Release 8.10.2021

Auf dem "Geheimnis" betitelten 3ten Album sprechen sie alles an, wofür wir uns fürchten: Liebe, Hass, Fußball, Nina Hagen. Dennoch, wenn es eine geheimnisumwitterte Band in Deutschland gibt, dann ist das Isolation Berlin. Wo die Fans nicht unterscheiden können zwischen Rollenprosa und persönlichen Enthüllungen, zwischen der Bühnenfigur und der Privatperson, wo der Performer ein echter Star und zugleich einer von uns ist - seltsam aber möglich! Isolation Berlin sind mit ihrem Sänger Tobias Bamborschke über die letzten Jahre zu großen Songwritern gereift. Gemeinsam haben sie elf Songs produziert und sich dazu in der Abgeschiedenheit ihres neuen, selbsteingerichteten Studios in Berlin-Buch auf ihre größte Stärke besonnen: Auf ihr Songwriting und das Erzählen von Geschichten. Geschichten aus einem beschädigten Leben. Geschichten von Außenseiter:innen, von Abstürzen, von enttäuschter Liebe und von dem ewigen Weiter, das uns mit jeder geschlagenen Snaredrum um die Ohren fliegt. Die Musik ist im Vergleich zu den Vorgängeralben irgendwie anders geraten. Das sind Isolation Berlin, ABER! Kein Gramm Fett. Rockriffs sind fast vollständig verschwunden. Die Band lässt dem Textvortrag viel Luft. Arrangeur und Gitarrist Max Bauer hat viele Streicher um den Gesang herum arrangiert und setzt die E-Gitarre sparsamer ein. Auch die Rhythmusgruppe aus Specht und Cöster hatte beim Einspielen offenbar den Trip-Hop-Sound von Portishead oder Jean-Claude Vannier im Sinn, eher jedenfalls als den einer klassischen Rockband. Diese Band ist einzigartig, sie ist der Punkrock-Diamant unter den Pop-Klunkern, ein gesplitterter Spiegel, ein verlorener Turnschuh, ein Déjà-vu aus der Zukunft und überhaupt ein seltener Glücksfall. Fatalistisch, rein, am Abgrund tänzelnd.

Release 23.7.2021

/ A \ besteht aus Emilie Zoé, Franz Treichler und Nicolas Pittet. Die sieben Tracks ihres Debütalbums, das Ergebnis einer Reihe von Jam-Sessions, synthetisieren perfekt die jeweiligen Welten der Mitglieder dieses Ad-hoc-Trios. Von einem Track zum nächsten kombinieren eine Reihe seltsamer und perfekter Hybriden harmonisch reichen Pop mit treibenden rhythmischen Mustern, mit perfekt angeordneten Fenstern für holzige akustische Klanglandschaften und elektronische Veränderungen. Dabei multipliziert / A \ verschiedene Energien und Dynamiken: die Wärme eines wandernden Blues (Hotel Stellar), eines katzenartigen, welligen Post-Rocks (Grain Sand and Mud), einer maschinenartigen Wut mit niedrigem Tempo (We Travel the Light) ), eine blasse Morgenatmosphäre (Count to Ten), mutierter Trip Hop (The Leaves), ein müßiger Aufstieg nach Golgatha (Unsere Liebe wächst)… Und das Beste daran ist, dass diese bahnbrechenden Ideen mit einem unglaublichen Sinn aufeinander folgen der Natürlichkeit.

Release 16.7.2021

Das von Dave Sitek (TV on the radio) produzierte 7te Album des "King of the Beach". Nathan Williams ist nach seiner Rückkehr nach San Diego mit direkt in die Blutbahn schiessenden Songs mit teils mehrstimmigen Vocals und breitem Sound ("Help is on the way"), aber auch lo-fi-esken, schrammeligen, von der Sonne geküssten California-Indie-Pop-Nummern wie "Sinking Feeling" mit toller Morricone-Twang-Gitarre.

Release 25.6.2021

Ihr drittes Album basiert auf Erinnerungen ihrer Coming-of-Age-Jahre in Richmond, Virginia. Viele der Songs beginnen auf die Weise, wie Memoiren es tun - zum Beispiel: "In the summer of '07 I was sure I'd go to heaven, but I was hedging my bets at VBS" - und alle haben die Passion, den Humor und die Ehrlichkeit von erfrischend autobiographischen Texten. Am wichtigsten aber: das neue Album der amerikanischen Songwriterin zeugt wie kein anderes davor von ihrer Fähigkeit persönliche Empfindungen in universelle zu verwandeln. "I can't hide behind generalizations or fiction anymore," sagt Dacus darüber. Denn während ihre Songs seit jeher einen nostalgische Anstrich haben, öffnet sich Dacus auf dem neuen Album komplett! Während die lange Zeit auf Tour in Lucy den Wunsch nach ihrer Heimatstadt immer größer werden ließ, fand sie nach ihrer Rückkehr in Richmond ein Zerrbild ihrer selbst vor Ort wieder. Plötzlich schienen Menschen, die sie nicht kannte, sie besser zu kennen, als sie sich selbst und Fremde tauchten immer wieder vor ihrer Tür auf, um sie mit ihrer Version Dacus' zu konfrontieren.

Nach mehr als einem Jahr zuhause und in der Videoscreens und Anrufe größtenteils die einzig mögliche Form von menschlichem Kontakt war, ist das Schwelgen in der Vergangenheit eh für viele zum Standard geworden. In diesem Zuge ist "Home Video" ein einzigartiges Beispiel dafür, wie man aus Verletzlichkeit Stärke gewinnen kann. Dacus' Stimme, sowohl die gesungene als auch ihre innere, bieten einem dafür die nötige Kraft, das Fundament und den Glaube.

Release 8.10.2021

Neues, sechstes Album der drei Dänen Caspar Clausen, Rasmus Stolberg und Mads Brauer.

Das neue Efterklang-Album Windflowers, das am 8. Oktober bei City Slang erscheinen wird, ist ein wirklich unglaubliches Album, ein ausuferndes geniales Werk vergleichbar mit ähnlich überraschen Late-Bloomern wie Merriweather Post Pavilion von Animal Collective zum Beispiel. Jedes Jahr, wenn der Frühling kommt, erblüht ein Meer an winzigen Blumen auf dem dänischen Waldboden. Sie sind eine Farbexplosion, ein Symbol der Hoffnung und des Wandels und verschwinden so schnell wie sie gekommen sind und zeigen den ständigen Kreislauf der Natur. Umgangssprachlich sind sie als Windflowers bekannt.

Release 25.6.2021

Das 3te Album der aus dem australischen Melbourne stammenden Formation verspricht großes originelles Future-Soul-Jazz-Kino, wenn man nach dem atemberaubenden Track "Get Sun" geht, der mit brilianten Streichern von Arthur Verocai und einem sonnenbeschienenen wie komplexen Feuerwek aus Funkbass und -Drums im ungeraden Mega-Groove, Jazz-Elementen und fantastischem Soulgesang aufwartet. Die 2-fach Grammy-nominierte Band wurde auch schon von The Carters (Beyoncé & Jay-Z), Kendrick Lamar u.v.a. gesampelt. Der Sinn fürs musikalische Abenteuer durchzieht ihren einzigartigen Sound. Die Gabe, das Komplexe einfach klingen zu lassen, oder, in ihren eigenen Worten: "Wondercore", ist ihr Markenzeichen. Das Experiment mit einem ungeraden Rhythmus, der in 5er-Gruppen gepackt ist, wird zu einem kaskadenartigen Jam namens "Rose Water". Benders und Simons Austausch einzelner Noten, hin und her, um eine Melodie zu bilden, wird zu "All The Words We Don't Say". Nais frecher Kommentar auf sexbesessene, dreiminütige Pop-Hits wird zu "Chivalry Is Not Dead", einem Song über die bizarren Paarungsrituale von Leopardenschnecken und Seepferdchen

Release 23.7.2021

Fast acht Jahre sind vergangen, seit die Band von Nicolás Jaar und Dave Harrington ihr Debüt "Psychic" 2013 veröffentlich hat. Pitchfork nannte es damals den Soundtrack zu einem David Lynch Science-Fiction-Film, den er nie gedreht hat. Jaar und Harrington gingen mit ihrem Band-Projekt später auf Tour, begeisterten vor ausverkauften Hallen und auf großen Festivals und gingen anschließend wieder getrennte Wege. Nicolás Jaar veröffentlichte seitdem 5 Alben unter seinem eigenen Namen, sowie zwei Club-Compilations unter dem "Against All Logic"-Label. Harrington gründete die Dave Harrington Group, brachte 2 Alben heraus, spielte über 300 Shows und arbeitete für andere Künstler als Produzent und Arrangeure. Im Sommer 2018 mieteten sich Jaar und Harrington ein kleines Haus im indigenen Lenni-Lenape Territorium, welches im US-Bundestaat New Jersey liegt, um Ideen für Musik auszutauschen und um schließlich Darkside wiederzubeleben. Es sollte weitere 1,5 Jahre dauern bis ihr neues Album wirklich fertig geschrieben und aufgenommen war.

Release 3.9.2021

Das neue Album markiert eine gewitzte, unkonventionelle Linkskurve und zeigt das Trio in seiner angenehmsten, offensten Form. Selbst aufgenommen und selbst produziert über den Großteil des Jahres 2020, ein Jahr voller Streit, Einsamkeit und Reflexion, zeigt "The Witness" die Band mit einer Lupe über ihren eigenen Standardzustand des Spielens und Auftretens. Es ist eine rasche Abkehr vom Vorgänger-Album "Felt" und erfreut sich daran, zufällige Ideen in ihren embryonalen Demo-Versionen zu ernten, als ob man ein glorreiches Feuerwerk in den Himmel entlässt. Mit dem Ausstieg von Max Henry als Vollzeitmitglied im Jahr 2018 und dem Wohnort-Wechsel von Ben Shemie, der jetzt einen Ozean entfernt in Paris lebt, manifestierte sich eine neue Herausforderung für das Trio, sich wieder zu finden, sowohl sozial als auch kreativ. Mehr als jede andere SUUNS-Platte verwendet "The Witness" eine Jazz-Mentalität, die einen kontinuierlichen Vibe über die Vorstellung von separaten Kapiteln stellt. Es gibt eine Ebene der Entspannung, des Akzeptierens der Urinstinkte der Band und einen konzentrierten Versuch, diese Instinkte zu maximieren und zu überarbeiten.

Release 25.6.2021

Intimes und introspektives neues Werk, auf dem M.C. Taylor in impressionistischen Tönen über Themen wie Erwachsenwerden, Entfremdung, Verpflichtung, Hoffnung, Sinn, Familie, Klasse, Selbstfindung, Heilung und Wiederaufbau nachdenkt und seine Fähigkeit, innerste menschliche Emotionen zu beleuchten, weiter vertieft. Musikalisch sind die Songs durchdrungen von Gospel, Southern Soul, Indie-Folk und Alt-Country mit einem Hauch von Blues-, Rock- und Jazz-Einflüssen. Zu den Höhepunkten gehören der minimalistische R&B von "It Will If We Let It", der rollende Country-Groove von "The Great Mystifier" und das gefühlvolle, rauchige Lamento von "Painting Houses" (gemeinsam mit Gregory Alan Isakov geschrieben). Als Gäste sind Griffin und Taylor Goldsmith von Dawes, Zach Williams von The Lone Bellow, Nashville-Gitarrengröße Buddy Miller sowie Produzent/Musiker Josh Kaufman von Bonny Light Horseman zu hören.

Release 13.8.2021

3te Album des britischen Produzentenduos wird wahrscheinlich der Soundtrack zu einem Sommer werden, der anders ist als alle anderen. Das Duo hat das vergangene Jahr im Studio verbracht und ist mit einer unbändigen Dancefloor-Platte für die post „social distancing" Zeit herausgekommen: „With this record we’ve learned to trust our instincts and go with our gut,” sagt T. „We want it to be more raw, open, fun, enjoyable and entertaining, because that’s what music is,” fügt J. hinzu. J und T sind das pulsierende Herz von Jungle, wo Musik, Ästhetik und Choreografie als eine unverwechselbare künstlerische Vision nebeneinander bestehen. Mit dem gleichen Ethos wie z.B. Gorillaz oder The Avalanches sind die beiden die Produzenten, Songwriter und Musiker, aber sie sind auch die Regisseure, Content-Schöpfer und Kuratoren. Sie stehen an der Spitze einer größeren Gemeinschaft von Kreativen. Sie sind Weltenbauer. Mit dem neuen Album wird dies auf eine neue Ebene gehoben, wobei das größere Jungle-Kollektiv von Tänzern ein integraler Aspekt ist, wie die Musik visuell erlebt wird. Mit jedem Video, bei dem Josh Lloyd Watson und sein langjähriger Mitarbeiter Charlie Di Placido Regie geführt haben, schaffen sie es die Fans zu begeistern. Das Video zu „Keep Moving" ist in einem Take gedreht - teils Birdman, teils West Side Story und zeigt zwei Gangs von Tänzer*innen. Es beginnt mit dem Tänzer Che Jones (der im Video zu „Smile" vom letzten Jungle-Album mitspielte) in seinem Schlafzimmer und führt zu einer Szene im Freien, in der wir Mette Linturi (die im Video zu „Casio" vom letzten Album mitspielte) finden. Der Rest ist eine wunderschöne Entfesselung, die so atemraubend zu beobachten ist, dass sie den Zuschauer mit einem Gefühl der Ehrfurcht zurücklässt.

Release 20.8.2021

King Gizzard & The Lizard Wizard haben kreative Grenzen schon immer mit dem gleichen Respekt behandelt, den Bulldozer allem entgegenbringen, das dumm genug ist, ihren Weg zu verlassen. Ihr 18. Album könnte jedoch ihr bisher furchtlosester Sprung ins Unbekannte sein: eine Suite von zehn Songs, die alle als arpeggierte Loops begannen, die auf modularen Synthesizern komponiert wurden, bevor sie von der sechsköpfigen Band in süchtig machenden, optimistischen und äußerst verführerischen Dream-Pop verwandelt wurden. Das Album klingt gleichzeitig wie nichts, was sie je zuvor gemacht haben, und durch und durch unverkennbar nach Gizz, bis hin zu seinem neonfarbenen psychotronischen Höhepunkt. "Auf Butterfly 3000 haben wir einige Parameter gesetzt, die wir vorher noch nie wirklich angefasst haben", sagt Gizz-Frontmann Stu Mackenzie. "Ich fühle mich am meisten inspiriert, wenn ich nicht im Wettbewerb mit mir selbst stehe, und bin von Ideen angezogen, die sich völlig neu anfühlen. Vielleicht ist das eine idiosynkratische Art, an Musik heranzugehen, aber es ist die Gizzard-Art." Das Album folgt auf die beiden vorangegangenen Gizzard-Alben "K.G." und "L.W.", die, obwohl sie traditionell begonnen, während des Lockdowns fertiggestellt wurden. Ähnlich isoliert entstanden, geht "Butterfly 3000" noch einen Schritt weiter: Das Album wurde komplett in den eigenen vier Wänden der Bandmitglieder aufgenommen, das Studio und der Proberaum blieben diesmal außen vor.

Release 20.8.2021

Wegweisend. Bahnbrechend. Revolutionär. Alles Adjektive, die in der Vergangenheit auf jede der vier vorangegangenen Veröffentlichungen der aus San Francisco, Kalifornien, stammenden Band zutraf. Die gute Nachricht: Daran wird sich auch in Zukunft nichts ändern… Schließlich haben sich in den letzten zehn Jahren Deafheaven fortwährend durch Evolution innerhalb ihrer selbst und ihres jeweiligen Genres ausgezeichnet. Die Bandbreite dieser Genres reichten von Post-Metal bis hin zu Blackgaze, ein Genre, das nicht zuletzt ihretwegen Popularität erlangte. So nannte der Guardian die Band "blackgaze's de facto poster boys, the most likely to open up black metal to an even wider audience" und Exclaim! bezeichnete ihr zweites Album "Sunbather" - das von der Kritik am meisten gelobte Album des Jahres 2013 auf Metacritic - als wegweisend für Blackgaze. Mag sein. Ist aber Vergangenheit und wir blicken in die Zukunft. Und die lautet "Infinite Granite", ihr neues Album, welches am 20. August über Sargent House erscheint. Und niemand, der sich ein wenig näher mit Deafheaven beschäftigt hat, wundert sich darüber, dass "Infinite Granite" nicht weniger als einen weiteren großen Schritt in Richtung einer neuen Sphäre darstellt. Mit Justin Meldal-Johnsen, bekannt für seine ausgezeichnete Arbeit unter anderem mit M83,Wolf Alice, Raveonettes oder Metric als Produzent, schlagen sie ein neues Kapitel von trotziger Schönheit auf und erfinden sich ein weiteres Mal neu. So paart die erste Single des Albums, "Great Mass Of Color", spärliche, ruhige Strophen mit brüllenden Technicolor-Refrains - ein Song, in dem Deafheaven ihre Meisterschaft in der Beziehung zwischen Spannung und Entspannung unter Beweis stellt.

Sie ist die erfolgreichste und vielleicht auch einflussreichste Künstlerin der letzten Jahre, die Stimme ihrer Generation - das zweite Album wurde wiederum mit ihrem Bruder Finneas in Los Angeles aufgenommen. Billie Eilish: Als begnadete Pop-Neudenkerin und Bedroom-Musikerin mit besonderem Bruder-Support ist die Kalifornierin in den letzten Jahren zur größten Musikikone der Welt avanciert. Jeder Track, jeder Look, jeder Social-Media-Post sorgte für neue Wellen - und machte sie zur wichtigsten Künstlerin im Post-Genre-Zeitalter. Geboren als Billie Eilish Pirate Baird O'Connell im Dezember 2001, ging schon ihr allererster Song "ocean eyes" Ende 2015 durch die Decke - Billie war noch keine 14. Als dreieinhalb Jahre später ihr offizielles Debütalbum erschien, lag ihr die Welt bereits zu Füßen.

Release 25.6.2021

Grant ist der Außenseiter des Außenseiters: zu eigen, um Mainstream zu sein, zu traurig, um glücklich zu sein und zu ironisch, um sich nicht genau darüber lustig zu machen. Vor einem Jahr begann John gemeinsam mit Produzentin Cate Le Bon an seinem fünftem Solo-Album zu arbeiten, auf dem der Songwriter spielerisch mit diversen Stimmungen, Texturen und Klangfarben experimentiert, die in einem ständigen Wechsel zwischen ruhig und lebhaft verlaufen. Seit zehn Jahren lebt Grant nun schon in Island, der Boy aus Michigan kennt sein Amerika aber gut genug, um es mit mikroskopischen, malerischen Details zu dokumentieren und zu sezieren. Die spröde Intensität der frühen Lebenserfahrungen eines Mannes mittleren Alters verwandelt sich heimlich in eine breite Metapher für den Zustand der gespaltenen Nation, den der Songwriter bereits im Januar auf "The Only Baby" anprangerte. Mit dem Titeltrack, der als melodische Latenight-Hymne getarnt daherkommt, schlägt der Songwriter weiter in die gleiche Kerbe: "The American dream is only about money".

Release 20.8.2021

5tes Album! Conor O'Brien sagt über die Entstehung von Fever Dreams: "I had an urge to write something that was as generous to the listener as it was to myself. Sometimes the most delirious states can produce the most ecstatic, euphoric and escapist dreams." Und damit ist der Ton des Albums gesetzt. In geradezu hypnotischer Weise verführt Fever Dreams zum Eskapismus und funktioniert dabei wie die besten Platten - es holt einen dort ab, wo man ist und setzt einen woanders wieder ab. Es sind Lieder mit seltsamen, flirrenden Formen und der magischen Ambivalenz von Träumen. Die Intention der Songs ist nie eindeutig und doch glasklar. Inspiration fand Conor, alias Villagers, beim nächtlichen Schwimmen auf einer holländischen Insel, bei Flann O'Brien, Audre Lorde, David Lynch, L. S. Lowry und in den Kompositionen von Piero Umiliani, Alessandro Alessandroni und dem Jazz von Duke Ellington und Alice Coltrane. Geschrieben wurden die Hauptteile der Songs im Laufe von zwei Jahren, aufgenommen wurden sie in einer Reihe von Full-Band-Studio-Sessions Ende 2019 und Anfang 2020. Während der langen, entschleunigten Pandemie-Tage verfeinerte O'Brien sie in seinem winzigen Heimstudio in Dublin. Gemischt wurde das Album von David Wrench (Frank Ocean, The xx, FKA Twigs).

Release 27.8.2021

Die in LA ansässigen Rocker kehren mit ihrem sechsten Studioalbum zurück!!! Bronx VI baut auf dem Sound auf, den The Bronx in den fast zwei Jahrzehnten ihres Bestehens aufgebaut haben. Das beweist definitiv, dass die Tür zu dem, was als nächstes kommt, nicht nur eingetreten, sondern zerhackt und zu Asche verbrannt wurde. Ja, die ersten vier Tracks - "White Shadow", "Superbloom", "Watering The Well" und "Curb Feelers" strotzen nur so vor der wilden und ungezähmten Energie, die die Band von Anfang an ausgemacht hat. Aber dann - ganz plötzlich, als "Peace Pipe" einsetzt - verschieben sich Tempo und Stimmung zu etwas weniger Aggressivem. An anderer Stelle dient "Mexican Summer" mit seinen (relativ) entspannten Mariachi-Vibes als Hommage an das Alter Ego der Band, Mariachi El Bronx (und wurde geschrieben, während diese Inkarnation der Band auf Tour war), während der fatalistische Abschluss "Participation Trophy" die existenzielle Angst hinter brennenden Riffs und einer eingängigen, trotzigen und überschwänglichen Melodie versteckt. "Die Gefühle, die ich beim Schreiben für diese sechste Platte hatte, sind die gleiche Art von Gefühlen, die ich beim Schreiben von "Heart Attack American" hatte. Es kommt alles vom selben Ort und es ist alles immer noch 100% echt und real. Glaubt mir - ich fühle immer noch die rohen Emotionen, die ich fühlte, als die Band anfing. So bin ich einfach, so sind wir als Menschen. So etwas kann man nicht vortäuschen, wenn es um Musik oder Kunst geht. Man muss verbunden bleiben. Du musst einfach echt sein" - Matt Caughthran, Sänger. Bronx VI wurde von Joe Baressi (Melvins, Tool, Bad Religion) produziert.

Release 16.7.2021

6 Jahre nach Superwolf, dem ersten gemeinsamen Album von Matt Sweeney und Bonnie ´Prince´ Billy, heulen die beiden Musiker erneut den Mond an. In klassischer Garcia-Hunter-Manier arbeiteten Sweeney und der 'Prince' zunächst getrennt und fanden dann mit ihren separaten Song-Visionen den Weg zueinander. An Matt gelieferte Bonnie-Lyrics entfachten Sweeneys Fantasie an der Gitarre; Akkorde und eine Melodie wurden geformt, schnell und locker aufgenommen und an den 'Prince' zurückgeschickt, dann trafen sich beide Parteien, um sie zu singen, zu verweben, zu festigen und schließlich gemeinsam vor einem kleinen, ahnungslosen Publikum aufzuführen. Neue Blöcke von Texten und Song-Elementen wurden verschickt, verstrickt und verstanden, bis alles bereit war für die finalen Aufnahmen. Die Arbeit an "Superwolves" begann bereits vor fünf Jahren, die erste eigentliche Session fand jedoch erst vor etwa einem Jahr im Brooklyn's Strange Weather statt und die nächste im Butcher Shoppe in Nashville. Sweeney überwachte die Brooklyn-Sessions während Oldham die Nashville-Mixe überwachte. Sweeney singt die Harmonien um Will Oldham herum mit und spielt alle elektrischen, akustischen und Bassgitarren, stellenweise unterstützt von David Ferguson am Stand-up-Bass, Mike Coltun am E-Bass, Mdou Moctar an der elektrischen Leadgitarre, Ahmoudou Madassane an der Rhythmusgitarre, Souleyman Ibrahim, Ryan Sawyer und Peter Townsend am Schlagzeug und Mike Rojas an den Tasten. Und Bonnie 'Prince' Billy singt. Natürlich. *Domino

Release 3.9.2021

Das 14te Album ist sowohl Reflexion als auch Reaktion; ein Album, das in Isolation auf einen unordentlichen Raum blickt, vernebelt von häufig schmerzhaften Erinnerungen, um sich auf ein offenes Fenster zu konzentrieren, den Rahmen für schimmernde Aussichten auf mit Meer und unendlichem Himmel verschmelzendes Land. Die elf Tracks vermählen Introspektion, stille Wut und erhabene, unwiderstehliche Stücke. Diese Elemente ziehen sich durch das gesamte Album, vom atmosphärischen Summen des eröffnenden "Snowing In Sapporo" bis hin zum galoppierenden "The Secret He Had Missed", ein Push-and-Pull-Duett in Form eines imaginären Dialogs zwischen den walisischen Künstler-Geschwistern Augustus and Gwen John; über das sublime Sinnieren von "Diapause" und stoisches Wunschdenken in "Happy Bored Alone". Musikalisch wurde "The Ultra Vivid Lament" inspiriert vom Plattenregal prägender Jahre (ABBA, post-Eno Roxy, The Bunnymen, REM der Fables-Ära, Lodger). Das Ergebnis kann so aber dennoch nur aus den vereinten Federn James Dean Bradfields, Nicky Wires und Sean Moore stammen - zusammen seit über drei Jahrzehnten eine der am beständigsten brillanten UK-Rock'n'Roll-Bands. Als Abkehr zum Vorgänger (das 2018 erschienene "Resistance Is Futile") stellt "The Ultra Vivid Lament" das erste Manic Street Preachers-Album dar, das in zunächst vornehmlich am Klavier statt auf der Gitarre entstanden ist.

Release 25.6.2021

Hanson ist eigentlich Frontmann des Garage-Prog-Projekts Wand und seit Jahren Teil und Geheimtipp der Pschedelic-Rock Szene von L.A. Sein zweites Solowerk ist ein fast schon orchestral anmutendes Folkalbum. Seine brüchige Stimme gemischt mit spannenden Arrangements, dynamischen Spielereien und vielseitiger Instrumentierung heben die Platte aus dem Einheitsbrei des Folk heraus. Die Single "Angeles" erinnert an Elliott Smith, bevor sich der Song zum Ende hin komplett freispielt und irgendwo zwischen Jazz und Psychedelic endet. Diese Brüche machen dieses Album so spannend!

Release 16.7.2021

Strahlendes neues 10-Track-Album mit kraftvollen Basslinien und elektrisierenden Melodien. Es hat Chet Faker - und auch Murphy selbst - zurück in die Welt gebracht. Wie schon sein Debütalbum "Built on Glass" (2014) schrieb und produzierte Murphy "Hotel Surrender" selbst und stellte die meisten Songs vor Beginn von Covid19 im März 2020 fertig. Kurz nachdem die Pandemie einen weltweiten Stillstand verursacht hatte, verlor Murphy seinen Vater, und plötzlich bekam die neue Wohlfühlmusik eine noch tiefere Bedeutung für ihn. "Es gab eine Menge schwerer Perspektivwechsel für mich."", erinnert er sich. "Ich habe die Musik damals in einem anderen Licht gesehen und betrachte sie jetzt als eine Art Massentherapie. Früher fühlte es sich an, als wäre ich auf einem Kreuzzug oder einer kreativen Odyssee. Heute weiß ich, dass es etwas Schamanisches ist. Man muss ein Licht - oder manchmal auch die Dunkelheit - finden und es teilen. Mir wurde bewusst, dass das der Kern von Chet Faker war. Und ich hatte das Gefühl, dass die Welt litt, also wollte ich etwas tun, um den Menschen eine Freude zu machen

Release 17.9.2021

Neues, viertes Album mit 13 nachdenklich stimmenden, akribisch ausgearbeiteten Songs des Mitglieds von Junip. Die Gitarre – dein zuverlässiger hölzerner Anschmiegfreund und Sentimentalitätsindikator. Das zarte, mäandernde Zupfen der Klampfe bekommt einen Wirkungskreis zugestanden, der zugleich weite Interpretationsfelder bei nahen Begegnungen zulässt. Du spürst die unmittelbar gehauchte Wärme an Deinem Ohr, so nahe scheint José zu sein; So nahe, dass man nur beschämt auf den Boden denn den Künstler anschauen möchte, um in keinen unbewussten Intimkreis zu gelangen.”

Bekannt wurde der Junip-Frontmann bereits mit seinem Debütalbum “Veneer” von 2003 und dem darauf enthaltenen Cover von The Knife‘s großem Hit “Heartbeats”.

Die 13 Songs des neuen Albums wurden im Studio Koltrast Hakefjorden aufgenommen, das José im Sommerhaus seiner Familie nördlich von Göteborg eingerichtet hat. Darauf singt er zum ersten Mal in allen drei Sprachen, die er spricht, nämlich Schwedisch, Englisch und Spanisch.

Release 18.6.2021

Auch als Crystal Blue Vinyl-Edition erhältlich (CHF 36.90)

Wenn eine Band sich von ihrem langjährigen Klangbild löst und - wieder einmal - häutet, kann sie heute alles Mögliche sein. Großes Orchester oder Laptop-Projekt. Das Skizzenhafte kann neben dem Ausgefeilten stehen. Das Beeindruckende neben dem Unscheinbaren. Das Aufwändige neben dem Simplen. Die Frage ist nur: Will man das überhaupt? Und wenn ja: Zieht man das durch? Auf ihrem neunten Album "Talks Of Paradise" präsentieren Slut sich in einem ungewohnten und neuen Soundgewand. Die Gitarrenwände haben sie ersetzt, das Klanggewitter neu gedacht. Stattdessen gibt es analoge elektronische Töne, eine tiefe Transparenz und einige beinahe minimalistische Skizzen. Den hymnischen Indie-Sound ihrer früheren Alben gibt es immer noch. Das hört man unter anderem auf der Vorab-Single "For The Soul There Is No Hospital". Es geht aber nicht darum, zwanghaft etwas Neues zu versuchen. Oder um den Zweikampf Synthie vs. Gitarre. Vielmehr um das Abschalten von Automatismen. Um eine Suche nach dem Momentum. Auch wenn dabei anfangs ein Mosaik aus vermeintlich widersprüchlichen Eindrücken entsteht. Slut ist etwas bemerkenswertes gelungen: Eine etablierte Band aus Leuten und Freunden, die sich schon sehr lange kennen, hat sich entschieden etwas wirklich Neues zu wagen. Und das auf der gesamten Strecke.

Release 18.6.2021

Die belgische Post-Punk-Sensation mit ihrem zweiten Album nach dem Debüt von 2018, schneidiger, waviger Sound mit viel The Cure-Huldigung, also tendenziell nach wie vor tiefer im New Wave-Gefilde als in klassischem Post-Punk. Gerade die düsteren, pathetischen Vocals haben immer diesen tollen Goth-Touch, der ausdrucksstark und in all seiner Düsterheit und Monotonie super faszinierend ist. Im Vergleich zum Debüt hat man allerdings auf die hallige Produktion verzichtet, und versucht nun tatsächlich einen etwas direkteren, trockeneren Sound zu finden, der interessanterweise stark an das The Organ-Album erinnert, und auch den Vocals steht diese Direktheit sehr viel besser, und macht den Sound der Band noch etwas authentisch/eigenständiger. Auch die eingesetzten Synthies in Kombination mit der minimalistischen Instrumentierung tun ihr übriges, sodass hier ein wirklich faszinierendes Album entstanden ist, mit dem man lange Spaß haben wird, und was angenehm zwischen den Stühlen sitzt

Release 18.6.2021

12 Jahre nach der "Declaration of Dependence" wirkt das Songwriting des innerhalb von 5 Jahren in 5 verschiedenen Städten aufgenommene 4ten Album des legendären norwegischen Duo so einfühlsam-behende-melancho-optimistisch-synergetisch, als ob Erlend Oye und Eirik Glambeck Boe nie getrennte Wege gegangen wären mit ihren Projekten Kommode und Whitest Boy Alive. Tobias Hett ist zusätzlich an der Bratsche zu hören bei dem wundervollen Uptempo-Akustik-Folk-Pop-Song "Rocky Trail", bei dem KoC mit ihrem zweistimmigen Gesang und einem leichten Brasil-Jazz-Einfluss das Herz des Sommers berühren.

Release 18.6.2021

Nun folgt CARNAGE, das erste Studio-und-Song-Album des Duos Nick Cave und Warren Ellis. Es handelt sich tatsächlich um eine Art Bad-Seeds-Platte ohne die anderen: kein Bass, keine Drums. Cave singt und spielt Klavier, Ellis organisiert den Rest: Geige, Loops, Gitarren, Elektronik – auch Beats. Das Album beginnt mit einem pumpenden Wumms, der nahelegt, CARNAGE könnte zum Electronica-Abenteuer werden. Zur Ruhe kommt das Album erst in der zweiten Hälfte. Im ersten Stück „Hand Of God“ widmet sich Nick Cave mit biblischen Versen der Katastrophe, die uns umgibt, lähmt und tötet. Er war schon immer ein Dichter der Apokalypse, seine Metapher von der Hand Gottes, die wie ein Hammer vom Himmel auf uns niederschlägt, zeigt Wirkung: Electro-Goth von einem, der vom Glauben abfällt.

CARNAGE startet mit der Apokalypse und endet also damit, die Balkontür aufzumachen, den neuen Tag zu begrüßen. Nick Cave, der Lockdown-Storyteller. Plus Warren Ellis, dem begnadet guten Mitstreiter.

Soloprojekt von Kip Berman (Pains of being pure at heart)

Fantastische Feelgood-Platte, von A-Z grossartig!

Das 10te Album der nach dem Ausstieg von Schlagzeugerin Janet Weiss zum Duo geschrumpften Band aus Olympia, Washington haben Carrie Brownstein und Corin Tucker in Portland selbst produziert. Der Song "Worry with you" zeigt mit seinem rockigen Gitarren-Twang, daß eine der wichtigsten Bands des Riot Grrrl-Movements auf rockigem Kurs ist.

Release 11.6.2021

Musik in ihrer ehrlichsten Form: Ein Flügel und eine Stimme, die faucht und flüstert, schimpft und schmachtet, fleht und flirtet. Lord Kesseli zeigt uns auf seinem Solo Piano-Album «Tell Me When You’re Empty» nicht nur seine Zerbrechlichkeit im Ausdruck und seine Stärke als Songwriter. Er zeigt uns vielmehr, wie Lord Kesseli And The Drums-Songs tönen, wenn man sie auf ihre Essenz reduziert. Es ist keine bittersüsse Melancholie, die aus diesen Rohdiamanten tropft, sondern tiefste Traurigkeit. «Tell Me When You’re Empty» ist schwärzer als eine mondlose Nacht und verleiht dem Schmerz eine neue Dimension. Ein Winteralbum ist es deswegen noch lange nicht geworden: Dies ist Musik für Leute, die Musik mögen – scheiss auf die Jahreszeit

Release 11.6.2021

Der Ex-At The Drive-In/-Sparta Dude mit seinem neuen Album, das etwas anders daherkommt als geahnt, der gute Jim hat sicher das ein oder andere Modest Mouse-Album im Schrank, witzigerweise ist es genau das woran gerade der Gesang vielfach erinnert, auch wenn natürlich nicht die Vielschichtigkeit der Vorbilder erreicht wird, dafür ist der Ansatz auch noch mehr im Post-Hardcore verankert, und hier und da lässt tatsächlich die Energie und Catchiness der alten Bands durchblicken. Allerdings kein Wunder bei der Backing Band: Niemand geringeres als Thursday-Drummer Tucker Rule, sowie Incubus-Basser Ben Kenney geben hier alles. "Daggers" ist somit in der Tat ein überraschendes, sehr direktes Album mit viel Abwechslung und Drive, unerwarteten Wendungen, Ecken, Kanten und Ohrwurmcharakter. Super!

Release 11.6.2021 (Vinyl am 20.8.2021)

Nachträglicher Release des 2019 aufgenommenen und dann wegen schwerwiegenden Belästigungs-Vorwürfen zurückgezogenen Albums. An Kreativität mangelt es ihm nicht, dieses Jahr sollen 3 unterschiedliche Alben erscheinen und sein 17. Studioalbum seit 2000 geht tatsächlich neue Wege, dem das Prädikat "Alternative Country", dessen Starboy er wurde, nicht mehr passt. War das letzte Album ein musikalischer Befreiungsakt von dunkler Aura, bei dem er erstmals rockistische 80er-Anleihen mit energetischen Riffs und keyboardgetriebenen Melodiebögen verantwortete, klingt bei dem neuen Opus nicht nur dem Titel nach mehr farbenfrohe Abwechslung und optimistischere Gestaltgebung durch. Einerseits baut er die 80er Rock-Songs im Fahrwasser von Neil Young, Bruce Springsteen und auch Brian Adams aus, ohne kommerziell zu klingen, andererseits legt er eine exemplarische Vielfalt seines typischen Songwritings vor. Country, Folk, Alternative Rock, Americana und Indie grundieren seine Songs in perfekter Emotionalität. Auch die Kollaborationen mit John Mayer, Benmont Tench, Don Was beweisen die hohe Qualität des sehr variantenreichen Albums. Ryan Adams gíbt sich wie ein moderner Klassiker; er selbst nennt das neue Werk "Fu**ing Epic". Keine Übergangssongsammlung, sondern eine konsequente, wenn auch hellere Weiterführung des sehr guten "Prisoner".

Release 4.6.2021

Von dem Moment an, als Michelle Zauner mit dem Schreiben ihres dritten Albums begann, war klar, dass es nur "Jubilee" heißen konnte. Schließlich feiert ein Jubiläum die vergangene Zeit und blickt optimistisch in die Zukunft. Ein Fest der Hoffnung und Verheißung, das zugleich eine neue Ära in (hoffentlich) brillanten Farben einläutet. Auf ihren ersten beiden Alben wurde Zauner für die Auseinandersetzung mit ihren Ängsten gelobt: Das Debüt "Psychopomp" entstand während der Krebsbehandlung von Zauners Mutter, während der epische Nachfolger "Soft Sounds From Another Planet" den Verlust dieser verarbeitet. Jetzt, zu Beginn einer neuen Dekade, ist Zauner bereit für ihr Glück - ein rares Gut in einer scheinbar zerfallenden Welt - zu kämpfen. "Jubilee" strotzt nur so vor den bombastischsten Arrangements in ihrer Karriere. Jeder Song entfaltet einen neuen Aspekt ihres beeindruckenden Könnens. Joyful noise! "Jubilee" ist ein Album über die Verarbeitung des Lebens und der Liebe, während man auf der Suche nach Glück ist. Ein Prozess, der uns manchmal dazu zwingt, aus uns selbst herauszutreten und aus einem neuen Blickwinkel zu betrachten. Auf "Jubilee" fiktionalisiert Zauner ihre Texte kaum noch, und gießt stattdessen ihr eigenes Leben in das Universum jedes Songs, um so echte Geschichten zu erzählen. Passend dazu veröffentlich Zauner außerdem beim New Yorker Knopf-Verlag Ende April ihre Memoiren "Crying In H Mart", die hierzulande ab Mitte Mai auf Englisch erhältlich sein werden. In den Jahren zuvor nahm Zauner außerdem Theoriestunden und lernte zum ersten Mal ernsthaft Klavier, um so ihre Bandbreite als Songwriterin zu verbessern. Freude, Veränderung, (Weiter-)Entwicklung - diese Dinge erfordern echte Zeit, und wahre Anstrengung. Und Japanese Breakfast gibt sich dem auf "Jubilee" vollkommen hin

Release 4.6.2021

Das bereits fünfte Solo Album des US Singer-Songwriters, der vielen von den Walkabouts, Dirtmusic oder Distance, Light & Sky bekannt sein dürfte. Auf seinem neuen Werk taucht Eckman ganz tief in die Stimmung dieser außergewöhnlichen Zeit ein. Er singt von Verlust, Desorientierung, Wiedergutmachung und der Suche nach einer Heimat. Where The Spirit Rests wurde nur mit einem kleinen Ensemble aufgenommen. Direkt und ohne viele Effekte. Co-produziert wurde es von dem britischen Komponisten Alastair McNeill (Roísín Murphy, Yila). Als Gastmusiker sind Chuck Johnson (Pedal Steel), Catherine Graindorge (Violine) und Dream Syndicate / Green on Red Keyboarder Chris Cacavas auf Where The Spirit Rests vertreten.

Release 4.6.2021

Debütalbum von Sylvern Mathurin aka Poté auf Bonobos Label Outlier. Ein Album, das hart, zart und großartig zugleich ist. Die Verbindungen, die er auf dem Weg dorthin aufgebaut hat, sprechen für die Vielfalt seiner Einflüsse: Mit Connections zu Lissabons kuduro-lastigem Enchufada-Label bis hin zu Benji B und Damon Albarn (der auf der Single, "Young Lies", zu hören ist) hat er einen Sound geschaffen, der gleichermaßen vollgepackt ist mit Ideen und musikalischen Prüfsteinen. Er hat ein breites Spektrum an Unterstützern, darunter Annie Mac, MistaJam, Phil Taggart, Nina Las Vegas, TEED, Pierre Kwenders, Jamz Supernova, Laurent Garnier und Toddla T. Er wurde in Bonobos 2019er „fabric presents“-Mix gefeatured, war auf dem 2019er Africa Express-Album "Egoli" zu hören, produzierte Remixe für Little Dragon und Gorillaz und trat kürzlich bei Colors Berlin auf. Potés Musik balanciert seit jeher zwischen gegensätzlichen Impulsen. Auf der einen Seite ist da die rhythmische, feierliche Musik seiner karibischen Herkunft, auf der anderen Seite sein Interesse an neugierigem, gefühlvollem Songwriting. Auf diesem Album geht er mit dieser Herangehensweise in eine mutigere Richtung: eindringlich und atmosphärisch, ist es eine Plattform für diese beiden Seiten seiner Musik, um einen neuen Dialog zu führen. Die Ambition, die beiden Seiten seiner Musik - das harte, rhythmische Fundament und das Ventil für seine rohen Emotionen - noch dramatischer als zuvor zusammenzubringen, ist das neueste Kapitel auf seiner Reise; neue und mutigere Wege zu finden, sich auszudrücken. Auf diesem Album, mehr als auf jedem anderen Projekt, das er bisher veröffentlicht hat, öffnet sich Poté zweifellos, sowohl in seinem Sound, als auch in den Teilen seiner Persönlichkeit, die er offenbart.

Release 4.6.2021

Neuntes Album und das erste neue Studioalbum der Punkrocker in vier Jahren. Bei der anstehenden Veröffentlichung zeigt die freimütige Band mit dem Finger auf große Unternehmen und Politik, die ihr Spiel auf sozialer und wirtschaftlicher Ebene gegen Millennials, Generation Y und Generation Z auf ihrer Suche nach dem American Dream richten. Musikalisch ist das Album flammender, aggressiver Punk Rock; textlich wurden die elf Songs zum Teil von den Kindern der Bandmitglieder und der Community der Rise Against-Fans inspiriert. Tim McIlrath sagt: "Heute gibt es das Versprechen des American Dreams, und dann gibt es die Realität des American Dreams. Amerikas 'historische Norm', dass es der nächsten Generation besser gehen wird als der vorherigen, wurde durch eine Ära massiver sozialer, wirtschaftlicher und politischer Instabilitäten und dem Ausverkauf der Mittelklasse geschmälert. Der Hauptpreis, der durch harte Arbeit und Engagement versprochen wurde, existiert nicht mehr für alle. Wenn die Privilegierten die Erfolgsleiter erklimmen und diese dann von oben verbrennen, wird das Zersprengen zur einzigen Antwort."

Release 4.6.2021

Erstes neues Album nach 11 Jahren! Vor gut 30 Jahren veröffentlichte Phair ihr Debütalbum "Exile In Guyville" und kreierte damit Album, welches vom Rolling Stone 2020 auf #56 der besten Alben aller Zeiten gevotet wurde. Jetzt hat Liz Phar mit "Soberish" ein Album erschaffen, welches sowohl ihre treuen Fans abholen wird als auch junge Leute ansprechen kann, deren Held*innen sich wiederum von Phair haben inspirieren lassen. Gemeinsam mit Langzeit-Partner und Produzent Brad Wood hat sie ein Album geschrieben, welches alle ihre Fähgkeiten als Musikerin und Songwriterin zusammenbringt. Die Stücke brechen mit den Erwartungen und stellen ihre experimentierfreudige Seite heraus, dann gibt es ebenso ungemein eingängige Refrains und Melodien, die an ihre poppigeren Alben Referenz nehmen. Über allem steht ihre absolut ehrliche und direkte Art, Geschichten zu erzählen.

Für Fans of Amon Düül, Can, Faust, Einstürzende Neubauten, Brian Eno, Cluster, Cult of Luna, NIne Inch Nails, Massive Attack u.a. "Or"

Release 4.6.2021

Erstes Album seit vier Jahren der "beer-crushing, zombie-killing, air-guitar-contest-judging metal heroes!" "Arrows" wurde in den Halfling Studios in der Heimatstadt der Band, Portland, OR, mit dem langjährigen Mitarbeiter Chris Funk, Produzent von "Murder The Mountains" und "Whales and Leeches" aufgenommen. Chris ist ein wichtiger Einflussfaktor in Bezug auf das seltsame Umgebungsmaterial zwischen den Songs und verantwortlich für die gruseligen Nebengeräusche in den Songs und schafft definitiv eine zusätzliche Atmosphäre, die die Band sonst so wohl nicht hätte. "Arrows" ist auch der erste richtige Titeltrack für die Band. So erklärt Beam: "Dies ist das erste Mal, dass wir ein Album nach einem Song benennen, der tatsächlich auf dem Album ist. Wir haben andere Alben, die nach unseren Songs benannt sind, die aber selbst nicht auf diesen Alben sind".

Release 4.6.2021 (Vinyl am 11.6.2021)

Eine der beliebtesten Bands Großbritanniens und Gewinner des Mercury Prize 2018 für ihr letztes Album "Visions of Life", mit ihrem dritten Album! "Blue Weekend" wurde von Markus Dravs (Arcade Fire, Björk, Brian Eno, Florence + The Machine) produziert, der der Band geholfen hat, ihren Sound auf einen noch schärferen Punkt zu verfeinern. Rowsells persönliches Storytelling steht im Mittelpunkt von "Blue Weekend", einem Album, das Wolf Alice eine neu entdeckte Kühnheit und Verletzlichkeit gleichermaßen zugesteht. Gegründet 2010 als Akustik-Duo, von Sängerin Ellie Rowsell und Gitarrist Joff Oddie, sind Wolf Alice seit 2012 auch durch den Bassist Theo Ellis und Schlagzeuger Joel Amey vertreten.

Release 28.5.2021

Moctar wurde schon als afrikanischer Hendrix bezeichnet. Das 2te Album des in Agadez im Niger in einer eher ländlichen Gegend, die wie eine kleine Oase mitten in der Sahara wirkt, lebenden Musikers folgt dem Tuareg-Blues, wobei Moctar sein virtuoses, unverzerrtes, aber auch verzerrtes Gitarrenspiel v.a. im Dienste des Songwritings im Zaum hält, aber immer wieder auch mit eingestreuten Soli brilliert. Am brillanteste bei dem chameleonartigen Song "Chismiten", wo die Gitarre genauso wie die Wechselgesänge der Musiker unbändiges Freiheitsgefühl zu synkopiertem Rhythmus verbreiten. Ähnlich Songhoy Blues folgt er mit seiner Band mit hypnotischer Percussionbasis und fingerfertig gespielten Gitarrenlinien im Gesamten auch dem Gedanken von 70s-Rock und DIY-Punk im Kontext des betörenden Gestus des Tuareg-Blues.

Release 28.5.2021

Immer wieder eine feine Sache, dem Charme seiner Stimme auf kompletter Albumlänge erliegen zu können, erhält seine ebenso wie die von J. Mascis unverkennbare Stimmfarbe bei DInosaur Jr.-Alben meist nur bei einem oder zwei Songs Raum zur Entfaltung. Sein neues Solo-Album ist durchweg akustisch gehalten, was die Gitarren anbelangt, umspielt wird die enorme Präsenz Stimme bei aller eigentlichen Zurückhaltung, die Teil ihres Ausdrucks zu sein scheint, und all der Zerbrechlichkeit, die sie beinhaltet, neben den die Songs wesentlich illustrierenden Gitarren auch von einem Bass und Backgroundgesang und manchmal auch ein bisschen Orgel-/Synthklang, um die Atmo zu untermalen oder auch wie bei "Thirsty" eigenwillige Akzente zu setzen, Drums gibts nur vereinzelt. Lou bewegt sich mit Schwerpunktverlagerungen in einem das Organische seines Songwritings betonenenden Universum aus Indie-Folk mit virtuos geschlagenen und mit fingerpickin Akustikgitarren und der zeitlosen Lo-Fi-Indie-Pop-Melodiosität, wie er ihn auch bei Folk Implosion und Sebadoh früher gezeigt hat. In seinen selten die 3-Minuten-Marke überschreitenden Songs manifestieren sich Selbstbewusstsein und Können, Weitblick und Lebenserfahrung.

Release 4.6.2021

Falls das allumgreifende Horror-Szenario 2021 bei jungen Newcomer-Bands dafür sorgen sollte, dass sie sich mit Existenzängsten und dem Lecken ihrer zahlreichen Wunden beschäftigen, haben black midi wohl das Memo nicht bekommen. Denn weder Covid-19, noch das zweite-Album-Syndrom oder sonstige Hindernisse konnten der vielleicht spannendsten neuen britischen Rock-Hoffnung den Wind aus den Segeln nehmen. Dementsprechend ist der Nachfolger "Cavalcade" zum gefeierten Debüt "Schlagenheim" ein dynamischer, wie innovativer Höllenritt. Und eine weitere Standortbestimmung einer immer getriebenen jungen Band, die sich nicht auf dem bisher erreichten ausruhen will. Die Bedeutung des Titels beschreibt eine feierliche Prozession, wie eine königliche Parade und black midi sehen ihr neues Album als Ansammlung aus übermenschlichen Persönlichkeiten an: vom gefallenen Kult-Führer, über einen antiken Leichnam, der in einer Diamanten-Mine gefunden wurde, bis zur legendären Sängerin Marlene Dietrich streift die Band diese. Geordie Greep, Gitarrist und Haupt-Sänger der Band erklärt die fundamentalen Pfeiler von "Cavalcade":
Musikalisch bedienen sich black midi aus einer ausufernden Palette an Einflüssen von Rock über Jazz, Hip Hop, elektronische Dance Musik, Klassik, Ambient, Prog bis zu experimentellen Versatzstücken - wobei ihr Ethos dabei sehr simpel ist.

Release 4.6..2021

Eine aussergewöhnliche musikalische Mischung, die nicht so street-affin klingt wie die Vergangenheit des 23 jährigen, durch Gang-Wars in Regent Park, Toronto gestählten Spoken Word-Künstlers, der beherzt in seinen Texten gegen den gewalttätigen Alltag seines Viertels und Rassismus und Stereotypen kämpft und angesichts millionenfacher Follower in Kanada vom Premierminister für den "Youth Advisory Council" nominiert wurde. Von akustischer, gezupfter Gitarre, aber auch minimalistischen Beats und atmosphärischen elekronischen Ornamenten gezeichnete Songs, die von der ungemeinen Präsenz der virtuosen Stimme von Mustafa bestimmt werden, die mit einer sehr eigenen Art von Melancho-Beseeltheit den Blues vollzieht. Damit steht er Folk genauso nah wie Avant-Soul. Sein Debüt-Album ist eine Hommage an die MCs des Regent Park. Verlust ist dabei ein zentrales Thema, er hat viele Freunde an die Straße verloren, deren schmerzhaften Geschichten er besingt als gleichsam Bewältigungstherapie wie Wundenheilung.

Release 28.5.2021

Das freigeistige, sechsköpfige Freak-Rock-Biest kehrt mit seinem siebzehnten Album zurück. "L.W." ist sowohl ein Gegenstück zu seinem Vorgänger "K.G." aus dem Jahr 2020, als auch ein eigenständiges Werk der Innovatoren aus Melbourne. Nach einem ganzen Jahrzehnt zunehmender Produktivität hat die Unfähigkeit, 2020 und 2021 auf Tour zu gehen, der Band ein Zeitfenster verschafft, in dem sie, wie Frontmann Stu Mackenzie es ausdrückt, "unsere Gehirne zurücksetzen und versuchen, herauszufinden, wie wir etwas anderes machen können." Wo King Gizzard in der Vergangenheit vielleicht vierzehn oder fünfzehn Songs aufgenommen haben, um es auf ein Zehn-Track-Album zu schaffen, nahmen sie dank der zusätzlichen Zeit, die sie hatten, stattdessen neunzehn komplette Tracks nacheinander auf. Das Ergebnis ist ein Doppelalbum, das die mikrotonalen Erkundungen der Band erweitert, die erstmals auf dem 2017 erschienenen Album "Flying Mictrotonal Banana" zu hören waren, das von vielen Fans und auch von Stu selbst als eines der Lieblingsalben von Gizzard angesehen wird. Damals wie heute begab sich die Band auf die Suche nach "den Tönen zwischen den Tönen", über modifizierte Instrumente und die mittelöstlichen Stimmungen. Während die Band in ihr zweites Jahrzehnt eintritt, verspricht die kreative Zukunft dieser Band des 21. Jahrhunderts nur noch kühner, verrückter und einfallsreicher zu werden.

Release 21.5.2021

Das neue Studioalbum von Robert Finley wurde erneut von Mastermind Dan Auerbach produziert.
Bluesy Soul vom Allerfeinsten!

Release 21.5.2021

Die Indie-Folk-Band Lord Huron bringen am 21.Mai ihr langerwartetes neues Album “Long Lost“ raus. Vier neue Songs wurden bereits veröffentlicht und geben einen ersten Eindruck in den verträumten 50er Jahre Klang des neuen Albums (“Long Lost“, “Mine Forever“, “Not Dead Yet“, “I Lied feat. Allison Ponthier”). In welche Welt das Album einen verführen soll, verraten die Künstler allerdings noch nicht – Was genau sich hinter dem Titel-Track “Long Lost“ verbirgt, bleibt vorerst ein Mysterium.
Durch die Serie 13 Reasons Why erlangte die amerikanische Band mit ihrer melancholischen Single “The Night We Met“ große Bekanntheit. Heute sind sie vor allem für ihren filmischen Sound bekannt: Ihre Musik ist durchzogen mit warmen Gitarrenklängen, schwellenden Streichern und bewegenden Melodien.

Release 21.5.2021

Auch als Ltd.-Red Vinyl-Edition erhältlich (CHF 34.90)

Nachdem sie schon bei einer der letzten NPR Tiny Desk Sessions vor Corona für Begeisterung sorgte, folgt das Debütalbum der australischen Sängerin, das von Adrianne Lenker produziert wurde. Ein Folkalbum, welches an Intimität und Verletzlichkeit kaum zu überbieten ist. Oft spärlich, fast kammerpopartig instrumentiert mit einer Stimme, die manchmal bricht, haucht, oder flüstert, wecken die Songs Erinnerungen an Künstlerinnen wie Hope Sandoval und Weyes Blood. Sparke, die sich thematisch mit der Suche nach dem Gefühl etwas Größeres zu sein auseinandersetzt, ist also in den Händen der Big Thief Sängerin bestens aufgehoben. Vielversprechende Newcomerin!

Release 21.5.2021

Ein Album, mit dem die Band aus Nashville ein neues Kapitel aufschlägt. Der Titel ist absichtlich irreführend bzw. die wohl von den meisten assoziierte Bedeutung, doch auch ironisch zutreffend, wenn auch wie eine verwehte Erinnerung. Neue Soundwelte eröffnen sich, die mit jeder Hörrunde Lust auf mehr Vertiefung machen. Unverkennbarer Festhaltepunkt ist Kurt Wagner's spröder Gesang, der teils in seiner Pureness und manchmal dezent mit autune verfremdet wird und einmal auch dank Sampler und Cutting in grandiose Einzelteile zerlegt wird, sich aber wunderschön einreiht in den eigenwilligen wie originellen Gesamtlook. Die musikalischen Einbettungen sind extrem spannend und originell, klingen manchmal in ihrem MInimalismus und ihrer Sphärik stellenweise wie eine Art Nashville-Antwort auf Bohren. Neben der auch immer wieder präsent werdenden Verwurzelung im Indie-Country und Folk spielt nocturnal anmutender Jazz mit grandiosen Bläsermomenten neben Ambient-/Drone-Sphärik, quer laufenden Sounds und Samples eine wichtige Rolle hier, nicht zu vergessen die herrlich wärmenden Basslinien als Zentrum neben Wagner´s Stimme. Ein experimentelles Album-Kleinod, auf dem jeder Song eine Reise mit ungewissem Ausgang dank wechselnder Ingredenzien und innovativer Verarbeitungsmethodik des American Songbook verspricht. Ein Karriere-Highlight von Meistern ihres Fachs für Connaisseur*innen. *City Slan

Release 21.5.2021

Das neue Album lädt direkt in die Gedankenwelt der Psychedelic-Rock Legende Dave Wyndorf ein und überzeugt mit einer psychotischen Auswahl aus Proto-Metal und späten Psych Songs, die breitbeinigem Hardrock mehr als nur Tribut zollen. Die exzellente und gleichermaßen obskure Songauswahl huldigt einigen bekannten All-Time-Favorites in neuem MM-Gewand und lässt vertraute Melodien neuen Spirit atmen. Das erste Cover-Album markiert eine weitere absolute Glanzleistung der Band und präsentiert Wyndorf's Stimmkraft, die den Songs einen zweifelsohne, unnachahmlichen Stempel verleiht, in absoluter Höchstform,. Das Sound-Korsett von A Better Dystopia wurde von den Musikern Phil Caivano, Bob Pantela, Garrett Sweeney und Alec Morton geschnürt: Ein Feuer aus Vintage und Old School, brennenden Fuzz-Leads und stampfenden Bässen und Drums, ausgelöst durch den expressiven Stil der Formation, der in der modernen Musik fast verloren gegangen ist. Im Album Opener "The Diamond Mine" rezitiert Dave Wyndorf einen klassischen Monolog Dave Diamonds' - einem amerikanischen Radio-DJ, dessen Sendungen in den späten 60ern und frühen 70er Jahren vielen Psychedelic- und Acid-Rock-Bands zu steigender Bekanntheit verholfen haben.Mit den Anfangsakkorden das Hawkind-Klassikers "Born To Go" beginnt der eigentliche Trip der Platte. Tracks, wie das herausragende "Mr Destroyer" (Poo-Bah) rühmen sich durch wabernde Riffs und wirbelnde Vocal-Parts und führen mit beinah visionärer Wirkkraft die perfekte Mischung aus Hard Rock und Psychedelic herbei. Das fiebrig klingende "Motorcycle (Straight To Hell)" (Table Scraps) atmet die pure Punk Wildheit der alten Schule und Zeilen wie "I'm gonna drive it straight to HELL!" erinnern an eine stilistische Kreuzung aus Iggy Pop und Motörhead. Die tosende Version des Hardrock Klassikers "Learning To Die" (Dust) und die ausdrucksstarke Interpretation des Stooges-trifft-auf-Goth-Epos "Solid Gold Hell" (The Scientists) ziehen den Hörer vollends in die Tiefen des flackendernden Kaninchenbaus. Das Album schließt mit der explosiven Coverversion von Morgens "Welcome To The Void", die in bissig und gleichermaßen ungezwungenere Manier dazu einlädt, die halluzinogene Fahrt immer wieder neu zu starten. Mit A Better Dystopia lassen MM den Hörer in einer anderen Zeit und einem anderen Raum erwachen, der trotzdessen eindeutig den klassifizierenden Magneten-Stempel an jeder Ecke widerspiegelt.

Release 21.5.2021

Es ist über 15 Jahre her, dass Cartwright nach Asheville gezogen ist, aber diese neue, in Memphis entstandene Platte zeigt den Songwriter wieder mal in Topform und ganz von seinem Geburtsort inspiriert. Und es ist nicht nur das Terrain, das ihm vertraut ist: Für "A Little More Time With Reigning Sound" hat Cartwright auch die ursprüngliche "Memphis-Besetzung", bestehend aus Jeremy Scott (Bass), Greg Roberson (Schlagzeug) und Alex Greene (Keyboards), wieder zusammengebracht, die alle schon bei den ersten Aufnahmen der Band mitgewirkt haben. Die 12 Songs erkunden neue lyrische und musikalische Territorien, erinnern aber manchmal auch geschmackvoll an "Break Up, Break Down" (2001) und "Time Bomb High School" (2002). Und das ist kein Zufall - es ist einfach das, was passiert, wenn diese Musiker in denselben Raum kommen. Ihre klangliche Chemie ist kein bisschen verblasst.

Release 21.5.2021

BLK JKS gelten mittlerweile als legendär in der südafrikanischen Afropunk-Szene. Und dass, obwohl die Combo ihr erstes und letztes Album bereits 2009 rausgebracht hat. Der Grund: Man hatte sich zwischenzeitlich gestritten und getrennt, sodass sich jedes der Mitglieder erstmal auf seine individuelle Arbeit konzentriert hatte. 2019 kündigte die Combo dann mit ihrer Single "Harare" das zweite Album "Abantu/Before Humans" an, das bisher zwar immer noch nicht erschienen ist, aber mit dem 21. Mai nun ein Termin für dieses Jahr hat. Passend dazu ist nun auch ein Video zu "Harare" erschienen, ein empowernder Song über die menschliche Natur und das Bedürfnis nach Bewegung und Flow. Dabei nimmt das dazugehörige Video schon fast meditative Züge an.

Release 14.5.2021

Die Dead Can Dance-Mitglieder Lisa Gerrard und Jules Maxwell haben gemeinsam mit James Chapman (MAPS) ein neues Studioalbum mit dem Titel ›Burn‹ aufgenommen. Die Entstehungsgeschichte des Albums begann vor mehr als sieben Jahren, als sich Lisa im Vorfeld ihrer ersten Zusammenarbeit mit dem irischen Theaterkomponisten Jules Maxwell traf. ›Burn‹ erscheint auf Atlantic Curve.

Auch wenn es sich bei diesem Album um einen neuen Release handelt, reichen seine Wurzeln bis ins Jahr 2012 zurück, und zwar zur damaligen Welttournee von Dead Can Dance, um genau zu sein. Der eigentlich als Keyboarder für die Tour dazugestoßene Jules Maxwell schrieb zusammen mit Lisa Gerrard einen neuen Song. ›Rising Of The Moon‹ wurde bei jeder Show als finale Zugabe gespielt.

Als die Tour schließlich 2013 in Chile zu Ende ging, hatte sich zwischen den beiden eine starke Verbundenheit entwickelt und in den folgenden Jahren ergaben sich immer wieder Gelegenheiten zur Zusammenarbeit. Stilistisch handelt es sich bei dem neuen Album ›Burn‹ um eine vielschichtige Mischung aus Electronica, Alternative, weiten Klanglandschaften und Worldmusic mit leichten Anklängen an die frühen Vangelis.

Release 14.5.2021

Der Albumtitel führt auff schelmische Weise vollends in die Irre. Stattdessen zieht die Band ein hochintensives Feuerwerk der Extreme ab auf ihrem Einstandsalbum für Sargent House. Ein mit mächtiger Energie aufgeladener und sonischen Überschlagungen, eingebauten Brüchen und knisternde Verzerrungslandschaften genauso aufwartender hochorgineller Vabanque-Ritt zwischen Hardcore, Noiserock, Screamo und Cyberpunk aber auch Indie- und Mathrockanliehen. Ein rebellisches Statement gegen jede Erwartungshaltung, das im Vollwaschgang vorgeht und auf unglaublich dichte Weise übereinander verkoppelte Distortion-Sounds von Gitarren und übersteuerten Synths, virtuoses Powerdrumming und mehrstimmigen Gesang mit unterschiedlichem emotionalen Ausdruck vereint. Melodien kommen innerhalb dieser Song-Gewitter auch nicht zu kurz, Stimmeffekte auch nicht. Eine Spielwiese der Kreativität, die mit der Konfrontation der Gegensätze ganz groß auftrumpft. "It is a joyous, genderless, post-nihilist, anti-punk, razor-focused take on creating the most intense listener experience possible. It's the harshest, most beautiful, most hideous thing we could make." Von Banmitglied Dan Greene zusammen mit Ben Chisholm (Chelsea Wolfe) produziert inklusive Beiträgen von Mark Lanegan, Troy Van Leeuwen (QUOTSA, A Perfect Circle), Ben Koller (Converge, Killer Be Killed, Mutoid Man)

Release 14.5.2021

Seit mehr als zehn Jahren arbeitet die Künsterin, Songwriterin und Autorin Jenny Hval mit Multi-Instrumentalist Håvard Volden zusammen. Jetzt erscheint das Debüt-Album des norwegischen Duos. „Menneskekollektivet“ heißt soviel wie „Menschliches Kollektiv“. Was ist mit dem Menschlichen Kollektiv bzw. der Menschheit als Kollektiv eigentlich gerade los? Aus hiesiger, bisweilen eurozentristischer Perspektive taumelt sie mehr oder weniger mit reichlich Fehltritten durch eine globale Pandemie, die ebenjene kollektiven Schwächen gnadenlos offenlegt. Und das einzelne Individuum, respektive Ich, befindet sich im physichen #Stayathome-Stillstand, und droht geistig in einer Suppe aus Nicht-Nachrichten, Hiobsbotschaften und gesellschaftlicher Total-Verdrossenheit zu versinken. Ziemlich lost das alles. Auch die Musik von Hval und Volden ist ein unschlüssiges Umherwandern, eine ständige Suche. Nach einem Sound zwischen Gitarre, House-Beat, Ambient-Synth, Pop und Orchester. Und seitens der Texte von Hval nach einer expliziten Geschichte, die fehlt, sich aber gleichzeitig aus diesem Fehlen selbst generiert. „Menneskekollektivet“ ist wie die Performance der völligen Ungewissheit. Und genau deshalb eine grandiose, musikalische Momentaufnahme.

Release 14.5.2021

Die 5 teils sehr langen Songs waren ursprünglich das Ergebnis einer magischen von White dirigierten Freeform-Jam-Session von White mit 7 Musikern in Richmond, Virginia, ein mächtiges, hypnotisch groovendes Manifest mit einem grandiosen Psychedelic-Space-Jazz-Überbau von spacigen Keyboards und Gitarren, das von White aber wegen seines speziellen Charakters zunächst nicht veröffentlicht wurde. Bis Lonnie Holley mit dem Sprech-Sing-Sang seiner welken Soul-Stimme eine Art kosmische Weisheit über Whites wartende Arbeit ergoss. Ein phänomenales Mini-Album: explosiver und eindringlicher als alles, was die beiden Künstler je gemacht haben. Aggressiv, aber ekstatisch, spielerisch, aber pointiert. Eine pointierte, aber einfühlsame Sozialkritik, unterlegt mit mächtigen Grooves. Holley nahm seine Vocals über Whites Aufnahmen in nur vier Stunden auf. Als Visionär und intuitiver Texter hörte er sich 20 Sekunden an und überging oder proklamierte die Bilder, die die Klänge hervorriefen. Wenn ihm etwas gefiel, zog er ein Notizbuch zu Rate, das voller lyrischer Einfälle war, und sang dann komplette erste Takes zu Musik, die er noch nie gehört hatte.

Release 14.5.2021

Das 10te Studio-Album feiert die Wurzeln der Band und enthält elf Mississippi Hill Country Blues-Standards, die Dan Auerbach und Patrick Carney seit ihren Teenagertagen lieben, noch bevor sie eine Band gründeten. Die 2001 in Akron, Ohio gegründetenThe Black Keys nahmen das Album in Auerbachs Easy Eye Sound Studio in Nashville auf, wo ihnen Musiker wie Kenny Brown und Eric Deaton Gesellschaft leisteten, langjährige Mitglieder aus den Bands von Blues-Legenden wie R. L. Burnside und Junior Kimbrough. Seinen Namen bezieht das Album von William Egglestons ikonischem Mississippi-Foto, das auf dem Cover zu sehen ist.

Release 14.5.2021

Auch als Tape erhältlich (CHF 21.90)

Nick Rattigan alias Current Joys siebtes Studioalbum "Voyager" durchzieht die für Current Joys typische, intensive Spannung, die schon auf Rattigans vorigen Veröffentlichungen zu spüren war: Eine zitternde, sich heiser schreiende Stimme, die im Verhör mit sich selbst zu sein scheint. Begleitet wird diese emotionale Rock 'n' Roll-Kakophonie nun von einem soundtrackartigem Orchester. Es ist eine Odyssee, eine großartig klingende Reise der Selbstfindung, verteilt über insgesamt 16 Songs. Teils Beschreibung, teils persönlich, erleben wir hier Rattigan, wie er versucht, neue Wege zu finden, um seine Gefühle und die eigene Identität besser zu verstehen - inspiriert vom stark stilisierten, hervorstechenden Storytelling von Filmemacher*innen wie Alfred Hitchcock, Lars Von Trier, Terrence Malick, Agnès Varda und Andrei Tarkovsky. Jeder Song in Current Joys' voriger Diskografie stammt gänzlich von Rattigan selbst, stets allein aufgenommen, schnell veröffentlicht, von einsamer Intensität lebend. Sein Debütalbum Wild Heart erscheint 2013 innerhalb von nur sechs Monaten nach Beginn des Projekts, das sechste (!) Studioalbum A Different Age folgt im Jahr 2018, während er sich parallel emsig eine treue Fanbase erspielt - zuletzt in ausverkauften Venues wie dem El Rey Theatre in Los Angeles und auf Touren durch Europa. Für Voyager hat Rattigan sich nun bewusst den bisherigen Lo-Fi-Recordings abgewandt, um in voller Bandbesetzung in den Stinson Beach Studios in Kalifornien aufzunehmen. Inspiration zieht er weiterhin aus seiner Liebe zum Film, und auch von Croonern wie Jeff Buckley, Chris Isaak oder Nick Cave - letztere dokumentiert durch Rattigans Interpretation von dem Boys Next Door Song "Shivers". Rattigan glaubt fest an die vorherrschende Kraft von Musik und klammert sich an Songideen, die ihn geradeaus packen - angetrieben von einem fast abstrakten Existenzialismus, mehr noch jedoch von den hervorgerufenen Gefühlen. Das tränkt Voyager mit Intensität und Intimität und schafft den Eindruck, dass man zu hören bekommt, welche verschiedenste Bestandteile ein Projekt - oder eine Person - zu einem weitläufigen, filmischen, leidenschaftlichen Ganzen machen.

Release 14.5.2021

Nach zwei Alben auf Morr Music erscheint das dritte Album der Münchner auf dem Wiener Label Siluh. Der versponnen-psychedelische Krautpop-Entwurf mit Independent Folk-Anleihen wird konzeptuell erhöht und darf Liebhabern der Beta Band, Jane Weaver, späten Tame Impala oder Animal Collective nicht entgehen. Aloa Input ist im besten Sinne eine Experimental Pop Band. Das dritte Album der Band um Angela Aux, Marcus Grassl und Cico Beck (The Notwist, Joasihno) ist ein Konzeptalbum, hört auf den Namen "Devil's Diamond Memory Collection" und erscheint im Mai 2021. Fünf Jahre sind seit dem letzten Album von Aloa Input, der einstigen Speerspitze des "New Weird Bavaria", vergangen. Eine für die Band ungewöhnlich lange Zeit. Angela Aux, Marcus Grassl und Cico Beck verbrachten sie damit einen endlosen Strom an Demomaterial zu produzieren. Bei Sessions in Ateliers, Kinos und Kellerräumen in München, Mexico City und Montreal entstanden knapp 50 Stücke. Am Ende blieben 14 übrig, die im ersten Konzeptalbum der achtjährigen Bandgeschichte gipfelten. Das Thema? Die ,gefühlte Ewigkeit"! Jedes der 14 Lieder ist aus einer anderen, fiktiven Perspektive aus einem unbestimmten Zeitpunkt in der Zukunft erzählt, eine Rückschau auf die Fetzen unserer Zivilisation. ,Wir wollten eine Platte machen, die wir selber in 20 Jahren anhören würden und sagen, ja: So erschien uns damals die Zukunft". Doch wie lässt man eine Zukunft vor dem inneren Ohr auferstehen, die nur in unseren Gedanken existieren kann? Aloa Input haben auf ,Devil's Diamond Memory Collection" den richtigen Ton getroffen, irgendwo zwischen alienated und alltäglich. "Devil's Diamond Memory Collection" ist der Soundtrack für ein Science-Fiction-Szenario, das nicht als fortschrittsoptimistische Utopie oder bombastische Endzeitvision daherkommt, sondern als geradezu beiläufige Erkenntnis, dass wir längst in unserer Zukunft angekommen sind.

Release 14.5.2021

Sein 17tes Album besteht aus zehn intensiven Songs, die Geschichten von Menschen erzählen, die schlimmen Umständen trotzen. Das vom aus Seattle, Washington stammenden amerikanischen Singersongwriters selbst produzierte Album gehört klanglich zu seinen exponiertesten Arbeiten. Einflüsse waren der einzigartige Sound von Alben wie Lou Reeds "The Bells" oder Paul McCartneys "Ram". Düstere Szenerien und Geschichten des Zwielichts sind seit langem fester Bestandteil von Jurados Songs über Geister, Mörder, grausame Liebhaber oder den falschen Messias. Auf "The Monster Who Hated Pennsylvania" wirken die Inhalte mehr geerdet, fast schon aus dem Lebensalltag zitiert und von gewöhnlichen, aber nicht weniger gewaltigen Katastrophen gezeichnet: ein sich auf eine Stadt zubewegender Wirbelsturm, Amnesie, Krankheit oder belastete wie belastende Beziehungen. Auf "The Monster Who Hated Pennsylvania" kreiert Jurado seine eigene Twilight Zone, 'einen Ort zwischen Licht und Schatten', wie es der 48-Jährige ausdrückt. Er öffnet dem Zuhörer eine Dimension der Vorstellungskraft rund um den Grenzbereich zwischen Herzschmerz. Er kennt die geheimen Worte und flüstert sie im richtigen Moment.

Release 14.5.2021

Das sechste Album von St. Vincent deckt eine neue Facette an der sich ständig weiterentwickelnden Künstlerin Annie Clark auf, einer der faszinierendsten Erscheinungen gegenwärtiger Pop-Musik ist: "I was inspired by the classic records of the 70's. Stevie. Sly. Stones. Steely Dan. Chords. Groove. The days when sophisticated harmony and rhythm didn't sound heady - they just sounded, and felt, good. Lots of guitar. But warm sounds, not distortion and chaos. Hopefully a turn nobody will see coming." Das Album wurde von Annie Clark und Jack Antonoff produziert, von Cian Riordan gemixt und von Chris Gehringer gemastert. Als MusikerInnen beteiligt sind Annie, Jack und Cian sowie Thomas, Evan Smith, Sam KS, Greg Leisz, Daniel Hart, Michael Leonhard, Lynne Fiddmont und Kenya Hathaway.

Release 7.5.2021

Der Zürcher Rapper und Poet Tinguely dä Chnächt veröffentlicht am 7. Mai 2021 sein neues Album «Zukunft». Produziert wurde sein nunmehr viertes Solo-Album von Reezm. Als Gäste mit dabei sind Sulaya, Manillio, Stereo Luchs, Danase, Anna Luna und Noah Ferrari.

Vor drei Jahren veröffentlichte Tinguely dä Chnächt sein vielbeachtetes Album «Calvados». Zudem wurde er für sein Schaffen mit einem Werkjahr der Stadt Zürich ausgezeichnet. Es folgten verschiedene Kollaborationen sowie mehrere Tracks seines Side-Projektes «Acid Easy». Nun präsentiert er sein neustes Solo-Album. Dafür arbeitete Tinguely dä Chnächt erneut mit dem DJ und Produzenten Reezm zusammen. Als Mitinhaber eines Plattenladens greift dieser auf ein riesiges Musikwissen und eine gigantische Soundbibliothek zurück. Damit kreierte er den Sound, zu welchem Tinguely auf «Zukunft» seine Beobachtungen schildert. Auf seinem neusten Werk reflektiert Tinguely dä Chnächt gewohnt poetisch das, was sich anderen oftmals verbirgt. Und beschreibt vermeintlich Bekanntes so, wie man es bisweilen noch nicht gehört hat.
«Berlin» eröffnet das Album. Ein Song, in dem es um seine Stadt geht, ihre jungen Einwohner*innen und deren immer währende Sehnsucht nacht Berlin. Dabei karikiert er verschiedene Typen, und so manch einer wird sich im einen oder anderen wiederzufinden. «Planet» mit Sulaya zeichnet eine für ihn heute entfernte Partywelt nach. Und einen Ort, der gerade in diesen Tagen für alle unerreichbar zu sein scheint. Und während «Seriäkiller» mit der Nutzung von Streamingdiensten spielt, thematisiert er auf dem von Dabu Bucher mitproduzierten «Sandy» die Beziehung von Mensch zu Mobiltelefon. Dann gibt es da noch «100 Läbä», eine Kollaboration mit dem Zürcher Stereo Luchs in Bestform. Exklusiv auf der Vinylversion von «Zukunft» ist der Track «Vorsicht vor äm bissigä Humor» mit Danase zu finden. Tinguely dä Chnächt hat die Bars und Backstages vorerst hinter sich gelassen. «Zukunft» zieht ein Fazit. Der soulige Grundton aber, den seine geschriebenen Bilder kennzeichnet, ist
geblieben. So hält der Longplayer für die Hörer*innen Kritisches, Amüsantes und Ergreifen des bereit.

Der 45-jährige Zürcher Rapper und Poet Tinguely dä Chnächt, bürgerlich Patric Dal Farra, ist seit über
20 Jahren eine feste Grösse in der hiesigen Hip-Hop-Szene. Bis heute sind von ihm die drei Solo- Alben «Mis Bier» (2004), «Bar» (2010) und» «Calvados» (2018) erschienen. Im Mai 2021 veröffentlicht er sein
viertes Werk «Zukunft». Des Weiteren hat er mit dem von ihm gegründeten Rap-Kollektiv «Temple Of Speed» sechs Alben veröffentlicht und das Projekt «Acid Easy» ins Leben gerufen, bei dem er mit anderen Artists genreübergreifend zusammenspannt. Auch ist er Mitglied der Rap-Formation «SLM52». Für sein Schaffen ist Tinguely dä Chnächt mit verschiedenen Auszeichnungen geehrt worden, darunter 2018 mit einem Werkjahr im Bereich Jazz, Rock, Pop der Stadt Zürich. Daneben arbeitet er als Journalist, Kolumnist und Autor.

Release 7.5.2021

Das fünfte Album der Kopenhagener Indierock / Postpunk-Band überzeugt auf ganzer Linie und wurde produziert von Pete Kember a.k.a Sonic Boom (Spacemen 3). Elias Bender Rønnenfilts Stimme fasziniert in langsamen Balladen genau so gut wie auf Wall-Of-Sound-Indierock mit Rave im Sinn. Nils Gröndahls sengende Gitarren, pochende Geigenschichten, Happy-Mondays-Drums, alles perfekt in Szene gesetzt von Produzent Pete Kember a.k.a. Sonic Boom von den legendären Spacemen

Release 7.5.2021

Auch als Ltd.-Red Vinyl-Edition erhältlich (CHF 34.90)

Crumb sind Lila Ramani, Bri Aronow, Jesse Brotter und Jonathan Gilad und "Ice Melt" ihr zweites Studioalbum und der Nachfolger ihres gefeierten 2019er-Debüts "Jinx", das der Band auf Seiten wie Pitchfork viel Lob einbrachte ("Crumb's Psychedelic Rock Is Eerie, Disorienting, Trippy-Just Don't Call It Chill"). Das neue Album ist nach dem Streusalz benannt, das zum Auflösen von Eis auf u.a. Haustreppen verwendet wird, also Wasser absorbiert und Wärme abgibt. Ein Gefühl, das sich auch nach dem Hören von "Ice Melt" einstellt, für das die Band in Los Angeles mit dem angesagten Produzenten Jonathan Rado von Foxygen an "Ice Melt" zusammengearbeitet hat, der dem vielschichtigen Psychedelia-Sound von Crumb den letzten Schliff verpasste. Dabei entstanden experimentelle Kompositionen, die abwechslungsreich, surrealistisch, energetisch und euphorisch zugleich sind. Sängerin Lila Ramani beschreibt das Album als eine "Rückkehr auf die Erde" und als eine tief empfundene Auseinandersetzung mit "realen Substanzen und Wesen, die auf diesem Planeten leben". Crumb waren bereits mit der Hälfte der Aufnahmen zu "Ice Melt" fertig, als die Pandemie die Art und Weise veränderte, wie wir miteinander und mit der Welt im Einklang stehen. Die Schwere des ersten Lockdowns verlieh den thematischen Fäden, die sich durch "Ice Melt" ziehen, ein unmissverständliches und unwiderrufliches Gewicht, das "themes of disconnection and dislocation, of changing shape and experiencing new states of being" verhandelt. Das Album endet mit einer versöhnlichen Note und dem Gefühl zu wissen, dass der Boden dich auffangen wird, auch wenn du einen Schritt nach vorne machst.

Release 7.5.2021

Ein ambitioniertes, gewaltiges Debutalbum mit einer Push/Pull-Dynamik, die immer wieder Spannung aufbaut und löst. Mit einem taxierten Gleichgewicht aus Kontrolle und exaltierter, gesanglicher Post-Punk-Auflehnung verfolgt das Album eine eigenwillige Linie in eigenem Tempo und basiert durchweg auf einer gut durchdachten, wenngleich komplexen Struktur. Das paßt perfekt in diese Zeit, knüpft eigene Bande und Allianzen und paßt mit seinem Charisma, Geist und Ausdruck zu so unterschiedlichen britischen Bandkollegen wie Black Country, New Road, TV Priest oder Dry Cleaning. Die Intensität des in Bandgemeinschaft entstandenen Squid-Sounds umschifft nicht nur Genregrenzen, sondern transzendiert sie, so dass eine Verlaufskurve unmöglich vorherzusagen ist. Stacheliger Post-Punk trifft auf die Organisiertheit des Math-Rock, atmosphärische Post-Rock-Weiten und wilder Kraut-Jazz geben sich die Klinke in die Hand, auch motorischer Psychedelic-Rock spielt seine Rolle wie natürlich sowieso Noise- und Indie-Rock, aber auch verspielte Parts am Rande zu Jazz mit Bläsereinsatz. Obwohl der Albumtitel eher pastorale Szenerien, also etwas Ruhiges, Ländliches erwarten lässt, handelt es sich dabei genau genommen um eine Finte, typisch für eine Band, die ein Faible für Widersprüchliches und Paradoxien hat. Monolithische Gebäudeklötze aus Beton, dystopische Szenerien aus imaginären Metropolen schwingen in dem mal aufgebracht und disharmonisch, mal vollkommen im Groove und im Fluss agierenden Sound mit reflektiert werden dabei auch die Verwerfungen, die unsere Welt auszeichnen: "Dieses Album entwirft eine imaginäre Stadtszenerie“, sagt Schlagzeuger Oliver Judge, aus dessen Feder die meisten Lyrics stammen. "Die Tracks illustrieren die Orte, Geschehnisse und die Architektur, die diese Stadt ausmachen. Unsere zurückliegenden Projekte waren eher verspielt, und es ging eher um Figuren, während die Musik dieses Mal düsterer klingt und es eben eher um Räumlichkeit geht. Der emotionale Tiefgang der Musik ist dadurch noch größer.“ als Gäste beteiligt waren u.a. Saxofonist Lewis Evans (Black Country, New Road) und Multiinstrumentalistin Emma-Jean Thackray, die einige Arrangements einspielten. Die Musik von Squid ist mal aufgebracht und disharmonisch, mal vollkommen im Groove und im Fluss reflektiert die Verwerfungen, die unsere Welt auszeichnen. Ein ausgelassenes, eindringliches Werk, das die Unsicherheiten der Welt mit einer Neugier und Forscherdrang verbindet und immer wieder neue Richtungen einschlägt

Release 7.5.2021

Diese Band ist ein einzigartiges Biest. Eine siebenköpfige Experimental-Rock-Band, die traditionelle japanische Instrumente und Einflüsse mit lauten Fuzz-Gitarren, Posaune, Flöte, Tasten und einer kraftvollen Rhythmusgruppe zu einem modernen Sound verschmilzt, der an psychedelische japanische Soundtracks aus den 1960er-70er Jahren erinnert. Die delirierenden und doch scharfen Songarrangements sind eine perfekte Spielwiese für die große Bandbreite des Gesangs und die theatralische Darbietung von Sängerin Maya Kuroki, deren Stimme manchmal verzweifelt schreit und manchmal beruhigend wirkt. Live ist die frenetische Energie der Band greifbar, ein pulsierender Punk-Zirkus, der einen wie ein Sturm trifft. Ihr Debütalbum (übersetzt'Signs Of Great Changes To Come') führt durch eine große Bandbreite an Bildern und Klanglandschaften. Aufgenommen und gemischt von Seth Manchester (Battles, Daughters) bei Machines with Magnets und gemastert von Heba Kadry (Bjork, Julianna Barwick), ist das resultierende Album so vielschichtig und einzigartig wie die Band selbst.

Release 7.5.2021

2tes Album! Sophia Kennedy ist eine der wandlungsreichsten Künstlerinnen, die es zurzeit in der deutschen Popmusik gibt. Aufgewachsen in Deutschland, nachdem ihre Familie aus Baltimore ausgewandert war, entwickelte sie beim Durchstöbern der Plattensammlung ihrer Mutter ein Ohr für exzentrische Songkunst. Ihre Musik klingt manchmal wie der Soundtrack zu einer zerfallenden Welt, die am seidenen Faden der Erinnerungen hängt und jede Nummer macht Lust auf mehr!

Vinyl erst ab 2. Juli 2021 wieder erhältlich!

Auf seinem neuen Soloalbum schwingt sich Danger Dan von der Antilopen Gang zum Randy Newman des Rap auf, obwohl es gar kein Rap-Album ist. Elf ergreifende Klavierballaden, die Comedian-Harmonists-Chöre mit Hannes Wader, Antifaschismus mit Liebesliedern und kluge Zeitgeist-Diagnostik mit gen Himmel schwebenden Streichern vereinen. Danger Dan nutzt hier immer wieder tatsächliche Erlebnisse als Basis für universell gültige Exkursionen, kluge Zeitgeist-Diagnostik und kitschfreie Liebeslieder. Mit großer Erzählkunst verzahnt er auf diese Weise seine Biografie mit dem Drama und der Lächerlichkeit der menschlichen Existenz. So führten etwa die tatsächlichen Ereignisse rund um ein Lou Reed-Konzert in Bordeaux indirekt zu einem wichtigen Umzug sowie zu einer der vielseitigsten und interessantesten Rap-und-einiges-mehr-Karrieren der vergangenen zehn Jahre, nämlich jener mit der Antilopen Gang, als deren Mitglied wir Danger Dan natürlich vor allem kennen. Frühere Klavierstücke Danger Dans waren aber noch von einer humoristischen Note geprägt, die man in Deutschland meist unter dem Begriff Kleinkunst subsummiert. Danger Dans Perspektive war ironisch - und damit über den Dingen stehend, nicht angreifbar. "Das ist alles von der Kunstfreiheit gedeckt" hingegen kündet von der Liebe dieses Mannes für die Musik, die er hier macht und für sein Instrument: das Klavier. Danger Dan legt sein Herz auf den Tisch, das macht das Album so gut.

Release 30.4.2021

Zum 25jährigen Jubiläum erscheint Album Nummer Zehn der Band, die wie keine andere für den Mix aus rauem Punkrock und bumsfidelem Irish Folk steht, die Bostoner sind die Inkarnation des St.Patrick´s Day und in den USA kennt und liebt man sie dafür, nicht nur in Punkerkreisen. Dass sich die Rezeptur nicht groß ändert liegt auf der Hand, sodass auch diese 11 Songs alle Flüsse wieder grün einfärben lassen. Mit so vielen Jahren auf dem Buckel zeigen sich dennoch keine Ermüdungserscheinungen, im Gegenteil, die Arrangements, gerade mit Banjos und all der folkigen Instrumentierung fügen sich umso smoother und natürlicher ins Punkfundament ein, und schieben den Spaß und die Lebensfreude in den Mittelpunkt. Nach wie vor eine Legende

Release 30.4.2021

Das neue einzigartige Album - voller Poesie und Musik. Vertont von Warren Ellis, mit Nick Cave, Brian Eno und Vincent Ségal. Mit „She Walks In Beauty“ veröffentlicht Marianne Faithfull in Kollaboration mit dem Komponisten und Multiinstrumentalisten Warren Ellis eines der markantesten und einzigartigsten Alben ihrer langjährigen und außergewöhnlichen Karriere. Die Aufnahmen fanden kurz vor und während des ersten Covid 19-Lockdowns statt, währenddessen die Singer-/ Songwriterin sich selbst mit dem Virus infizierte und fast an der Krankheit starb. Zu den musikalischen Mitwirkenden zählen neben Warren Ellis auch Nick Cave, Brian Eno sowie Cellist Vincent Ségal und Produzent Head. Mit „She Walks In Beauty“ erfüllt sich Faithfull den lang gehegten Wunsch, ein Album aufzunehmen, das Poesie mit Musik verbindet. Es ist ein Album, für das sie tief in ihre Vergangenheit eintaucht und das ihrer großen Leidenschaft für die englischen Dichter der Romantik entspringt – eine Leidenschaft, die sich während ihres Studiums bei Mrs. Simpson an der St. Joseph’s Convent School in Reading entwickelte. Maßgeblichen Anteil daran, dass diese Album realisiert werden konnte, hat ihr langjähriger Freund und Manager Francois Ravard. "Es war Francois, der das Projekt auf die Beine gestellt hat", sagt sie. "Und er war es, der Warren überredete, sich daran zu beteiligen, was wirklich schwierig war, weil Warren so unglaublich viele Dinge macht." "Marianne hatte eine wundervolle Idee für diese Poesie-Platte, und sie wollte sie sofort machen", erinnert sich Ravard. "Mir gefiel die Idee auf Anhieb, und so rief ich Head an und bat ihn, zu Marianne zu gehen und ihre Lesungen aufzunehmen." Dann kontaktierte er Warren, um zu fragen, ob er sie auf die gleiche Weise vertonen könne, wie er es mit seinen Filmen tat. "Es dauerte eine Weile, bis er herausfand, was zu tun war, aber rückblickend sagte er, dass die Arbeit daran eine der besten Zeiten seines Lebens gewesen sei." Die Aufnahmen fanden zum Teil in Faithfulls Londoner Haus kurz vor und nach dem Lockdown statt. PJ Harveys Produzent Head schickte die Sprachaufnahmen an Ellis, der sich wiederrum daran machte, die Musik dazu in seinem Pariser Studio zu komponieren. "Ich habe sie nicht als Songs gesehen", sagt er. "Ich war nicht auf Melodien oder Akkorde festgelegt, sondern konnte mir unglaublich viele Freiheiten nehmen. Es ging also nicht darum, etwas zu kreieren, das dem Text folgen oder ihn umreißen musste. Das Wichtigste war, dass es sich nicht im Weg stand." Er beschreibt die Musik als eine Art musique concrete, die street sounds mit einer Reihe von akustischen und elektronischen Instrumenten sowie Bearbeitungen verbindet. "Meine bevorzugte Art, Musik zu machen, ist es, vieles dem Zufall zu überlassen, sozusagen Unfälle geschehen zu lassen", sagt er. "Ich habe mich also von festen Strukturen wegbewegt. Diese Musik ist mein Versuch, etwas Neues voranzutreiben. Ich denke, sie ist so gut wie alles, was ich je gemacht habe", fügt er hinzu, "sowohl in Bezug auf den Spirit als auch den Prozess, den ich durchlaufen habe." Brian Eno schuf wundervolle Soundtexturen zu Stücken wie „La Belle Dame Sans Merci“ und „The Bridge Of Sighs“, während Vincent Ségal unter anderem Cello-Parts zu Shelleys jenseitigem „To The Moon“ und Byrons Late-Night-Lamento „So We'll Go No More A-Roving“ beisteuerte. Faithfull schöpft tief aus der Poesie von Shelley, Keats, Byron, Wordsworth, Tennyson und Thomas Hood. Mit ihren Interpretationen von Ellis' subtilen Klangcollagen legt sie das Herz, die Essenz, die lebendige Materie in all diesen großen Gedichten frei – erfrischt und erneuert sie mit den komplexen, lebendigen Klangfarben ihrer Stimme und bettet sie in ein subtiles Ambient-Soundgewand. Es ist ein radikaler Aufbruch und zugleich die Rückkehr zu ihren ursprünglichen Inspirationen als Künstlerin und Performerin

Release 30.4.2021

Vorbote des neuen Ja, Panik-Albums, das nach sieben langen Jahren Wartezeit erscheint, ist "Apocalypse or Revolution", ein umwerfend intensiver Sechsminutensong, der just im Heraufdämmern des neuen Jahres die gestern wie morgen entscheidende Gegenwartsfrage stellt. Ein betörender Klagegesang, der in deutsch-englisch-italienischem Poesiestrom über sanften Akkorden das allseits spürbare Altern der Zeit beschwört

Reease 30.4.2021

Das 6te Album der Band um das Songwriter-Duo Andy Hull und Robert McDowel wird als cinematisches, majestätisch-episches Werk mit konzeptuellem Unterbau und umfangreicher Instrumentierung angekündigt.

Release 30.4..2021

10tes Album der Schotten! Selbst wenn wir nicht gerade außerordentlich beunruhigende Zeiten durchleben würden, gibt es nichts Vergleichbares wie ein Teenage Fanclub-Album, um Geist, Körper und Seele zu beruhigen und zu bekräftigen, dass in dieser Welt doch nicht alles verloren ist. "Endless Arcade" folgt auf das 2016er Album "Here", mit dem Teenage Fanclub ihren ersten Top-10-Erfolg seit 1997 feierten - ein klarer Beleg dafür, wie sehr diese Band bis heute geschätzt wird. Das neue Album ist die Quintessenz von Teenage Fanclub: Die Melodien sind zu gleichen Teilen herzerwärmend und herzzerreißend, die Gitarren klingen teils glockenklar, teils kratzig, Keyboard-Linien verweben sich ineinander und drehen sich um sich selbst, harmonieerfüllte Refrains brechen durch wie die Sonne an einem stürmischen-grauen Tag.*

Release 30.4.2021

In den Parr Street Studios in Liverpool produziertes neues 9tes Album der 2002 erstmals mit einem Album und einer Melange aus 1960er Psychdelia, Folk und modernem Rock'n'Roll in Erscheinung getretenen britischen Band. Der Trip auf die Koralleninsel ist im Umfang opulent als Doppelalbum ausgefallen. Das von einer grandiosen hall-losen Twang-Gitarre unterlegte "Faceless Angel" klingt wie der ideale, Lee Hazelwood-beeinflusste Soundtrack für den Brexit-veranlassten Abgang von der Insel mit seinem psychedelischen Flair und catchy Pre-60s-Appeal .

Release 30.4.2021

Auf dem dritten Soloalbum gibt sich die australische Singer-Songwriterin nicht mehr damit zufrieden, die Wildnis des Folk- und Indie-Rocks zu erkunden. Stattdessen taucht sie kopfüber in die kosmopolitische, hedonistische Welt des nächtlichen, mondhellen Pops ein. Sie tauscht den Dreck unter den Schuhen gegen nasses Kopfsteinpflaster und klebrige Tanzflächen, den blauen Himmel gegen rote Lichter und Lippen. Sixty Summers ist keine Metamorphose oder gar ein billiges Umstyling, sondern eine Häutung, eine Enthüllung. Die Schwester von Angus Stone zeigt ihr wahrhaftiges strahlendes Selbst, eine kraftvolle und verehrte Ikone, die sich mit ihrem eigenen Pinsel und ihrer eigenen Farbpalette selbst gemalt hat.

Release 23.4.2021

"Endlich gibt es wieder eine Berner Band, die über Bümpliz hinausdenkt. Sirens of Lesbos sind bestens informiert, was die Welt gerade hören will. Und doch ziehen sie daraus ihre eigenen Schlüsse."

Ane Hebeisen, Der Bund, 8.11.2020

Release 23.4.2021

"Wenn ich wüsste, was in dieser Kiste ist, küsste ich Dich, den Fürst von Metternich", mit diesen Zeilen beginnt der von Olaf O.P.A.L. produzierte Psychedelic-Rock-Trip des 2ten Albums und schon befinden wir uns mittendrin im 17 Lieder starken Ententraum-Epos von Peter Rubel, Pedro Goncalves Crescenti und Joel Roters. Aber Moment mal, meinen die tatsächlich den europäischen Politiker?! Oder den nach ihm benannten Sekt aus dem Rheingau?! Dann wiederum würde auch die besungene Kiste wieder Sinn machen. Die Musik dieses Traum sklingt jedenfalls so, als hätten die Beatles ihre Inspiration für das Weiße Album nicht nur in Indien, sondern auch bei einem schottischen Dudelsackvirtuosen gesucht. Aber kaum hat man seine Gedanken zum fraglichen Fürsten etwas geordnet, da taucht auch schon ein gewisser Herr Schmidt als "Gedankenzähler" auf. Dieser merkwürdige, von Pedro Concalves-Crescenti gesprochene Charakter, tritt auf diesem Album immer mal wieder als eine Art manischer Philosoph in Erscheinung. Er ist es auch, der sich später auf der Platte für den "Traum der Ente" verantwortlich zeigt. Auch wenn Peter Rubel ihm dabei immer wieder ins Wort fällt - und das nicht nur in diesem Song. Der Gedankenzähler jedenfalls scheint vor allem ein großer Geschichtenerzähler zu sein, voller versponnener und entzückender Ideen. Aber das wirklich Verrückte auf diesem Album: Alles in diesem surrealen Ententraum ergibt sofort Sinn, wenn die Band zum Chorgesang anstimmt. Der für International Music so typische Harmonie-Gesang, der immer so klingt, als singen The Byrds gerade zusammen mit Ian Curtis. Sixties-Pop und 80er Jahre Postpunk in einer vollkommen stimmigen Melange. Flowerpower in einer Welt aus Beton und Glasfaserkabeln. Dabei spielt es überhaupt keine Rolle, ob gerade die "Beauty of the bar" oder ein "Wassermann" besungen wird, ob wir uns mit ihnen auf die "Insel der Verlassenheit" oder in die "Höhle der Vernunft" begeben. Am treffendsten bringt es die Band selbst im Song "Misery" auf den Punkt: "Die Sprache ist eklektisch. As you and me!" Doch sobald der Chorgesang aufblüht, ist die Band über "All this misery" komplett erhaben. Das Herz geht einem auf - und das ohne jeden Deutschrock-Pathos! Da wird sich zwischendrin lieber in bester S.Y.P.H.-Punk-Manier mit verzerrten Instrumenten gegenseitig angemacht und "Spiel Bass!" geschrien, Oder es erklingt, wie im Song "Marmeladenglas", ein Stoner-Rock-Riff, das sich im Laufe des Stücks zum monotonen Drone entwickelt, weil Drummer Joel Roters den Schlagzeug-Einsatz so schön lang herauszögert. Und wenn es schließlich in dem Song "Zucker" heißt: "Falsche Leute angelacht / Zu viel nachgedacht / Weltraumschrott im Treppenhaus / und der Blues schaut aus seiner Wohnung / in seinem Samtpullover in dunkelblau / Hart aber fair, am Start und zwar sehr", dann sind die Fehlfarben aus "Monarchie & Alltag" tatsächlich nicht mehr weit. Vielleicht sind International Music so etwas wie eine hochmusikalische Punkband. Wobei sie unbedingt auch eine Krautrock-Band sind, hörbar große Verehrer von La Düsseldorf, sich aber immerzu dem Song verpflichtet fühlen. Ebenso unüberhörbar: Der Einfluss der brasilianischen Tropicalismo-Bewegung. Der "Ententraum" ist ein humorvolles, sprachverliebtes, psychedelisches (Anti-) Konzeptalbum voller Hits für hochkomplizierte Zeiten!

Release 23.4.2021

Cooler Fusion-Jazz, ausgetstattet mit lichten Stimmungen und einem phänomenalen Weitblick auf eine imaginäre Landschaft. Der Produzent, Autodidakt-Pianist und gelegentlich hier auch als Rapper/Sänger in Erscheinung tretende Alfa Mist unterstreicht mit seinem neuen Album seinen Ruf als einer der wichtigsten neuen Musiker der vibrierenden neuen Jazzszene aus London. Sein drittes Album vereint verschiedene Jazzunterstile, bindet auch Folk- und Rockgitarre ein, verweist auf Hiphop, Cinematic Jazz und Kamasi Washington und nimmt einen auf eine Reise mit, in der Jazz das Narrativ ist, von dem aus Ausflüge mit umfangreichen und immer wieder leicht wechselnden Instrumentierungen unternommen werden. Neben Piano oder Fender/Orgel, Bass, Schlagzeug und unterschiedlich klingende und gespielte, oft gar nicht nach Jazz klingende Gitarre spielen auch diverse Bläser und Streicher ihre Rollen und Alfa MIst tendiert immer wieder in Manier eines King Krule gen Hiphop und nimmt mit einem smoothen Rap nach East-London mit.

Release 23.4.2021

Das 13te Album der Indie-Rock-Legenden wurde von Kurt Vile koproduziert, der auch als gelegentlicher Gastmusiker mitwirkte, eine ausgesprochen "haarige" Kombination! Das 5te Album seit ihrer Wiedergeburt Mitte der 00er-Jahre bietet natürlich in erster Linie den typischen coolen Signatur-Sound, was in erster Linie der Stimme und Gitarre von J. Mascis geschuldet ist, aber natürlich auch dem knarzigen Lou Barlow-Bass und dem Go-Cart from Hell"-Drumming von Murph, wie gleich das gut ins Ohr gehende "I ain´t" mit weiblichen Backgroundvocalzusatz zeigt. Es gibt durchaus einige kleine Überraschungen: "I met the Stones" begeistert überraschenderweise mit einem astreinen Metal-Gitarrenschrabbel-Riffing der dann aber leicht entschärft wird und mit coolem Backgroundraunen unterlegt ist. Das im Uptempo gehaltene "I ran away" baut auf akustischer Staffelei auf, überbaut von cool ineinander zahnenden weiteren Gitarren und Vocals. Etwas sehnsüchtiger wird es da schon bei dem barock angehauchten "The Garden", bei dem Lou Barlow wie bei einem weiteren Song das Mikro übernimmt. Das anschliessende "Hide another round" setzt mit seinem Stop & Go-Riff und seinem Zwischengerattel einen energetischen Kontrapunkt. Bei dem großartigen "Take it back" kommt auch ein Klavier zum Einsatz, um das bluesige Song-Feeling noch zu unterstreichen, ein besonderer Song mit klasse Refrain. Natürlich gibt´s mehr als genug typische Dino-Nummern, die im Gitarren-Tiefflug typisch voll und breitbeinig nach vorne gehen wie "And me" oder "I expect it always" oder "N say", bei dem J. eines seiner klasse GitarrenSolis andeutet. Ursprünglich war das Album schon zur Veröffentlichung für Mitte 2020 angedacht, nachdem die Albumsessions im späten Herbst 2019 im Anschluss an eine Tournee in der gewohnten Umgebung begonnen hatten und dann wie gewohnt im Amherst's Biquiteen aufgenommen wurde.

Release am 30.4.2021

Kennt man den Kanon seiner bisherigen Werke, war es nur eine Frage der Zeit, bis er ein derart komplexes Album realisieren würde. Was als wagemutiger Psychfolk mit "Primrose Green " begann, wurde mit jeder weiteren Songsammlung eindrucksvoll unkategorisierbarer und experimenteller. Nur die Trademarks seines virtuosen Gitarrenspiels und seiner warm intonierten Stimme blieben gleich. Dann erschien 2018 die Avantfolk-Bearbeitung eines Dave Matthew-Band-Albums namens "Lillywhite Sessions", das als Blaupause für dieses kaum greifbare, neue Album diente. "Course in Faible" ist mit seiner kunstvollen, atemberaubenden, und nie vorhersehbaren Verneigung vor seiner eigenen Vision, eine hochkomplexe Stilverquickung von Jazz, Postrock, Psychfolk und Progrock, die der große Produzent John McEntire (Tortoise, Stereolab, Red Krayola und Jim O'Rourke) zu ungezügelten Arrangements und Klangfarben verdichtete, bis diese jederzeit überraschende Essenz aus Progressiviät und Songwriting in Balance gehalten wurde. "Course in Faible" ist die Kulmination von Walkers Songwriting, das die Zugänglichkeit früherer Tracks um die Ecke denkt, sie nun mit massiv ungeraden Takten, exzessiven Breaks, traumhaften Bandleistungen am Bass, Drums und Keyboards unterfüttert, mühelos Streicher ornamentiert oder subtil atonale Jazz-Bläser einsetzt und eine Spannung in dieses traumhaft-ekstatische-melancholische Meisterwerk legt, als wäre es sein letztes. 7 Songs, die entschlüsselt werden müssen, die abgeblich von Walkers Liebe für die alten Genesis beinflusst sind und die erstmals auf seinem eigenen Label erscheinen. Sein bestes Album.

Release 16.4.2021

Neues Album des norwegischen Trios Bent Saether und Hans Magnus Ryan mit dem Drummer Tomas Järmyr ! Harte Zeiten verlangen nach grossen Riffs ! Motorpsycho sind bereits 1 Jahr nach Veröffentlichung von "The All is One" und dem Abschluss ihrer "Gullvåg Trilogy" zurück mit einem neuen Studio-Album, das erneut im Black Box Studio (Frankreich) und im heimischen Trondheim fertig gestellt wurde. Manche Musiker sind mit ihren Alben und neuen Produktionen in der Corona-Zeit introvertierter und melancholischer geworden, Motorpsycho stellen den Freiheitsbeschränkungen durch den Virus ihr bis dato Riff- und Metal-lastiges Album seit "heavy metal Fruit" entgegen. Im Entstehungsprozess zu Kingdom of Oblivion ging es den 3 Norwegern aber nicht nur um das Zentrum "a pure hard rock record", zu entwickeln, sondern aus 'Kingdom Of Oblivion' wurde viel mehr als das, aufgrund der vielen Einflüsse der Band entstanden Songs, die in etwas so klingen, als hätten The Incredible String Band, Fleetwood Mac und Bert Jansch sich zu einer gemeinsame Session von Tony Iommi Unterstützung geholt.

Release 16.4.2021

Ein Album zum geniessen! Konkret etwa "All my love", das in aufreizender Langsamkeit über viereinhalb Minuten im Prinzip nichts passieren lässt und doch mitsamt all seiner subtilen Atmosphäre alles um sich herum in seinen Bann zieht. Oder den vorab veröffentlichten Titeltrack, der so ziemlich alle Zutaten eines guten London-Grammar-Songs aller Erwartbarkeit zum Trotz zu einem überzeugenden Ergebnis vermengt. Oder das im Vergleich geradezu treibende "Lose your head". Oder das elektronischer angestrichene "How does it feel". Oder den schlichtweg brillant-verwischten Closer "America". Man kann auch obendrein einen Blick ins Booklet werfen und feststellen, dass sich Reid reflektiert zu ihrer Rolle als Frau in der Musikindustrie, zu Feminismus und Misogynie äußert. Um es kurz zu machen: Bei London Grammar ist nicht alles, aber doch vieles wie immer. Der Hattrick in Sachen sehr gute Alben ist perfekt. Konstanz in seiner besten Form.

Release 16.4.2021

Die Band um die Brüder Kiszka lässt nicht locker und beweist weiterhin ordentichen Biß auf dem zweiten Album. Ungebändigter Gesang, eine ebenso nicht zähmbare Gitarre und die Insignien des amerikanischen Classic Rock der 70er sind feste Bestandteile des das Adrenalin zum Brodeln bringenden Sounds der aus dem provinziellen Michigan stammenden Band. Die schrille Stimme mit Robert Plant-Touch feuert aber auch ordentlich an, kippt aber immer wieder in gefühlvolle Melodiosität, die Band hat den Blues und gleissenden Americana im Blut und den Hardrock in den Eingeweiden gespeichert, eine unwiderstehliche Mischung, die Gefühl und Energie vereint.

Release 9.4.2021

Nach vier The Soft Moon-Alben (Captured Tracks, Sacred Bones) betritt der Post-Punk/Dark-Wave-Multiinstrumentalist aus L.A. insofern neues Terrain, daß er auf Gesang verzichtet. Grandiose düstere Visionen offenbaren sich hier, die definitiv auch als Soundtrack für einen Horrorfilm taugen, aber auch an die Nine Inch Nails erinnern. Ein mit grandiosen analogen Synth-Sounds, Bratzgitarren und Industrial-Elementen gespicktes Klanguniversum zwischen Gothic, Dark-Wave, Industrial, Post-Punk und halluzinogenem White Noise, das in post-apokalyptische Abgründe blickt mit steilen Synth-Wänden, brodelnden Bässen, unheimlicher Atmosphärik, Drone- und Noise-Sounds und mechanischen Rhythmen. Die einzigen Vocals sind in der Wall-of-Sound-Ballade "Used To Be" zu hören, bevor uns das post-apokalyptische Epos "Worlds On Fire" mit symphonischer Verwüstung ins Armageddon entlässt.

Release 9.4.2021

Auch auf dem 7ten Album vollzieht die Lieblingssängerin der Generation Le Pop wieder eine Wendung. Breut folgt verstärkt einem in alle Richtungen offenen Chanson électronique. Das bedeutet, daß sie sich auch hier in Gefilden zwischen Nouvelle "Indie-"Chanson und tiefgründig-abseitigem Pop aufhält, wobei die genaue Instrumentierung nicht die entscheidende Rolle spielt, jedes Arrangement ordnet sich hier ihrer Stimme unter. Entsprechend erstrahlt jeder der Songs in einem anderen Glanz, was der Abwechslung sehr gut tut und in ein stimmiges Album und eine verzaubernde Soundwelt voller Details mündete. Statt mit einer konventionellen Gitarren-orientierten Band arbeitet Françoiz Breut mit den jungen Musikern Marc Melià und Roméo Poirier an Computern und Synthesizern gemeinsam an ein einem Klangkonzept, dass von Anfang an zusammen mit den Kompositionen entwickelt wurde. Unterschiedliche Keyboard-Sounds, Streicherinlays, elektronische Beats aus der Dose, aber auch auch knackige Gainsbourg-Stereolab-Sounds und schön platzierte gelegentliche Gitarren-Twangs durchziehen die musikalischen Landschaften, die im Ganzen eine Metamorphose demonstrieren, auch weil die vielseitigen rhythmischen Komponenten und der Griff zu Samples und Loops neu ist innerhalb ihres Universums, was dem Zauber ihrer kristllklaren Stimme und Worte keinen Abbruch tut. Françoiz Breut erklärt: "Chanson électronique heißt hier, dass sich polyphone Klänge von analogen Synthesizern mit digitalen Tönen vermischen, die wiederum von einer Software generiert werden, die reale Instrumente imitiert. Bei den neuen Songs haben wir all das benutzt und mit Gitarre, Bass, Percussions und Güiro gemischt

Release 9.4.2021 (Vinyl am 23.4.2021)

Mit Album #4 läuten die US-Shoegazer aus Philadelphia mehrere Änderungen ein. Zum einen besteht die Band mittlerweile aus einem Kern-Trio, zudem ist dies ihr erstes komplett selbst produziertes Album, und drittens sind sie nun vom US-Kultindie Saddle Creek gesignt. All diese Entwicklungen führen dazu, dass sie auf "Entertainment, Death" ihre Fähigkeiten, von Noise-Rock-Stürmen zu gelassenen Schlafliedmelodien zu switchen (und umgekehrt) enorm gestärkt haben.

Release 9.4.2021

Die Tracks der Live-CD befinden sich bei der3xLP auf den anderen beiden Vinyls! Während es bei Kadavar und ihrer musikalischen Entwicklung immer um Befreiung und das Überschreiten der Grenzen des Retro-Rock-Genres ging, ist dies noch ein größerer Schritt in einen Kosmos, in dem das Dogma des klassischen Trio-Ansatzes völlig hinter sich gelassen wird. Sie verwenden dreifache Vokalharmonien und trippige Gitarrensoli, die sanft auf einem Ozean von Vintage-Synthesizern reiten. Dazu drückt das Schlagzeug und die Bassgitarre ruhig von unten. Mehr Pink Floyd wie Black Sabbath und das ist auch gut so (um mal mit einer ausgelutschten Phrase zu schließen). PS: Wie der Titel "The Isolation Tapes" vermuten lässt, sind die Songs allesamt im ersten Covid 666 Lockdown enstanden.

Release 2.4.2021

GYBE kehren mit einem weiteren Soundtrack für unsere Zeit zurück, wie ihn nur dieses unnachahmliche und ehrwürdige Ensemble schmieden kann. Das neue Album besteht aus zwei fesselnden, 20-minütigen, LP-Seiten füllenden Epen aus lärmgetränktem Breitwand-Post-Rock, während die beiden begleitenden 6-minütigen Stücke der 10" die Band aus Kanada in ihrer verheerendsten, eindringlichsten und elegischsten Form zeigen. Unerbittliches Tuckern blüht auf, während einige der hochfliegenden, brennenden Melodien der Band inmitten von Geigen- und Basskontrapunkt abprallen und zusammenlaufen. Field Recordings und aufgewühlte, halb-improvisierte Passagen umrahmen diese inbrünstigen Epen. Ergreifende Atmosphären, geräuschhafte Orchestrierung, Drone, hypnotische Swingtime-Crescendos, unaufhaltsam geschichtete Türme aus verzerrtem Klargesang: "State´s End" verkörpert jede geliebte Facette der Band. Fünfundzwanzig Jahre später ist dieses neue Album so vital, mitreißend, zeitgemäß und unerbittlich wie jedes andere in der geschichtsträchtigen Diskographie von Godspeed You! Black Emperor. So wie "State´s End" die ganze Bandbreite der klanglichen Trademarks von Godspeed vereint, so umspannt auch das Album-Artwork die gesamte visuelle Geschichte der Band: die körnige, monochromatische Fotografie der letzten Veröffentlichungen findet ihren Weg auf die Innenhüllen, während das Klappcover auf die ikonischen Grafiken früherer Klassiker wie Slow Riot For New Zero Kanada und Lift Your Skinny Fists Like Antennas To Heaven zurückgreift. Das Album ist mit Illustrationen von William Schmiechen versehen, wobei die Taijitu-Blumen auf der Vorderseite und die Tränengaskanister auf der Rückseite des Covers in erhabener, thermografischer, schwarzer Tinte auf dem Doppelvinyl-Albumcover abgebildet sind. Das leuchtende Kreuz von Godspeeds Debütalbum "F#A#Infinity" taucht auch auf der Innenseite des Klappdeckels wieder auf, als wiederkehrende Hommage an das elektrifizierte Hügelkreuz in der Heimatstadt der Band in Montreal. Das Album m Oktober 2020 in Montreal im Homebase-Studio der Gruppe, Thee Mighty Hotel2Tango, von Jace Lasek (The Besnard Lakes) aufgenommen, der mit Godspeed bei dieser Aufnahme zum ersten Mal zusammenarbeitet.

Release 2.4.2021

Das 2te Album des Solo-Projekts von Jenn Wasner (Wye Oak u.a.), auf dem die profilierte Multiinstrumentalistin, Produzentin und Songwriterin aus Baltimore ihre experimentierfreudige Seite für ausladenden und hochmelodischen elektro-akustischen Indie-Pop auslebt. Auf den ersten Blick ist "Head Of Roses" eine Platte über Liebeskummer geworden. Jedoch erzählt Wasner von diesem aus einer dualistischen Perspektive. Auf ihrer zweiten LP vertont Wasner die Erfahrung, das eigene Herz gebrochen zu bekommen und gleichzeitig das Herz eines anderen zu brechen. Es geht darum laut Künstlerin, die Erfahrung des eigenen Schmerzes mit der Einsicht in Einklang zu bringen, dass es unmöglich ist, durch das Leben zu gehen, ohne für jemand anderen die Quelle großen Schmerzes zu sein. Wasner und Produzent Nick Sanborn (Sylvan Esso etc.) ) haben "Head of Roses" auf die gleiche Art und Weise zusammengestellt wie ein Mixtape, indem sie mühsam und sorgfältig disparate Teile zu einem Ganzen verschmolzen haben, um genreübergreifend eine Geschichte von Herzschmerz und Heilung zusammen zu weben. Und so wie ein selbstgemachtes, sorgfältig zusammengestelltes Mixtape die Fingerabdrücke des Machers überall auf den Songs hinterlässt, so ist es auch bei "Head of Roses". Sorgfältig von Wasner kuratiert, ist es zutiefst intensiv persönlich.

Release 2.4.2021

Unwiderstehliches wie charismatisches Debutalbum des neuen Ding aus London´s Indie-Szene, so pfiffen es ja schon Anfang 2020 vor der Corona-Pandemie die Spatzen von den Dächern Londons. Ein Debut-Album, das mit seinem eigenwilligen Ansatz für sich steht und unsere Zeit perfekt widerspiegelt. Ein unglaublich intensiver Thrill durchzieht die Songs der vierköpfigen Band aus dem Süden der britischen Hauptstadt. Ein flirrender und fiebriger, von Post-Punk und britischem Indie und Gitarren-New Wave beeinflusster Sound, der von groovendem Bass und straightem Drumming angetrieben wird. Erstklassig auch das Freeform-Gitarren-Acting, das im Zusammenspiel mit der Rhythm-Section in jedem der Songs einen brillianten Drive entwickelt. Die Band versteht es exzellent, ungestüme Kulissen für die Geschichten von Florence Shaw zu kreieren, die mit intensivem, lyrischem wie charismatischem, warm klingendem Sprechgesang mit britischem Akzent eine Art Gegenpol schafft, der glänzend mit dem spröden Bandsound harmoniert. Shaw´s Stimme besitzt in ihrer Farbe und Ausdruck irgendwie auch den Charme einer Anne Clark. Innerhalb des entschlackten wie ungeschminkten, primär von Gitarre, Bass und Drums plus atmosphärisch untermalendem Synthklang erzeugten Songwritings fesselt sie mit ihrer markanten Eleganz enorm. Florence stiess 2017 nach einem Karaoke-Abend zu der Band, nachdem sie vorher nie gesungen hatte. Ihre Texte handeln von Neurosen, seltsamen YouTube-Kommentaren und den normalen Dingen des Lebens. Shaw ist eine gute Beobachterin und eine Archäologin des Alltags.

Release 2.4.2021

Für sein fünftes Album, das vollständig akustisch aufgenommen wurde, setzte Stringmaster Pallett das bislang großartigste Ensemble in ihrer* Solokarriere ein - das London Contemporary Orchestra, das live in den Abbey Road Studios aufgenommen wurde. Und doch präsentiert das Album sie in ihrer destilliertesten, oft schmucklosesten Form. Island beginnt mit 13 düsteren Akkorden. Es ist der Klang des Erwachens - allein, an einem neuen Ufer. Was als nächstes kommt, ist schillernd und üppig: ein Orchesteralbum, das die ganze Bandbreite von Pallett's Diskographie ausbreitet, von Heartland's (2010) prächtigem Technicolour bis hin zur glitzernden, gezupften Gitarre, die Pallett's erste Alben mit Les Mouches kennzeichnete. Zum ersten Mal hat Pallett ein Album geschaffen, ohne darüber nachzudenken, wie es auf der Bühne aufgeführt werden könnte. Das war keine leichte Entscheidung: Ein Großteil von Pallett's Ruf beruht auf ihrer Live-Virtuosität. Sie spielten Geige für Gruppen wie Arcade Fire und The Hidden Cameras und tauchten dann als Solo-Fiddle- und Loop-Pedal-Act unter dem Namen Final Fantasy auf. Für Island schrieb Pallett die neun Songs des Albums auf einer altmodischen Akustikgitarre, bevor er sie für das Orchester überarbeitete.

Release 26.3.2021

Oha! Gabriels aus Kalifornien lassen hören, wie die Leidenschaften in speziellen Zeiten klingen können. Besonders. Soul, Gospel, Rhythm&Blues – ja, gibt’s auch, aber eben auch viel mehr. Avantgarde trifft Unterhaltung. Dichte Atmosphäre, deren Spannung auch zu den Bildern von David Lynch passen könnte. Überall Hintertüren, überall Ungewissheit, überall Faszination. 5 Kunst-Stücke, deren eindringlicher Wirkung man sich nicht entziehen kann. Winter-Blues, aber schön ist’s doch.

Release 26.3.2021

Nach 8 Jahren ein neues Album der gemeinsamen Band von Mike Patton (Faith No More/Mr. Bungle, etc.), Duane Denison (The Jesus Lizard/Unsemble), Trevor Dunn (Mr. Bungle/Fantômas) und John Stanier (Helmet/Battles). Der Vibe des Vorabtrack "Business Casual" liegt dann tatsächlich irgendwo zwischen Faith No More und Helmet mit einem grummelnden Bass, druckvollem Groove-Drumming mit leichtem Crossover-Appeal und immer wieder reinschiebenden Gitarrenboost, dazu ein großartiger Mike Patton als stimmliche Speerspitze mit all seiner Klasse.

Release 26.3.2021

Der in Baltimore aufgewachsene und in Los Angeles lebende Künstler imaginiert und erforscht als serpentwithfeet nicht nur eine Welt, in der die schwarze Liebe an erster Stelle steht. Es ist eher eine Studie als eine Geschichte, die sich mit schwarzer, schwuler Liebe und der Zärtlichkeit in den besten Partnerschaften, ob romantisch oder nicht, auseinandersetzt. Als Nachfolger seines Debütalbums "Soil2, eines der meistgelobten Alben des Jahres 2018, lässt das neue Album Mitgefühl das Rückgrat der Kunst von serpentwithfeet sein, während er mit seinem liebevollsten Selbst kommuniziert. Vollkommen selbstverwirklicht und mehr denn je der persönlichen Entfaltung gewidmet, zeigt das Album serpentwithfeets Wachstum als Songwriter, indem er geradlinige Ansätze zum Ausdruck bringt. Das Album entstand, nachdem serpentwithfeet nach Los Angeles umgezogen war, eine Stadt, die ein Gefühl der Ruhe vermittelt, ein Aspekt, den er in seiner neuen Musik einfangen wollte. Während der Entstehung des Albums traf serpentwithfeet die bewusste Entscheidung, Songs über Herzschmerz auszuschließen. Das war ein kühner Akt für R&B, ein Genre, das im wahrsten Sinne des Wortes von den harten Realitäten des Blues geprägt ist. Zeit mit Pop-Songwritern zu verbringen und zu beobachten, wie sie mit Sprache umgehen, ermutigte serpentwithfeet, lyrisch mehr Risiken einzugehen, was zu mehr Reinheit führte

Release 26.3.2021

Textlich und konzeptionell setzt "Dream Weapon" dort an, wo "Board Up The House" aufgehört hat. Der Titel des Albums kann interpretiert werden, aber der Satz selbst stammt aus einem Text der englischen Experimental-Band Coil, die schon immer eine Inspirationsquelle für Genghis Tron waren. Aufgrund der Pandemie wurde das Album an verschiedenen Orten in Nordamerika stückweise aufgenommen. Anschließend ging es in die God City Studios um dem Album mit Kurt Ballou (Converge) die nötige Schärfe zu geben. Erfahrene GT-Hörer werden feststellen, dass das Album sowohl aufregend frisch als auch beruhigend vertraut ist. Und obwohl es ein bisschen anders klingt als frühere Alben bleibt es doch zu 100% GT mit einem etwas meditativeren und hypnotischeren Touch!

Release 26.3.2021

Der schwedische Songwriter und Multi-Instrumentalist Emil Svanängen, besser bekannt als Loney Dear, veröffentlicht seine neue Single „Trifles“. Sie ist Vorbote zu seinem kommenden Album „A Lantern And A Bell“, das am 26. März 2021 via Caroline International bei Peter Gabriels Real World Label erscheinen wird.

Über Emils neue Platte sagt Labelgründer Peter Gabriel, es seien „traurige, gefühlvolle Melodien, die Raum in deinem Kopf schaffen, der sich mit Erinnerungen, Träumen und Zärtlichkeit füllt. Ich bin sehr stolz, dass wir mit einem so begabten Songwriter zusammenarbeiten. Wenn man isoliert ist, was gibt es dann Besseres, als sich in diese wunderschönen, fantasievollen Konstrukte einzuhüllen – das Werk eines Meisters.“

Release 26.3.2021 (Vinyl am 30.4.2021)

Neues, viertes Album der beiden Kanadier Sebastien Grainger und Jesse Keeler, um die es lange still war (bzw. auch mal nicht so gute Nachrichten verlauteten), die aber in alter Wirkmächtigkeit zurückkehren. Ihr Rezept von simplem Noise-Rock-Pop funktioniert noch immer hervorragend, und hat sich zusammen mit anderen Bands wie No Age etc. quasi zu seinem kleinen Subgenre entwickelt, und auch die beiden schaffen es nach wie vor, diesem Neues abzugewinnen. Die schweren Riffs sind natürlich immer noch prägnant as ever, die Beats dazu wirken etwas klomplexer (und elektronischer?), der Gesang ist noch etwas klarer. Für Fans sicher das was kommen sollte, um nicht zu stagnieren. Immer noch eine Institution ihres Genres

Release 26.3.2021

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 33.90)

Die Produzentin, Sängerin und Rapperin aus Tel Aviv hat das relativ enge Elektropop-Korsett ihres Debütalbums "Off The Radar" aus dem Jahr 2017 weitgehend hinter sich gelassen und auf dem 2ten Album stattdessen mit sehr breitem Pinsel eine sehr eigene und originelle musikalische Sprache gefunden.