderung. Das Titelstück geht arg an Herz und Nieren, wenn die Autodidaktin zu gezupfter Akustikgitarren und Streichern ihre sich von Kolleginnen abhebende Stimme erklingen lässt. "Summer Glass" ist ein fantastischer, lieblicher Blick in die Zukunft, denn hier singt Byrne wunderschön zu einem Konglomerat aus Synth-Chords und sanft tackernder Synth-Linie, auch Streichersound und Akustikgitarre erklingen. Das Songwriting fließt zwischen ihrer charakteristischen fingergezupften Gitarre, dem Synthesizer und einem neu übernommenen Klavier, das durch Ausschmückungen mit Harfe und Streichern erweitert wurde. Die Aufnahmen begannen mit dem verstorbenen Eric Littmann, ihrem langjährigen kreativen Partner und Not Even Happiness-Produzenten, und endeten in den Catskills von New York mit dem Produzenten Alex Somers (Sigur Rós, Julianna Barwick).

Release 7.7.2023

8 Monate sind vergleichsweise lang, um auf ein neues KGLW-Album zu warten: Für Album Nr. 24 hat es sich jedoch gelohnt: "PetroDragonic Apocalypse…" ist (endlich) wieder ein Thrash-Metal Album der australischen Psych-Rock-Legenden. Die Platte knüpft damit an ihr bisher bestes Album an, die klimakämpferische Doom/Stoner-Scheibe "Infest the Rats Nest" (2019). "This one is for all the people out there who wanna watch the world burn" kündigt die Band an. Es geht um "die Menschheit und um den Planeten Erde, aber auch um Hexen und Drachen und so einen Scheiß". Die Vorab-Single "Gila Monster" sowie die apokalyptische Cover-Art versprechen Großartiges. Pflicht für alle in und um das Gizzverse.

Release 7.7.2023

Matador Records beweist sein gutes Näschen für spannende, laute Newcomer. Reinigend und unvorhersehbar wie ein Sommergewitter lärmt das 2x EPs zu einem Album vereinende, aus Chicago stammende Trio Asher Case (Bass, Gesang), Isaac Lowenstein (Drums, Percussions) und Kai Slater (Gitarre, Gesang) mit kantigem, energisch gespieltem Noise-Rock, der am Schlawittchen packt und eine prima Ausgewogenheit aus Chaos und eingestreuten melodischen Hooklines verzeichnet. Knalliger Bass, intensiv ausgepieltes Drumkit und großartige Noiserockgitarren, die rühren, blocken und mit voll ausgepielten Chords für lautmalerische Abwechlsung sorgen. Immer wieder kurze Breaks und Stopps und Distortion im Clash mit zahnenden Melodiositäten beim Gesang. "Crowd Can Talk" erschien ursprünglich im Sommer 2022 beim Chicagoer Label Born Yesterday, "Dressed In Trenches" besteht aus fünf neuen, bisher unveröffentlichten Songs. Beide EPs wurden im gleichen Studio (Electrical Audio) und mit dem gleichen Tontechniker (Mike Lust) aufgenommen.

Release 7.7.2023

Auch als Ltd.-Transparent Blue Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Die skandinavische Formation versteht es wie wenig andere, elektronischen Pop in anschmiegsamen, oft tanzbaren Songs zum Leuchten zu bringen und bei aller Beseeltheit, der sich in dem an Neneh Cherry erinnernden Gesang von Yusuke Nagano äussert, auch eine kosmische Verspieltheit an den Tag zu legen. Das 7te Album räkelt sich mit dem Zeitgeist im Arm und der elektronischen Geschichte im Hinterkopf (mit Verweisen zu Triphop, House und Electro) und entert immer wieder auch den Dancefloor mit geschmeidigem Songwriting.

Release 7.7.2023

Auch Ala Ltd.-White Vinyl-Edition erhältlich (CHF 43.90)

2022 begann Anohni mit dem renommierten Soul-Produzenten Jimmy Hogarth (Amy Winehouse, Duffy, Tina Turner) zu arbeiten - eine Premiere, die alle bisherigen Johnsons-Alben selbst komponiert und produziert hat. Dafür brachte sie Notizbücher voller Text-Ideen zu den Sessions und zusammen mit Hogarth an der Gitarre und Anohni am Klavier entstanden die ersten Demos. Daraufhin rekrutierte Hogarth für die Album-Aufnahmen eine Studio-Band, bestehend aus Leo Abrahams, Chris Vatalaro, Sam Dixon und dem Streicherarrangeur Rob Moose. Hogarths intuitives Gitarrenspiel führt die Hörerinnen dabei durch die zehn Songs, die sich aus Versatzstücken von amerikanischem Soul, britischem Folk und experimenteller Musik zusammensetzt. Dabei schwanken die Songs zwischen Zärtlichkeit und instrumentaler Brutalität, Melodie und Dissonanz. Anohni´s Weltbild prägt die Songs auf ihrem neuen Album, die sich mit unterschiedlichen Themen beschäftigen. Es ist ihr persönlicher Kommentar zu dem Verlust geliebter Personen, Ungerechtigkeiten, Entfremdung, Akzeptanz, Grausamkeit, Umweltzerstörung, Verwüstungen, die durch die Abrahamitische Religionen angerichtet wurden, Future Feminism und die Möglichkeit, dass wir unsere Formen von Denken, unsere spirituellen Ideen und unsere gesellschaftlichen Strukturen, wie unsere Beziehungen erst noch mit dem Rest der Natur in Einklang bringen müssen.

Release 7.7.2023

Eine Sammlung von dreiundzwanzig der beliebtesten Songs von Nick Drake, liebevoll dargeboten und neu interpretiert von zweiunddreißig der talentiertesten Künstler des gesamten musikalischen Spektrums, wird am 7. Juli über Chrysalis Records veröffentlicht. "The Endless Coloured Ways" wurde von Cally Callomon, der Managerin des Nick Drake Estate, und Jeremy Lascelles, dem Mitbegründer von Blue Raincoat Music und CEO von Chrysalis Records, ins Leben gerufen und enthält unter anderem Aufnahmen von Fontaines D.C., Let's Eat Grandma, John Grant, Self Esteem, Emeli Sandé, Guy Garvey, David Gray und vielen anderen. Im Vorfeld der Veröffentlichung des Albums wird Chrysalis eine Reihe von fünf 7"-Singles in limitierter Auflage mit einer Auswahl der versammelten Künstler herausbringen. Die Singles-Serie wird durch eine Bonus-7" vervollständigt, die der limitierten, farbigen 2LP-Variante beiliegt und eine wunderbare, nie zuvor veröffentlichte Aufnahme von Nick Drake enthält, der den Bob Dylan-Song "Tomorrow Is A long Time" zu akustischer Gitarre singt. "Cally und ich haben dieses Projekt mit einem einfachen Auftrag an jeden der Künstler begonnen - sie sollten die Originalaufnahme von Nick ignorieren und den Song in ihrem eigenen Stil neu erfinden. Wir bekamen viele ähnliche Antworten, wobei alle sagten, wie wichtig Nicks Musik für sie gewesen ist und wie sehr sie an diesem Projekt teilnehmen wollten. Als die Ergebnisse nach und nach eintrafen, waren wir begeistert von der Brillanz und dem Einfallsreichtum, den die Künstler gezeigt hatten. Sie hatten genau das getan, was wir uns erhofft hatten - sie hatten den Song zu ihrem eigenen gemacht." - Jeremy Lascelles "Nick Drake war nicht so sehr darauf bedacht, sich selbst zu promoten, aber ich denke, er wäre überglücklich gewesen, zu hören, dass seine Kunst von so vielen dynamischen und talentierten Künstlern neu aufgegriffen und gefördert wurde. Jeremy und ich hielten es auch für wichtig, dass das Album ein zusammenhängendes Hörerlebnis ist, im Gegensatz zu einer Galerie von einzelnen Exponaten. Ob wir diese beiden Ziele erreicht haben, kann nur der Hörer beurteilen. Wir fühlen uns geehrt und sind all unseren Freunden, alten und neuen, die an der Entstehung dieses wunderbaren Sets beteiligt waren, sehr dankbar.

Release 30.6.2023

Daß er eine äusserst interessante Stimme besitzt, die er auf charismatische Weise einzusetzen vermag, bewies er ja schon ausgiebig als Sänger der irischen Post-Punks von Fontaines D.C. auf 3 Alben. Auf seinem Solo-Debut-Album sind die musikalischen Umgebungen dann doch etwas anders geartet. Vorab hörbare Songs wurde mit unverzerrter Gitarre eingespielt. "Fairlines" ist eine klasse, mit einem synkopischem Beat druckvoll nach vorne gehende Uptempo-Nummer mit Handclaps und mäandrierender Fidel, die Chatten´s Stimme ebenso die volle Entfaltung ermöglicht wie das ebenfalls verletzlich, aber auch kraftvoll wirkende "The Score", bei dem eine gezupfte Gitarre, ein toller Bass und Drumcomputerbeat als EInbettung dienen. Das Album wurde dreißig Meilen nördlich von Dublin geboren, wo sich an einer windgepeitschten Promenade inmitten vergessener Küstenstädte ein kleines, verstecktes Kasino befindet, ein Schlupfloch, an dem Billardkugeln und das Klirren von Gläsern in der Lounge-Bar vom allgegenwärtigen Surren der Spielautomaten widerhallt. Das von Fontaines' langjährigem Produzenten Dan Carey mitproduzierte Album enthält die poetischsten Texte, die wir bisher von Chatten gehört haben

Release 30.6.2023

Lucinda Williams' Musik hat sie durch ihre dunkelsten Tage gebracht. Das war schon so, als sie inmitten des Familienchaos im tiefen Süden aufwuchs, wie sie in ihren neuen Memoiren Don't Tell Anybody the Secrets I told You erzählt. In den letzten zwei Jahren war es die treibende Kraft bei ihrer Genesung von einem schweren Schlaganfall, den sie am 17. November 2020 im Alter von 67 Jahren erlitt. Ihr meisterhaftes, mehrfach mit einem Grammy ausgezeichnetes Songwriting hat sie nie im Stich gelassen. Ihr atemberaubendes, sechzehntes Studioalbum Stories from a Rock n Roll Heart enthält einige der besten Werke ihrer Karriere. Und obwohl Williams ihre geliebte Gitarre - ein ständiger Begleiter seit ihrem 12. Lebensjahr - nicht mehr spielen kann, klingt ihr markanter Gesang besser denn je. Die Band rockt beim jubelnden Eröffnungsstück des Albums, "Let's Get the Band Back Together", mit einer Reihe von Background-Sängern, darunter Margo Price und Buddy Miller. Inspiriert von dem Bedürfnis nach Gemeinschaft nach all der Isolation während der Pandemie", so Williams, geht es in dem Song darum, alte Freunde wieder zusammenzubringen, die sich auseinandergelebt haben". Price schließt sich ihr auch bei dem bluesigen Protestsong "This Is Not My Town" an. Das stimmungsvolle "New York Comeback" enthält auch Gastsänger - Bruce Springsteen und Patti Scialfa. Als Lucinda-Williams-Fan stand Springsteen vor einigen Jahren in London mit ihr auf der Bühne, und er und Scialfa wollten schon seit längerem an einem Williams-Album mitwirken. Mit Reese Wynans an der B3 und der Pettibone-Mathis-Gitarren-Attacke passt der musikalische Rahmen perfekt zum Thema von "Comeback", ebenso wie bei dem eingängigen Story-Song "Rock N' Roll Heart", zu dem Springsteen und Scialfa auch Gesang beisteuerten. Williams: "Bruce und Patti bei diesen Songs zu haben, ist wirklich toll. Es ist einfach so cool!" Wie sie auf dem kraftvollen letzten Stück von Stories from a Rock n Roll Heart - einem der besten Alben ihrer Karriere - verspricht, wird Lucinda Williams "niemals verblassen".

Release 30.6.2023

Nachdem das aus Boston stammende Duo mit ihrem 2020er Debüt einen stattlichen Erfolg und jede Menge Aufmerksamkeit einfahren konnte, sind sie mit ihrem zweiten Album nun bei keinem Geringeren als Sub Pop gelandet. Mit ihrem im Heimstudio produzierten "Good Living Is Coming For You" setzen Lira Mondal und Caufield Schnug genau da an, wo sie aufgehört hatten, kombinieren minimalistische Postpunksongs mit einem irre zackigen Pop-Feeling, was an Bands wie Young Marble Giants, Kleenex/LiliPUT, The Organ und Pleasure Leftists erinnert. Dringlicher klingen die neuen Stücke, falls das überhaupt noch möglich ist, die Gitarre flirrt, die rohe Rhythmussektion fordert und Lira´s unfassbare Stimme packt sofort. Eine wundervolle Platte, vollgestopft mit Ohrwürmern, die ihren leicht schmutzigen LoFi-Appeal nicht verloren haben. Ganz groß!

Release 23.6.2023

Gaststars wie First Aid Kit, Shovels & Rope, Scott McMicken, Neko Case, Jim James und andere beleben das 12te Album mit Überraschungen. Acht der zehn Songs des Albums sind Ward-Originale, aber es gibt auch eine unorthodoxe Bowie-Auswahl, "I Can't Give Everything Away" aus "Blackstar", und eine Live-Interpretation von Daniel Johnstons "Story of an Artist".

Release 23.6.2023

In einer braunen Spanplattenhülle mit einer Download-Karte für zusätzliche 44 Minuten Musik. Das sechzehnte Album der New Yorker Noise-Rock-Urgesteine Swans um deren Kopf und Sänger Michael Gira, inklusive einer Schar an namhaften Gästen wie Ben Frost. "Nach zahlreichen pandemiebedingten Tourabsagen für das vorherige Swans-Album "Leaving meaning" und einer scheinbar bodenlosen Grube des Wartens, Wartens, Wartens und der seltsamen Orientierungslosigkeit, die mit dieser plötzlichen, aber nicht enden wollenden erzwungenen Isolation einherging, beschloss ich, dass es Zeit war, Songs für ein neues Swans-Album zu schreiben und alles andere zu vergessen. Es fiel mir relativ leicht, sie zu schreiben, immer in dem Bewusstsein, dass es meine letzten sein könnten. Als ich endlich in der Lage war, mit den Songs in der Hand nach Berlin zu reisen, um mit meinen Freunden an diesem Album zu arbeiten, war das Gefühl ähnlich wie der Moment in 'Der Zauberer von Oz', wenn der Film von Schwarz-Weiß auf Farbe wechselt. Jetzt fühle ich mich ziemlich optimistisch. Meine Lieblingsfarbe ist rosa. Ich hoffe, dass euch das Album gefällt.

Release 23.6.2023

2tes Album. Im Sommer 2021 tauchte die Band wie aus dem Nichts auf und obwohl die 5 Jungs aus Brooklyn eigentlich vorhatten, nur ein paar Songs vor dem College zu veröffentlichen, wurde schnell ein Album draus, dass u.a. von der NY Times, Stereogum, Rolling Stone gefeiert wurde und ihnen Auftritte im TV bei Colbert und im Vorprogramm von Jack White einbrachte. '3D Country', von der Band und James Ford (Arctic Monkeys, Depeche Mode, Shame) co-produziert, entpuppt sich als ein abgefahrener, wilder und unvorhersehbarer Ritt, der eine Welt unter die Lupe nimmt, die nicht mehr so ganz die alte zu sein scheint.

Release 23.6.2023

Birdman Jäggi erschaffen Mundartmusik, wie sie heute klingt. Elektronisch kühl, mit eingängigen Hooks und kleinen Geschichten, in denen sich die grosse, weite Welt spiegelt.
Birdman Jäggi. Eine neue Mundart-Band, gestartet von zwei gestandenen Musikern aus Bern. Simon Jäggi - Sänger der Kummerbuben, Thierry Lüthy - musikalischer Kopf der Brasskappelle Traktorkestar. Birdman Jäggi ist für beide ein Flug in neue Welten.

Das Debut-Album «Zieh di ab, mir müessä redä» enthält 10 Songs, die kleine Geschichten erzählen. Oftmals nur
skizzenhaft umrissene Figuren und Bilder, bei denen die Hörenden die Zwischenräume mit ihrer eigenen Fantasie ausmalen. Birdman Jäggi, das ist Musik für Fahrten durch die Nacht und ähnliche Gefühlslagen.


LINE UP
Frontmann, Gesang & Performance: Simon Jäggi
Gitarre: Tom Etter
Piano und Synthie: Milan Slick
Drums: Tobi Heim
Und Thierry Lüthy? Hütet zuhause den Nachwuchs, der noch nicht flügge ist.

Release 23.6.2023

Der Titel des 9ten Albums ist einem Freund der Anfang der 2004 in Alaska gegründeten Band gewidmet. Der Song "Dummy" ist ein etwas schräger, aber auch pop-orientierter Song, der mit Funk flirtet und mit den Gitarren und den Hiphopdrums etwas nach Beck klingt. Etwas ungewöhnlich dagegen der Dub/Reggae-Einfluss auf "Thunderdome", das der Seele Amerikas auf den Grund zu gehen versucht und vom MItwirken der mexikanischen Musikerin Natalia Lafourcade geprägt ist, zudem ist der omnipräsente The Roots-Rapper hier mit am Start

Release 16.6.2023

Die auf dem Cover abgebildeten Klampfen und ein erster Ausschnitt weisen schon darauf hin, daß das Album des norwegischen Progrock-Trios Bent Saether und Hans Magnus Ryan und dem hier wieder mitwirkenden Drummer Tomas Järmyr für ihre Verhältnisse viel und oft mit akustischen Gitarren hantiert. Die drei orientieren sich in Richtung Classic Rock der 60er/70er Jahre mit einem hohen Grad an Melodiosität und einer hippiesken Ausrichtung im Spektrallicht, das auf weite, vom Wind zerzauste Blumenwiesen fällt. Alles im Rahmen des bandtypischen Sounds. Das Album entstand im ersten Corona-Jahr und spiegelt gewissermassen auch den Wunsch nach ein bisschen mehr Heiler Welt, die es zu der Zeit gar nicht zu geben schien, was die leicht süssliche Note, die das Album durchzieht, auch erklärt. Beim elektrisierenden "Hotel Dedalus" blitzen dann aber doch auch ein bisschen die Zähne und die Gitarre spielt unter Gewitterhimmel ein großartiges Solo zu Streicherkeyboards und voll ausgespieltem Drumkit. Das Album erzeugt eine Art Balance zum etwas sperrigeren, progressiven Vorgängeralbum und wurde von Reine Fiske und Lars Fredrik Swahn (Dungen, Melody's Echo Chamber) produziert, die dem Album eine psychedelische verpasst haben.