Release 14.6.2019

Für ihr 3tes Album arbeitete Kate zum ersten Mal mit dem legendären US-Produzenten Rick Rubin zusammen - ein Vorstoß in neues Terrain, der den Schaffensprozess von Kate und ihrem Langzeitkreativpartner Dan Carey deutlich weiterentwickelte. Dadurch entstand ein unglaubliches Werk, das den Zuhörer auf eine 45-minütige Reise durch die Höhen und Tiefen markerschütternder Emotionen mitnimmt. Die einzelnen Tracks verbindet dabei ein starker narrativer Faden. Bewusst kryptisch entzündet Kates Vortragsweise auf dem Opener "Thirsty" ein Feuer, das bis zum Schluss auf "People's Faces" hell lodert. Am besten am Stück gehört, erklären die Songs nie "what is hopefully implicit", sondern ermutigen und provozieren auf die unerwarteteste Weise eine Reaktion aus dem Bauch heraus. Über die erste Single "Firesmoke" sagt Kate: "I think of the song like a cleansing moment in the wider context of the record, in the same way that a relationship can be a cleansing moment in the wider context of a life. A kind of a turning point. I wrote it for my woman. Inspired by her and everything that falling in love with her has taught me." Tempest bildet das fehlende Bindeglied zwischen den goldenen Zeitaltern der Literatur und des Hip-Hops. Die in London geborene und BRIT Award-nominierte Spoken-Word-Künstlerin, Rapperin, Dichterin, Autorin und Dramatikerin reimt mit einer schier hundertjährigen Wut. Kate begann mit dem Schreiben, als sie 16 war. Jetzt, etwas mehr als fünfzehn Jahre später hat sie neu definiert, was es bedeutet, eine Sprachkünstlerin in der Moderne zu sein. Bis heute hat sie drei Gedichtbände publiziert, drei Theaterstücke inszeniert, ihren Debütroman verfasst und zwei gefeierte, jeweils für den Mercury Prize nominierte Studioalben veröffentlicht - "Everybody Down" (2014) und "Let Them Eat Chaos" (2016). "The Book Of Traps And Lessons" ist ihre erste Veröffentlichung via American Recordings (dem Label von u.a. Johnny Cash, Slayer und Tom Petty).

Release 24.5.2019

Von Ben Harper geschriebenes und produziertes neues Album, das die Grande Dame des Blues und Soul zu ihrem 80ten Geburtstag veröffentlicht. Dem Anspruch eines beseelten, von Soul, Funk und Gospel beeinflussten Sounds in Kombination mit engagierten politischen Aussagen innerhalb von Songs, die Optimismus wie Nachdenklichkeit gleichermaßen verbreiten. Die Kraft von Staples Stimme ist nach wie vor ungebrochen und umwerfend, vielleicht ist ihre Stimme durch die Altersringe auch noch besser geworden. Die Texte enthalten ebenso starken Botschaften, kritische Stellungnahmen, geben aber auch Anlass zu Hoffnung und Aufbruch. Völlig zeitlos.

Release 24.5.2019

Natürlich wird er immer mit seinem Vater Steve Earle verglichen werden: dabei ist Justin Townes Earle mit seinem modernen Americanasound und seinen 37 Jahren um einen eigenen Ausdruck bemüht: mit seiner markanten, reifen Stimme und seiner versierten Band knüpft er einen dichten Flickenteppich von uramerikanischen Stilen. Das dutzend inhaltlich miteinander verbundener Songs erzählt eine Story, wie sie auch schon in den Unsicherheiten der "Great Depression" zutage getreten ist: persönliche Unsichterheiten und nationale Dramen: Earle verschmilzt in Nashville Blues, Southern, Tex Mex, Gospel, Country, Bluegrass, Hillbilly und Folk zu emotionalen und ungeschminkten Songs, die aus dem Holz autobiografischer Wurzeln geschnitzt wurden.

Release 24.5.2019

Vor rund zwei Jahren gab es ein einschneidendes Ereignis im Leben von Black Mountain-Mastermind Stephen McBean. Denn bis zu diesem Zeitpunkt hatte Stephen sein Erwachsensein ohne gültigen Führerschein verbracht, das erste und begehrteste Ticket zur persönlichen Unabhängigkeit im Leben. Das neue Album ist durchdrungen von all der wilden, neu erworbenen Power (und damit einhergehender Angst und Furcht), die mit dem ersten Mal hinter dem Steuer kommt. Das Album ist benannt nach dem 1985er Auslaufmodell Dodge Destroyer Muscle Car, ist um das Gefühl herum aufgebaut, mit einem Hot Rod durch die Gegend zu fahren. Das Album führt zurück bis zu den frühen bis mittleren 80er Jahren, als in Los Angeles ein "Krieg" zwischen Punk und Hair Metal los brach - es ist berauschend, temperamentvoll und gefährlich zugleich. Durchweg wuchern jugendliche Themen aus dem Album: "Boogie Lover" fährt den Sunset Strip hinunter, "Horns Arising" ist ein Tankstopp an einer Wüstentankstelle, gerade rechtzeitig, um ein UFO in der Nähe eines Tafelberges schweben zu sehen und "High Rise" erweckt das Gefühl jugendlichen Entdeckungsdrangs. Um "Destroyer" zu erschaffen, machte es sich McBean in seinem Proberaum gemütlich und lud Freunde von der endlosen Rock'n'Roll-Autobahn ein, die 22 Songs zum Leben erweckten. Während einige in flache Gräber gelegt wurden, um zu einem späteren Zeitpunkt noch einmal ausgegraben zu werden, wurden die anderen oberirdisch belassen, poliert und mit Leben gefüllt, und davon wiederum einige vom langjährigen Bandmitglied Jeremy Schmidt transformiert. Die momentane Besetzung der Band umfasst Rachel Fannan (Sleepy Sun) und Adam Bulgasem (Dommengang & Soft kill) sowie die altbekannten Kollaborateure Kliph Scurlock (Flaming Lips), Kid Millions (Oneida) und John Congleton (St. Vincent, Swans).

Release 14.6.2019

Nach "Purple" kehren sie dieses Mal zu einem zweifarbigen Titel zurück, "Gold & Grey" enthält 17(!) Tracks, mit dem Ziel, so Gründer, Gitarrist und Sänger John Baizley "immer anspruchsvollere, ehrlichere und fesselndere Musik zu schreiben und einen einzigartigeren und anspruchsvolleren Sound zu entwickeln. Wir sind unglaublich in die Tiefe gegangen und haben eine Platte aufgenommen, von der ich überzeugt bin, dass wir sie nie wieder replizieren können. Sebastian, Nick und Gina haben mich dazu gedrängt, ein besserer Songwriter, Musiker und Sänger zu werden!" Diese Veröffentlichung soll einige "Firsts" für die Band enthalten, außerdem ist es das erste Album mit der Gitarristin Gina Gleason, die 2017 eingestiegen ist.

Release 24.5.2019

Bei Dinosaur Jr. spielt er wohl auf ewig die 2te Klampfe (bzw. den Bass), an vorderster Front glänzte Lou Barlow schon in den 90ern mit den immer unterschätzten Sebadoh, mit denen er nach 6 Jahren wieder zurück in der Manege des Lo-Fi-Indierock ist. Unwiderstehlich und einzigartig in seiner Emotionalität wie eh´und je Lou´s immer leicht melancholische, bitter-süsse Gesangsfarbe auf einem in großen Teilen überraschend muskulösen Lo-Fi- Indierock-Album mit hohem College-Rock- und etwas Post-Grunge-Anteil. Gemeinsam mit Jason Loewenstein und Bob D'Amico schlagen die Songs oft ein ziemlich zügiges Tempo an und sprühen vor Energie, dazwischen immer wieder grandiose Midtempohänger. Das Album gewinnt in seinem Verlauf immer mehr, wenn die drei die ganze Bandbreite ihres Songwritings im Namen schrammligen Indierocks auspacken. 15 Songs, die keinen Fan enttäuschen.

Release 17.5.2019

Das neue, achte Album der Band um die Dessner-Brüder beinhaltet 14 neue Songs und ist rund 68 Minuten lang. Es enthält einige Kooperationen mit weiblichen Sängerinnen wie Sharon Van Etten, Lisa Hannigan, Mina Tindle u.v.a. Der vorab ausgekoppelte Opener "You Had Your Soul With You" offenbart neue Tendenzen im National-Sound, aber auch die bekannten Insignien. Produziert wurde "The National" von Mike Mills, gemischt hat es Peter Katis.

Release 24.5.2019

Der ehemalige Smiths-Sänger meldet sich mit einem 12 Songs starken Coveralbum zurück. Songs aus den 60er und 70er Jahren hat er sich angenommen, Songs die seinen musikalischen Werdegang maßgeblich beeinflusst haben. Zwischen Pop und Pomp, Glam und Folk hangelt sich der Brite entlang an Liedern von Joni Mitchell, Bob Dylan, Buffy Sainte-Marie, Phil Ochs, Roy Orbison, Dionne Warwick, Melanie und und und. Unterstützung hat er sich dabei übrigens von Green Day-Frontmann Billie Joe Armstrong, Ed Droste, Ariel Engle, Sameer Gadhia und Lydia Night geholt. 12 Songs denen er durch seine unverwechselbare Stimme ganz neues Leben einhaucht.

Release 28.6.2019

Der "schwedische Bob Dylan" Kristian Matsson ist bei Album Nr.5 nach 4 Jahren Auszeit immer noch der kleinste Songwriter mit den größten Songs. Das Album enthält 10 neue Tracks, die er selbst produzierte und auch einspielte. "Making the album, I was thinking a lot about the lenses we view our lives through."

Release 30.8.2019

Das Warten hat bald ein Ende! Weitere Infos folgen....

Erstes neues Studioalbum seit 2015.

Release 14.6.2019

Sie haben es wirklich nochmal getan...Calexico und Iron & Wine haben sich fast 15 Jahre nach ihrem ersten gemeinsamen Geniestreich "In the Reins" (2005) für ein überraschendes, zweites Mal zusammen gefunden, in ein Studio eingeschlossen und acht mal die Engel singen lassen.

Release 17.5.2019

Erstes neues Studioalbum seit 10 Jahren !

Release 14.6.2019

Siebtes Album von Tobias Jundt, entstanden innerhalb der vergangenen drei Jahre auf mehreren Reisen zwischen Abidjan und Berlin. Ein Freund erzählte damals Bonaparte alias Tobias Jundt von der pulsierenden Energie der Stadt: »Alles, was er erzählt hat, klang so aufregend, dass ich im Juni 2017 einfach mal runtergefahren bin. Was ich in Abidjan erlebt habe, war wie ein Katalysator, eine überwältigende Erfahrung«, sagt Jundt. "Von der dortigen Musikszene geht eine wahnsinnige Energie aus" fügt er hinzu. "So ähnlich hab ich das vor 12 Jahren gespürt, als ich das erste Mal in Berlin angekommen bin. Diese Aufbruchsstimmung!" Von jeder Reise an die Elfenbeinküste bringt er neue Musik und Ideen mit, die er zurück im Studio in Berlin weiterentwickelt, abstrahiert und verfremdet. So entsteht "Was Mir Passiert": Fiebriges Amalgam aus europäischen und afrikanischen Einflüssen, auf dem Features wie die an der Elfenbeinküste geborene und für den Grammy nominierte Songwriterin Fatoumata Diawara oder der ivorische Streetstyle-Rapper Bop de Narr genau so ihren Platz finden wie Sophie Hunger, Farin Urlaub und Bela B.

Release 17.5.2019

Fünf neue Songs, die sich denselben Themen - Leben, Kapitalismus, der ganze Rest - widmen, dafür aber den Fokus ändern, ordentlich am Zoom drehen und von Makro auf Mikro umstellen. Um es gleich klarzustellen: Diese EP ist keine Fortsetzung, kein Weiterdreh, und auch kein Überbleibsel. Die fünf Songs sind frisch und neu, keine alten Skizzen oder verworfenen Ideen. "Der süße Duft der Widersprüchlichkeit (Wir vs. Ich)" ist eher ein Komplementärwerk, das den Vorgänger ergänzt und neue Bedeutungsebenen aufmacht, aber auch gut und gerne für sich alleine steht. Die EP enthält neben "Palo Alto" vier weitere Songs: auf "Scheine in den Graben" erhält die Band gesangliche Unterstützung von Schorsch Kamerun, David Frings von FJØRT und Adam Angst sowie im letzten Refrain von Jen Bender (Großstadtgeflüster), Bela B, Jörkk Mechenbier (Love A), Sookee, Felix Brummer (Kraftklub), Marie Curry (Neonschwarz), Gisbert zu Knyphausen und Safi. "Notiz an mich selbst" ist klassisch Kettcar, ein Essay über Kunst, Moral und Ideale. "Natürlich für alle" zeigt Kettcar ungewohnt Synth-orientiert, während der Text beleuchtet ob sowas wie "kritischer Konsum" überhaupt möglich ist. "Weit draußen" erzählt die unglaublich berührende Geschichte einer Mutter, die mit ihrem behinderten Sohn weit, weit weg zieht um den ständigen Mitleidsbekundungen zu entfliehen

Release 24.5.2019

Die Zeit treibt die seltsamsten Blüten und die alten Meister kehren alle zurück: für Rockabilly-Fans sind die Namen Brian Setzer, Lee Rocker und Slim Jim Phantom und deren Reunion als ikonische Stray Cats eine Sensation. Nach vereinzelten Comebackshows in den letzten Jahren erscheint jetzt nach 26 Jahren tatsächlich ein neues Album mit 12 neuen Tracks. Es handelt sich nicht um neu eingespielte Versionen alter Tracks, sondern um wirklich neue Musik. Schon mit den ersten Tönen ist die so typische Mischung aus Rock n`Roll, Punkrock und New Wave wieder da. Natürlich erfinden die Drei nichts Neues, doch sie ruhen sich auch nicht auf alten Meriten aus: mit einer nur wenig gezügelten Energie wurden die Songs quasi "Live in the Studio" in den altehrwürdigen Blackbird Studios in Nashville mit dem altbekannten Intimus Peter Collins eingespielt. Und man hört die Spielfreude, die authentische Instrumentierung mit alten Equipment und den klassischen Sound in jedem der neuen Tracks wie "Cat Fight (Over A Dog Like Me)". Ein würdiges Comebackalbum zum 40. Jubiläum

Release 28.6.2019

Für den 28. Juni haben Dan Auerbach und Patrick Carney "Let´s Rock" angekündigt, ihr erstes Studioalbum seit "Turn Blue" vor fünf Jahren. "Let´s Rock" wurde geschrieben, live getrackt und produziert von Auerbach und Carney im Easy Eye Sound Studio in Nashville, im Backing-Gesang wirken Leisa Hans und Ashley Wilcoxson mit. Das Album ist eine Rückkehr zum schnörkellosen Rock von Sänger / Gitarrist Dan Auerbach und Drummer Patrick Carneys frühen Tagen als Band. Auerbach sagt: "Wenn wir zusammen sind, sind wir The Black Keys, dort liegt die wahre Magie und das nun schon, seit wir 16 sind“. Carney ergänzt: "Das Album ist eine Hommage an die elektrische Gitarre. Wir haben einen simplen Ansatz gewählt und alles überschüssige Beiwerk weggelassen, ganz so, wie wir es früher handhabten".

Release 17.5.2019

Ein Album wie ein beschleunigter kalifornischer Sonnenaufgang in Slo-Mo. Dommengang spielen Rockmusik wie eine meskalin-befeuerte Überlandfahrt durch den psychedelisch verhangenen Himmel an dem ganze Horizonte von E-Gitarren erscheinen. Waren frühere Alben wie "Everybody´s Boogie" schweratmende Blues/Psych/Space-Pastichen, ist ihr 3. Album für TJ eine Abkehr von den offensichtlich irdischen Bluesfundamenten. Eingespielt in L.A. atmet das ganze Opus das transzendete Charisma von Fuzz, kosmischen Acidrock, ausgefransten Riffs, tighten Rhythmen, halligen Vocals und freieren Arrangements. Der Opener "Sunny Day Flooding" hält was er verspricht: eine unerbittlich anschiebende Mixtur aus Pontiak und Thee Oh Sees. Im Verlauf ist es beendruckend zu hören, welche traumhafte Virtuosität und Eingespielheit dieses Powertrio an den Tag legt: Dommengang spielten das neue Werk quasi "live in the studio "ein: das Ergebnis ist eine halluzinogene Tour durch die hypnotischen Regionen von vergleichbaren Kombos wie Endless Boogie, Psychic Ills und den Labelmates von Golden Void, dessen Members hier auch Gastbeiträge haben.

Release 24.5.2019

Knapp fünf Jahre nach Release seines letzten Albums ist der Beatmaker aus Los Angeles mit seinem neuen Meisterwerk zurück. 27 Stücke sind darauf zu finden mit Gästen, wie Anderson .Paak, George Clinton, Little Dragon, Tierra Whack, Denzel Curry, David Lynch, Shabazz Palaces, Thundercat, Toro y Moi, Solange & vielen mehr. Ein Longplayer, der alle kreativen Quantensprünge, all die innovativen Elemente der letzten 12 Jahre in Lotus’ Karriere aufgreift und sie weiterdenkt. Die groben Eckpfeiler kennt man: Hip-Hop, Funk, Soul, Jazz, Electro, IDM, dazu die Ansätze der befreundeten Beatmaker aus L.A., gepaart mit Tribal-Elementen, Polyrhythmen... aber selbst eine Liste wie diese reicht nicht aus, um das Album auch nur ansatzweise zu verorten – weil es immer wieder ausbricht aus diesem Koordinatensystem und abhebt in höhere Sphären. Und doch steht eines fest: Es ist ein FlyLo-Album. Die Handschrift ist unverkennbar. Womöglich ist es sogar sein definitives Album: Ein astral-afrofuturistisches Meisterwerk zwischen Deep Soul, kosmischem Staub, bedingungsloser Originalität

Release 21.6.2019

Mehr als ein Jahrzehnt, nachdem die Indie-/Bluesrock-Allstar-Band um Jack White und Brendan Benson für "Consolers Of The Lonely" für den "Best Rock Album" Grammy nominiert war, sind sie mit zwölf neuen Songs zurück. Die wieder vereinten Raconteurs - Jack White, Brendan Benson, Jack Lawrence und Patrick Keeler – präsentieren sich auf "Help Us Stranger" stärker und lebhafter denn je und schicken sich mit diesem Album an, den guten alten Rock’n’Roll ein gutes Stück weit Richtung Zukunft zu schieben. Es hat dafür alle nötigen Zutaten: aufrichtige Lyrics, genau die richtige Mischung aus Draufgängertum und Einfühlsamkeit, unaufhaltsame Gitarren-Riffs, Blues Power, kraftvolle Psychedelica, Detroit Funk, Nashville Soul, das unverwechselbare Songwriting von White und Benson und generell vier musikalische Genies, die so viel mehr sind als die Summe ihrer einzelnen Teile. White und Benson haben alle Songs auf "Help Us Stranger" selbst geschrieben, bis auf den Donovan-Cover-Song "Hey Gip (Dig The Slowness)". Die beiden Comeback-Songs "Now That You’re Gone" (gesungen von Brendan Benson) und "Sunday Driver" (gesungen von Jack White) verursachten bereits im Dezember Jubelschreie unter Fans der Allstar-Formation. Beide Songs werden neu gemastert und gemischt auf dem Album zu finden sein. Als zusätzliche Musiker waren unter anderem Keyboarder/Multiinstrumentalist Dean Fertita (The Dead Weather, Queens Of The Stone Age), Lillie Mae Rische und ihre Schwester Scarlett Rische in die Aufnahmen involviert. Aufgenommen wurde das Album im Third Man Studio in Nashville, Tennessee, produziert wurde es von The Raconteurs und Joshua V. Smith als Sound Engineer. Gemischt wurde es von Vance Powell und The Raconteurs in den Blackbird Studios in Nashville.

Release 21.6.2019

Das Album vereint den Sound, für den die Band berühmt geworden ist - Euphorie und Melancholie verschmelzen mit bunten Melodien, eigenwilligen Gesangslinien und pumpenden elektronischen Pop-Rhythmen. Für die Produktion holten sie Philippe Zdar, den französische Maestro, der die Magie von Cassius und Phoenix geprägt hat, und Rodaidh McDonald, der mit The XX, David Byrne, Sampha, u.a. zusammen-gearbeitet hat, ins Boot. Es geht zurück auf das, was Taylor als Inbegriff von Hot Chip versteht: "Eine musikalische Formulierung dessen, was gesagt werden muss, oft aber nicht ausgesprochen werden kann".

Release 24.5.2019

Das neunte Studioalbum dekonstruiert die bewährte Dynamik aus Dylan Carlson an Gitarre und Bass und Adrienne Davies an Schlagzeug und Percussion und taucht in das platonische Ideal von EARTH ein - eine Inkarnation der langlebigen Band, die von der Legitimation des Zweckes unterstützt wird, bei der jede Note und jeder Schlag auf das Schlagzeug das Gewicht der Welt trägt. "Full Upon Her Burning Lips" wurde ohne Narrativ komponiert und verließ sich stattdessen auf ihr kollektives Unterbewusstsein, um sich bei der Entwicklung der Songs auf die übergreifende Muse zu konzentrieren. Die Platte wurde von dem langjährigen Mitarbeiter Mell Dettmer im Studio Soli arrangiert, gemischt und gemastert. "Full Upon Her Burning Lips" präsentiert Carlsons sepia-tonige Bakersfield Sound-Gitarren und Davies' Totenglocken-Drums und sucht nach den expressiven, nuancierten und klangreichen Komponenten des Soundarsenals von Earth. Und in der Tat, jeder, der das Duo auf seiner Reise verfolgt hat, wird sich in den unverfälschten Summen, Schlägen und Nachhall von Carlson und Davies sonnen. "I wanted this to be a 'sexy' record, a record acknowledging the 'witchy' and 'sensual' aspects in the music… sort of a 'witch's garden' kind of theme, with references to mind altering plants and animals that people have always held superstitious beliefs towards. A conjuror or root doctor's herbarium of songs, as it were", sagt Dylan Carlson über die Ambitionen der Platte.

Release 10.5.2019

Vier Jahre nach "Abandoned" endlich das neue, fünfte Album! Es wurde mit Will Yip (Quicksand, La Dispute, Blacklisted) produziert, dessen Begeisterung und Talent die Songs zu ihrem vollen Potenzial brachte und Defeater vielleicht auf ihre atmosphärischste, klanglich vollkommenste Art und Weise darstellt. Es war jedoch eine lange Reise dahin, wo die Band jetzt ist. Jahrelange Tourneen forderten ihren Tribut. Gesundheit, Drogenmissbrauch und das Ausscheiden eines langjährigen Mitglieds hatten eine Tournee-Pause erforderlich gemacht. Nach ein paar Monaten zu Hause hat das Feuer wieder bei den Jungs gelodert und als Ergebnis der neuen Energie der Band haben sie ihre bisher organischsten Songs geschrieben. Zusätzlich wird in typischer Defeater-Art die Instrumentation durch einen narrativen Ansatz ergänzt.

Release 10.5.2019

Schon auf ihrem vielgelobten 2014er Album Eight Houses ("A fiery triumph" - Mojo) lagen die stärksten Momente, die Kraft, im Subtilen. Dort tauchen sie nun tiefer ein. Auf Jessica Larrabee und Andy LaPlants erstem Album seit vier Jahren verzichten She Keeps Bees auf verzerrte Gitarren und füllen den Raum minimalistisch mit hypnotischen Orgeln, Keyboards, Streichern, einem knappen, schwingenden Drum-Groove und einer direkten, wie poetischen Lyrik getragen von Jessica Larrabees fokussierter, selbstgewisser Stimme. "Dominance is a dead end, restore the balance..." singt Jessica in einem Song. She Keeps Bees addressieren hier das Chaos, die Irrung und Wirrungen die wir zur Zeit mal diffus mal tief empfinden, und reflektieren aus einem universellen Blickwinkel. Kinship ist ein Album, das seine Botschaften, sein Wissen ruhig und mit unermesslicher Kraft ausstrahlt.

Release 10.5.2019

Auf seinem neuen Album verhandelt das britische Quartett (Lotti Benardout, Arthur Delany, Dom Goldsmith, Daniel Vildósola) die Suche nach Zusammengehörigkeit und Nähe in einer gespaltenen Zeit. "Any Random Kindness" ist der Nachfolger des stark TripHop und Sad Pop beeinflussten Debüts "Full Circle" aus dem Jahr 2016, mit dem sich die Band "als feste Größe in ihrem Genre zementierte und gleichzeitig jede Menge Freiraum zur Weiterentwicklung gelassen hat", wie die renommierte Tastemaker-Platform Pitchfork.com in höchsten Tönen lobte. Auf Album Nummer Zwei bewahren HÆLOS ihr Faible zum dunklen Sad Pop und TripHop, präsentieren sich aber auch von einer neuen und nach vorne gehenden Dancefloor-orientierten Seite. Für die Aufnahmen besann sich Delaney darauf, wieder auf seiner akustischen Gitarre zu komponieren, während Goldsmith seine Leidenschaft für Dancemusic und den Minimal-Techno von Ricardo Villalobos auslebte.

Release 10.5.2019

„I’m a killer kid“, begrüßt eine weiche Lawine aus Fragezeichen – ein flauschiger Dornenwald aus Synthesizern und Beatles-Klaviatur. So stößt Angela Aux das Tor in sein viertes Album auf, steht lächelnd auf der Schwelle und winkt herein: in die Untiefen der Alltäglichkeit des ganz normalen Wahnsinns – „I can’t get away with it“. Ein popmusikalischer Wiedergänger, der vergessene Schätze einsammelt und neue funkelnde Wolken daraus strickt. “Songs schreiben ist für mich wie Schiffe bauen, ich sammle Ideen und Weisheiten und schicke sie auf diesen Schiffen in die Zukunft” erzählt Angela Aux.

Angst, Sehnsucht, Tod und Teufel sind die Jonglierbälle seiner Erzählungen, einem psychedelischen Set aus Metaphern: “Ich reibe mich an diesen Dämonen, suhle mich in ihrer Heftigkeit. Ich liebe die Erschütterung die von ihnen ausgeht”. Sanft aber bedingungslos spaziert er durch die Katakomben unserer Persönlichkeiten als glitzernde Stimme hinter den Dingen, den Szenen und Irrlichtern.

Zwei ertrinkende Freunde grüßen verwunderte Fische („Story Of Heavy Mike“) – oder „Heaven is loaded with Oceans“ – diese bizarren Märchen-Stimmungen entfalten einen zauberhaften Sog. Wes Anderson und Jim Jarmusch, glänzen aus den Szenarien, den lapidaren Abgesängen auf eine immer schon falsche Welt. „Mich interessieren die Widersprüchlichkeiten, diese unbeschreiblichen Zustände: diese wundersamen Gossen-Weisheiten und die unergründliche Melancholie”.

“In Love With The Demons” ist eine Essenz seiner bisherigen Arbeiten: diversen Solo-Platten, Alben mit Bands (Aloa Input, Sepalot Quartett) und Kompositionen für Kino und Theater. Die Reduktion seines Vorgänger-Albums “Wrap Your Troubles In Dreams” bricht Angela Aux dabei wieder auf und bastelt dafür strahlende Mosaike aus den Fetzen großer Mystiker: Leonard Cohen und Neil Young – als wäre ihm die Popmusikgeschichte der liebste MalkastenMit Produzent Nico Sierig (Joasihno, Instrument) und einer illustren Runde von GastmusikerInnen (Maria Moling, Cico Beck, Sebastian Weiß aka. Sepalot, Micha Acher, Peter Pazmandi, Marcus Grassl, Matthias Lindermayr und Sam Irl) entstand eine faszinierende Sammlung hypnotischer kleiner Instant-Hymnen.

Text und Musik sickern langsam durch die Gehörgänge ins Gehirn und entfalten sanft ihre psychedelische Wirkung. Als würde man die Songs schon seit Ewigkeiten kennen und gerade auf einem alten Walkman wieder finden. Cinematisch und monumental fixieren sie die Aufmerksamkeit der HörerInnen, schleichen sich regelrecht ins Bewusstsein. Dort bleiben sie hängen, tief und unmerklich, fast unscheinbar. Aber wenn es still wird und ruhig, bevor einem die Augen zufallen oder man in die Dusche steigt, erheben sich die Szenarien wie zärtliche Dämonen. Süß und geheimnisvoll bitten sie zum nächsten Tanz.

Release 3.5.2019

Mit "U.F.O.F." ist Big Thief der große Coup gelungen. Mit ihren beiden Alben "Masterpiece" (2016) und "Capacity" (2017) schlichen sie sich bereits heimlich in unsere Herzen. Mit ihrem neuen Album, das erstmals auf 4AD erscheint, stehlen sie es nun komplett. Das "F" in "U.F.O.F." steht für Friend und ist auch sinnbildlich für das neue Bandgefühl. Adrianne Lenker (Gesang und Gitarre), Buck Meek (Gitarre), Bassist Max Oleartchik und Schlagzeuger James Krivchenia sind durch ihre schier endlosen Touren nicht nur professionell, sondern vor allem menschlich zusammengewachsen. Big Thief 2019 ist eine Band geworden, die durch Freundschaft zusammengeschweißt wurde.à "U.F.O.F." ist das Ergebnis dieser innigen Verbundenheit zueinander. Aufgenommen wurde "U.F.O.F." in einer ländlichen Gegend in Washington, nahe Seattle. Das Bear Creek Studio ist ein abgeschiedener Ort in einer umgebauten Scheune, in der die Band ihr komplettes Album live eingespielt hat. Dabei entstanden einige Songs wie z.B. "Cattails" erst wenige Stunden vor den eigentlichen Aufnahmen. Andere wiederum entwickelten vor Ort eine komplett andere und eigene Dynamik. Produziert wurde das neue Album von Dom Monks, der auch schon für die beiden Vorgänger verantwortlich war. Die Lyrics auf "U.F.O.F" beschreibt Adrianne Lenker wie einen Traum in der Dunkelheit. Vieles klingt mysteriös, unabhängig von Raum und Zeit und mitunter ein wenig esoterisch. "Making friends with the unknown... All my songs are about this, if the nature of life is change and impermanence, I'd rather be uncomfortably awake in that truth than lost in denial". Viele Songs handeln von düsteren Schatten oder der Dunkelheit. Genauso viele davon brechen am Ende wiederum aus und lassen den Sound von Big Thief heller denn je erstrahlen. "U.F.O.F." ist ein Album zwischen Meditation und stiller Ekstase geworden, Musik für Tagträumer, die nicht aufwachen wollen. Für Big Thief ist es ein neuer Höhepunkt in ihrer Bandgeschichte. Diesen großartigen Dieben überlassen wir nur allzu gerne unsere Herzen!

Release 3.5.2019

Vampire Weekend brachten im Januar „Harmony Hall“ und „2021“ heraus; die ersten zwei Vorboten eines neuen Albums. Dieses wurde nun schließlich auch offiziell angekündigt. Es trägt den Namen „Father of the Bride“, umfasst 18 Titel und erscheint am 03. Mai via Columbia Records. Im Rahmen der Albumankündigung veröffentlichen die New Yorker mit „Sunflower“ und „Big Blue“ nun zwei weitere Singles. Ganz nach ihrem Versprechen, noch vor Albumrelease vier Songs herauszubringen.

Auf „Sunflower“ wurde Frontmann Ezra Koenig von Steve Lacey unterstützt, Mitglied der Neo-Soul Band The Internet. Ein Musikvideo zu dem Song, bei welchem Jonah Hill Regie geführt haben soll, erscheine in Kürze. Sowohl „Sunflower“, als auch „Big Blue“ wurden von Langzeitkollaborateur Ariel Rechtsheid und Ezra Koenig selbst produziert. Zudem steuerte DJ Dahi die Koproduktion zu „Big Blue“ bei.

„Father of the Bride“ ist das mittlerweile vierte Studioalbum der Band. Es bildet den Nachfolger zu „Modern Vampires in the City“, welches 2013, sprich vor sechs Jahren erschien.

Release 10.5.2019

Nach einer siebenjährigen Pause kehren Clinic, Liverpools beliebte Post-Punk-Pop-Experten mit ihrem achten Album zurück. Der ungewöhnliche Name des Albums stammt aus der seit langem vergessenen (bei uns wohl eher unbekannten) 70er Jahre ITV-Show "The Wheeltappers and Shunters Social Club", einer von Bernard Manning moderierten Unterhaltungsshow, die die rauchig, versoffene Atmosphäre nordenglischer Männerclubs für ein Sofa-gebundenes Publikum nachempfand. Sie bot dem britischen TV Publikum der 70ern Jahre seichteste Varieté-Unterhaltung. Das Album ist weder eine Huldigung noch eine Verunglimpfung der Kultur der Zeit, in der Blackburn und sein Chefkollaborateur Hartley aufgewachsen sind. "Es ist ein satirischer Blick auf die britische Kultur - die Hochkultur und den Trash", erklärt Blackburn. Das Album wurde letztes Jahr im Studio Liverpool von Gründungsmitglied Hartley aufgenommen, bevor Dilip Harris (King Krule, Sons Of Kemet, Mount Kimbie) zum Mischen dazukam. "Wir hielten es für richtig, in diesen dunklen und konservativen Zeiten ein lustiges Dancefloor-Album zu machen", fährt Blackburn fort. Lustig - klar - aber das sind eben Clinic: der Spaß ist voller Bedrohung

Release 10.5.2019

"Hi, Mac hier. Das hier ist meine Cowboy-Platte. Das Wort "Cowboy" ist für mich wie ein Kosename. Ich benutze es oft, wenn ich über Menschen aus meinem Leben spreche. Dieser rostige alte grinsende Button auf der Vorder- und Rückseite der Platte habe ich einem Mann in den Bergen irgendwo im Nantahala National Forest zwischen Chattanooga, TN und Asheville, NC abgekauft. Dort, wo ich aufgewachsen bin, gibt es viele Menschen, die voller Überzeugung Cowboyhüte tragen und Cowboydinge tun. Aber das sind nicht die Menschen, auf die ich mich hier beziehe. Alle Instrumente auf der Platte hab ich selbst gespielt, außer ein wenig Keyboard hier und da, das von meinem Tour-Keyboarder - inzwischen einer meiner ältesten Freunde - Alec Meen eingespielt wurde. Mein reisender Toningenieur Yakitori Santar half mir auch, die Spuren aufzunehmen und zusammenzusetzen. Während der Aufnahmen regnete es sehr viel in Los Angeles. Wenn man genau aufpasst, kann man hören, wie es hier und da an die Fenster der Garage klopft.

Release 10.5.2019

Das erste neue Album der 1995 gegründeten Emo / Hardcore Legende aus Kansas City seit 11 Jahren! Nach ihrer "Kicker EP" im Sommer 2018 (Pitchfork: "The band’s most satisfying release in nearly 20 years") kommen The GUK mit dem Album "Problems", produziert von Peter Katis (The National, Interpol, Gang of Youths). Das Album handelt von lebensveränderten Verlusten, von Einsamkeit und der unvermeidlichen Angst im Jahre 2019 zu leben. Doch indem sie das Wesentliche ihres Sounds weiterhin aufrechthalten - hymnische Refrains mit großen Singalong-Melodien - präsentieren The Get Up Kids diese Probleme als eine gemeinsame Erfahrung und machen Platz für eine unzerstörbare Zusammengehörigkeit. Das Herzstück des Albums ist ein unschätzbares Element, das die Band seit ihrem Debüt "Four Minute Mile" von 1997 verkörpert: durchdringende Texte, die sowohl äußerst selbstbeobachtend als auch unauslöschlich nachhallend sind

Release 26.4.2019

Dem Ehepaar-Duo Sarah und Mario Quintero aus Brooklyn, NYC gelingt mit diesem Album grandios die Einkreisung eines Quadrates, in dssen Ecken die massive Grandezza von cineastischem Instrumental-Postrock zwischen Mogwai und Explosions in the Sky, heavy Sludge-Doom-Riffing und Shoegazer-Distortion plus Dream-Pop-Elemente zu finden sind. Die unterschiedlichen Stil-Elemente ergeben zusammen mit der verwendeten Dynamik, dem klasse angebrachten Gespür für kleine Hängenbleiber-Melodien und ideale Wendungen innerhalb der Songs ein gewaltiges Album, das gleichzeitig einen hohen grad an Verletzlichkeit offenbart. Der zurückgemischte, eher aus dem Off kommende, nur gelegentlich eingesetzte Gesang sitzt perfekt auf den schweren Riffwänden mit ihren in Hall und Noise ausufernden Eskapaden auf. Die Kontraste aus Dunkelheit und Licht sind auf diesem Album intensiv, wunderschön und funktionieren eindrucksvoll.

Release 3.5.2019

"Many of the songs on the new album are motivated by a shift from private to public concerns”. Mit diesen Geleitworten begint das 8. Album der relevantesten Alt-Country/Roots/Folk-Band der amerikanischen Jetztzeit und die Felice Brothers legen die beschwingtesten und oft harmonichsten Songs ihrer Laufbahn vor, die direkt im Gegensatz zu den ungeschönten soziopolitischen Textgehalten wirken. Die Rhythmen sind aufgekratzt, die Bläsersätze feuern eine hedonistische Schwere an, und die manischen Energieleistungen der Band wirken nur umso intensiver für die fast gospelartigen Balladen und filigranen Melancho-Country-Pamphlete. Fürwahr sind die FB die Outlaw-Variante der Szene, mit der sie in der Tradition von Willie Nelson, Kris Kristofferson und Waylon Jennings stehen und ihr packendes, nachdenkliches Storytelling zur Reflektion der amerik. Gegenwart nutzen. Ein dutzend Songs, ihr bisher ambitioniertestes Album und ein wirkliches Manifest des "Thinking man´s Country".

Release 3.5.2019

Debütalbum der schwedischen Post Punk-Dampfwalze! Neun Stücke, die Disco und Punkrock so nahe zusammenbringen wie selten zuvor. Monoton vor sich hin stampfende Basshooks, frickeliges Jazzdruming, kratzige Gitarreneinlagen, ein James Chance-Saxophon und manischer Sprechgesang von einem voll-tätowierten, sonnenbebrillten Sänger, der die smoothesten Dancemoves seit Errol Flynn auspackt. Sehr smarte, rauhe Scheibe inkl. dem Anti-Sport-Überhit

Release 26.4.2019

Auch als Tape erhältlcih (CHF 19.90)

Flotter britischer Garage-Rock: Mit der Single „Who’s Been Having You Over“ präsentiert der Libertines-Sänger sein neues Projekt „Peter Doherty & The Puta Madres“ und kündigt zugleich ein Debütalbum an.
Nach einigen Andeutung Seitens Pete Doherty auf seinen Social Media-Kanälen, gab es nun den ersten Song des neuen Solo-Projektes des Libertines-Sängers zu hören. Mit der Band „The Puta Madres“ hat der Brite nicht nur einen ersten Vorgeschmack auf sein neues Solo-Projekt veröffentlicht, sondern auch gleich ein Debütalbum sowie eine 18 Monatige-Tour angekündigt.

Das selbstbetitelte Debüt steht bereits in den Startlöchern und erscheint am 26. April via Strap Originals/ Cargo Records. Aufgenommen wurde die Platte innerhalb eines Zeitraums von vier Tagen im letzten Sommer in einer Villa in Frankreich. Erste Einblicke in den Sound der Band bietet dabei die kurze, aufgeweckte Nummer „Who’s Been Having You Over“, die Dohertys Rückbesinnung auf seine Garage-Rock-Wurzeln andeutet.

Release 13.4.2019

Ruhig geatmet hat Christine Hasler kaum je. Seit über einem Jahrzehnt ist die Musikerin und Performerin unterwegs, sei es mit Theater- und Tanzproduktionen oder als ihr Alter Ego, die Singer-Songwriterin Lia Sells Fish. Mit diesem Projekt bespielte sie so manche Bühne Europas und der Schweiz, mal solo, mal in wechselnder Besetzung. Da immer wieder die Frage nach der ersten Veröffentlichung auftauchte, rief sie eine Bande munterer Antihelden ins Studio. Dabei entstand ein Album mit zwölf Titeln: Dramatische Klangwände wechseln sich ab mit Momenten zärtlicher Beobachtung, durchdringende Trommelschläge halten das verbissene Gitarrengespann an den Zügeln, während der unbeirrbare Bass sie immer weiter antreibt – eine Reise von der Ruhe vor bis zur Ruhe nach dem Sturm. Durch all dies führt die intime Dringlichkeit und zerbrechliche Vehemenz der Stimme Christine Haslers.
Auf das Album folgt nun die Live-Umsetzung. Ruhig atmen wird da kaum wer.

Vocals: Christine Hasler
Drums: Beni T.
Bucher
Bass: Sam Brookes
Guitar: Stefan Oppliger
Guitar: Stefan Schischkanov

Release 26.4.2019

Zu J.J. Cales Arbeitsweise gehörte es, regelmäßig Aufnahmen für etwaige spätere Platten beiseite zu legen. Ein Umstand, der nun seinen Fans zugute kommt. Denn so hat sich ein Schatz an nicht veröffentlichten Songs angesammelt – von denen einige am 26. April auf dem Album STAY AROUND erscheinen.

Ausgewählt wurden die Stücke auf STAY AROUND von Cales Witwe Christine Lakeland Cale und seinem Freund und langjährigen Manager Mike Kappus. Eines davon, den entspannte Titletrack, gibt es ab sofort als Single zu hören.

Release 26.4.2019

Bereits mit den ersten Tönen des motorisch anschiebenden Openers "Feel the Sun" des 3.Albums von Josefin Öhrn wird deutlich welch innovative Formel für einen sehr eigenen Sound die Schwedin gefunden hat. Gespeist aus analoger Elektronik, krautiger Pop-Perspektive und ätherischenPsychrock sind ihre Alben nicht nur den diversen Titeln nach schamanische Angelegenheiten, die den erstrebenswerten Zustand von Trance immer wieder neu ausloten und dadurch auch immer neuartige Kanglandschaften entstehen lassen. Die 12 Songs wurden mit Andy Ramsay von Stereolab in dessen Press Play Studios eingespielt, doch klingt es nicht wie eine Stereolabplatte. Vielmehr entstand das variantenreichste Album so far: die repetitiven Spacekraut-Dance-Entwürfe sind immer noch da, dieses mal sogar elektronischer als je zuvor , z.B bei solchen Hits wie "I can feel it" oder dem synthielastigen 70s Cosmicmotorikfunk von "Desire". Doch zusehends werden Shoegaze und Dreampop zu einem noch dichteren Gewebe von abwechsungsreicher Psychedelic gewoben, was v.a. die langsamen Songs wie "Hey little boy" wie eine modernisierte V.U.-Blaupause transformiert, mit Gitarrendrones und mantrischen Melodien im Stil von BJM/Tess Parks arbeitet, neuerdings melancholische Folkrenditionen a la´ Mazzy Star zulässt und dem bewusst exquisit melodische Spaceage/Retroanalogika-Hymnen gegenüberstellt. Zeitweise sind die Drummachines dominanter eingesetzt, aber die transzendentalen Gitarrenlinien, die hypnotischen Basssequenzen, die urban repetitiven Drumpattern und die lasziv-ätherischen Vocals funktionieren im bewährten süchtigmachenden Breitwandmodus. Ein gutes Album, das die stilistische Weiterentwicklung gekonnt aufzeigt. “Mesmerising with a flair for motorik groove and creepy pop grandeur.”

Release 26.4.2019

„The Secret of Letting Go“ handelt vom Raum zwischen den Klängen. Von den minimalistischen Harmonien des Album-Opener „Phosphorus“ bis hin zu den eklektischen Chorklängen bei „One Hand Clapping“. Durch die sich schlängelnden Sub-Bass-Drops, die den Titeltrack „The Secret Of Letting Go“ und „Moonshine“ antreiben, bis hin zu wirbelnden Spins von „Deep Delirium“ und den simplen, aber dennoch einprägsamen Piano-Loops, die „Imperial Measures“ über Ihnen schweben lassen, gibt es weitreichende Klangräume. Manchmal erinnert es an sonnenüberflutete Horizonte; manchmal ist es kontemplativ, reflektierend; manchmal ist der Raum juckend und vorausschauend und zeigt auf Momente ekstatischer Verlassenheit. Während der gesamten Aufnahme ist es jedoch der freie Raum, der es Lou Rhodes' überirdisch erscheinender Stimme ermöglicht, zu gleiten und glorreich aufzusteigen, um die Stille dazwischen zu überbrücken. All dies zusammen macht "The Secret of Letting Go" zu einer so überzeugenden Rückkehr des britischen Duos.

Release 26.4.2019

Mit dem üppigen neuen Album liefert Morby einen grandiosen Director's Cut seiner bisher größten Aussage, sowohl episch im Umfang als auch im Sound, ab. Ein Werk, das mit Fug und Recht als bisheriger Höhepunkt seines Schaffens bezeichnet werden darf. In seiner bisherigen Arbeit hat er die Allgegenwart eines offensichtlichen religiösen Themas bemerkt. Obwohl Morby sich nicht im Geringsten als "religiös" identifiziert, erkennt er in sich selbst ein spirituelles Wesen mit einer weltlichen Einstellung zum Seelenvollen. Und so setzte er sich in dem Bestreben, diesen Gedanken frontal und ein für alle Mal anzugehen, in seinen persönlichen Kirchen - Flugzeuge und Betten - hin und schrieb, was sein erstes wahres Konzeptalbum werden sollte. Wenn "Singing Saw" Kevin´s L.A.-Platte war und "City Music" seine Ode an New York, dann lebt "Oh My God" im Himmel, über dem Wetter, nirgendwo und überall gleichzeitig

Release 26.4.2019

Nachdem die Band in 2017 gar nicht mehr aufhören wollte, Musik zu veröffentlichen und nicht weniger als fünf Alben in 12 Monaten rausgebracht hat, ließen sie sich für das neue Album mehr Zeit. Dass der Prozess für dieses Album gar nicht so leicht von der Hand ging, wie ihr kreativer Output aus 2017 vermuten lassen würde, erklärt Frontmann Stu Mackenzie: "We tried to make a blues record, (…). A blues-boogie-shuffle-kinda-thing, but the songs kept fighting it - or maybe it was us fighting them. Ultimately though we let the songs guide us this time; we let them have their own personalities and forge their own path. Paths of light, paths of darkness. This is a collection of songs that went on wild journeys of transformation.

Release 26.4.2019

Türkischer Folk-Psych-Rock aus Amsterdam, der brennt und funkt und treibt und unwiderstehlich außergewöhnlich ist. Wenn türkische Folk-Music Psych-Rock und Elektro-Pop trifft entstehen Altin Gün. Mit ihrem außergewöhnlichen Spagat zwischen scheinbar komplett unterschiedlichen Stilen gelingt dieser Band, die türkisch klingt, von deren sechs Mitglieder aber nur eines in der Türkei geboren wurde, etwas wirklich Außergewöhnliches. Als türkischen Psych Folk bezeichnen sich diese Niederländer selbst, und betonen, dass sie ihre Musik im Kern als Folk verstehen, freilich ein solcher, dem man die tiefe Liebe zur Musik der funkigen 60er und 70er anmerkt. Sehr groovig, elektrisch und voll explosiver psychedelischer Strukturen kommen die türkischen Stücke daher. Lieder, die zum Teil schon unzählige Male gehört und interpretiert wurden, die zur musikalischen Vergangenheit der Türkei gehören, ihr Erbe sind, aber völlig neu klingen. Bandgründer und Bassist von Altin Gün, Jasper Verhulst, betont, wie wichtig das identitätsstiftende Potential der Lieder ist, dass man diesem aber etwas Einzigartiges hinzufügen wollte, was die Hörer innehalten lässt. "Die Lieder stammen aus einer langen Tradition. Das ist Musik, die versucht, eine Stimme für Viele zu sein. (... Und dann) brauchen wir etwas, das die Leute dazu bringt zuzuhören, als wäre es das erste Mal." Der Sound von Altin Gün klingt gleichermaßen traditionell wie vollständig zeitgenössisch und zeigt auf fast schon märchenhafte Art und Weise, dass Musik ein kulturell durchlässiges, experimentelles Medium ist, in dem uns immer wieder wunderschöne Überraschungen begegnen. Mit "Gece", ihrem zweiten Album, hat sich die Band nun endgültig als unverzichtbarer Interpret des anatolischen Rock- und Folk-Erbes etabliert und ist eine absolut unverwechselbare Stimme in der aufstrebenden globalen Psych-Rock-Szene geworden.

Release 26.4.2019

Ihr drittes, wieder von John Parish (PJ Harvey, Sparklehorse) produziertes Album. Aldous Hardings Musik ist nichts für zartbesaitete Menschen, entwaffnend aufgrund der trostlosen Bildhaftigkeit und ihrer einnehmenden Instrumentierung, behandeln ihre Songs die Kernthemen des Lebens: Tod, Geburt, Leid und Liebe. Es gibt ein paar Happy Endings in ihren Geschichten, aber vielmehr geht es um ihre Kraft, wie sie in den Kampf zieht - mit der Anmut eines Tänzers und Einstellung eines Boxers. Für den Nachfolger des von Kritikern und Fans vielgelobten 4AD-Debüts, das sich auch auf diversen Jahresbestenlisten (#13 Musikexpress, #15 Spex, #18 NBHAP, #18 ByteFM) wiederfand, entwarfen Aldous - mit richtigem Namen Hannah - Harding mit dem preisgekrönten Produzenten John Parish wieder einnehmende Kompositionen, die fast alleine durch die Stimme Hardings schon fesseln und sich mit ihrer schier gewaltsamer Intensität in Herz und Kopf der Hörer breit machen. Wieder wurde die Musik etwas größer, wenn auch nach wie vor die Stimme von Harding das gesamte Konstrukt zusammenhält.

Release 26.4.2019

Das neue, fünfte Album wurde zur Gänze von Foxygen bei Sonora Recorders in Los Feliz, Kalifornien, geschrieben und produziert und von Shawn Everett aufgenommen und gemischt. Foxygens ausgeprägte Fähigkeit, mit klassischen Pop- und Rocksounds zu experimentieren und diese zu erweitern, wird durch den legendären Drummer Jim Keltner (Elvis Presley, John Lennon, Rolling Stones, Bob Dylan, Joni Mitchell, Neil Young, Pink Floyd u.v.a.) ergänzt. ,Seeing Other People" sieht Foxygen von ihrer besten Seite, , chopping up pop culture and spinning it into a sticky, wicked web." Für diejenigen, die auf der Suche nach einer Beschreibung für den Stil des Albums sind, schlagen Foxygen ,Sad-Boy Plastic-Soul Adult-Contemporary Cartoon-Noir Music" vor. Kann man so stehen lassen. Treffend benannt nach dem Spruch, den man von ,Erwachsenen" des Öfteren hört - ,maybe we should see other people" - ist ,Seeing Other People" Foxygens bisher eindeutigstes ,Goodbye"-Album: ,Goodbye to the drugs, to the partying. Goodbye to my twenties now, Goodbye to my Saint Laurent-model-body. Goodbye to the touring circus _ that's right, no more shows or tours for a while. Goodbye, hopefully, to the anxiety attacks. Goodbye to beating myself up because I didn't fit into those leather pants anymore. Fuck it. Goodbye to the facilities. And goodbye the leeches in my life", sagt Sam France. Das Album ist gefüllt mit selbstreferentiellen Geschichten von Tourneen, Partys, vom Jungsein, vom in einer Band leben und sich von den ungeschminkten, dunkleren Aspekten zu verabschieden.

Release 19.4.2019

Fast 2 Jahre nach dem Release ihres letzten Albums das mittlerweile 5. Album der kalifornischen Band. Die Psych-Rocker Sofia Arreguin (Keyboards, Gesang), Cory Hanson (Gitarre, Gesang), Robert Cody (Gitarre), Lee Landey (Bass) und Evan Burrows (Drums) zeigen sich auf Laughing Matter gewohnt selbstbewusst und ausgelassen. Durch jahrelanges engagiertes Jammen, Touren und Aufnehmen durch westliche und östliche Staaten, Kontinente und nicht zuletzt durch ihre Geisteshaltung, sind sie schließlich eng zusammengewachsen und hören einander zu."Laughing Matter" ist ein toughes und zugleich liebevolles Album. Die Songs sind geballt und unverkrampft und in ihrer Instrumentierung zeigen sie traditionell handgemachten Rock’n’Roll. In ihren Arrangements dagegen präsentiert sich der unkonventionelle Sound der einzelnen Songs.

Release 19.4.2019

„Not Waving, But Drowning„, Loyles neues Album, liefert weitere Beweise – sofern überhaupt nötig – für seinen messerscharfen Flow und seine einzigartige Fähigkeit des Geschichtenerzählens. Ja, er kann rappen – aber er verbindet diese Stärke mit der Sensibilität eines Poeten, der Beobachtungsgabe eines Autors und der Wärme deines besten Freundes. Im Albumopener „Dear Jean“ – einem Brief an seine Mutter – erklärt er beispielsweise, die Liebe seines Lebens („a woman from the skies„) gefunden zu haben und das Elternhaus zu verlassen.

Allgemein stützt sich Loyle stets auf das echte Leben. Der Titel „Yesterday’s Gone“ stammt aus einem Song seines Stiefvaters, der Titel des neuen Albums „Not Waving, But Drowning“ aus einem Gedicht seines Großvaters, welches wiederum auf einem Stevie Smith-Gedicht basiert. Auch was man auf dem Track „Krispy“ hört, ist echt: Er schüttet sein Herz gegenüber seinem besten Freund (und Live-DJ) Rebel Kleff aus, nachdem ihre Beziehung zueinander fast zerbrochen wäre. Er lädt ihn ein, seinen Teil auf dem Song beizutragen – aber da er nicht auftaucht, hören wir stattdessen ein Flügelsolo.

Wenn er auf „Looking Back“ seine „fathers“ erwähnt, spricht er in der Tat von seinen zwei Vätern. Von seinem biologischen Vater, einem schwarzen Mann, den er kennt, aber von dem er sehr wenig weiß und von seinem Stiefvater, Poet und Musiker – ein weißer Mann – der unerwartet an Epilepsie gestorben ist. An wen wendet sich ein kleines Kind – ohne echte emotionale Bindung an seinen biologischen Vater, aber einer tiefen Verbindung zu seinem jetzt verstorbenen Stiefvater? Auf „Looking Back“ liefert er prägnante Beobachtungen über viele der unausgesprochenen kulturellen und historischen Paradoxe eines multikulturellen Großbritanniens.

Ein Album wie dieses findet man nicht aller Tage. Das liegt daran, dass es auf so vielen Ebenen funktioniert und vor allem die Persönlichkeit seines Schöpfers widerspiegelt. Es gibt zwar eine Vielzahl prominenter Featuregäste – neben BRIT-Award Gewinnerin Jorja Smith und Sampha u.a. auch Rebel Kleff, Kiko Bun, Kwes, Jordan Rakei, Tom Misch und andere – aber keiner überschattet dabei das Gesamtwerk. Viel eher verschmelzen sie allesamt an Ort und Stelle vor dem Hintergrund der Musik.

Release 19.4.2019

Das dritte Album ist die erste Veröffentlichung der Band bei Domino Records. Ursprünglich aus Süd-London verschlug es die beiden Kern-Mitglieder Lias and Nathan Saoudi 2016 nach Sheffield. Hier entstand im Herbst 2018 in Zusammenarbeit mit ihrem Mitverschwörer Saul Adamczewskidas das neue Album Serfs Up! Aufgenommen in ihrem eigenen Champzone Studio im Attercliffe District

Release 26.04.2019

2ter Teil des in 3 Parts gesplitteten Album-Dreiteilers vom offenen Triphop-Band-Projekt von James Lavelle. Bandp. Über das Album sagt er: "Ich habe 2018 angefangen, eine Show bei Soho Radio zu machen, was mich dazu brachte, Platten anders zu spielen. Es geht um das Spielen einer vielseitigeren Mischung. "The Road: Part II" wurde auf dieselbe Weise erstellt - es ist ein Mixtape und eine Reise. Gastsänger: Mark Lanegan, Elliott Power, Tom Smith (Editors), Chris Goss, Mick Jones (Foreigner), Dhani Harrison (George Harrison Sohn). 3xCD enthält eine zusätzliche CD mit Instrumentals

Release 12.4.2019

Vor einer guten halben Dekade hat eine Formation namens Girl Band den Weg für eine neue Generation Dubliner Postpunk-Acts geebnet zu denen nun auch das Quintett Fontaines DC gehört. Zwischenzeitlich scheint eine Welle die westliche Hemisphäre erschüttert zu haben und Bands wie die Idles, Sleaford Mods, Viagra Boys und Shame zogen aus den gleichen Einflüssen und Tugenden ihre Lehren. Was sie alle vereint, ist, dass sie einen vertrauten und doch so neuen Sound kreierten, die Working Class auf einen Thron hoben und damit genau den Punkt der Zeit getroffen haben. Nölig und zynisch, aussagekräftig und authentisch setzen die fünf Iren, diese Tradition fort. Musikalisch sind sie näher an Manchester als alle anderen - Sänger Grian Chatten hat einen Gusto irgendwo zwischen Mark E. Smith und Ian Curtis. Ihr Sound ist unterkühlt, birgt dennoch eine Wärme die einen sofort umschließt (Hört euch "Liberty Belle" an und ihr wisst was ich meine), vereint schrammelige Gitarren, monotone Basslines, treibendes Drumming und ist verdammt reich an Einflüssen. Neben den schon Genannten, scheinen die Stooges ebenso durch wie die Vaccines, die Strokes wie die Pogues. Kaum eine andere Band erregt gerade so viel Aufmerksamkeit - zu Recht!

Release 12.4.2019

9tes Album der einstigen Big Beat-Protagos Tom Rowlands und Ed Simons, die mit ihrem speziellen Gespür für Sound- und Sample-Inszenierungen und dynamischen Acid-Bögen die Hütte zum brennen bringen, sich aber immer wieder auch in effektiver Verhaltenheit üben wie bei dem elektroiden Robo-Song "Free yourself". Bei "Mah" schießen die beiden aus vollen Rohren Acid-Big Beat-Techno, als gäbe es kein Gestern und kein Morgen und "Got to keep on" entert die Disco mit hart inszenierten Gegensätzen

Release 12.4.2019

Großartiger neuer Wurf des irischen Singer-Songwriter-Genies, das aus der inspirierenden Zusammenarbeit mit über 20 Musikern entstand und neue Wege von intimer Schönheit beschreitet. Glen Hansard, das ist der der irische Singer-Songwriter, der das Aschenputtelmärchen der Musikbranche gelebt hat, nach frühem Schulabbruch als Straßenmusiker anfing und heute in ausverkauften Konzerthäusern spielt, in preisgekrönten Kinofilmen mitspielte und 2008 den Oskar für den besten Titel-Song gewann. Nach Jahren als Frontman von The Frames und als Hälfte des (Film-)Duos The Swell Season (Film "Once" 2007) veröffentlicht Glen Hansard seit 2012 als Solokünstler und mit This Wild Willing sein inzwischen viertes Album. Es kennzeichnet die konsequente Weiterentwicklung dieses Ausnahmekünstlers, bleibt den eigenen Wurzeln treu und lässt sich doch auch auf das große Unbekannte ein. This Wild Willing wurde in Paris mit einer Gruppe von mehr als 20 Musikern aufgenommen, zu denen die klassisch ausgebildete iranischen Brüder Khoshravesh, der langjährigen Hansard-Mitarbeiter Joe Doyle und die Dubliner Elektronikmusiker Deasy und Dunk Murphy (Sunken Foal) gehören. Die Songs entstanden aus Improvisationen und gegenseitiger Inspiration. In ihnen verwebt sich Hansards Gesang mit zurückhaltenden orchestralen Arrangements, dissonanten Klangwellen, sanfter Elektronik und dunklen Melodien zu kleinen Wundern der Intimität und Verwundbarkeit.

Release 12.4.2019

Binnen nur 2 Stunden (!) an einem sonnigen kalifornischen Nachmittag akustisch aufgenommenes neues Album. "Es fühlte sich einfach so an, als wäre es Zeit", sagt Jurado zu der schlichten Besetzung – Jurados Stimme, Akustikgitarre und gelegentliche Begleitung von Josh Gordon, der eine hochgestimmte Gitarre im Nashville-Stil spielt und ihren Klang geheimnisvoll und himmlisch macht

Release 12.4.2019

2019 ist ein besonderes Jahr für Swatka City - es kann das zehnjährige Bestehen sowie der Release des dritten Studioalbums "off season" gefeiert werden!
Entstanden ist mit "off season" ein stimmiges Album mit dezidiert kühler Ausstrahlung aber reichlich Popappeal - gesamthaft einheitlicher und mit dem Fokus aufs Essentielle. Während auf "marabu" die Gitarren die Hauptrollen spielten, weichen sie nun mehrheitlich einem einnehmenden Synthie-Gewand. Trotzdem wirkt der Sound aufgrund des Einsatzes analoger Geräte und dem Beimischen obskurer Instrumente und Geräuschen als eine Fusion der unterschiedlichen Schichten - und jederzeit organisch.
Entstanden ist das Album zu einem grossen Teil räumlich getrennt von den verschiedenen Bandmitgliedern. Während sich Sänger David auf einer einjährigen Reise mit dem Auto nach China befand, wurden Songskizzen zwischen seinen Mitmusikern Matthias und Philipp hin- und hergeschickt und in ständiger Wechselwirkung weiterentwickelt, bis sie sich langsam zu einem einheitlichen Ganzen verdichtet haben. Zurück in Bern erhielten die Songs in mehreren gemeinsamen, ausgedehnten Homestudio-Sessions den finalen Schliff. Auch inhaltlich setzt sich "off season" eher mit Graustufen und Zwischentönen auseinander. Fragmentarisch werden Alltagssituationen in Stimmungsbilder gepackt und Themen wie Widersprüchlichkeit, aufgeweichte Strukturen, Fernweh und das Unterwegs-Sein behandelt.

Release 29.3.2019

Die New Yorker Band meldet sich zurück. Inspiriert von einem kürzlichen Tourstopp in Polen und dem Besuch der Gedenkstätte und des Museums Auschwitz-Birkenau verweist der Titel der ersten Single “Camp Orchestra“ auf die jüdischen Orchestergruppen, die während des zweiten Weltkriegs in Konzentrationslagern gebildet wurden, und das Video ist inspiriert von den Räumen, die mit weggeworfenen Schuhen in Auschwitz gefüllt sind. "Dog Whistle" folgt auf das Debütalbum “Body War“, womit sich Show Me The Body 2016 ins Zentrum der Hardcore-Szene katapultierten. Die 2009 gegründete Band besteht aus Julian Cashwan Pratt (Banjo und Gesang), Harlan Steed (Bass) und Noah Cohen-Corbett (Drums). Ihr einzigartiger Sound durchzieht mehrere Genres und wird sowohl klanglich als auch in der Einstellung stark von der Vielfalt der Stadt beeinflusst, in der sie aufgewachsen sind: New York. Seit der Veröffentlichung ihrer ersten EP “Yellow Kidney“ 2014 steht die Band an der Spitze des Untergrundes der Stadt. In den folgenden Jahren etablierten sich Show Me The Body durch ihre intensive, schweißtreibende Live-Show und ihren unverwechselbaren Sound als eine der aufregendsten Bands New Yorks und darüber hinaus.

Release 5.4.2019

Vierte Albumveröffentlichung der US-Songwriterin Natalie Mering und ihr erstes Album für Sub Pop Records. Das Album enthält die Lead-Single "Everyday" und die zuvor veröffentlichte "galaktische Liebesballade" (The Fader) "Andromeda" sowie die Highlights "Movies", "Wild Time" und "Something To Believe". Für das Albumcover ging die Kalifornierin auf Tauchstation - übrigens ganz ohne CGI. Verantwortlich für das Shooting war der Unterwasser-Fotograf Brett Stanley, der ein komplettes Schlafzimmer für das Cover versenkte. Das Album wurde in den ersten sechs Monaten des letzten Jahres geschrieben und aufgenommen - und ist das Ergebnis jahrelangen Tourens und einer kontinuierlichen musikalischen Weiterentwicklung Merings, die hier deutlich zu hören ist: Transzendente Vocals und schwebende Arrangements, tiefgründige Texte und reflektierte Kommentare über den modernen Zustand unserer Seelen. "Titanic Rising" schafft es spielend leicht, die Grenze zwischen klassischem Songwriting und post-apokalyptischem Futurismus zu überwinden

Release 12.4.2019

Ein wiederum spezielles Instrumental-Vergnügen stellt das fünfte Album dar, das die Band tatsächlich in monumentaler Höchstform zeigt. Die auch schon auf dem Vorgängeralbum 2014 prägenden Rockelemente in Gestalt einer von Fuzz und Vintage-Distortion geprägten, feurigen Gitarre von Tom Brenneck und eine für besondere Atmo eher aus dem Hintergrund sorgende Orgel sind prägnante Gespielen für die brillianten Budos-typischen Bläsersätze und das prominent produzierte donnernde, wuchtige, gerne im Hall badende, aber auch mit Breakbeat, Afro-Funk- und Jazz-Elementen aufwartende Schlagzeug von Brian Profilio. Dabei greifen sie immer wieder tief in die Doom-Afro-Jazz-Kiste, lassen aber auch mit Funk und Rock´n Roll die Kugel im Uptempo laufen. Bestmöglicher Crossover aus Vintage-Funk und Psychedelicrock, ideal fürs Auto

Release 12.4.2019

Mit dem wohl am organischsten klingenden Album seiner Karriere ist Stephen Wilkinson ein gleichzeitig heimeliger wie auch futuristischer Wurf in Sachen Folktronica gelungen. Das reichhaltig und umfangreich instrumentierte Songwriting verweist dabei sowohl zu britischer Acid Folk-Harmonik und ist reich an psychedelischen kalifornischen Folk-Einflüssen der 60er und 70er, wird immer wieder auch mal dezent mit nostalgischer Tapeästhetik von Bibio ergänzt. Die Schichten ineinander verzahnter Melancho-Melodiebögen seiner wundervoll fingergepickten Akustikgitarren, Streicher, Flöten etc. (fast alle von Bibio gespielt) und sein wärmender unter die Kopfhaut gehender Gesang klangen noch nie so tight und ergreifend wie auf seinem 10ten Album, das bei einigen Songs aber auch mit entsprechendem Schlagzeug und Bass 70s-Jazz oder 60s-Soul aufgreift und in die einzigartige Soundästhetik integriert

Release 5.4.2019

Limitierte 2xCD mit Instrumentals auf der 2ten CD. Seit über 50 Jahren zelebriert und massiert Lee mit seiner unglaublichen Stimme den Soul, um jetzt im fortgeschrittenen top of his game zu sein. Auf dem 5ten, zusammen mit den Expressions eingespielten Album, das Leon Michels produzierte, klingt er wie ein instant classic, bereit für ein kleines Update. Traditionelle Soul-Sensibilität mischt sich mit vom Hiphop angestossener Rhythmik, aber als "professor of love" weiß Lee, daß 60s-Soul das allerbeste Gewand für seine Schmelzstimme bietet. Die Arrangements und Instrumentierungen haben einen besonderen Glanz, dabei fällt bei aller aussergewöhnlichen Besseltheit von Lee´s gesang der höhere Grade an psychedelischer Funkiness auf, die den Songs inne wohnen, da gehört eine Gitarre genauso mal dazu wie eine einprägsame Flöte oder ein Bläsersatz oder Streicher. Sein bestes Album.

Release 29.3.2019

Ihr Debüt „Burst“ war vor zwei Jahren ein Überraschungs-Hit. Sängerin und Drummerin Stefanie Mannaerts hatte zusammen mit Peter Mulders eine Refused-Coverband an den Start gebracht, aus der dann Brutus erwuchsen. „Burst“ war ein wilder Ritt durch die verschiedensten Stile zwischen Post- und Punkrock.

Auch „War“ deutet an, dass sich Brutus weiterhin nicht auf eine Linie festlegen werden – warum auch? Diese Strategie führte die Band ja auch zum Erfolg.

Release 22.3.2019

15tes Album ! Andrew Bird ist ein enorm vielseitiger und international anerkannter Musiker. Mit vier Jahren begann er Geige zu spielen und eignete sich im Lauf der Jahre ein klassisches Repertoire an – ausschließlich über sein Gehör. Später erweiterte er sein Spektrum in alle Richtungen. Folk, so genannte Weltmusik, Pop, Klezmer: in allem scheint er perfekt zu sein. Ende November letzten Jahres gab es mit „Bloodless“ bereits den ersten Vorboten, der laut Bird die Vorlage für das gesamte Album bildete. Produziert und aufgenommen wurde "My Finest Work Yet" von Paul Butler in den Barefoot Recordings in Los Angeles. Bird und seine Band spielten alle Songs live ein, ohne Kopfhörer oder Trennung einzelner Instrumente. Was der Multiinstrumentalist mit Violine, Gitarre, Glockenspiel und Samplern schafft, ist gleichermaßen elegant, melodisch und intim. Mit seiner melancholischen Stimme spielt Bird in seiner Heimat Amerika längst in der ersten Liga amerikanischer Singer/Songwriter. Auch hierzulande genießt er unter Kennern einen legendären Ruf.

Release 29.3.2019

Die Sinfonie Nr. 3 (Sinfonie der Klagelieder) von Henryk Górecki, am 29.11.2014 gesungen von Beth Gibbons und gespielt vom Sinfonieorchester des Polnischen Rundfunks unter Leitung von Krzysztof Penderecki im The National Opera Grand Theatre in Warschau. Das Konzert war Teil eines Programmabends, an dem auch Jonny Greenwoods (Radiohead) 48 Responses To Polymorphia und die Weltpremiere von Bryce Dessners (The National) Réponse Lutoslawski gezeigt wurden. Nach einer Einladung zur Mitarbeit am Konzert unterzog sich Beth Gibbons einem intensiven Vorbereitungsprozess. Die größte Herausforderung war es, den Originaltext und das emotionale Gewicht, das er trägt, zu lernen, ohne die Muttersprache zu sprechen. Die ikonische Frontfrau von Portishead übertrifft die Erwartungen und klingt hier wie eine Sopranistin mit Opernerfahrung. Ihre Leistung in Zusammenarbeit mit dem Dirigent Penderecki wurde als triumphierend bezeichnet. Der Konzertfilm wurde vom National Audiovisual Institute, Polen, produziert und unter der Regie von Michal Merczynski gedreht.

Release 29.3.2019

Nicht einmal ein Jahr nach dem Vorgänger "Performance" ist die spielfreudige Band mit 8tem Album zurück. Rastlos-fantasievoll ihr Songwriting, höchst energetisch die Umsetzung. Spielerisch und rhythmisch eine weitere Kanonenkugel, denn die offene Formation um die Kernmitglieder James Petralli und Steve Terebecki nimmt niemals den einfachsten Weg. Ihr im Vintage verhafteter Rockansatz vereint Virtuosität und Imaginationskraft, setzt auf allerbeste Grooverock-Ingredenzien und brilliert nicht nur bei den Bridges und Breaks, sondern eben auch bei den immer leicht versetzten Power-Riffs. Leichte Jazz-Einflüsse sind dabei genauso wenig von der Hand zu weisen wie Acid-Power-Riff-Rock oder der gelegentliche Einsatz eines Keyboards. Die Band aus Austin geht aber vollends auf in dem mit leichten Versetzungen und gerne mit Synkopen hantierenden Songwriting, das niemals den Song an sich aus den Augen verliert und ihren kosmisch-erdigen Up-Speed-Rock auf einzigartige Weise zelebriert

Release 22.3.2019

Die Geschichte von Lambchop ist die der steten Veränderung und Weiterentwicklung. Was vor fast 30 Jahren im Keller von Kurt Wagner begann und von ihm selbst scherzhaft als “most fucked-up country band in Nashville” bezeichnet wurde, hat sich inzwischen nicht nur als eine der dienstältesten sondern auch innovativsten Bands der US amerikanischen Musikszene etabliert. Seit jeher verbinden Lambchop unterschiedlichste Genres wie Folk & Country mit Soul und Urban Electronica zu einem ganz eigenen, unnachahmlichen Sound. Kein Lambchop-Album klingt wie das andere, aber jedes klingt immer unverwechselbar nach Lambchop. Nach ihrem wegweisenden Album „Flotus“ (2016) hat die Band aus Nashville jetzt ein neues Album für den 22.03.2019 angekündigt. Für “This (is what i wanted to tell you)” arbeitete Kurt Wagner mit Matthew McCaughan (Bon Iver, Hiss Golden Messenger) zusammen, der ihn auch als Teil des Lambchop Live Ensembles im April auf Tour begleiten wird.

Die erste Single aus dem Album: “The December-ish you”, eine verblüffende Mischung aus bewährt emotionalen Slide-guitar und Pianoflächen alter Lambchop-Schule, effektiven PVC Pop Beats, Claps und Samples, über die Kurt Wagner die melancholischste “Friday Night Fever” Ballade der Dekade croont.

Lange war es still um Karen O, die Sängerin der New-Yorker Garage-Punk-Institution Yeah Yeah Yeahs. Vier Jahre ist es her, dass sie mit „Crush Songs“ ihr Solodebüt veröffentlichte, die letzte Platte ihrer Band erschien 2013. Doch 2018 scheint ihre Rückkehr zu markieren: Anfang des Jahres veröffentlichte sie die Single „Yo! My Saint“, mit Gastgesang von Michael Kiwanuka. Und nun hat sie eine neue Zusammenarbeit enthüllt: Am 15. März 2019 wird das gemeinsame Album "lux prima" mit Produzenten-Legende Brian Burton aka Danger Mouse erscheinen, der zuletzt das neueste Parquet-Courts-Album mit seinen Vintage-Sounds veredelte.

Release 15.3.2019

Das nach 12 (!) Jahren erscheinende neue Album stellt eine zeitlose Frage, die auch und gerade 2019 von zentraler Bedeutung ist: Was soll man glauben? Das Gründungsmitglied Jason Swinscoe und sein langjähriger Partner Dominic Smith haben Albumbeiträge von und mit alten und neuen Mitarbeitern gesammelt: Moses Sumney, Roots Manuva, Heidi Vogel, Gray Reverend (Sänger bei Bonobos "First Fires"), Dorian Concept und Tawiah (Mark Ronson, Kindness) sind dabei. Miguel Atwood-Ferguson (Flying Lotus, Anderson Paak, Thundercat, Hiatus Kaiyote) arrangierte die Streicher und der Fotograf und visuelle Künstler Brian „B +“ Cross arbeitete mit Swinscoe und Smith an dem Konzept des Albums.