Release 29.9.2023

Auch als Ltd.-Indies Only Vinyl-Edition erhältlich (CHF 42.90)

Auf seinem allerersten Soloalbum unter eigenem Namen liefert David Eugene Edwards einen ganz eigenen Sound mit einer Verletzlichkeit und Introspektion, wie man sie von ihm noch nie gehört hat. "Hyacinth" nimmt den schweren Rock seiner jüngsten Arbeit mit Wovenhand zurück und stellt die Stimme des Mannes und die sparsame Instrumentierung in den Mittelpunkt. Die Songs sind von einer düsteren Schönheit und einem weltmüden Ton durchzogen. Das Album könnte als eine leichte Rückkehr zu den melodischeren Klängen von 16 Horsepower´s Secret South (2000) und dem ersten, selbstbetitelten Wovenhand-Album (2002) betrachtet werden. Aber hier ist mehr los: eine rhythmische, pulsierende Unterströmung, die an die Tape-Loops und rudimentären Rhythmen des 80er-Jahre-Industrial-Post-Punk sowie an 808-Drill-Style-Beats erinnert. "Hyacinth war eine Art Vision", sagt Edwards. "Ein Traum. Ich suchte in meinem alten Holzbanjo und meiner Nylonsaitengitarre einen verborgenen Weg. Geheimnisse, die sie in all den Jahren vor mir verborgen gehalten hatten, und schuf für mich einen neuen Mythos aus philosophischen und spirituellen Ideen oder Konzepten."

Release 29.9.2023

Bruder Alain Croubalian (1964-2021) ist mitten der Aufnahmen zu diesem Album verstorben und nimmt uns mit auf seine letzte Reise seiner Geschichten, die er über die Jahre mit seinen vielen Mit-Musikern geschrieben hat. Zu diesen Aufnahmen sei gesagt, dass Alain gegen Ende der Sessions von uns gegangen ist und wir in enger zusammen Arbeit mit seinem Text Partner/Poeten Marc Littler diese Songs ins finale Leben rufen, Resli Burri und Bertrand Siffert haben die ganzen Spuren zusammen gemischt , geschnipselt und verfeinert, und diese allerletzten Songs liegen nun auf diesem wunderbaren Tonträger vor, zudem Luc Navette das Cover gezeichnet hat. "Wayfaring Stranger" war der letzte Song, den The Dead Brothers jemals aufgenommen haben, und ein Wunsch der Hinterbliebenen, diesen als Abschieds- und auch Willkommens-Song der unglaublichen "The Dead Brothers" zu sehen. The Dead Brothers haben als Beerdigungskapelle angefangen und spielen nun auf ihrer eigenen, in dem Wissen im laufe ihres Schaffens viele Musiker und Bands weltweit inspiriert (u.a.The Dresden Dolls, Gogol Bordello etc) Du kennst THE DEAD BROTHERS, the one and only Death Blues Funeral Orchestra noch nicht? Die Dead Brothers sind eine Klasse für sich: Ein "Beerdigungsorchester", das mit dem Todesblues tief in die Seele eindringt. Rau, aber mit einer sehr warmen Attitüde aus Volksmusik, psychotischem Punk, Bluegrass, der zu Blackgrass wird, Rock'n'Roll und Weltmusik. Aber warte nicht, bis DU tot bist!

Text von Voodoo Rhythm Records






Voodoo Rhythm Records

Release 27.10.2023

Am 27. Oktober erscheint ihr neues Album "Chronicles of a Diamond" bei ATO Records. Produziert von Quesada und hauptsächlich abgemischt vom sechsfachen Grammy-Preisträger Shawn Everett (Alabama Shakes, The War on Drugs), übernimmt Burton auf den zehn Songs die Rolle des Co-Produzenten und lässt seine freigeistige Musikalität in jeden Track einfließen. "It felt like a metamorphosis in a way that was both beautiful and difficult, but in the end feels more true to who we are as collaborators", erzählt der Sänger. Die Songs entstanden zwar im Studio, fangen aber definitiv auch die verrückte Energie ein, die während den Live-Shows der beiden entsteht. Das endet in einem besonderem Hybrid aus Soul und symphonischem Pop, der verrückter und extravaganter als sein Vorgänger komponiert wurde. Inklusive unerwartete Ausflüge in Jazz-Funk und psychedelische Gefilde samt hypnotischen Rhythmen, wilden Gitarrenriffs und stimmungsvollen Mellotron-Melodien, die eine tranceartige Euphorie ausstrahlen. „With this album I felt very free in my vocal performance, which has a lot to do with Adrian hearing something in my voice and helping me to explore that”, ergänzt Burton. Als Black Pumas 2019 ihr selbstbetiteltes Debüt veröffentlichten, löste das Duo aus Austin eine Reaktion aus, die fast so außergewöhnlich und mitreißend war wie ihre Musik selbst. Gefeiert von den Medien, hagelte es insgesamt 6 Grammy Award-Nominierungen (darunter Best New Artist und Album of the Year). Neben Live-Auftritten bei den genannten Grammy Awards, spielten die Black Pumas außerdem bei der Übertragung des NFL Drafts sowie zur Amtseinführung von Joe Biden. Sie tourten durch ganz Europa sowie Nord- und Südamerika und waren bei bekannten Late-Night-Shows wie Jimmy Fallen, Jimmy Kimmel, Ellen DeGeneres oder Stephen Colbert zu sehen. Ihr Album verkaufte sich über eine Millionen Mal, alleine ihre Single "Colors" steht inzwischen bei über 450 Millionen Streams. Nun ist es an der Zeit, das zweite Kapitel der Band aufzuschlagen.

Release 17.11.2023

Auch als Ltd.-Pink Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 42.90)

Nachdem The National den Soundcheck für ihren Auftritt in Vancouver am 5. Juni 2023 beendet hatten, spielte die Band einfach weiter. Etwas braute sich zusammen: Die prägnanten Gitarrenparts von Aaron und Bryce Dessner trafen auf den Signature-Drumbeat von Bryan Devendorf. Als der Bassist Scott Devendorf loslegte, fing Matt Berninger an, einige Zeilen zu singen, die schon seit ein paar Jahren in ihm reiften. " Smoke detector, smoke detector / All you need to do is protect her", intonierte er. Ihr Tontechniker ließ die Aufnahme laufen und plötzlich war es ein 12 Minuten-Jam. Sie wussten, dass sie etwas Besonderes hatten, und nahmen die Live-Aufnahme bald darauf in Aarons Studio mit. Sie haben ein paar Minuten gekürzt, aber ansonsten das beibehalten, was auf der Bühne in Vancouver passiert ist. Dieser Song, "Smoke Detector", ist der krönende Abschluss von "Laugh Track", die überraschende zweite Hälfte eines Doppelalbums, das im April mit "First Two Pages of Frankenstein" begann. Es erwies sich als das letzte Kapitel eines Werks, das ansonsten neben dem Schwesteralbum geschrieben wurde - der Schlussakt einer Katharsis, die zeigt, was The National in den letzten drei Jahren durchgemacht haben. Vor zwei Jahren war die "Smoke Detector"-Zeile einer der wenigen Fetzen, die Matt während einer lähmenden Depression schreiben konnte und das zu einer Zeit, in der sich die Band fragte, ob sie jemals wieder ein Album machen würde. Nach der Pandemie belebte ihr neuer Glaube aneinander die kreativen Fähigkeiten wieder. "Weird Goodbyes", das bereits im August 2022 erschien, war ihr erster Durchbruch und der erste Vorgeschmack auf diese neue Ära. "Wir haben es wirklich schnell veröffentlicht, weil es wie ein Baby war, das in der Dunkelheit geboren wurde, oder so", lacht Matt. "Wir mussten es den Menschen zeigen". Aber als sie schließlich mit diesem umfangreichen Werk vorankamen, entschieden sie sich, "Weird Goodbyes" nicht auf das Frankenstein-Album zu nehmen. "Es fühlte sich an, als ob die Geschichte bereits erzählt worden wäre. Es war eine eigene Sache", sagt Aaron. "Aber es fühlte sich auch so an, als hätte es einen Bezug zu dem, was wir taten. Das war ein Teil der Logik für die Aufnahme einer weiteren Platte - wir wollten "Weird Goodbyes" ein eigenes Zuhause geben." "Laugh Track" ist das vielleicht musikalisch bedingungsloseste Album, welches die Band seit Jahren gemacht hat. Es ist aufmüpfig und dennoch leichtfüßig, doch es enthält ebenso viel seltene, ungebremste Schönheit wie Trostlosigkeit. Thematisch gibt es keine absichtliche Trennung zwischen "Frankenstein" und "Laugh Track". Während Matt auf "Frankenstein" eher auf der Suche nach einem Zufluchtsort war, hat er hier eine neue, klare Sicht auf das, was zählt. Sein dringendes Bedürfnis nach Intimität wird durch eine immer größere Angst vor der Unwirklichkeit des modernen Lebens noch verstärkt. Die Charaktere auf diesem Album (keine Vornamen, abgesehen von einer Tourmanagerin namens Alice - nur "ich" und "du") decken einander, träumen füreinander und helfen, den Schein zu wahren - und lösen damit das Versprechen von der gegenseitigen Fürsorge ein, das Matt auf dem Frankenstein-Schlusslied "Send for Me" gegeben hat. Wenn "Frankenstein" ein Zeichen für die Wiederherstellung des Vertrauens zwischen den einzelnen Bandelementen war, so ist das lebendige und neugierige "Laugh Track" das selbstbewusste Produkt dieses Prozesses und eine Absichtserklärung für jetzt und die Zukunft.

Release 20.10.2023

Nach der Veröffentlichung der letzten Singles "My Big Day" und "Diving" (feat. Holly Humberstone) haben Bombay Bicycle Club "I Want To Be Your Pet" veröffentlicht - die neueste Auskopplung aus ihrem kommenden sechsten Album "My Big Day" (erscheint am 20. Oktober).

My Big Day" enthält Kollaborationen mit Damon Albarn, Jay Som, Nilüfer Yanya und einem noch anzukündigenden Special Guest und wurde von Jack Steadman, dem Frontmann der Band, in den The Church Studios in Nordlondon produziert. Über 'I Want To Be Your Only Pet' sagte Jack: "Ich habe beim Soundcheck mit Gitarrensounds herumgespielt und fing an, dieses Riff zu spielen. Jamie muss etwas darin gehört haben, denn er holte sein Handy heraus und begann mit der Aufnahme. In den nächsten Monaten schrieb er mir ständig SMS und fragte: 'Hast du schon einen Song über dieses Riff geschrieben? Schliesslich habe ich das getan, damit er mich nicht weiter belästigt. Für mich klingt es so, als ob die Beatles aus der Abbey Road-Ära ein Kind der Liebe mit den Queens of the Stone Age aus der Rated R-Ära hätten."

Release 10.11.2023

Auch als Ltd.-White Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Cat Power Sings Dylan: The 1966 Royal Albert Hall Concert" wurde am 5. November 2022 in der berühmten Londoner Royal Albert Hall aufgenommen und zeigt Chan Marshall wie sie Song für Song eines der legendärsten und transformativsten Live-Sets aller Zeiten nachspielt. Im Mai 1966 fand das Konzert in der Manchester Free Trade Hall statt, das aufgrund eines falsch beschrifteten Bootlegs lange Zeit als "Royal Albert Hall Concert" bekannt war. Bei dem Originalauftritt wechselte Bob Dylan in der Mitte des Konzerts von der akustischen auf die elektrische Gitarre, was den Zorn der Folk-Puristen auf sich zog und den Verlauf des Rock 'n' Roll für immer veränderte. "Cat Power Sings Dylan: The 1966 Royal Albert Hall Concert" würdigt liebevoll Dylans Spuren in der Geschichte und bringt eine bezaubernde Vitalität in viele seiner am meisten verehrten Songs, einschließlich "She Belongs to Me" und "Ballad of a Thin Man"

Release 27.10.2023

Auf seinem achten Studioalbum entwickelt sich DJ Shadow in 14 überwiegend instrumentalen Tracks als Produzent und Songwriter weiter. Es ist eine aufregende neue Ergänzung zu seinem einflussreichen Werk, das von seiner Rastlosigkeit geprägt ist, immer auf der Suche nach einem untergegangenen Juwel aus dem Mülleimer der Musikgeschichte oder einem frischen Sound der Gegenwart ist. Die ersten gesampelten Worte, die auf "Action Adventure" zu hören sind, sind "all my records and tapes". Es sind einige der einzigen Worte, die auf dem fast ausschließlich instrumentalen Album zu hören sind; sie sind eine Art These für ein nach innen gerichtetes Projekt, das von Shadow allein und ohne Mitstreiter gemacht wurde. Action Adventure sagt dem Hörer: "Hier geht es um meine Beziehung zur Musik. Mein Leben als Sammler und Kurator. Alle meine Platten und Kassetten, und die von niemandem sonst". Die Arbeit am neuen Album brachte Shadow dazu, sich intensiver mit der Komposition zu beschäftigen. "Ich wollte keine Musik schreiben, die für Vokalisten gedacht ist. Ich wollte Musik schreiben, die verschiedene Energien freisetzt", sagt er. Obwohl er nicht klassisch ausgebildet ist, stellte er sich Fragen wie "welche Akkordfolge wäre hier am natürlichsten und welche am wenigsten vorhersehbar" und arbeitete nach der inneren Logik, die sich für ihn richtig anfühlte. Seine Regel für die Platte war einfach: keine Kompromisse. "Action Adventure" erinnert an die goldenen Zeiten des Videothekenbesuchs, ein passender Titel für ein Album voller Klanglandschaften und dem bedrohlichen, mysteriösen Gefühl, das sich durch seine gesamte Arbeit zieht. "You Played Me" wurde teilweise durch eine eBay-Auktion von 200 Kassetten inspiriert, die von einem Radiosender aufgenommen wurden, der in den 80er Jahren die Gegend um Baltimore/D.C. versorgte - eine ausgeprägte Mischung aus Tanzmusik, R&B und frühem Hip-Hop. Shadow hörte sich Platten aus seiner Sammlung an, die er noch nicht gehört hatte, während sein Instrumentalbett in einer Schleife darunter lief. Er legte die Nadel auf eine obskure R&B-A-Capella-12-Inch aus der Mitte der 80er Jahre und der Track war wie aus einem Guss. "Craig, Ingels & Wrightson" ist düster und geisterhaft, eine Anspielung auf die Horror-Comiczeichner der 50er Jahre, die im Titel des Stücks genannt werden. Das cineastische letzte Viertel des Albums besteht aus dem fast 8-minütigen "Reflecting Pool", einer experimentellen Collage aus knirschenden Percussions und schrillen Synthies.

Release 29.9.2023

Auch als Ltd.-Red Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 34.90)

Ahora, die neue Platte von Melenas, ist das genaue Gegenteil von "dem schwierigen dritten Album". Während andere Bands unter einem Mangel an Inspiration leiden, der typisch für diesen heiklen kreativen Moment ist, erscheint unser spanisches Quartett unbesiegbarer denn je, mit einer Sammlung umwerfender Songs und revitalisiert mit einer herrlichen neuen Klangpalette, die folgende Frage aufwirft: Kann man Jangle Pop und Garage Rock mit Synthesizern machen? Wenn man sich Songs wie "K2" oder "Bang" anhört, ist die Antwort ein klares Ja, denn das herrliche Pochen der analogen Keyboards, die Ahora dominieren, verrät nicht den Sound von Melenas, diese brodelnde Vibration, die bisher die Gitarren lieferten und ihre Songs in den Pop-Himmel trieben. Die neuen Texturen, die Vintage-Synthesizer wie der Korg Delta oder der Yamaha PSR-36 liefern, bewahren diese Unmittelbarkeit und prägen faszinierende neue Farbschattierungen, indem sie die klangliche Identität der Band ausdehnen und mit neuen Nuancen versehen, vom kristallinen Pop von "1986" bis zu den düsteren, aber bewegenden Untertönen von "Flor de la Frontera". Dieser neue Reichtum an Klangfarben steht im Übrigen im Einklang mit einem Album, auf dem Melenas viel zu sagen haben: Sein Titel (übersetzt "Now") will, so die Band, "die Bedeutung der Zeit rechtfertigen, um darüber nachzudenken, wie wir unseren Alltag leben, mit wem wir unsere Momente teilen und wie wir es tun (oder nicht tun) wollen". Eine Erkundung ihrer eigenen Identität, ihrer Beziehungen zu anderen und der Bedeutung von "Zusammengehörigkeit, geteilten Gefühlen und gemeinsamen Aktionen". Gleichzeitig vertiefen die neuen Klänge symbolisch diese Themen: Das Konzept der Zusammengehörigkeit wird in den Gesangsharmonien vermittelt, die reichhaltiger und ausgefeilter sind. Das Konzept der Zeit wird mit Hilfe einiger verblüffender Sequenzer, Arpeggiatoren und mechanischer Rhythmen vermittelt. Kombiniert mit Melenas´ Gespür für Pop machen diese Elemente viele dieser Songs zu einer aufregenden Mischung aus dunkleren, maschinenartigen Tönen (die Cold-Wave-Echos von "Flor de la Frontera", der Kraut-Rhythmus von 'Bang') und himmlischen Melodien. All dies wird mit einer Fülle von schillernden elektronischen Arrangements verwoben, die handwerklich perfekt gemacht sind, aber mit der Energie einer Live-Band gespielt werden, in einer sehr post-punkigen Verbindung von Synthesizern mit echtem Bass und Schlagzeug. Das Ergebnis sind solche Wunder wie "Dos pasajeros", "Tu y yo", "1986" oder das wunderschöne "Promesas", letzteres ein wahrer Neo-Synth-Pop-Klassiker. Melenas sind mehr denn je im Besitz ihrer kreativen Kräfte. Nicht so sehr, um ihrer Musik - die im Wesentlichen immer noch in der Liebe zum Pop verwurzelt ist - eine neue Wendung zu geben, sondern um ihre Songs mit einer neuen elektronischen Energie und einem neuen Vibe zu versehen.

Release 24.11.2023

Obwohl es das dritte Album von Ghost Woman innerhalb von 18 Monaten ist, glaubt Songwriter und Multiinstrumentalist Evan Uschenko, dass dies das erste Album ist, das "endlich die wahre Natur der Band einfängt". Das Album wurde größtenteils live in drei Tagen in den analogen Kerwax-Studios in der Bretagne, Frankreich, von Christophe Chavanon (The Good Damn) aufgenommen. Uschenko erklärt, dass "die ersten beiden Alben nie als Alben gedacht waren: Sie sind wie Seiten aus Tagebüchern, die längst verbrannt sind. Mit der Einführung von Ille van Dessel als Co-Autorin/Drummerin fühlt sich das Projekt an, als ob es eine Richtung hätte". Es gibt eine Zuversicht und Sicherheit, die auf dem gleichnamigen Debüt von 2022 und dem Nachfolger "Anne, If", der erst im Januar 2023 veröffentlicht wurde, aufbaut. Diese Dringlichkeit, voranzukommen und sich weiterzuentwickeln, spiegelt sich in der Band wider: "Wir ziehen es vor, beschäftigt zu sein. Aber wir sind auch faul. Wir haben immer noch das Gefühl, dass wir viel mehr machen könnten." Insgesamt wirkt das Album im Vergleich zu früheren Veröffentlichungen düsterer und dichter, aber der Sound und die Stimmung dieses Albums entsprechen eher dem, was das Projekt sein sollte, als es 2016 begann, und verwirklicht endlich die kreative Vision von Ghost Woman. Man taucht sofort in das Album ein und wird von den unaufhörlichen Riffs von "Bonehead" in den Bann gezogen, die den Rahmen für das Folgende bilden. Als Nächstes folgt der echolastige Garagen-Surf-Twang von "Alright Alright". Die Eröffnungszeile "take a little walk with me..." hat eine düstere, gotische Färbung, die auch bei Murder Ballads oder Peaky Blinders nicht fehl am Platz wäre. Klanglich hält sich das Album in einer warmen, analogen Klangwelt zusammen, aber mit wenigen verdaulichen Gesangsmelodien, die die Tracks lenken oder ihre Bedeutung leicht aufgeben. Das ist eine bewusste Entscheidung, denn, so Uschenko, "es gibt nie ein Konzept, wenn es darum geht, etwas zu erschaffen, und keine Absicht hinter allem, was wir erschaffen, außer Krach zu machen und ein Album fertigzustellen". "Yoko" kehrt zu einem tuckernden Boogie zurück, der durch schrille Gitarren und einen Breakdown in der Mitte des Songs zum Leben erweckt wird, der vermuten lässt, dass die Live-Version die dreieinhalb aufgenommenen Minuten bei weitem überdauern wird. Die meisten Songs sind in ihrer Spielzeit ähnlich zurückhaltend, was auf einen starken Sinn für Fokus und Schnitt hindeutet, anstatt die Songs mit sich selbst davonlaufen zu lassen. Nur Juan" überschreitet wirklich die Fünf-Minuten-Marke und fühlt sich wie das Herzstück des Albums an; eine überschwängliche Verschmelzung der Themen und Töne, die ihn umgeben. Die Band sagt, dass "diese Songs gemacht wurden, um live gespielt zu werden", und der abschließende Build wird perfekt im dunkelsten, lautesten Club funktionieren, den man finden kann. Der Titeltrack setzt diese positive Entwicklung fort. Der Titel ist eine Anspielung auf das Sprichwort "Hindsight is 20/20", das auf dem schiefgegangenen Tattoo eines Freundes basiert. "Vielleicht bedeutet es, dass das Leben nur aus Zufall besteht. Vielleicht bedeutet es, dass gesunder Menschenverstand nicht so verbreitet ist", sagt die Band. Der Gesang ist in Hall getaucht und die Bedeutung wird oft eher angedeutet als explizit. Die Gitarren sind härter und der Gesang ist weniger leicht zu erkennen, aber Uschenko glaubt, dass "Gesang nicht wichtig ist. Wir ziehen es vor, nicht verstanden zu werden. Wenn Sie in den Texten eine Bedeutung suchen, empfehle ich Ihnen, eine Lenny Bruce-Platte zu kaufen". In der Tat ein guter Rat, also tauchen Sie in dieses Album ein und erzählen Sie Ihren Freunden davon, ohne den Vorteil der Rückschau, ob 20/20 oder anders. Insgesamt schätzen Ghost Woman, dass sie dort angekommen sind, wo sie immer hinwollten: "Es ist der Sound, der es sein sollte. Es ist die Band als Ganzes".

Release 29.9.2023

Das dreizehnte Studioalbum wurde über einen Zeitraum von zwei Jahren im legendären Chicagoer Studio - The Loft - aufgenommen. Die zehn neuen songs stammen aus der Feder von Bandleader Jeff Tweedy und werden von der langjährigen Stammbesetzung Nels Cline, Mikael Jorgensen, Glenn Kotche, John Stirratt, Pat Sansone und natürlich Tweedy am Gesang begleitet. Nach einem kurzen Abstecher zu ihren Country-beeinflussten Wurzeln auf dem letztjährigen Doppelalbum "Cruel Country" kehren Wilco mit Cousin in ihr vertrautes progressives und experimentelles Rockgebiet zurück. Tweedys einzigartige Songwriter-Stimme ist in vollem Umfang zu hören, mit Texten, die eine Vielzahl von Themen umfassen - von ikonoklastisch bis introspektiv. Ein einzigartiges und neues Element im Aufnahmeprozess war die Beteiligung der walisischen Singer/Songwriterin Cate Le Bon als Produzentin - das erste Mal seit über zehn Jahren, dass eine Außenstehende aktiv an einer Wilco-Aufnahmesession beteiligt war. Le Bon brachte ihre einzigartige musikalische Perspektive in den charakteristischen Sound der Band ein und stellte sie vor die inspirierende neue Herausforderung, ihre musikalischen Grenzen zu erweitern.

Release 6.10.2023

Auch als Ltd.-Clear Vinyl-Edition erhältlich (CHF 42.90)

Hania Ranis drittes Soloalbum »Ghosts« erscheint im Oktober 2023. Auf dem Album sind Patrick Watson, Olafur Arnalds und Duncan Bellamy (vom Portico Quartett) zu hören und es wurde mit Hilfe von Viktor Orri Árnason (Arrangements), Greg Freeman (Mixing) und Ziemowit Klimek (Bass, Moog) aufgenommen.

»Mit ›Ghosts‹ wollte ich etwas von Grund auf neu beginnen, mit Werkzeugen und Geschichten, mit denen ich nicht vertraut war, die mir aber am Herzen lagen. ›Ghosts‹ ist eine Geschichte über Leben und Tod, Licht und Dunkelheit, real und unwirklich. Es ist ein Versuch, letzte Qualitäten zu berühren und meine eigenen Mythologien zu erschaffen; mich Ängsten zu stellen, tief in Dinge einzutauchen, die mir Angst machen, mich aber auch unbewusst verführen. ›Ghosts‹ versammelt all diese Dinge und vermischt die Vergangenheit, die Gegenwart und die Zukunft zu einem neuen Sound von mir.

Release 27.10.2023

Auf den 12 Tracks von "God Games" stoßen Alison Mosshart und Jamie Hince in neue klangliche Gefilde vor, ohne dabei die für die Band typische Bravour zu verlieren. Nach der Doppelsingle "New York/LA Hex" vom Juli 2023 wird die Albumankündigung am 30. August von der Single "103" begleitet. Während "LA Hex" seinen Blick auf die emotionalen und zwischenmenschlichen Realitäten des modernen Lebens in Los Angeles richtete, beleuchtet "103" (Fahrenheit) die brutale Realität der beängstigenden Unbewohnbarkeit der Stadt durch die Linse eines dunklen, verdrehten Liebesliedes - Mosshart singt schneidende Texte wie "stick with me under the last palm tree / and sip a little water from the dirty fountain meant to be / the sum of it all".

Release 10.11.2023

Alles ist nur Übergang": So heißt das neue Album Max Riegers. Man kann dies als künstlerisches Credo betrachten, als Selbstbeschreibung, als ästhetisches Programm. Bei Max Rieger war es schon immer so; es ist immer schon alles im Übergang gewesen: im Werden, im Fluss. Seit über einem Jahrzehnt gehört er zu den prägendsten Künstlern im deutschen Pop, wandlungs- und erfindungsreich wie kaum einer sonst. Mit seiner Gruppe Die Nerven hat er dem elektrisch verstärkten Gitarrenrock hierzulande eine neue Gestalt und neue Schärfe geschenkt. Fünf Alben haben Die Nerven seit 2012 herausgebracht, zuletzt 2022 ihr schwarzes Album, finstere, harte, zugleich nihilistische und ironische Musik, getragen von großer Weisheit und dem Wissen um die Weisheit des Primitiven. Max Rieger ist auch ein großer Klangschöpfer, er ist jemand, der Musik und Ideen zu veredeln versteht, der sich ebenso inspirieren lässt wie er inspiriert. Für eine ganze Generation junger Künstlerinnen und Künstler ist er zu einem wichtigen, prägenden Partner und Mentor geworden, als Produzent und als unterstützender Songwriter. Er hat für Casper 2022 das Album "Alles war schön und nichts tat weh" produziert, Mia Morgan, Stella Sommer, Ilgen-Nur, Jungstötter und Drangsal gearbeitet und zuletzt mit den legendären Noise-Pionieren Swans. Wer die wahre Größe Max Riegers ermessen will, der - freilich - muss seine Soloalben anhören, die er unter dem Namen All diese Gewalt veröffentlicht. "Kein Punkt wird mehr fixiert" hieß das Solo-Debüt 2014, seither sind zwei weitere Alben erschienen, das majestätisch-weiche "Welt in Klammern" 2016 und das kühle "Andere" von 2020. "Alles ist nur Übergang" ist nun sein viertes Werk als All diese Gewalt, es führt die großen Linien des Rieger"schen Schaffens fort und hebt seine Kunst doch auf eine neue Ebene: So organisch, so schwebend hat seine Musik noch nie geklungen, so scheinbar anstrengungslos dahingespielt und zugleich intensiv, mit einem unwahrscheinlichen Gespür für Dramaturgien, für das rechte Maß zwischen dem Treibenlassen der Klänge und dem plötzlich alles ändernden Break.

Release 10.11.2023

Hadsel ist das erste neue Album seit Beiruts 2019 veröffentlichtem Album "Gallipoli". Aufgenommen auf der norwegischen Insel Hadsel, kurz nachdem ein körperlicher und mentaler Zusammenbruch Condon dazu zwang, seine Tournee für 2019 abzusagen, suchte er nach einem Ort, an dem er sich erholen konnte, nachdem er sich in einem Zustand des Schocks und der Selbstzweifel befand. In der Isolation arbeitend, erklärt Condon: "Ich war in einer Trance verloren. Ich stolperte blindlings durch meinen eigenen mentalen Zusammenbruch, den ich seit meiner Teenagerzeit verdrängt hatte. Er kam und läutete mich wie eine Glocke. Ich quälte mich mit vielen Dingen der Vergangenheit und der Gegenwart, während die Schönheit der Natur, die Nordlichter und die furchterregenden Stürme um mich herum ein beeindruckendes Schauspiel boten. Die wenigen Stunden Licht brachten die unergründliche Schönheit der Berge und Fjorde zum Vorschein, und die stundenlange Dämmerung erfüllte mich mit gedämpfter Erregung. Ich würde gerne glauben, dass die Landschaft irgendwie in der Musik präsent ist. Das Ergebnis ist eine Sammlung von Liedern, die diese Verletzlichkeit, den Sinn für Selbstbestimmung und den Glauben daran, dass man nach einem Zusammenbruch wieder lernen kann, allein zurechtzukommen, auf wunderbare Weise widerspiegeln.

Release 29.9.2023

Auch als Ltd.-Indies Only Orange Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 47.90)

Mit "The Harmony Codex" veröffentlicht Steven Wilson sein siebtes Album. Wer "The Harmony Codex" hört, hat das Gefühl, sich in einer Escher-Zeichnung zu verlieren, die nur aus Sound besteht. In den zehn Tracks des Albums navigiert Steven Wilson durch ein Wirrwarr von Erinnerungen und führt den Hörer über Pfade, auf denen sich Schatten von Reflexion, Nachdenklichkeit und Wehmut ausbreiten. Erdacht und zusammengesetzt wurde das Album von Wilson, der allein in einem Studio in der Garage eines Stadthauses im Norden Londons arbeitete und dabei Unterstützung von Musikern aus der ganzen Welt erhielt (darunter langjährige Studiopartner wie Ninet Tayeb, Craig Blundell und Adam Holzman sowie eine Reihe von erstmaligen Kollaborateuren, darunter Jack Dangers von Meat Beat Manifesto und Sam Fogarino von Interpol). Jeder Musiker wurde eingeladen, der Platte seinen individuellen Stempel aufzudrücken. Die Snares, Streicher und gesampelten Sounds, die jeder Künstler beisteuerte, wurden zu der einzigartigen Musik auf diesem Album verwoben. Und obwohl "The Harmony Codex" eine Platte ist, die mit dem Gedanken an räumliches Audio gemacht wurde, ist es keine Platte, die ein ausgeklügeltes Soundsystem braucht, um einen mitzureißen - zwei Lautsprecher und ein offenes Ohr reichen völlig aus.

Release 20.10.2023

Auch als Ltd.-White Vinyl-Edition erhältlich (CHF 35.90)

Nach dem Namen seines Großvaters väterlicherseits benannt, der gleichzeitig auch Samphas zweiter Vorname ist, fließt die Musik auf dem 2ten Album zwischen der Ehrfurcht vor dem Leben und der Magie der weltlichen Existenz und beschreibt das Chaos, das man erlebt, wenn man sich dem Kreislauf des Lebens und dem Jenseits stellt. Auf den 14 Tracks hat Sampha enge Freunde und Kollegen zusammengerufen - darunter fantastische Künstler wie Yaeji, Léa Sen, Sheila Maurice Grey (Kokoroko), Ibeyi, Morgan Simpson (Black Midi), Yussef Dayes, Laura Groves und Kwake Bass. Im Gegensatz zum Vorgänger "Process" ist "LAHAI" ein eher kollaboratives Album. Die neueste Single "Only", die von einem Musikvideo von Dexter Navy in Zusammenarbeit mit Sampha begleitet wird und auf dem Vorab Track "Spirit 2.0" folgt, zeigt einen extrem lebendigen Sampha, der melodisch über einen fragmentierten Hip-Hop-Beat mit Co-Produktion von spanischen Musiker El Guincho singt. Im Juni kehrte Sampha zum ersten Mal seit fünf Jahren für seine Satellite Business Residencies in London und New York auf die Bühne zurück. Das einzigartige Setup, bei dem Sampha und seine Band in der Mitte des Raums auftraten, ermöglichte den Fans einen intimen Zugang zu der improvisierten Performance neuer, unveröffentlichter Musik und alternativer Arrangements von Samphas Katalog, die das Publikum "wie gebannt" (Pitchfork) zurückließ. In diesem Herbst wird Sampha eine größere Version der Satellite Business Live-Show auf Tournee mitnehmen. Den Anfang machen mehrere Abende in London in der St. Johns at Hackney Church im Oktober, bevor er nach Nordamerika zurückkehrt, um in großen Städten aufzutreten: Los Angeles, Toronto, New York City, Chicago, San Francisco, Washington D.C., Philadelphia und Atlanta. Anfang Dezember kehrt er nach Europa zurück und spielt in Berlin, Amsterdam und Paris. Wie sein Schöpfer lässt sich auch "LAHAI" nicht in eine Schublade stecken. Das neue Album ist eine Mischung aus Jazz, Soul, Rap, Dance, Jungle und westafrikanischer Musik, mit der Sampha seine produktionstechnischen und stimmlichen Ambitionen auf ein neues Niveau hebt. Als begnadeter Sänger , Songwriter und Produzent ist es kein Wunder, dass Künstler wie Kendrick Lamar, Stormzy, Travis Scott und früher auch Drake, Solange, Frank Ocean, Beyoncé, Lil Wayne und Alicia Keys ihn für seine unnachahmliche Stimme sowie seine Beiträge zum Songwriting und zur Produktion ihrer Musik um Unterstützung baten. Zu seinen früheren kreativen Partnerschaften gehören die Modedesignerin Grace Wales Bonner, das Shy Light Zine mit Durimel (der auch das LAHAI-Artwork gedreht hat), sein Process-Film mit dem Regisseur Kahlil Joseph und kürzlich die Zusammenarbeit mit Jonny Lu, mit dem Sampha das Artwork für sein LAHAI-Album und sein neues Logo entwickelt hat. Wenn "Process", Samphas 2017 mit dem Mercury-Preis ausgezeichnetes Debütalbum, einen Künstler zeigte, der seinen eigenen Platz in der Welt suchte und schließlich auch fand, ist "LAHAI" eine Übung in der radikalen Akzeptanz und Freude am Leben und der Schönheit der Reise bis hierhin.

Release 22.9.2023

Die multidimensionalen Künstler:innen und Produzent:innen yeule (Pronomen they/them, folglich in deutscher Sprache im Plural) kündigen ihr neues Album an.. "softscars" repräsentiert eine neue Richtung für yeule, da sie weichere Texturen und körperlose Arrangements erforschen, die ihre ätherischen Vocals in den Vordergrund stellen. Das Projekt untersucht die Anatomie ihrer lang gehegten emotionalen Wunden für ihr bisher verletzlichstes Werk. Indem sie ihre inneren Grübeleien mit kathartischen Punk-Riffs und ätherischer Elektronik vertonten, schufen yeule "softscars". "Ich habe die Metapher der Narbe genommen, um jeden Song zu repräsentieren, und jede Narbe bleibt weich.", sagen yeule. "Ob man nun ein emotionales Trauma oder eine körperliche Wunde heilt, die Zeit heilt eine Narbe nie vollständig. Es gibt keinen Schmerz mehr, aber man kann die Narbe immer noch sehen. Ich habe das tiefe Gefühl, dass das, was meine Vorfahren durchgemacht haben, weitergegeben wurde; es gibt einige Traumata, die einfach haften bleiben. Es gab immer Verfall und Verzerrung in meinem Leben, es gab immer etwas, das falsch oder hässlich war. Die Narbe erinnert mich daran, dass ich beschützt werde und dass ich mich selbst schützen sollte.“ Obwohl die Thematik schwer und geheimnisvoll ist, strahlt das Projekt, das von yeule und ihren Kolleg:innen Kin Leonn geschrieben und produziert wurde, mit zusätzlicher Produktion von Mura Masa und Chris Greatti (Yves Tumor, Willow Smith) ein Gefühl der freudigen Katharsis aus. Angetrieben wird das Album von yeules sich verändernden Vocals, die mit all ihren Ecken und Kanten und ihrem eindringlichen Flüstern sicherer denn je klingen und den unvollkommenen Prozess der Heilung widerspiegeln. Das neue Album folgt auf das von der Kritik gefeiertes Album, "Glitch Princess", aus dem Jahr 2022, das von Pitchfork mit dem Prädikat "Best New Music" ausgezeichnet wurde und auch hierzulande sehr wohlwollend abgefeiert wurde, u.a. mit 5 von 6 Sternen im Musikexpress, mit 4 von 5 Punkten bei laut.de und 8 von 10 Punkten bei Plattentests. yeule machen sowohl Musik als auch visuelle Kunst, das Projekt wurde ins Leben gerufen, um als Portal oder Spalt zu fungieren, der es ihnen ermöglicht, ihre Kunst der Außenwelt mitzuteilen, während sie gleichzeitig in ihrer inneren Hülle geschützt sind. yeule wurde als Manifest ihrer eigenen Identitäten konstruiert, in denen sie immer Zugang zu multiplen Avataren und der Freiheit hatten, sich nach Belieben zu verändern oder zu verformen - Trost durch die Verkörperung von wandelbaren, chamäleonartigen Vielfältigkeiten.

Release 6.10.2023

"Javelin" ist Stevens' erstes Soloalbum seit "The Ascension" (2020) und sein erstes in voller Singer-Songwriter-Manier seit "Carrie & Lowell" (2015). Das neue Album verbindet musikalischen Schwung mit emotionaler Weite. Manchmal hat man das Gefühl, dass das Album von einem großen Team produziert wurde - aber das ist es ganz und gar nicht: Fast jeder Sound hier ist das Ergebnis von Stevens zu Hause, der selbst etwas geschaffen hat, das sich manchmal wie ein Zeugnis der Studio-Opulenz der 70er Jahre in Los Angeles anfühlt. Die Beiträge stammen von einem engen Freundeskreis - Adrienne Maree Brown, Hannah Cohen, Pauline Delassus, Megan Lui und Nedelle Torrisi -, die bei vielen Songs Harmonien beisteuern, sowie von Bryce Dessner, der bei "Shit Talk" akustische und elektrische Gitarre spielt. Der zärtliche und mystische Abschluss des Albums, "There's A World", wurde von Neil Young geschrieben. Während "The Ascension", das von der New York Times als "ein Schrei der Verzweiflung und ein Gebet um Erlösung" gelobt wurde, eine kunstvolle, aber dringliche Elektronik verwendet, um sich dem Moment zu nähern, beginnt "Javelin" wie ein Selbstporträt, detailliert und doch schlicht. Dies ist Stevens' intimstes Werk, das an "Seven Swans" oder "Carrie & Lowell" erinnert und den Hörer in die Nähe seiner inneren Abrechnung ruft. "Javelin" wird von einem 48-seitigen Booklet mit Kunst und Essays begleitet, die alle von Stevens geschaffen wurden, darunter eine Reihe von akribischen Collagen, zerschnittenen Katalogfantasien, Puff-Paint-Wortwolken und sich wiederholenden Farbfeldern. Die 10 kurzen Essays - abwechselnd lustig, tragisch, ergreifend, stumpfsinnig und spezifisch - bieten kleine Einblicke in Lieben und Verluste, die ihn und diese Lieder geprägt haben.

Release 29.9.2023

Auch als Ltd.-Silver-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Das Jeffrey Lee Pierce Sessions Project hatte immer das Ziel Jeffrey Lee Pierce als einen der einflussreichsten, aber auch meist unterschätzten US Singer-Songwriter hervorzuheben und seine Kunst in die heutige Zeit zu transportieren, indem Wegbegleiter:innen und Bewunderer:innen die Musik des 1996 viel zu früh verstorbenen The Gun Club Sängers neu interpretieren. Nach "We Are Only Riders" (2009), "The Journey Is Long" (2012) und "Axels and Sockets" (2014) präsentiert "The Task Has Overwhelmed Us" Songs aus Pierce"s The Gun Club- und Solo-Zeiten. Außerdem gänzlich neue Tracks, entstanden aus Song- und Textskizzen sowie Live-Demos, die der 1958 in Kalifornien geborene Pierce vor seinem Tod aufgenommen und niedergeschrieben hatte. Fast zehn Jahre nachdem das Vorgänger Album "Axels and Sockets" veröffentlicht wurde, erscheint mit "The Task Has Overwhelmed Us" endlich das finale Kapitel mit Künstler:innen wie u.a. Dave Gahan, Debbie Harry im Duett mit Nick Cave oder Peter Hayes von The Black Rebel Motorcycle Club.

Release 27.10.2023

Erlebe den hypnotisierenden Soul und Blues von Robert Finleys neuestem Album »Black Bayou«. Mit seiner reichen und kraftvollen Stimme nimmt Finley die Zuhörer mit auf eine Reise durch die eindringlichen, mystischen Bayou-Landschaften von Louisiana und erzählt dabei sehr persönliche Geschichten. Vom langsam brennenden Funk von »Livin' Out A Suitcase« bis zum beschwingten und groovigen »Sneakin' Around« zeigt jeder Titel auf diesem Album Finleys außergewöhnlichen Ton und stimmliche Vielseitigkeit.

Die Kombination aus Soul, Rhythm and Blues und fachmännisch ausgearbeiteten Gitarrenriffs, jede Note auf diesem Album ist ein Zeugnis von Finleys musikalischem Können und seinem unerschütterlichen Engagement für diese Genres. Aufgenommen in den Easy Eye Sound Studios in Nashville und produziert von Dan Auerbach, der Finley als »den größten lebenden Soulsänger« bezeichnet, ist Black Bayou der Nachfolger seiner von der Kritik hochgelobten Alben »Sharecropper's Son« und »Goin' Platinum«!

Neben Auftritten bei America's Got Talent (2019) und America's Got Talent (All-Stars 2023) war Finley Headliner bei Shows in ganz Nordamerika und Europa und tourte unter anderem mit The Black Keys, Greta Van Fleet, Lake Street Dive, Nathaniel Rateliff, Dan Auerbach und Low Cut Connie. Featuring: Dan Auerbach, Kenny Brown, Eric Deaton, Patrick Carney, Jeffrey Clemens.

Release 20.10.2023

Auch als Ltd.-Clear Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Sein erstes Soloalbum seit 5 Jahren demonstriert die einzigartige Fähigkeit des Oscar-prämierten Singer-Songwriters, Irish Folk mit modernem Rock zu mischen, und die Schlagkraft seiner legendären Live-Shows, über die The Guardian sagt: "Hansards kraftvolle Stimme, ob rau vor Leidenschaft oder zart vor Bedauern, glänzt über Arrangements, die vor Schwung nur so strotzen". *

Release 29.9.2023

Auch als Ltd.-Indies Only Orange 2LP Vinyl-Edition erhältlich (CHF 35.90)

Das neue Studioalbum des aus Avey Tare, Panda Bear, Deakin und Geologist bestehenden Quartetts wurde mit dem Grammy-Preisträger und Produzenten Russell Elevado (D'Angelo, The Roots, Kamasi Washington) aufgenommen, der es auch mitproduzierte und abmischte. Die Struktur von AC ist seit langem eine Spielwiese, ein offener Raum, um neue Ideen und Einflüsse auszuprobieren und auszuleben. Und warum auch nicht? Es kann bedeuten, dass man Panda Bear erlaubt, sich mehr auf sein Schlagzeugspiel zu konzentrieren, oder dass man Deakin ermutigt, tiefer in sein Klavierspiel einzutauchen. Oder man lässt dem aufkeimenden Interesse von Avey Tare und Geologist an der Musik der Renaissance - dem Flötenspiel, der Drehleier, der vergoldeten Polyphonie - Raum zur Entfaltung. Diese Impulse sind der Kern des neuen Albums und ein markanter Meilenstein auf ihrer fröhlichen Rundreise. Mit 64 Minuten ist es das längste AC-Album aller Zeiten, wobei fast ein Drittel der Laufzeit auf die hinreißende und eruptive 22-minütige Ode an die hoffnungsvolle Beharrlichkeit, "Defeat", entfällt. Sie haben es in nur 12 Tagen fertiggestellt und dabei höchstens 24 Kanäle verwendet, was nicht nur davon zeugt, dass sie diese Songs auf der Time Skiffs-Tour aufgenommen haben, sondern auch davon motiviert, dass sie wieder in einem Raum zusammen waren.

Release 20.10.2023

20 Jahre nach ihrem Debütalbum "Original Pirate Material" und 12 Jahre nach dem eigentlich letzten Album von The Streets erscheint im Oktober die neue Platte "The Darker The Shadow The Brighter The Light" mit einem dazugehörigen Spielfilm an. Die erste Single "Troubled Waters" erinnert an den guten alten Streets Sound, allerdings im modernen Gewand und wird damit sicherlich den Geschmack der Mike Skinner Fans treffen. Begleitend zum neuen Album wird Skinners erster gleichnamiger Spielfilm Premiere feiern. Den 80-minütigen Film hat Skinner fast komplett alleine auf die Beine gestellt, neben der Regie, dem Sound und der Finanzierung hat er auch selber mitgespielt, produziert und geschrieben

Release 29.9.2023

Auf Yard schmiegt sich das aus Wisconsin stammende und in Chicago beheimatete Vierergespann Slow Pulp bequem in Taschen voller Nuancen, Eindrücke und Widersprüche - Klänge und Texte, die so aufeinander abgestimmt sind, dass sie die spezifische Spannung eines Gefühls einfangen, für das man nie die richtigen Worte gefunden hat. In dieser Hinsicht kann sich das Hören von Slow Pulp so anfühlen, als wäre man mit jemandem in einem Raum, der einen schon so lange kennt, dass er jeden Mikroausdruck von einem lesen kann und genau weiß, was man fühlt, bevor man es selbst weiß. Vielleicht liegt das an der gemeinsamen Geschichte und Chemie der Band; auf verschiedene Weise sind die vier zusammen aufgewachsen - und wachsen immer noch zusammen auf. Die verträumten Songs der Indie-Rock-Band aus dem Mittleren Westen der USA basieren auf stimmungsvollem Shoegaze, hooky Grunge und intimer Lo-Fi-Kost. Die Band gab 2020 mit Moveys ihr Debüt in voller Länge. Nach der niederschmetternden 2021er 7" Deleted Scenes legten sie den Fokus auf hookigen Grunge-Pop für Singles wie 2021" In Too Deep" und 2023" Cramps". Nach ihrer Debüt-Single tourte die Band Anfang des Jahres als Hauptsupport für Death Cab For Cutie durch Europa und Großbritannien.

Release 29.9.2023

Auch als Clear Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Die schwedischen Classic Rock Legenden Graveyard kehren mit ihrem lange und ungeduldig erwarteten sechsten Studioalbum zurück. Mit dem sehr stimmungsvollen und intensiv atmosphärischem Grundtenor ist "6" ein weiterer Meilenstein in ihrer bemerkenswerten Karriere. "6" ist leicht als das markanteste, originellste Album der bisherigen Bandgeschichte zu identifizieren. Mit einer sanft lysergischen Mischung aus trostlosen Gitarren, brodelnder Hammond und geschmeidigem, flinkem Bass und Schlagzeug beweisen die Schweden eine Leichtigkeit, die sie in der Vergangenheit nur angedeutet haben. Die Band kommentiert: "Endlich ist es da, bereit, geerntet und genossen zu werden wie die verbotene Frucht in deinem Garten. Wir sind sehr, sehr glücklich, dass wir Album Nummer 6 bald mit euch allen teilen können.

Release 27.10.2023

Der Nachfolger von Get Hurt aus dem Jahr 2014 ist das erste neue Album seit 9 Jahren und die erste Veröffentlichung auf ihrem eigenen Label Rich Mahogany Recordings. Für das neue Album arbeiteten sie mit dem renommierten Produzenten und Tontechniker Peter Katis (The National, Interpol, Death Cab for Cutie) zusammen und nahmen in seinen Tarquin Studios in Bridgeport, CT, auf. "Wir hatten kein Interesse daran, den Sound von The Gaslight Anthem neu zu erfinden", verrät Fallon. "Wir wollten uns selbst treu bleiben, aber auch Peter das tun lassen, was er am besten kann, nämlich die Dinge schön und traurig und lustig und aufregend zugleich klingen lassen." Wie so viele der essentiellsten Rockbands haben The Gaslight Anthem die seltene Gabe, im unausweichlichen Schmerz des Lebens Ruhm zu finden. Auf "History Books" bringt die vierköpfige Band aus New Jersey ihre gefühlvolle Art von Punk in zehn mitreißende Songs ein, die alles von Sterblichkeit über Geisteskrankheiten bis hin zu den prekären Dimensionen menschlicher Beziehungen erkunden. In der Tradition ihres bahnbrechenden zweiten Albums The '59 Sound gelingt The Gaslight Anthem mit ihrem sechsten Album das Kunststück, jeden wunden Punkt zu treffen und gleichzeitig zu triumphalem Mitsingen zu animieren. Das Album enthält 10 neue TGA-Songs, darunter "Positive Charge" und das Titelstück "History Books (feat. Bruce Springsteen). "History Books" ist ein schweres Stück über die Kraft des Loslassens von Dingen, die einem nicht mehr dienen. "Ich denke, dass Vergebung auf so vielen Ebenen wichtig ist, aber ich habe gelernt, dass man in manchen Fällen die Verbindung zu den Menschen, die einem Schaden zugefügt haben, abbrechen muss", sagt Fallon. In den Texten, die Fallons Vorliebe für herrlich gelebte Poesie perfekt auf den Punkt bringen (z. B. "Nights of smoke and dirty jokes/Darkened rooms with lonely ghosts/They were beautiful some time ago/But time keeps rollin' us on"), spiegelt "History Books" auch die Themen des Albums wider: Vergänglichkeit und Transzendenz. "In gewisser Weise ist jeder Song ein Geschichtsbuch - jeder erzählt eine Geschichte aus der Vergangenheit und all den Dingen, die wir zurückgelassen haben", erklärt Fallon.

Release 20.10.2023

Neues Album von Taylor Kirk, im kanadischen Toronto ansässigen Musiker, der seit dem letzten Album (2017) gerne als Produzent gearbeitet hat. Nun gibt es mit "Lovage" wieder neue eigene Musik, die beweist, dass Kirk nicht nur seine Arbeitsmethoden verfeinert hat, sondern auch gekonnt unterschiedliche Einflüsse miteinander kombiniert. Kirk entwickelte "Lovage" in enger Zusammenarbeit mit Michael Dubue im Studio des Produzenten in Quyon, Quebec. Das gemeinsame Arbeiten erwies sich als so fruchtbar, dass Dubue kurzerhand als Keyboarder und Sänger zum Kollektiv dazustieß, während Adam Bradley Schreiber das aktuelle Line-up an Schlagzeug und Percussion vervollständigte. Gemeinsam bringen sie die abwechslungsreiche Klangpalette von Brian Wilson mit der speziellen Melancholie von Leonard Cohen in Einklang, aber auch Sun Ra, Dorothy Ashby und Alice Coltrane sowie italienische Sänger wie Pino Daniele und Paolo Conte spielten eine große Rolle während der Entstehung, was die cineastische Leichtigkeit des neuen Albums erklären könnte.

Release 29.9.2023

Blonde Redhead melden sich mit ihrem ersten Album seit sieben Jahren und ihrem Debüt bei section1 zurück. Der Titel ist eine Anspielung auf das oft zelebrierte kollektive Ritual, eine Mahlzeit mit den Menschen zu teilen, die man liebt. Dieses fesselnde, minutiös ausgearbeitete Album ist Ausdruck eines beständigen Miteinanders und ein Zeugnis der einzigartigen inneren Logik, die Blonde Redhead in den letzten drei Jahrzehnten verfeinert haben. Zurückhaltende, aber dennoch eindringliche Melodien tragen jeden Song und schaffen eine Kulisse für Texte über die unausweichlichen Kämpfe des Erwachsenseins: Kommunikationsprobleme in andauernden Beziehungen, die Frage, wohin man sich wenden soll, das Festhalten an Träumen. Letztendlich ist 'Sit Down for Dinner' das vielleicht stärkste Album in einem ebenso illustren wie abwechslungsreichen Katalog.

Release 29.9.2023

Auch als Tape (CHF 18.90) und Ltd.-Picture Vinyl (CHF 42.90)

"Kimosabe" ist Angus Stones viertes Album unter dem Pseudonym Dope Lemon. Es folgt auf "Rose Pink Cadillac" aus 2021, das in Australien auf Platz 1 der dortigen Albumcharts gelangte. "Diese Platte ist alles, was mich ausmacht", sagt er. "In der Vergangenheit war das Artwork in gewisser Weise anonym, weil ich versucht habe, diese Stile zu erforschen, und es war schön, dieses Schild vor mir zu haben - ich konnte mich sozusagen im Schatten herumschleichen, ohne dass die Öffentlichkeit ein Urteil über die Person dahinter fällen konnte. Bei dieser Platte hatte ich Momente der Klarheit, als ich über meine Kindheit nachdachte, und ich konnte sehen, wo ich in der Zukunft sein möchte. Mich selbst auf das Cover zu setzen, fühlte sich also einfach richtig an."

Release 22.9.2023

Auch als Ltd.-White Colored Vinyl-Release erhältlich (CHF 49.90)

Der britische Songwriter und Producer trat zuletzt auf dem Soundtrack für Spider Man - Across the Spiderverse in Erscheinung, wo er mit Metro Boomin und A$AP Rocky kollaborierte. Im Laufe seiner Karriere hat James Blake sich zu einem gefeierten Songwriter und Producer entwickelt, der nun mit den größten Popstars der Welt zusammenarbeitet und sich von ihnen inspirieren lässt - darunter unter anderem Beyoncé, Frank Ocean oder Kendrick Lamar. Für seine vielseitigen kollaborativen Arbeiten erhielt er bereits zahlreiche Auszeichnung, unter anderem 2019 einen Latin Grammy Award als Songwriter und Producer für ROSALIAs Album "Motomami" und im selben Jahr einen Grammy für "Best Rap Performance". (Außerdem wurde er weitere fünf Mal für einen Grammy nominiert) und hat einen Mercury Preis gewonnen. Auf seinem neuen Album "Playing Robots Into Heaven" schlägt er die Brücke zwischen elektronisch generierten Beats und sanftem Gesang. Er schafft darauf Klangwelten im Loop und bricht daraus aus - er kehrt zurück zu seinen Wurzeln der elektronischen Musik.

Release 22.9.2023

Das neue 11te ist ein Album der wiederkehrenden Dualitäten, eine Dose voller Paradoxien, eine Kiste voller Würmer. Das von Redwood und Pinien umgebene Studio, in dem Banhart "ständig The Grateful Dead hörte", brachte etwas Glattes, Modernes, City-Pop-nahes und Eno-eskes hervor. Es ist auch die Verwirklichung einer "kostbaren Freundschaft" mit der gefeierten Solokünstlerin, Multiinstrumentalistin, Produzentin und Mexican-Summer-Stallgefährtin Cate Le Bon - ein Zusammentreffen, das durch die spiegelbildlichen Titel ihrer frühen Soloalben (Banharts Oh Me Oh My von 2002 und Le Bons Me Oh My von 2009) und eine Zärtlichkeit, die auf groben Haarschnitten beruhte, prophezeit wurde ("Wir trafen uns schließlich, Kurz darauf schnitt sie mir die Haare mit einer Gabel, und das war's") und selbstgemachten Tattoos - die aber nie zuvor im Aufnahmestudio umgesetzt wurden. "Es geht um die Umwandlung von Verzweiflung in Dankbarkeit, von Wunden in Vergebung und von Trauer in Lobpreis" - das Produkt einer rituellen kreativen Praxis, die den Stoff der Traurigkeit einschmelzen und neu gießen lässt, während er seine Form verändert - und die in einer Platte gipfelt, die sich anhört, als würde man eine sehr melancholische Massage bekommen oder weinen, aber in einem wirklich schönen Outfit... wenn ich schon weinen muss, dann in meinem besten Kleid.

Release 22.9.2023

Auch als Ltd.-Natural Blue Swirl Vinyl-Edition (CHF 37.90)

Sister Squares sind Miles Francis, Julie Shore, Jenny Shore und Sara Dobbs; was sie zu einer musikalischen Einheit machte, war die Zusammenarbeit mit dem Grammy-Gewinner und Oscar-Nominierten Arcade Fire-Member Will Butler. Das Ergebnis ist ein Album mit einer warmen, menschlichen Seele. "Ich lernte Jenny - meine Frau - im College kennen, ein Jahr bevor ich zu Arcade Fire kam", sagt Will. "Als ich eine Band brauchte, um mit Policy auf Tour zu gehen, bat ich Jennys Schwester Julie, mitzumachen, weil ich ihr musikalisch vertraute. Und ich fragte Sara, Jennys und Julies Jugendfreundin, weil ich wusste, dass sie super talentiert ist", sagt Will. "Antibalas (für die ich trommelte) eröffneten einige Arcade Fire-Shows", sagt Miles, der sich anbot, jederzeit Schlagzeug zu spielen, wenn Will es brauchte. Will, Julie, Sara und Miles fanden auf der Tournee zueinander und arbeiteten gemeinsam an den Gesangsarrangements. Jenny trug die ganze Zeit über zu den Aufnahmen und allgemeinen Performance-Ideen bei. Die Band spielte im August 2022 eine Reihe von Konzerten, bei denen sie ihre Ideen aus dem Studio in Live-Räumen ausprobierten. Nach ihrer Rückkehr fand sich die Band in den Figure 8 Studios in Brooklyn wieder zusammen. Das Album besteht zu gleichen Teilen aus Aufnahmen in Figure 8, Gruppenexperimenten in Wills Keller und Sessions in Miles´ Synthia Studio. "Ich hatte meine Band Arcade Fire erst kürzlich nach 20 Jahren verlassen - vielleicht die schwierigste Entscheidung meines Lebens. Ich hatte die letzten zwei Jahre zu Hause mit meinen drei Kindern verbracht. Ich war 39 Jahre alt. Ich wachte jeden Morgen auf und las Emily Dickinson, bis ich jedes Gedicht gelesen hatte. Ich hörte Morrissey, Schostakowitsch und die Spotify Top 50. Ich hatte ungeformte Fragen mit unausgegorenen Antworten", sagt Will. "Aber ehrlich gesagt, hatte ich ein gutes Gefühl bei der Platte".

Release 22.9.2023

Mit ihrem fünften Album 'Subtle Love' präsentieren The Slow Show eine Hommage an die Liebe und ihre bislang kraftvollste und vielfältigste Songsammlung. 'Subtle Love' lebt so nicht nur von ihrem üppig instrumentierten Indie-Pop mit Rob Goodwins beeindruckender Stimme, sondern erkundet auch neue Horizonte mit Elementen von Folk und Rockhymnen. Über die zehn Songs begibt man sich auf eine Reise von der Vergangenheit der Band bis in eine verlockende Zukunft - ein zutiefst melodisches und bewegendes Erlebnis.

Release 8.9.2023

Auch als Ltd.-Clear Vinyl-Edition erhältlich (CF 36.90)

Posthumer Release eines noch nie zuvor gehörtes Album von Mark Linkous aka Sparklehorse. Ursprünglich im Jahr 2010 aufgenommen und von Mark Hamilton (der auch an It "s A Wonderful Life gearbeitet hat) gemischt, merkt Marks Bruder Matt an: "Wir haben große Sorgfalt darauf verwendet, Marks Musik zu archivieren und zu bewahren. Wir sind sehr dankbar für Mark und die Schönheit, die er in diese Welt gebracht hat." Sparklehorse war eine amerikanische Indie-Rock-Band, die Mitte der 1990er Jahre vom Singer-Songwriter und Multiinstrumentalisten Mark Linkous gegründet wurde. Linkous wurde am 9. September 1962 in Arlington, Virginia, geboren und begann bereits als Teenager mit der Musik. Sparklehorse, die von Pitchfork als Künstler beschrieben wurden, der "die Zuhörer zwingt, die Schönheit der Dunkelheit zu beachten", veröffentlichten viele einflussreiche Alben, darunter die berühmten Alben Vivadixiesubmarinetransmissionplot und Good Morning Spider in den 90ern, It "s A Wonderful Life und Dreamt for Light Years in the Belly of a Mountain in den frühen Achtzigern sowie das 2010 veröffentlichte Gemeinschaftsalbum Dark Night of the Soul. Im Laufe seiner Karriere arbeitete Mark mit Künstlern wie Vic Chesnutt, Daniel Johnston, Tom Waits, Danger Mouse und David Lynch zusammen, die zum Nachdenken anregten. Während Mark in verschiedenen Studios aufnahm und mit anderen Musikern und Produzenten zusammenarbeitete, machte er den Großteil seiner Arbeit in seinem Heimstudio Static King, wo er oft alles selbst einspielte und aufnahm. Er war "ein Typ aus der Arbeiterklasse mit einer sehr poetischen Sensibilität, der sich zu Künstlern wie ihm hingezogen fühlte, die in Isolation arbeiteten", so Ken Tucker von NPR Fresh Air.

Release 15.9.2023

Auch als Tape erhältlich (CHF 21.90)

Die Grammy-nominierte Heavy-Rock-Band meldet sich mit ihrem neuen Album zurück. Das Quartett aus Philadelphia, bestehend aus John Baizley (Gitarre/Gesang/Illustration), Gina Gleason (Gitarre), Nick Jost (Bass) und Sebastian Thomson (Schlagzeug), hat auf dem sechsten Album das gewaltige Multi-Genre-Vokabular des von der Kritik gefeierten Vorgängers Gold & Grey (2019, DE# 14) gestrafft. Dies ist immer noch sehr viel Baroness - nur neu fokussiert, um effizienter zu sein, und neu durchdacht als Folge der Stabilität. Die herausragendsten Tracks von STONE, "Last Word", "Beneath the Rose", "Shine" und "Anodyne", reflektieren nachdenklich, groovend und brechen mühelos den Tumult. Während Baroness "Stone" schrieben, nahm Baizley das Album auf und mischte es vor. Nachdem die Gruppe die Aufnahmen von Schlagzeug, Gitarren und Bass beendet hatte, brachten sie alles zurück in Baizleys Keller - wo auch Teile von Gold & Grey aufgenommen wurden - um den Gesang aufzunehmen und andere Details hinzuzufügen. "Stone" wurde dann zum endgültigen Abmischen und Polieren an den Grammy-nominierten Mixmaster Joe Barresi (Kyuss, Alice In Chains) und den Grammy-prämierten Mastering-Guru Bob Ludwig (Led Zeppelin, Nirvana) in den Gateway Mastering Studios übergeben

Release 15.9.2023

Das erste Album von Chilly Gonzales, das in der Sprache von Molière und Bangalter geschrieben und aufgeführt wird. Chilly Gonzales ist für seine intime Annäherung an das Klavier durch seine Solo Piano Album-Trilogie ebenso bekannt wie für seine unbestreitbaren Talente als Performer, der seine Showman-Energie in den Philharmonien Europas versprüht. Er hat mit international bekannten Künstlern wie Feist, Drake, Jarvis Cocker und Daft Punk zusammengearbeitet, und die hymnische Kraft seines Tracks Smothered Mate (aus Ivory Tower) wurde zum Soundtrack des WM Sieges der französischen Fußballnationalmannschaft 2018. Seitdem ist der unberechenbare Pianist Frankreich immer näher gekommen, bis er schließlich nach Paris zurückkehrte, um im Herzen der Ile Saint-Louis zu leben, von wo aus er die Einweihung von Notre-Dame mit einer Träne im Auge und einem Joint auf den Lippen beobachtete. Nach mehreren Jahren intensiver Vorbereitung, die darin bestand, sich ausschließlich von Camembert und französischer Literatur zu ernähren, und während er darauf wartete, in die berühmte Académie Française gewählt zu werden, veröffentlicht er nun sein neues Album.

Release 15.9.2023

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Auf ihrem bisher umfangreichsten, epischsten und klügsten Album scheinen die Songs Wunden zu öffnen und sie dann aktiv zu heilen. Liebe als eine Zeitreise. Das Album ist voller Sehnsucht der erwachsenen, scheinbar banalen Herzschmerzen und Freuden, die oft unbesungen sind, sich aber enorm anfühlen. Vom Boden eines Glases über eine mit Erinnerungen und Schnee bedeckte Einfahrt, von einem Güterzug, der durch den Mittleren Westen donnert bis hin zum Mond - es fühlt sich an, als würde alles und jeder einen Schrei ausstoßen, vor Schmerz schreien und sich nach Liebe krümmen. Mitski hat diese Songs in den letzten Jahren in kleinen Schüben geschrieben, und sie sind geprägt von Momenten des Bemerkens - des Bemerkens eines Geräuschs, das fehl am Platz ist, eines Gebäudes, das im Verfall ächzt, einer Meinung, die einen Raum spaltet, eines Gefühls, das sich nicht in einem Körper einsperren lässt. Es wurde sowohl im Bomb Shelter in East Nashville als auch in den Sunset Sound Studios in Los Angeles aufgenommen und umfasst ein Orchester, das von Drew Erickson arrangiert und dirigiert wurde, sowie einen kompletten Chor von 17 Personen - 12 in Los Angeles und 5 in Nashville -, der von Mitski arrangiert wurde. Zum ersten Mal war es Mitski wichtig, eine Band zu haben, die gemeinsam im Studio aufnimmt, um diesen neuen erhabenen Sound zu schaffen. In Zusammenarbeit mit ihrem langjährigen Produzenten Patrick Hyland hat das Album eine breite Palette von Referenzen, von Ennio Morricones bombastischen Spaghetti-Western-Scores bis zu Carter Burwells Tundra-erfüllendem Fargo-Soundtrack, von der gehauchten Intimität Arthur Russells bis zur schrillen Lebendigkeit von Scott Walker oder Igor Stravinsky, von der Freude von Caetano Veloso bis zur Sehnsucht Faron Youngs. Die Leadsingle "Bug Like an Angel" findet das Göttliche im Gewöhnlichen, im Ertränken von Kummer. Der Erzähler singt aus dem seltsamen Trost des Tiefpunkts: "sometimes a drink feels like family". Und plötzlich singt der Chor der Engel: "FAMILY!" Dieser erste Track führt ein kosmisches Paradox ein: "The wrath of the devil was also given him by God." Dies ist ein Album, in dem Dunkelheit und Licht in der gleichen Geste, dem gleichen gebrochenen Gebet existieren. Wie der Buddha den Dämon Mara zum Tee einlädt, umarmt "The Land…" den brutalen, täglichen Schmerz - den notwendigen Tribut der transzendenten Liebe. "The Land…" stellt immer wieder die gleiche Hypothese auf. Ohne Liebe, ist hier jemand? Liebe ist immer radikal, was bedeutet, dass sie immer stört, was bedeutet, dass es immer Arbeit erfordert, sie zu empfangen. Dieses Land, das sich schon für so viele seiner Bewohner ungastlich anfühlt, wird sich bald wieder hoffnungslos zerrissen und hin- und hergeworfen fühlen - manchmal sogar ohne Liebe. Dieses Album bietet eine wohltuende Abwechslung. "Dies ist mein amerikanischstes Album", sagt Mitski über ihr siebtes Album, und die Musik fühlt sich an wie ein tiefgründiger Akt der Zeugenschaft für dieses Land, mit all seinen privaten Sorgen und schmerzhaften Widersprüchen. Aber "vielleicht geht es über das Bezeugen hinaus", sagt sie. Manchmal, sagt Mitski, fühlt es sich so an, als wäre das Leben ohne Hoffnung, ohne Seele, ohne Liebe einfacher. Aber wenn sie die Augen schließt und darüber nachdenkt, was ihr wirklich gehört, was nicht zurückgenommen oder zerstört werden kann, dann sieht sie die Liebe. "Das Beste, was ich je in meinem Leben getan habe, war, Menschen zu lieben", sagt Mitski. "Ich wünschte, ich könnte all die Liebe, die ich habe, nach meinem Tod zurücklassen, damit ich all das Gute, all die gute Liebe, die ich geschaffen habe, auf andere Menschen ausstrahlen kann." Sie hofft, dass "The Land Is Inhospitable and So Are We" diese Liebe noch lange nach ihrem Tod ausstrahlen wird. Wenn man sich das Album anhört, fühlt es sich genau so an: wie eine Liebe, die das Land heimsucht.

Release 15.9.2023

Nach 7 Jahren das neue 7te Album, das die ruhige Zurückhaltung und das erdrückende Gewicht ihrer frühen Aufnahmen mit der klanglichen Erkundung und den kunstvollen Experimenten ihrer späteren Werke (während es gleichzeitig ihren immer umfangreicheren Katalog an Film- und Fernsehkompositionen mit einbezieht). "End" wurde von der Dunkelheit inspiriert, entwickelte sich aber zu einem lauten, dramatischen und wilden Nachdenken über Leben und Tod. "Unser Ausgangspunkt war das Konzept eines Endes - der Tod oder das Ende einer Freundschaft oder Beziehung", erklärt die Band. "Jeder Song entstammt einer Geschichte oder einer Idee, die einer von uns hatte und die wir alle weiterentwickelt und zu einer eigenen Welt gemacht haben. Vielleicht liegt es in unserer Natur, aber wir hatten immer das Gefühl, dass der Albumtitel letztendlich für viel mehr Interpretationen offen ist - das Ende einer Sache oder einer Zeit kann ein Ende bedeuten, aber auch einen Anfang, und was nach dem Ende einer Sache passiert, könnte im Vergleich zu dem, was als nächstes kommt, verblassen." Explosions In The Sky sind zum Goldstandard für kühne, emotionale, kinematische Musik geworden. Sie sind langsam und organisch gewachsen, von bescheidenen Anfängen, die in fragwürdigen DIY-Lokalen spielten, über Auftritte als Vorgruppe von Fugazi und Built To Spill bis hin zu Headliner-Auftritten in weltweit bekannten Veranstaltungsorten wie der Radio City Music Hall, der Royal Albert Hall, dem Greek Theatre und dem Sydney Opera House. In den fast 25 Jahren ihres Bestehens (mit der gleichen Besetzung) haben sie mit ihrer besonders unkommerziellen Musik bemerkenswerte Erfolge bei Kritik und Publikum erzielt. Sie sind zum Sound moderner Sportfilme, Dokumentarfilme und Fernsehserien geworden - vor allem dank ihrer genredefinierenden Filmmusik zu Friday Night Lights - und haben eine Reihe bedeutender Künstler als Fans gewonnen, die sie zu Tourneen mit Nine Inch Nails, The Smashing Pumpkins, The Flaming Lips, Death Cab for Cutie und vielen anderen geführt haben.

Release 15.9.2023

Auch als Ltd.-Transparent Blue Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Gitarrenkoryphäe und Tuareg-Folkheld Bombino mit dem ersten kompletten Album seit über fünf Jahren. Die New York Times bezeichnete ihn damals als 'Sultan des Shreds'. Vice ging sogar noch einen Schritt weiter und verlieh ihm den Titel des 'besten Gitarristen der Welt'. Es folgte eine GRAMMY®-Nominierung. Die erste für einen Künstler aus Niger überhaupt. "Sahel" wurde von David Wrench (David Byrne, Frank Ocean, Caribou, The xx) produziert und im Studio HIBA in Casablanca, Marokko, aufgenommen.

Release 8.9.2023

Das neue Album der unnachahmlichen Moloko-Sängerin wurde in Zusammenarbeit mit DJ Koze produziert. Diese hypermoderne Scheibe ist musikalisch weit entfernt vom vorhergehenden Albums aus dem Jahr 2020, und zementiert stattdessen Murphys Ruf als einzigartige Künstlerin auf einem kreativen Höhepunkt, als ein ständig neugieriger und rastloser Geist, der seinesgleichen sucht. Die warmen Klänge des Hiphop, psychedelische Elemente und elegante, gefühlvolle Grooves sowie sich schnell festsetzende Melodien sind allesamt Teil der Vision von Murphy und Koze. Die 13 Tracks wurden in sechsjähriger Arbeit fast vollständig aus der Ferne gebastelt.

Release 8.9.2023

Auch als Black Vinyl-Edition erhältlich (CHF 34.90)

Das erstes Soloalbum der The XX-Musikerin greift nach den Sternen und bewegt sich im Flackerlicht von Discokugel. Beseelter Gesang, der Freude und Schmerz vereint, innerhalb von Tracks, die oftmals von 1990er-Jahre- Brit-Electronic-Großraum-Disco-Techno-Beats, der pushenden Dynamik und den Effekten dieser Zeit genauso geprägt sind wie von der modernistischen Gesangseffekthascherei der 2020er Jahre gepaart mit maximalem emotionalem Leidenschaftsausdruck beim Gesang. Diese Mischung nennt Romy selbst "emotionale Musik zum Tanzen" und meint damit die Art von Musik, die Menschen in Clubs zusammenbringt, insbesondere in queeren Clubs. Romy begann als Teenager in Londoner Queer-Clubs aufzulegen und sieht das Album als eine Rückkehr in diese Zeit, ein Pop-Dance-Album, das die Orte beschwört, an denen sie sich zum ersten Mal in das Genre und seine Kraft, Menschen zu bewegen, verliebt hat. "Mid Air" ist ein Album über das Feiern, die Zuflucht und die Erlösung auf der Tanzfläche. Ein Album, das sich mit Liebe, Trauer, Beziehungen, Identität und Sexualität beschäftigt

Release 8.9.2023

Für ihr viertes Album hat die Indie-Avant-Pop-Supergruppe der beiden Tenniscoats-Mitglieder Saya und Ueno und des The Notwist-Sängers MIcha Acher mit Cico Beck (Joasinho/Notwist) und Mat Fowler (Jam Money) aus der Entfernung eine Tugend gemacht: Die Mitglieder der Gruppe sind über ganz Europa verteilt, und die Aufnahmen fanden nach einer kurzen Europatournee 2021 statt. Es ist ein Lehrstück in Sachen Durchhaltevermögen und Engagement, denn die Musik auf diesem Album gehört zu den bisher bewegendsten von Spirit Fest. Die sechs Songs auf diesem Album beleuchten verschiedene Aspekte des Charakters des transnationalen Quintetts - liebliche, herzzerreißende Popsongs, melancholische Gesänge, die Freude an einfachen Wiederholungen - wobei der Gitarrenpop der Gruppe durch sanfte Schnörkel von Klavier und Elektronik ergänzt wird. Einige dieser Schnörkel wurden auf "Bear In Town" über die Wellen mit Mat Fowler (Bons, Jam Money) aus Großbritannien beigesteuert, während der Hauptteil der Musik in einem kleinen Apartmentstudio in München von den anderen Mitgliedern von Spirit Fest aufgenommen wurde: Saya und Ueno (Tenniscoats), Markus Acher (The Notwist) und Cico Beck (Joasinho, Aloa Input). "Bear In Town" ist prägnant und kraftvoll, die ansteckende Freude des Geistes wird auf wunderbare Weise durch Melodien vermittelt, die ein Gleichgewicht zwischen Herzlichkeit und Melancholie herstellen. Im Rückblick auf diese Sessions sagt Acher: "Ich denke, das Album fängt ein, wie gut wir damals zusammen gespielt haben." Das ist umso beeindruckender, wenn man bedenkt, dass das Material live im Studio aufgenommen wurde, mit ein paar Gesangs-Overdubs. Die Tiefe der Gefühle, die den Kern der Musik von Spirit Fest ausmachen, ist von den ersten Tönen von "Bear In Town" an offensichtlich.

Release 8.9.2023

Neues 10tes Album! Trotz ihres etablierten Status in der Szene findet das Duo kontinuierlich einen innovativen Ansatz zur Musik: so ist auch ihr zehntes Studioalbum "For That Beautiful Feeling" zeitgemäß und energetisch. Das Album katapultiert die Zuhörenden innerlich direkt auf den Dancefloor, untermalt von psychedelischen Melodien und treibenden, ineinander übergehenden Rhythmen.

Release 8.9.2023

Das dritte Album und Sub Pop-Debüt der Chicagoer Rockband bringt einen Hauch von The Cars, Television und David Bowie der Low-Ära in den eingängigen, energiegeladenen und gitarrenbetonten Rock der Band. Deeper ist ein fester Bestandteil der pulsierenden Chicagoer Szene, zu der auch Bands wie Dehd, Lala Lala, Horsegirl und Lifeguard gehören. Aufgenommen und gemischt von Dave Vettraino (Horsegirl, Ohmme/Finom, Lala Lala) in Chicago.

Release 8.9.2023

Daptone Records

Jeder, der das Vergnügen hatte, Jalen live zu erleben, weiß, dass er einer der fesselndsten Künstler der heutigen Soul-Szene ist. Seine Stimme, die zu gleichen Teilen aus rauem Gefühl und Eleganz besteht, strahlt Zuversicht und Charme aus - und entwaffnet damit volle Säle voller ausgelassener Konzertbesucher, die stumm jeder gesungenen Silbe lauschen. Die Pläne für das Album wurden nur wenige Monate vor der Pandemie COVID 19 geschmiedet, die die Welt lahmlegte. Nichtsdestotrotz schaffte es Jalen schließlich in die Hive Mind Studios in Brooklyn, NY, wo er mit Hilfe der Produzenten/Arrangeure Mike Buckley und Vincent Chiarito (beide Mitglieder von Charles Bradleys Extraordinaires) und einem erstklassigen Team von Musikern aus der Daptone-Familie mit dem Schreiben und Aufnehmen begann. Das Team verbindet gekonnt schwere Arrangements und introspektive Texte mit Motown-Raffinesse und hinterlässt den Hörer in einer glückseligen Spülung der Verwunderung. Jalen schreibt Songs, seit er 14 Jahre alt ist, und auch seine Kompositionen sind ganz im Zeichen dieser Zeit.

Release 8.9.2023

Gebürtig aus North Carolina, zog Jonathan Wilson schon vor gut 15 Jahren nach Los Angeles, wo er als gefragter Produzent, Multiinstrumentalist und Komponist sofort zentrales Mitglied der Songwriter-Community wurde. Schon auf den gefeierten Alben Gentle Spirit (2011), Fanfare (2013) und Rare Birds (2018) erledigte er so gut wie alles im Alleingang, spielte fast alle Instrumente selbst ein und übernahm auch die Produktion. Kurz vor Beginn der Pandemie ging er nach Nashville, um dort im legendären Sound Emporium Studio von "Cowboy" Jack Clement das Album Dixie Blur (2020) aufzunehmen – eine Sammlung von Songs, mit denen sich Wilson sowohl klanglich als auch inhaltlich ganz klar auf seine Südstaaten-Wurzeln bezog. Einerseits eine Rückbesinnung auf seine musikalischen Roots im US-Süden, machte er mit dem Vorgänger zugleich auch einen Schritt nach vorn, indem er auch zeitgenössische Sounds ins Spiel brachte. Als gefragter Live-Musiker regelmäßig auf den größten Bühnen der Welt zu sehen, hat Wilson parallel zu seinen Solo-Veröffentlichungen in den letzten Jahren auch als Produzent für etliche hochkarätige Kolleg:innen gearbeitet, unter anderm für Father John Misty, Margo Price, Billy Strings, Conor Oberst, Roy Harper, Dawes und Angel Olson. Auf dem gesamten neuen Album hat Wilson so gut wie alle Instrumente selbst eingespielt und dazu auch die Rolle des Produzenten selbst übernommen. Während er sich unter anderem um Gitarre, Klavier, Schlagzeug und Keyboards kümmerte, schaute neben dem Bassisten Jake Blanton (The Killers) auch eine Auswahl von renommierten Streicher:innen und Bläser:innen im Studio vorbei – unter anderem C.J. Camerieri (Bon Iver), Rita Andrade (Kanye West), Wynton Grant (Miley Cyrus, Hans Zimmer) und Paul Cartwright (Lana Del Rey, Mary J. Blige).

Release 8.9.2023

Auf ihrem fünften Album klingt die norwegische Band größer und kreativer als je zuvor. Bewaffnet mit massiven Riffs, Black-Metal-Wildheit und ihrer bisher ambitioniertesten Instrumentierung beherrschen sie die Kunst, moderne Metal-Klassiker zu kreieren, die sowohl heftig sind als auch Spaß machen.

Release 1.9.2023

Das 5. Album von slowdive ist genau das, was der Titel vermuten lässt: eine Erkundung der schillernden Natur des Lebens und der universellen Berührungspunkte darin. Während es Teile dieses Albums gibt, die nahtlos an die atmosphärische Qualität von Pygmalion aus dem Jahr 1995 anknüpfen könnten, schafft es "Everything is Alive" auch, die Grenzen dessen zu sprengen, was vor ihm kam. Zwischen psychedelischen Klanglandschaften, pulsierenden 80er-Jahre-Elektronik-Elementen und John-Cale-inspirierten Reisen wirkt das Album wie geschaffen für das Jahr 2023 und darüber hinaus. Für ein Genre, das oft als spalterisch gilt und oft eine Selbstbeobachtung rechtfertigt, zeigen Slowdive hier, dass sie ihr Handwerk beherrschen, indem sie es über das Singuläre hinaus vorantreiben; das Endergebnis ist eine Platte, die sich ebenso emotional und kathartisch anfühlt, wie sie hoffnungsvoll ist. Sechs Jahre nach dem monumentalen Comeback mit dem selbstbetitelten Album, finden Slowdive - bestehend aus Rachel Goswell und Neil Halstead (beide Vocs und Git.), Christian Savill (Git.), Nick Chaplin (Bass) und Drummer Simon Scott - auf "everything is alive" immer mehr Konturen ihres eindringlichen, elementaren Sounds. "kisses" ist der bisher größte Pop-Moment von Slowdive, der durch das von Noel Paul gedrehte Video zu einer Art "Naples-by-Night" Roadmovie wird.

Release 1.9.2023

Auch als Ltd.-Yellow Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.90)

Das erste neue Studioalbum seit zehn Jahren, ihre bisher intimste und emotional direkteste Platte. Nur wenige Bands durchdringen den Lärm und die Ablenkungen der Welt, um eine reine, elementare Wahrheit oder ein Gefühl zu vermitteln wie Sigur Rós. Wie man auf "Átta" hören kann, hat die Band durch die neue Besetzung eine neue Kraft und einen neuen Antrieb bekommen. Der Multi-Instrumentalist Kjartan Sveinsson ist zurück in der Band - nachdem er sie 2012 verlassen hatte - und schließt sich Frontmann Jónsi und Bassist Georg Holm an. Aufgenommen auf mehreren Kontinenten - im Sundlaugin-Studio der Band in Island, in der legendären Abbey Road in Großbritannien und in mehreren Studios in den USA - tendiert das Album stark zum Orchestralen und berührt alles, was Sigur Rós zu einer der ehrgeizigsten und am meisten gefeierten Bands der letzten Zeit gemacht hat, mit fast zehn Millionen verkauften Alben, während es gleichzeitig eine aufregende und expansive Möglichkeit für ihre Zukunft signalisiert. Auf "Átta"spielt das London Contemporary Orchestra unter der Leitung von Robert Ames neben den Bläsern, die von den langjährigen isländischen Kollegen Brassgat í bala gespielt werden, eine herausragende Rolle. Das Album wurde von Paul Corley, einem weiteren häufigen Mitarbeiter der Band, gemischt und mitproduziert.

Release 1.9.2023

Auch als Ltd.-Clear Indie Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Royal Blood, das sind: getriebene Vocals, ein wildes Schlagzeug und ein treibender Bass, der mit Effekten so weit gepitcht wird, dass er wie Bass und rotzige Gitarre zugleich klingt. Ihr treibender Rocksound bewegt sich zwischen Led Zepplin, White Stripes und Queens of the Stone Age.

Release 1.9.2023

Empire State Bastard entstand aus den dunklen Gedankenregionen des Duos Simon Neil und Mike Vennart. Die beiden spielten sich gegenseitig in den Auszeiten während der Tourneen von Biffy Clyro die härteste, avantgardistischste oder abstoßend konfrontativste Musik vor, die sie finden konnten und ließen sich davon inspirieren. Nun hat das Duo - mit Unterstützung von Dave Lombardo (Slayer) - eine Sammlung von Songs erarbeitet, die mit Abenteuerlust fast jede erdenkliche dunkle Nische in den unzähligen Sounds des Metals und genreverwandten Auswüchsen durchforstet. Ihr angsteinflößender Ausflug führt sie zu knallhartem Hardcore im Stile von Siege, frenetischem, viszeralem Thrash aus dem Slayer-Kiez, dem klaustrophobischen Sludge der Melvins, der stimmlichen Freeform-Wendigkeit von Mike Patton und den gigantischen Stoner-Riffs von Sleep. Es ist eine Band, die in der Tradition der Metal-Urväter verwurzelt ist, aber von neueren Einflüssen der Leftfield-Aggression beeinflusst wird.

Release 8.9.2023

Mick Harvey und die in San Luis Potis lebendende mexikanische Sängerin und Filmemacherin Amanda Acevedo lernten sich vor einigen Jahren kennen, als jener auf Tour mit P.J. Harvey in Mexiko-Stadt gastierte. Doch erst 2021 wurde ihr aktuelles Projekt Wirklichkeit, nachdem Acevedo eine Zusammenarbeit vorgeschlagen hatte und die beiden begannen, zwischen Mexiko und Australien Ideen auszutauschen. "Schon die erste Aufnahme, die wir gemeinsam gemacht hatten, war erstaunlich. Unsere Stimmen passten einfach sehr gut zusammen"; erinnert sich Acevedo. Harvey fügt hinzu: "...nach und nach entwickelte sich das Gefühl, dass dies ein wichtiges Projekt sein könnte, und so wurde es unversehens zu unserem Hauptthema für die nächsten 18 Monate." Und so entstand das nun vorliegende Album "Phantasmagoria in Blue", ein 14 Titel umfassendes Duett-Album, auf dem Harvey und Acevedo alten Stücken neues Leben einhauchen, sei es dergestalt, dass sie sich existierende Duette zu eigen machten, sei es, dass sie Lieder, die nie als Duette gedacht waren, als solche umarrangierten, manche Stücke dazu aus dem Spanischen übertrugen, andere auf Spanisch sangen - und zusätzlich einige Eigenkompositionen aufnahmen. Thematisch befasst sich das Album mit den immerwährenden Themen der Sterblichkeit, der Liebe, des Rätselhaften und Mythischen und der Suche des Menschen nach Sinn. Ein üppiges und mitreißendes Album voller überbordender Fantasie und Sinnlichkeit, mit der es Songs von so unterschiedlichen Künstlerinnen wie Tim Buckley, Luis Eduardo Aute, Sibylle Baier, Silvio Rodriguez und Pat Benatar neu interpretiert.

Release 1.9.2023

Auch als Ltd.-Purple Colored und Ltd.-Clear Vinyl-Editions erhältlich (beide CHF 34.90)

CRAVER, die Schweizer Dark Rock Metaller und Hoffnungsträger für Fans von Unto Others (Ex-Idle Hands) präsentieren auf ihrem Debut Album "Torch Of Wisdom" eine dunkelromantische Reise mit 9 Craver Hymnen. Wer auf heavy Sound mit einschlägigen Melodien steht - Ghost, Unto Others, Sisters Of Mercy lassen grüssen - und Erinnerungen an die Juwelen der 80er mit mal Maiden hier und (älteren) Scorpions da mag, der sollte CRAVER seine Aufmerksamkeit schenken.

"Torch Of Wisdom" - craving for lust an joy with real metal heavyness.

Release 1.9.2023

Die Band aus Devon macht Musik zwischen charmantem Jangle-Pop und Aspekten aus dem Krautrock. Bereits mit dem ersten Album bekamen sie einige positive Reviewss und größere Liveshows und sind nun stärker zurück. Thematisch geht es um Trauer und die Verarbeitung derer und die damit einhergehende Verantwortung und Veränderung.

Release 25.8.2023

Auch als Ltd.-Clear/Black Vinyl (CHF 42.90) und Ltd.-Sea Blue Vinyl (41.90) erhältlich

"Perfect Saviors ist unser völlig unironischer, aufrichtiger Versuch, das größte und beste Rockalbum des 21. Jahrhunderts zu schaffen." The Armed - das in Detroit gegründete Alternative Metal-Post-Hardcore - Kollektiv - meldet sich mit neuen Album zurück, dem nächsten Schritt seit ihrem Durchbruch "Ultrapop"aus dem Jahr 2021. Perfect Saviors wurde von Tony Wolski zusammen mit Ben Chisholm und Troy Van Leeuwen produziert, mit Beiträgen von Julien Baker, Sarah Tudzin, Mark Guiliana, Justin Meldal-Johnsen, Eric Avery, Stephen Perkins, Josh Klinghoffer und vielen anderen. Das Album wurde von zudem von Alan Moulder (u.a. NIN, Iggy Pop, Jesus & Mary Chain, Wet Leg, Foo Fighters...) gemischt. Sänger Tony Wolski äußerte sich wie folgt zu dem Album: "Zu viele Informationen haben uns dumm und verwirrt gemacht. Zu viele Möglichkeiten, sich zu vernetzen, haben versehentlich zur Isolation geführt. Und zu viele Erwartungen haben jeden gezwungen, eine Berühmtheit zu werden. Vorhersehbare ursprüngliche Gefahren sind neueren sozialen Gefahren gewichen. Das Ergebnis ist eine Welt, die verwirrend und beängstigend, aber letztlich auch schön ist. Wir hoffen, dass diese Platte genau das alles auch ist. Perfect Saviors ist der Abschluss einer Trilogie von Alben, die untersucht und seziert, was "Popkultur" in einer Welt der grenzenlosen Information und des Zugangs ausmacht. Jedes Album nutzt "Popmusik" als lockeres Format, um diese Ideen auszudrücken, und nutzt Komposition und Präsentation als eine Möglichkeit, diese Fragen weiter zu hinterfragen. Perfect Saviors ist das ultimative Produkt dieser Entwicklung. Mit Hilfe eines der weltweit bekanntesten Mixing Engineers haben The Armed ein wunderschönes Album geschaffen, das die Sprache und die Welt des Pop durch eine einzigartige, extreme und perverse Linse betrachtet und so ihre Kunst vermittelt.

Release 25.8.2023

Auch als Black Vinyl erhältlich (CHF 34.90)

Der in Texas aufgewachsene Singer-Songwriter und Big Thief-Gitarrist mit neuem Album. Seine erste Solo-Veröffentlichung bei 4AD folgt auf das 2021er Album "Two Saviors" und handelt von der Liebe...und etwas anderem. Etwas Größerem, etwas, dass Liebe nicht wirklich herausfordert, eher im direkten Kontrast dazu steht. Eine völlige Erfüllung der Seele. Meek gesteht ein, dass Liebeslieder für ihn die am schwersten zu schreibenden sind. Vielleicht holte sich Meek auch deshalb beim Schreiben Verstärkung in Form der Freundin und langjährigen Heldin Jolie Holland, die bei fünf von elf Songs des Albums Co-Autoren-Credits hat. Die ersten zwei Verse und der Chorus von "Haunted Mountain" stammen von der Texanerin, die diese als Liebeslied für Mount Shasta in Nord-Kalifornien geschrieben hat. Meek fügte den finalen Vers hinzu, in der gemeinsamen Suche nach dem Austausch mit der Natur. "It"s about being humbled by the thing you"re drawing power from only at which point an actual, fair relationship begins", erklärt er. Seit seinem selbstbetitelten Solo-Debüt sind Meeks Band-Kollegen die gleichen: Adam Brisbin (Gitarre), Austin Vaughn (Schlagzeug) und Mat Davidson (Pedel Steel, Bass). Für "Haunted Mountain" stießen noch Ken Woodward (Bass) und Meeks Bruder Dylan (Klavier, Synths) zu diesem eingeschworenen Haufen dazu. Davidson übernahm die Produktion, während Adrian Olsen, der auch die Sound Manipulation mit einem Modular Synthesizer übernahm, das Album innerhalb von zwei Wochen mixte. Der Ansatz war ein hi-fi-Album als Gegensatz zum lo-fi-Ansatz des Vorgängers zu erschaffen, während die Intimität erhalten bleiben sollte. Meek glaubt selbst daran, dass alle großen Liebeslieder noch nicht geschrieben wurden. Zwischen den Zeilen von "Haunted Mountain" hört man, dass Liebe in jeglicher Form die Erschaffung eines Zuhauses ist, von innen - für immer auf der Suche nach dem anderen.

Release 18.8.2023

Das dritte Full Length Album von Chelsea Deadbeat Combo hievt die Band auf das Level welches Sie bereits seit Jahren als Live Band auszeichnet. Die Topliga des schweizerischen Musikschaffens.

Der unwiederstehliche Mix aus Punk & Hardcore vs. purer Lebensfreude zieht sich wie ein roter Faden durch die 10 Songs und bettet sich prächtig in den bisherigen Songkatalog der Band ein.
Outsider Oten & Rockawaybeach Record Store Bern präsentieren in zusammenarbeit mit Sixteen Times Music eine auf 100 stk. limitierte “Record Store” Vinyl Edition welche ab sofort in beiden Shops vorbestellt werden kann.

Release 25.8.2023

Auch als Ltd.-Green Vinyl erhältlich (CHF 36.90)

Etwas überraschend kehrt die Mitte der 00er-Jahre als Teen-Punk-Sensation schwer gehypte Band aus Nashville nach langer Unterbrechung mit ihrem 3ten Album zurück. 2006 und 2008 erschienen die beiden ersten Alben, die zu medialem Hype führte, der der damals blutjungen Band offensichtlich zu viel wurde und zur Auflösung führte. Jack White´s Label Third Man Records versprach ihnen nun einen Rahmen, der sie nicht den Mechanismen von damals aussetzt. Musikalisch sind sie auch 15 Jahre später schwer in Form, begeistern mit einer abwechslungsreichen Mischung aus Garage-Punk und punk-infiziertem Indierock mit geschickt und gewinnbringend eingeflochtenen Elementen aus Alternativerock, Power-Pop, etwas Funk und Indie-Pop, gekrönt von prima Hooklines zum Mitskandieren an den Peaks, druckvoller Energie beim Gitarrenriffing und viel Punch beim gerne in den Offbeat wechselnden Drumming. Im Mittelpunkt steht die stimmlich wie auf den ersten beiden Alben umwerfende Jemina Pearl Abegg, allerdings mit altersgemässen Text-Themen, zu denen auch Muttersein und Verantwortung des Erwachsenenlebens gehört. *

Release 11.8.2023

Auch als Black Vinyl-Edition erhältlich (CHF 31.90)

Meist aufs Wesentliche konzentriert, ohne unnötiges Fett aufgenommen offenbart das neue Album Bonnie pur, begleitet von Akustikgitarre und Backgroundgesang von Dane Waters. Bei einigen Songs erklingt auch Violine, Cello oder Mandoline oder ein paar Tastenklänge oder auch mal ein Saxophon. Bonnie´s Gesang nimmt mit, zeigt jede Facette seiner Stimmbänder und seiner Stimmfarbe. Herrliche Songs voller Herzblut für ruhige Stunden, am besten zu geniessen auf der Veranda oder dem Balkon an einem entspannten freien Tag. Ein Album, das so gemacht wurde, wie es gehört werden sollte: in einem Raum. Der Klang von Menschen, die zusammen sind, die miteinander spielen, kommunizieren. Das Gefühl von Gemeinschaft überträgt sich in den intimen Folksongs.

Release 11.8.2023

Auch als Tape erhältlich (CHF 17.90)

Das neue Album folgt auf "Loving In Stereo", das ein Meilenstein für das gefeierte britische Duo war. Es erreichte die bisher höchste Position in den UK-Charts und debütierte auf Platz 3. Gleichzeitig erreichte es die beste Position in den internationalen Charts in Australien, Deutschland, der Schweiz, Belgien und den Niederlanden. In den USA katapultierte es sich auf Platz 1 der Billboard Dance Albums Charts. Die freigeistige Energie, die sich durch das Album zieht, spiegelt wider, wie organisch das Album entstanden ist. J und T hatten den Großteil des Albums auf Tournee geschrieben, bevor sie mit den Aufnahmen begannen, während sie in einem Airbnb in Los Angeles wohnten. Später wurde das Album zu Hause in London in ihrem Lieblingsort, dem Studio B der Metropolis Studios, fertiggestellt. Dieses Mal wollte das Duo eine größere Vielfalt an Stimmen in das Album integrieren. Neben Erick The Architect haben sie für "Pretty Little Thing" auch Bas (der bereits auf der "Loving In Stereo"-Single "Romeo" zu hören war) wiederverpflichtet, sowie Talente wie Roots Manuva, Channel Tres und JNR Williams hinzugezogen.

Release 11.8.2023

Auch als Black Vinyl-Edition erhältlich (CHF 31.90)

Die unbestrittenen Ikonen des Rock'n'Roll sind zurück und kanalisieren mit ihrem ersten neuen Album seit über 10 Jahren die elektrisierende Energie der größten Hits der Gruppe. Ihr kolossales neues Album lässt die Geschichte der Band auf fesselnde Weise wieder aufleben, indem es das Verschwinden des mysteriösen sechsten Bandmitglieds Randy Fitzsimmons erforscht. Nachdem er vor einiger Zeit verschwunden ist, steht die Band ohne ihren besten Mann da, und es sieht nicht gut aus auf dem Anwesen. Vielleicht, aber nur vielleicht, wird die Veröffentlichung neuer Musik Randys Aufmerksamkeit erregen und ihn aus der Leere zurückholen...

Release 21.7.2023

Neues Album der Grammy Gewinner aus Michigan, deren erste beide Alben "Anthem Of The Peaceful Army" und "The Battle At Garden's Gate" jeweils auf #3 der deutschen Albumcharts debütierten. Ein starker Vorbote ist die erste Single "Meeting The Master", die sich von einem zarten Akustik Intro zu einem Rock-Monster entwickelt. Zehn Songs enthält das neue Album, die sich mit der Dualität zwischen Fantasie / Realität und dem Kontrast zwischen Licht und Dunkelheit, befassen. Das Album wurde von der Band geschrieben und von Grammy-Gewinner Dave Cobb (Chris Stapleton, Brandi Carlile) produziert. Die Aufnahmen fanden in den legendären RCA Studios in Nashville statt. *

Release 21.7.2023

9tes Album von Damon Albarn, Graham Coxon & Co, ohne Zweifel neben Oasis und Pulp die wichtigsten Vertretern des 1990er-Britpops. Blur stehen 2023 also nicht nur zum ersten MAl seit 30 Jahren wieder gemeinsam auf der Bühne, sondern kehren mit ihrem ersten Album seit "Magic Whip" von 2015 zurück. Produziert hat James Ford (u.a. Arctic Monkey, Foals, Depeche Mode). Die Vorab-Single "The Narcissit" glänzt neben einer unwiderstehlich schönen Gesangslinie von Damon Albarn mit schrammeligen Indie-Gitarren, warmem Bass und prägnantem Backgroundgesang und lässt auf Großes hoffen! Sänger Damon Albarn sagt über das Album: "Diese Platte ist ein Nachbeben, eine Reflektion und ein Kommentar dazu, wo wir uns gerade befinden." Gitarrist Graham Coxon ergänzt: "Je älter und wütender wir werden, desto wichtiger wird es, dass wir mit den richtigen Emotionen und Absichten spielen. Manchmal reicht ein Riff einfach nicht aus.

Release 28.7.2023

Auch als Ltd.-transparent Purple Vinyl-Edition erhältlich (CHF 47.90)

Neues Album der Punkrock- und Metal-Superhelden - bestehend aus Cave In-Sänger/Gitarrist Steven Brodsky, Converge-Schlagzeuger Ben Koller und dem neu hinzugekommenen High on Fire-Bassisten Jeff Matz. Brodsky und Koller, die eine fast telepathische Chemie besitzen, haben sich schon immer dadurch ausgezeichnet, dass sie ihre eigene, einzigartige Art von rasendem, hyperfokussiertem, dynamischem und exzessivem Griffbrett-versiertem Metal kreieren. Wenn man zwei Musiker nimmt, die in der Hardcore-Welt aufgewachsen sind und schnell die technischen Anforderungen übertrafen, um selbst die anspruchsvolleren Varianten dieses Sounds zu spielen, und sie dann dazu bringt, sich gegenseitig spielerisch in unverschämte und eingängige Gefilde zu drängen, erhält man eine grobe Annäherung an den Mutoid Man-Sound. Aber mit dem neuen Bassisten Jeff Matz im Schlepptau hat man nun ein Dreiergespann von Prog-Level-Spielern, die sich dem Metal mit punkiger Respektlosigkeit nähern, auf "Mutants", einem Album, das ihre bisher gelungenste und verblüffendste Leistung darstellt.

Release 7.7.2023

Cory Hansons dritte Solo-LP folgt auf das leuchtende "Pale Horse Rider" von 2020 und steigert die Hitze auf geschmolzene Ebenen, sechs Saiten auf einmal. Auf der Suche nach weiteren Abenteuern schöpft Cory mit vampirischer Freude aus dem Wahnsinn, der durch die Welt da draußen strömt; eine spiralförmige Shitshow, die einen Zwang in ihm wiedererweckt hat - einen alten Ehrgeiz, sogar! - Brutalität und Eleganz zu einem neuen Satz von Steinen zu zermalmen, die auf uns herabhageln. Western Cum ist eine hochtrabende, hart tanzende, erste Liebe/Herzschmerz, heute Nacht ist die Nacht, Zukunftsnostalgie - der Klang von Gitarren durch die Lautsprecher von Luxusautos. Wie der Traum, den du einmal hattest, als du allein in einem Verstärker schliefst und Guns N" Roses aus allen Körperöffnungen schallte. Und es kommt durch! Western Cum "s Karte zum Schatz ist jedoch weniger eine Nachahmung, sondern eher eine Ausführung der Songs mit der Henkersaxt, die ihre enthaupteten Rhythmusköpfe und hochfliegenden Melodien, die ganze Palette von Corys melodischen Impulsen mit Gitarren, Gitarren, Gitarren wälzt. Harmonie-Leads sind nur die Spitze des Eisbergs, aber sei schnell - die Gitarren schmelzen gerne alles, was sich ihnen in den Weg stellt! Die acht Songs von Western Cum werden vom kräftigen Bass von Bruder Casey Hanson und dem Schlagzeug von Evan Backer angetrieben, mit ein paar beiläufigen Akustikklängen von Cory und den gelegentlichen Geisterstöhnen der Steel Guitar von Tyler Nuffer. Der Quartettsound - zwei Gitarren, Bass und Schlagzeug - dient als Beat- und Phrasierungsinstrument sowie als Vorlage für Corys Sechssaiter- und Gesangstexturen. Vom Dach ihres musikalischen Unterschlupfs - die Band in ihrer provisorischen Hütte und Cory in einem Plumpsklo - lassen sie eine Explosion los, die sowohl das Gesicht schmelzen als auch den Verstand überwältigen lässt: ein sozialer Dienst, der Verstopfung einen guten Namen gibt.

Release 7.7.2023

Harveys erstes seit dem 2016 für einen Grammy nominierten "The Hope Six Demolition Project" wurde von den langjährigen Weggefährten Flood und John Parish produziert. PJ Harvey hat seit Beginn ihrer Karriere für Aufsehen gesorgt. Sie ist die einzige Musikerin, die mehr als einmal mit dem britischen Mercury Music Prize ausgezeichnet wurde, zuerst 2001 für Stories From The City, Stories From The Sea und erneut 2011 für Let England Shake. Als Dichterin und bildende Künstlerin sowie als Musikerin und Songschreiberin besticht ihr Werk durch seine Originalität: lebendig, fesselnd und unverwechselbar. Seit der Veröffentlichung von The Hope Six Demolition Project, das in ihrem Heimatland Großbritannien auf Platz 1 der Albumcharts landete, hat sie Kompositionen für Bühne und Film beigesteuert, zuletzt für Sharon Horgans gefeierte Miniserie Bad Sisters. Im Laufe ihrer Karriere hat Harvey immer dafür gesorgt, dass jede Phase ihrer Entwicklung sie zu etwas Neuem geführt hat, aber ihre neueste Musik ist selbst für ihre Verhältnisse kühn und originell. Erfüllt von dem Gefühl einer zyklischen Rückkehr zu neuen Anfängen, verbindet sie ihren kreativen Wagemut mit einem Gefühl der Offenheit und Einladungskraft, und das auf faszinierende Weise. Die neuen Songs, so Harvey, bieten "einen Ruhepol, einen Trost, einen Trost, einen Balsam - was sich für die Zeiten, in denen wir leben, genau richtig anfühlt." Die Geschichte von I Inside the Old Year Dying reicht sechs Jahre zurück, bis zum Ende der Tournee um ihr letztes Album im Jahr 2017 und wie sich Harvey unmittelbar danach fühlte. Sie spürte deutlich, dass sie irgendwo im endlosen Zyklus von Alben und Tourneen ihre Verbindung zur Musik selbst verloren hatte - eine Erkenntnis, die unbeschreiblich beunruhigend war. Es war keine Zeit des kreativen Rückzugs: Dank der Betreuung durch den schottischen Dichter Don Paterson arbeitete sie an Orlam, ihrem zweiten Gedichtband nach The Hollow of the Hand (2015), der letztes Jahr veröffentlicht wurde und eine der wichtigsten Inspirationen für das neue Album war. Hinzu kamen die Neuauflagen von Harveys Vorgängeralben - und, in Neuauflagen, deren Demoversionen -, die zwischen 2020 und 2022 herauskamen. Aber schließlich waren es zwei Dinge, die sie in Richtung neuer Songs, Musik und Klänge trieben. Das eine war die Erinnerung an ein Treffen mit dem Künstler und Filmemacher Steve McQueen in Chicago während der Zeit von Hope Six. Er riet ihr, sich daran zu erinnern, was sie an Worten, Bildern und Musik liebt, und das Konzept, ein "Album" zu schreiben, beiseite zu legen, um sich auf diese drei Leidenschaften zu konzentrieren und mit ihnen zu spielen. Der andere Auslöser für die Rückkehr zur Musik war ganz einfach: der bloße Akt des Musizierens. Wenn sie die Gitarre in die Hand nahm oder sich ans Klavier setzte, um ihre Lieblingssongs von Künstlern wie Nina Simone oder Bob Dylan zu spielen, wurde ihre Leidenschaft für diese Kunstform erneut bestätigt. Bald begann sich etwas zusammenzufügen. Als Harvey begann, neue Songs zu schreiben, hatte sie das befreiende Gefühl, Musik um ihrer selbst willen zu machen, und nicht mehr die ersten Schritte zurück in den Album-Tour-Album-Tour-Zyklus. Sie schöpfte aus dem Gefühl der kreativen Freiheit, das sie bei ihrer früheren musikalischen Arbeit an Soundtracks und im Theater verspürt hatte. Gleichzeitig verlagerte sich ihre Perspektive, weg von den großen Themen von Let England Shake und Hope Six ("looking out, at war, politics, the world"), hin zu etwas Intimerem und Menschlicherem. Die neuen Songs, sagt Harvey, "sind in etwa drei Wochen aus mir herausgekommen". Aber das war nur der Anfang. Der Schlüssel zu dem, was als Nächstes - in den Battery Studios im Nordwesten Londons - passieren sollte, lag in einer fast dreißigjährigen kreativen Verbindung zwischen Harvey, ihrem langjährigen Mitarbeiter und kreativen Partner John Parish und Flood: nominell ein Produzent, obwohl dieses Wort ihm nicht wirklich gerecht wird. "Das Studio war für Live-Auftritte eingerichtet, und das war alles, was wir gemacht haben", sagt sie. Wenn I Inside the Old Year Dying ein sehr greifbares, menschliches Album ist, dann liegt das zum Teil daran, dass so gut wie alles auf dem Album auf Improvisation beruht: spontane Auftritte und Ideen, die im Moment ihrer Entstehung aufgenommen wurden. Die Aufnahme hat etwas zutiefst Erhebendes und Erlösendes an sich, was durch die erste Single des Albums, "A Child's Question, August", verdeutlicht wird. "Ich glaube, das Album handelt von der Suche, der Intensität der ersten Liebe und der Suche nach Bedeutung", sagt Harvey. "Nicht, dass es eine Botschaft geben muss, aber das Gefühl, das die Platte bei mir auslöst, ist das der Liebe - es ist von Traurigkeit und Verlust geprägt, aber es ist liebevoll. Ich glaube, das ist es, was es so einladend macht: so offen.

Release 7.7.2023 - Vinyl voraussichtlich am 28.7.2023

Annie Taylor sind zurück! Mitreißend, roh und zügellos - so lässt sich der neue Song „Love is Blind“ der Schweizer Psychedelic-Grunge-Band beschreiben. Mit der Single kündigt die Band ihr zweites Album „Inner Smile“ an. Es wurde im vergangenen Jahr mit Ali Chant (PJ Harvey, Algiers, Soccer Mommy) aufgenommen und wird am 7. Juli 2023 über Taxi Gauche Records veröffentlicht.

„Love is Blind“ ist ein akustischer Angriff auf die Sinne, eine zweiminütige Explosion der Wut. Sängerin Gini spricht zu Beginn des Songs eine Warnung an alle aus, die es wagen, ihren Weg zu kreuzen: „Stay away before I explode, anything could make me overload.“ Das ist keine leere Drohung, denn die Band stürzt sich schnell in einen gewaltigen Angriff mit verzerrten Gitarren, krachenden Drums und knurrendem Gesang in bissiger Rage. „Love is Blind“ ist ein Beweis für die Kraft des Punkrocks. Eines Genres, in dem es schon immer darum ging, den Mächtigen die Wahrheit zu sagen und die Grenzen dessen, was als akzeptabel gilt, zu überschreiten. Annie Taylor nimmt sich dieses Ethos zu Herzen und schafft mehr denn je Musik, die roh, unverblümt und absolut authentisch ist. Wenn dies nur ein Vorgeschmack auf das ist, was sie auf Lager haben, dann können wir es kaum erwarten, zu sehen, was sie sich als Nächstes einfallen lassen werden.

Release 7.7.2023

Auch als Ltd.-Sky Blue Vinyl-Edition erhältlich (CHF 38.90)

Nach 6 Jahren endlich das transzendent klingende neue Album der US-Songwriterin das ein Zeugnis von Geduld und Entschlossenheit für die Bereitschaft ist, sich durch die Trostlosigkeit des Verlustes zu wandeln, Kraft für Erneuerung zu schöpfen und für den Mut zur Veränderung. Das Titelstück geht arg an Herz und Nieren, wenn die Autodidaktin zu gezupfter Akustikgitarren und Streichern ihre sich von Kolleginnen abhebende Stimme erklingen lässt. "Summer Glass" ist ein fantastischer, lieblicher Blick in die Zukunft, denn hier singt Byrne wunderschön zu einem Konglomerat aus Synth-Chords und sanft tackernder Synth-Linie, auch Streichersound und Akustikgitarre erklingen. Das Songwriting fließt zwischen ihrer charakteristischen fingergezupften Gitarre, dem Synthesizer und einem neu übernommenen Klavier, das durch Ausschmückungen mit Harfe und Streichern erweitert wurde. Die Aufnahmen begannen mit dem verstorbenen Eric Littmann, ihrem langjährigen kreativen Partner und Not Even Happiness-Produzenten, und endeten in den Catskills von New York mit dem Produzenten Alex Somers (Sigur Rós, Julianna Barwick).

Release 7.7.2023

8 Monate sind vergleichsweise lang, um auf ein neues KGLW-Album zu warten: Für Album Nr. 24 hat es sich jedoch gelohnt: "PetroDragonic Apocalypse…" ist (endlich) wieder ein Thrash-Metal Album der australischen Psych-Rock-Legenden. Die Platte knüpft damit an ihr bisher bestes Album an, die klimakämpferische Doom/Stoner-Scheibe "Infest the Rats Nest" (2019). "This one is for all the people out there who wanna watch the world burn" kündigt die Band an. Es geht um "die Menschheit und um den Planeten Erde, aber auch um Hexen und Drachen und so einen Scheiß". Die Vorab-Single "Gila Monster" sowie die apokalyptische Cover-Art versprechen Großartiges. Pflicht für alle in und um das Gizzverse.

Release 7.7.2023

Matador Records beweist sein gutes Näschen für spannende, laute Newcomer. Reinigend und unvorhersehbar wie ein Sommergewitter lärmt das 2x EPs zu einem Album vereinende, aus Chicago stammende Trio Asher Case (Bass, Gesang), Isaac Lowenstein (Drums, Percussions) und Kai Slater (Gitarre, Gesang) mit kantigem, energisch gespieltem Noise-Rock, der am Schlawittchen packt und eine prima Ausgewogenheit aus Chaos und eingestreuten melodischen Hooklines verzeichnet. Knalliger Bass, intensiv ausgepieltes Drumkit und großartige Noiserockgitarren, die rühren, blocken und mit voll ausgepielten Chords für lautmalerische Abwechlsung sorgen. Immer wieder kurze Breaks und Stopps und Distortion im Clash mit zahnenden Melodiositäten beim Gesang. "Crowd Can Talk" erschien ursprünglich im Sommer 2022 beim Chicagoer Label Born Yesterday, "Dressed In Trenches" besteht aus fünf neuen, bisher unveröffentlichten Songs. Beide EPs wurden im gleichen Studio (Electrical Audio) und mit dem gleichen Tontechniker (Mike Lust) aufgenommen.

Release 7.7.2023

Auch als Ltd.-Transparent Blue Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Die skandinavische Formation versteht es wie wenig andere, elektronischen Pop in anschmiegsamen, oft tanzbaren Songs zum Leuchten zu bringen und bei aller Beseeltheit, der sich in dem an Neneh Cherry erinnernden Gesang von Yusuke Nagano äussert, auch eine kosmische Verspieltheit an den Tag zu legen. Das 7te Album räkelt sich mit dem Zeitgeist im Arm und der elektronischen Geschichte im Hinterkopf (mit Verweisen zu Triphop, House und Electro) und entert immer wieder auch den Dancefloor mit geschmeidigem Songwriting.

Release 7.7.2023

Auch Ala Ltd.-White Vinyl-Edition erhältlich (CHF 43.90)

2022 begann Anohni mit dem renommierten Soul-Produzenten Jimmy Hogarth (Amy Winehouse, Duffy, Tina Turner) zu arbeiten - eine Premiere, die alle bisherigen Johnsons-Alben selbst komponiert und produziert hat. Dafür brachte sie Notizbücher voller Text-Ideen zu den Sessions und zusammen mit Hogarth an der Gitarre und Anohni am Klavier entstanden die ersten Demos. Daraufhin rekrutierte Hogarth für die Album-Aufnahmen eine Studio-Band, bestehend aus Leo Abrahams, Chris Vatalaro, Sam Dixon und dem Streicherarrangeur Rob Moose. Hogarths intuitives Gitarrenspiel führt die Hörerinnen dabei durch die zehn Songs, die sich aus Versatzstücken von amerikanischem Soul, britischem Folk und experimenteller Musik zusammensetzt. Dabei schwanken die Songs zwischen Zärtlichkeit und instrumentaler Brutalität, Melodie und Dissonanz. Anohni´s Weltbild prägt die Songs auf ihrem neuen Album, die sich mit unterschiedlichen Themen beschäftigen. Es ist ihr persönlicher Kommentar zu dem Verlust geliebter Personen, Ungerechtigkeiten, Entfremdung, Akzeptanz, Grausamkeit, Umweltzerstörung, Verwüstungen, die durch die Abrahamitische Religionen angerichtet wurden, Future Feminism und die Möglichkeit, dass wir unsere Formen von Denken, unsere spirituellen Ideen und unsere gesellschaftlichen Strukturen, wie unsere Beziehungen erst noch mit dem Rest der Natur in Einklang bringen müssen.

Release 7.7.2023

Eine Sammlung von dreiundzwanzig der beliebtesten Songs von Nick Drake, liebevoll dargeboten und neu interpretiert von zweiunddreißig der talentiertesten Künstler des gesamten musikalischen Spektrums, wird am 7. Juli über Chrysalis Records veröffentlicht. "The Endless Coloured Ways" wurde von Cally Callomon, der Managerin des Nick Drake Estate, und Jeremy Lascelles, dem Mitbegründer von Blue Raincoat Music und CEO von Chrysalis Records, ins Leben gerufen und enthält unter anderem Aufnahmen von Fontaines D.C., Let's Eat Grandma, John Grant, Self Esteem, Emeli Sandé, Guy Garvey, David Gray und vielen anderen. Im Vorfeld der Veröffentlichung des Albums wird Chrysalis eine Reihe von fünf 7"-Singles in limitierter Auflage mit einer Auswahl der versammelten Künstler herausbringen. Die Singles-Serie wird durch eine Bonus-7" vervollständigt, die der limitierten, farbigen 2LP-Variante beiliegt und eine wunderbare, nie zuvor veröffentlichte Aufnahme von Nick Drake enthält, der den Bob Dylan-Song "Tomorrow Is A long Time" zu akustischer Gitarre singt. "Cally und ich haben dieses Projekt mit einem einfachen Auftrag an jeden der Künstler begonnen - sie sollten die Originalaufnahme von Nick ignorieren und den Song in ihrem eigenen Stil neu erfinden. Wir bekamen viele ähnliche Antworten, wobei alle sagten, wie wichtig Nicks Musik für sie gewesen ist und wie sehr sie an diesem Projekt teilnehmen wollten. Als die Ergebnisse nach und nach eintrafen, waren wir begeistert von der Brillanz und dem Einfallsreichtum, den die Künstler gezeigt hatten. Sie hatten genau das getan, was wir uns erhofft hatten - sie hatten den Song zu ihrem eigenen gemacht." - Jeremy Lascelles "Nick Drake war nicht so sehr darauf bedacht, sich selbst zu promoten, aber ich denke, er wäre überglücklich gewesen, zu hören, dass seine Kunst von so vielen dynamischen und talentierten Künstlern neu aufgegriffen und gefördert wurde. Jeremy und ich hielten es auch für wichtig, dass das Album ein zusammenhängendes Hörerlebnis ist, im Gegensatz zu einer Galerie von einzelnen Exponaten. Ob wir diese beiden Ziele erreicht haben, kann nur der Hörer beurteilen. Wir fühlen uns geehrt und sind all unseren Freunden, alten und neuen, die an der Entstehung dieses wunderbaren Sets beteiligt waren, sehr dankbar.

Release 30.6.2023

Daß er eine äusserst interessante Stimme besitzt, die er auf charismatische Weise einzusetzen vermag, bewies er ja schon ausgiebig als Sänger der irischen Post-Punks von Fontaines D.C. auf 3 Alben. Auf seinem Solo-Debut-Album sind die musikalischen Umgebungen dann doch etwas anders geartet. Vorab hörbare Songs wurde mit unverzerrter Gitarre eingespielt. "Fairlines" ist eine klasse, mit einem synkopischem Beat druckvoll nach vorne gehende Uptempo-Nummer mit Handclaps und mäandrierender Fidel, die Chatten´s Stimme ebenso die volle Entfaltung ermöglicht wie das ebenfalls verletzlich, aber auch kraftvoll wirkende "The Score", bei dem eine gezupfte Gitarre, ein toller Bass und Drumcomputerbeat als EInbettung dienen. Das Album wurde dreißig Meilen nördlich von Dublin geboren, wo sich an einer windgepeitschten Promenade inmitten vergessener Küstenstädte ein kleines, verstecktes Kasino befindet, ein Schlupfloch, an dem Billardkugeln und das Klirren von Gläsern in der Lounge-Bar vom allgegenwärtigen Surren der Spielautomaten widerhallt. Das von Fontaines' langjährigem Produzenten Dan Carey mitproduzierte Album enthält die poetischsten Texte, die wir bisher von Chatten gehört haben

Release 30.6.2023

Lucinda Williams' Musik hat sie durch ihre dunkelsten Tage gebracht. Das war schon so, als sie inmitten des Familienchaos im tiefen Süden aufwuchs, wie sie in ihren neuen Memoiren Don't Tell Anybody the Secrets I told You erzählt. In den letzten zwei Jahren war es die treibende Kraft bei ihrer Genesung von einem schweren Schlaganfall, den sie am 17. November 2020 im Alter von 67 Jahren erlitt. Ihr meisterhaftes, mehrfach mit einem Grammy ausgezeichnetes Songwriting hat sie nie im Stich gelassen. Ihr atemberaubendes, sechzehntes Studioalbum Stories from a Rock n Roll Heart enthält einige der besten Werke ihrer Karriere. Und obwohl Williams ihre geliebte Gitarre - ein ständiger Begleiter seit ihrem 12. Lebensjahr - nicht mehr spielen kann, klingt ihr markanter Gesang besser denn je. Die Band rockt beim jubelnden Eröffnungsstück des Albums, "Let's Get the Band Back Together", mit einer Reihe von Background-Sängern, darunter Margo Price und Buddy Miller. Inspiriert von dem Bedürfnis nach Gemeinschaft nach all der Isolation während der Pandemie", so Williams, geht es in dem Song darum, alte Freunde wieder zusammenzubringen, die sich auseinandergelebt haben". Price schließt sich ihr auch bei dem bluesigen Protestsong "This Is Not My Town" an. Das stimmungsvolle "New York Comeback" enthält auch Gastsänger - Bruce Springsteen und Patti Scialfa. Als Lucinda-Williams-Fan stand Springsteen vor einigen Jahren in London mit ihr auf der Bühne, und er und Scialfa wollten schon seit längerem an einem Williams-Album mitwirken. Mit Reese Wynans an der B3 und der Pettibone-Mathis-Gitarren-Attacke passt der musikalische Rahmen perfekt zum Thema von "Comeback", ebenso wie bei dem eingängigen Story-Song "Rock N' Roll Heart", zu dem Springsteen und Scialfa auch Gesang beisteuerten. Williams: "Bruce und Patti bei diesen Songs zu haben, ist wirklich toll. Es ist einfach so cool!" Wie sie auf dem kraftvollen letzten Stück von Stories from a Rock n Roll Heart - einem der besten Alben ihrer Karriere - verspricht, wird Lucinda Williams "niemals verblassen".

Release 30.6.2023

Nachdem das aus Boston stammende Duo mit ihrem 2020er Debüt einen stattlichen Erfolg und jede Menge Aufmerksamkeit einfahren konnte, sind sie mit ihrem zweiten Album nun bei keinem Geringeren als Sub Pop gelandet. Mit ihrem im Heimstudio produzierten "Good Living Is Coming For You" setzen Lira Mondal und Caufield Schnug genau da an, wo sie aufgehört hatten, kombinieren minimalistische Postpunksongs mit einem irre zackigen Pop-Feeling, was an Bands wie Young Marble Giants, Kleenex/LiliPUT, The Organ und Pleasure Leftists erinnert. Dringlicher klingen die neuen Stücke, falls das überhaupt noch möglich ist, die Gitarre flirrt, die rohe Rhythmussektion fordert und Lira´s unfassbare Stimme packt sofort. Eine wundervolle Platte, vollgestopft mit Ohrwürmern, die ihren leicht schmutzigen LoFi-Appeal nicht verloren haben. Ganz groß!

Release 23.6.2023

Gaststars wie First Aid Kit, Shovels & Rope, Scott McMicken, Neko Case, Jim James und andere beleben das 12te Album mit Überraschungen. Acht der zehn Songs des Albums sind Ward-Originale, aber es gibt auch eine unorthodoxe Bowie-Auswahl, "I Can't Give Everything Away" aus "Blackstar", und eine Live-Interpretation von Daniel Johnstons "Story of an Artist".

Release 23.6.2023

In einer braunen Spanplattenhülle mit einer Download-Karte für zusätzliche 44 Minuten Musik. Das sechzehnte Album der New Yorker Noise-Rock-Urgesteine Swans um deren Kopf und Sänger Michael Gira, inklusive einer Schar an namhaften Gästen wie Ben Frost. "Nach zahlreichen pandemiebedingten Tourabsagen für das vorherige Swans-Album "Leaving meaning" und einer scheinbar bodenlosen Grube des Wartens, Wartens, Wartens und der seltsamen Orientierungslosigkeit, die mit dieser plötzlichen, aber nicht enden wollenden erzwungenen Isolation einherging, beschloss ich, dass es Zeit war, Songs für ein neues Swans-Album zu schreiben und alles andere zu vergessen. Es fiel mir relativ leicht, sie zu schreiben, immer in dem Bewusstsein, dass es meine letzten sein könnten. Als ich endlich in der Lage war, mit den Songs in der Hand nach Berlin zu reisen, um mit meinen Freunden an diesem Album zu arbeiten, war das Gefühl ähnlich wie der Moment in 'Der Zauberer von Oz', wenn der Film von Schwarz-Weiß auf Farbe wechselt. Jetzt fühle ich mich ziemlich optimistisch. Meine Lieblingsfarbe ist rosa. Ich hoffe, dass euch das Album gefällt.

Release 23.6.2023

2tes Album. Im Sommer 2021 tauchte die Band wie aus dem Nichts auf und obwohl die 5 Jungs aus Brooklyn eigentlich vorhatten, nur ein paar Songs vor dem College zu veröffentlichen, wurde schnell ein Album draus, dass u.a. von der NY Times, Stereogum, Rolling Stone gefeiert wurde und ihnen Auftritte im TV bei Colbert und im Vorprogramm von Jack White einbrachte. '3D Country', von der Band und James Ford (Arctic Monkeys, Depeche Mode, Shame) co-produziert, entpuppt sich als ein abgefahrener, wilder und unvorhersehbarer Ritt, der eine Welt unter die Lupe nimmt, die nicht mehr so ganz die alte zu sein scheint.

Release 23.6.2023

Birdman Jäggi erschaffen Mundartmusik, wie sie heute klingt. Elektronisch kühl, mit eingängigen Hooks und kleinen Geschichten, in denen sich die grosse, weite Welt spiegelt.
Birdman Jäggi. Eine neue Mundart-Band, gestartet von zwei gestandenen Musikern aus Bern. Simon Jäggi - Sänger der Kummerbuben, Thierry Lüthy - musikalischer Kopf der Brasskappelle Traktorkestar. Birdman Jäggi ist für beide ein Flug in neue Welten.

Das Debut-Album «Zieh di ab, mir müessä redä» enthält 10 Songs, die kleine Geschichten erzählen. Oftmals nur
skizzenhaft umrissene Figuren und Bilder, bei denen die Hörenden die Zwischenräume mit ihrer eigenen Fantasie ausmalen. Birdman Jäggi, das ist Musik für Fahrten durch die Nacht und ähnliche Gefühlslagen.


LINE UP
Frontmann, Gesang & Performance: Simon Jäggi
Gitarre: Tom Etter
Piano und Synthie: Milan Slick
Drums: Tobi Heim
Und Thierry Lüthy? Hütet zuhause den Nachwuchs, der noch nicht flügge ist.

Release 23.6.2023

Auch als Ltd.-Metallic Blue Ice Vinyl-Edition erhältlich (CHF 38.90)

Drittes Kracher-Album des aus Melbourne stammenden Trios um die fantastische Jenny McKennie. Ihre wilde, krautbeeinflusste Mischung aus Post-Punk und Garage-Rock der Vorgänger ist geblieben, die Lyrics sind aber noch näher, die Dringlichkeit fassbarer. Ihre ungebremste Wut, mit der sie zum Handeln aufrufen, reißt mit, wenn sie Themen wie kaputte psychische Gesundheitssysteme und die Last der familiären Pflege, die größtenteils Frauen aufgebürdet wird, ansprechen und gleichzeitig Raum für Dankbarkeit, Liebe und Akzeptanz schaffen. Mit "all her plans" legen sie die Messlatte noch mal ein ordentliches Stück höher - super Scheibe!

Release 23.6.2023

Der Titel des 9ten Albums ist einem Freund der Anfang der 2004 in Alaska gegründeten Band gewidmet. Der Song "Dummy" ist ein etwas schräger, aber auch pop-orientierter Song, der mit Funk flirtet und mit den Gitarren und den Hiphopdrums etwas nach Beck klingt. Etwas ungewöhnlich dagegen der Dub/Reggae-Einfluss auf "Thunderdome", das der Seele Amerikas auf den Grund zu gehen versucht und vom MItwirken der mexikanischen Musikerin Natalia Lafourcade geprägt ist, zudem ist der omnipräsente The Roots-Rapper hier mit am Start

Release 16.6.2023

Die auf dem Cover abgebildeten Klampfen und ein erster Ausschnitt weisen schon darauf hin, daß das Album des norwegischen Progrock-Trios Bent Saether und Hans Magnus Ryan und dem hier wieder mitwirkenden Drummer Tomas Järmyr für ihre Verhältnisse viel und oft mit akustischen Gitarren hantiert. Die drei orientieren sich in Richtung Classic Rock der 60er/70er Jahre mit einem hohen Grad an Melodiosität und einer hippiesken Ausrichtung im Spektrallicht, das auf weite, vom Wind zerzauste Blumenwiesen fällt. Alles im Rahmen des bandtypischen Sounds. Das Album entstand im ersten Corona-Jahr und spiegelt gewissermassen auch den Wunsch nach ein bisschen mehr Heiler Welt, die es zu der Zeit gar nicht zu geben schien, was die leicht süssliche Note, die das Album durchzieht, auch erklärt. Beim elektrisierenden "Hotel Dedalus" blitzen dann aber doch auch ein bisschen die Zähne und die Gitarre spielt unter Gewitterhimmel ein großartiges Solo zu Streicherkeyboards und voll ausgespieltem Drumkit. Das Album erzeugt eine Art Balance zum etwas sperrigeren, progressiven Vorgängeralbum und wurde von Reine Fiske und Lars Fredrik Swahn (Dungen, Melody's Echo Chamber) produziert, die dem Album eine psychedelische verpasst haben.

Release 16.6.2023

Die Rapperin ist eine der Top-Entdeckungen des britischen Hiphop und ihr viertes Album bietet once more allerbeste Sophistication und eine raptechnisch fantastisch aufgelegte Little Simz. Neben dem intelligent und effektiv eingesetzten, meist furztrockenen Hiphop-Beat kulminieren auf edelste Weise Orchestersamples und verschiedenste Chorpassagen mit Gospelappeal mit ihrem supercoolen, smooth-spröden Rapstyle, wow. Für Fans des guten alten Native Tongues-Sound ein El Dorado.

Release 16.6.2023

Auch als Ltd.-Blue, Red, Green und Silver Vinyl-Editions erhältlich (alle CHF 39.90)

Das 8te Album der Band um Josh Homme ist roh, bisweilen brutal und nichts für schwache Nerven. Und doch ist es vielleicht das schönste und definitiv das lohnendste Album in ihrer epischen Diskografie. Die bisher bissigsten Texte des Gründers Joshua Homme werden von der sofort erkennbaren QOTSA-Sound-Signatur getragen, die in praktisch jedem Song mit neuen und noch nie dagewesenen Wendungen erweitert und verschönert wird. Mit In Times New Roman... sehen wir, dass man manchmal unter die Narben und Schrammen schauen muss, um Schönheit zu sehen, und manchmal sind die Schrammen und Narben die Schönheit. Die Mitglieder von QOTSA fühlten sich ein wenig fehl am Platz und hatten Schwierigkeiten, Musik zu finden, mit der sie sich identifizieren konnten, und so taten sie, was sie zu tun pflegen: In Times New Roman... ist der Sound einer Band, die die Musik kreiert, die ihre eigenen Mitglieder hören wollen, während sie dem Rest von uns ein klangliches Forum bietet, in dem wir uns versammeln können. "Die Welt wird in ein oder zwei Monaten untergehen", singt Homme und wirft damit die Frage auf: Was wollt ihr mit der Zeit anfangen, die euch noch bleibt? Homme, Troy Van Leeuwen, Dean Fertita, Michael Shuman und Jon Theodore können uns vielleicht nicht retten, aber sie geben uns einen Ort, an dem wir es aushalten können. Die erste Auskoppelung von In Times New Roman... ist "Emotion Sickness", das den Hörer in eine warme Decke aus patentierten hypnotischen QOTSA-Refrains und schrägen Grooves einhüllt - unterbrochen von einem Hauch psychischer Turbulenzen. Die letzten Jahre waren für alle hart, und es ist kein Geheimnis, dass die Mitglieder von QOTSA ihren Teil an Herzschmerz und Verlusten ertragen mussten. Aber wer von uns hatte in letzter Zeit nicht auch mit einem (oder zwei) Anfällen von Gefühlskrankheit zu kämpfen? In Times New Roman... wurde in Hommes eigener Pink Duck (RIP) aufgenommen und gemischt, mit zusätzlichen Aufnahmen im Shangri-La. Das Album wurde von Queens of the Stone Age produziert und von Mark Rankin abgemischt. Das Album wird am 16. Juni auf allen digitalen Plattformen sowie auf Vinyl und CD erhältlich sein. Das Artwork und die Doppel-LP-Gatefold-Verpackung wurden von dem langjährigen Mitarbeiter Boneface entworfen.

Release 16.6.2023

Das dritte Studioalbum der malischen Sängerin enthält Features von Damon Albarn, Roberto Fonseca (Buena Vista Social Club), -M-, Angie Stone, Yemi Alade und M.anifest Als eine der herausragendsten Stimmen des Global Pop, lässt sich Fatoumata Diawaras Musik zwischen Afro-Pop, Afro-Folk und Afro-Futurismus einordnen - inmitten von Tradition und Moderne.

Immer mit einer Gitarre in der Hand, bringt sie die Rhythmen des Wassoulou und westafrikanische Gesangstechniken mit zeitgenössischen Klängen zusammen. Die Sängerin, Komponistin, Musikerin und Schauspielerin macht auf London Ko durch einen Wechsel aus Avantgarde und Hommagen an ihre Vorfahren auf Konflikte der Gegenwart aufmerksam und verarbeitet Erfahrungen ihrer Heimat Mali, insbesondere die Rolle der Frauen und Kinder. Entstanden aus der Zusammenarbeit mit Damon Albarn, steht London Ko für einen imaginären Kontinent, der Europa und Afrika näher zusammenbringt - insbesondere London und Bamako. Der gemeinsame Song »Nsera« war nicht nur der erste Track des kommenden Albums, sondern auch Zeugnis einer langen musikalischen Verbundenheit der beiden Musiker.

In Projekten wie Africa Express, Rocket Juice & The Moon, dem Gorillaz-Track »Désolé« sowie zahlreichen Live-Auftritten arbeiteten sie bereits Hand in Hand. Weitere prominente Unterstützung erhält die Künstlerin u.a. von dem kubanischen Klaviervirtuosen Roberto Fonseca (Buena Vista Social Club), der nigerianischen Afropop-Sängerin und Aktivistin Yemi Alade, sowie dem französischen Rockmusiker -M-. Entstanden ist mit London Ko ein vielseitiges Werk, das getreu dem eigenen Stil der zweifach Grammy-nominierten Sängerin traditionelle afrikanische Musik mit Facetten aus Afrobeat, Jazz, Pop, Electro und Hip-Hop verbindet. Mit London Ko zeigt uns Fatoumata Diawara eine Vision der Vielseitigkeit Afrikas. Sie kreiert einen Ort, an dem es möglich ist, Herr*in des eigenen Schicksals zu werden und positioniert sich damit als wichtige Akteurin in der zukünftigen Gesellschaft. Fatoumata Diawara zeigt einmal mehr, dass sie in die erste Liga der großen Stimmen des Afrofuturismus gehört.

Release 23.6.2023

Jimmy LaValle´s The Album Leaf hat sich in den fast 25 Jahren seines Bestehens vom Solo-Outlet zur kompletten Band und zurück entwickelt. Sein hochgelobter Katalog umfasst Veröffentlichungen für Labels wie Sub Pop, City Slang, Relapse und andere. Er komponiert auch Musik für Film und Fernsehen und hat seit 2009 über 20 Projekte (Spielfilme, Dokumentarfilme und TV-Serien) vertont. Die cineastische Sensibilität von The Album Leaf war von Anfang an präsent. Sein Debütalbum aus dem Jahr 1999 war der Beginn eines charakteristischen Sounds: melodische und meditative elektro-organische Klanglandschaften, die mit Gitarre, Schlagzeug, Rhodes und Field Recordings konstruiert wurden. LaValle sieht den Aufbau von "Future Falling" als weniger konventionell an als frühere Arbeiten. Die Beiträge wurden aus der Ferne mit einer "Wirf alles drauf"-Mentalität geleistet, wodurch LaValle zum Arrangeur von Schichten aus allen Bereichen wurde: Schlagzeug, Synthesizer, Hörner, Geigen, Stimme und mehr. LaValle schuf ein Pasticcio aus diesen Schichten und Elementen; in einigen Fällen wurden sogar die Gesangsaufnahmen auf völlig neue Spuren verschoben. Ohne die Raumdynamik hatte er mehr Zeit zum Experimentieren und konnte unendlich viel hinzufügen und wegnehmen.

Release 16.6.2023

Vier Jahre haben sich The Teskey Brothers Zeit genommen, jetzt ist es offiziell: Ihr drittes Album „The Winding Way“ erscheint am 16. Juni und kann ab sofort vorbestellt werden. Als Vorboten haben die beiden Brüder die neue Single „Oceans Of Emotions“ veröffentlicht. Nach der Schließung ihrer geliebten Half Mile Harvest Studios in Warrandyte, in denen sie ihre ersten beiden Studioalben aufnahmen, entschieden sich Sam und Josh bei The Winding Way bewusst dafür, etwas anderes auszuprobieren, und fuhren nach Sydney, um mit dem renommierten Produzenten (und großen Teskey-Fan) Eric J Dubowsky (Flume, Chet Faker, Chemical Brothers) zu arbeiten.

Release 9.6.2023 - CD-Release am 23.6.23

Die neuseeländische Post-Punk-Band aus Auckland mit ihrem Zweitling. Das zehn Tracks umfassende sozio-politische Werk befasst sich mit unserem kollektiven spirituellen Chaos und zieht Einflüsse aus der gesamten Punk-Geschichte heran, die sie auf persönliche und universelle Weise zu etwas dezidiert Aotearoanischem und Einzigartigem verarbeitet. Elemente von Wire und 100 Flowers/ Urinals sind nicht von der Hand zu weisen, verbinden sich mit dem Sound von Midwesternpunk und der Schraddeligkeit von Kombos wie The Clean und werden letztendlich doch zu etwas ganz Eigenem emporgehoben. Sehr geile, tighte Platte!

Release 2.6.2023

Auch als Ltd.-White Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Nach einem Jahr voller erschütternder Verluste, persönlicher Refelxion und bittersüßer Erinnerungen kehren die Foo Fighters mit neuem Album zurück. "But Here We Are" ist eine brutal ehrliche und emotional rohe Antwort auf alles, was die Foo Fighters im letzten Jahr durchgemacht haben, und ein Zeugnis für die heilenden Kräfte von Musik, Freundschaft und Familie. Mutig, beschädigt und unbeirrbar authentisch eröffnet But Here We Are mit der neu veröffentlichten Leadsingle "Rescued", dem ersten von 10 Songs, die die emotionale Skala von Wut und Trauer bis hin zu Gelassenheit und Akzeptanz und unzähligen Punkten dazwischen durchlaufen."But Here We Are", produziert von Greg Kurstin und den Foo Fighters, ist gleichermaßen das elfte Foo Fighters-Album und das erste Kapitel des neuen Lebens der Band. But Here We Are ist der Sound von Brüdern, die Zuflucht in der Musik gefunden haben, die sie vor 28 Jahren zusammengebracht hat - ein Prozess, der ebenso therapeutisch wie lebensbejahend ist und der die Naivität des Foo Fighters-Debüts von 1995 widerspiegelt.

Release 16.6.2023

Das 5. Studioalbum von Django Django besteht aus 21 Titeln, die in vier Teile aufgeteilt sind. Ursprünglich sollten es vier experimentelle EPs werden, die aber schnell in ein richtiges Album verwandelt wurden, als die Band das Potenzial der Aufnahmesession erkannte. "Off Planet" enthält einige der aufregendsten und dynamischsten Stücke, die Django Django je produziert haben. Das Album ist eine Rückbesinnung auf ihre experimentellen und elektronischen Wurzeln und enthält außerdem spannende Gastauftritte von Self Esteem, Jack Penate und vielen anderen.

Release 9.6.2023

Das Indie-Rock-Duo, das Mitte der 2000er Jahre als Nebenprojekt von Amber Webber und Joshua Wells von Black Mountain gegründet wurde, kombiniert seinen dunklen, an Synthesizer angelehnten Rock mit gedämpftem Folk und minimalen dunklen elektronischen Synthesizern. 2019 hatte sich LD nach privater Trennung aufgelöst, doch ihnen wurde klar, dass ihnen die gemeinsame Band viel bedeutet. So entstand die Idee von Nostalgie als loses Konzept. Amber´s aussergewöhnliche Stimmfarbe mit der leichten Brüchigkeit und ihr erhabener Gesang hat auf dem neuen Album einmal mehr etwas von wärmender Erlösung, vor allem innerhalb der hauptsächlich mit Tasteninstrumenten geschaffenen musikalischen Einbettung, die mal fliesst, mal tropft, mal sich erhebt, mal in die Weite weist

Release 9.6.2023

Im Laufe der letzten Jahre und mit ihrem Top-5-Chart-Debüt Bright Green Field haben sich Squid, sowohl live, als auch auf Platte als eine der innovativsten neuen Bands aus Großbritannien etabliert, die "auf individuelle Showeinlagen verzichten und stattdessen auf kollektive Höhepunkte setzen" (Pitchfork). Produziert von ihrem langjährigen Mitarbeiter Dan Carey und abgemischt von John McEntire (Tortoise), strotzt ihr zweites Album "O Monolith" vor melodischen Epiphanien und ist eine musikalische Beschwörung von Umwelt, Häuslichkeit und selbst geschaffener Folklore. Wie sein Vorgänger ist es dicht und trickreich - aber auch wärmer, mit einer gewundenen, fragenden Natur. Es wird ein Gefühl der offenen Konversation kultiviert: dies ist unverkennbar Musik, die von Freunden gemacht wird.

Release 9.6.2023

Auch als Strictly Ltd.-Clear Vinyl erhältlich (CHF 35.90)

Nachdem seine intime Underplay-Show-Tour "SHHH" im März binnen Sekunden ausverkauft war, kündigt Archy Marshall sein mittlerweile viertes Studioalbum als King Krule an. Zehn Jahre nach der Veröffentlichung seines umjubelten Debütalbums "6 Feet Beneath the Moon" zeigen die 15 neuen Songs den britischen Songwriter auf der Höhe seines Schaffens. Entstanden ist das Album zwischen 2020 und 2022, als Archy Marshall sowohl London als auch Liverpool seine Heimat nannte und viel Zeit auf den Reisen von einem zum anderen Ort verbrachte. Während diesen Trips entstand seine Faszination für "the space between", wie er es nennt: die Orte, die von Träumen voller Liebe verfolgt werden, während sich Archy in seinen Texten mit persönlichen Verlusten befasst. Nachdem die Texte fertig waren, entstand die Musik gemeinsam mit dem Produzenten Dilip Harris sowie seiner langjährigen Band, bestehend aus Ignacio Salvadores (Saxophone), George Bass (Schlagzeug), James Wilson (Bass) und Jack Towell (Gitarre). In den 15 Songs verbinden sich viele Elemente seiner bisherigen Karriere mit dem klanglichen Kosmos, der ihm das Attribut als eine der Stimmen seiner Generation einbrachte. Die dichten Lyrics seines Debüts, die Verschiebung seines Sounds bei "The OOZ" (2017), die Ursprünglichkeit von "Man Alive!" und die rohe Verletzlichkeit, die er auf "You Heat Me Up, You Cool Me Down" zeigte, fließen in den Sound seines neuen Albums ein.*

Release 9.6.2023

Neues 5tes Album der Mitbegründerin von Rilo Kiley. Eine ohne Umweg ins Ohr gehende Mischung aus frischem, hintergründigen Songwriting, warmen, akustischen Vibes aus klassischem Pop, Soul und einer Prise Americana, und der einmaligen Stimme von Jenny LewisBekannt ist sie außerdem durch ihr Mitwirken als Gastsängerin in verschiedenen anderen Bands, z. B. The Postal Service und vielen Bands aus dem Umfeld des Saddle-Creek-Labels.

Blue Note Records!

Release 2.6.2032

Auch als Ltd.-Blue Indies only Vinyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Ein zentrales Album für die heutige Zeit: hell, frei, unnachgiebig, optimistisch. Brain Worms ist das bisher vollste und makelloseste Album von RVG. Während des gesamten Albums "Brain Worms" wird deutlich, dass die Band in bester Form ist. Der Album-Opener 'Common Ground' gibt den Ton an für das, was kommen wird; ein glänzendes, mitreißendes, schlagkräftiges Album mit allen geliebten RVG-Merkmalen. Vagers Stimme ist ungefiltert und souverän wie immer, wenn sie ihre cleveren, nicht ganz ironischen Texte vorträgt. Hier fühlen sich diese Texte jedoch viel weniger resigniert und sehnsüchtig an, sondern viel mehr trotzig und fröhlich. Tambourine" ist der einzige Covid-Song, den Vager schrieb, als sie "versuchte, keine Covid-Songs zu schreiben", und es ist ein schmerzhaft ehrliches Porträt der Trauer inmitten der Isolation. Brain Worms" erzählt die nur allzu bekannte Geschichte eines Menschen, der in den Kaninchenbau des Internets fällt und Trost in Verschwörungen findet. Nothing Really Changes" ist ein Keyboarder-lastiges New-Wave-Ding, während das abschließende "Tropic of Cancer" mit Vagers selbstbewusstem neuen Manifest glänzt: Ich weiß, wie ich bin, und ich weiß, wie ich werde. Wenn du denkst, ich bin seltsam, hast du noch nichts gesehen. Bloxham, Nolte und Wallace erwecken Vagers Songwriting mit Bravour zum Leben. Aufgenommen in den Londoner Snap Studios mit James Trevascus (Nick Cave & Warren Ellis, PJ Harvey), strotzen alle zehn Tracks vor üppigen Klängen, klaren Absichten und der Magie einer Akustikgitarre, die einst Kate Bush gehörte und die ihr von Tears for Fears geschenkt wurde (die, so die Legende, "Everybody Wants to Rule the World" darauf geschrieben hat). Die vier Bandmitglieder - Leadsänger und Gitarrist Vager, Gitarrist Reuben Bloxham, Schlagzeuger Marc Nolte und Bassist Isabele Wallace - sind so selbstbewusst wie noch nie bei RVG. Sie haben ihre Einflüsse hinter sich gelassen, sich selbst vorangetrieben und neue Dinge ausprobiert. Und sie haben ein Album gemacht, das sie nach allem, was man hört, als ihr bestes bezeichnen können. "Brain Worms feels like the antithesis to what a post-pandemic record could easily be. For a band who were already writing music about being reclusive "we were depressed and not going outside on our first two albums" the enforced isolation and time to think gave Vager space to write about anything she wanted. And, it turned out, she was ready to write about acceptance. "If we could only make one more album, it would be this one," says Vager. "Easily one of the most vital bands on the Aussie scene today" Rolling Stone "A calling card for outsiders... dynamic and vital post-punk"

Release 2.6.2023

Auch als Ltd.-Blue Colored Loser Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Alicia Bognanno aka Bully meldet sich mit ihrem vierten Album zurück! "Lucky For You" ist voller kraftvoller, persönlicher Rockhymnen, die sich aus Punk, Shoegaze, Britpop und klassischem Indie-Rock speisen. Diese zehn Songs sind eindeutig die unwiderstehlichsten, die Bognanno bisher aufgenommen hat, während sie gleichzeitig den massiven Sound beibehält, für den sie in den letzten zehn Jahren bekannt geworden ist. Ein kaleidoskopisches Rock-Album und ihr bisher größter Triumph, ein Album, das unverkennbar von den Erfahrungen seiner Schöpferin geprägt ist, aber dennoch den massiven Sound beibehält, für den Alicia Bognanno im letzten Jahrzehnt bekannt geworden ist. Ihr viertes Album schöpft aus dem persönlichen Schmerz und dem universellen Kampf, der darin besteht, zu existieren, zu lernen und weiterzugehen - und all das wird von Bognannos felsenfestem melodischen Gespür und einem Breitwandsound untermalt, der es unmöglich macht, die erforschten Texturen festzulegen. Der thematische Schwerpunkt von Lucky For You liegt auf Trauer und Verlust: Die Platte ist größtenteils durch den Tod von Bognannos Hund und bester Freundin Mezzi inspiriert, zu einer Zeit, als sich ihr Leben bereits wie eine Metamorphose anfühlte. Die Single "Days Move Slow" wurde kurz nach Mezzis Tod geschrieben und spiegelt die Beharrlichkeit von Bognannos prägnantem Witz im Angesicht von Widrigkeiten wider. Und dann ist da noch das leidenschaftliche Eröffnungsstück "All I Do", das mit gewaltigen Riffs und lyrischen Reflexionen über drei Jahre Nüchternheit die Tür aufstößt. "Als ich mit dem Trinken aufgehört habe, hatte ich das Gefühl, dass ich immer noch von Fehlern und Dingen verfolgt werde, die passiert sind, als ich getrunken habe, und es dauert immer noch lange, bis ich das vergessen kann, während ich in diesem Haus lebe. Wie ziehe ich die Haut von einem Weg ab, den ich hinter mir gelassen habe?" In diesem Sinne ist "Lucky For You" ein Dokument der Beharrlichkeit im Angesicht der großen und kleinen Dinge. "Ich bin so übermäßig emotional und sensibel, das ist ein Segen und ein Fluch", sagt sie lachend, aber es gibt keinen Nachteil, wenn sie auf dieser Platte ihre Verletzlichkeit zum Ausdruck bringt; es ist der jüngste Beweis dafür, dass Bognanno nichts zurückhalten kann.

Release 2.6.2023

Am 2. Juni erscheint das Album Shadow Kingdom, welches Dylans legendäres, damals exklusives Streamingkonzert vom Juli 2021 präsentiert.

Die Setlist des Albums umfasst 13 Original-Songs, die Bob Dylan für seinen Auftritt im „Shadow Kingdom“ neu eingespielt hat, sowie das abschließende Instrumental „Sierra’s Theme“. Dem Untertitel des Films „The Early Songs Of Bob Dylan“ zum Trotz reicht die Spanne der Songs bis in die späten 1980er Jahre. Aber bei mittlerweile gut 60 Karrierejahren, kann man das wohl doch noch als „Frühwerk“ bezeichnen.

Enthalten sind ewige Songklassiker wie „Forever Young“ oder „It’s All Over Now, Baby Blue“ ebenso wie beispielsweise „I’ll Be Your Baby Tonight“, „To Be Alone With You“ und „When I Paint My Masterpiece“, die Dylan auf seiner aktuellen „Rough And Rowdy Ways Tour“ im Programm hat.

Release 2.6.2023

Auch als Strictly Ltd.-Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Neues, 10. Album der aus den blauen Sümpfen von Berkeley, Kalifornien emporgestiegenen Punkrock-Institution, die vor gut 30 Jahren aus Operation Ivy hervorgegangen ist. Und Tim Armstrong, Matt Freeman, Lars Frederiksen und Branden Steineckert rocken heuer noch genauso wie damals! Die 16 (!) neuen Tracks setzen sich wie üblich mit politischen und sozialen Themen auseinander, die mit persönlichen Geschichten von Liebe, Verlust und Herzschmerz mit Haltung in Balance gebracht werden. Der musikalische Unterbau ist dabei wieder herrlich rau und räudig, lässt die Faust sofort in die Höhe schnellen, haut uns aber eben auch genau diese geilen Melodien um die Ohren für die wir die Jungs so lieben und die sich auch diesmal wieder brutal ins Ohr bohren. Cooles Album einer coolen Band, die nach wie vor so relevant ist wie vor Jahrzehnten!

Release 2.6.2023

Das erste neue Album der Band seit fünf Jahren folgt auf ihre Coversammlung "Songs of the Recollection" aus dem Jahr 2022. Such Ferocious Beauty. Das Album der kanadischen Lo-Fi-Band, die aus den Geschwistern Margo, Michael und Peter Timmins und ihrem lebenslangen Freund Alan Anton besteht, ist eine Reflexion über das Altern, den Verlust der Eltern, die Konfrontation mit der Sterblichkeit und die Schaffung von Raum für das eigene Leben inmitten der Zerstörung, die das bloße Leben mit sich bringt. Michael betont, dass er und Margo bei Beauty mehr Zeit damit verbracht haben, die Songs durchzuarbeiten, damit sich ihre Interpretationen wirklich festsetzen konnten, bevor sie ins Studio gingen. Im Studio arbeitete er mit Alan und Peter zusammen, um noch dynamischere Tracks als sonst zu schaffen. "Dies ist eine andere Art von Aufnahme; sie hat eine größere Dichte. In vielerlei Hinsicht werden die Musik, die Wahl bestimmter Strukturen und die verwendeten Töne für die Vermittlung der Themen des Albums genauso wichtig wie die Texte.

Release 2.6.2023

Neues Album der Detroiter Post-Punk-Band. Auf "Formal Growth In The Desert" bringt die Wüste ein existenzielles Bewusstsein mit sich, das letztlich innerlich ist. Das "Wachstum" entstand in einer Zeit großer Veränderungen für Casey, einschließlich des Todes seiner Mutter, die anderthalb Jahrzehnte lang mit Alzheimer kämpfte. Der 45-jährige Casey hatte sein ganzes Leben im Haus der Familie im Nordwesten von Detroit verbracht. Die Nachbarschaft, die in der SPIN-Titelgeschichte von Protomartyr verewigt wurde, prägte viele der gefeierten Protomartyr-Alben und diente als Basis für die Entwicklung der Band von rauflustigen Punks zu solchen, die um den Globus touren oder 2020 Kelley Deal von The Breeder als Tourmitglied gewannen. Im Jahr 2021 signalisierten jedoch wiederholte Einbrüche, dass es an der Zeit war, endgültig auszuziehen. Die Musik von Protomartyr - weiträumiger und dynamischer als je zuvor - half Casey dabei, sich aufzurichten. "Es war mir sehr wichtig, dass die Band weiter existiert", fügt Casey hinzu, "und das hat meine Laune definitiv verbessert." Der Gitarrist Greg Ahee, der lange Zeit als inoffizieller musikalischer Leiter von Protomartyr fungierte, produzierte "Formal Growth In The Desert" zusammen mit Jake Aron (Snail Mail, L'Rain). Ahee wusste, was Casey durchmachte und welche Herausforderungen er zu bewältigen hatte, und als Ahee die Musik konzipierte, überlegte er, wie er das Ganze "wie einen narrativen Film" gestalten könnte. Ahee erklärt: "Ich habe angefangen, zu Hause auf einem Klavier und einem Keyboard zu schreiben und dann zu Kurzfilmen zu spielen und zu beobachten, wie man beim Spielen Stimmungen beeinflussen und verstärken kann." Die filmische Sensibilität zeigt sich auch in Caseys Erzählungen, ob er nun den bedrohlichen Tech-Kapitalismus kritisiert oder das Altern, die Zukunft und die Chancen der Liebe verarbeitet. In gewisser Weise ist "Formal Growth In The Desert" ein Beleg für widersprüchliche Realitäten - die Unvermeidlichkeit von Verlust, die Notwendigkeit, dadurch Freude zu finden und durchzuhalten -, die mit einem längeren Leben und fortgesetzter Kreativität einhergehen. Das Album beginnt mit Schmerz, hält ihn aber aus und bricht in einem sanft dahinfließenden Strom von Klängen auf, der für Protomartyr völlig neu ist.

Release 2.6.2023 - Vinyl voraussichtlich am 9.6.2023

"Darkfighter" ist das insgesamt siebte der zweifach Grammy-nominierten Band und erscheint am 10. März 2023. Produziert wurde das Album von ihrem langjährigen Kreativpartner, dem mehrfachen Grammy-Preisträger Dave Cobb.

Einen ersten Einblick in das Album liefert die explosive Single „Nobody Wants to Die“. Das Musikvideo zum Song entstand unter der Regie von Eli Sokhn und kann unten angesehen werden. Die Single ist die erste neue Musik von Rival Sons seit Release ihres 2019 erschienenen Albums "Feral Roots", das ihnen zwei Grammy-Nominierungen einbrachte.

Zur neuen Single „Nobody Wants to Die“ erzählt Rival-Sons-Sänger Jay Buchanan: „Du lebst dein Leben in dem stetigen Wissen, dass das Damoklesschwert an einem seidenen Faden über deinem Kopf baumelt. Du bist dir der eigenen Vergänglichkeit zwar bewusst, aber kannst auch nicht ständig daran denken – sonst drehst du durch. Für ein paar Jahre habe ich in einem Bestattungsinstitut gearbeitet und die Leichenwagen gefahren. Es gab Tage, da war ich bei drei Beerdigungen dabei. Manchmal waren sie menschenüberlaufen, manchmal waren da nur ich, ein Priester und ein Loch im Boden. Am Ende spielt es keine Rolle, wer du bist; der Tod holt uns irgendwann alle ein. Daran muss ich bei diesem Song denken, weil er für mich wie das Verfolgen dieses unausweichlichen Weges klingt.“

Zum Entstehungsprozess des Albums erklärt Buchanan: „DARKFIGHTER verkörpert die kulturelle Spaltung, ausgelöst durch Isolation, die Pandemie und die Tatsache, dass das Band, das unser Land zusammenhält, immer lockerer und lockerer wird. Wenn ich von ‚kultureller Mitose‘ oder kultureller Spaltung spreche, meine ich damit, dass ständig neue Grenzlinien entstehen. Unsere Spaltung ist bereits weit fortgeschritten und man kann keine Grenzen überschreiten, ohne dabei jemanden zu verletzen. Das hat meinen Schreibprozess auf alle Fälle beeinflusst. Wir haben eine Verantwortung gespürt, den Menschen etwas Positives zu erzählen, damit sie wiederum etwas Positives weitererzählen können. Uns haben die Liveshows und diese magische Interaktion, die dabei mit dem Publikum entsteht, unglaublich gefehlt. Als uns das genommen wurde, hatte ich das Bedürfnis, über wirklich bedeutungsvolle Dinge zu singen. Unser neues Album ist deshalb geprägt von wichtigen Themen wie Identitätsverlust, der Kunst, Freude zu bewahren, und dem Wiedererkennen von Licht und Konturen.“

Lead-Gitarrist Scott Holiday ergänzt: „Platten sind eine gesunde Form der Realitätsflucht. Ich hoffe, diese bringt dich so weit weg wie möglich. Wir wollten mit DARKFIGHTER ein cineastisches Werk schaffen. Wenn sich die Türen hinter einem schließen, muss man sich voll und ganz auf etwas einlassen. So klingt es, wenn wir mit unserem Sound wirklich zu uns selbst gefunden haben. Wir haben uns ein Stück von unseren Einflüssen entfernt und sind uns selbst dabei noch näher gekommen. DARKFIGHTER klingt wie die Rival Sons.“

Release 2.6.2023

Der aus Chicago stammende, in Richmond lebende Rapper sorgte schon mit dem Vorgänger "For My Mama and Anyone Who Look Like Her" für viel Aufsehen und knüpft eindrucksvoll daran an. Stlistisch ist er auf dem neuen Album zwischen Conscious Rap und Jazz-Rap unterwegs, um seine poetischen und literarischen Texte mit durchdachter und dynamischer Sprachezu illustrieren. Die mit Jazz-Licks, aber auch Orchester-Sounds und Boom Baps gewürzte Musik und Texte haben gleichgestellte Bedeutung und kreisen darum, was es was es heisst, als Farbiger in den USA zu leben. Inkl. Gastauftritte von SchriftstellerInnen wie Hanif Abdurraqib, Teller Bank$, Alfred, Ghais Guevara, Anjimile und Seline Haze.

Release 2.6.2023

Auch als Ltd.-Pink Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.90)

Musiker und Schriftsteller meldet sich mit dem Track "Aylesbury Boy" aus seinem neuen Album "I Thought I Was Better Than You" zurück, das von Paul White produziert wurde, der für seine Arbeit mit Golden Rules und Künstlern wie Charli XCX und Danny Brown bekannt ist. Neben Baxters Stammsängerin Madeline Hart sind auch die Singer-Songwriter Eska und JGrrey mit von der Partie. Über den neuen Track sagt Baxter: "In diesem Song geht es darum, von einem Ort zu kommen und an einem anderen anzukommen, ohne in einen von beiden zu passen, und ich stelle mir diese Leute wie Figuren aus Studio Ghiblis Spirited Away (Chihiros Reise ins Zauberland) vor

Release 2.6.2023

Das deutsche Trio mit neuem Album. Gespickt mit kraftvollen und dramatischen Instrumentaltracks, ließen Brandt Brauer Frick bewusst Raum in ihrer Musik offen, um Gastvokalisten wie Mykki Blanco, Sophie Hunger, Azekel & Marina Herlop oder Duane Harden einzuladen, diesen zu füllen. "Wir wollten mit Leuten aus verschiedenen musikalischen Szenen und Hintergründen zusammenarbeiten", betont die Band. Ihre Stimmen wurden gesampelt und oft als Instrumente eingesetzt, wobei die Kunst des Vocal-Loops in der französischen House-Musik als direkter klanglicher Einfluss diente. "Multi Faith Prayer Room" zeigt eine Band auf dem Höhepunkt ihres Könnens, sowohl was den Inhalt als auch die Gestaltung betrifft. Es ist ein elektronisches Musikalbum, das instrumentale Darbietungen, digitale Produktionsarbeit und melodischen Pop elegant miteinander verbindet. Hier treffen tanzbare Tracks auf futuristische Protestsongs oder langsame, analoge Stücke. House, elektronischer Soul, Techno, elektroakustische Musik, Synth-Pop, Future R'n'B - genreübergreifend hat Brandt Brauer Frick einen einzigartigen und berauschenden Mix neuer Musik geschaffen.

Release 2.6.2023

Neues Album vom einflussreichen Ex-Oasis-Musiker, dem vielleicht wichtigsten Songwriter des Britpop. Vom vielsagenden Albumtitel über das Cover bis hin zu den Texten selbst - mit Council Skies" besinnt sich Noel Gallagher auf seine Vergangenheit und huldigt seinen "Mancunian roots". Das vierte Soloalbum ist sein bisher abwechslungsreichstes und gelungenstes Solowerk. Es ist ein Album, das von Selbstvertrauen, Risikobereitschaft, sicherer kreativer Freiheit und großer emotionaler Tiefe geprägt ist. "Council Skies" wurde in Noels eigenen Lone Star Sound Recording Studios in London aufgenommen, während die üppig orchestrierten Streicher des Albums in den legendären Abbey Road Studios eingespielt wurden. Produziert wurde das Album von Noel zusammen mit seinem langjährigen Mitarbeiter Paul 'Strangeboy' Stacey. An drei Stücken ist auch Johnny Marr beteiligt, darunter die Single "Pretty Boy". Der Titel "Council Skies" stammt aus einem Buch des bekannten nordischen Illustrators und Freundes von Noel, dem Künstler Pete McKee. Er behandelt Themen wie jugendliche Sehnsucht und ungezügelten Ehrgeiz

Release 26.5.2023

Von Genres völlig losgelöste, hochoriginelle wie experimentelle Mischung aus Indierock, Postpunk, kreisenden Beatstrukturen, elektronischen Schraffuren und vielem mehr, die süchtig macht. Der Sampler war zweifellos wichtiges Hilfsmittel für dieses unkonventionelle 2te Albums des Duos Rachel Brown und Nate Amos, das in seiner eklektizistischen Machart oftmals an die Scheiben der musizierenden Plattenladenbesitzerin Solex erinnert. Aber es gibt auch Songs, die ruhige industrielle Polyrhythmen, Ambient-Drone-Musik, gezupfte Streicinstrument und sowieso immer wieder mehr oder weniger heftige Noise-Gitarren verwenden. Die Tracks weigern sich beharrlich, ein eindeutiges Ende zu finden oder sich an traditionelle Strukturen zu halten. Viele Songs wurden unter Verwendung von Serialismus und Mikrotonalismus geschrieben und erinnern zuweilen an die futuristisch-poppigen Bewegungen des japanischen Komponisten Haruomi Hosono und den Brutalismus von Glenn Branca. "Barley" ist ein Dance-Rock-Stück, das in fremdartiger Tonalität sequenziert ist, wobei Brown verstümmelte Übertragungen ("One two three / Counter / You're a cool thing count mountains") über schreienden Gitarren spricht. Großartig.

Release 26.5.2023 - Vinyl am 14.7.2023

In seiner gut 25-jährigen Karriere als Musiker und Produzent, Ausnahmetexter und Andersdenker hat der Seeed-Sänger immer auch die Geschichte im Blick gehabt. Viel mehr noch aber interessiert ihn die Zukunft: wie man sie vielfältiger, lauter, pinker machen kann. Die Musik, die er seit seinem rosafarbenen Comeback im November mit der Single "Zukunft Pink" feat. Inéz und dem vor Kurzem erschienenen Nachfolger "Vergessen wie" veröffentlicht, ist also komplett neu und komplett folgerichtig zugleich. Auch mit seiner nächsten Single "Weisse Fahnen" rasiert Peter Fox die alten Zöpfe auf Null und präsentiert seine Vision von Future Pop - eine Vision geprägt von frischen Sounds aus R'n'B und Afrobeat. Die leicht orchestralen Klänge erinnern nur hier und da an seinen 2008er Meilenstein. Stattdessen dominiert die Stimmung des Aufbruchs. Auf "Weisse Fahnen" geht es um die fast vergessene Kunst der aufrechten Kapitulation, um die befreiende Akzeptanz einer persönlichen Niederlage. Und wer, wenn nicht Peter Fox würde auch in dieser Situation wieder die richtigen Worte finden: "Die Wut steht in der Tiefgarage und wartet darauf, dass ich sie fahre", lässt er gleich zu Anfang verlauten.

Release 26.5.2023

Nach "Dear Dead Days" (2020) ist Kassi Valazzas zweites Album "Kassi Valazza Knows Nothing", eine bezaubernde Sammlung von Songs, die wie schützende magische Talismane baumeln, Träume einfangen und im Licht glitzern. Sie hypnotisiert die Zuhörer mit einer kräftigen, aber sanften Stimme und einem malerischen Songwriting, das von einem unabhängigen Geist durchdrungen ist. Obwohl ihre Musik dem britischen Folk verwandt ist und an Größen wie Sandy Denny (Fairport Convention) und Karen Dalton erinnert, bahnt sich ein südwestlicher amerikanischer Zug seinen Weg durch diese feierlichen, süß gesungenen Melodien wie ein Canyon.

Release 26.5.2023

Die doppelt Grammy-nominierte Mercury- und BRIT-Award-Preisträgerin Arlo Parks kehrt drei Jahre nach ihrem furiosen Debüt mit ihrem zweiten Album »My Soft Machine« zurück, das im Mai 2023 via Transgressive Records erscheint.

»My Soft Machine« ist ein zutiefst persönliches Werk, das von Arlo Parks Erfahrungen ihrer frühen 20er erzählt. Musikalisch vielseitiger und gereifter als auf »Collapsed In Sunbeams« thematisiert die britische Sängerin mit der ihr eigenen Poesie und vertraut-weichen Stimme die Angst ihrer gleichaltrigen Mitmenschen, den Drogenmissbrauch von Freunden, die Tiefen ihrer ersten Verliebtheit, den Umgang mit PTBS, Trauer, Selbst-Sabotage aber auch überschwängliche Euphorie und Freude.

Release 19.5. - Vinyl am 8.9.2023

Debut des Londoner Trios bestehend aus Nina Cristante, Jezmi Tarik Fehmi und Sam Fenton. "Tracey Denim" wurde von bar italia aufgenommen und produziert und von Marta Salogni abgemischt. Es enthält die Single "Nurse!", die im März unter großem Beifall veröffentlicht wurde und als "hypnotische Post-Punk-Ballade" (The Guardian) und "narkotisch fesselnd" (Pitchfork) beschrieben wurde. bar italia spielen im Mai eine Headline-Tour durch Großbritannien und Europa, darunter eine ausverkaufte Album-Release-Show im Londoner ICA am 25. Mai. Außerdem hat die Band UK-Tourdaten für November angekündigt und wird am 7. November eine Headline-Show im Village Underground in London spielen. In diesem Sommer treten sie auf Festivals wie Primavera Sound Barcelona & Madrid, Latitude, Midi Festival und End Of The Road auf. Eine Liste der kommenden Live-Termine finden Sie unten. In den letzten zwei Jahren haben bar italia zwei Alben, eine EP und mehrere Singles auf Dean Blunts World Music Label veröffentlicht, was zu viel Mundpropaganda, ausverkauften Headline-Shows und Festivalauftritten beim Pitchfork Music Festival London, by:Larm, OUT.FEST, Le Guess Who? und End Of The Road führte. In den letzten zwei Jahren haben bar italia zwei Alben, eine EP und mehrere Singles auf Dean Blunts World Music Label veröffentlicht. Vielmehr ist über die Band nicht bekannt. Schnell rätselte man in der Szene der britischen Hauptstadt über die Hintergründe der einzelnen Bandmitglieder. Spekulationen und Mythen um die Band führten dazu, dass sich ihre Musik im Underground wie ein Lauffeuer entzündete.

Release 19.5.2023 - Vinyl am 30.6.2023

'All Of This Will End' markiert für Indigo De Souza eine wärmere und kühne Ära. Es ist eine Aussage darüber, sich furchtlos von der Vergangenheit in eine von Dankbarkeit erfüllte Gegenwart zu bewegen, jeden Schritt zu fühlen und sich dafür zu entscheiden, liebevolles Bewusstsein zu verkörpern. Über 11 Songs hinweg ist das Album ein radikal optimistisches Werk, das sich mit Sterblichkeit, der Verjüngung, die die Gemeinschaft bringt, und der Wichtigkeit, sich jetzt zu zentrieren, auseinandersetzt.

Release 19.5.2023

Perfekter Sound für den Zeitgeist von US-Indie-Pop. Die aus Texas stammende, in NYC lebende Musikerin bewegt sich auf ihrem Debutalbum im Gitarren und Synthesizer auf gleicher Ebene verwendenen Bereich von Indie-Pop. Im Gesamtlook ist Hannah in ähnlichem Terrain unterwegs wie Mitski oder Japanese Breakfast, wechselt mühe- und grenzenlos mit eigenen Vignetten zwischen angeschrammelten Gitarrenpop-Songs, mit Akustikgitarren unterbautem Dream-Pop und mit Synthesizern gefliestem oder ziseliert elektronisch grundiertem Seelenzeitgeist.

Release 19.5.2023

Das von der Kritik gefeierte Folk-Duo The Milk Carton Kids ist zurück mit neuem Album. Produziert von Kenneth Pattengale, bietet dieses Album eine Sammlung zeitloser und traditioneller Tracks mit eindringlich schönen und reichen Gesangsmelodien und lyrischen Inhalten, die die Themen Zeit, Nostalgie, Herzschmerz, Traurigkeit, Liebe, Natur, Trauer, Verlust, Freiheit, Einsamkeit und Beziehungen umfassen.

Release 19.5.2023 CD-Release am 26.5.2023

Auch als Ltd.-White Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.90)

Einige Leute haben angemerkt, dass Tinariwen schon immer eine Country-Band waren, wenn auch eine nordafrikanische Interpretation dieses nordamerikanischen Genres. Dieser Gedanke wird auf dem neuen Album Amatssou noch verstärkt. Hier verschmelzen die für die Tuareg-Band typischen schlängelnden Gitarrenlinien und hypnotischen Rhythmen nahtlos mit Pedal Steel, Klavier und Streichern von Gastmusikern wie Daniel Lanois, wobei die verschönerten Arrangements den Liedern eine epische, universelle Bedeutung verleihen. Die Texte sind voller poetischer Allegorien und rufen zu Einheit und Freiheit auf. Es sind Lieder des Kampfes und des Widerstands mit schrägen Verweisen auf die jüngsten verzweifelten politischen Umwälzungen in Mali und die zunehmende Macht der Salafisten. Der Albumtitel Amatssou ist tamashekisch für 'Jenseits der Angst', und das passt. Tinariwen haben sich schon immer durch ihre Furchtlosigkeit ausgezeichnet oder wie Bob Dylan einmal sagte, besteht die Kraft des Rock'n'Roll darin, dass er uns 'die Angst vergessen lässt', uns die Kraft und die Widerstandsfähigkeit gibt, uns den Widrigkeiten zu stellen. In den zwei Jahrzehnten, seit Tinariwen ihre Basis in der afrikanischen Wüste verlassen haben, um durch die Welt zu touren, haben sie viele bekannte Country-, Folk- und Rockmusiker aus den USA kennengelernt, darunter Kurt Vile, Stephen O'Malley, Jack White und Wilco. Der zeitlose Horizont der endlosen Sahara und die wilde Grenze des Alten Westens - mehrere tausend Meilen Ozean mögen den Wüstenblues von Tinariwen und die authentische Country-Musik des ländlichen Amerikas trennen, aber die Verbindungen sind ebenso greifbar wie romantisch.

Release 12.5.2023

Das dritte Alois-Album «Night Vision» verknüpft trippige Jams nahtlos mit Pop-Präzision, Live-Anspruch mit Studio-Seriosität und technische Versiertheit mit jugendlicher Verspieltheit. Ein Werk, das nach mediterraner Sehnsucht, inspiriertem Alleinsein und durchtanzten Hitzenächten klingt. Schlagwörter und Labels wie Balearic Groove oder Psychedelic Dance-Pop können sich einer der erfrischendsten Schweizer Bands bloss annähern. Bei «Night Vision» haben Alois die gängigen Genreschubladen hinter sich gelassen. Ihr drittes Album offeriert knusprig produzierte, zeitlose und doch zeitgemässe Tanzmusik mit viel Verspieltheit und einem unüberhörbaren Faible für elektronische Instrumente.

Release 12.5.2023

Auch als Ltd.-Yellow Vinyl-Edition erhältlich (CHF 52.90)

Die verkommene R&B-Power des Quartetts ist unaufhaltsam, sie stürmen nach der pandemischen Flaute mit voller Wucht ins Jahr 2023, mit aufrührerischem Blues-Drama, Soul und Gospel-Leidenschaft, erstklassigem Hip-Hop und der viszeralen Elektrizität des Garage-Punk, die durch das 6te Album pulsiert. Die Songs wurden während der Sessions in Florida am Ende der The Heavy US-Tour 2019 geschrieben, erste Demos entstanden im Februar 2020 in Großbritannien, das finale Album wurde in den Rockfield Studios mit Produzent Tchad Blake (The Black Keys, U2) und Tontechniker Joe Jones (Real World Studios) aufgenommen.

Release 12.5.2023

James Ellis Ford hat sich während seiner gesamten zwei Jahrzehnte währenden Karriere im Verborgenen gehalten. Der Komponist, Multiinstrumentalist, Produzent und Songwriter hat mit einigen der größten Namen der Musikbranche zusammengearbeitet, von den Arctic Monkeys über Depeche Mode, Foals, Gorillaz und Kylie Minogue bis zur Tourband von Simian Mobile Disco und The Last Shadow Puppets. In diesem Jahr steht er mit seinem ersten Soloalbum im Mittelpunkt. Das Album ist eine ausufernde, genreübergreifende Ode an die Psychedelia, die sowohl zeitgenössisch als auch nostalgisch ist und komplett von James geschrieben, produziert und aufgeführt wurde

Release 12.5.2023

Auch als Ltd.-Yellow Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Debutalbum des Londoner Indie-Rock-Trios, bestehnd ausKarim Newble, Linus Munch und Daniel Alvarez Giraldo. Ursprünglich hieß das Album 'Love Island' - bis "Linus das Casting nicht geschafft hat, also haben wir den Namen umgedreht" (oder möglicherweise aus rechtlichen Gründen) - und Third Man London's erstes Signing entschied sich stattdessen für 'Island of Love'. Für das Label ist eine Insel in der britischen Musikszene genau das, was Karim, Linus und Daniel sind: Feedback-getriebene Heranwachsende mit einer Tiefe des Songwritings, wie man sie seit Teenage Fanclubs prägendem "Catholic Education" und den späten 80ern von Dinosaur Jr. nicht mehr gehört hat. Die Gruppe ist so umwerfend gut, dass Third Man-Mitbegründer und -Eigentümer Ben Swank ihnen etwa dreißig Sekunden nach ihrem Auftritt am Eröffnungswochenende in den neuen Räumlichkeiten von Third Man in Soho ein Angebot unterbreitete (...so neu, dass der Schlagzeuger die Bühne mit Farbe auf dem Rücken verließ). Verbunden durch das Spielen in verschiedenen Punk-, Hardcore- und Metal-Bands in ihrer Heimatstadt London, schrieben und tauschten die beiden Frontmänner von Island of Love, Linus und Karim, Demos zwischen ihren Familienhäusern aus. Die lo-fi, unscharfen Früchte dieser Sessions verschmolzen 2020 zu dem sieben Songs umfassenden "Promo Tape", gefolgt von der 2021 erschienenen Third Man EP "Songs of Love". Jetzt, wo sie nicht mehr nur im Schlafzimmer arbeiten, präsentieren sie ihr adrenalingeladenes Debüt mit verzerrten Gitarren, den dunklen Harmonien von Linus und Karim und nachdenklichen Texten, die über ihre Teenagerjahre hinausgehen.