Release 9.12.2022

Im digitalen Zeitalter ist analoge Rockmusik eine erfrischende Gegenwelt! Kraftvoller, organischer Sound bietet die Band um Sing- & Songwriter Stephan Imobersteg. Für das Finale der Swiss Blues Challenge 2019 formiert, merkten die fünf Musiker schnell, dass in ihrem Zusammenspiel ein Zauber innewohnt und Musik entsteht, welche Menschen zu fesseln vermag. Gemeinsam wurden die Eigenkompositionen verfeinert und 2021 im Shoomroom Studio in Goldswil mit fachkundiger Hilfe des Tonmeisters Andreas Hunziker und seiner Studer Bandmaschine aufgenommen. Gemeinsam mit dem Artwork des Berner Fotografen Reto Camenisch ist so ein durchwegs stimmiges Album entstanden. Nun sollen die Songs einem breiten Publikum live dargeboten werden. Dank ihrem musikalischen Können und ihrer Erfahrung verstehen es die Musiker sowohl auf grossen Bühnen als auch im kleinen, intimen Rahmen zu performen und dem Publikum ein berührendes, mitreissendes Konzerterlebnis zu bieten.

Folk, Blues, Rock sind die Elemente, aus denen Hophead Rootsmusik schafft, die erstaunt, mitreisst und die Grenzen jeglicher Schubladisierung verwischen lässt. Mit offenem Geist begegnet er auf seinen Reisen nach Irland, Schottland und Nordamerika dem alten wie neuen Zusammenfliessen der Musikströme und nimmt die passenden Steine daraus mit ins Gepäck. Im stillen Kämmerlein zu Hause im Berner Oberland entstehen aus den gesammelten Erinnerungen, Begegnungen Texte und Melodien, die länder- zeit- und raumlos im Gehör pendeln. Irgendwo dort in den tiefen Momenten verliert sich der Zuhörer in der mal glatten, dann kantigen Schönheit der Klänge. Homebrewed Roots’n’Blues im Nordenwesten geröstet und in den Alpen gebraut ist was Steff Imobersteg alias „Steve Hophead“ und Band auszeichnen.

Musiker
Stephan Imobersteg - Voc, Git
Orlando Demont - E- Git
Florian Hauri - Drums
Benjamin Meichtry - Bass, Voc
Stuwi Aebersold - Non-Pedal Steel, E- Git, Voc

Release 6.1.2023

Auch al Ltd.-Apple Red Colroed Vinyl-Edition (CHF 42.90)

Die neue Single "Frenzy" gibt einen vielversprechenden Startschuss für das neue Album des 75-Jährigen, eine harte punkige Nummer mit dem Zeug zum Iggy-Klassiker. "Every Loser" ist das erste Album seit "Free", das im Jahr 2019 erschien. Insgesamt 22 Alben hat die unverwüstliche Punk-Legende bereits veröffentlicht, mit "Every Loser" kommt dann das 23. Werk. Beteiligt am neuen Album waren unter anderem Studiokollegen wie Peppers-Schlagzeuger Chad Smith und der ehemalige Gitarrist der Band, Josh Klinghoffer. "Every Loser" gibt weist bereits alle Anzeichen auf, ein ehrwürdiges und typisch Iggy Pop-punkiges Werk zu werden - in einem Interview mit Billboard sagte Iggy Pop jedenfalls über sich selbst: "Ich bin der Typ ohne Hemd, der rockt".

Release 24.2.2023

Mit ihrem explosiven dritten Album betreten Shame eine neue, surreale Landschaft, die sich auch in dem vom renommierten Künstler Marcel Dzama gestalteten Cover widerspiegelt. Es ist eine Anspielung auf das, was ungesagt bleibt, was unter der Oberfläche liegt, auf den absurden und fantastischen Alltag, in dem wir leben, in einer Gesellschaft, in der alles und nichts möglich ist. Das Album markiert eine klangliche Abkehr: Shame haben sich an den scharfen und doch unkomplizierten lyrischen Beobachtungen von Lou Reed und den melodischeren Werken der deutschen 90er-Jahre-Band Blumfeld orientiert. Für die Umsetzung ihrer Vision engagierten sie den renommierten Produzenten Flood (Nick Cave, U2, PJ Harvey, Foals).

Release 27.1.2023

Joe Henry ist nicht nur ein erfolgreicher Musiker, sondern auch Produzent für Künstler wie Solomon Burke (Grammy Award!), Hugh Laurie, Aimee Mann, Rodney Crowell und Elvis Costello. Auf "All The Eye Can See" wird Henry von mehr als 20 Musikern begleitet, darunter seine langjährigen musikalischen Weggefährten und Freunde - Levon Henry am Saxophon und an der Klarinette, David Piltch am Bass, Patrick Warren am Klavier und an den Tasten sowie John Smith an der akustischen Gitarre. Intim, hochemotional, erstaunlich ruhig, mit einfachen, aber gekonnten Melodien, berührenden Texten mit 14 neuen und unvergesslichen Songs.

Release 9.12.2022

Die schönste und schrillste Brandstifterin zwischen Punk und Pop, Ost und West und Outta Space, die Deutschland je hervorgebracht hat, ist endlich zurück. Es ist das erste neue ALbum seit 2011 von der 67-jährigen Punk-Rock-Godmother, Aktivistin, Kunstfigur, Performance-Maschine, Jesusjüngerin, extraterrestrischen Abgesandten, Brecht-Kennerin... Nina ist Anfang und Ende. Mauern einschlagen und neu anfangen. Weitermachen und nie still sein. Nina ist Viele. Und doch kann es sie nur einmal geben. The woman who fell to earth. Unkopierbar. Die zwölf Songs sind ein wilder Trip durch einen dicht gewebten musikalischen Dschungel, in dem es zirpt und surrt und zwitschert, Western Twang auf spacige Synthie-Flächen und Rock-Pop auf Dub und sexy Slow Funk. Manche Songs erzählen von biblischen Wundern, andere sind flammende politische Kampfreden, und wieder andere sind Cover: von einem Country-Klassiker, einem Sheryl-Crow-Hit, oder sogar von einem Bob-Dylan-Song mit deutschem Text ("Die Antwort weiß ganz allein der Wind", was man sich wirklich nur als eine der ganz großen Liederkünstlerinnen erlauben darf). Vielförmig ist das Spiel mit Texturen, Samples und Alltagsgeräuschen. Und inmitten dieses satten Sound- und Themen-Blattwerks ist da natürlich diese Stimme, die in einem Wimpernschlag von opernhaft zu dämonisch umschwenken kann, von wahnsinnigen Höhen in furchteinflößende Tiefen, als wolle sie die Geschlechter miteinander kurzschließen. Nina Hagen schreit und zischt, schmettert und sprechsingt, reibt und überschlägt sich in elektronischen Verzerrungen. Sie führt musikalische Zwiegespräche. Mit uns und mit sich selbst. Wie aus einer anderen Welt hallt ihre Stimme hinüber in unsere Gegenwart. Kurzum: "Unity" ist ein grelles, warmherziges und vielfältiges Nina-Hagen-Spektakel.

Release 20.1.2023

Es ist weiterhin faszinierend zu hören, wie das Quintett aus dem irischen Dublin ihr Songwriting für atmosphärisch verdichtete Schwebezustände nutzt. Mühelos zieht das immer noch sehr junge Quintett, das auch zu den intensivsten Liveacts dieser Tage gehört, die Schrauben an, um einen lodernden Nachfolger für das beeindruckende Debütalbum von 2019 vorzulegen. Mit der Hilfe von Trademarksound-Producer John Congleton kommt das 2. Album der irischen Post-Punk/Indierock-Band einer subtilen Katharsis gleich. Ein Prädikat, das ihnen schon den Ruf von "Joy Division for a new generation" einbrachte. "Gigi's Recovery" ist packender und direkter geworden, die charismatischen Vocals von James McGovern agieren zwischen Spoken Word und Crooner, während die Band sich hörbar Richtung raumgreifender Indie-Wave-Klangmagie weiterentwickelt, gleich so, als sei Brian Eno beteiligt gewesen. Tatsächlich klingen die Gitarren ätherischer, verspielter und weniger postpunkig, während die Strukturen sich in den hypnotischen Tracks wie "A Thousand Lives" oder "Only Good Things" in einer vedichteten Schönheit äußern und Klassiker wie Echo and The Bunnymen oder The Sound in die Neuzeit transportieren. "

Release 24.3.2023

Bei ihren jüngsten musikalischen Ausflügen hatte sich die Isländerin bereits mit dem belgischen Duo The Colorist Orchestra zusammengetan, das eine Reihe von Songs aus ihrem Backkatalog neu komponierte, woraus 2018 das Live-Album "The Colorist & Emiliana Torrini" entstand. Auch das neue Album "Right Here" entstand gemeinsam mit Aarich Jespers und Kobe Proesmans, die beide auch Teil der belgischen Indie-Rock-Band Zita Swoon sind

Release 3.3.2023

Zweites Album des Washington DC/Dischord-Allstar-Post-Hardcore-Dreamteam plus dem Refused/International Noise Conspiracy-Frontmann Dennis Lyxzén. Das Line-Up besteht aus Brian Baker (Minor Threat, Dag Nasty, Bad Religion), Mike Hampton (S.O.A., Embrace, One Last Wish) und Johnny Temple (Soulside, Girls Against Boys), sowie erstmals auch Brendan Canty (Rites of Spring, Fugazi). Aufgenommen mit Adam "Atom" Greenspan (u.a. Idles, Yeah Yeah Yeahs).

Release 10.3.2023

Fever Ray alias Karin Dreijer mit dem ersten neune Album seit über fünf Jahren. Dreijer begann bereits im Herbst 2019 mit dem Schreiben und arbeitete dafür in den Stockholmer Studios, die zusammen mit Bruder und Bandkollege Olof Dreijer von The Knife gebaut wurden. Mitte 2020 schloss sich Olof den Arbeiten auch als Co-Produzent an. Die neuen Stücke auf 'Radical Romantics' sind die ersten gemeinsam produzierten und geschriebenen Songs der Geschwister seit acht Jahren. In weiteren Produzentenrollen tauchen das Duo Trent Reznor und Atticus Ross (Nine Inch Nails), der portugiesische DJ und Produzent Nídia, Johannes Berglund, Peder Mannerfelt, Pär Grindviks Aasthma sowie Vessel auf dem Album auf. In der Welt von 'Radical Romantics' präsentiert Fever Ray, eingerahmt von analogen Synthesizern, den Kampf mit der Liebe - genauer gesagt, dem Mythos der Liebe. Mit Songs, die Stärke und Verletzlichkeit, Angst aber auch Sicherheit in Einklang bringen.

Release 17.2.2023

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 45.90)

Die belgische Band dEUS hatte noch nie wirklich eine Philosophie. Und wollte vielleicht auch nie eine haben. Dennoch sind sie bestimmten Grundsätzen treu geblieben: "You don't want to repeat yourself, but you have your style", erzählt Tom Barman, Frontmann der Band, der auf dem Album seine bisher persönlichsten und rauesten Texte präsentiert. "You want to try new stuff and just react to whatever feels fresh at the time." So ist es auch bei "How To Replace It", ihrem achten Studioalbum und dem ersten seit zehn Jahren: altbewährt, und doch neu und abwechslungsreich, melodisch, aber auch irgendwie trotzig schräg. "It's not just the raw emotion speaking - there's the hindsight and introspection that comes after all that. And room for forgiveness." Zehn Jahre scheinen eine sehr lange Zeit zu sein, aber wirklich weg waren dEUS nach "Following Sea" nie. So gab es monatelange Touren, zahlreiche Festivalauftritte und Jubiläen zu feiern - der Klassiker "The Ideal Crash" beispielsweise wurde 2019 20 Jahre alt. Vor acht Jahren erschien zuletzt die Compilation "Selected Songs 1994-2014". "Things always take longer than you think" ergänzt Barman. "But this was not a ten-year project." Obwohl 2018 schon konkrete Pläne geschmiedet, Kalender geleert und Sessions gebucht wurden, dauerte es dann doch etwas länger, die zwölf Songs fertigzustellen. Wahrscheinlich auch weil sich die Arbeitsweise der Band verändert hat. Bei den letzten beiden Platten waren die Jam-Sessions lang und strukturiert, fünf Tage die Woche, mehrere Stunden am Tag. "How To Replace It" hingegen entstand in kurzen und explosiven Jams. Mit viel klassischem und zeitaufwändigem dEUS-Finetuning danach. Alte Gewohnheiten

Release 27.1.2023

Das von McEntire, Missy Thangs und Luke Norton mitproduzierte Album enthält neun ergreifende neue Songs, darunter zwei Stücke mit Backgroundgesang von S.G. Goodman und Amy Ray. Zusammen mit der Ankündigung stellt McEntire "Dovetail" vor, die neue Single, in der verschiedene Frauen und ihre verschiedenen Gaben und Traumata imaginär dargestellt werden. Anfang Oktober erschien bereits die erste Single "Soft Crook", die von amerikanischen Medien wie BrooklynVegan, Stereogum, The Boot euphorisch empfangen wurde. H.C. McEntire machte sich zunächst als Frontfrau von Mount Moriah und später als Backgroundsängerin in der Band von Angel Olsen einen Namen für ihre raue, gefühlvolle Stimme, bevor sie 2018 mit ihrem Solo-Debütalbum "Lionheart" auf eigene Faust loslegte. Diese Veröffentlichung und das 2020 erscheinende Nachfolgealbum "Eno Axis" wurden von der Presse hoch gelobt. Pitchfork bemerkte ihre "glühende Stimme und ihr phantasievolles Songwriting", und Flood Magazine erklärte: "McEntires Gesang hat Bodenhaftung und ist gleichzeitig erhaben und beeindruckend

Release 10.2.2023

Man könnte meinen, dass Zeit für eine Band, die so beständig wie Yo La Tengo ist und seit nunmehr fast vier Jahrzehnten existiert, keine allzu große Rolle spielt. Und doch ist Zeit (und wie man ihr entkommt) das vorherrschende Thema auf dem neuen, am 10. Februar 2023 auf Matador Records erscheinenden Album "This Stupid World". Der Band aus Hoboken gelingt das natürlich spielend leicht und elegant. "I want to fall out of time", singt Ira Kaplan in der ersten Single "Fallout", weiter: "Reach back, unwind." "I see clearly how it ends / I see the moon rise as the sun descends", heißt es im Album-Opener "Sinatra Drive Breakdown", während Kaplan im athmosphärischen Song "Until it Happens" aufruft: "Prepare to die / Prepare yourself while there"s still time." Doch Resignation war nie ein Ausweg für Yo La Tengo, drum heißt es auch später im Song: "Stay alive", und, "Look away from the hands of time." Selbst befinden sich Ira Ira Kaplan, Georgia Hubley und James McNew natürlich weiterhin im stetigen Wandel, passen ihren Sound den Gegebenheiten an, um auch mal überraschend einen neuen Weg einzuschlagen. Für "This Stupid World" hat man erstmals nicht mit externen Produzenten und Mischern zusammengearbeitet, sondern alles in die eigene Hand genommen. Im Ergebnis klingen Yo La Tengo so direkt und live wie lange nicht mehr. Die Basis eines jede Songs war, dass das Trio ihn gleichzeitig in einem Raum zusammen eingespielt hat und nicht jeder in eigenen Takes. Auf den Vorgänger "There"s A Riot Going On" (2018) folgt nun mit "This Stupid World" ein Album, welches den Hörern in Zeiten der Unsicherheit und der Ängste eine gewisse Ruhe vermitteln soll. Mit stoischer Ruhe und Gelassenheit trotzen Yo La Tengo der bewegten Gegenwart und beweisen einmal mehr, dass sich ihre Musik nicht von der Zeit treiben lässt, sondern zeitlos wie eh und je klingt.

Release 3.3.2023

Während man die neuen Songs hört, fühlt es sich so an, als säße man selbst in diesem Proberaum. So nah, direkt und auf magische Weise wahrhaftig klingt diese Musik. AnnenMayKantereit waren während der Produktion ihres neuen Albums "Es ist Abend und wir sitzen bei mir" im Sommer 2022 nicht nur Musiker und Songschreiber, sondern immer auch Gastgeber: "Wir hatten wahnsinnig viel Lust darauf, dass Freunde zum Proberaum kommen und mit uns rumhängen. Einen schönen Abend haben und schauen, was passiert" - und daraus wurden sehr viele schöne Abende und schließlich ein wunderbares Album.

Release 24.2.2023

Neues viertes Album mit Gastbeiträgen von Zack de La Rocha (Ex-RATM), Mark Cisneros, Samuel T. Herring (Future Islands), JAe Matthews (Boy HArsher), NAdah El Shazly, Lee Bains III, Bily WOods, Big Rube, Patrick Shirosh, Deforrest Brown Jr., Latoya Kent u.a.

Release 13.1.2023

Einen enormen Schritt macht die aus Bristol stammende Songwriterin, Produzentin und Multiinstrumentalistin Tor Maries mit ihrem 2ten Album. Mit einem von den 1980er Jahren beeinflussten Sound, der sowohl mit einer Post-Punk-Gitarre und New Wave-Bass aufwartet, aber auch die Sounds alter analoger Synthesizer und alter Drum-Machines verwendet, tritt sie die Flucht dennoch nach vorne an mit coolen, tanzbaren, nach vorne gehenden, von toller Post-Punk-Gitarre angefönten Songs wie "Balance is gone", aber glänzt auch in einem etwas verträumteren, aber genauso gut ins Ohr gehenden Look wie bei "Blue Bones" oder dem sich klasse anschmiegenden halb-schwebenden, aber auch leicht kratzigen und melancholischen "Saboteur Forcefield". Ihr Gesangsstyle ist dagegen klar an den 90ern und 00er-Jahren orientiert, die Hooklines gehen klasse ins Ohr, sind immer mit coolen Details und Schlenkern gewürzt und zeigen die Qualität ihres Songwritings.

Release 3.2.2023

Das vierte Album des Trios ist ihr erstes seit "Cocoa Sugar" von 2018. Das 10-Track-Projekt signalisiert einen erneuten Back-to-Basics-Ansatz ohne externe Produzenten, nur ein winziges Heimstudio, ein paar Geräte und Mikrofone: alles immer eingesteckt, alles immer in Reichweite. Über das Album schreibt Alloysious: "Jede Platte muss besser sein als die letzte. Das ist die Mentalität. Wenn es nicht besser wäre, würde es nicht herauskommen." Für ihn geht es bei diesem Album nicht einmal wirklich um die zehn Songs auf der Tracklist. Es geht darum, was mit dem Trio in den langen, verrückten Jahren seit "Cocoa Sugar" passiert ist. "Heavy Heavy" ist der Beweis für das, was von dieser Zeit übrig geblieben ist. Der Erfolg des Überlebens, der Exzess der Existenz. "Ich mag den Titel "Heavy Heavy", denn es ist alles plus die Küchenspüle", fügt G. hinzu. "Maximalistisch. Keine Art von Schlankheitskur. Es fühlt sich voll an, gewichtig. Und es zweimal zu sagen, macht es spielerisch." Für Young Fathers gibt es keinen Dresscode. Tanzen, nicht moshen. Die Hüften zucken, die Füße rutschen, das Gehirn feuert in Catherine Wheel-Sparks aus Freude und Empathie. Unterirdisch, aber nie dunkel. Immer noch jung, nach einigen Jahren, auch wenn die heavy, heavy weight of the world von Tag zu Tag zu wachsen scheint.

Release 23.1.2023

Neues Album mit 12 Songs, aufgenommen mit Johan Gustafsson von den Hives, und es ist schon das Zehnte! Der Vierer um Sängerin Cecilia füllt die großen Hallen mit ihrem perfektionierten Mix aus 77er-Punk´n Roll, Pop und Glamrock, der selbstverständlich nicht viel verändert am unbestrittenen Erfolgsrezept, don´t jump a running horse oder so. Perfekter knallender, euphorisch-hymnischer Sound wie ihn so nur die SkandinavierInnen hinbekommen, druckvoll produziert und abwechslungsreich, sie können einfach nicht schlechter werden

Release 16.12.2022

Die Dinge entwickeln sich schnell im Gizzverse, und noch bevor die Band überhaupt die Arbeit an ihrem Album "Omnium Gatherum" abgeschlossen hatte, hatte sie begonnen, ihr kommendes Album "Ice, Death, Planets, Lungs, Mushrooms, and Lava" zu skizzieren. Für das neue Album wollte die Gruppe jedoch keine vorgefertigten Songs oder Ideen einbringen, sondern die gesamte Musik im Studio an Ort und Stelle zusammenstellen. Die Gruppe beendete jeden Recording-Tag mit vier bis fünf Stunden an neuen Jams im Kasten. Am Ende eines jeden Jams fügte Frontmann Mackenzie die Sessions zu den Songs zusammen, die nun auf dem insgesamt 21. Studioalbum von King Gizzard & The Lizard Wizard zu hören sind. Nachdem Mackenzie und seine Bandkollegen aus diesen Jams voll funktionsfähige Instrumentalstücke zusammengestellt hatten, begannen sie, Flöte, Orgel, Schlagzeug und zusätzliche Gitarre darüber zu legen. Das Ergebnis dieses radikalen, experimentellen kreativen Prozesses ist eine der dichtesten unvorhersehbarsten Aussagen einer Band, deren Arbeit schon immer aus unerwarteten Winkeln hereinbricht - begleitet von einer Fülle von Subtexten und Theoremen.

Release 24.2.2023

Die vierköpfige Comic-Band aus Großbritannien wurde von Blur-Sänger Damon Albarn und Comic-Zeichner Jamie Hewlett erschaffen. Im Jahr 2001 erschien ihr Debütalbum "Gorillaz", das u.a. in Deutschland, Österreich und Großbritannien in die Top 3 der Charts einstieg. Daraufhin folgten noch sechs weitere, international sehr erfolgreiche Alben. Im März dieses Jahres feierte die Band ihr 20-jähriges Jubiläum. "Cracker Island" ist das insgesamt achte Studioalbum der Band. Es wird mit der Veröffentlichung der neuen Single "New Gold" am 31. August angekündigt. Auf der Single wirken Tame Impala - das psychedelische Musikprojekt des australischen Multiinstrumentalisten Kevin Parker - und Bootie Brown von der Alternative-Hip-Hop-Gruppe The Pharcyde mit. Das neue Album enthält weitere spannende Kollaborationen mit großen Namen wie Stevie Nicks von Fleetwood Mac, Beck und Thundercat. Die virtuelle Band ist auf TikTok explodiert und hat innerhalb weniger Monate über 2 Millionen Follower auf der Plattform dazugewonnen, wo sie weiterhin innovativ sind und virtuelle Charaktere dorthin bringen, wo noch kein Charakter zuvor gewesen ist. Vorwärts und kühn aufwärts!

Release 17.2.2023

Die Band um Sebastian Dürre aka Porky, Henning Besser aka La Perla sowie Philipp Grütering aka Kryptik Joe hatte während der Pandemie mit der Arbeit an dem neuen Album begonnen und die allgemeine Stimmung und Atmosphäre jener frühen Pandemiephase hat sich ganz automatisch in Texte und Musik der neuen Songs eingeschrieben. Deichkind sind also wieder da - genau zur richtigen Zeit. Die erste Singleauskopplung aus dem Album, der doppelbödige Song "In Der Natur", verbindet hintersinnige Jodelkunst mit abstrakter Zivilisationskritik und zeigt: Die Gesellschaftskritik von Deichkind funktioniert so gut, weil sie nicht von der Tribüne kommt und schon gar nicht aus dem Elfenbeinturm. Deichkind meinen immer auch sich selbst, wenn sie über die Zumutungen der Gegenwart spotten - und dabei wie im Vorbeigehen noch die vermeintlich sperrigsten Themen in potenzielle Hits kleiden, die man auf Anhieb mitsingen möchte.

Release 21.4.2023

"Atum" ist eine Rock-Oper in drei Akten, die von der unnachahmlichen amerikanischen Rockband The Smashing Pumpkins geschrieben und im Studio aufgenommen wurde. Das Album erzählt eine epische interplanetarische Geschichte, die in einer nicht allzu fernen Zukunft spielt, obwohl die Songs selbst jeweils für sich allein im Pumpkins Pantheon stehen. Es ist der letzte Teil einer Konzeptalbum-Trilogie, die mit dem 1995 erschienenen Album "Melancholy and the Infinite Sadness" begann und im Jahr 2000 mit "Machina/The Machines of God" fortgesetzt wurde. An diesem nun finalen und dritten Teil "Atum" sind mit William Corgan, James Iha, und Jimmy Chamberlin drei Original-Mitglieder der Band, sowie der langjährige Gitarrist Jeff Schroeder beteiligt. Corgan hatte die Idee für die Rock-Oper schon vor Jahren entwickelt und die Zwangspause durch die andauernde Pandemie gab ihm die Zeit, um das Werk in der grandiosen Art und Weise zu vollenden, wie er es sich vorgestellt hatte.

Release 2.12.2022

Erstes Album seit sieben Jahren von einem der großen 90er-Jahre Triphop-Acts. Das Album wurde zusammen mit dem langjährigen Studio- und Mischtechniker Adam Wren produziert und enthält Gastbeiträge von unter anderem Fontaines D.C. Frontmann Grian Chatten und Lemn Sissay. "This Is What We Do" ist ein eklektischer Longplayer, der den optimistischen Grundgedanken des ikonischen Dance Music Acts verkörpert. Das Album, das Themen wie Liebe, Akzeptanz, Vielfalt und Heilung behandelt, wurde vor und nach zwei extrem herausfordernden und transformativen Phasen im Leben von Leftfields Neil Barnes geschrieben. Die globale Pandemie und seine persönliche Gesundheitskrise hatten beide einen direkten Einfluss auf den kreativen Prozess, wobei sein eigener Drang, ein Kindheitstrauma zu heilen, den Hintergrund bildete. Das Ergebnis ist ein reichhaltiger, lebendiger, positiver und potenter Cocktail aus aufrüttelnden Stücken, die Leftfields kompromisslose Herangehensweise an Tanzmusik verkörpern. "This Is What We Do" ist ein positives und kraftvolles Album, das sich mit persönlichen Themen befasst, die auch unsere aktuellen globalen Erfahrungen widerspiegeln.

Release 2.12.2022

Das 6te Album der mittlerweile größtenteils in Berlin lebenden Band schliesst an den 2 Jahre alten Vorgänger "Omens" und dessen Progressiv angelehnten Heavy Rock´n Roll an, verfolgt eine ähnliche Art der Songstrukturen und insgesamt musikalisch ein ähnliches Konzept. Das Zusammenspiel von Bandgründer Nick DiSalvo´s und Mike Risberg’s Gitarren und Keyboard, das Schlagzeug des noch relativ neuen Georg Edert und die warmen Untertöne von Bassist Jack Donovan’s sorgen für tolle Untermalung von DiSalvo’s Gesang. Als GAstsänger ist auch Behrang Alavi (Samavayo) zu hören.

Release 25.11.2022 - Vinyl-Release TBA

Alice Torrent kehrt mit "An Ode to your Sun" zurück! Das zweite Album bewegt sich zwischen der Schlichtheit von Piano-Songs, Tiefen des Indie-Pops, und Post-Metal Einflüssen. Die zwölf Songs auf "An Ode to your Sun" zeugen von einer Kraft und erschaffen schwebende Atmosphären, welche der isländischen Natur, in der das Album entstand, gleichen.

Release 25.11.2022

Gewissermaßen sind sie auf ihrem tollen 2ten Album in ähnlichem Terrain unterwegs wie Dry Cleaning mit ihrem von gerne schick atonalen Gitarrenriffs untermauerten Post-Punk, zu dem Frontmann Tom Greenhouse mit Sprech-Sing-Sang schräge Beobachtungen und bizarre Anekdoten in einem unverwechselbaren lyrischen Stil liefert. Einerseits also auf zumeist dem Stilmittel der Widerholung aufgebaute Songs mit manchmal motorischem Unterbau oder aber auch einem ein weng an Art Brut erinnernden, aber vergleichsweise schräger und post-punkiger klingenden Sound mit spacigen Momenten, zu dem Greenhouse oft surreale Kurzgeschichten vorträgt. Er geht dabei humorvoll und politisch vor, schmückt seine Songs mit pop-kulturellem Referenzen aus und schwadroniert immer wieder von Ausserirdischen. Klasse Album der Londoner Band. "My new favourite post everything existential music happening. Hooray!"(Henry Rollins)

Release 25.11.2022 - Vinyl am 27.1.2023

Auch als Indies Only Red Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.90)

2tes Album der Black Feminist Punk-Band Big Joanie, die sich 2013 in London gründeten und Dank ihrem krachigen LoFi-Postpunk Thurston Moores Aufmerksamkeit auf sich gezogen haben auf dessen mitbegründeten Label nun die neue Platte erscheint. Die Band beschrieb sich mal selbst als eine Mischung aus The Ronettes und Riot Grrrl mit einer Prise Dashiki (ein buntes Kleidungsstück aus Westafrika). Ihr neues Album zeigt im Vergleich zu früheren Releases eine deutliche Entwicklung. Das Songwriter ist ausgearbeiteter, Synthies haben Einzug gehalten und alles wirkt professioneller ohne dabei ihren Biss in irgendeiner Art und Weise eingebüßt zu haben. Tolle Platte, tolle Band, ein Highlight!

Release 18.11.2022

Auch als Ltd.-Indies Only Yellow Vinyl-Edition (CHF 33.90) erhältlich

Das überschwängliche Debütalbum der langjährigen Freunde und Kollaborateure Panda Bear und Sonic Boom, verdanken wir dem mühsamen Prozess des Transports von Vinylplatten. Vor sechs Jahren verließ Sonic Boom seine Heimat England und zog nach Portugal, auch um näher bei Panda Bear zu sein. Das ungleiche Paar hatte sich fast ein Jahrzehnt zuvor über MySpace kennengelernt, als Panda Bear sich in den Liner Notes seines Soloklassikers "Person Pitch" bei Sonic Booms ehemaliger Band Spacemen 3 bedankte, was Sonic Boom dazu veranlasste, ihm ebenfalls zu danken. Zwischen den beiden entwickelte sich eine dauerhafte Partnerschaft, bei der Sonic Boom seit "Tomboy" (2011) eine Reihe von Panda Bear-Veröffentlichungen abmischte und mitproduzierte; besonders eng arbeiteten sie bei "Panda Bear Meets the Grim Reaper" (2015) zusammen. Als Sonic Boom die Idee hatte, ihre Zusammenarbeit auf die nächste Stufe zu heben, dachte er, Panda Bear würde den Vorschlag rundheraus ablehnen - in den neun glorreichen, fiebrig hakenschlagenden Tracks von "Reset" kann man jedoch genau hören, wie sehr er die Aussicht auf die Kollaboration liebte.

Release 18.11.2022

Fünftes Studioalbum der Kalifornierin Natalie Mering aka Weyes Blood. 2019s "Titanic Rising" war der erwartende Blick auf den anrollenden Tsunami, nun folgt Akt 2 der angekündigten Trilogie. "We're in a fully functional shit show" sagt Mering zur aktuellen Krisensituation und zeigt sich auf dem Album resigniert inmitten von Algorithmisierung, Klimakrise und Ideologiekämpfen. Diese Attitüde wird auch musikalisch umgesetzt: Die gemeinsame Produktion mit Jonathan Rado (Foxygen) saugt über Albumlänge ein, auf musikalische Erlösungen und Ausbrüche wird bewusst verzichtet. Das macht sich auch in der Besetzung bemerkbar: Auf "Titanic Rising" unterstützten die begnadeten D'Addario-Brüder (Lemon Twigs) mit ihrer entfesselnden Wildheit, nun wird von Meg Duffy (War On Drugs, Kevin Morby), Daniel Lopatin (Oneohtrix Point Never) und Mary Lattimore (Kurt Vile, Thurston Moore) vielmehr filigrane Hintergrundarbeit geleistet, die den Arrangements deutlich Tiefe verleiht. Gerade auf der zweiten Seite erweitert Weyes Blood durch die Features ihren musikalischen Horizont. Das funktioniert bei tape loops und Country-Attitüden ganz gut, kann aber beim Drum Machine-Einsatz auf "Twin Flame" auch etwas irritieren. Geboten wird gediegener Kammer-Pop ohne Furcht vor Kitsch, der gerne in Klangwänden schwelgt, ohne sie zu lange auszukosten. Wenn die Texte beizeiten etwas esoterisch und schwülstig anmuten, macht das die stimmliche Inszenierung der ausgebildeten Barock-Sängerin locker wett. Auch wenn die Platte nicht ganz die Grandezza des Vorgängers erreicht: Unterm Strich ein verdammt gutes Chamberpop-Album und ein must-have für Softrock-Liebhaber_innen.

Release 11.11.2022

Mittlerweile ist es schon ein halbes Jahrzehnt her, dass der Balthazar-Sänger mit seinen Soloalben "We Fucked a Flame into Being" (2016) und "Warhaus" (2017) musikalische Herzen eroberte. Die Songs des dritten Longplayers sprudelten in nur drei Wochen im schwülen Palermo auf Sizilien aus Maarten heraus. Alles, was Devoldere dafür brauchte, war die Einsamkeit eines Hotelzimmers, eine Gitarre, ein Mikrofon und ein kürzlich gebrochenes Herz. Der Sound aber bleibt wunderbar leicht und beschwingt, mit groß aufgezogenen Streichern, sinnlichen Backing Vocals, Bläsern und verspielten Piano-Parts - wobei der Songwriter in seinem Hotelzimmer auf der italienischen Insel ursprünglich soundtechnisch ein intimes Singer-Songwriter-Album mit geflüstertem Gesang im Sinn hatte. Der Kontrast zwischen Form und Inhalt zieht sich dabei durch das gesamte Album: "Ha Ha Heartbreak" verpackt Devolderes Kummer in Hooks, sofort mitsingbare Refrains und unwiderstehliche Melodien, während Maarten sich Song für Song selber demontiert und wieder zusammensetzt.

Auch als Ltd.-Orange Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 42.90)

Inspiriert von Soul und Gospel enthält das neue Album vom "Boss" Neuinterpretationen von Songs großer US-amerikanischer Künstler. "Ich wollte ein Album machen, auf dem ich nur singe. Und mit welcher Musik könnte man da besser arbeiten als mit dem Great American Songbook der Sechziger und Siebziger? Ich habe mich unter anderem von Levi Stubbs, David Ruffin, Jimmy Ruffin, dem Iceman Jerry Butler, Diana Ross, Dobie Gray und Scott Walker inspirieren lassen. Ich habe versucht, ihnen allen und den fabelhaften Autoren dieser glorreichen Musik gerecht zu werden. Mein Ziel ist es, dass das junge Publikum seine Schönheit und Freude erleben kann, so wie ich sie erlebt habe, als ich die Musik zum ersten Mal gehört habe. Ich hoffe, ihr hört das Album genauso gerne, wie ich es geliebt habe, es zu kreieren.

Release 11.11.2022

Das neue Album "nichts" der Aachener Post-Hardcore Band FJORT ist ein 50-minütiges Erlebnis. "nichts" gewinnt dem dichten Sound der Band, der fließend zwischen allen Spielarten von Hardcore und Postrock wandelt, zahlreiche neue Facetten ab. Die Täler sind tiefer denn je, in den Höhen ist kaum Luft zu atmen. Die Atmosphäre fühlt sich nahezu greifbar an. Lyrisch gaben sich FJORT seit jeher kryptisch und bleiben dieser Linie treu werden auf "nichts" jedoch auch konkret wie selten zuvor. Vielleicht, weil Zeiten wie diese mehr denn je nach Schonungslosigkeit lechtzen. Vielleicht auch, weil eine Art Galgenhumor seinen Weg auf das Album gefunden hat, der mit dem absoluten Ernst gekonnt bricht. Abwechslungsreicher und schlichtweg größer klang diese Band noch nie.

Release 11.11.2022

Das französische Pop-Phänomen Christine and the Queens ist nach der EP "La vita nuova" von 2020 als mysteriöser Charakter Redcar zurück. Nach der überraschenden Veröffentlichung der Single "Je te vois enfin" kündigt Redcar die Veröffentlichung seines neuen Albums "Redcar les adorables étoiles" am 23. September an. Geschrieben und produziert wurde die bereits veröffentlichte erste Single des Albums "Je te vois enfin" von Christine and the Queens. Gemixt hat den Song der legendäre US-Produzent Mike Dean, den man unter anderem von seiner Zusammenarbeit mit Kanye West, Lana Del Rey und Jay Z kennt. Nach dem letzten Album "Chris", der "La vita nuova" EP und gemeinsamen Singles mit Charli XCX & Caroline Polachek ("New Shapes") und 070 Shake ("Body") läutet "Redcar les adorables étoiles" eine neue Ära ein.

Release 11.11.2022

Seit 30 Jahren kollaborieren Ed Handley und Andy Turner mit dem altehrwürdigen Warp-Label. Jede ihrer Scheiben zeigt erneut ihren Kreativgeist, so auch das 11te Album, das etwas positivistischer daher kommt als der kantige Vorgänger, aber nicht weniger tiefgründig und natürlich hochgradig melodisch und dabei doch auch zwischen Abstraktion und Ambience unterwegs ist, aber diesmal sehr rhythmisch orientiert, mit "Set If Off"-Hi-Hats, digitalisierten Cembalos, zerfetzten Mandolinen, kaskadierenden Streichern, rüden Basslines, quecksilbrigen Grooves und manchmal auch ein bisschen Gitarre. Elektronischer High-Tech-Retro-Futurismus mit Sternenstaubfaktor.

Release 4.11.2022

Das erste Album des britischen Produzenten und Songwriters seit "Rennen" von 2017! Nachdem er zuvor längere Zeit in Wien und Los Angeles gelebt hat, wohnt der in London geborene SOHN nun in den Pinienwäldern von Katalonien, Spanien, und es ist diese neue Umgebung, die ihn zur aktuellen Single "Segre" inspiriert hat. "Trust" markiert für den Solokünstler eine seismische Verschiebung in der Wahrnehmung und Ausrichtung und spiegelt SOHNs neue Verantwortung als Vater von drei Kindern wider. Der Umzug von Los Angeles in die Ruhe Kataloniens und die Erfahrung der Elternschaft veränderten seine Einstellung und auch seine Arbeitsweise: "Ich spürte eine Offenheit, die ich vorher nicht kannte, und mir wurde klar, dass ich es nicht mehr allein schaffen konnte - mir fehlten Gemeinschaft und Freundschaft im Leben und im kreativen Prozess", sagt SOHN. Zum ersten Mal in seiner jahrzehntelangen Karriere lud der Produzent andere ein, ihm bei der Verwirklichung eines neuen Albums zu helfen, und kehrte nach LA zurück (wo er "Rennen" aufgenommen hatte), um mit Yakob, Mike Sonier, Chris Tabron, Jesse Boykins III, Ryan Linvill, Noah Le Gros und Emile Mosseri zu arbeiten. Gemeinschaft, Intimität, Familie und Offenheit sind die Schlüsselthemen auf "Trust", wenn der britische Produzent über sein vergangenes Leben (Wien in 'Figureskating, Neusiedlersee') und seine gegenwärtige Realität ('Montardit', 'Segre') reflektiert. Indem er seinen kreativen Prozess für andere öffnet, lädt Toph Taylor den Hörer dazu ein, sein bisher intimstes und persönlichstes Werk zu erleben. "Auf dem Debütalbum "Tremors" war es so, als wäre ich hinter Glas, aber auf "Trust" fühlt es sich an, als könnte man in diesem Raum sitzen, und nicht nur alleine, man sitzt mit mir, einigen Musikern, einigen Freunden in einem Zimmer."

Release 4.11.2022

Durchweg auf spanisch eingesungenes neues Album der französischen Psychedelic-Electro-Indierocker, die sich in mehrfacher Hinsicht hier auf ungewohntes Terrain begeben haben. Quelle der Inspiration waren zahlreiche Aufenhate in spanischen und mexikanischen Städten, was sich in entsprechend zutage tretenden Einflüssen äussert, zudem sind zahlreiche Gastsänger_innen vertreten innerhalb von Songs, die sich bei andalusischen und brasilianischen Rhythmen bedienen, in denen auch mal die Castagnetten schnackeln, mexikanische Bläser erklingen und die spanische Gitarre eine zentrale Rolle spielt, auch bei Balladen. Viele Songs sind dabei an traditionellen Latino/Hispano-Musikstilen orientiert, aber La Femme verweben genauso oft auch diese Elemente mit ihrem Vignetten-Sound aus 60s-Beat und elektronischen Anleihen ("No Pasa Nada") oder wagen sich gänzlich auf den elektronischen New Wave-Floor vor ("Resaca"). Ein Album wie eine tolle Reise, benannt nach dem mythischen Theater, in dem sie in mexico einige Male spielten.

Release 4.11.2022 (Vinyl am 13.01.2023)

"Alpha Zulu" ist exakt das, was Phoenix am besten können: mühelos catchy Melodien, gepaart mit einer stets innovativen Produktion. Tatsächlich erinnert "Alpha Zulu" - das erste Album der Band seit "Ti Amo" aus dem Jahr 2017 - an das, was Phoenix zu einer der beliebtesten Bands der letzten zwei Jahrzehnte gemacht hat, und unterstreicht den dauerhaften - und anhaltenden - Einfluss der Band auf die Popkultur. Phoenix richteten sich ihr Studio im Pariser Musée des Arts Décoratifs ein, das sich inmitten des Louvre befindet. "Wir konnten in der Pandemie das Szenario erleben, allein in einem leeren Museum zu sein." Während des Lockdowns mussten Phoenix durch einen etwas abgelegenen Nebeneingang den Louvre betreten und einen 10-minütigen Spaziergang durch dunkle, leere Räume des Museums machen.

Release 4.11.2022

Das dritte Album der Band, das von Shawn Everett (Adele, Kacey Musgraves, The Killers) mitproduziert wurde, ist ein spannendes neues Werk der kanadischen Gruppe - eine Sammlung von vierzehn neuen Songs, die sich mit ihren emotionalen Gefühls-Collagen in einem kunterbunten Indie-Rock-Spektrum ausleben. Als erste Single teilt Alvvays den neuen Track "Pharmacist". In dem verträumten, flirrenden Dream-Pop-& Shoegaze-Mix wird das vertraute Zusammenspiel zwischen Molly Rankin (Gesang, Gitarre), Kerri Maclellan (Gesange, Keyboard), Alec O'Hanley (Gitarre), Brian Murphy (Bass) und Phil MacIsaac (Schlagzeug) wieder deutlich, die zum Teil bereits zu Highschool-Zeiten vor über zehn Jahren begannen, gemeinsam miteinander Musik zu machen.

Release 28.10.2022

Immer noch wild und ungekünstelt, immer noch wütend, manchmal zerbrechlich, manchmal laut und manchmal leise, spielen Oli Hartung (Gitarre), Gert Stäuble (Drums), Ere Gerber (Bass) und Bubi Rufener (Gesang und Gitarre) als gäbe es kein Morgen mehr. Leidenschaft und Intensität, sind wichtiger als geschliffene Mainstream Auftritte!

Am 28.10. 22 erscheint das 4te BUBI EIFACH Studio Album „Schön gits Euch..!“ 12 Songs weit weg von Mode und Trends, weit weg von Einheitsbrei und lauwarmem Pop, und trotz dem live eingespielten rauhen BUBI EIFACH Sound und der „…aus dem Bauch raus Attitüde“ der Band, eingängig. Die neue Songs handeln von Vergänglichkeit, vom Sterben und Lieben, von Angst aber auch von Hoffnung und das BUBI EIFACH ohne sich hinter Ironie zu verstecken ehrlich und kompromisslos alles gibt und auch den Mut zur Verletzlichkeit zeigt, ist gerade in dieser Zeit wohltuend und schön.

Release 28.10.2022

Neues Album der beiden Schweizer Brüder ecuadorianischer Abstammung Estevan und Alejandro Gutiérrez gemeinsam mit Dan Auerbach (Black Keys) als Produzent. Die Musik stark von instrumentalen Latin- und auch Westernelementen geprägt und fühlt sich fast wie ein Ennio Morricone, David Lynch oder ein Jim Jarmusch-Soundtrack an. Zu hören sind lebhafte Kompositionen und intimes Gitarrenspiel, bei dem sich interessante Rhythmen und eingängige Melodien perfekt miteinander verbinden. Aufgenommen und produziert in Auerbachs Studio in Nashville, gehen Hermanos Gutiérrez musikalisch auch einige Schritte weiter, was sich durch spannende Drums und Percussion-Parts bemerkbar macht. Auf dem Song "Tres Hermanos" spielt passenderweise Auerbach selbst eine zusätzliche Gitarre. Der Titel-Track ist eine Hommage an Sergio Leones legendären Western "The Good, The Bad And The Ugly" von 1966.

Release 28.10.2022 (Vinyl am 1. November 2022)

Stephan Eicher arbeitet seit drei Jahren mit Leib und Seele an diesem neuen Album. Die Lieder
auf diesem Opus sind wie überquellende Postkarten, die Farben rieseln, um eine andere Landschaft zu
skizzieren.

Stephan Eicher mag es, wenn die Emotionen die kleinen Wege den grossen Autobahnen vorziehen. Er
kann über das Verschwinden, die lauernde Bedrohung, den Zweifel und die Stürme singen, aber er lehnt
Manichäismus und billige Düsternis ab. Bei ihm ist alles teleskopisch, wirbelt herum, vermischt sich. Mit
Ode gibt es Hoffnung in seinen Liedern, manchmal ein Lachen, eher aus dem Hinterhalt, Liebe, es gibt vor
allem eine ultra-sensible Poesie, die Worte der befreundeten Schriftsteller, Martin Suter und immer wieder
Philippe Djian.

Release 28.10.2022

3tes Studioalbum, mutig, energiegeladen und expansiv - die Idee der Bewegung war schon immer zentral für Press Club. Die vierköpfige Punkrockband aus Melbourne, die seit 12 Jahren zusammen Musik macht, lehnt Stillstand ab und drängt ständig darauf, sich zu verändern und in einer Szene zu gedeihen, die weitgehend gleich bleibt. Endless Motion ist das ultimative künstlerische Statement über die vergangenen drei Jahre - ein kollektiver und globaler Kampf, der Press Club das Material und die Umstände lieferte, um sich als eine der aufregendsten und relevantesten Bands des Jahres 2022 zu etablieren. Das neue Album verspricht zu gleichen Teilen verspielten Indie-Rock, punkige Härte und verträumten Alt-Rock, wobei sich das Anekdotische und das Extrospektive die Waage halten. Mit ihren ersten beiden Alben "Late Teens" (2018) und "Wasted Energy" (2019) - haben Press Club bewiesen, dass sie eine aufregende neue Stimme in der globalen DIY-Punkrock-Szene sind

Release 28.10.2022 (CD am 11.11.2022)

Endlich lebt auch die Stimme des in NOrth Carolina geborenen Lee Fields, einem der besten, lebenden Soulänger, nach 50 aktiven Jahren mit mehr als 20 Alben unter dem Dach des großartigen Daptone-Label. Der authentische Retro-Klang einer Daptone-Produktion unter der Ägide von Labelgründer Bosco Mann verleiht auch Fields nochmal neue Flügel und geht perfekt einher mit stilistisch unterschiedlich konnotierten Songs, die Lee mit stimmlicher Soul-Leidenschaft eindrucksvoll anleitet. Oft sorgen der Gospel-Backgroundchor, Bläser und Streicher für zusätzlichen Verve, Vintage-Orgel und -Gitarre sorgen ohnehin für Atmo, es gibt fantastische Breaks zu hören auf diesem puren Soulalbum für verletzte und hoffnungsvolle Seelen.

Release 28.10.2022 (Vinyl-Release TBA)

Neues Album der aus der DIY-Szene von Calgary stammenden vierköpfigen Post-Punk-Band aus Kanada, die sich früher Vietcong und Women nannten. Das 3te Album ist ein fein abgestimmtes, köstliches, mit Punk/Prog/Kraut flirtendes Meisterwerk, ihr viertes Studioalbum, das erste auf ihrem eigenen gleichnamigen Label. Es beginnt mit dem stampfenden, metallischen Einschlag der Gitarrensaiten von "Fix Bayonets!". Das Stück ist zunächst rau, steigert sich dann zu einem mitreißenden Synthie-Sprint. Der Track bereitet den Weg für das, was kommen wird: ein Preoccupations-Album, das ihre gitarrenlastigen Ursprünge mit dem neueren synthiegestützten Stil verwebt. Das Ergebnis ist "Arrangements", ein Album, das gleichzeitig das intensivste, einnehmendste und verspielteste Werk der Band ist.

Release 28.10.2022

Die US-amerikanische Supergroup um Mike Patton, Dave Lombardo, Justin Pearson und Michael Crain mit ihrem 2ten Album. Der erste neue Song "Reign of Error" ist eine energie-geladene Hardcore-Nummer mit rasenden Riffs und galoppierenden Drums. Das Album wurde vor allem auf die erstarkte Freundschaft der Bandmitglieder gebaut, besonders nachdem bei Gitarrist Michael Crain Krebs diagnostiziert wurde.

Release 21.10.2022

Die Arctic Monkeys veröffentlichen am Freitag, den 21. Oktober, ihr neues Album mit dem Titel "The Car". "The Car" ist das siebte Studioalbum der Band und enthält zehn neue Songs, die von Alex Turner geschrieben und von James Ford produziert wurden. Aufgenommen wurde das Album in Butley Priory, Suffolk, den RAK Studios in London und La Frette in Paris. Nach dem 2018 erschienenen Album 'Tranquility Base Hotel + Casino' finden sich die Arctic Monkeys auf 'The Car' in einer neuen, üppig orchestrierten musikalischen Landschaft wieder und bieten einige der besten und beeindruckendsten Gesangsdarbietungen in der Karriere von Alex Turner.

Release 21.10.2022

Iggy Pop, Debbie Harry, Henry Rollins... nur einige der Punk-Ikonen, die sich tief beeindruckt gezeigt haben von The Bobby Lees aus Woodstock, N.Y. Sam Quartin (Gesang, Gitarre), Macky Bowman (Schlagzeug), Nick Casa (Gitarre) und Kendall Wind (Bass) machen Musik, die von Geist und Seele her Punk ist; ungezügelt und entschlossen ehrlich. Ein selbst veröffentlichtes DIY-Album (Beauty Pageant) erschien 2018 und erregte die Aufmerksamkeit des Garage-Rock-Impresarios Jon Spencer, der daraufhin das 2020er Album Skin Suit produzierte. Im Jahr 2022 machte sich die junge Band, nun road-erprobt und entschlossener denn je, nach Nashville auf in die Sputnik Sound Studios, um Bellevue aufzunehmen, ihr Debütalbum für Label Ipecac Recordings, live im Studio mit Produzent Vance Powell (Jack White, Chris Stapleton, The Raconteurs). Mit ihrem intelligenten und durchdachten Songwriting folgen The Bobby Lees ihrem Instinkt als Musiker und Freunde und arbeiten gemeinsam an der Entstehung der Songs. Der Sound ist düster, minimalistisch und viszeral, jeder Song eine Ode ans Außenseitertum.

Release 21.10.2022

Wenn die Zeiten hart sind oder man sich zermürbt fühlt sehnt man sich nach einem Leben in vollständigem Frieden. Ein Leben, in dem es keinen Streit, keine Auseinandersetzungen und keine Lügen gibt. Ein Leben ohne Enttäuschungen und eines, in dem das eigene Handeln keine Konsequenzen hat. Manche würden es eine Fantasiewel" nennen. Das belgische Trio Brutus nennt es "Unison Life" - eine Formulierung, die auch den Titel ihres dritten Studioalbums ziert. "Unison Life" handelt von all den Dingen, die einen von vornherein zermürben. Es geht um die Abscheulichkeit, den Schmerz und die mutigen Taten, mit denen man das alles übersteht. Das Album beginnt mit einem Porträt der Zufriedenheit und entwickelt sich von dort aus weiter, bis es in die Schlacht zieht und die Frage stellt, was wirklich zählt. In ihren eigenen Worten: "Is this Unison Life a hoax? Or a quest?" Auf Unison Life zeigen sich Brutus von ihrer bewussten Seite. Sie haben sich mehr Gedanken über den Sound gemacht, was sich auch auf das Artwork (produziert von Mulders) und das Musikvideo zu "Liar" auswirkt. Da Brutus in den letzten Jahren nicht auf Tournee gehen konnten, haben sie ihre gesamte Energie in "Unison Life" gesteckt. Das Ergebnis ist ein eindrucksvolles Beispiel für eine Band, die Grenzen überschreitet und auf dem Höhepunkt ihres Könnens ist.

Release 21.10.22

Nur vierzehn Monate nach der Veröffentlichung ihres Debüts geben Dry Cleaning Details zu ihrem zweiten Album "Stumpwork" bekannt und bieten heute in Form der Single "Don't Press Me" einen ersten Vorgeschmack auf das neue Werk. "Don't Press Me" ist weniger als 2 Minuten lang und handelt von der Freude am Spielen und dem Genuss intensiver und kurzlebiger Erfahrungen ohne Schuldgefühle. Sängerin Florence Shaw sagt dazu: "Die Worte im Refrain sind entstanden, weil ich versucht habe, einen Song zu schreiben, den ich meinem eigenen Gehirn vorsingen kann: "You are always fighting me / You are always stressing me out". Das offizielle Animationsvideo wurde von Peter Millard erstellt, dessen naive Darstellungen der Band perfekt mit den Hooks und Riffs des Songs harmonieren. "Stumpwork", der Nachfolger von "New Long Leg" aus dem Jahr 2021, wird am 21. Oktober 2022 veröffentlicht. Das erste Studioalbum der Gruppe aus dem Süden Londons, das in nur zwei Wochen mit dem Produzenten John Parish in den kultigen Rockfield Studios aufgenommen wurde, wurde mit überschwänglichen Kritiken gefeiert und auch ein kommerzieller Erfolg: es erreichte Platz 4 in den UK Album Charts und enterte die deutschen Charts auf #85. Von diesem Erfolg beflügelt, kehrten Nick Buxton (Schlagzeug), Tom Dowse (Gitarre), Lewis Maynard (Bass) und Florence Shaw (Gesang) Ende 2021 ins ländliche Wales zurück und arbeiteten erneut mit Parish und dem Ingenieur Joe Jones zusammen. Die vertrauensvolle Zusammenarbeit im selben Studio mit demselben Team ersetzte den Druck und die Ängste durch eine neue Freiheit und Offenheit, und man traute sich aus den Komfortzonen heraus. Ein längerer Aufenthalt im Studio gab der Band die Zeit zu experimentieren, zu improvisieren, zu spielen und ihre Tischtennisfähigkeiten zu verbessern. "Stumpwork" wurde von einer Fülle von Ereignissen, Konzepten und politischen Debakeln inspiriert, sei es durch das eisige Durcheinander von Ambient-Elementen, die eine gewisse existenzielle Verzweiflung widerspiegeln, oder durch die überraschende Wärme, mit der das Leben von geliebten Menschen gefeiert wird, die im vergangenen Jahr verloren gingen. Die surrealistischen Texte stehen nach wie vor im Vordergrund - aber es gibt jetzt auch eine Sensibilität für die Themen Familie, Geld, Politik, Selbstironie und Sinnlichkeit. Wütende Alt-Rock-Hymnen verbinden sich auf dem Album mit Jangle-Pop und Ambient-Noise und zeigen die Fülle der Einflüsse, aus denen sich die Band speist, und ihre tiefe Musikalität. Mit dem Druck ihres Debütalbums im Rücken haben Dry Cleaning ein ehrgeiziges und sehr lohnendes neues Werk geschaffen, das sie als eine der intelligentesten und aufregendsten Bands Großbritanniens auszeichnet. Das Album- und Single-Artwork wurde von den multidisziplinären Künstlern Rottingdean Bazaar und der Fotografin Annie Collinge konzipiert und gestaltet. James Theseus Buck und Luke Brooks von Rottingdean Bazaar arbeiteten zum ersten Mal mit Dry Cleaning zusammen, als sie das offizielle Video zu 'Scratchcard Lanyard' drehten, und während ihre kreative Partnerschaft mit der Band weiter floriert, haben sie eine brillante und einzigartige visuelle Identität für Stumpwork geschaffen.

Release 21.10.2022

Die Floorbrothers schliessen aufgedrehte Amps mit der unverblümten Spontaneität eines rotzigen Kleinkindes kurz. Das Resultat: Energiegeladener Indierock, dessen Wurzeln Anfangs der 90er bei Bands wie Guided By Voices oder Pavement liegen. Um diese Spontaneität einzufangen, werden Floorbrothers-Songs selten mehr als einmal gespielt, bevor sie mit analogem Equipment aufgenommen werden.

Floorbrothers sind Reto Vogler (Git. / Voc. / Bass / Drums ) und Daniel Nievergelt (Git. / Voc. / Bass / Percussion / Piano). Beide gehörten zur Urformation der Band Disco Doom. Live treten die FLOORBROTHERS zusammen mit Daniel Hobi am Schlagzeug und Ronny Hunger am Bass auf.

Release 21.10.2022

Drei Jahre sind vergangen, seit Loyle Carner sein letztes Album "Not Waving, But Drowning" veröffentlicht hat. Vieles hat sich verändert, diese und seine Welt ist nicht mehr die gleiche. Da war viel Schmerz und Wut. Und daneben: Hoffnung, Schönheit, Licht. Loyle Carner hat sie alle gesammelt, die großen Emotionen der letzten Jahre und daraus gemacht, was er am besten kann: Musik. Dabei herausgekommen ist "Hugo", eine berührende Sammlung von Poesie und Geschichten über Familie, Identität und Gesellschaft, über Hoffnung im Angesicht des Schmerzes. Es ist ein Manifest, das in seiner ebenso persönlichen wie politischen Wirkung lange nachhallt. Seinen Ursprung findet das Album in Loyles junger Vaterschaft, seiner Mixed-Race-Identity und dem Sommer der Black-Lives-Matter-Proteste, die ihn mit der Frage nach seinem Platz in der Welt konfrontieren. Seine Suche führt ihn durch vielschichtige und lebendige Klangwelten, in denen berührende, tiefgehende Texte ihren Platz finden. Darin Fragen, Antworten, Anklagen und Versöhnungen. Loyle Carner eröffnet Konversationen, vor denen er sich zuvor zu sehr gefürchtet hatte. Er konfrontiert sich mit der schwierigen Beziehung zu seinem Vater, mit seiner Racial-Identity und der Verantwortung gegenüber seinem Sohn. Mit "Hugo" wächst Loyle Carner über sich selbst hinaus - als Künstler, Vater, Sohn und Person of Colour. Das Album wühlt auf, tröstet, gibt Hoffnung und Solidarität.

Release 21.10.2022

Das Trio aus London ist eine der spannendsten Bands des UK (Noise-)Rock Underground derzeit, hier also nach zwei Alben auf Harbinger Sound und einer weiteren der unzähligen EPs dieses Jahr nun Album Nummer drei auf dem Band-eigenen Label. Ihren Sound haben sie erweitert, sind noch düsterer geworden, als zusätzliches Instrumentarium gerne auch mal Bläser, Streicher, oder Eleni Poulou (The Fall) an den Tasten, und ihre Experimentierfreudigkeit bewegt sich zwischen Siouxsie & The Banshees, The Pop Group, 90er AmRep-Noise, und Killing Joke. Monotone, sehr britische Vocals, schneidende Sounds, schwere Dynamik und dystopische Klanglandschaften, zusammengehalten von einer minimalistischen Rhythmik, und viel Attitude. Tolle Band

Release 21.10.2022

Auch als Tape erhältlich (CHF 20.90)

Elio Ricca ist eine zweiköpfige Alternative/Rock Band aus St. Gallen. Schlagzeug, Gitarre und Gesang. Ihre Musik holen sie aus ihren Herzen, wo sich Psyche und Schmerz zu einem Alternative- Experimental- Bluesrock-Gemisch vereinen. Wenn sie ein Film wären, wären sie wahrscheinlich ein abwechslungsreiches low-budget Action-Drama, mit einigen Sex-Szenen und ohne Happy End.
Live kreiert das Zweiergespann Klangwände, die man sich sonst von fünfköpfigen Bands gewohnt ist.
Auf Platte lieferte «Lovely Underground» 2019 eine stimmige Momentaufnahme in elf abwechslungsreichen Songs. Das folgende Album, «Luna Park», erscheint am 7. Oktober 2022 bei Mouthwatering Records.

Release 21.10.2022 (CD am 4.11.2022)

Nick Hakim's neues Album bewegt sich zwischen R&B, Soul, Indie und Psychedelia. Dafür hat er sich mit seinem langjährigen Collaborateur, dem Produzenten und Ingenieur Andrew Sarlo, zusammengetan. Aber auch viele weitere Gäste wie Alex G, Isaiah Barr oder DJ Dahi, aber auch die Instrumentalisten Kyle Myles, Jake Sherman, Vishal Nayak, Joe Harrison und Dylan Day sind auf dem Album vertreten.

Release 14.10.2022

Die französischen Birds mit neuer Hammerscheibe, die alles verkörpert, was zeitgenössischer Hardcore-Punk sein kann und muss. Klanglich furchtlos, lyrisch poetisch und widerspenstig. 11 neue Tracks, die nach gegenseitigem Respekt in einer Welt immer extremerer politischer Spaltungen schreien und diese Forderung mit einem grandios inszeniertem Mix aus Punk, Post-Hardcore, Post-Metal und oldschool Hardcore untermauern. Was ein Brecher!

Release 14.10.2022

Jetzt nehmen sie aber ordentlich Fahrt auf! Lange war es still um die amerikanische Alternative-Rockband. Mehr als sechs Jahre hatten sich die Red Hot Chili Peppers Zeit gelassen, um neue Musik zu veröffentlichen. Im April 2022 erschien ihr insgesamt 12. Studioalbum "Unlimited Love", das die Herzen eingefleischter Peppers-Fans höher schlagen liess. Angetrieben von den Erfolgen des letzten Albums und wohl von der kreativen Muse geküsst, hat die Band unermüdlich an einem weiteren Album, ihrem 13ten gearbeitet, das wiederum auch Rick Rubin produziert hat!

Release 21.10.2022 (CD am 28.10.2022)

Das Album der Südlondoner Band, das kurz nach ihrer 2020 beim Ninja Tune-Sublabel Big Dada (u.a. Yaya Bey, Young Fathers oder Diplo) veröffentlichten EP, "Toner", erscheint, verbindet den Pulsschlag elektronischer Musik mit der rohen Energie eines lebensbejahenden Konzerts und offenbart mehr über das Trio, als sie bisher je preisgegeben haben. Die elf mitreißenden Tracks der Gruppe, bestehend aus Ella Harris und Josh Baxter (die sich Leadgesang sowie Synthesizer-, Gitarren- und Produktionsarbeit teilen) sowie Schlagzeuger und Perkussionist Louis Satchell, basieren auf einer Formel aus Acid, Disco, knallenden Synthesizern, der Befreiung des Dancefloors und kathartischem Spoken Word-Post-Punk. Das Album ist reich an schwergewichtigen Industrial-Beats, zerklüftetem Punk-Spirit und Momenten stiller Kontemplation durch Harris' poetische Lyrics. Das Album rennt unermüdlich vorwärts und verbindet Einflüsse wie Portishead, PC Music, Laurie Anderson und das kultige Rave-Pop-Duo The Pom-Poms mit Leichtigkeit.

Release 7.10..2022

Ein intensives, durch die Dunkelheit wandelndes Album von Sophie Löw, 26-jähriger Singer/Songwriterin, die mit ihrer charakteristischen Stimme und ihren bemerkenswerten Texten als Sängerin der Wiener Band Culk vorsteht. Im musikalischen Zentrum des unter die Haut gehenden Soloalbumdebuts steht das Klavier, das mal düster, mal glamourös-melodiös die Songs trägt und Sophia´s mit eher leiser, zurückhaltender, aber im Ausdruck atemberaubender Stimme erzählten Songs über Angst, Selbstbestimmung, Gewalt und Schwesternschaft mit Zusätzen von auch Streichern und dezent eingesetzter Electronic umhüllt wie enthüllt. Ein dunkles, tiefgründiges Kammerpop-Meisterwerk mit einer ähnlichen Ausdruckskraft wie das Debutalbum "Lovetunes for Vakuum" der ebenfalls aus Österreich stammenden Soap & Skin.

Release 14.10.2022 - Vinyl am 28.10.22)

Auch als Ltd.-Cloudy white Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Der Grundstein für ihr Debutalbum wurde vor zwei Jahren gelegt, als Helen Ballentine einen Song gleichen Namens komponierte und aufnahm. Im Gegensatz zu den meisten anderen Songs wurde dieser auf dem Klavier geschrieben, dem erklärten Instrument ihrer Kindheit. Während Ballentine im Sommer 2021 den Rest des Albums schrieb, flogen ihr Visionen aus ihrer Jugend zu, wie die Fledermäuse vom Dachboden, während sie in der schwülen, stickigen Hitze durch ihre Wohnung in Los Angeles lief. Das Bild eines Hauses entstand in Ballentines Kopf, als sie die innere Welt ihrer Songs mit den äußeren Räumen, die sie jetzt umgab, zusammenfügte. Sie dachte dabei viel an ihre Kindheit in Mount Vernon, NY, die sie als größte Inspiration für die Platte bezeichnet.*

Release 14.10.2022

Das neuseeländische Quartett hat es exquisit raus, klassischen Indierock mit viel Liebe zu Details, ungewöhnlicher Melodik und Rhythmik so zu verpacken, daß die alte Tante im knackigen Look für aufregendes Aufsehen sorgt. Prägnante Hooklines wechseln mit trickreichen Passagen, untermauert vom Down Under-affiner Gitarrenrock-, Skuzz- und Power Pop-Verwurzelung mit 60s-affinen mehrstimmigen Backgroundgesangspassagen. Auf dem 3ten Album positioniert sich die gesanglich narrativ-melodiös agierende Elizabeth Stokes irgendwo zwischen Roman-Autorin und Dokumentaristin. Die Songs sind autobiografisch, aber sie beinhalten auch Charakterskizzen von Beziehungen - platonisch, familiär, romantisch - und vor allem deren Nachwirkungen. Die Formen und Gespenster, die in der Abwesenheit zurückbleiben. Die Frage, die im Raum steht: Was macht man mit der Vertrautheit die man mit einer Person erlangt hat, wenn sie aus dem Leben verschwunden ist? Das Album wurde größtenteils im Studio von Gitarrist Jonathan Pearce in der Karangahape Road in Tãmaki Makaurau, Aotearoa (Auckland, Neuseeland) aufgenommen - und manchmal auch im höhlenartigen Treppenhaus des Gebäudes um 1 Uhr morgens - gegen Ende des Jahres 2021, bis sie durch den viermonatigen nationalen Lockdown unterbrochen wurden.

Release 7.10.2022

Es heißt, dass, wenn man zwei Minds zusammenbringt, immer ein dritter Mind entsteht, ein dritter überlegener Mind, ein unsichtbarer Kollaborateur", so haben es einst William S. Burroughs und Brion Gysin zusammen in ihrem Buch "The Third Mind" formuliert und müssen dabei so etwas wie "Duo Duo", das zweite Album von The Düsseldorf Düsterboys im Kopf gehabt haben. Denn wie sich hier Peter Rubel und Pedro Goncalves Crescenti an ihren Klampfen zärtlich die Worte zuspielen, sich im Vortrag ganz selbstverständlich und voller Liebe für die Musik abwechseln, mal in die zweite Stimme wechseln und wieder zurück in den Leadgesang, das klingt eben alles so viel größer als nur zwei Menschen, die zusammen ein paar Lieder für uns spielen. Wie scheinbar unbeschwert sie uns teilhaben lassen an ihren assoziativen Sprüngen zwischen lässigen Alltagsbeschreibungen und wunderschöner Poesie, zwischen Kopfkissen und Metaphysik, oder um es mit den Düsterboys und dem Album-Opener "Stars/Sternchen" zu sagen: "So viel gesagt, so viele Wolken. In meinem Zimmer vergeht ein halber Tag! Take me higher!"

Release 14.10.2022

Der Song "What Would You Like Me To Do" ist ein disharmonisches, pochendes und von kraftvollen, ineinandergreifenden Gitarren durchzogenes Stück, in dem Gitarrist und Sänger Chris Sutter die Ansprüche von Boomern und alten, weißen Männern in Amerika aufs Korn nimmt. Über den Track sagt er: "Der Titel ist offen und kann aus beiden Perspektiven kommen - aus der eines alternden Mannes, der sich fragt, wo sein Platz in einer fortschreitenden Welt ist, sowie aus der der Menschen, die mit diesen Männern interagieren und ihnen dienen - "Was können wir für Sie tun?"

Release 14.10.2022

Sarah Shook´s neue Band. Klanglich haben wir in den 90er Jahren einiges richtig gemacht - stampfende, von Wutgetriebene Queer-Bands, verschwommene, überpedalisierte Gitarren, Poesie, die man aus voller Brust gegen die Windschutzscheiben unserer Autos aus zweiter (oder dritter oder vierter) Hand brüllen kann. Generell haben wir aber auch viel falsch gemacht. Sarah Shook's neues Soloprojekt "Mightmare" findet einen Weg, die Klänge, ohne die wir nicht leben konnten, in eine Antwort auf die Dinge zu verwandeln, mit denen wir nicht leben konnten, und konfrontiert dabei ihre Gewohnheiten und die Regeln, nach denen sie leben. Die Cruel Liars von Sarah Shook, die für ihre Arbeit bei Sarah Shook and the Disarmers bekannt ist, bringen neben dem dringenden Bedürfnis, sich selbst auszudrücken, auch knackig sauberen, country-angehauchten Gesang auf den Tisch. Die Platte markiert den Prozess der Sinnfindung in Räumen außerhalb von Geschlecht, Alkoholkonsum oder Protokollen und schleudert sich selbst zu etwas sowohl konzeptionell Bemerkenswertem als auch zu einem einfach erheiternden, verkörperten Knockout.

Release 7.10.2022 (Vinyl-Release 25.10.22)

Auch als Girl Band nahmen sie keine Gefangenen und gingen immer wieder gerne bis zum Äussersten. Das dritte Album der zur Gilla Band umbenannten Girl Band frönt grandiosen Gitarren-Riffs zwischen Noise und Disharmonik, immer wieder verfallen sie eindrucksvoll einer an den Rand einer Art Art-Punk-Industrial heranreichenden Ausdrucksform der Lautmalerei mit einem fantasievoll und agitatorisch eingesetzten Arsenal aus (Stör-) Geräuschen von Gitarren und Synthsounds. Lament-Gesang mit mal gesprochenen, mal auch lauten, geschrienenen, mal auch entfremdend gurgelnden Passagen und den skurrilen Alltags-Stories von Frontmann Dara Kiely sorgen dafür, dass das Adrenalin immer in der Bahn gehalten wird. Die Drums sind das Rückgrat auf diesem brodelnden Album, das sowohl experimentell daher kommt, aber auch mit fast tanzbaren, minimalistisch-schrägen Anleihen an UK-Post-Punk a la TV Priest oder Squid.

Release 7.10.2022

Das schwarze Album von Kevin Kuhn (Schlagzeug), Julian Knoth (Bass und Gesang) und Max Rieger (Gitarre und Gesang). Kein Wolf ziert das Cover, nein: ein schwarzer Schäferhund vor schwarzem Grund. Das Album ist auch ein Stimmungsbild. Und in der konsequenten Wortschatzverkleinerung ihrer Texte, die vage genug bleiben, um in der chaotischen Komplexität der Gegenwart Impulse zu setzen, ist die Musik auch Sprachrohr für ein Unbehagen geworden, mit dem man sich in jedem ihrer Stücke identifizieren kann: Zehn in Form und Inhalt vollendete Gegenwartsbetrachtungen mit Schaum vor dem Mund, die schließlich als vereinfachte Erzählungen mit Edding auf ein weißes T-Shirt geschrieben werden, so dass die Farbe durchdrückt und sich auf der zwischen Wut und Angst aufgebracht pumpenden Brust verewigt. "Europa" und "Ich Sterbe jeden tag in Deutschland" - wie alle Texte 2018/19 entstanden und somit irritierend visionär - offenbaren die Nerven als Teil einer behüteten Generation, die zu ahnen beginnt, dass ihr noch ganz andere Zeiten bevorstehen, und dass das erlebte Leid der Anderen untrennbar mit den eigenen Privilegien zusammenhängt. Deshalb: "Keine Bewegung"; vielmehr: Passivität und Ohnmacht ob der sich zuspitzenden Zustände, konterkariert durch die Wucht des Songs! "Alles reguliert sich selbst" entlarvt den Slogan als Lüge, macht das Kippmoment ins unausweichliche Chaos spürbar. "Ganz egal" erzählt sardonisch von der Sattheit einer Generation und vertont die Energie einer Auflehnung gegen diesen Zustand. Im Perspektivwechsel dann erleben wir - mit einem gewissen Zynismus erzählt -, wie die bis hierhin gewonnenen Erkenntnisse die Sozialen Medien überfordern und in ihnen eine übelschmeckende, narzisstische Dekadenz aufdecken: "Ein Influencer weint sich in den Schlaf" . Am anderen Ende werden wir ganz unabwendbar "Der Erde gleich" - und der Existentialismus, der die Nerven stets getrieben hat, findet zu einer gewaltigen Songkraft.

Release 7.10.2022 (Vinyl am 28.10.2022)

'"Forever Blue" war 2020 das Albumdebüt der in London lebenden Singer-Songwriterin; ein dramatischer und intimer Spaziergang auf der dunklen Seite, der Post-Rock und Klassikelemente miteinander verschmolz. Die im letzten Jahr folgende EP 'arco' war eine Neuinterpretation von Williams’ selbstbetitelter, erster EP, bei der die Multi-Instrumentalistin auch die Arrangements für ein zehnköpfiges Streicher-Ensemble schrieb. Das Ensemble kehrt für 'As The Moon Rests' zurück und verstärkt so auf den elf Songs die filmischen Dimensionen und das spürbare Drama des Albums.

Release 7. Oktober 2022

Anaïs Mitchell, Eric D. Johnson, und Josh Kaufman sind Bonny Light Horseman. Ihr nun zweites Album ist der Nachfolger zum gefeierten selbstbetitelten Debüt von 2020, welches zwei Grammy-Nominierungen und unzählige positive Reviews einsammelte. Produziert von der Band selbst zeigen eine Folkband, die zusammengewachsen ist-die 11 Song zeigen dies eindrucksvoll. Sie folgen den Pfaden der traditionellen Melodien, die die Band schätzt, zu neuen musikalischen und lyrischen Grenzen, und geben den Klängen und Situationen der Geschichte die Schwere und Form der Gegenwart. Rolling Golden Holy bestätigt, dass Bonny Light Horseman kein Projekt, sondern eine Band ist, und zwar eine, die derzeit an der Spitze des modernen amerikanischen Folk arbeitet.

Release 7.10.2022

Aus der Sicht von Patrick Watson: 'Dieses Album handelt davon, sich in einer Welt zurechtzufinden, in der man nicht mehr weiß, was real ist. Ich habe viel Zeit mit Lesen verbracht, um meine Texte zu verbessern. Ich war sehr inspiriert von Jesus' Son von Denis Johnson, The Waves von Virginia Woolf und Fever Dream von Samanta Schweblin. Durch die Hinzunahme modularer Synthesizer konnten wir einen wärmeren und berührenderen Ansatz für die Elektronik finden, die sich genauso akustisch anfühlt wie der Rest der Instrumente und sich wie eine Flüssigkeit bewegt. Andrew Barr von den Barr Brothers hat uns am Schlagzeug unterstützt, es ist ein Vergnügen, mit einem so großartigen Musiker Musik zu machen.'

Release 7.10.2022

Auch als Ltd.-Indies Only Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 41.90)

Riesiges und wunderschönes, ausladendes Werk, das eine seltene und reflektierende Kraft besitzt - wurde von Aaron Dessner (Taylor Swift, The National) produziert und erscheint am 7. Oktober über Sacred Bones. Das Album, bei dem Indigo Sparkes kraftvoller Gesang im Mittelpunkt steht, ist vollgepackt mit großen Gitarren und einer vielschichtigen Instrumentierung, die praktisch als Lunge des Albums fungiert und jeder Note Atem verleiht. War ihr Debüt "Echo" von der intimen, spektralen Herangehensweise der Produzentin Adrianne Lenker geprägt, so ist "Hysteria" vergleichsweise vollmundig und warm wie ein loderndes Feuer, da Dessners kunstvolle Instrumentierung Sparkes Songwriting perfekt ergänzt. Das Ergebnis ist Musik, die zeitlos klingt.

Völlig zeitlos tönt das dritte Album des gemeinsamen Bandprojekts von Shins-Sänger James Mercer und Danger Mouse. Ein herrlicher, knisternder Sound, der sich nicht nur gerne in den 60er und 70er Jahren bedient: bei barockem Psych-Pop mit Gainsbourg´schem Knack-Bass genauso wie bei mit Streichern instrumentiertem Soul, der mit weitem Blick durch die Prärie streift und nicht von dieser Welt zu sein scheint("We´re not in Orbit"), auch leidenschaftlich schwelgende Akustik-Folk-Songs wie "Invisible Exit" oder von Piano und Bläsern melancholisch untermalte Soul-Smoothies wie "Love on the Run" gehören zum Ouevre. "One Night" unternimmt dann nämlich mit leichtem Synth-Pop-Einschlag einen Ausflug in die 80er und mit dem sich um sich einen Breakbeat und einen coolen Gitarrenriff plus Streichern drehenden "Saturdays" werden eindrucksvoll die 90er aufgesogen, auch "Forgotten Boy" und "The Chase verstrahlen himmlischen Glanz dank Streichern im Zusammenspiel mit Orchestergeigen und coolen Drums und einem exquisit performenden Mercer upfront.

Release 30.9.2022

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.90)

Nachdem Karen O, Nick Zinner und Brian Chase sich kürzlich mit ihrer ersten neue Musik seit über neun Jahren zurückgemeldet hatten, sind sie nun offiziell mit ihrem 5ten Album zurück.

Release 30.9.2022

Zum zehnten Mal lädt die aussergewöhnliche isländische Sängerin und Künstlerin auf Albumlänge ein in ein musikalisches Universum jenseits der Vorstellungen. Der Titel bedeutet "Gräberin". Wie bei jedem ihrer Alben war ein Gefühl der Ausgangspunkt, für das ein Sound geformt werden soll. Dieses Mal war es"das Landen auf der Erde, dieses Gefühl, die Füße in den Boden zu graben". Zwar betont Björk, daß es auf dem Album um Bass und schwere Tiefen gehe (deshalb sind auch sechs Bassklarinetten vertreten), allerdings scheint vielmehr die Stimme, ihre Doppelungen und das kunstvolle Spiel mit ihr und dem isländischen Hamrahlid Chor wichtig zu sein, denn einige Songs kreisen auf verscheidne Weisen um Gesänge (z. B. "Sorrowful Soil"). Streicher, Bläser, Gongs, Industrialbeats und elektronische Texturen gehören ebenfalls zu den Mitteln, die Björk einsetzt, um ihre stimmlich exaltiert und wie immer wundersam speziell vorgetragenen Songs zu illustrieren und zu illuminieren. Gäste sind der spanische Musiker El Guincho, Serpentwithfeet, die norwegische Sängerin Emilie Nicolas, Schauspielerin Soraya Nayyar, das Siggi Streicherquartett, das Klarinettensextett Murmuri und das indonesische Dance-Duo Gabber Modus Operandi sowie. Björks Sohn und Tochter Sindri und Isadóra mit Hintergrundgesang.

Release 23.9.2022

Auch als Tape erhältlich (CHF 22.90)

Auf dem vierten Album tritt der Kraftklub die Flucht nach vorne an mit zumeist im Uptempo gehaltenen Songs mit druckvollen Bässen, offenherzig angeschlagenen Gitarren im Angriffsmodus mit viel Postpunkflair und vielstimmigen, gut in die Ohrwindungen mehrstimmigen Refrains. Immer wieder coole Stops und ruhigere zwischen geschalteten Passagen, die für Würze und Dynamik sorgen. Umso energetischer reiten sie dann wieder durch die Nacht und über die Strassen mit Texten rund um die eigene Lebenslage, gegen Nazis und die Gesellschaft. Zackige Rhythmik, eingängige Refrains und fette Gitarren.

Release 30.9.2022

Das neue 8te Album klingt reifer und dabei kein bisschen weniger (ein-)dringlich: Abgründiger Folk-Sound trifft auf opulenten Ballroom-Pop und brutalen Rock, angefeuert von zurückliegenden Fehltritten und Affären, von kosmischen Kräften und der Idee eines digitalen Lebens nach dem Tod, um diese Leerstelle in der göttlichen Vorsorge auszufüllen. Zugleich braut sich in den Nachrichten mit jedem Tag ein neuer Sturm zusammen… "Wir sind auf jeden Fall gewachsen", sagt Gitarrist Joey Santiago. "Die Songs sind auch nicht mehr unter zwei Minuten lang. Es gibt jetzt kleine Breaks, eher klassische Arrangements – aber natürlich geben wir den Songs immer noch unseren ganz eigenen Twist." "Wir wollten etwas machen, was richtig groß und mutig klingt – und auch klar orchestriert ist", kommentiert Sänger/Gitarrist Black Francis. "Ich liebe es zwar, diese ganzen Punksachen zu spielen, aber man kann den Scheiß auch gar nicht künstlich entstehen lassen. Es gibt auch andere Möglichkeiten, sich auszudrücken … es gibt andere Wege, diese besondere Energie einzufangen, die uns ausmacht.". Besagte Energie ist schon auf "There’s A Moon On" zu spüren, wenn sie die Grauzone zwischen klassisch-schrillen Pixies-Gitarren und Old-School-Rocksound füllen. Inhaltlich oszilliert der Song zwischen Tatsachen und Legenden, indem sie die Auswirkungen des Mondzyklus auf die menschliche Psyche thematisieren – und der Adrenalinspiegel offensichtlich steigt während der Vollmondphase: Immerhin werden die Angetrunkenen an der Bar von Francis’ Bruder zunehmend unentspannt und aggressiv… Auf dem neuen Album vermählen Pixies immer wieder Abgründiges und Schönes: "Haunted House" erzählt über einem Pop-Fundament mit Fifties-Einschlag von Geistern, die mal metaphorisch, mal sehr real wirken; der introspektive Wüstenrock von "Vault Of Heaven" erinnert an Morricone, und der "Pagan Man" kommt vergleichsweise leichtfüßig mit seiner Folkrock-Melodie daher. Andererseits haben Pixies immer noch dieselbe Härte, dieselbe zügellose Energie: Das hört man im surrealistischen Rundumschlag "Nomatterday" oder dem an The Who erinnernden Nachdruck von "Dregs Of The Wine", was ganz sicher der erste und letzte Song dieser Band sein dürfte, in dem sogar Van Halen namentlich genannt werden.

Release 30.9.2022

Die US-amerikanische Metal-Band aus Des Moines mit neuem Album. Im Jahr 2019 erschien ihr letztes Studioalbum "We Are Not Your Kind". Einen ersten musikalischen Vorgeschmack auf das neue Album lieferte Slipknot mit der vorab veröffentlichten Single "The Chapeltown Rag", bei der die maskierten Mannen in gewohnter Slipknot-Manier auftreten und jedes Metal-Herz höher schlagen lassen. Aber auch das kommende Album soll vielversprechend werden.

Release 30.9.2022

Jesca Hoop kehrt mit ihrem sechsten Album zurück, einem Album, das ihre Position als eine der markantesten und originellsten Stimmen der zeitgenössischen Musik verstärkt. "Order of Romance" ist Hoops bisher kompliziertestes und fein ausbalanciertes Album, das sich auf klassisches Songwriting stützt und an Gersh win bis Paul Simon erinnert, aber gleichzeitig etwas schafft, das unverkennbar und unauslöschlich Jesca Hoop ist. Der erste Vorab-Song ist das grandiose "Hatred Has a Mother". Die Idee dazu entstand, als Jesca Hoop Anfang 2020 mit Ani Di Franco durch die USA tourte. Beim Beobachten am Bühnenrand fiel Hoop der Satz "Revolutionary Love" aus Di Francos damals unveröffentlichtem gleichnamigen Song auf, der wiederum als Antwort auf "See No Stranger: A Memoir and Manifesto of Revolutionary Love" von Valarie Kaur geschrieben wurde. Kaur beschreibt revolutionäre Liebe als die Entscheidung für andere die nicht so aussehen wie wir, für unsere Gegner die uns verletzen, und für uns selbst in die Arbeit zu gehen. Revolutionäre Liebe ist eine Kraft für Gerechtigkeit und eine Freiheit vom Hass. Hoop nimmt mit Hatred Has a Mother den "Staffelstab" auf um sich der Praxis der revolutionären Liebe zu widmen und sie an die Zuhörer weiterzugeben.

Release 30.9.2022

Dass sie dem Rock´n Roll-Lifestyle den Rücken zuwenden würden, kann man der erfolgreichsten Austro-Pop-Band der Gegenwart nicht vorwerfen. In "Rocking in Wien" zieht Sänger marco Wanda zu allerdings Keyboard und dicken Backgroundchor Alkohol und Zigaretten dem allgemein grassierenden Gesundheitswahn vor. Nach Amore, Bussi, Niente, Ciao! steht das fünfte Album an, das um die Themen Leben, Sehnsucht, Liebe und Tod kreist

Release 23.9.2022

Das texanische Exoten-Trio und der malische Gitarrist mit gemeinsamem Album zu Ehren von Vieux´s Vater Ali Farka Touré. Der "König des Wüstenblues" galt als einer der renommiertesten und talentiertesten Gitarristen, die Afrika je hervorgebracht hat. Das Rolling Stone Magazin wählte den 2006 verstorbenen Musiker unter die einhundert besten Gitarristen aller Zeiten. In Alis Sound verschmolzen traditionelle malische Musikstile mit verschiedenen Elementen des Blues, wobei er in den lokalen Sprachen Songhay, Tamasheq, Fulfulde und Bambara sang. Das Ergebnis war die Schaffung eines bahnbrechenden neuen Genres, das heute als "Wüstenblues" bekannt ist und Ali drei Grammy-Auszeichnungen, weltweite Anerkennung und den Spitznamen "afrikanischer John Lee Hooker" einbrachte. Die Kollaboration zollt Alis Vermächtnis Tribut, indem sie einige seiner wirkungsvollsten Werke neu interpretiert und mit verschiedenen Sounds experimentiert, ohne die Integrität des Originals zu vernachlässigen. Das Ergebnis ist eine würdige Hommage an eine Legende, die eine erfrischende westafrikanische Mischung aus musikalischen Referenzen schafft, von der das Duo hofft, dass sie neue Generationen und ein neues Publikum erreicht.

Release 23.9.2022

Selbst für eine Band wie Editors, die kreativ noch nie auf der Stelle getreten ist, stellt das neue Album ´EBM´ einen atemlosen und mächtigen Schritt über den gewohnten Band-Sound hinaus dar. Wir werden Zeuge eines mitreißenden, unerbittlichen Vorstoßes von vollmundigem Elektro-Industrial-Rock. Der Albumtitel ist ein Akronym aus Editors und Blanck Mass - deren Kopf Benjamin John Power für ´EBM´ festes Bandmitglied wird - aber auch eine wissende Anspielung auf Electronic Body Music, den kraftvollen Sound, der in den 1980er Jahren entstand und das neue Material von Editors stark beeinflusst hat. Hier hämmern die Synthesizer von Bands wie Nitzer Ebb, Front 242 und DAF düster inmitten von Nebelmaschinen, Stroboskoplicht und dem Geruch von Leder.

Release 23.9.2022

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Nach sechs Jahren ein neues Album der seit Anfang der 90er Jahre aktiven britischen Folktronica-Künstlerin

Release 23.9.2022

Ende 2011 lernte Makaya McCraven die Gründer des Chicagoer Labels International Anthem kennen, die zwischen 2012 und 2013 eine Reihe von improvisierten Jazzabenden mit seiner Combo im Bedford veranstalteten und aufnahmen, einem Club, der in einem ehemaligen Kellergewölbe einer Bank lag. McCraven nahm dort 48 Stunden lang auf und formte diese Aufnahmen zu Hip-Hop-Beats, nicht unähnlich der Art, wie Teo Macero Miles Davis Album "On the Corner" zusammengesetzt hat. Damals betrachtete McCraven das Projekt, aus dem 2015 die Doppel-LP "In The Moment" hervorging, als eine Gelegenheit, neue Kontakte zu knüpfen. Makaya über diese Zeit: "Ich wollte ein junges Publikum für diese Musik finden und begeistern. Es fühlte sich einfach wie die richtige Zeit und der richtige Ort an, an dem ich wirklich mit den Leuten in Kontakt treten konnte." Dieser Gedanke erwies sich als prophetisch: Die JazzTimes nannte das Album "eine der faszinierendsten Veröffentlichungen des Jahres", der britische Radio-DJ Gilles Peterson von BBC 6Music wählte es zum "Album der Woche", während PopMatters, NPR und die Los Angeles Times es in ihre "Best of 2015"-Listen wählten. McCraven verfeinerte seine Prozesse der Live-Improvisation und des Samplings 2017 mit "Highly Rare" (entstanden aus einem Live-Set, das in Danny's Tavern in Chicago aufgenommen wurde), 2018 mit "Where We Come From" (CHICAGOxLONDON Mixtape), das aus Aufnahmen eines intimen Showcases im Londoner Total Refreshment Centre entstand, und "Universal Beings" (ebenfalls 2018 veröffentlicht). "Universal Beings", das aus erweiterten Live-Sessions in Chicago und New York sowie Pop-up-Studio-Sessions in London und Los Angeles besteht, spiegelt sein grenzenlosen und multinationalen Soundkosmos konkret wider. Für das Werk wurden verschiedene internationale Musiker eingeladen, darunter Nubya Garcia und Shabaka Hutchings aus London, Junius Paul und Tomeka Reid aus Chicago, Anna Butterss und Miguel Atwood-Ferguson aus Los Angeles sowie Brandee Younger und Dezron Douglas aus New York. In der Zwischenzeit hat Makaya McCraven Gil Scott-Herons letztes Album "I'm New Here" unter dem Namen "We're New Again: A Reimagining by Makaya McCraven" neu arrangiert, veröffentlichte "Universal Beings E+F Sides" (2020) und wühlte sich für "Deciphering the Message" durch den ehrwürdigen Katalog von Blue Note Records, wobei er bei jedem Projekt neue Improvisationen und Samples einsetzte, die seinen Ruf als "Beat Scientist" weiter festigten. Gleichzeitig sammelte er Ideen für "In These Times". Das Album ist eine Sammlung von polytemporalen Kompositionen, die sowohl von breiteren kulturellen Kämpfen als auch von McCravens persönlichen Erfahrungen als Produkt einer multinationalen Musikergemeinschaft der Arbeiterklasse inspiriert ist. Ganze sieben Jahre brauchte McCraven von der ersten Idee bis zum finalen Album. Immer kam etwas dazwischen. Wie etwa "Universal Beings" was konzeptionell einfach schneller entstand. "In These Times" hat einfach mehr Zeit gebraucht, um zu dem zu reifen, was es schließlich geworden ist. "In These Times" ist Makaya McCravens erhofftes Großwerk geworden, das seine musikalischen wie persönlichen Einflüsse zusammenbringt und einmal mehr beweist, warum er als einer der einflussreichsten Musiker des neuen Jazz gilt. Aus einem Versprechen für die Zukunft, ist einer der wichtigsten Musiker im Hier und Jetzt geworden

Release 23.9.2022

Auch als Ltd.-Red Galaxy Vnyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Neues Album von Luis Vasquez, das von den ekstatischen Freuden und lähmenden Tiefen des Lebens handelt und davon, dass das Durchhalten und die Existenz manchmal alles ist, was wir haben. Der Grund, warum das Album für Vasquez so persönlich ist, liegt darin, dass sich sein Leben während der Entstehung des Albums stark verändert hat. Er verließ Berlin, sein langjähriges Zuhause, und zog in den Joshua Tree, um während des Lockdowns musikalisch und persönlich etwas Freiraum zu finden. "I had a ton more freedom than I've ever had", sagt er. Zum einen konnte er tatsächlich Schlagzeug spielen, was er zuvor aus Platzgründen nie tun konnte. Sogar sein erstes Album, das von seinem flüsternden Gesangsstil geprägt war, hatte mit seiner Nachbarschaftssituation zu tun. Das deutlichste und symbolischste Ergebnis davon ist der markante, kraftvolle Gesang von Vasquez, der wahrhaftig jemanden einfängt, der Vertrauen in seine eigene Stimme gewinnt.

Release 23.9.2022

Auch als Ltd.-Indies Only Vinyl-Edition (CHF 34.90) und Tape (CHF 19.90) erhältlich.

"Gott" taucht im Titel der LP und in mehreren der dreizehn Tracks auf, nicht als konkrete religiöse Entität, sondern als Zeichen für ein allgemeines Gefühl des Glaubens (an etwas, irgendetwas), das Giannascoli oder die von ihm verkörperten Figuren in den oft schwierigen Situationen der Lieder stärkt. Giannascoli hat sich in den letzten Jahren zu Musikern wie Gillian Welch und Schriftstellern wie Joy Williams hingezogen gefühlt, zu Künstlern, die das Öffentliche und das Hermetische ausbalancieren und die den Glauben eher als eine gemeinsame soziale Sprache denn als religiöse Doktrin darstellen. Indem er seine Erfahrungen durch Fakten und Fiktion filterte, öffnete Giannascoli die Songs auch durch eine praktischere Methode: Kollaboration. God Save the Animals enthält mehrere individuelle Beiträge von seinen Bandmitgliedern (Gitarrist Samuel Acchione, Schlagzeuger Tom Kelly und Bassist John Heywood) oder seiner langjährigen Kollaborationspartnerin Molly Germer an den Streichern und/oder am Gesang. Wie bei allen Platten, die er seit seiner Jugend aufgenommen hat, schrieb und probierte Giannascoli die Songs von God Save the Animals allein zu Hause aus; aber um neue Töne zu finden und um während der Pandemie "eine Routine außerhalb meiner Wohnung" zu haben, begann er, mehrere Studios im Großraum Philadelphia zu besuchen. God Save the Animals" enthält daher die Arbeit von etwa einem halben Dutzend Toningenieuren, die Giannascoli gebeten hatte, ihm zu helfen, die "beste" Aufnahmequalität zu erzielen, was immer das auch heißen mag. Das Ergebnis ist ein Album, das in seiner Klangpalette und seiner durchgehenden Komplexität dynamischer denn je ist.

Release 16.9.2022

Wilderness of Mirrors verfeinert gekonnt den psychedelischen Rock der Black Angels mit einer Vielzahl faszinierender Sounds und Texturen. Neben melancholischen, von Akustikgitarren getragenen Experimenten gibt es auch klassische Fuzz-Gitarren, die die Ohren anregen und den Geist anregen. Auch Mellotron, Streicher und andere Keyboards spielen auf Wilderness of Mirrors eine größere Rolle als je zuvor. Selbst inmitten dieser neuen Experimente bleiben die Black Angels ihren Psych-Rock-Ahnen wie Syd Barrett, Roky Erickson, Arthur Lee und den Mitgliedern von Velvet Underground meisterhaft treu, die alle auf dem Album-Highlight "The River" namentlich erwähnt werden.

Release 16.9.2022

Nach einem Jahrzehnt kehren The Mars Volta mit einem neuen Album zurück, das ihr Selbstverständnis radikal reformiert. The Mars Volta wurden 2001 von Gitarrist/Komponist Omar Rodríguez-López und Sänger/Texter Cedric Bixler-Zavala gegründet und gingen aus der Punk-Rock-Band At The Drive-In aus El Paso hervor. Mit dem Ziel, "unsere Wurzeln und unsere Toten zu ehren", schufen The Mars Volta Musik, die die lateinamerikanischen Klänge, mit denen Rodríguez-López aufwuchs, mit dem Punk und Underground-Lärm, in den er und Bixler-Zavala jahrelang eingetaucht waren, und den futuristischen Visionen, die sie verfolgten, fusionierte. Die folgenden Alben waren einzigartige Meisterwerke, deren Songs von atemberaubender Komplexität und zugleich von kraftvoller emotionaler Unmittelbarkeit geprägt waren. Nachdem die Gruppe verstummt war, hielt eine Vielzahl von Fans (darunter Kanye West) die Trommel für ihre Rückkehr aufrecht. Das neue Album schüttelt einige der langjährigen Traditionen von The Mars Volta ab: Nur zwei Stücke sind länger als vier Minuten, und der schwindelerregende, abrasive Prog-Stil der früheren Alben ist nicht vertreten. Stattdessen pulsiert "The Mars Volta" mit subtiler Brillanz, karibische Rhythmen untermauern die ausgefeilte, turbulente Songkunst. The Mars Volta agieren in ihrer reifsten, prägnantesten und konzentriertesten Form. Die unterschwelligen Pop-Melodien von Rodríguez-López treiben Bixler-Zavalas düstere Sci-Fi-Geschichten über das Okkulte und böswillige Regierungen an, die ihren Sound und ihre Wut auf das Beste kanalisieren. The Mars Volta" destilliert all die Leidenschaft, Poesie und Kraft, die sie in ihren Fingerspitzen haben, und ist die zugänglichste Musik, die die Gruppe je aufgenommen hat.

Release 16.9.2022

Auch als Ltd.-Pink Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 41.90)

Die US-amerikanische Indie-Rock-Band aus Bellingham lässt zu ihrem doppelten runden Jubiläum eine Wiese auf dem Asphalt erblühen: "Asphalt Meadows" lautet der Titel des 10. Studioalbums im 25. Jahr des Bandbestehens.

Release 16.9.2022 - CD am 7. Oktober 2022

Auch als Tape (CHF 21.90) und Ltd.-Picturedisc-Vinyl (CHF 44.90) erhältlich .

13. Studioalbum - eine knallharte Zusammenfassung all dessen, was die Band großartig macht, und ein weiterer großer Sprung nach vorne in Richtung Langlebigkeit der Karriere. Neue Knaller wie 'Red Alert (Boss Metal Zone)', 'Nosferatu Madre', 'Skeletons on Mars', 'Jackhammer Our Names' und 'Mercy Brown' nehmen ihren rechtmäßigen Platz neben Clutch-Klassikern ein. Sunrise On Slaughter Beach ist der natürliche Höhepunkt dessen, was Clutch als Teenager in den frühen 90ern begannen. Das Album wurde im The Magpie Cage Recording Studio, Baltimore, MD, von dem Grammy-nominierten Tom Dalgety (Ghost, Royal Blood, Pixies) produziert und gemischt, mit zusätzlicher Technik von J Robbins (Jawbreaker, Against Me!, The Sword).

Release 16.9.2022

Pina Palau, Singer-Songwriterin aus Zürich, lässt uns mit ihren Liedern staunen, schmunzeln, Alltägliches und Altbekanntes in einem neuen Licht sehen. Die Musik von Pina Palau macht gleichzeitig froh und nachdenklich. Sie entführt uns in Alptäler und den amerikanischen Westen, vereint Folk mit Rock und Indie, melancholische Mundharmonika mit verzerrten Gitarrenriffs, erinnert an Künstlerinnen wie Phoebe Bridgers, Lucy Dacus oder Big Thief und ist doch etwas ganz Eigenes.

Pina Palaus Debütalbum Illusion erscheint 2022 unter dem Label Mouthwatering Records. Es klingt wie eine Sammlung von Kurzgeschichten: das Gefühl des Eingesperrtseins, wenn man tagelang keinen Menschen sieht. Ein Gespräch mit einer Freundin, die an Liebeskummer leidet. Alltagsbeobachtungen, die so zart und präzis erzählt werden, dass man sich unweigerlich selbst darin erkennt. Illusion wurde zusammen mit Mario Hänni produziert, auch bekannt von Mnevis oder als Ex-Drummer von Sophie Hunger und Pablo Nouvelle.

Release 9.9.2022

9tes Album, von der Band weitgehend getrennt voneinander und an verschiedenen Orten aufgenommen. Für seine Begleitband holte sich Dulli mehrere langjährige Mitstreiter ins Boot, darunter den mittlerweile tragischerweise verstorbenen Mark Lanegan, der regelmäßig bei Dullis Twilight Singers mitwirkte, ein Partner bei den Gutter Twins und ein enger Freund war. Lanegan gibt sein Debüt bei den Afghan Whigs und singt bei zwei Stücken Backgroundgesang. Susan Marshall, die auf dem Whigs-Album 1965 gesungen hat, kehrt für "Catch A Colt" zurück, einem der herausragenden Stücke des Albums, das mit seiner lockeren Art an die Rolling Stones der Some Girls-Ära und den flüssigen Polyrhythmen von Fleetwood Macs "Tusk" erinnert. Das Multitalent Van Hunt, der 2012 mit den Whigs auf Tour war und als Gastmusiker bei "Do to the Beast" mitwirkte, bringt seine klanggewaltige Stimme sowohl in den eindringlichen Voodoo-Blues von "Jyja" als auch in das kühne "Take Me There" ein und verwandelt letzteres, so Dulli, "in einen wilden Gospelsong. Wir singen wirklich gut zusammen, aber was Van produktionstechnisch macht... das ist unerbittlich". Dann ist da noch Marcy Mays, Leadsängerin bei "My Curse", dem Highlight des bahnbrechenden "Gentlemen"-Albums von 1993, die hier ihre Rolle bei dem himmlischen "Domino and Jimmy" wieder aufnimmt und Stevie Nicks anstelle von Dullis Lindsey Buckingham spielt. "Ich habe diesen Song mit Marcy im Hinterkopf geschrieben", sagt Dulli. "Niemand klingt wie sie, sie hat eine unglaublich einzigartige, emotionale und eindrucksvolle Stimme".

Release 16.9.2022

Neues Album von Frank Spilker & Co.! Bei dem Titel entsteht die Frage, ob die noch alle Tassen im Schrank haben. Denn Euphorie ist von allen Gefühlen, die man derzeit so haben kann, das unwahrscheinlichste. Dann hört man die zehn neuen Lieder, und spätestens vierzig Minuten später, wenn die Streicher vom letzten Stück - dem traurigsten Sterne-Song aller Zeiten - verklungen sind, spürt man sie, die Euphorie. Musikalisch ist "Hallo Euphoria" typisch Die Sterne, aber weitergedacht und freigedreht. Es gibt den Funk, die Licks und Riffs, das sexy Eckige, aber nun auch Streicherharmonien und so was Treibendes auf der Autobahn zwischen Köln und Düsseldorf - Krautpop, Baby. Die Band lässt es konzentriert verspielt und oberlässig laufen, mit Kraut und Funk und kurzen Schlenkern zur Bongo oder zum Schönklang. Das Album könnte auch als Debüt durchgehen, so frisch, leicht und relevant wie das Ding um die Ecke biegt.

Release 9.9.2022

Das Londoner Duo Jockstrap (Georgia Ellery und Taylor Skye) hat sein Debutalbum bereits mit den Singles "50/50" und "Concrete Over Water" vorbereitet. Beide wurden von BBC Radio 6 Music auf Rotation genommen und von der nationalen und internationalen Presse hoch gelobt. Das kosmische Begleitvideo zu "Concrete Over Water" wurde bei einer exklusiven Vorführung im The Castle Cinema, Hackney, uraufgeführt, gefolgt von einer weiteren von Jockstraps kultigen Partys im The Glove That Fits. Georgia Ellery und Taylor Skye von Jockstrap kommentierten die Albumveröffentlichung wie folgt: "I Love You Jennifer B" ist eine Sammlung von Jockstrap-Tracks, die seit 3 Jahren in der Mache sind. Alles darauf klingt ziemlich einzigartig, also hoffen wir, dass für jeden ein Track dabei ist; also etwas, das dich anspricht und sagt 'Ich bin ein Banger'." Skye fügte über 'Glasgow' (ihre neue Single) hinzu: "'Glasgow' ist unser coming of age, moving forward, long-distance, travelling, beautiful bosk, wonderful thicket song." Und Ellery sagte über das Thema des Songs: "Glasgow ist eine tolle Stadt, vielleicht meine Lieblingsstadt in Großbritannien! Der einzige Nachteil ist, dass es die ganze Zeit so verdammt kalt ist." Wenn Georgia Ellery und Taylor Skye als Jockstrap Musik machen, gibt es für den Prozess und das Ergebnis nur eine Definition: pure moderne Pop-Alchemie. Mit ihrem Debütalbum"I Love You Jennifer B" werden sich Jockstrap als eine der vitalsten jungen Gruppen etablieren, die seit Jahren aus Londons Schmelztiegel der Musikkulturen hervorgegangen sind.

Release 9.9.2022

Auch als Ltd.-Vinyl Loser-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Das hervorragende neue Album der Gruppe und das erste für das Label Sub Pop. Es ist das erste neue Built to Spill-Album seit der Veröffentlichung von "Untethered Moon" aus dem Jahr 2015.. Das neuntrackige Werk, das die Highlights "Understood", "Fool's Gold", "Spiderweb", "Rocksteady" und "Gonna Lose" enthält, wurde von Bandleader Doug Martsch produziert. "When The Wind Forgets Your Name" setzt die Erweiterung des Band-Universums auf neue und aufregende Weise fort. Im Jahr 2018 brachten Martschs Glück und seine Intuition ihn mit dem brasilianischen Lo-Fi-Punk-Künstler und Produzenten Le Almeida und seinem langjährigen Mitarbeiter João Casaes zusammen, beide von der psychedelischen Jazz-Rock-Band Orua. Als Martsch ihre Musik entdeckte, verliebte er sich sofort in sie. Als er also eine neue Begleitband für Auftritte in Brasilien brauchte, bat er sie, mitzumachen. "We rehearsed at their studio in downtown Rio de Janeiro and I loved everything about it. They had old crappy gear. The walls were covered with xeroxed fliers. They smoked tons of weed," sagt Martsch. Die Auftritte in Brasilien liefen so gut, dass Martsch, Almeida und Casaes beschlossen, 2019 weiter zusammen zu spielen und durch die USA und Europa zu touren. Bei Soundchecks erlernten sie neue Songs, die Martsch geschrieben hatte, und als die Tournee zu Ende war, nahmen sie die Bass- und Schlagzeugspuren in seinem Proberaum in Boise auf. Nachdem Almeida und Casaes nach Hause geflogen waren, begann Martsch selbst mit dem Overdubbing von Gitarren und Gesang. Martsch konnte sich auch für seine Liebe zu Comics einsetzen, indem er Alex Graham für die Illustration des Covers von "When The Wind Forgets Your Name" gewinnen konnte.

Release 9.9.2022

Stilistisch ein schwer in Worte zu fassender musikalischer Melting pot, den die Sängerin, Violinistin, Songwriterin und Produzentin auf ihrem 2ten Album kredenzt. Eine eigenartige, originelle, gut funktionierende Mischung aus R&B und elektronischem Jazz im Clash mit eingestreuten Killerbässen und vershifteten Club-Beats, aber eben auch ihrer ungewöhnlich gespielten, auf dem Album immer auch präsenten Violine, die den Kammer-Pop in die Manege bringt. Die aus Cincinatti stammende Brittney Parks wagt sich oft noch mehr aus stilistischer Deckung und bewegt sich zu Bläsern und Streichern und unruhigen Beatstrukturen durch futuristisch-avantgardistisches Terrain wie z.b. bei "Loyal". Auch surreale einwirkende Hiphop-Elemente spielen ihre Rolle auf diesem aussergewöhnlichen Album, auf dem sie eine sehr eigene Form von Epik entwickelt hat.

Release 9.9.2022

Das The XX-Bandmitglied mit seinem gemeinsam mit Bandkollegen Jamie XX produzierten Soloalbumdebut, auf dem er bei dem romantisch orientierten und manchmal etwas sehnsüchtig klingenden elektronischen Pop-Songwriting von seiner Vorliebe für Horrorfilme inspiriert wurde und auch Themen wie Angst und Scham und die HIV-Erkrankung, die sein Leben seit einigen Jahren überschattet, mit der Brille eines queeren Mannes in den Dreißigern behandelt. Entschlackt-verspielte Songs für homelistening mit einer gewissen 80er-Affinität, die Sim als vielseitigen Songwriter zeigen.

Release 9.9.2022

Lange war es ruhig um Harvey Rushmore & the Octopus. Jetzt meldet sich die Psychrock-Band mit ihrer dritten LP «Freedomspacecake» zurück – nach «Futureman» (2018) und «The Night» (2017) erstmals auf dem Psychedelic-Plattenlabel Taxi Gauche Records. Die pandemiebedingte Tournee- und Konzert-Unmöglichkeit hat das Quartett genutzt, um die herrschenden Zustände musikalisch zu verarbeiten. Herausgekommen sind neun Tracks, die von Ängsten, Exzessen und dem Untergang der Welt handeln. Ein schlechter Trip, welcher die Welt schon länger bedroht. Geht es nach Harvey Rushmore & the Octopus, gibt es nur ein Heilmittel: «Freedomspacecake».

So scheint uns «Plastiq» aufs erste freundlich gestimmt, schnell wird aber klar: Die Dinge stehen weit düsterer («Just a war in my head/I can’t have it back») und der Ritt nimmt in «Speedmaster» ordentlich an Fahrt auf. Getrieben durch psychedelische Sphären, Höhen und Tiefen, bäumt sich in diesem dämonischen und effektreichen Fuzzmonster die Stimmung auf, bis man dem Rausch erliegt und für immer von der Nacht verschlungen wird. Psychedelische Fuzz-Gitarren und die hellen, melancholischen Klänge von «Rainbow
Machine» holen uns zurück auf den bittersüssen Boden der Tatsache: Das Schauermärchen ist wahr geworden, die Welt geht unter («Black horses collapsing in slow motion/ Birds are falling slowly into the ocean»). Sie zersetzt sich langsam Stück für Stück, entlang verzerrter Gitarren-Riffs und tänzelnder Perkussion. In «Spacegarage in your Head» und «Harvey Stardust» ändert sich die Vision: Garage-Elemente, gemischt mit einer ordentlichen Portion hallender Rock-Sphären lassen auf eine bessere Welt hoffen. Mit dem gleichnamigen Track
schliesst «Freedomspacecake» die Reise mit einer hypnotischen Lo-Fi-Hymne ab, die einem jegliches Zeitgefühl vergessen lässt.
«Freedomspacecake» ist Harvey Rushmore & the Octopus 46-minütige dystopische und psych-fuzz-getränkte Antwort auf eine Welt, die von einer Katastrophe zur nächsten schreitet, ohne die Hoffnung auf etwas Besseres aufgegeben zu haben. Eine Reise vor der man fast schon Schiss hat, die aber trotzdem so begeistert, dass man sich wünscht, sie würde nie enden.

Release 9.9.2022

Auch als Ltd.-Indies Only Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Der neuseeländische Singer-Songwriter Marlon Williams kündigt sein drittes Soloalbum My Boy an, das am 9. September bei Dead Oceans erscheint. Mit My Boy zeigt sich Williams von einer neuen Seite. Vorbei ist es mit dem feierlichen Country-Crooner mit der Samtstimme - an seine Stelle tritt ein verspielteres, sich wandelndes Wesen. Nach dem bereits veröffentlichten Titeltrack "My Boy" zeigt die vom Spionagedrama The Americans inspirierte neue Single "Thinking Of Nina" erneut Williams´ klangliche Erweiterungen und glänzt in einem 80er-Jahre-Noir-Glanz.

Release 2.9.2022

Neuer, heißer Wurf des San Diego Garage Soul Trios!! Ein absurd starkes Powerhouse von einem Album, aufgenommen von Dean Reis (Plosivs, RFTC). 11 Tracks wirft uns "The wildest Band in America" da entgegen, die sich irgendwo zwischen 60s Garagepunk und Soul-Einlagen tummeln. Heißblütige Hooks und hemmungslose Riffs werden rausgefeuert bis der Schweiß von der Decke tropft, dazu reißen uns ultracatchy Melodien, eine famos stompende Schießbude und wundervoll mitreißende Vocal-Einlagen direkt auf den mit Bier getränkten Dancefloor. Musikalisch grob irgendwo zwischen den Ghetto Ways, MC5 und James Brown's Fantastische Platte der "Makers of high octane, soulful garage punk.

Release 26.8.2022

Auch als Ltd.-Recycled 2LP 180g Gatefold Vinyl-Edition (CHF 48.90), und als Ltd.-2LP 180g Gatefold Crystal Blue Vinyl-Edition (52.90) erhältlich .

Das achte Album der Band aus Münster ist ein Konzeptalbum, auf welchem jeder der neun Song einer vom Aussterben bedrohten Tierart gewidmet ist. Die Botschaft der Band, das gefährliche Eingreifen des Menschen in die Natur, wird eindrucksvoll untermalt durch die Musikvideos der ersten beiden Singles. Hierbei wird in “Giants Leaving” beispielsweise mit gezeichneten Bildern das Schicksal der bedrohten Albatrosse, die monogam leben und deswegen durch Überfischung stark bedroht sind, dargestellt. Musikalisch mischt die Band wie immer eingängige Melodien mit harten Riffs, bleibt instrumental, ohne große elektronische Einflüsse, aber mit einer unglaublichen Dichte und Dynamik. Diese drückende Atmosphäre wird der behandelten Thematik absolut gerecht, ein wichtiges Gesamtkunstwerk!

Reelase 26.8.2022

Drittes Album Der Song "Your Love" folgt auf den ersten Vorboten "Let You Go", dem von Kritikern eine außerordentliche Wirkung attestiert wurde. "Der Track fließt durch den Körper und löst augenblicklich einen Zen-Zustand aus," so der Kommentar der britischen Wonderland. Eine ähnlich meditative Wirkung hat auch "Your Love" - allein schon aufgrund des minimalistischen Rhythmus, der wie ein steter Herzschlag klingt. Auch sonst sind die Soundwelten zwar sehr ausgefeilt und vielschichtig, lassen aber klar den nötigen Raum für die bezaubernde Stimme des Künstlers. Geschrieben wurde das Stück, das vom leisen Flüstern bis hin zu einem lauten Falsettgesang die volle Bandbreite abbildet, von RY X und Frank Wiedemann, mit dem RY X bereits unter dem gemeinsamen Alias Howling veröffentlichte.

Release 26.8.2022

Produziert von John Congleton, entfesselt das neue Album mit zwölf Songs Furmans Songwriting in einem offenen, lebendigen Sound, der zugleich auch sehr intim ist. In der Welt von "All of Us Flames" scheint das Ende des patriarchalischen kapitalistischen Imperiums unmittelbar bevorzustehen und auch unausweichlich zu sein.

Vinyl-Release 26.08.22 - CD am 16.9.2022

Ein Hauch von Chicano, Philadelphia, Chicago, Detroit und sogar Panama-Soul wird auf dem fesselnden Debüt der 2019 gegründeten südkalifornischen Senkrechtstarter gekonnt verbunden, und obwohl es eine bewusst analoge Sammlung ist, ist sie dennoch ausgesprochen modern. Schlagzeuger/Songwriter Alex Garcia und Bassist/Songwriter Sal Samano, die die Band im Alter von 23 Jahren ins Leben riefen, bieten eine Meisterklasse in Sachen Rhythmus und tadellosem Geschmack. Während Garcia und Samano sich von der Lowrider-Szene in Chula Vista und einer wachsenden Sammlung von Plattenkisten inspirieren ließen, brachte Leadsänger und Songwriter Josh Lane seine Liebe zu Soul-Titanen wie Marvin Gaye und Smokey Robinson in die Band ein, wobei er seine Stimme durch ein klassisches Gesangsstudium am College und das Singen von Arien und italienischen Opern verfeinerte. Die Lorbeeren und die stetig steigende Aufmerksamkeit für eine Band, die erst vor kurzem auf der Bildfläche erschienen ist, häufen sich: Co-Signs von Alicia Keys, Princess Nokia, Black Pumas, Timbaland, Gary Clark, Jr. und ein von Curren$y verwendetes Sample, 40 Millionen Streams weltweit...

Daptone Records

Release 26.8.2022

Nach einer klasse EP knallt die Band aus dem ländlichen West Yorkshire mit ihrem Debutalbum voll rein mit einem Debutalbum, das mit einer atemberaubenden Mischung aus Postpunk, raffiniertem Gitarrenindieriffing und leichtfüßigem Gitarren-Funk sowie auch tackerndem Electro-Synth-Sound einen oft in rasantem Tempo nach vorne gehenden, mit überbordendem Gesang ausgestatteten Soundtrack einer zerbröckelnden Gesellschaft liefert. Juveniler Aufruhr mit elegant rührenden und geschlagenen Gitarrenriffs mit einer faszinierenden groovenden Kantigkeit und oftmals fast surreal anmutenden Steigerungsraten einer sich hochpeitschenden Intensität, die sich in dem lamentierenden, aus sich heraus gehenden, wortgewandt mit bissigem Sarkasmus ausgestatteten Gesang fortsetzt

Release 26.8.2022

Für das dritte Album, das in Montreal mit Co-Produzent Marcus Paquin (u.a. The National) aufgenommen wurde, hat sich Jacklin mit ihrer in Kanada ansässigen Tourband zusammengetan: Bassist Ben Whiteley und Gitarrist Will Kidman (The Weather Station), Drummerin Laurie Torres, Saxophonist Adam Kinner und Streicherarrangements von Owen Pallett (Arcade Fire), die von einem kompletten Orchester in Prag aufgenommen wurden. Nach dem folkigen Debüt "Don't Let the Kids Win" (2016) und dem Folgealbum "Crushing" aus dem Jahr 2018 präsentiert Jacklin zehn neue Songs, die sich ihre ganz eigene emotionale Welt beschwören und währenddessen versuchen, alte Freundschaften zu retten oder die Generationsprobleme einer Mutter-Tochter-Beziehung zu lösen.

Release 26.8.2022

Frontmann Matt Bellamy sagt über das neue Werk: "Will Of The People" entstand in Los Angeles und London und ist von den zunehmenden Ungewissheiten und Unsicherheiten in der Welt beeinflusst. Eine Pandemie, neue Kriege in Europa, massive Proteste & Unruhen, versuchte Aufstände, das Taumeln der westlichen Demokratie, zunehmender Autoritarismus, Waldbrände und Naturkatastrophen, ganz allgemein die Destabilisierung der globalen Ordnung – all das hat 'Will Of The People' beeinflusst. Lange haben das westliche Imperium und die Natur für unseren Schutz und unser Auskommen gesorgt, nun sind beide ernsthaft bedroht. Es sind beunruhigende und beängstigende Zeiten für uns alle. Dieses Album ist ein persönlicher Wegweiser durch diese Ängste und eine Vorbereitung auf das, was kommt." Wie man es von Muse kennt, beschränken sie sich auf ihrem neuen Album nicht auf ein einzelnes Genre. Der Titeltrack "Will Of The People" paart dystopische Glamrock-Klänge mit provokativen Lyrics. "Verona" bietet Retro-Texturen auf. Die erste Single "Won’t Stand Down" ist von purem Rock-Instinkt geleitet. "Kill Or Be Killed" ist Industrial-gefärbt. "Euphoria" versprüht den titelgebenden Glücksrausch. Das frenetische Finale des Albums bildet das brutal ehrliche "We Are Fucking Fucked". Und dann ist da natürlich noch die neue Single "Compliance", zu der Matt Bellamy sagt, sie handle davon, „dass sich Menschen autoritären Regeln und besänftigenden Unwahrheiten fügen, um in einer Gruppe akzeptiert zu werden. Gangs, Regierungen, Demagogen, Social-Media-Algorithmen & Religionen verführen in fragilen Zeiten, indem sie willkürliche Regeln und verdrehte Ideen aufstellen, denen wir uns unterordnen sollen. Sie verkaufen uns besänftigende Märchen und sagen uns, dass nur sie die Realität erklären können, während sie gleichzeitig unsere Freiheit, Autonomie und unser freies Denken beschneiden. Wir werden nicht nur genötigt, wir werden getrieben, verängstigt und zusammengepfercht, um täglich '2 Minuten Hass' auf eine von ihnen ausgewählte Gruppe Außenstehender zu schleudern und unsere eigene innere Stimme der Vernunft und des Mitgefühls zu ignorieren. Alles, was sie dazu brauchen, ist unsere Fügsamkeit - unsere Compliance.

Release 19.8.2022

Seit mehr als 30 Jahren und unzähligen Alben-Highlight im Gepäck geben sich die Norweger rastlos wie eh und je und bewahren sich den subtil wahnsinnigen, kreativ überbordenden Spirit, der in ihre Band-DNA eingeschrieben ist. Mit einem neuen Coverartwork wird die Richtung vorgegeben: als Kern-Triobesetzung im Sommer 2021 im Amper Tone Studio in Oslo aufgenommen, entwickeln sich die 4 Tracks zu einer waghalsigen Odysssee durch ihre eigene Bandhistorie. Der wilde Opener "The Ladder" erinnert an die rifflastigen, schweren Epen der letzten Zeit, ist von bluesiger Grundierung, um nur umso mehr gen Spacerock zu reisen. Ein Drone-Kraut-Sci-Fi-Zwischenspiel folgt in Form des 2-Minüters "The Flower Of Awareness", der in den Mellotronlastigen 60s-Folkrock von “Mona Lisa/Azrael” transzendiert, während nach lieblichem Vorspiel die norwegische Variante von Hawkwind Einzug erhält und den 12minütigen Track in Überschall-Riff-Drumaction-70s-Progmetal-Gigantismus überführt. Dieser Track, wie der, die komplette 2. Seite einnehmende Longtrack "Chariot Of The Sun", gehören zu einer Auftragsarbeit als Kooperation mit Homan Sharifi und der Impure Dance Company und war als Liveperformance gedacht. Eben diese 2. Seite erweitert mit seinen quasi introvertierten "Kosmische Musik-Referenzen" aus Ambient und Spontankomposition ihren eigenen Horizont um eine hypnotische Qualität. Eines ihrer trippigsten Alben so far.

Release 19.8.2022

Gnosis ist das mit Spannung erwartete 8. Album von Russian Circles. Auf ihren bisherigen sieben Studioalben hat das in Chicago ansässige Instrumental-Trio Russian Circles mit seinem begrenzten Arsenal an Schlagzeug, Bass und Gitarre eine vielfältige Topografie an Klängen, Stimmungen und Ansätzen durchquert. Es ist schwierig, eine Entwicklung in ihrem Sound nachzuvollziehen, wenn sich ihre Platten immer wie gut kuratierte Playlists angefühlt haben. Es war nicht ungewöhnlich, dröhnende Meditationen, schillernde Prog-Übungen, knüppelharte Riff-Festivals, eindringliche Folk-Balladen und spannungsgeladenen Noise-Rock innerhalb eines Albums zu hören. Dennoch ist es schwierig, die Entwicklung von den nachdenklichen und komplizierten Melodien von Enter (2006) zu den verzerrten Klängen von Blood Year (2019) zu ignorieren. Es war eine allmähliche klangliche Veränderung, die auf den rigorosen Tourplan der Band und ihre Vorliebe für das Spielen ihres maßgeblichen Materials auf der Bühne zurückzuführen ist. Doch mit ihrem neuesten Album Gnosis verlassen Russian Circles das abwechslungsreiche Terrain ihrer früheren Arbeiten und bahnen sich einen Weg durch das turbulenteste und erschütterndste Gebiet ihres Sounds. Wie bei so vielen Künstlern im Zeitalter von COVID zwangen die Hindernisse der Geographie und der Isolation Russian Circles dazu, ihren Schreibprozess neu zu bewerten. Anstatt im Proberaum aus fragmentarischen Ideen Songs zu basteln, wurden komplette Songs unabhängig voneinander geschrieben und aufgenommen, bevor sie mit den anderen Mitgliedern geteilt wurden, damit ihre ursprüngliche Vision erhalten blieb. Obwohl das gesamte Album aus der Ferne geschrieben wurde, wurden die Songs mit der gesamten Band aufgenommen, um das Live-Gefühl des Materials zu bewahren. Dem Klima der Zeit und einer neuen Schreibmethode geschuldet, schufen Russian Circles ihr bis dato rauchigstes und fokussiertestes Werk - ein Album, das den Exorzismus der Spannungen von zwei Jahren der Melancholie und Zurückhaltung vorzieht, die oft ihre früheren Unternehmungen prägten.

Release 19.8.2022

Das achte Album der britischen Electronic-Pop-Legenden und ein weiterer Meilenstein in einer mehrere Jahrzehnte andauernden Karriere, in der Hot Chip immer wieder für Innovationen gesorgt und eine vielseitige, klangstarke Songstruktur entwickelt haben. Und während sie unverändert in Topform unterwegs sind, fühlt sich Freakout/Release wie ein ganz neues Kapitel für die Band an - ein kühnes und selbstbewusstes Album mit Texten voll dunkler Emotionen und dennoch so erbauend, wie es nur eine Hot Chip-Platte sein kann.

Release 19.8.2022

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Die Band huldigt auf ihrem 3ten Album eindrucksvoll der im britischen Nordosten liegenden Stadt Hull mit einem musikalischen Liebesbrief, den sie mit der Tinte von Post-Punk und Indie-Rock britischer Prägung zum Klingen bringen. So kontrastreich wie die Texte, die von Schönheit, Freundschaft, Sehnsucht, aber auch von Horror, Chaos und Ausgebranntsein handeln, tönt die dynamische Umsetzung. Der Sound von Life ist vielfältig, direkt und freaking out, gewürzt mit atonalen Noiserock- und Post-Punk-Gitarren, brachialem Bass-Roar, mit Sprechgesangspassagen, die sich immer wieder hochsteigern zu klasse Mitgröhl-Hooklines und von peitschenden Drums angetriggert werden. Ein guter Schuss Pop-Punk gehört zur mitreissenden Action dieses gute Laune verbreitenden Albums mit dazu.

Release 19.8.2022

Neue Scheibe der Australischen Überflieger-Kidz (Produziert von Cody McWaters (Headlice)..), die seit ihrem Überraschungserfolg "Smoko" von vor 4 Jahren in aller Munde, Köpfe und Ohren sind. Die neuen Tracks liefern uns erneut diesen charmanten und humorvollen Soundtrack des Lebens, der sich Themen wie Panikattacken, Junkies, Gefängnisausbrüchen, den Preisen für Zigaretten und der Surf-Mafia widmet - ach, ja und ums Besoffensein in jedem Pub in Brisbane, basierend auf persönlichen Erfahrungen. 13 Tracks irgendwo zwischen 80s UK Punk, Cosmic Psychos und Neo Garagekram. Aggro, messerscharf, catchy wie Hölle und überaus unterhaltsam - diesmal außerdem mit dickerer Produktion und mehr spielerischem Können. Get Fucked!

Release 19.8.2022

Drif bedeutet "Versammlung". Eine Menschenmenge, eine Horde, eine Schar, ein Rudel. In Symbiose mit dem Albumtitel besteht Drif aus einer Schar, einer Sammlung, einer Versammlung, einer Collage von Liedern, die wie kleine Flammen zueinander streben, um sich zu vereinen, zu verbinden, zu erschaffen und gemeinsam zu etwas Größerem zu werden. Dieses Album hat sich seinen Weg ganz klar selbst diktiert - unsere Versuche, es zu zähmen, waren immer wieder erfolglos; und als wir zu dieser Einsicht kamen, strömte der kreative Fluss mit ungeheurer Kraft nach vorne - so sehr, dass es sich manchmal anfühlte, als würden die Songs sich selbst schreiben. Alle Songs auf Drif haben ihre eigene Geschichte. Jeder von ihnen hat seinen Platz und sein Zugehörigkeitsgefühl, mit Inspirationen nicht nur aus Nordeuropa, sondern aus den alten großen Zivilisationen.

Release 19.8.2022 - Vinyl am 14.10.2022

Das 5te Album ist erstmals ausschließlich innerhalb der Band entstanden und trägt deutlich die Handschrift von Produzenten und Schlagzeuger Karl Brausch. Viel Hall hüllt speziell die Refrains ein, teils wavig muten Songs mit Delays und Echo wie späte The Cure an („Alles ist einfach“, „Klimawandel“), Gitarren werden weich moduliert, bis wir sie für Keyboards halten ("Kann und will nicht mehr", "Achterbahn"), und gleichzeitig zeigen die Drums in manchen Songs eine mitreißende, fast ungewohnte Härte ("Klimawandel", "Achterbahn"). Dominik Mercier treibt am Bass die härteren Songs vor sich her ("Meisenstaat", "Schlucken oder spucken") und erinnert andernorts in gewohnter Lässigkeit an UK-Shoegaze ("Alles ist einfach"). Pop und Fragilität schweben über "Meisenstaat" und koexistieren neben Druck und Aggression. Vielleicht könnte man sagen, Love A sind mit ihrem Sound in der Summe einen Schritt von den 1980er in die 90er Jahre gegangen. In namentlicher Anlehnung an das Knochenfabrik-Debüt "Ameisenstaat" spiegelt das Album eine Mischung aus Zorn, Niedergeschlagenheit und Resignation wider. Dass die Band sich dabei Abwechslung gönnt, steht ihr nach über zehn Jahren ausgesprochen gut: So spielt Weyer häufiger Einzeltöne als Akkorde und der Gesang ist vielleicht eine der großen Überraschungen. An etlichen Stellen holt Mechenbier den, wie er ihn selbstironisch nennt, "Saarland-Elvis" raus. "Früher fühlte ich mich mit meiner tieferen Stimme nicht so energievoll wie mit dem hohen Keifen", beschreibt er die Entwicklung und singt folgerichtig in "Frag nicht", dem Liebling des Labels: "Klingt komisch, doch ich singe diese Lieder nicht. / Bin ferngesteuert, und die Lieder singen mich.".

Release 12.8.2022

Auch als Ltd.-Red Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.90)

Das erste Hip-Hop-Album von Brian Burton ka Danger Mouse seit seiner "Dangerdoom"-Kollaboration mit dem großartigen, jedoch tragischerweise verstorbenen, MF Doom und folgt auf Black Thoughts bahnbrechendes Werk mit The Roots. Auf "Cheat Codes" sind verschiedene Freund:innen und Kolleg:innen des Duos vertreten, darunter A$AP Rocky, Run The Jewels, MF Doom, Michael Kiwanuka, Joey Bada$$, Russ, Raekwon, Kid Sister und Conway The Machine. Burton verspürte einen instinktiven Drang, zu seinen Wurzeln zurückzukehren, ein zeitloses Hip-Hop-Album zu machen und wusste, dass Tariq der einzige Rapper war, der diese Vision erfüllen konnte. Gleichzeitig war Trotter auf der Suche nach einem Raum, in dem er sich musikalisch jenseits der Grenzen und Strukturen seiner eigenen Band ausdrücken konnte. Mittlerweile ist Burton ein weitaus erfahrenerer Songwriter und Produzent, Trotter ein außergewöhnlicherer Rapper. Burton ließ also alle anderen Arbeiten ruhen und spielte Trotter einige neue Stücke vor, und die Ideen und Worte flossen. Es war befreiend.

Release 12.8.2022

Klingt wie ein schlechter Trip in einer schrottreifen Garage an der lysergischen Grenze zu den Wastelands. Unglaublich wie das hyperaktive Bandkonglomerat die Gehörgewohnheiten mal eben so wieder zersetzt. War das letzte Osees-Release ein Experiment in Kraut und Longtrack, sind die 10 neuen Tracks ein beschleunigter Mindfu.., den John Dwyer unter rudimentären Produktionsbedingungen einprügelte: die Gitarrenamps auf 10, die Doubledrumactrion im Schallmodus, der Bass drückt die Wand ein und Dwyer schreit mehr als das er singt. Von besonderer Qualität ist die wunderbare Lo-Fi-Ästhetik der Songs, die sich willentlich dem Label "Acid Punk" unter ordnen, als wären Chrome nie weg gewesen und eine Energie entfachen, die die gesamten gecancellten Livegigs der letzten Zeit kompensieren. Ein kaum gezügeltes, wildes, gefährliches und faszinierendes Album wie sie es so noch nie gewagt haben, das Referenzen an Rudimentary Peni, Bad Brains, Black Flag, Abwärts oder Stooges beinhaltet, doch nur wie Ohsees klingt. "Dies ist eine Hommage an die Punkbands, mit denen wir aufgewachsen sind - die Verrückten und Kunstfreaks, die unser Interesse geweckt und uns auf den Weg ins Hier und Jetzt geführt haben."

Release 12.8.2022

Das Album, das neben der Leadsingle "Night Vision" auch die Highlights "Unspeakable Things", "The Sound of Music" und "The Extra Sees the Film" enthält, wurde in Toronto von Sub Pop-Labelkollege Dan Boeckner (Wolf Parade, Handsome Furs, Operators) aufgenommen und produziert. "Chopper" ist der Nachfolger des 2021 erschienenen zweiten Albums "Cooler Returns", über das Pitchfork schrieb: "Sardonische Erzählungen und spöttische Bemerkungen...eine ungeduldige, slacker-rockige Vorstellung eines Folk-Albums....einige Akkorde erklingen mit George Harrison-Glanz, während andere so zottelig und ungestüm sind wie The Clean - selten koexistieren Hi-Fi und Lo-Fi-Pracht so harmonisch.

Release 12.8.2022

Hudson Mohawke ist für viele ein Produzent, der neben Leuten wie Flying Lotus und Oneohtrix Point Never die moderne Ära von Warp definiert hat. Seine Talente als Klangkünstler und Clubagitator kommen auf 'Cry Sugar' voll zur Geltung, was sich wie das kompromisslose Hudson Mohawke-Album anfühlt, auf das wir alle gewartet haben, auf dem er seine Faszination der Verschmelzung von Hoch- und Trivialkultur auslebt. Schließlich ist er der Architekt der hochauflösenden Trap-Produktion, die sich in den 2010er Jahren zu einem Stil entwickelt hat, der überall - von mit Bierdosen übersäten College-Partys bis hin zu Arby's-Werbespots - Verwendung findet. Amerikanische Dekadenz wird so zu einer Bühne, auf der seine Musik gedeihen kann - der DJ-Pult wird für ihn zum Komponistenpodium, auf dem er das spannungsgeladene Drama zwischen Ausschweifung und Apokalypse inszeniert, die 'mise-en-scene' der Clubkultur 2022.

Release 12.8.2022

Auch als Ltd.-Orange Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Die langjährige musikalische Zusammenarbeit zwischen Will Canning und Remy Veselis mit drittem Album- Die 2015 in Sydney, Australien, gegründete Band hat sich sowohl in ihrer Heimat als auch in Übersee zu einer festen Größe im alternativen Underground entwickelt. Wiederbelebt und neu zentriert, präsentieren Death Bells ein schwindelerregendes Porträt einer Band auf dem Höhepunkt ihres Könnens. Der Longplayer fängt einen Querschnitt der schattigen, versteckten Zwischenzonen Südkaliforniens ein, abseits von Licht und Luxus. Die Gruppe hat dieses neue Album bereits mit den Singles "Intruder" und "Passerby" angeteasert - heute kommt mit "Lifespring" ein weiterer neuer Track aus dem Album. Für Fans von IDLES, Interpol, Editors, Slowdive, The Fall, Soft Kill, The Jesus and Mary Chain, Tempers, My Bloody Valentine, Ritual Howls, Siouxsie and The Banshees.

Release 29.7.2022

Die Heavy Hypnotic Rock Meister kehren mit ihrem dunkelsten und emotionalsten Album ihrer Geschichte zurück! Atma - der logische Nachfolger von Moksha (2015) - beschreibt das (absolute) Selbst, die unzerstörbare, ewige Essenz des Geistes und wird oft als "Seele" übersetzt. Krankheit mit unklarem Ausgang, Tod und Existenzängste brachten die Band über die letzten Jahre an einen musikalischen und persönlichen Punkt im Leben, an dem sie kurz davor standen, sich zu trennen. Doch ihr unbändiger Überlebenswille wurde auf Atma festgehalten, einer Platte, von der die Band 2017, als sie anfingen am Album zu arbeiten, nur wenige Jahre später nicht einmal sicher war, ob sie aufgrund aller persönlicher Tiefpunkte jemals erscheinen würde. Und wenn, vermutlich nicht für den Ruhm oder Erfolg. Atma ist MY SLEEPING KARMA's Katharsis. Licht trifft auf tiefste Dunkelheit.

Release 29.7.2022

Zweites und neuestes Album für Anti- und eine Ergänzung zu ihrer gefeierten Veröffentlichung Black Encyclopedia of the Air aus dem Jahr 2021. Jazz Codes verwendet Free Jazz als Ausgangspunkt, aber die Sammlung setzt die jüngste Wende in Moor Mutters vielseitigem Katalog hin zu mehr Melodie, mehr Gesangsstimmen, mehr Refrains, mehr Komplexität fort. In seinem warmen, dicht geschichteten Parcours durch Jazz, Blues, Soul, Hip-Hop und andere klassische Black-Traditionen lässt Jazz Codes das Ohr glückselig schweben und befreit den Geist von der Gewohnheit. Durch ihre Arbeit beleuchtet Ayewa die Prinzipien ihrer multidisziplinären kollaborativen Praxis Black Quantum Futurism, einem theoretischen Rahmen für die Wahrnehmung und Anpassung der Realität durch Kunst, Schreiben, Musik und Performance, der von historischen schwarzen Ontologien geprägt ist. Jazz Codes entstand aus dem gleichnamigen Gedichtband, einer Sammlung von Gedichten, die zu Ehren von Jazz- und Blues-Ikonen wie Woody Shaw, Amina Claudine Myers und Mary Lou Williams geschrieben wurden. Während der pandemischen Abriegelungen Anfang 2020 nahm Ayewa Kontakt mit dem schwedischen Produzenten Olof Melander auf, um ihn zu fragen, ob er ihr ein paar Jazz-Loops schicken würde, mit der Absicht, eine CD zusammenzustellen, die die Veröffentlichung des Buches begleiten würde. Melander schickte ihr etwa hundert Tracks. Je mehr Ayewa mit ihnen arbeitete, desto mehr wuchs das Projekt aus sich selbst heraus. Jazz Codes nahm ein Eigenleben an; Melodien entstanden um Ayewas Gedichte herum. In Abkehr vom geräuschbetonten Sound ihrer früheren Alben begann sie, Songs mit R&B-Süße zu schreiben, Songs, die nach Sängern verlangten, um ihre Raps und Spoken-Word-Übertragungen zu begleiten. Sie suchte sich eine Reihe weit verstreuter Kollaborateure, um sie zum Blühen zu bringen. Ayewa arbeitete virtuell und holte Instrumentalisten wie die Flötistin Nicole Mitchell und die Harfenistin Mary Lattimore sowie Sängerinnen und Sänger wie Melanie Charles und Akai Soloin den wachsenden Raum des Albums. In "Ode to Mary" vermengt sich Ayewas gesprochene Poesie mit Orion Suns flatternden Ad-Libs und Jason Morans schwindelerregenden Klavierlinien. "So Sweet Amina" lässt die Trompete von Aquiles Navarro auf die Wellen von Wolf Westons suchender Stimme leuchten. Keiner von Ayewas Mitwirkenden hörte die Takes der anderen, bevor die Songs fertig waren. Sie fungierte als Dreh- und Angelpunkt zwischen ihnen, fand Gemeinsamkeiten und Synchronizitäten und fügte disparate Stücke zu einem widerhallenden Ganzen zusammen

Release 29.7.2022

Neues Knalleralbum der Schweden auf dem sie ihren Mix aus Garagepunk und Postpunk ein Mal mehr bis in den Exzess zelebrieren. 12 tracks, die soundtechnisch im Wechsel zurück zu ihren Roots gehen und wahnsinnig an die unvergessenen Vicious erinnern - geilster melodiöser Garagepunk mit dicker Schwedenpop-Note. Zum anderen aber eben auch immer wieder ihre Wavepunk-Elemente in den Fokus rücken. Melancholisch wirds hier, treibend ist´s trotzdem und auch hier verpassen sie den Tracks ihren charmanten skandinavischen Pop-Touch, den man auch bei Dennis Lyxzen´s INVSN oder bei ihren tollen Labelmates True Moon findet. Ein Fest!

Release 22.7.2022

Auf dem zweiten von zwei Alben, die Mr. White während der Covid-Pandemie fabriziert hat, entschwebt er musikalisch in ein vom Sound der 50er, 60er und 70er beeinflusstes Panorama, das sich mit geschlagenen Folkgitarren, warmen Walking Bässen, Honky Tonk-Blues-Klavier, Fender Rhodes-Orgel-Sounds und genialem, gerne ein bisschen jazzig agierendem Schlagzeug den Weg durch eine Vergangenheit bahnt, die Jack musikalisch selbst noch gar nicht erlebt hat, die er aber musikalisch authentisch und mit gesanglicher Leidenschaft zum Leben erweckt. Ein musikalisch breit gefächertes, im Vergleich zu "Fear of the Dawn" in eher hellen Farben gehaltenes Album mit an die Stones erinnerndem, sehnsüchtig-erdigem Songwriting ("A tip from you and me"), fingerfertig gespieltem Folk-Blues ("All along the way"), von Streichern und Marimbaphon begleitetem, ausdrucksstarkem 70s-Rock ("Help me along"), eindrücklicher Americana-Folkballaderie ("Love is selfish") und psychedelischen Perlen wie "Madman from Manhattan" oder "I´ve got you surrounded", aber auch ausgestattet mit karibischen Einflüssen ("Queen of the Bees" oder dem Vaudeville-Charme des mit Fidel und Polarhythmus neu interpretierten "Taking me Back (Gently)".

Release am 22.7.2022

Auch als Tape erhältlich (CHF 24.90)

Womöglich das exquisit unterproduzierte Album, mit dem der begnadete, hyperaktive Psych-Hipster zu seinen Songwriter-Roots zurückfindet und im Alleingang in seinem Heimstudio ein wunderbar schwebendes Westcoast-Folk-Opus in 10 Kapiteln verantwortet, das ihn v.a. als Renaissancekünstler des Psychfolk neuerfinden lässt. Vorwiegend wählt er den Produktionsrahmen, den er wandlungsfähig mit rein akustischen Arrangements von Gitarre und seiner Falsettstimme eskapistisch auflädt, während nur das Titelstück den typischen "Brown Acid"-Fuzz-Out-Sound aus schweren Riffs, weirder Dynamik und zupackenden Hooks bietet. Doch lieber geht er neue Wege hin zu einem subtil jazzigen Acid Folk-Songwriting, das er mit Bass, Zweitgitarre, Drums, mehrfach geschichten Vocals und Saxophonsoli zu einem freigeistigen, hypnotischen, analogen Wunderwerk fügt. Ein überraschendes, konzises Statement, das den Laurel Canyon-Folkrock der 60s assoziert und vergleichbar mit dem frühen Ryley Walker ist. "Welcome in, to a new room to play the styles and feels that lie under Ty Segall's fingers, easing fresh air into acoustic space with an assortment of love songs flowering in righteous unconsciousness.

Release 22.7.2022

Die seit Highschoolzeiten gemeinsam musizierenden Avery Tucker (he/him)und Harmony Tividad (she/her) aus Los Angeles arbeiten auch auf dem 4ten Album weiter an Themen wie Identitätsbewältigung und Beziehungsdynamiken. Mit einer Mischung aus introspektiv-melancholisch klingenden Ohrwürmern und surreal wirkender Partymusik geht das Album weit über die Parameter von Indie-Rock hinaus und verändert immer wieder seinen musikalischen Look. Von schrammeligem, zweistimmig gesungenem Akustik-Pop-Songs über Post-Country-Pop bis hin zu elektronisch glitzernden autotune meets glitch-Songs und melancholisch klingenden Post-Pop-Songs mit zeitgeistigem Flair und bisweilen auch ätherischem Gipfelgesang wie bei "Junkie" zeigen Girlpool Interesse an Bodenhaftung wie auch an freakigem elektronisiertem Hollywood-Future-Pop. Produziert von Yves Rothman (Yves Tumor etc.).

Release 22.7.2022

Blickt man zurück auf das gewaltige Feld der Indie-Bands, die in den Nullerjahren tonangebend waren, hat sich dieses Bild zuletzt ganz schön ausgedünnt: Viele davon sind längst verschwunden – und man muss entsprechend lange suchen, um eine Gruppe zu finden, die auch nach 15 Jahren noch neue Karrierehöhepunkte verzeichnen kann. Dabei war genau das der Punkt, an dem The Kooks vor vier Jahren standen. Gerade erst von einer internationalen Stadiontour zurück, erstürmte die Band aus Brighton 2018 abermals die britischen Top-10 mit dem Albumvorgänger Let’s Go Sunshine, um anschließend wieder überall ganz oben auf den Plakaten der größten Festivals in ganz Europa zu stehen. Der jüngste Streaming-Boom hatte der Band sogar noch mehr (und auch viele jüngere) Fans beschert, die ihren einzigartigen Indie-Rocksound nun endlich auch mal live erleben wollten. Obwohl die Platte letztlich an diesen zwei Orten entstehen sollte, spürt man die Berlin-Connection ganz klar im Verlauf von 10 Tracks To Echo In The Dark. Und obwohl sie auch mit ganz anderen Genres flirten – Synthie-Pop aus den Achtzigern, Funk, auch Prog-Elemente tauchen auf –, klingt das sechste Album unterm Strich immer noch wie ein astreines Indierock-Album. Eins mit unverwechselbarer Kooks-Handschrift. Tatsächlich versuchen sie mit der neuen LP auch gar nicht, das Rad neu zu erfinden. Stattdessen nehmen sie den klassischen Kooks-Sound und verpassen ihm einen dezent retro-futuristischen Anstrich - sowohl klanglich, als auch einfach gefühlt: in der ganzen Haltung, in der diese Songs entstanden sind. Es ist ein Album, das vor allem von Hoffnung handelt: sich diese Hoffnung zu bewahren, das Gute zu sehen in der Welt, egal wie düster sie gerade wirkt. Während immer mehr junge Fans den Sound von The Kooks für sich entdecken, fühlt sich 10 Tracks To Echo In The Dark vor allem wie ein Mission Statement an: Sie feiern damit die schwierigen Zeiten, die hinter ihnen liegen - und liefern eine lautstarke Parole für die Zukunft, die vor uns allen liegt. Vor allem hört man auf dem neuen Album eine Band, die ihren Karrierehöhepunkt noch vor sich hat. Sie liegen richtig, wenn sie ab sofort auf Zuversicht setzen, wenn sie darauf vertrauen, dass die Zukunft weniger düster sein wird.

Release 15.7.2022

Das dritte Album wurde nach der Veröffentlichung des Vorgängers "Cavalcade" in London in Abgeschiedenheit geschrieben und baut auf den melodischen und harmonischen Elementen des Vorgängers auf, während es die Brutalität und Intensität des Debüts "Schlagenheim" ausbaut. Wie Greep es beschreibt: "Wenn Cavalcade ein Drama war, ist "Hellfire" wie ein epischer Action-Film", der sich mit überlappenden Themen wie Schmerz, Verlust und Angst beschäftigt. Es ist ihr bisher thematisch kohärentestes und durchdachtestes Album". Während die Geschichten von "Cavalcade" in der dritten Person geschildert wurden, erzählt "Hellfire" seine Geschichten aus der Ich-Perspektive eines moralisch fragwürdigen Charakters. Es gibt direkte dramatische Monologe, die an unser verkommenes Gefühl für Recht und Unrecht appellieren. Man ist sich nie so ganz sicher, ob man lachen oder entsetzt sein soll. "Welcome To Hell" erzählt die Geschichte der Exzesse eines ausschweifenden Soldaten und seiner Entlassung aus dem Militärdienst, untermalt von funkigen Gitarrensätzen, treibenden Bläsern und einem knorrigen Gesang. Das Video wurde von Gustaf Holtenäs gedreht, der auch schon beim Video zu "Slow" Regie führte. Die Entstehung von "Hellfire" dauerte nur sechs Monate und begann mit einem Riff bei einem Jam der Gruppe, das sich zu dem futuristischen Boxdrama "Sugar/Tzu" entwickelte. Die Bandbreite und die Kraft sowie die starke Produktion der Musik von black midi war noch nie so groß wie auf dem neuen Album, was zum Teil der Produzentin Marta Salogni zu verdanken ist, die mit der Band bereits am "Cavalcade"-Opener "John L" gearbeitet hat. Aber wie immer ist die Art der Musik, die black midi spielen, nicht so wichtig wie ihre Qualität. Und was auch immer du über die Musik von black midi denkst, ist es wichtig, was du dabei fühlst, wenn du sie wirklich hörst. *Rough Trade

Release 15.7.2022

Innerhalb ihres schwarz-grau durchzogenenen Trademark-Sounds entwirft die Band aus New York auch auf dem 7ten Album eine den düsteren Zeitgeist einfangende musikalische Vision, die ihre Geschichte weiter schreibt und eigenen Charakter aufweist. Wie schon beim Vorgänger haben Interpol nicht die Freude am Spiel mit Offbeat-Rhythmik verloren, das sie varaantenreich betreiben und tendenziell hier mit einer verletzlich wirkenden, emotionalisierenden Grundhaltung kombinieren. Sehnsucht, Anmut und Nachdenklichkeit sind Elemente, die im Kontext von Daniel Kesslers Signature-Gitarren-Sound, Samuel Fogarinos messerscharfer Percussion-Präzision und Paul Banks sonorer Stimme das Album durchziehen, ohne dass Interpol in balladeske Bereiche gleiten würden, stattdessen ist das Album von Dynamik und einem einhüllenden songwriterischen Driften im Kontext von Moll-Akkorden geprägt, was auch der textliche Umgang mit Themen wie mentaler Widerstandsfähigkeit und der Leichtigkeit des Lebens in schweren Zeiten spiegelt (wie in Songs wie "Something changed"). Produziert mit Flood und Alan Moulder.

Release am 15.7.22 - Vinyl am 30.9.2022

Die Texaner ziehen auf ihrem 11ten Album mit einem hohen Grad stilistischer Vielfalt und souveränem Songwriting, in dem sich neben visionärer Kraft auch ihre ganze Erfahrung spiegelt, große und kleinere Kreise in den Kornfeldern der Rockmusik. Die verschlungene Spur des Todes führt entlang Weggabelungen und überrascht mit Brüchen. Der Weg des Albums nimmt immer wieder eine Kurve und führt manchmal auch scheinbar in die Irre, aus der die Band sich mit progressivem Acting, mit dem Einsatz von Dynamik, gefühlvollen Melodien und Brüchen innerhalb des Songwritings mit untrüglichem Riecher zurück auf den Weg befördert, den sie unbeirrbar mit unverminderter Kraft und kreativer Energie schon seit Ende der 90er beschreiten. Das musikalische Landschaftskaleidoskop, durch das sich Conrad Keely, Jason Reece & Co mit traumwandlerischer Sicherheit bewegen, reicht von Indie- und Alternativerock über Post-Hardcore, Emo, Piano-Prog und Progrock, Classic 70s-Rock, elegischen Postrock, Kraut- und Avantgarderock bis zu Folk und Neoklassik, gefiltert und kunstvoll zum Glanz innerhalb von 21 Songs gebracht von einer der aussergewöhnlichsten Bands unserer Zeit.

Release 8.7.2022

In der dritten Runde geht´s mit der schwedische Post-Punk-Kombo in die Kellerkatakomben von Stockholm. Das wiederum mit Pelle Gunnerfeldt (The Hives, The Knife, etc.) und DJ Haydn produzierte 3te Album knüpft an "Welfare Jazz " an und buchstabiert Post-Punk in diversen Varianten aus, knallt voll in die Fresse wie das schwer tanzbare "Baby Criminal" oder "Troglodyte" oder das mit Killerbass-Lauf die Kniekehlen groovend massierende "Ain´t no Thief", kommt wie bei "Creepy Crawlers" auch mal creepy aus dem Gulli gekrochen, um sich zu einem experimentellen Art-Punk-Monster zu verwandeln. "Punk Rock Loser" zieht mit Glam im Midtempo um die Ecke, "Big Boy" tönt wie ein durchgeknallter, schräger Lo-Fi-Blues-Funkster aus der Feder von Ween und bei "Add" geht zu ´nem töften Lobster-Dark-Beat aus der Dose das Strobo an. Das Saxophon setzt neben dem knorke Bass und den coolen Gitarren so manchen entscheidenden Akzent wie bei dem verrückten Tiefflieger-Free-Kraut-Post-Punk-Rausschmeisser "Return to Monke". Die fortschreitende Digitalisierung und ihre Auswirkungen auf die menschliche Evolution und Verhaltensweisen ist dabei das immer wiederkehrende Thema der Texte, die Murphy mit seiner vollkehligen, sich immer wieder überschlagenden Stimme intoniert, predigt, zelebriert und im Zusammenspiel mit der Band eine unglaubliche Energie erzeugt, aber sie auch ab und an in Spoken Word-Parts zu experimentellen Passagen benutzt. Post-Punk 2.0, exzellent in Szene gesetzt. Was für eine geile Band, immer wieder, immer weiter...

Release 8.7.2022

Die Zeiten sind ungemütlich, sie sind hart, und Wu-Lu aus South London hat den Soundtrack dazu. Jenseits von Genrekategorien macht er klangliche Ansagen und liefert War Dubs, die vor allem inspirieren sollen. Im Verlauf der 12 brodelnd-explosiven Tracks, die der Producer, Multiinstrumentalist und Sänger auf dem Album versammelt hat, blitzt tiefschürfender Post-Punk genauso auf wie haarsträubender Screamo, wie man ihn im Skatepark erwarten würde. Auch schemenhafte Hip-Hop-Szenarien bringt er ins Spiel, die so klingen, als ob sich Knwxledge hinter dem Windmill Club in Brixton Hill verlaufen hätte… Krass druckvolle Gitarren, die am Horizont auftauchen und sich winden wie Hochspannungsmasten im Sturm, stehen auf massiven Betonwänden aus purem Bass, auf satten Drill-Fundamenten mit treibenden Triolen und melodischen Klavierkapriolen, die einen immer tiefer in die Szenerie hineinziehen. Mal klingt das wie Factory Records in den düstersten Stunden der Achtziger, mal wie Klassiker von DJ Shadow oder Frühneunziger-Slipknot. "Loggerhead" wühlt sich quer durch die Vergangenheit und formt daraus das nächste Jetzt.

Release 8.7.2022

Wenn das 2020er-Album "My Echo" - geschrieben kurz vor ihrer Trennung von ihrem Ehemann, dem langjährigen Produzenten und Vater der gemeinsamen beiden Söhne - Veirs' Scheidungsalbum war, handelt der neue Longplayer 'Found Light' von dem, was danach kommt. Obwohl es technisch gesehen das 12. Studioalbum der Künstlerin aus Portland ist, fühlt es sich in vielerlei Hinsicht wie ein Debüt an: 'Found Light' ist das erste Album, das sie gemeinsam mit Shahzad Ismaily produziert hat, wobei Veirs eine Selbstständigkeit und künstlerische Unabhängigkeit an den Tag legte, die sie selber bisher so nicht von sich kannte. Trotz der Traurigkeit, die diese 14 anmutigen Tracks hervorgebracht haben, sind sie ein Zeugnis für die Inspiration der Unabhängigkeit und für die Gestaltung neuer Möglichkeiten, auch nach einem so großen Verlust.

Release 1.7.2022

Schon immer glichen seine Konzerte Gottesdiensten. Nun wird der Australier seinem Habitus als Prediger gerecht und veröffentlicht gemeinsam mit seinem langjährigen Freund Warren Ellis sieben Psalmen.

Während des Lockdowns habe Cave eine Reihe von kleinen, heiligen Liedern verfasst. Einen pro Tag, eine Woche lang – fast nach biblischem Vorbild. „Die sieben Psalmen werden als eine lange Meditation präsentiert – über Glaube, Wut, Liebe, Trauer, Barmherzigkeit, Sex und Lobpreis. Ein verschleiertes, kontemplatives Angebot, das aus einer unsicheren Zeit stammt. Ich hoffe, es gefällt euch“, so der 64-Jährige in einem Statement.

In einem kurzen Trailer gibt Cave einen Ausblick auf die neue Platte. „Such things should never happen, but we die/ The swallow finds an oak to nest her young,“ predigt er über einer ehrfürchtigen Instrumentierung, und weiter: „Defenseless between the Earth and the sky/ Uncounted beneath the vast, indifferent sun.“

Release 1.7.2022

"Gefühlte Wahrheiten" ist ein Album darüber, wie es sich anfühlt, lebendig zu sein. Zwölf bestürzend schöne Lieder, in denen Distelmeyer vom Sich-Verlieren und Wiederankommen, vom babylonischen Stimmengewirr der sozialen Medien, von Sehnsucht und Begierde, gesellschaftlicher Spaltung und einer am Ende gelingenden und triumphierenden Liebe erzählt

Release am 1.7.2022

Aufgenommen in Berlin und auf Abstand zwischen 2020 und 2021, legt die Band ihr 19. abendfüllendes Studioalbum vor. "Fire Doesn't Grow On Trees" ist der Beginn einer aufregenden neuen Phase für Anton Newcombe und seiner Band. Mit ihm im Studio und über Video/Mail haben Ricky Maymi (Gitarre), Ryan Carlson Van Kriedt (Keyboards), Hakon Adalsteinsson (Gitarre), Hallberg Dadi Hallbergsson (Bass) und Uri Rennert (Schlagzeug) an diesem Album gearbeitet. Ursprünglich war Newcombe stark von der psychedelischen Phase der Rolling Stones beeinflusst - der Name stammt vom Stones-Gitarristen Brian Jones in Verbindung mit einer Anspielung auf den Sektenführer Jim Jones -, aber in den 2000er Jahren hat sich seine Arbeit in ästhetische Dimensionen ausgeweitet, die sich dem britischen Shoegazing-Genre der 1990er Jahre annähern und Einflüsse aus der Weltmusik, insbesondere aus dem Nahen Osten und Brasilien mit einbezieht. "The Real" ist der erste Vorbote des Albums

Release 1.7.2022

Das letzte Album des Schotten liegt bereits acht Jahre zurück, eine im Musikgeschäft verdammt lange Zeit. Der Nachfolger vom damals gefeierten "Caustic Love" entschädigt nun für die lange Wartezeit mit über 70 Minuten Musik, die von souliger Rockmusik über Post-Punk bis hin zu hypnotischen Krautrockanleihen reicht. Die beiden bisher veröffentlichten Singles "Lose it" (erinnert an Can oder Neu!) und "Through the Echoes" (soulig angehauchter Pop) verdeutlichen genau dieses Spektrum schon mal und lassen die Vorfreude auf den Rest des Albums steigen. Stimmlich ist Nutini schon immer einer der Größten, das neue Album wird den Vorgängern an Tiefe und herausragendem Songwriting wohl in nichts nachstehen! *

Release 24.6.2022

Das von Luther Dickinson von den North Mississippi All-Stars produzierte Album verbindet beide Seiten von G. Loves eklektischer Karriere, indem es Old School Hill Country und Delta Blues mit New School Hip-Hop und Funk mischt. Die 13 Songs wirken locker, spontan und sind zumeist im Studio entstanden. Die freilaufenden Darbietungen bringen eine Reihe von besonderen Gästen zusammen, von Blues-Fackelträgern wie Alvin Youngblood Hart, Cam Kimbrough, Christone „Kingfish“ Ingram, Jontavious Willis, R.L. Boyce und Trenton Ayers über Rap-Ikonen wie Schoolly D, Freddie Foxx und Speech von Arrested Development bis hin zu Spitzenmusikern wie dem Fifemaster Sharde Thomas und der GRAMMY-nominierten Southern Avenue-Schlagzeugerin/Sängerin Tikyra Jackson. "Ich bin in Philadelphia, Pennsylvania, aufgewachsen, aber ich habe mein ganzes Leben in der Musik des Deltas verbracht“, erklärt er, „deshalb hat mich die Vorstellung, dass es dort unten ein ganz anderes Philadelphia gibt, immer fasziniert. In den letzten dreißig Jahren wollte ich eine Pilgerreise machen - nicht nur eine musikalische, sondern eine spirituelle – zum Herzen des Blues, und genau das ist dieses Album

Release 24.6.2022

Auf ihrem 7tem Album beeindruckt das in Minneapolis ansässige Projekts von Sängerin Channy Leaneagh, Produzent Ryan Olson und Bassist Chris Bierden mit komplexem Detailreichtum, so beim schillernden "Violence", das eindrucksvoll mit Orchestersounds und ziselierter Percussion hantiert, auch "Alive" lebt ein bisschn vom Clash von Glitch und Triphop-Sphärik mit den miteinander kommunizierenden Schichten von Instrumenten und Sounds im Dialog mit Leanagh´s unter die Haut gehenden, charismatischen Vocals. Verwendet haben sie das selbst entworfene anthropomorphe Produktionswerkzeug "AllOvers(c)", das für eigenartige, originelle Ergebnisse sorgt.

Release 24.6.2022

Nika Roza Danilova, die Sängerin, Songwriterin und Produzentin, die seit 2009 unter dem Namen Zola Jesus Musik veröffentlicht, verfügt über eine Stimme, die den Hörer an einen Ort führt, der bereits in einem steckt, aber der bewussten Erfahrung entzogen ist. "Arkhon" ist ihre erste Zusammenarbeit mit dem Produzenten Randall Dunn (Sunn O))), Jóhann Jóhannsson, Candyman Soundtrack) und dem legendären Drummer und Perkussionisten Matt Chamberlain (Bowie, Dylan). Zola Jesus dringt tief in ihr Inneres vor, jenseits von Ego und Kontrolle, um ihre bisher provokanteste und kraftvollste Musik zu entfesseln. Für Fans von: Chelsea Wolfe, Fever Ray, Perfume Genius, Angel Olsen, Beach House

Release 24.6.2022

Auf ihrem dritten Album als Soccer Mommy beweist sich Sophie Allison endgültig als einer der talentiertesten Songwriterinnen der Rockmusik unserer Zeit. Mit cleveren Anspielungen auf Synthie-Subgenres wie New Wave und Gothic erweitert die heute 24-Jährige die Grenzen ihrer Ästhetik. Sometimes, Forever ist eine faszinierende Sammlung, die sowohl von der Vergangenheit als auch von der Gegenwart geprägt ist und damit das gewagteste und ästhetisch abenteuerlichste Werk von Soccer Mommy. Das Album lebt von widersprüchlichen Kräften: Verlangen und Apathie, Ekstase und Elend, Gut und Böse, Selbstbeherrschung und Wildheit. Unverblümte Liebeslieder reiben sich an viel düstererer Kost mit makabre Bildern, die selbst die fröhlichsten Passagen heimsuchen. Aber da es ihr heute besser geht als zu der Zeit, als sie die Lieder schrieb, hat sie keine Probleme damit, in den Momenten des unkomplizierten Glücks zu schwelgen, die neben der Dunkelheit existieren. Sie sagt: "Ich wollte nicht etwas super Deprimierendes ohne jeden Sinn für Magie machen". Der Album-Titel bezieht sich auf die Idee, dass sowohl gute als auch schlechte Gefühle zyklisch sind. "Kummer und Leere gehen vorbei, aber sie kommen immer wieder - genauso wie die Freude", sagt Allison. "Irgendwann ist man gezwungen zu sagen: Ich muss einfach beides nehmen." Produziert wurde der neue Longplayer von Daniel Lopatin aka Oneohtrix Point Never.