Release 27.11.2020

Jede Schallplatte wurde auf Basis von 100% mehrfarbigem Recycling-PVC gepresst und ist ein Unikat. Die Farbzusammenstellung ergibt sich aus dem vorliegenden Rohmaterial und ist bei jeder Platte einzigartig. "Das neue Album entstand im Lockdown. Ein Album, das unter Schock entstanden ist. Für uns hat es immer drei Teile gehabt - den düsteren Beginn, das Aufatmen danach und die süß-bittere Wahrheit zum Schluss. Wir wünschen uns, dass dieses Album am Stück gehört wird. Die Reihenfolge der Lieder hat für uns Bedeutung, und wer so großzügig ist sich das Album auch in dieser Reihenfolge anzuhören hat einen gepolsterten Sitzplatz in der Mehrzweckhalle unserer Herzen." (Severin, Christopher, Henning aka AnnenMayKantereit)

Release 11.12.2020

Mitten im Stillstand standen Faber, Sophie Hunger und Dino Brandao am Zürichsee bei der Roten Fabrik. Angezählt vom Lockdown. «Wir haben da zusammen den Kopf etwas hängen lassen», sagt Hunger. Aus dem gemeinsamem Trübsalblasen wurde schliesslich gemeinsames Arbeiten: Musik machen, Lieder schreiben, ausprobieren. Seither sind ein paar Wochen ins Land gegangen.
Oft wird die Liebe besungen. Sie ist längst nicht immer glücklich. Teils unerwidert, teils kräfteraubend. Mal geht es um die Liebe zu einem Menschen, mal zu einer Stadt. Es ist eine wolkenverhangene Sicht auf die Liebe, aber die lichten Momente fehlen nicht. Denn wenn die Liebe dann wirklich gut ist, wird sogar Rapperswil zum Paradies, wie Hunger unnachahmlich schön singt. Wie sie das Suchen nach Halt und Liebe musikalisch umsetzt, ist grossartig. Es bleibt stets luftig und doch immer fassbar.

Release 15.1.2021

Sie haben 2018 dem britischen Post-Post-Game wieder zu seiner Blüte verholfen. Die Rede ist von Shame, den fünf Musikern aus dem Süden Londons. Nun haben sie mit „Drunk Tank Pink“ den Nachfolger des äußerst erfolgreichen Debütalbums „Songs Of Praise“ angekündigt. Als Produzenten haben sie sich James Ford an Land gezogen, der in der Vergangenheit bereits mit Acts wie den Arctic Monkeys, The Last Shadow Puppets, Florence + The Machine und Depeche Mode zusammengearbeitet. Dies alleine sollte schon die Ambitionen der Band untermauern.

Die Single „Water in the Well“ zeigt bereits, wohin die Reise hingehen könnte. Der Sound ist größer und abenteuerlustiger. Dafür muss die Unverblümtheit im Sound den großen Gesten weichen. Dieser kreative Sprung wurde auch zum Teil durch den kürzlichen Knall der Band zurück auf den pandemischen Boden der Tatsachen ausgelöst. Der Großteil der Band-Existenz ruhte auf den wilden Live-Erlebnissen, die sie eben genau so nicht mehr erleben können. Pubs sind geschlossen, Venues sowieso und virtuell möchte bei einer Band wie shame nicht so recht Stimmung aufkommen.

Release 5.2.2021

2tes Album des Grime-Rappers aus Northampton. Die 14 Tracks sind erzählerisch in zwei Hälften geteilt. Das Album soll zeigen, dass es zu jeder Geschichte zwei Seiten gibt. Als Gäste mit dabei sind unter anderem Skepta, A$AP Rocky und Denzel Curry

Release 27.11.2020

Großartiges Soul-Xmas-Album des Monophonics-Sängers und Songwriters, das keine Coverversionen, sondern nur eigens neu neu geschriebene Songs enthält, die textlich um das Thema Weihnachten kreisen. Ein zukünftiger Xmas-Soul- und Holiday Music-Klassiker, an dem Mitglieder von Durand Jones & Indications, Dap-Kings, GHost Funk Orchestra, Monophonics, Orgone u.v.a. beteilgt waren. Eine Zelebrierung von allerbestem 60s-Soul im Stile von Tarantinos´s Jackie brown-Soundtrack, sweet und funky, manchmal orchestral, mit Verve, Seele und Leidenschaft. Top instrumentiert mit grandiosen Bläsersätzen und Background-Vox, Breakbeat-Drums, Piano, Funkgitarre, verpackt in einem klasse Vintage-Look

Release 19.2.2021

Vor zwei Jahren veröffentlichte Tash Sultana ihr beeindruckendes Debüt »Slow State«, das in ihrer Heimat Australien Platz zwei der Charts eroberte.
Am 19. Februar 2021 kommt endlich der Nachfolger, Album Nummer zwei der Sängerin, Multiinstrumentalistin und »One-Woman-Band«.

Gemeinsam mit dem aufstrebenden Melbourner Künstler Jerome Farah singt Tash über schmetternde Trompeten und schimmernde Gitarrenlines.

»Terra Firma« zeigt einmal mehr, dass sie zwischen Elektro, Pop, Singer-Songwriter, Reggae und Soul ihren ganz eigenen Style gefunden hat.

Release 29.1.2021
Das neue Album nach 7 Jahren unterstreicht eindrucksvoll das Bewegungspotential der Band aus Weilheim, die uns seit ihren und unseren Anfängen begleitet und mit jedem Album ein bisschen glücklicher macht ohne sich zu wiederholen, aber auch nicht ohne die melancholische Signatur und somit die Contenance zu verlieren. Auffällig wie aussergewöhnlich ist an diesem Album, wie divergente Wege zu einem in sich geschlossenen Sound geführt haben, sei es der offensichtliche EInfluss von Krautrock, was sich nicht nur in der Motorik ausdrückt, das Auftauchen von Brass-Jazz-Momenten, experimenteller Indierockigkeit, cineastischen Elementen, von japanischem Indie-Pop (die enge Verbindung zu Tenniscoats manifestiert sich nicht nur im Gastgesang von Saya von Tenniscoats aus, sondern auch bei der Brass-Band Zayaendo) bis hin zum überraschenden Song-Auftritt der argentinischen Ausnahmemusikerin Juana Molina bei "Al Sud". Zudem haben sie auch die verblüffende Spontaneität ihrer überragenden Livekonzerte einfangen können, was sich in überraschenden Kurven und Songausgestaltungen ausdrückt. Das Gefühl von Vertrautheit kehrt immer wieder zurück, wofür Acher´s unnachahmliche Stimmfarbe verantwortlich ist, die aber nicht so sehr im Zentrum steht, was der Abwechslung wiederum sehr gut tut. Ein komplexes, multidimensionales Album mit einem tiefen, lange anhaltenden Sog.

Release 15.1.2021

Kurt verbeugt sich vor seinem musikalischen Helden. Der amerikanische Slacker-König ist schon seit langen Jahren ein großer John Prine- und Nashville-Fan als sich durch Vermittlung von Matt Sweeney (Chavez, Superwolf) die Möglichkeit auftat, selbst mit seinem musikalischen Helden in Nashville aufzunehmen. Über einen Zeitraum von vier Jahren entstanden in sporadischen Sessions in Prines und Fergies Studio fünf Songs (drei Cover von Prine & Clement und zwei neue eigene Songs), aufgenommen mit lokalen Größen wie Bobby Wood, Dave Roe, Kenny Malone, Dan Auerbach (The Black Keys) und eben Matt Sweeney. "How Lucky", ein Duett mit John Prine, ist dabei für Vile, "probably the single most special musical moment in my life".

Release 27.11.2020 (Vinyl am 11.12.)

Debüt der Band aus London, dem unehelichen Kind von den Strokes und den Ramones, die schon massig Vorschusslorbeeren geerntet haben (u.a. soll Mick Jagger großer Fan sein). Cheesy Pop-Punk mit 70s/Glampunk- aber auch Indierock- und viel Power-Pop-Einfluss und super harmonischen Vocals, angenehm rauhe und dennoch sehr honigweiche Produktion, langsam versteht man den Reiz und warum schon so ein Fuzz um sie gemacht wird. Gemastert in den Abbey Road Studios.

Release 5.2.2021

Verglichen zu den drei Vorgängeralben ist "Shore" weniger von einprägsamen Songs und Melodien geprägt. Die Songs verbinden sich zu einem langen Traum – Shore, also das Ufer und die Bewegung des Wassers, verbindet die Lieder.
Robin Pecknold, der von Komposition bis Umsetzung Mastermind des Albums ist, lässt sich freien Lauf: von hippieesken Reflektionen auf das Leben, mit vielen Einflüssen der amerikanischen Literatur und Kunst bis hin zu der respektvollen Verneigung vor den verstorbenen Größen der Vergangenheit. Otis Redding, Alice Russell und weitere Musiker werden im Song "Sunblind" genannt.

Release 4.12.2020

Weniger ein Weihnachtsalbum als vielmehr ein kulturübergreifendes saisonales Feuerwerk. Es geht um Themen rund um das vertraute Gefühl des Jahresendes, die Besinnung, die Feiertage sowie die Anerkennung des vergangenen Jahres, mitsamt der Veränderungen, die dieses mit sich gebracht hat, seien sie positiv oder negativ. Neben vielen eigenen Songs gibt es auch ein paar Coversongs, darunter Klassiker von John Lennon und Tom Petty, sowie diverse Special Guests zu hören, Kollaborationen mit Bombino, Gaby Moreno, Gisela João, Nick Urata (DeVotchKa) und Camilo Lara. Es kommt von Herzen, ist lustig und ernsthaft, aber ebenso feierlich.

Release 5.3.2021

10tes Album der Schotten! Selbst wenn wir nicht gerade außerordentlich beunruhigende Zeiten durchleben würden, gibt es nichts Vergleichbares wie ein Teenage Fanclub-Album, um Geist, Körper und Seele zu beruhigen und zu bekräftigen, dass in dieser Welt doch nicht alles verloren ist. "Endless Arcade" folgt auf das 2016er Album "Here", mit dem Teenage Fanclub ihren ersten Top-10-Erfolg seit 1997 feierten - ein klarer Beleg dafür, wie sehr diese Band bis heute geschätzt wird. Das neue Album ist die Quintessenz von Teenage Fanclub: Die Melodien sind zu gleichen Teilen herzerwärmend und herzzerreißend, die Gitarren klingen teils glockenklar, teils kratzig, Keyboard-Linien verweben sich ineinander und drehen sich um sich selbst, harmonieerfüllte Refrains brechen durch wie die Sonne an einem stürmischen-grauen Tag.*

Sie wollen es wohl nochmal wissen. Daür greifen sie vermehrt auf Synthesizer als zusätzliche Melodiegeber zurück, wie "Ramona" und das radiokompatible Titelstück beweisen, neben dem nach wie vor makellos jegliche Alterserscheinung ignorierenden Gesang von Mastermind Billy Corgan, der den dem Gothic nicht abgeneigten Zeremonienmeister mit der reformierten alten Besetzung mit u.a. James Iha und Jimmy Chamberlin an seiner Seite, mit denen er zuletzt auf "Machina" 2000 zu hören war. Iha haut dann auch schon ordentlich in die Saiten rein wie der Alternativerocker "Wyttch" zeigt, unterm Strich aber ein Album für die breitere Masse mit vielen modernen, zeitgeistigen ELementen bei der Produktion.

Release 29.1.2021

Neues Album der belgischen Band. Der Albumtitel verbildlicht den Wunsch und das unruhige Warten darauf, einen Moment wirklich vollends ohne Einschränkungen ausleben zu können. Innerhalb der nächsten Sekunden verfliegt dieser Augenblick scheinbar jedoch schon wieder und endet in der Vergänglichkeit - wie der Sand in der sprichwörtlichen Uhr. "There’s a theme running through these tracks, waiting, restlessness, not being able to live in the moment or putting your trust into the future", berichtet die Band. Auf "Sand" präsentieren die Belgier eine gefühlvolle Indie-Pop-Umarmung, die mit elektronischen Lo-Fi-Anleihen gespickt ist, und dabei insgesamt weniger mit melancholischen Fesseln vorbelastet ist, als der 2019er-Vorgänger "Fever". Auf Albumlänge heben Balthazar die Nuancen von Liebe, Verlust und Leben hervor und experimentieren mitunter auch mit neueren Klängen und Sounds.

Release 04.12.2020

Neues Album der psychedelischen Rocgranaten from down under. "K.G." markiert das zehnjährige Jubiläum einer aus dem Geheimtipp-Status herausgewachsenen Band. Es ist das 16. Album seit ihrer Gründung und eines ist sicher, kaum eine andere Band kann mit solch einer massiven, klanghaft vielfältigen Discographie mithalten. Drei Songs wurden bereits vorab veröffentlicht. Wenn der globale Lockdown im Frühjahr/Sommer 2020 Unruhe unter denen hervorrief, die auf Live-Auftritte angewiesen sind, dann waren King Gizzard besser als die meisten anderen in der Lage, während einer Pandemie nicht nur zu überleben, sondern auch stilvoll zu gedeihen. Ein Großteil des kreativen Lebens hat Frontmann Stu Mackenzie bereits damit verbracht, im Schlafzimmer Songs aufzunehmen und diese auf eine temporäre Eremiten-ähnliche Existenz vorzubereiten, aus der "K.G." geboren wurde. Es trug auch dazu bei, dass die Band zum ersten Mal seit ihrer Gründung finanziell unabhängig ist, sowie komplett als eigenständige Industrie existiert. Alle Alben wurden auf dem Label des ehemaligen Schlagzeugers Eric Moore Flightless Records veröffentlicht. Das gesamte Artwork und Videos entstanden im eigenen Haus. Es ist eine Arbeitsweise, die daran erinnert, dass DIY, Independent und Underground immer noch ein Weg zum internationalen Erfolg und völlige kreative Kontrolle sein können. *

Release 4.12.2020

Mit ihrem 2ten Album setzt die kleine Supergroup, bestehend aus Tony Hajjar (At The Drive-In) , Troy Van Leeuwen (Queens Of The Stone Age, Eagles Of Death Metal) , Troy Sanders (Mastodon, Killer Be Killed) und Mike Zarin (Sencit Music), eigene Akzente, bezieht sich mit ihrem futuristischen, fett produzierten Alternative-Rock-Look auch auf den Industrial-Rock von NIN oder den komplex-progressiven Ansatz von Tool. Balladenteil werden mit energetischen Powerdrumattacken kontrastiert, Synth-Sounds mit bratzigen Bässen in Sachen Druck maximalisiert, dazu immer wieder mal Post-Metal-Schübe, der Gesang variiert gekonnt, besitzt eine Tiefe und Breite, die oft übermenschlich wirkt. Die Songs wurden effektvoll mit Breaks versehen, die die Dynamik des Albums noch steigern. Ein kolossaler, progressiver Sound, der einen gleichzeitig wegbläst und hinwegträgt

Release 19.2.2021

Das 10te Album wurde gemeinsam mit Produzent Dave Fridmann und unter Mitwirkung von Atticus Ross und Colin Stetson aufgenommen. Eigentlich war der Plan, zu Fridmann in die USA zu reisen, doch mussten auch Mogwai sich, wie viele andere Künstler*Innen, einen Plan B überlegen und zogen sich stattdessen in das ländliche Worcestershire zurück. Ohne Aussicht darauf, das Album in näherer Zukunft live aufführen zu können, hofft Stuart Braithwaite, dass "As The Love Continues" die Leute an einen besseren Ort mitnimmt und ergänzt: "unless you are somewhere really amazing and then why are you listening to some weird music like this?" "Dry Fantasy" gibt einen Einblick in den Sound des neuen Albums: träumerische Synthies, Bass und Gitarre steigen ohne Hektik mal ein, lehnen sich dann wieder zurück, lassen das Konstrukt atmen und den Song wachsen ehe alles wieder in sich zusammenfällt. Das Video zu "Dry Fantasy" wurde von Vaj Power aufgenommen und zeigt ineinander verschwimmende Bilder, Anzeichen von blühenden Blumen und Ideen eines weit entfernten Planeten. Mogwai stehen seit 25 Jahren und 9 Studioalben - nebst zahlreichen Soundtracks - für einen jugendlichen Drang nach neuen Ideen, ungebändigter Experimentierlust und der Suche nach dem Neuen im bereits Bekannten. Auch "As The Love Continues" bietet eine Auszeit vom Alltag, den Soundtrack zum Tagträumen und eine immense Energie zwischen brachialer Wucht und träumerischer Leichtigkeit.

Release 5.2.2021

Neues, 10tes Album von Dave Grohl´s Band. Knackiges Teil mit 9 Songs in 37 MInuten. Inkl. der Vorabsingle "Shame Shame." Das Album wurde von Greg Kurstin und der Band produziert.

Release 4.12.2020

Der australische, im britischen Brighton lebende Allrounder Nick Cav ist nicht nur Sänger, sondern auch Dichter in seinem zweiten Projekt mit dem belgischen Komponisten Nicholas Lens. Nach ihrem gemeinsamen Projekt Shell Shock aus dem Jahr 2014 taten sich Lens und Cave während des Lockdowns zusammen für L.I.T.A.N.I.E.S. Cave schrieb zwölf Litaneien - "Bittgebete an einen göttlichen Schöpfer" -, die der Komponist nach eigenen Worten in ein Stück "aus Nachtträumen" verwob. Als Lens mit dem Fahrrad durch ein ungewohnt leeres Brüssel fuhr, musste er an die magische Ruhe der Rinzai-Zen-Tempel denken, die er im ländlichen Japan gesehen hatte. Erinnerungen an diese Bauwerke und den inneren Frieden, den er dort erlebt hatte, waren die Inspiration für die minimalistische, zuweilen tranceähnliche Musik von L.I.T.A.N.I.E.S, gesungen von Denzil Delaere, N. L. Noorenbergh, Claron Mc- Fadden und Lens' Tochter Clare-Lane, die ebenfalls Künstlerin ist. Die elf Instrumentalisten nahmen ihre Parts einzeln in Lens' Haus auf, um den Pandemievorschriften zu genügen, das gemeinsame Ziel ihrer Arbeit aber ist deutlich spürbar in diesem vollendeten Vokalwerk

Release 15.01.2021

Album Nummer Sechs von Jason Williamson und Andrew Fearn aka Sleaford Mods aus Nottingham, und die Fresse wird nur noch größer. Die beiden feilen an ihrem Sound, ohne den Charme und Minimalismus einzubüßen, der sie so groß gemacht hat. Sie sind nach wie vor das Paradebeispiel des mündigen DIY-Künstlers, vor keinem Kommentar zurückschreckend, und Anlass dafür gibt es im Brexit- und Corona-Chaos auf der Insel mehr als genug. Die Songs sind bissig wie eh und je, musikalisch evtl teils etwas "weicher" und versierter, aber das steht den beiden gut und sorgt für Kurzweil und Abwechslung, und von den wütenden Rants der bisherigen Alben gibt es auch immer noch genug, sodass jedeR sein Fett weg bekommt. Kaum ein Act sitzt in den letzten Jahren so perfekt zwischen den Stühlen wie diese beiden. Als Gäste u.a. die britische Newcomerin Billy Nomates (nicht die Punkband), und Amy Taylor/Amyl & The Sniffers

Release 15.1.2021

Auf dem blättrigen Cover ihres dritten Albums laden die Grandbrothers den Betrachter ein, durch das dichte Laub eines Weißdornstrauchs zu blicken, offenbar angetrieben von einem ähnlichen Gefühl der Neugierde, das ihrer neuen Platte zugrunde liegt. Das türkisch-deutsch-schweizerische Duo hat die selbstgewählten Beschränkungen ihres früheren Set-Ups hinter sich gelassen und mit ihrem neuen Album einen Sprung ins Unbekannte gewagt. Auf „All The Unknown“ präsentieren der Pianist Erol Sarp und der Produzent/Audio-Softwareentwickler Lukas Vogel, die seit ihrer Gründung im Jahr 2012 ihre moderne und einzigartige Interpretation des präparierten Klaviers einsetzen, eine weite, offene Klangwelt der kompositorischen Möglichkeiten. Die beiden stellen auf ihrem neuen Album wieder Vergangenheit und Zukunft einander gegenüber und wagen sich mit einem Konzertflügel, einer selbstgebauten, computergesteuerten Apparatur und einem neuen Sinn für Freiheit weiter in die Weiten des Kosmos der elektronischen Musik vor."Wir wollten die schöne und romantische Klaviermusik hinter uns lassen", erklärt Sarp, dessen Affinität zu Clubmusik schon immer einen Einfluss auf sein Songwriting hatte. Wer genau hinhört, kann ein Oldschool Hip-Hop-Beat zusammen mit einem melodischen Klavier fusionieren hören - oder spüren wie eine Spur Techno blitzschnell vorbeizieht. Motive der Clubmusik schleichen sich subtil in die makellos strukturierte Soundpalette von „All The Unknown“ ein, die dennoch ausschließlich Klänge verwendet, die ihren Ursprung im Klavier haben. Diese Klänge und Samples werden mit Hilfe einer von Vogel gebauten Mechanik generiert, gesammelt, dann extrahiert, verarbeitet und über ihre ursprüngliche Identität hinaus geformt, um fremdartige Bleeps, Beats und Töne zu erzeugen. Diese ungewöhnlichen Sounds mit den organischen Klavierklängen zu verschmelzen, ist das, was die Klangwelt von Grandbrothers ausmacht.

Release 4.12.2020

Orchestrale Zusammenarbeit zwischen Sigur Rós, Hilmar Örn Hilmarsson, Steindór Andersen und Maria Huld Markan Sigfúsdóttir, die vor 18 Jahren im Barbican Centre in London uraufgeführt wurde und nun - fast zwei Jahrzehnte später - veröffentlicht wird. Die Aufführung ehrt das gleichnamige Gedicht, dramatisch und schön, klassisch mit einem modernen Anschlag. Eine steinerne Marimba wurde eigens für die Aufführung von Páll Guðmundsson gebaut. "Odin s Raven Magic" wurde im 14. oder 15. Jahrhundert komponiert und ist ein isländisches Gedicht in der alten Edda-Tradition (Edda - ein Begriff, der zwei isländische Manuskripte beschreibt, die zusammen die Hauptquellen der nordischen Mythologie und der skáldischen Poesie darstellen). Sein anonymer Autor hatte eindeutig eine intime Kenntnis der Edda-Literatur und Mythologie, die auf eine Reihe heidnischer Motive anspielt, die heute verloren sind. Das Gedicht erzählt von einem großen Festmahl, das die Götter in Walhalla abhielten, während sie in ihr Festmahl vertieft waren; es erschienen unheilvolle Zeichen, die das Ende der Götter- und Menschenwelt vorhersagen konnten.

Release 26.2.2021

Nachdem sie mit 2 Alben und der Supergroup boygenius die Herzen von Fans und Kritikern weltweit erobert hat, startet die US-amerikanische Songwriterin mit ihrem neuen Album eine neue Phase ihres Schaffens. Waren die ersten beiden Alben zum Teil eher spärlich instrumentierter Indie-Kammerpop, so überwältigt "Little Oblivions" mit einem vollen und breitwandigen Band-Sound. Wie gut sich das anhört, kann man auf der ersten Single "Faith Healer" hören!"Little Oblivions" wurde in Julien Bakers Heimatstadt Memphis, Tennessee, mit dem Tontechniker Calvin Lauber aufgenommen und von Craig Silvey (The National, Florence & the Machine, Arcade Fire) abgemischt. Nachdem Baker bisher hauptsächlich an der Gitarre und dem Klavier zu hören war, fügte sie dieses Mal noch Bass, Drums, Synthesizer, Banjo und Mandoline ihrem Soundkosmos hinzu und spielte den Großteil davon selbst ein. Wie von Julien Baker gewohnt sind ihre Lyrics hochpersönlich und zeugen von der außergewöhnlichen Beobachtungsgabe der Songwriterin. Mit ihren beiden bisherigen Alben landete sie auf einer Vielzahl von Jahresbestenlisten.

Release 15.1.2021

Vielleicht ist auch „Love Is The King“ ein Beispiel dafür. Dabei handelt es sich um die neuste Solo-LP von Wilco-Frontmann Jeff Tweedy. Die Platte erscheint am 23. Oktober, natürlich über das Wilco-Label dBpm Records, und wird flankiert von Tweedys neuem Buch „How To Write One Song“.

Das neue Album ist nach „Together At Last“ (mit selbst eingespielten, reduzierten Wilco-Klassikern, 2017), „Warm“ (2018) und „Warmer“ (2019) bereits die vierte Solo-Scheibe des Sängers in vier Jahren. Der 53-Jährige, nebenher auch Produzent (zuletzt im Wilco-Studio The Loft mit Jazz-Darling Norah Jones) und Autor einer vorzüglichen Autobiographie („Let’s Go – So We Can Get Back“), ist immer noch einer der umtriebigsten Kreativen der Branche.

Als Vorgeschmack für seine neue Platte stellte Jeff Tweedy bereits die Songs „Guess Again“ und „Love Is The King“ ins Netz.

Release 11.12.2020

Auch als Ltd.-Clear Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.90)

Neues Album des aus Arizona stammenden Trios Maynard James Keenan (Tool, A Perfect Circle) mit Mat Mitchell (Gitarre, Bass, Keyboards) und Carina Round (Gesang, Keyboards). Folgendes Back-Up-Team wurde zur Verstärkung zusammengestellt: Greg Edwards (ein erfahrener Agent, der in geheimen Operationen unter den Titeln Failure und Autolux gedient hat, Bass, Gitarre, Keyboards), Gunnar Olsen (Drums) und Sarah Jones (Drums). Maynard James Keenan bediente sich dieses Namens erstmals, als er 1995 in einer Episode der amerikanischen TV-Serie "Mr. Show" zu sehen war, 2007 wurde die gleichnamige Electro-Rock-Band gegründet, die er heute mit seinen Mitstreitern Mat Mitchell (Gitarre, Produktion) und Carina Round (Gesang, Songwriting) betreibt.

Release 27.11.2020

Das neue Album der Band, welche pures Drama und Katharsis lebt. Ihr fünftes Gesamtwerk - und erstes seit dem erfolgreichen 2016er Versus - braucht mit dem ausgeprägtem Verständnis von Spannung/Entspannung einen Vergleich mit Werken von Mono, Explosions in the Sky und Godspeed You! Black Emperor nicht zu scheuen. Mit Einflüssen, die von der emotionalen Wucht von Big Thief über den erfinderischen Geist des Krautrock bis hin zur Brutalität von Neurosis und dem dunklen Experimentalismus von Coil reichen, verflechten sich diese schwereren Elemente und öffnen sich in der Weite gar bis Fennesz oder Tim Hecker. Eine neue Ausrichtung, welche eine schimmernde Schönheit und Tiefe enthüllt, wie sie in der heutigen überkomprimierten und überproduzierten Version "moderner" Musik selten zu finden ist. Das Titelstück beginnt mit einer blühend dunklen Ambientpassage, ein aufsteigender Gitarren-/Synth-Part, der die Spannung aufbaut bis die endgültige Befreiung durch einem großen Refrain, gigantische Wellen von Gitarrenklängen und Percussion-Dichte erreicht wird. Oscillate steht exemplarisch für das Album als Ganzes - massiv im Umfang und noch größer im Klang. Oscillate ist nicht nur Instrumentalmusik, es ist ein eigener Film, projeziert in einem Kino mit einem makellosen Soundtrack, der mit 120 db explodiert. Das Album wurde von der Band in ihrem eigenen Studio aufgenommen und von Magnus Lindberg von Cult of Luna gemischt und gemastert. Souverän in der Ausführung ist Oscillate acht Tracks wahrer dramatischer Bombast und ein gewaltiger Schritt vorwärts für die Band - vier Jahre warten haben sich gelohnt. Für Fans von Mono, Explosions In The Sky, Mogwai, Cult of Luna, EF, Caspian, Russian Circles Band Info: PG.LOST wurde 2004 in Norrköping, Schweden, gegründet und besteht aus Mattias Bhatt, Martin Hjertstedt (ex- Ghost), Gustav Almberg (The Great Discord) und Kristian Karlsson (Cult of Luna). Auf der Suche nach einem einzigartigen Klang und der Liebe zu Post-Rock, Ambient und Shoegaze mit einem Hang zum Post-Metal, veröffentlichte die Band 2006 und 2007 ihre selbstbetitelten sowie die Yes, I Am-EPs. Daraufhin veröffentlichten PG.LOST 2008 ihre Debut-LP It's Not Me, It's You! Es folgten In Never Out, Key, die Split-LP mit Wang Wen und zuletzt Versus. Line Up: Mattias Bhatt: Gitarre, Martin Hjertstedt: Schlagzeug. Gustav Almberg: Gitarre, Kristian Karlsson: Bass

Release 11.12.2020

B-Seiten und Raritäten-Album mit Songs, die zumeist von den 7"-Singleveröffentlichungen der Band aus den Jahren 2002 bis 2009 stammen. Vollständig neu gemasterte Songs. Der Titel "Little Bastards" war der liebevolle Spitzname, den Alison Mosshart und Jamie Hince der Drum-Maschine gaben, die ihre Existenz als Band mit nur zwei Mitgliedern in der ersten Hälfte ihrer Karriere ermöglichte. Das Album enthält auch die bisher unveröffentlichte Demoversion von "Raise Me" aus der Ära des Albums "Midnight Boom" (2008-2009). Weitere Höhepunkte sind "I Call It Art" von der Monsieur Gainsbourg Revisited-Cover-Compilation, der brillante Midnight Boom-Bonustrack "Night Train", eine mitreißende Darbietung von "Love Is A Deserter" aus einer XFM-Radiosession und eine Handvoll klassischer amerikanischer Roots-Songs, die mit der Art von Schnodderigkeit aufgeführt werden, für die The Kills berühmt sind: Howlin' Wolfs' "Forty Four", Screamin' Jay Hawkins' "I Put A Spell on You" und Dock Boggs' "Sugar Baby".

Release 29.1.2021

Wer in den letzten zwei Jahren nur einmal vor einer Bühne stand, auf der Nora Steiner und Madlaina Pollina sangen und Gitarren spielten, der ahnte ja bereits, dass diese beiden Schweizerinnen Mitte zwanzig in Sachen Songwriting (… und Gesang! … und Charisma!) in der Champions League spielen. Alle anderen werden spätestens von ihrem zweiten Album „Wünsch mir Glück“ überzeugt werden, das am 29.01.2021 erscheinen wird.

Steiner & Madlaina schreiben ihre Songtexte jeweils alleine, sind aber trotzdem schon seit ihrer Jugend eine kreative Einheit. Gerade auf diesem Album haben sie viel über die Themen und Texte gesprochen und sich gegenseitig als höchste und einzige Instanz in Sachen Qualitätskontrolle ausgetauscht

Release 4.12.2020

WAR ON WOMEN, die sich selbst als „Co-ed feminist Hardcore-Punk-Band“ bezeichnen, bringen eine neue Platte raus: „Wonderful Hell“ erscheint am 20. November 2020 via Bridge 9 / Soulfood.

Der Titelsong "wonderful hell" verspricht schon mal Einiges!

Fertiggestellt wurde das Album bereits im Frühjahr 2020, als die Band eigentlich mit Bad Religion auf Tour sein sollte. Die Tour wurde wegen der Covid-19-Pandemie abgesagt.

Release 26.2.2021

Auch als Ltd.-Colored Vinyl-Edition erhältlich (CHF 39.90)

Nach der Trennung von Keyboarder Lukas Wooller, begannen sich Smith, Lloyd und English im vergangenen Sommer auf die Suche nach einem neuen, vierten Mitglied zu machen. Im besten Fall jemand, der gleichzeitig die Produzentenrolle einnehmen könnte. Schlussendlich wurde die Band in dem in Atlanta ansässigen Grammy-Gewinner Ben Allen (Animal Collective, Deerhunter) fündig, der das Trio eigentlich seit dem Frühjahr im Studio unterstützen sollte. Lockdown-Beschränkungen machten es der Band in der Folgezeit nicht leicht, was in komplizierten Online-Aufnahmesessions quer über den Atlantik hinweg gipfelte. Auf Albumlänge stellen sich Maxïmo Park großen Fragen: Wer sind wir? Wer wollen wir sein? Und haben wir eigentlich irgendeine Kontrolle darüber? Der Albumtitel verweist auf die Debatte zwischen Nature versus Nurture und stellt die Diskussion auf, ob Veränderungen unter dem Einfluss von Zeit, Perspektive und Umwelt möglich sind oder ob wir dazu bestimmt sind, für immer an unsere eigene Genetik gebunden zu sein. "Nature Always Wins" ist eine Art Prüfung, die sich auf den Begriff des Selbst, der Identität als Band und der Menschheit als Ganzes konzentriert und diese grundlegend in ihren Einzelheiten erforscht. Die Albumankündigung folgt dem Track "Child Of The Flatlands" - einem majestätischen, psychedelischen Slow-Burner, der einen sehnsüchtigen, verliebten Blick auf das Aufwachsen von Frontmann Paul Smith irgendwo zwischen englischen Natur- und Stadtlandschaften wirft. Als erste richtige Single teilen die Vier nun den neuen Song "Baby, Sleep", der die Hörerschaft in eine Welt voller wilder, ungezähmter Indie-Rock-Energie schickt. Angetrieben von der unnachahmlichen Gitarre von Duncan Lloyd und den geschliffenen Worten von Smith, der auf dem Song stressbedingten Schlafentzug und die Folgen thematisiert, präsentieren sich Maxïmo Park von ihrer besten Seite.

Release 29.1.2021

Wilsons sechstes Album ist eine Erkundungsreise in den menschlichen Verstand in Zeiten des Internets und den ultramodernen Konsumenten der Gegenwart. Während er sich auf "To The Bone" (2017) mit den Problemen von Post-Wahrheiten und Fake News auseinandersetzte, nimmt Wilson die Hörerinnen und Hörer auf "The Future Bites" mit in eine Welt der Süchte des 21. Jahrhunderts. Es ist ein Ort, an dem beständig und ganz öffentlich mit den Auswirkungen aufkommender Technologien auf unser Leben experimentiert wird. Trotz Themen wie außer Kontrolle geratener Kaufsucht, manipulativer sozialer Medien oder dem Verlust von Individualität ist "The Future Bites" weniger die dunkle Vision einer heraufziehenden Dystopie als vielmehr eine neugierige Analyse der Zustände im Hier und Jetzt. Musikalisch gesehen ist "The Future Bites" gewohnt großartig. "Personal Shopper" der erste Track ist zehn Minuten lang, und erinnert an Moroder, elektronische Sounds - durch menschliches Einwirken verfremdet (King Ghost), sphärische Akustikklänge (12 Things I Forgot) oder Bass-getriebene Krautrock-Grooves (Follower) verbinden sich mit triefendem, düsteren Funk zu Wilsons vielleicht konsistentestem Werk. Das Album wurde in London aufgenommen und von David Kosten (Bat For Lashes, Everything Everything) und Steven Wilson koproduziert.

Release 20.11.2020

Mehr Zeitgeist geht wohl nicht. Mitten im Lockdown 2020 aufgenommenes Livealbum ohne Publikum im leeren Alexandra Palace in London. Cave reflektiert die Einsamkeit und seine einsamsten Momente und füllt den Raum mit dem Klang einiger seiner schönsten Songs, die er sowohl mit den Bad Seeds als auch Grinderman geschrieben hat bis hin zu Songs von "Ghosteen".

Release 20.11.2020

"Dinge gehen schief, Dinge gehen verloren", aber wir alle wissen, mit dem letzten Funken Punk im Feuer: "Irgendwann wird alles gut". Olifr Maurmann und seine Aeronauten sind zurück, sie nehmen uns an der Hand und erklären noch einmal, wie "Dieses anstrengende Leben" geht. Grandios mitreißend, sagenhaft schlau, umwerfend lustig und schonungslos ehrlich, aber nie zynisch und schon gar nie schlapp. Dieses Album ist ein Wunder, eine unverhoffte Umarmung, ein riesiger Trost. Es ist 13 Titel lang das "Extraleben", das Maurmann vor Augen hatte und doch nicht mehr bekam: Nach zwei Herzinfarkten wartete er im Herbst 2019 vier Monate lang im Krankenhausbett auf ein Spenderherz. Im Januar 2020 versagte im letzten Moment sein schwaches Herz. Ein Schock, der die deutschsprachige Musikwelt von Bern bis Hamburg erschütterte, schließlich war Maurmann alias GUZ, selbst ernannter "Knödelbaron" und "Dirk von Lowtzow in Gummistiefeln", mit den Aeronauten die einzige Schweizer Band mit guter Position in der "Hamburger Schule", seelenverwandt mit Superpunk oder Knarf Rellöm und den andern «Dorfdeppen, die die Großstadt neu erfanden», wie er ironisch schrieb.

Release 20.11.2020

Simon Borer, der Kopf hinter Long Tall Jefferson, skizziert Schritte und Bedarfe und parallel einen Sound, der bewährte Traditionen zukunftsfähig macht. Ein Genre, ein Sehnsuchtsort, eine Idee von Zukunftsmusik: Cloud Folk. „Cloud Folk“ ist Long Tall Jeffersons drittes Album, es erscheint am 20.11.2020 via Red Brick Chapel und mit der zweiten Single „Better Man“ werden wir konkret: Gezupfter Folk schafft den Raum, in dem Borer wichtigen Gedanken und Ideen schöne Umwege und neue Ziele erlaubt. Elektronisch flankiertes Gitarrenpicking, aufgeklärte Männlichkeit und Musik in bewegender Balance. Cloud Folk eben.

Release 20. November 2020

Vom UK-Hardcore-Breakbeat und Jungle der frühen 90er beeinflusstes Electronik-Album de Red Hot Chili-Peppers-Freigeistes, das passenderweise auf Aaron Funk's (Venetian Snares) Timesig-Label erscheint. Der Albumtitel bezieht sich auf seine kürzlich verstorbene Katze Maya, die ihn bei seinen musikalischen Exkursionen und Produktionen gern begleitet hat.

Release 20.11.2020

Auch als Ltd.-Purple Colored 2LP erhältlich (CHF 41.90)

Bei Konzerten von War on Drugs lassen sich bestens Zeit und Raum vergessen. Adam Granduciel´s Präsenz ist enorm. Seine leicht heisere Stimme und sein unverkennbarer gesanglicher Ausdruck und das typische klassische Gitarrenspiel machen nicht nur aus jedem Album, auch aus jedem Konzert der Band ein eindrückliches wie zeitloses Erlebnis irgendwo zwischen Springsteen, Kurt Vile und eben WoD. Das Album gibt die Qualitäten der Band bestens wieder, es hat diesen typischen Live-Flow üver ca. 70 Minuten, repräsentiert das Beste aus über 40 mitgeschnittenen Shows, enthält Songs von allen Alben und auch die Coverversion von Warren Zevon's "Accidentally like a Martyr".

Release 20.11.2020

Ordentlich Wirbel verursacht der als einzig verbliebenes Bandmitglied in hervorragender Form befindliche Richard H .Kirk mit einem Album, in dessen Kern Ton und Persönlichkeit von Cabaret Voltaire tief verwurzelt sind, wenn es sich mit seinen, das Adrenalin zum Brodeln bringenden durch die Mangel gedrehten, raunenden Sprach-Samples auf rätselhafte Entdeckungsreisen durch die Geschichte von Shaker-Electro, mit Gitarrensamples verhärtetem Analog-Techno mit Anleihen an Industrial-Dub und kosmische Musik tanzt, um schließlich in der Gegenwart anzukommen. Oder in der Zukunft. Auf alle Fälle stellt das Album einen trotz oder wegen seiner klasse umgesetzten Retro-Electro-Bezüge exzellenten wie apokalyptischen, aber auch tanzbaren Soundtrack zu pandemischen Zeiten im Verschwörungszeitalter mit ganz großartiger Percussion und die Synapsen durchwalkenden Analog-Synth-Sounds dar.

Release 20.11.2020

King Hannah's rauschhaft herbstliche und berauschend düstere und melancholische Debut-EP besteht aus einem Intro, einem Outro und vier ganz fantastischen Stücke dazwischen. Eine melodisch wirbelnde, atmosphärische Soundcollage, entworfen und aufgenommen vom kreativen Kern der Band namens Hannah Merrick (die Stimme!) und Craig Whittle (die Gitarre!). So weitschweifig der Sound, im Mittelpunkt stehen hier dennoch intime und leise Alltags-Geschichten, die im lauten Einerlei allzu oft ungehört versickern. Frau Merrick's Gesang wird gerade von aufgeregten Kritikern in UK und USA (je nach Lebensmittelpunkt und Alter) abwechselnd mit Hope Sandoval, Lana del Rey und auch sogar mit Beth Gibbons verglichen.

Release 20.11.2020 (Vinyl am 4.12.2020)

Auch als Tape erhältlich (CHF 17.90)

Dreizehntes Album des New Yorker Rappers inkl. GAstauftritten von The Firm, Anderson Paak, ASAP Ferg, Big Sean, Brucie B, Charlie Wilson, Don Toliver, Fivio Foreign, Hit-Boy und Lil Durk

Release 13.11.2020

Tatsächlich erscheint nach 25 Jahren dieses wieder aufgefundenes "Lost" Album, das damals nie offiziell veröffentlich wurde und in Vergessenheit geriet. Denn im Frühjahr 1995 hatten die beiden österreichischen Downbeat-Könige der 90er ein Album fertiggestellt, auf DAT aufgenommen, dann in eine Box gelegt. K&D pressten angeblich genau zehn Exemplare und verschenkten vier davon an einige entsprechend exzentrische Menschen. Dann öffneten sich die Türen des Wiener Wohnzimmers, das seine Bassboxen in Richtung Kosmos ausgerichtet hatte, und in einer ungeheuer großen Rauchwolke stürmte die Zeit herein, K&D stürmten hinaus und die Jahre vergingen wie im Flug. Die Tage waren gefüllt mit Remixen, Tourneen und dem Leben. Anfang 2020 dannlegte das zufällige Bewegen einer Kiste im hinteren Teil eines Raumes die DATs wieder frei. Als K&D sie durchgingen, landeten sie sanft wieder in dem Wiener Wohnzimmer und dem wunderbaren Dunst von 1995.Die Musik wurde von den DATs übertragen und K&D rekonstruierten jedes Molekül, aus dem die ursprünglichen 10 Kopien bestanden, in mühevoller Kleinarbeit. Von den allerersten Takes der Mixes auf Band über die Platte aus schwarzem Vinyl bis hin zu den vom vielen Abspielen abgenutzten, weißen Cover. Bis hin zu den Labels, auf denen ''Unverkäufliche Musterplatte'' in ziemlich unhöflichem Deutsch steht.Sie sieht jetzt ziemlich genau so aus, fühlt sich so an und klingt auch so wie die 10 Originalkopien von 1995. Das einzige, was fehlt, sind die Rauchschwaden in die die zehn Originalkopien getaucht worden waren. Es bleibt dem Hörer überlassen, sie in die frische Ernte des Jahres 2020 einzuwickeln.

Rellease 13.11.2020

Nach dem plötzlichen Herzversagen ihres Mannes, des Comic-Künstlers Christophe Badoux, rang Nadja Zela zwei Jahre lang mit der Wiederkehr ihrer Stimme. In dieser Zeit entdeckte sie Musik aus diversen Genres zum Thema Tod und beschloss, ein Requiem zu schreiben und ihre Trauer in finster-märchenhafte Musik zu betten; ihre Stimme kehrte zurück, um Texte von einer unbekannten Welt im All zu singen, bevölkert von Geistern, Tieren und nebulösen Geschichten. Ein berührendes Wagnis, aber Zela hat schon immer den entscheidenden Schritt nach vorne gewagt: mit der All-Girl-Indieband Rosebud, später mit der Blues-Rockband Fifty Foot Mama, seit 2008 mit Solowerken unter ihrem eigenen Namen. Und jetzt also dieses Requiem, ein grandioses Konzeptalbum, das die Band live in voller Länge spielt. Es klinge, verheisst der Promotext, als ob David Lynch über Calamity Jane schreiben würde, die sich mit Boris Vian fürs Autokino verabredet, um einen alten Walt-Disney-Film anzuschauen. Wer lieber musikalische Vergleiche hat: Wir fühlten uns streckenweise an die Black Heart Procession oder die Walkabouts erinnert, beides grossartige Bands, die im Palace berauschende Konzerte boten. Und von wegen Wiederkehr fantastischer Erinnerungen: Das Zürcher Garagerock-Frauentrio Batbait, das den Abend eröffnet, erinnert in seinen besten Momenten an die bezaubernden Crystal Stilts. Vom Tod kann hier keine Rede sein, es sei denn, man versteht ihn als psychedelische Fledermausbeute

Release 13.11.2020

Neues Album in der Besetzung Angus Young (Lead Gitarre), Brian Johnson (Lead Gesang), Cliff Williams (Bass), Phil Rudd (Schlagzeug) und Stevie Young (Rhythmus Gitarre)! Die zwölf neuen Songs des Albums entstanden unter der Regie von Brendan O´Brien, der bereits "Black Ice" (2008) und "Rock Or Bust" (2014) produziert hatte. Auf "Power Up" präsentieren sich AC/DC voll aufgeladen und glänzen mit ihrem legendären Signature-Sound!

Release 13.11.2020

Das neue Album ist kein Corona-Album: Bereits im Herbst 2019 hatte Kurt Wagner eine einzigartige Idee: Anstatt auf eine ursprünglich geplante Tournee zu gehen, würde er seine Band nach Nashville einladen, um eine Platte aufzunehmen und dabei etwas Greifbares zu realisieren. Jedes Bandmitglied: Kurt, Matt Swanson, Paul Niehaus, Tony Crow, Matt McCaughan (Bon Iver, Hiss Golden Messenger), Andy Stack (Wye Oak) durfte sich einen Song auszuwählen, den die Band covern sollte, pro Tag ein Song

Release 6.11.2020

Pompös, monumental, sphärisch, sogartig, melancholisch, verletzlich, hier und da ironisch - vieles, was die Beschaffenheit von "Andere" beschreibt, diese Stimmung, die aufsaugt und nach Albumende längst nicht wieder loslässt, fängt schon beim ersten Hören ein. Gleich zu Beginn setzt Max Rieger in "Halte mich" die Grundstimmung für die folgenden Geschichten auf dem zweiten Album seines Soloprojekts all diese gewalt. "Nichts kommt mir zu nah / Zweifel immer da / du weißt alles ist wahr / alles ist Fassade / alles ist Versteck / halte mich bedeckt." Bekanntlich gibt es unzählige Hörarten und Rieger kommt zu einem ganz eigenen Urteil. "Ich finde das Album, so wie es jetzt geworden ist, furchtbar."Autsch. Haben wir uns in Gänze verhört? Sind wir einem Bild erlegen, das wir schon im Vorfeld entworfen hatten? Auch nach zehn, zwanzig, dreißig Durchläufen will es nicht furchtbar werden, bleibt im Gegenteil stark, berührend, facettenreich und doch stimmig. Anders als "Welt in Klammern", der deutlich konzeptionellere Vorgänger, in dem kein Stück hätte fehlen oder ergänzt werden können, stehen die elf Songs aus "Andere" zwar in Kontakt, können aber auch zu jeder Zeit einzeln stattfinden. Obschon die Eröffnung "Halte mich" und der abschließende Titelsong "Andere" das Album umfassen und eine sichernde Umhüllung bilden, herrscht hier große Song-Autarkie. Der Entstehungsweg unterscheidet sich von den früheren, was laut Rieger auch an der Länge des Arbeitsprozesses von über vier Jahren liegt. "In den ersten zwei Jahren gab es in der Arbeit Andere" keinen roten Faden. Ich habe ihn erst auf den letzten Schritten gefunden." Und noch etwas hat sich gewandelt. Die Texte bestechen in einer Schlichtheit, die erst in der Durchdringung und Verdichtung von Geschriebenem entsteht. „Ich bin deutlich konkreter geworden und immer mehr abgeschreckt von verwaschenen Aussagen. Die Vorstellung, man müsse Sprache in Musik poetisieren, finde ich nicht treffend und ich finde es nicht mehr zeitgemäß, sich abzuheben und elitär zu sein. Umso geräumiger und flächiger darf der Sound daherkommen, wie ein vielschichtiger Teppich oder eine sich steigernde Beat-Schraube. In "Erfolgreiche Life" unterstreicht ein anschwellender Jahrmarktsound die Ironie des Erzählten „erfolgreiche Life / nie mehr verlieren / erfolgreiche Life / alles funktioniert / erfolgreiche Life / uh ungeniert / erfolgreiche Life / extrovertiert“. In "Grenzen" findet sich die Geschichte in den Klang einer New Wave Gitarre gebettet "Netze zwischen Räumen / die Angst neutraler Leute / vor gestern morgen heute", in GIFT wiederum lässt einen die anfängliche Klangkühle fast frösteln und mündet schließlich in etwas Drohendem, Aggressivem: "Was soll ich damit / was aus der Tiefe aus mir spricht / das hier war niemals ich / nein das bin ich wirklich nicht / wenn doch dann bin ich nicht ich / wenn doch dann will ich das nicht". Sich zeigen macht verletzlich und Rieger beschreibt den größten Unterschied zwischen Bandleben und Soloprojekt: „Bei Die Nerven haben wir kollektive Gedanken und teilen jede Reaktion durch drei. Dort bin ich viel angriffslustiger und deutlich weniger verletzlich. Bei all diese gewalt entscheide ich allein, stehe aber auch allein in der Verantwortung." Wer einmal tiefen Schmerz, manifeste Einsamkeit, für den Moment endgültige Verlassenheit gefühlt hat, kann auf "Andere" hören, dass Riegers Musik diese Tiefe besitzt, die nicht an jeder Ecke hörbar, sichtbar, spürbar wird und die nicht auf der verzweifelten Suche nach der vielbeschworenen Authentizität plötzlich vor die Füße fällt. Schaut man auf die Facebook-Seite von all diese gewalt, so lautet ein Eintrag von Januar dieses Jahres: "Vier Jahre Selbstdekonstruktion müssen reichen" Vielleicht finde ich es deshalb furchtbar, weil ich in diesem langen Entstehungsprozess nicht mit mir im Reinen war. Jetzt ist es schmerzlich, genau das zu hören“, denkt Rieger laut nach. Darauf können wir uns verständigen. "Andere" ist vieles, aber gewiss nicht furchtbar.

Release 6.11.2020

Der weltweit gefeierte BAFTA-Gewinner und Emmy-nominierte isländische Komponist Ólafur Arnalds gilt dank seiner meisterhaften Verschmelzung von symphonischen Streichern und Klavier mit subtiler Electronica als der "Superstar der zeitgenössischen Instrumentalmusik". (Financial Times) Seine post-minimalistischen Kompositionen von eindringlicher, atmosphärischer Schönheit waren zuletzt auf einer umjubelten Welttournee mit über 140 Konzerten zu hören. Während Ólafurs letztes hochgelobtes Album re:member ein technologischer Triumph mit seinen bahnbrechenden, selbstspielenden Stratus Klavieren war, schlägt er mit seinem neuen Album für ihn gänzlich andere, persönlichere Wege ein. "some kind of peace" handelt davon, was es bedeutet, am Leben zu sein, es zu wagen und verletzlich zu sein. Es ist eine persönliche Reise, erzählt durch Ólafurs bisher introspektivste Musik, vor dem Hintergrund einer ins Chaos gestürzten Welt. Er verarbeitet auf dem Album reale Stücke seiner Lebensgeschichte, wobei er meisterhaft Sampling-Techniken einsetzt, um dem Zuhörer ein Fenster in seine Erfahrungen zu öffnen. Neben Ólafur Arnalds selbst sind auch befreundete Musiker auf dem Album vertreten, wie der britische Musiker Bonobo, die isländische Sängerin und Multiinstrumentalistin JFDR sowie die deutsche Singer Songwriterin Josin.

Release 6.11.2020

Der Schwede kehrt mit seinem 10ten Album zum Nothern Blues zurück und präsentiert einmal mehr seine skandinavisch-melancholische Version des Americana-Genres. ”Hard Times” stimmt von Beginn an in ein melancholisches Stimmungsbild ein, das sich über die gesamte Albumlänge trägt, ohne auf Dynamiken zu verzichten. Åström beherrscht die leisen ebenso wie die lauten Klänge. Gerne auch mal beides in einem Song, siehe bzw. höre ”And Then She Moved On”. Und der Schwede mag die repititive Beschwörung, wie er mit dem psychedelisch rockigem Abschluss auf ”Night Owl” beweist. Auf andere Weise berührend wird Åström auf den Liedern der Bonusvinyl, welche in limitierter 500er-Auflage dem Album beiliegt (und digital erst später erscheinen wird). ”Michelle”, das ist der Name seiner Ehefrau. Das Lied spielte er ihr zur Trauung und klingt entsprechend: hoffnungsvoll und voller Liebe. Aufgenommen wurde das Album im legendären Silence Studio im schwedischen Niemansland, den Wäldern von Värmland.

Release 6.11.2020

Musik wird immer von der Umgebung inspiriert sein, in der sie geschaffen wurde. Mit ihrer unglaublichen Vielfalt an Landschaften, die von weißen Gletschern über vulkanische Bizarrheit, moosgrüne Felder, tiefe Fjorde und frostige Berge bis hin zu schwarzen Stränden reichen - die Landschaft Islands hat den Sound von Solstafir prägend beeiflusst. Mehr als je zuvor unterstreicht das neue Opus die kontrastierenden Einflüsse, die die Band im Laufe der Jahre inspiriert haben. Egal ob Black Metal bei "Dionysos" & "Her Fall From Grace", atmosphärische, liebenswürdige Klänge in "Til Modar" oder einfach straightforward beim meisterhaften "Akkeri", die Isländer verbinden all diese Elemente zu einer glänzenden Einheit. Das Coverartwork stammt von Johann Baptist Zwecker.

Release 30.10.2020

Rührende und seltsame Lieder, gebraut mit schillernder Heiterkeit und schweren Herzschlägen. "Something Went Wrong" ist Louis Jucker's bisher umfangreichste Arbeit. Einfache und direkte Rocksongs, gespielt mit unveränderter Liebe zu Lo-Fi-Klängen, von einem Künstler, der im Laufe der Jahre zu einer sehr einzigartigen und produktiven Figur der schweizerischen alternativen Musikszene geworden ist. Ein Selbstporträt in 10 Liedern, um seinem eigenen Älterwerden mit Demut zu begegnen.

Das neue CD-Buch erscheint am 30.10.2020!
In 14 neuen Songs, einem Essay, mit Gesprächen und mit Bildern von Gefe kreist das neue Werk um die Frage, welche Spuren die Familiengeschichte im Leben hinterlässt.

Feat: Valeska Steiner (Boy), Nadja Stoller u.a.

Release 30.10.2020

Das neue Album des schwedischen Singer-Songwriters überzeugt durch seine tiefe Ruhe, komplexes Songwriting und Intimität und feiert seine wunderbar verwundbare Wahrhaftigkeit. Christian Kjellvander hat "About Love And Loving Again" aufgenommen - im Frühjahr 2020, als sich fast ganz Europa im strikten Lockdown befand außer Schweden, hat er sich eben dort in die selbstgewählte Isolation begeben, um uns dieses Album zu bescheren. Entstanden ist mit "About Love And Loving Again" das vielleicht dichteste und bisher intimste Album des Künstlers - in sieben langen und langsamen Songs feiert Kjellvander die Ruhe, lässt jeden Klang sprechen, warm weben und schweben die Melodien um die sehr persönlichen und tiefgründigen Texte. Christian Kjellvander entwickelt seine Musik aus dem Alternative Country heraus, lässt Free Jazz und Lo-Fi einfließen, liefert dichtes Singer-Songwriting und gestaltet Songs, die wie ein leise rauschender Sog wirken. Man mag es kaum glauben, aber dieser komplexe Sound, dessen Dynamik von Beinahe-Stille bis zu zügellos expressivem Breitwand-Format reicht, wurde von einer minimalen Dreierbesetzung in einem Stockholmer Kellerstudio und größtenteils live eingespielt. Das passt zu Kjellvanders Forderung nach Authentizität, denn laut ihm selbst will er mit "About Love And Loving Again" vor allem eins: "wahrhaftig und verwundbar sein."

Release 30.10.2020

13tes Album von E. Aufgenommen im bandeigenen Studio in Los Feliz, Kalifornien, übernahm Bandleader Mark Oliver Everett a.k.a. E bei dem neuen, dreizehnten Album auch die Rolle des Produzenten. Eingespielt wurde das neue Album von E selbst, Koool G Murder, The Chet und P-Boo. Mit Ausnahme von 'Are We Alright Again' - "kind of a quarantine daydream I desperately needed to have" wie E selbst sagt - sind alle Songs noch vor COVID-19 entstanden. Bevor die Pandemie unser aller Leben verändert hat.

Release 30.10.2020 (Vinyl am 20.11.2020)

Elvis Costello ist wieder da. Nur zwei Jahre nach seinem Album »Look Now«, für das er einen Grammy in der Kategorie Best Traditional Pop Vocal Album gewann, kommt nun ein weiterer Longplayer des 65-jährigen britischen Musikers.

Aufgenommen hat er die insgesamt 14 neuen Songs in Helsinki, New York und Paris. Unterstützt wurde er im Studio von seinem langjährigen Bandkollegen Steve Nieve sowie Bill Frisell, Nels Cline, Mickaél Gasche, Pierre-François »Titi« Dufour und anderen. Es ist sein 31. Studioalbum!

Wie das neue Album klingt, verriet Elvis Costello vorab mit den Singles »No Flag«, »Hetty O’Hara Confidential« und »We Are All Cowards Now«.

Und die zeigen: »Hey Clockface« punktet sowohl mit musikalischer Vielfalt als auch mit starken Texten. Ein typisches Costello-Glanzstück.

Release 30.10.2020

Die erste Veröffentlichung von Mr. Bungle seit 1999. Neuaufnahme des 1986er High School Thrash Metal Demos der Band zusammen mit Songs, die damals geschrieben, aber nie aufgenommen wurden. Die Platte enthält auch Cover von Klassikern von S.O.D. und Corrosion Of Conformity. Vervollständigt wird die aus Originalmitgliedern Mike Patton, Trey Spruance und Trevor Dunn bestehende aktuelle Besetzung der Band von Scott Ian von Anthrax und Dave Lombardo von Slayer/Dead Cross. *Ipecac

Release 23.10.2020

"Song Machine" ist ein fortlaufender und sich ständig weiterentwickelnder Prozess, in dem eine wachsende Liste an Kreativpartnern unseren vier Freunden Gesellschaft leistet, live aufgenommen in den Kong Studios und darüber hinaus. Das Ergebnis ist eine umfangreiche Sammlung von 17 Tracks, die eine Vielzahl von Sounds, Stilen, Genres und Eigenarten von einem atemberaubenden Line-up an Gästen umspannt, darunter Beck, Elton John, Fatoumata Diawara, Georgia, Kano, Leee John, Octavian, Peter Hook, Robert Smith, Roxani Arias, ScHoolboy Q, Slaves, Slowthai, St Vincent und 6LACK, außerdem Chai, Earthgang, Goldlink, Joan As Police Woman, JPEGMafia, Moonchild Sanelly, Unknown Mortal Orchestra, Skepta und natürlich Tony Allen.

Release 23.10.2020

Die kolumbianische Musikerin hat die Songs ihres Debutalbum selbst geschrieben, auf ihren analogen Instrumenten eingespielt, aufgenommen und produziert. Entstanden ist ein elektronisches Pop Album par excellence! Die kolumbianische Musikerin Ela Minus hat ihr Debütalbum selbst eingespielt, produziert und aufgenommen und mit "acts of rebellion" ein komplexes Manifest der Klarheit, ein Aufruf zu kämpfen, zu leben und präsent zu sein, produziert. Als self-made Künstlerin und Punk im Geiste setzt Ela ihren eigenen Akzent auf traditionelle elektronische Musik. Sie hat sich selbst als Regel auferlegt, dass kein Ton in ihrer Musik am Computer erzeugt wird. Ela, die jahrelang studiert hat, wie man Synthesizer entwirft und baut, bevorzugt einen menschlichen, analogen Ansatz und benutzt ausschließlich Hardware zum Aufführen, Schreiben und Aufnehmen. Laptops lehnte sie vor allem wegen ihres Hintergrunds als Musikerin, die jahrelang professionell akustische Instrumente spielte, ab. Als Inspirationen nennt sie Kraftwerk und die frühen Daft Punk: elektronische Künstler, die nach ihren Worten "sowohl innerhalb als auch außerhalb des Clubkontextes existieren können". "Ich identifiziere mich zutiefst mit der Clubkultur und möchte Musik machen, zu der man tanzen kann", sagt sie. "Ich möchte auch Songs im traditionelleren Sinne machen, mit Melodien, Texten und Gesang. Ich möchte Lieder machen, die die Menschen über die Jahre hinweg begleiten". Als Teenager sah sie eine klare Verbindung zwischen der Freiheit der DIY-Szene, in der sie aufgewachsen ist, und der Clubkultur - die Kraft der Menschen, die in einem Raum sind, präsent sind und gemeinsam etwas Einzigartiges und Kraftvolles erleben. Ela Minus ist "the new kid on the block" bei Domino und wir sind sehr stolz auf diese Künstlerin.

Release 23.10.2020 (Vinyl am 30.10.2020)

Stilistisch hochspannendes Kollaborationsalbum der normalerweise im von Post-Rock beeinflussten Folk beheimateten Emma Ruth Rundle und den Doom-Sludgern von Thou. Der gemeinsame Nenner der beiden Seiten, der sich auf dem Album etwas überraschend offenbart, ist ungezähmter Grunge mit seiner tiefen Verwurzelung im DIY-Northwest-/Seattle-Sound, der sich zwischen den heruntergetuneten metallischen Riffs und dem von seinen Gegensätzen lebenden Wechselgesang von Deep Throat Growl (Thou) und der eher einer dunklen Schönheit zugewandten Emma R.R. mit auch an Chelsea Wolfe erinnernder Stimmfarbe entfaltet und dem Album so mit den unverkennbaren Stilmitteln innerhalb des schleppenden Gitarrenriffing ein eigenartigerweise sehr gut funktionierendes Zentrum gibt, das an den musikalischen Rändern (metallische Attacken und Postrockaffine Atmosphärik mit melancholischer Folkaffinität) in seiner Unvorhersehbarkeit wunderbar ausfranst und den dynamischen Rahmen prima erweitert.

Release 23.10.2020

Anlässlich des diesjährigen Piano Days und als Reaktion auf die außergewöhnliche Situation, in der wir uns seit Beginn des Jahres befinden, hatte Nils bereits am 28. März überraschend acht Soloklavierkompositionen unter dem Titel "Empty" veröffentlicht, die jetzt auch physisch erscheinen. Die Aufnahmen zu "Empty", die Nils ursprünglich als Soundtrack zum gleichnamigen Kurzfilm des befreundeten Regisseurs Benoît Toulemonde eingespielt hatte, entstanden kurz bevor er sich den Daumen brechen und das vergleichbar intime Soloklavieralbum "Screws" komponieren sollte. Empty hat etwas Tröstendes und Heilsames, die breite Palette an Stimmungen der acht Klavierstücke reicht vom schonungslos-ernüchternden Eröffnungstrack "First Defeat" über die dezente Euphorie von "No Step On Wing" bis zum besinnlichen, aber auch zuversichtlich wirkenden Abschlusstitel "Black Notes", in dem Frahm auch Raum für eine Minute der Stille lässt. Ein bewegender und ermutigender Soundtrack für die turbulenten Zeiten, in denen wir uns befinden.

Release 23.10.2020

Ja, da sind sie wieder - Die Ärzte aus Berlin (aus Berlin). Acht Jahre nach ihrem letzten regulären Album vermelden die Drei längst zur Legende gewordenen Mannen die Fertigstellung ihres neuesten Machwerks. 18 Songs stark, 61 Minuten lang und das beste Format der Welt (ja doch, die Vinylschallplatte) auf 181 sagenhafte Gramm gepresst. Der Titel passend zur Ära, die Qualität auf gewohntem Niveau, ein Fest für jeden Fan!

Release 23.10.2020

LOMA (Emily Cross, Dan Duszynski und Jonathan Meiburg) kehren mit ihrem unglaublich fesselnden neuen Album und dem Nachfolger ihres gefeierten, selbstbetitelten Debüts, zurück. Das elf Titel umfassende Werk wurde von der Band bei Dandysounds in Dripping Strings, Texas, produziert und aufgenommen - mit Ausnahme vom Song "Homing", der von Brian Eno produziert wurde. Nach dem Debüt-Album und der darauf folgenden Tour mit dem Höhepunkt íhres Auftrittes beim Sub Pop 30th Anniversary Festival in Seattle folgten einigen Monaten der Trennung. Ein zweites LOMA-Album schien nicht in greifbarer Nähe doch dann änderte das Trio seine Meinung (auch aufgrund einiger ermutigenden Worten von Brian Eno) und traf sich erneut in Dan Duszynskis Haus im ländlichen Texas, wo sie begannen, Lieder zu entwickeln, die zu "Don't Shy Away" werden sollten. Meiburg vergleicht ihren Arbeits-Stil mit der Verwendung eines Ouija-Bretts und sagt, die Lieder hätten sich langsam, über viele Monate hinweg, offenbart. "Each of us is a very strong flavor," erklärt Meiburg, "but in LOMA, nobody wears the crown, so we have to trust each other-and we end up in places none of us would have gone on our own. I think we all wanted to experience that again." Das Album, das dabei herauskam, ist sanft und spektakulär - ein lebhaftes Werk, dessen leichte Berührung die zeitgemäßen Themen Einsamkeit, Vergänglichkeit und das Finden von Licht in tiefer Dunkelheit überlagert. "Stuck / beneath / a rock" singt Cross im Opener des Albums "I Fix My Gaze", als ob sie zum ersten Mal ihre missliche Lage bemerkt. Dann fährt sie fort: "I begin to see / the beauty in it." Es ist ein Zweizeiler, der an das Album im Kleinformat erinnert. "Don't Shy Away" ist durchzogen von Enthüllungen, sowohl freudig ("Given A Sign") als auch nüchtern (wie das klare "Don't Shy Away"), und windet sich von Moment zu Moment mit Selbstvertrauen und Humor. Wie bei LOMAs erstem Versuch gibt es ein greifbares und sinnliches Gefühl des Ortes; Insekten singen in den Bäumen, eine schlecht geölte Tür knarrt im Wind. Aber es gibt auch eine gewagte und hart erkämpfte Weisheit, die durch die wohlwollende Klarinette von Cross unterstrichen wird, die oft wie eine Erweiterung ihrer Singstimme klingt. Eine Reihe von Gästen wandert durch diese absorbierenden Klanglandschaften, darunter die Tour-Mitglieder Emily Lee (Klavier, Violine) und Matt Schuessler (Bass), Jenn Wasner von Wye Oak und eine überraschend Bass-lastige Bläsergruppe. Und dann ist da noch Brian Eno. LOMA luden ihn ein, an dem mantraartigen "Homing" mitzuwirken, welcher das Album schließt.

Release 23.10.2020

Neues Doppelalbum der Sängerin von Big Thief. "songs" sind introvertierte Stücke, die in nahezu kompletter Isolation entstanden und so einen noch klareren Einblick in Lenkers Seele geben. "instrumentals" ist eine Collage aus Jam-Sessions, die ebenfalls in der abgeschiedenen Bergwelt Massachusetts entstanden sind. Beide Alben sind miteinander verwoben und stehen dennoch für sich selbst. Mit ihrer Band Big Thief gelang Adrianne Lenker 2019 der große Durchbruch. Die Band veröffentlichte mit "U.F.O.F" und "Two Hands" binnen eines Jahres gleich zwei Alben, die es in nahezu alle Jahresbestenlisten schafften. Im Februar und März 2020 spielten Big Thief ihre bis dato größte Europa-Tour in restlos ausverkauften Hallen. Der Erfolg wurde nach der Show in Berlin jäh von der Corona-Pandemie unterbrochen und zwang die Band zur Absage der restlichen Termine. Zurück in den U.S.A. zog sich Adrianne Lenker in eine winzige und abgeschiedene Hütte in den Bergen im Westen von Massachusetts zurück. "I grew really connected to the space itself," sagt Lenker. "The one room cabin felt like the inside of an acoustic guitar -- it was such a joy to hear the notes reverberate in the space." Während Adrianne Lenker in der Hütte lebte und neue Songs schrieb, suchte Ihr Soundengineer Philip Weinrobe die Einöde nach alten Tape-Maschinen und ein paar XLR-Kabeln ab. Nach etwa 3 Wochen wurde aus der Hütte ein halbwegs funktionstüchtiges Studio, das jedoch ein kleines Problem hatte: das einzig wirklich heile Aufnahmegerät war der analoge und batteriebetriebene Sony Walkman von Phil. Die Idee, sämtliche Songs auf diesem Tape-Rekorder aufzunehmen, wurde schnell wieder verworfen, nachdem ein Freund eine Otari 8-Spur-Maschine in einer Garage aufspürte und den beiden zur Verfügung stellte. Sämtliche Aufnahmen auf "songs" und "instrumentals" sind 100% analog-analog-analog. Es wurden keinerlei digitale Recording-Prozesse genutzt.

Release 16. Oktober 2020 (Vinyl am 27. November 2020)

Neues, rein instrumentales Orgelalbum der schwedischen Ausnahme-Avantgarde-Musikerin, mit dem sie das klangliche und emotionale Spektrum dieses Instruments konsequent und ohne Effekte oder nachträgliche Bearbeitung auslotet. Es handelt sich um die weltgrösste Kirchenorgel mit 4 Manualen, einer Pedale und 54 Pfeifen, die in Gotenburg beheimatet ist und mit der sie bereits ihre letzten beiden Alben eingespielt hat. Von Hausswolff liess sich von der sakral-surrealen Friedhofslandschaft im italienischen Sacro Bosco in Orsini für dieses in 7 Tracks aufgeteilte Epos zwischen Drone, Doom, Neoklassik und Nordic Folk inspirieren, das alle Eigenarten ihres typischen Klangbildes beinhaltet, aber in seiner Gänze diesem Instrument neue Sounds abringt und komplett aus sich überlappenden Orgeldrones, schweren Atmosphären und kathartischen Crescendi besteht. Wie variantenreich und wagemutig dieses Konzept ausgefüllt und welch eine überwältigende Schönheit davon ausgeht und welch ein gewaltiger Sog entwickelt wird, ist die größe Stärke dieses traumhaften und archaischen Werkes.

Release 23.10.2020

Die legendäre britische Dance-Formation mit ihrem ersten neuen Album seit zehn Jahren. Seit mehr als 25 Jahren zählen sie zu den wichtigsten, erfolgreichsten und wegweisendsten Größen in der Welt britischer Electronica. Wie keine andere Formation verstehen es die Briten, Einflüsse aus House, TripHop, Dub und Songwriting-Elemente zu einem arenatauglichen, hoch explosiven und euphorischen Soundmix zu verbinden. Dabei sprechen schon die reinen Zahlen für sich: Bisher blicken Faithless auf insgesamt sieben Top 10-Singles, sechs Top 10-Alben (davon drei Nr. 1-Scheiben), eine Nominierung für den renommierten Mercury Prize für ihr brillantes zweites Album Sunday 8PM aus dem Jahr 1998, nicht weniger als vier eindrucksvolle Platin-Awards für Forever Faithless The Greatest Hits und nicht zuletzt über 15 Millionen weltweit verkaufte Einheiten ihrer Tonträger zurück .Zehn Jahre sind vergangen, seitdem Faithless mit ihrem letzten Studioalbum The Dance den 2. Platz der Longplay-Hitparaden stürmten. Nichtsdestotrotz war die Popularität der Briten auch in der Zwischenzeit dank internationaler DJ-Sets und dem Aufstieg der Streaming-Dienste ungebrochen.

Release 23.10.2020

Songhoy Blues wurde 2012 als ein Akt der Rebellion in Mali gegründet und gilt seitdem als eines der spannendsten afrikanischen Bandprojekte. Das Debütalbum "Music In Exile" erschien 2015, mit "Résistance" zwei Jahre später der Nachfolger. In der Folge standen die vier Musiker um Sänger Aliou Touré vor den nächsten Schritten, die nun in einem rockigeren und härteren Album endeteten, das zudem auch eine große Portion Optimismus, Hoffnung und Stärke transportiert. Mit dem Opener "Badala" gibt es einen weiteren Eindruck vom Sound des Longplayers, der es auf eine beachtliche Weise schafft, Blues, Stoner-Rock und malische Polyrhythmen zu vereinen. "Badala", das übersetzt soviel wie 'Das ist mir egal' bedeutet, ist Songhoy Blues' persönliche, energiegeladene Abrechnung und Auseinandersetzung mit den vorherrschenden, gesellschaftlichen Bedingungen einiger afrikanischer Staaten. An vielen Orten über den gesamten Kontinent verteilt, erfahren besonders Frauen gravierende Einschnitte ihrer Freiheit, und erleben so Ungerechtigkeiten schon im Alltag.

Release 23.10.2020

1tes Soloalbum der US-amerikanische Sängerin mit zehn Tracks voller einfühlsamem Folk-Pop.Auf dem Album behandelt Laura ihre Scheidung von Produzent Tucker Martine, mit dem sie gemeinsam vor der Albumproduktion beschloss, getrennte Wege zu gehen, jedoch weiter als musikalisches Team zu fungieren. "We were a great musical team for many years but we struggled to be compatible in our marriage and family life and that struggle is reflected in this album", führt Laura aus. Innerhalb dieser Zeit schrieb die Amerikanerin viele Gedichte, die jetzt in Liedern für das Album endeten. Auf den Songs sehnt sich Lauras Herz nach Sicherheit und Beständigkeit, mit dem Wissen das es eine lange Reise wird. Musikalische Unterstützung gibt es dabei von Jim James, Bill Frisell, Karl Blau, Matt Ward. *Bella Union

Release 16.10.2020

Die einen werden in einer «Gwitternacht» mit einem derartigen Knall geboren, dass Räuberburgen in zwei Teile gerissen werden. Die anderen zwängen sich mühsam durch den engen Geburtskanal in die vom Blitzlicht erhellte Nacht, nur um Jahrzehnte später festzustellen, dass sie sich «i däre Show» nie wirklich zurechtfinden konnten. Anstatt durch Wälder zu ziehen und Abenteuer und grosse Freundschaften zu erleben, bleiben Manuel Stahlbergers Protagonistinnen an Tischen, an Bushaltestellen und in Zimmern sitzen, beissen auf die Zähne oder haben Angst vor zu viel Zeit.

Release 16.10.2020

Das erste Soloalbum des charismatischen Sängers von The National wurde von Multi-Instrumentalist. Booker T. Jones produziert. Musikalisch ausgerichtet auf Matt´s unvergleichliche Stimme mit Songs zwischen Americana und Indie-Pop. Neben seinen Bandkollegen waren u.a. der Drummer Matt Barrick (The Walkmen, Jonathan Fire*Eater), der Bassistin Gail Ann Dorsey (David Bowie, Lenny Kravitz) sowie Brent Knopf, mit dem er bereits 2015 als El Vy ein Album veröffentlichte, beteiligt).

Release 16.10.2020

Debütalbum der kanadischen Songwriterin, Komponistin, Sängerin und Musikerin, co-produziert von Gabe Wax (Soccer Mommy, Standing on the Corner, Crumb, Adrienne Lenker, Beirut, The War on Drugs). Bis heute hat sie fünf EPs veröffentlicht die sie selbst geschrieben und komponiert hat: Drawing Room (2016) und From the Series of Songs "Altogether Unaccompanied" Vol. I, II, III & IV (2018). Helena Deland ist derzeit bei Luminelle Recordings unter Vertrag.Das Album erforscht Themen wie Gender, Macht, Zeit und das „Selbst“, wobei Deland die volle Kontrolle über ihren Sound und Stil hatte, auch wenn sie fragt, ob Kontrolle jemals möglich ist. Das Album wurde über einen Zeitraum von zwei Jahren geschrieben und aufgenommen, angefangen mit Delands Gitarre bis hin zu Klangsphäre, die Elemente von hypnagogischem Pop und klassischem Folk miteinander verbindet. Delands Stimme verbindet alles miteinander, manchmal flüsternd, manchmal verzerrt und manchmal voll und klar - lädt den Hörer aber immer in ihre Welt ein. Für Fans von: Radiohead, Big Thief, Angel Olson, Joni Mitchell, Weyes Blood, Sharon Van Etten, Julia Holter, Feist, Cate Le Bon, Jessica Pratt ...

Release 16.10.2020

Dass Woodkid jemand ist, dem es gelingt, eine Brücke zwischen der alten und der neuen Welt zu schlagen, wussten wir bereits. Und das nicht bloß, weil der junge Franzose schon mit etlichen Superschwergewichten der internationalen Popwelt zusammengearbeitet hat: Lana Del Rey und Drake waren da genauso dabei wie Rihanna oder auch Pharrell. Noch entscheidender und außergewöhnlicher ist vielmehr, dass er zu den wenigen Künstlern gehört, die wirklich inter- bzw. multidisziplinär arbeiten, klassische Genre- und Gattungsgrenzen hinter sich lassen, weil ihn einfach so unglaublich viele Ausdrucks- und Kunstformen interessieren und faszinieren. Seiner Neugier einen Riegel vorzuschieben und sich auf einen dieser Kanäle festzulegen, käme Woodkid niemals in den Sinn. Beispiele gefällig? Da wäre zeitgenössischer Tanz: Beispielsweise seine grandios inszenierte Zusammenarbeit mit dem berühmten Tänzer und Choreographen Sidi Larbi Cherkaoui. Fashion: die extrem fruchtbare Kollaboration mit einem der größten Modeschöpfer überhaupt - Nicolas Ghesquière, seit Jahren künstlerischer Direktor bei Louis Vuitton. Und dann natürlich das Medium Film: Woodkid steuerte zum Film Desierto von Jonás Cuarón den Score bei, nachdem seine Tracks auch schon bei Steven Spielberg oder Xavier Dolan zu hören gewesen waren. Fotografie und plastische Künste: Seine Zusammenarbeit mit dem Künstlerkollegen JR, mit dem er nach wie vor Projekte für das New York City Ballet macht... Bezieht man schließlich noch sein ausgeprägtes Interesse für gastronomische Highlights mit ein, bekommt man ein ungefähres Bild davon, wie der Franzose tickt. Als Musiker reichte ihm ein einziges Album - The Golden Age -, um damit ein deutliches klangliches und visuelles Zeichen zu setzen und neben unglaublich viel Kritikerlob auch unzählige Fans für sein Projekt zu gewinnen. Und jetzt, nach einer gut fünfjährigen Reife-, Konzentrations- und Experimentierphase, geht er noch einen Schritt weiter auf seine Art, in seiner "Weise der Welterzeugung", um einen Begriff von Nelson Goodman zu gebrauchen: Es sind Welten der Solidarität - und doch ganz klar allein seine Welten. Sein neuer Longplayer S16 handelt von Maßstäben, von Bezugsgrößen: vom unendlich Großen bis hin zum unendlich Kleinen, vom Kräftegleichgewicht zwischen Mensch und Maschine, auch von kollektiver und individueller Verantwortung, eine neue Welt zu denken, wo die alte doch so kurz vor dem Kollaps steht. Aufgenommen wurde S16 in den Londoner Abbey Road Studios sowie in Berlin, Paris, Los Angeles und Island. Beteiligt war unter anderem auch der Suginami Junior Chorus aus Tokio - wobei es hier nur um das passende Intro für eine ganz bestimmte Passage ging. Während sich der Titel auf das chemische Element mit dem Elementsymbol S und der Ordnungszahl 16 bezieht - Schwefel -, hinterfragt S16 überhaupt alles Stoffliche: Woraus setzen sich unsere Zellen zusammen; woraus sind unsere Herzen gemacht? Wo genau verläuft die Trennlinie zwischen Realität und Fiktion? Schwefel spielt einerseits für alle lebenden Organismen eine zentrale Rolle, doch neigt er andererseits dazu, in Flammen aufzugehen. Wie ein brennender Schmerz, den die Musik noch schüren kann - um ihn dann zu lindern wie eine Umarmung... Während seine unverkennbare Gesangsstimme nach wie vor dieselbe Wärme und so etwas eigentümlich Beruhigendes transportiert, setzt Woodkid auch dieses Mal auf symphonische Weiten: Er erschafft ein ganzes Universum, das doch für sich steht, unbedingt nach Intimität klingt. Als bewegendes, zutiefst menschliches Ganzes spiegelt sein neues Album dabei unsere Zeit wider und all das, was gerade um uns herum passiert... Ein Zitat von Victor Hugo aus Les Rayons et les Ombres bringt es sehr gut auf den Punkt: "Der menschliche Geist hat drei Schlüssel, die alles öffnen: Die Zahl, den Buchstaben, die Note. Wissen, Denken, Träumen. Daran liegt alles." Und so beginnt das nächste Kapitel.

Release 16.10.2020

Auch als Ltd.-Pink- und Yellow-Vinyl-Edition erhältlich (beide CHF 36.90)

Im Jahr 2017 zog Morby von Los Angeles zurück in ein leeres Haus in seiner Heimatstadt Kansas City, KS. Zurück in seinem Zuhause, fühlte er sich plötzlich einem Leben voller Chaos und Abenteuer mit einer Band auf Tour gegenübergestellt. Aber zumindest war Morby froh, "to have - for the first time in my adulthood - a place to close the door, with no temptations other than to work on music and reflect on what I had built since I left." Doch noch hatte ihn die kalifornische Wüste fest im Griff, so verbrachte Kevin den Winter damit, sein Haus auf die einzige ihm bekannte Art und Weise zu dekorieren; nämlich mit Erinnerungsstücken an sein kalifornisches Zuhause, Kaktus, Aloe Vera und er verkleidete sogar die Wände mit Kiefernholz - was dem Haus sofort den Spitznamen The Little Los Angeles einbrachte. In jenem Sommer erhielt seine Isolation eine subtile Linderung, als Katie Crutchfield zu Besuch kam. Sie blieb wochenlang, lebte ruhig neben ihm - ihre Liebe nahm in einer ruhigen Zuflucht vor ihrem Leben auf Tour Gestalt an. Sie teilten viele Dinge, darunter eine gegenseitige Melancholie, die jede Nacht so gegen Sonnenuntergang aufzutauchen schien. Und so begannen sie, sich selbst als "Sundowner" zu bezeichnen.Die Ansammlung neuer Lieder, die zu "Sundowner" werden sollten, entstand quasi mühelos, da Morby sein Bestes tat, den Liedern nicht zu widerstehen oder sie zu verfeinern, sondern sie stattdessen ganz allein Gestalt annehmen zu lassen. In seinem behelfsmäßigen Studio brachte Morby sich selbst grundlegende Aufnahmetechniken bei. Da es keine Heiz- oder Kühlelemente hatte, war er den Elementen ausgesetzt - sowohl dem warmen und abstrakten Sommer als auch dem eisigen Winter in Kansas. Er arbeitete hauptsächlich an einem vierspurigen Tascam-Modell 424.
Abgesehen vom Bass und den Keyboards von Cook spielte er fast jedes Instrument auf dem Album - Lead-Gitarre, Mellotron und die Geheimwaffe des Albums, eine leicht verstimmte Pump-Orgel - selbst. Später kam James Krivchenia am Ende der Sitzung hinzu, um die Perkussion aufzunehmen. Nach der Aufnahmesession auf der Sonic Ranch tourte Morby für "Oh My God", und "Sundowner" lag auf einer Festplatte auf der Sonic Ranch. Es erblickte erst das Licht der Welt, als er sich, wie auch der Rest der Welt, im März 2020 in seinem Haus und in Quarantäne wiederfand. Brad, Jerry Ordonez (von der Sonic Ranch) und Morby arbeiteten von ihren jeweiligen Wohnungen aus, schickten Notizen hin und her, um das Album zu mischen, und plötzlich war "Sundowner" einfach so fertig.

Release 9.10.2020

Das Debut des 2017 im Zuge des Albums "Hiss Spun" entstandenen Duo-Projekts von Chelsea Wolfe (Gesang und Gitarre) und Bandmate Jess Gowrie (Drums, Bass, Programming), das mit deutlich mehr Distortion als das letzte CW-Album aufwartet, Einflüsse aus Grunge und manchmal auch etwas Punk, Doom- und Black-Metal, Noiserock und Sludge für ein gewaltig dräuendes, donnerndes wie massives Album verarbeitet. CW´s extrovertierter, die dunkle Hallburg erklimmender Gesang sorgt wie immer für angenehmtess Schauern, kommt stellenweise auch ungewohnt im Kontext harten musikalischen Actings. Die beiden haben aber auch Duoparts und an manchen Stellen gibts auch böses Gekeife. Immer wieder harte Brüche von dark Atmosphärik über schweres Geschoss zu distorted Gebretter, wie man´s von CW nicht unbedingt kennt, aber dennoch immer unverkennbar! 8 Songs.

Release 9.10.2020

Starker Debutauftritt mit allem, was Indierock braucht, um seine ganze Pracht zu entfalten. Die in Madison, Winsconsin gegründete und inzwischen in Chicago wohnhafte Band zeigt auf ihrem selbstproduzierten Debütalbum einerseits schrammelige Gitarrenverliebtheit innerhalb eines Songwritings zwischen einer lässigen wie sympathischen Indie-Schläfrigkeit und mitreissenden, sich in die Gehörgänge fressenden Hooklines vor dem Hintergrund meist im Midtempo gehaltener Songs mit dem lieblichen Gesangsraunen von Sängerin Massey. Gekonnt switchen sie zwischen akustischen und verzerrten Parts hin und her und verbinden toll schimmernde Gitarren zwischen Shoegazer und amerikanischem College Rock zu einem Albumjuwel voller glühender Energie in bester 90er-Tradition.

Release 9.10.2020

Das langerwartete fünfte Album der seit 2007 nimmermüden Band aus Burbank/Kalifornien um Sänger Jeremy Bolm, die sich nun mit niemand geringerem als Ross Robinson ins Studio gewagt haben, der damals schon At The Drive-In auf´s nächste Level gehievt hat. So sind die 11 neuen Songs auch entsprechend deutlich breitwandiger und opulenter produziert, was ihnen aber gut zu Gesicht steht, denn glücklicherweise ist das nicht überproduziert oder glattpoliert. Am Rezept hat sich natürlich wenig geändert, wobei TA definitiv eine der Bands sind, die eher immer besser werden. Ihr wuchtiger, melodischer Post-Hardcore ist inzwischen selbst Referenz geworden für unzählige Bands, und auch für die, die sonst wenig mit dem Genre anfangen können. In den vier Jahren seit dem Vorgänger hat sich viel getan, und so ist auch inhaltlich eine etwas positivere Grundrichtung hörbar, die Texte waren schließlich schon immer fast der größte Identifikationsfaktor der Band. Musikalisch bleibt man sich treu, die neue Produktionsweise eröffnet aber neue Räume und Aspekte, und es war Zeit, hier das volle Potential aufzuzeigen - ein tolles Comeback! Als Gastsänger im Duett u.a. Andy Hull (Manchester Orchestra, Bad Books)

Release 9.10.2020

Dass Future Islands eine außergewöhnliche Band ist, war ihren Fans der ersten Stunde schon lange klar. Aber es war dann ihr Auftritt in der "Late Night Show" von David Letterman, der ihnen weltweite Aufmerksamkeit bescherte. Future Islands wurden binnen 4 Minuten und 12 Sekunden zu den neuen Darlings einer Szene, die bis eben nicht ihren Namen kannten. Die Single "Seasons" wurde so für die Band zu einem gigantischen Erfolg. Doch der Erfolg und die plötzliche Aufmerksamkeit brachte auch seine negativen Seiten mit sich: Burnout, Selbstzweifel, gesteigerte Erwartungshaltungen - Future Islands haben all diese Phasen bewältigt und mit ihrem neuen Album "As Long As You Are" nun endgültig hinter sich gelassen, indem sie einem Album über Vertrauen und die Liebe geschrieben haben. Gleichzeitig untermauert Frontmann Samuel T Herring seine Reputation als einer der interessantesten Songwriter seiner Generation. Und das Album zeigt wie gut eine Band inmitten des Scheinwerferlichts erwachsen werden kann und dabei sich selbst treu bleibt. "As an artist, you always have fears that you're just gonna get old and then people won't care," sagt Herring, "but this is what we're supposed to sound like and, to us, it's the best we've ever sounded. As Long As You Are is another step in defining who Future Islands is, and that's really important." *4AD

Release 9.10.2020

Neues Album der seit 15 Jahren aktiven New Yorker Band. Eine epische Kollektion, die den farfisa-angereicherten Ethio-Funk-Stil ihrer frühen Alben mit dem psychedelischen Black Sabbath-inspirierten Höllenfeuer verbindet. Heavy Drum Breaks und B-Boy-getestete Old Skool-Grooves treffen auf pulsierende halluzinatorische Sounds von Orgel, Bläsern und Gitarrenriffs.

Release 9.10.2020

Auch als Tape erhältlich (CHF 21.90)

Nach gefühlt 666 Gesangswechseln in der Vergangenheit kommt das neue Album als logische Konsequenz mit diversen Gastsängern aus. An dem Tag, an dem nämlich das Tracking für "Ellengæst" begann, waren die Briten ohne einen männlichen Sänger und Keyboarder. So machte CBP-Chef Justin Greaves aus der Not eine Tugend, um sein tiefes Netzwerk von Musikerfreunden zu nutzen. Am Gesang zu hören sind somit auf diesem Album Anathemas Vincent Cavanagh, Gaahls Wyrds Kristian "Gaahl" Espedal, Coliseum / Fotocrime-Sänger Ryan Patterson, die aufstrebende britische Solokünstlerin Suzie Stapleton und Jonathan Hultén von Tribulation. Fixer Bestandteil der Band sind dagegen Sängerin Belinda Kordic, Gitarrist Andy Taylor sowie Multi-Instrumentalistin Helen Stanley. Die Drums wurden von Ben Wilsker eingespielt. Das Artwork stammt von Thanasis Stratidakis.

Release 9.10.2020

Das vielleicht dynamischste und fesselndste Werk in der Karriere der kanadischen Noiserocker. Jedes der zehn Lieder von "Atlas Vending" bietet eine Momentaufnahme des Status Quo der heutigen gesellschaftlichen Zustände. Dabei schneiden Metz unterschiedlichste Themen an, wie Vaterschaft, erdrückende soziale Ängste, Sucht, Isolation, medieninduzierte Paranoia und den rastlosen Drang, alles hinter sich zu lassen.

Durch die Mitarbeit des Koproduzenten Ben Greenberg (UNIFORM) und die Ingenieurs- und Mixing-Fähigkeiten von Seth Manchester (Daughters u.a.) im Studio Machines with Magnets in Pawtucket, Rhode Island, klingt "Atlas Vending", in voller Länge massiv, wortgewandt und aufrichtig!

Release 2.10.2020

Nach der 2019 veröffentlichten Ballettpartitur "The Decalogue" und dem gemeinsam mit seinem Stiefvater aufgenommenem experimentellen New Age-Album "Aporia" aus diesem Frühjahr, kündigt die amerikanische Indie-Songwriter-Ikone den lang erwarteten Nachfolger seines gefeierten 2015er-Trauer-Meisterwerks "Carrie & Lowell" an!

Release 2. Oktober 2020

Das achte Studioalbum und das erste in voller Bandbesetzung seit "Fixed Water" aus dem Jahr 1996. "Holding On / Letting Go" birgt neben der Dramatik und Tiefe, die Robin Proper-Sheppard in seinem Songwriting immer gezeigt hat, eine neue Klangfarbe, eine neue Stimme. Eine Stimme, die Proper-Sheppards eigene Erfahrung widerspiegelt und mit der er sich auch in die Erfahrungen anderer Menschen versetzt. Oder wie er in der Streicher-Akustik von "Gathering The Pieces" singt: "We're all just the same. We're all just afraid". Proper-Sheppard versucht das "Wir" des Lebens zu akzeptieren. Auch wenn wir uns allein fühlen, sind wir nie allein.

Release 2.10.2020

Erstes neues Album des duos seit ca. 10 Jahren. Ihr Gespür für den besonderen Mix aus Electro-Elementen und die ansteckende Energie einer Liveband machte Groove Armada zu einer der einflussreichsten Bands in der Dance Music. Ihr erstes Album seit 10 Jahren fängt sowohl die Melodramatik als auch die überbordenden Atmosphäre ihrer früheren Alben ein, streckt jedoch seine Fühler in Richtung aller möglichen Genres aus, ohne seine über die Jahre entwickelte Sound-Identität aufzugeben. Als Groove Armada gehören Tom Findlay und Andy Cato mit drei UK Top 10-Hits, drei Grammy-Nominierungen und einer ganzen Reihe Klassiker unbestreitbar zu den einflussreichsten Bands in der Dance Music und sind ein wichtiger Teil der britischen Musikgeschichte. Die beiden Dance Giganten haben in den letzten zehn Jahren weitgehend geschwiegen, doch nun schlagen sie mit Edge Of The Horizon ein neues Kapitel auf. Als Gastsänger sind auf dem Album Vocals von Nick Littlemore (Empire Of The Sun, Pnau), James Alexander Bright (IK7), Jess Larrabee (She Keeps Bees), Paris Brightledge (die Stimme auf Sterling Voids It´s Alright ), Dancehall-Ikone Red Rat und Kerry Leatham (Lapalux` Without You ) zu hören. Als Musiker haben der ehemalige Gitarrist George Vjestica (heute Member bei Nick Cave & The Bad Seeds), der momentane Live-Drummer Martin Carling sowie Mitglieder von Catos englisch-französischer Rockband Days Of May mitgewirkt.

Release 2.10.2020

Debutalbum der Supergroup der Frontmänner Nic Cester (Jet) und Miles Kane (The Last Shadow Puppets), des Gitarristen Graham Coxon (Blur) und Jamie Davis sowie Matt Bellamy (Muse) am Bass und Schlagzeuger Sean Payne (The Zutons).Die Band gründete sich im Jahr 2017, als Jamie Davis, ein britischer Gitarrist wohnhaft in L.A., eine Beatles-Coverband für seine Geburtstagsfeier buchen wollte. Hohe Buchungskosten und die Eintönigkeit der zur Verfügung stehenden Bands brachte Davis dazu nach einer Alternative zu suchen: "Mir wurde klar, dass ich einen Haufen halbwegs anständiger britischer Musikerfreunde kenne, die in L.A. leben, also dachte ich mir, ich frage mal, ob sie sich zusammenschließen und eine Beatles-Band aus der Cavern-Ära der frühen 60er Jahre gründen wollen. Sie hielten ihre Pläne geheim. Als Familie und Freunde auf der Party auftauchten, waren sie schockiert, als sie sahen, wie die All-Star-Band durch ein Beatles-Set tobte. Ihr Debütkonzert war eine große Überraschung, bei ihrem zweiten Auftritt legten sie die Messlatte noch höher: Stella McCartney fragte Bellamy, ob die Band während ihrer Modenschau im Januar 2018 in Los Angeles spielen würde. Von Quincy Jones zu Katy Perry, James Corden bis hin zu Ringo Starr waren alle anwesend. Und dann geschah das Unglaubliche; Paul McCartney schlenderte auf die Bühne, zwinkerte Davis zu und führte die Hearts durch "I Saw Her Standing There" und "Helter Skelter". Innerhalb von nur zwei Auftritten war die Coverband der Beatles praktisch zu den Ersatz-Beatles geworden. Zurück in Los Angeles wollten Bellamy und Davis die Band weiterentwickeln und begannen mit der Arbeit an einem Album, produziert von Bellamy in den Red Room Studios. Die Band beschloss, sich in erster Linie auf die Aufnahme verloren gegangener Klassiker aus der Welt des Northern Soul zu konzentrieren, ergänzt durch ihre rohen, gefühlvollen Interpretationen einiger berühmter Standards aus dieser Zeit. Die beiden hörten sich durch über 3000 Songs, um zu entscheiden, welches Material sie aufnehmen sollten. "Ich habe kürzlich irgendwo gelesen - was mich zum Lachen brachte - dass Rock der neue Jazz ist", fügt Bellamy hinzu. "Es ist dabei, ein esoterisches Genre zu werden, aber immer noch von enormer historischer und kultureller Bedeutung. Wie der Jazz, der oft alte Lieder neu erfindet, setzt The Jaded Hearts Club die Tradition fort, wie sie von Bands wie den Beatles und den Stones begonnen wurde - große Soul- und Blues-Standards finden und diese in einem moderneren Stil aufzunehmen.

Release am 2. Oktober 2020 (Vinyl am 16.10.)

Auch als Ltd.-Orange transparent Vinyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Er ist einer der ausser- und ungewöhnlichsten Gitarristen der letzten Jahrzehnte und Liebhaber einer guten Band um ihn herum, die lieber etwas unstet, schräg und mit eigenen Schwerpunkten agiert und u.a. aus seinem langjährigen Bandpartner bei Sonic Youth, Steve Shelley (Drums), der auch schon länger an seiner Seite und auch hier wieder großartig aufspielenden und für wichtige Akzente setzenden Deb Googe (My Bloody Valentine) am Bass und Jon Leidecker aka Wobbly (Negativland) als elektronischer Ornamentierer besteht. Gesanglich übt sich der Charismatiker diesmal weitestgehend eher in Zurückhaltung und manchmal auch plötzlich erst im Song, aber wenn dann richtig gut und mit Texten des Londoners Radieux Radio. Das Adrenalin geht richtig steil bei den instrumentalen Songs und Passagen mit exzellenten atonalen Verzahnungen und einem unvergleichlichen Spannungsaufbau bei den überlangen Songs (4x grandiose Geschosse über 10 Minuten). Das Album hält sich in einem ähnlichen Noiserock-Habitat wie Sonic Youth auf, agiert aber teils auch mit anderen Klangfarben, Zerr-Sounds und Elementen und packt einen mit seiner exzellenten Dynamik. Auffällig ist neben den typischen dissonant-verspielten Gitarren auch das Ausweichen in für SY-Verhältnisse ungewohnte Tonarten.

Release 2.10.2020

Der als Sänger und Frontmann von Sigur Rós bekannt gewordene interdisziplinäre Künstler Jón Birgisson aka Jónsi mit seinem 2ten Solo-Album nach über einem Jahrzehnt. Darauf sind illustre Gast-Sängerinnen wie Liz Fraser von den Cocteau Twins und Robyn vertreten. Die Produktion übernahm A. G. Cook, seines Zeichens Gründer von PC Music. Auf "Shiver" lotet Jónsi die Tiefen der menschlichen Erfahrung und unsere Verbindung zur natürlichen Welt aus. Dies schlägt sich auch musikalisch nieder: Das Album eröffnet ein kontrastreiches Spannungsfeld zwischen den organischen und traumartigen musikalischen Ansätzen von Jónsi auf der einen und dem synthetischen, manchmal abrasiven und avantgardistischen Experimentalismus des Produzenten A. G. Cook auf der anderen Seite. Auf dem Papier mag ihre Zusammenarbeit überraschend erscheinen, aber "Shiver" setzt letztlich schlichtweg das Bestreben von Jónsi fort, die Grenzen von Kunst und deren Erleben zu erweitern. Diesen Drang setzt Jónsi nicht nur im Bereich der Musik in die Tat um: 2019 zeigte er seine erste Einzelausstellung mit Installationen in der renommierten Tanya Bonakdar-Galerie in Los Angeles, wo seine Installationsarbeit unter anderem die Tiefen des Klangs erforschte. Jónsi hat seine interdisziplinäre künstlerische Aktivität in den letzten Jahren in einer Reihe von Kollaborationen mit bildenden Künstlern wie Doug Aitken, Olafur Eliasson, Merce Cunningham münden lassen: Zuletzt arbeitete er mit dem Künstler und Komponisten Carl Michael von Hausswolf zusammen, mit dem er das musikalische Duo Dark Morph gründete.

Release 25.9.2020

Die Aufnahmen von drei Sessions aus dem Jahr 2019 im Clouds Hill Studio als 3er-Vinyl-Box. Teil I bietet acht, Teil II und Teil III je sechs komplett neu arrangierte Stücke, produziert von Johann Scheerer, eingespielt von Omar und diversen Gastmusikern. Es gelingt nur wenigen Songwritern und Arrangeuren, mit ihrem Spiel und ihren Kompositionen mehrere Generationen zu prägen. Omar Rodríguez-López ist einer dieser Ausnahmemusiker. Es reicht, seinen Namen zu nennen, und schon bekommen Freunde harter oder virtuoser oder kosmischer Musik ein Leuchten in den Augen. Wer seine Musik hört, spürt: Da gibt sich jemand seiner Kunst komplett hin - und da besitzt jemand unglaublich viel Wissen über das, was Musik zu leisten in der Lage ist. Omar Rodríguez-López betrachtet das Hamburger Clouds Hill-Studio schon lange als zweite kreative Heimat. Er und Produzent Johann Scheerer kennen sich seit 15 Jahren, die beiden verbindet eine enge Freundschaft und künstlerische Beziehung.

Release 25.9.2020

Das dritte Album ist in Zusammenarbeit mit Nick Launay (Nick Cave, Yeah Yeah Yeahs, Arcade Fire) und Adam 'Atom' Greenspan (Anna Calvi, Cut Copy) in Paris entstanden, Kenny Beats (FKA Twigs, Vince Staples) unterstützte das Projekt beim Produzieren und Editieren der zwölf neuen Songs. Der Longplayer enthält zudem Gastauftritte von Jehnny Beth (Savages), Warren Ellis (Nick Cave and the Bad Seeds), David Yow sowie Jamie Cullum. Der Track "Grounds" rollt wie eine punkige Dampfwalze über soziale Ungerechtigkeit und negatives Gedankengut! Der brachiale Song verkörpert mit wütenden Riffs und donnernden Drums das Selbstvertrauen der Band, sich mit unbehaglichen Themen auseinanderzusetzen und diese auch knallhart anzusprechen. "Grounds" featured den Jazz-Künstler Colin Webster sowie Warren Ellis von The Bad Seeds, der sonst Nick Cave an der Violine und Mandoline unterstützt.

Release 25.9.2020

Aufgenommen in den Henson Studios und Trainwreck Studios, ist "Ohms" ein Werk wie aus einer anderen Welt, das die fünfköpfige Band mit viel Liebe zum Detail erarbeitete. Die Band aus Chino Moreno, Frank Delgado, Stephen Carpenter, Abe Cunningham und Sergio Vega hat ein atmosphärisch dichtes Album erschaffen, auf dem sämtliche Mitglieder hervorragend miteinander harmonieren. In der Person von Terry Date begleitete ein vertrautes Gesicht den kreativen Prozess - nach "Adrenaline" (1995) "Around the Fur" (1997) und "White Pony" (2000) bereits die vierte Zusammenarbeit mit dem erfahrenen Producer und Tontechniker. All das bildete den Rahmen für "Ohms": 10 Tracks aus purem Eskapismus und beispiellosen Grooves, die Deftones´ Sound seit mehr als zwei Jahrzehnten unverwechselbar machen

Release 25.9.2020

Das dritte Album von einem der wichtigsten Neuerer elektronischer Musik in den 10er Jahren, der hier auf "Cenizas" (bedeutet Asche) in musikalischen Grenzbereichen operiert.

Release 25.9.2020

Ohne Zweifel sind BlitzenTrapper die relevanteste Cosmic Country-Band der Moderne. Ihre Affinität zu jamlastigen Sounds, halluzinogenen Songs, assoziationsreichen, filmreichen Titeln wie "Masonic Temple Microdose" und ihre kruden Verweigerungen sich entweder als Americana oder doch als Psychband verorten zu lassen, sorgen auf dem mittlerweile bereits 11. Album seit 2003 für eine Art kreative Neuerfindung, was auch an Songwriter Eric Earley liegen mag, der sich vom Tibetatischen Totenbuch für dieses sehr trippige Acid-Folk/Westcoast-Wundertüten-Konzeptwerk inspirieren liess, das zum besten ihrer Laufbahn gehört. Die letzten beiden Releases waren konservativer, aber diese 10 Tracks quellen nur über vor Verweisen und kreativen Komplexitäten. Bei neuen Dream Syndicate, Wilco, Woods und zueltzt Olden Yolk.

Release 25.9.2020

Kaum jemand aus seiner Generation der älteren weißen Herren schafft es derzeit, Pop-Appeal und Protesthaltung, oder generell Haltung so gut zu verbinden wie Ex-Hüsker Dü- und Sugar-Frontmann Bob Mould. Von Mould selbst produziert in den Electral Audio Studios in Chicago, ist "Blue Hearts" die logische Fortführung des überdrehten, fetzigen "Sunshine Rock". Persönliche Akustiknummern, die seine Umgebung, seine politische Einstellung, und durchaus auch Homosexualität thematisieren, wechseln mit den upbeat Power-Pop/Punknummern, für die er schon immer ein wahres Händchen hatte. Letztere überwiegen auch, so dass "Blue Hearts" ein powervolles, beeindruckendes Statement eines Junggebliebenen ist, der mit offenen Augen durch die Welt geht, und sich nie angepasst hat.

Release 25.9.2020

In den fünf Jahren seit der Veröffentlichung seines Debüt-Albums "Policy" tourte Will solo wie auch als Mitglied von Arcade Fire durch die Welt, veröffentlichte das Live-Album "Friday Night" sowie Arcade Fire´s erstes internationales Nummer 1-Album "Everything Now". Er erwarb seinen Master-Abschluss in Public Policy in Harvard, veranstaltete eine Reihe von Touren durch Rathäuser mit lokalen Themen wie Polizei, Gefängnisreform, bezahlter Krankenstand der Gemeinde und Wahlrecht und verbrachte natürlich Zeit mit seinen drei Kindern. Neben all dem fand er außerdem Zeit und Inspiration, sein zweites Solo-Album "Generations" zu schreiben und aufzunehmen. Sein 2tes SOlo-Album wurde im Keller seines Hauses in Brooklyn aufgenommen und produziert. Das Tracking endete im März 2020, als sich New York wegen der Corona-Pandemie plötzlich im Lock-Down befand. Die Hälfte des Albums wurde in Montreal vom langjährigen Arcade Fire-Engineer Mark Lawson gemischt, die andere Hälfte von dem in Brooklyn ansässigen Produzenten Shiftee.

Release 18.9.2020

Nicht weniger als der zornige Soundtrack zu den aktuellen Protesten gegen Rassismus und Polizeigewalt in den USA. Ein textlich mit klaren Worten auftretendes Album, das mit harter, wütender, sozialkritischer Hip-Hop-Prosa den Ruf von KIller Mike und El-P als eine Art politisches Gewissen der aktuellen US-Rapszene unterstreicht. MIt ihren scheppernden, rollenden Old-School-Beats und dem klassischen In your face-Rapstyle in Kombination mit aggressiven Basslinien und Boombeats knüpfen RTJ dabei an die Tradition aggressiver Bands mit black consciousness-Lyrics wie Public Enemy an, erinnern musikalisch an NWA, die Beastie Boys und Ice T´s Body Count an mit dieser umwerfenden Sammlung von kraftvollen Bangern und düster-dystopischen Rap-Masterpieces, die - vor dem Tod von George Floyd entstanden - textlich direkt Bezug nehmen auf z.b. den Tod von Eric Garner, der wie Floyd mit einem Knie am Hals den Erstickungstod sterben musste ("Walking in the snow") und böse Vorahnungen auf Bilder eines Erschiessungskommandos im Rahmen eines evtl. kommenden Bürgerkrieg vorwegnehmen bei dem von klase Saxofon begleiteten, jazzigen "A Few Words For The Firing Squad". Fantastisch auch die Riege der Mitwirkendenkollabos: auf "Pulling The Pin" verschmilzt die Gitarre von QUOTSA´s Josh Homme mit der Soulstimme von Mavis Staple, Ex-RATM Zack de la Rocha und Pharrell Williams fordern sich auf "JU$T" gegenseitig auf, sich die Sklavenhalter auf Dollarscheinen anzusehen. und auf "Ooh lala" schaut zu verstaubten MPC-Samplerbeats der alten Schule die Gang Starr-Legende DJ Premier mit Greg Nice vorbei. Hammer-Album! . Aufgenommen in Rick Rubins Shangri-La Studios sowie in den legendären Electric Lady Studios in New York City.

Release 18.9.2020

Mit ihrem 2. Album platziert sich die junge Britin aus Bristol zurecht prominent auf der Landkarte des modernen Indierock. Eine Meisterin des spärlichen, auch verzerrten (E-)Gitarrenspiels, die ihre kathartischen Songs in der zerrissenen Dynamik von Indiefolk und Slackerrock anlegt, was in den melancholischen Balladen mit rudimentärer Drummachine, Streicherworkouts und perlenden Akustiken intensiv ausgelotet wird. Gerade die wütenden Introspektionen mit aufbrausenden Gitarrenlines und treibenden Drums, die ungeschminkten Selbstoffenbarungen wie "I, Nietzsche", "Solipsism oder "Laundry and Jetlag" steigern sich zu emotionalisierenden Klageliedern. Große Stärke des Albums ist ihre verletzliche Ehrlichkeit im Songwriting und die intime Schönheit zwischen Phoebe Bridgers, Waxahatchee und Big Thief. Großes Talent.

Release 18.9.2020

Gemeinsames Album des durch u.a. Kollaboalben mit Madlib bekannten Gangsta Rappers, der seinen Namen dem Blaxploitation-Film Black Caesar entnommen hat und in den 00er Jahren seinen Fame auf einigen legendären Mixtapes aufbaute. Seinen atemlosen Rapstyle und seine eleganten Flowtechniken vollführt er gekonnt auch auf dem gemeinsamen Album mit dem Produzenten und DJ The Alchemist, der wundervolle surroundings für Freddie bietet, tolle wabernde psychedelisch angehauchte Sonnenuntergangsszenarien mit biweilen jazzy und bluesy Appeal bereitet, schnuffige Soulanleihen vollführt und auch mit Soundtrack-Thrill (wie bei "Frank Lucas" feat. Benny the Butcher)zu überzeugen weiß. Souveränes Gangsta-Hiphopalbum im seriösen Mid-90s Style, das sich allerdings nicht um political correctness bei den lyrics schert.

Release 18.9.2020

Innert 3 Monaten ist aus den Homesessions ein vielseitiges und modernes Album entstanden, dem es aber an Realness und Authenzität nicht fehlt. Man spürt die Lust Musik zu machen und das unbeschwerte Herangehen. Dazu tragen insbesondere auch die unterschiedlichen Produzenten bei. Neben der Leitung durch Ben Mühlethaler und Fygeludi, sind Merlin, DJ Kermit und Monsieur Pluspetit am Sound beteiligt. Klassischer Rap trifft moderne Beats, und old-school Beats, treffen neuen Rap. Fygeludi gehen mit der Zeit ohne sich selbst zu vergessen. Nach 13 Jahren Bandgeschichte ist die Motivation grösser als je zuvor. "Oh Fuck Yeah" beschreibt dieses Gefühl von Aufbruch und Zufriedenheit, steht für erfüllte Wünsche und nicht zuletzt für die grosse Liebe zu fetten Beats und ehrlichem Rap!

Release 11.9.2020

Das 11te Studioalbum entstand in enger Zusammenarbeit mit Shooter Jennings, der seines Zeichens Grammy Preisträger ist und es immer wieder geschafft hat, Künstlern neue Facetten zu entlocken. Manson sagt über das Album: "Wenn ich das Album jetzt höre, kommt es mir vor, als wäre es gestern gewesen oder, als ob sich die Welt wiederholt, wie sie es immer tut, und lässt den Titeltrack und die Geschichten so erscheinen, als hätten wir sie heute erst geschrieben. Die Aufnahmen wurden komplett abgeschlossen, ohne dass eine Menschenseele das Album währenddessen gehört hat. Es gibt auf jeden Fall eine Seite A und eine Seite B im traditionellen Sinn. Aber genau wie eine LP ist es ein flacher Kreis und es liegt am Zuhörer, das letzte Stück des Puzzles in das Bild der Songs einzufügen." Mit dem Wissen, dass das Album entstand, bevor unsere Welt von einer Pandemie heimgesucht wurde, kommt man nicht umhin, eine gewisse Vorahnung in diesen zehn Songs zu entdecken.

Release 11.9.2020

Die 1983 in Oklahoma City gegründete Band verbindet auf seinem neuen Album Alternative-Sounds und experimentellen Pop zu einem mitreißenden, packenden Gesamtwerk über das Wayne Coyne mit seiner markanten, klaren Stimme gleitet. Bei "My Religion Is You", dem letzten Track des Albums, geht es dabei um ein Gespräch, das der katholisch erzogene Wayne in jungen Jahren mit seiner Mutter führte. "Religion is there for people who don't have a family that loves them. If their mom doesn't love them or their dad doesn't love them then they know that god loves them because humans can't live without love", erklärte sie ihm. Wayne entgegnete: Then MY religion is you.

Release 4.9.2020

Sie sind Meister in Sachen Ausarbeitung eines spannungsreichen Songaaufbaus, ihre Hände drehen gekonnt am Rock-Knauf, mal entspannt wogend, mal nervöser, mit auch Sinn für metallische und Vintage-Legierungen. Der Blues ist auch auf dem sechsten Album ein Gefährte des Quartetts aus Nashville, das mit auch herrlichen Ausritten durch sengende Hitze und vorbei am Sumpf aufwartet wie bei "The Children of Coyote Woman", aber sie drücken schon ordentlich auf die Tube hier. Der Albumopener "Saturnine & Iron Jaw" erinnert bisweilen ein bisschen an die ungestüme Frühzeit von Soundgarden (ohne Cornell´s Stimme), vereint Elemente von Stoner- und Grunge-Rock auf eindrucksvolle Weise, "Enemy of my Enemy" oder "Lights Out schlagen im Uptempo in eine ähnliche Kerbe: mit wogendem, leicht metallischem Riffing ausgestattere Gainer-Songs voller Tiefe. Geerdetes Growlen mit psychedelischen Zwischentönen und immer wieder aus dem Riffruder laufenden Parts gehören aber ebenfalls zum klasse Look des in London in den Abbey Road Studios aufgenommenen Albums.

Release 4.9.

Einen Singer-Songwriter wie den Ex-Smog gibt es kein zweites Mal, auch wenn er irgendwie eine Art singender missing link zwischen Howe Gelb und Mark Kozelek ist. Callahan schlüpft in die einfachen und die schwierigeren Rollen des alltäglichen Lebens, liebt ein gutes Indie-Country-Roadmovie und liebt kleine Querverweise in die Popkultur, wie sowohl seine "Johnny Cash"-Begrüßung als auch ein lautmalerischer Song über Ry Cooder zeigen. Bill´s Stimme vereint dabei wieder mal aufs allerschönste Bässe und Höhen wie Licht und Schatten, es ist einfach immer eine Freude, seiner Art des erzählerischen Gesangs zu lauschen - zu wechselweise der Pureness ineinander verzahnter gezupfter und/oder geschlagener akustischer Folkgitarren, oftmals auch zu minimaler Bandausstattung angereichert und dann bisweilen mit einem leicht psychedelischen Gestus. Mal noch ein Pfeifen, ein paar Bläser. Oh Mann, Bill ist Gott, singt übers Frühstück, die Nachbarn, das Fernsehprogramm, den Protest des Sohnes, den Job....einzigartig und unverändert großartig!

Auch als Ltd.-Violet Vinyl-Edition erhältlich (CHF 43.90)

Ein cooler Zeittunnel, durch den uns das Trio aus Boston auf dem ersten Album seit 17 Jahren schleust. Kristin Hersh´s Stimme hat nichts an Faszination verloren, Klarheit und eine leichte Heiserkeit sind ihre Markenzeichen, die im Kontext ihrer Variante von kratzigem und zurückgelehntem College Rock mit Verwurzelung in einer klar definierten 90er Jahre-Ästhetik einen Wind von unverminderter Stärke entfacht. Hersh´s Storylines funktionieren klasse innerhalb der simplen Instrumentierung aus Gitarre, Bass und Schlagzeug und manchmal Tasten. Viele Songs leben von längeren Ritten innerhalb aufgebauter Spannungsszenarios mit auch anbrandendem Noiserock-Appeal und einer crunchigen, unterschwelligen Psychedelik innerhalb ihrer zeitlosen Variante von Indierock, die auch bei den halluzinogeneren Songs glänzend funktioniert

Release 4. September 2020

Halluzinationen heißt der siebte Longplayer der in Berlin lebenden Schweizerin, der am 28. August 2020 bei Caroline International erscheint. Ihr neues Album hat die Sängerin, Multiinstrumentalistin und Soundtrack-Komponistin wie zuletzt mit dem Produzenten Dan Carey (Kate Tempest, Fontaines DC) von Speedy Wunderground aufgenommen, der von der britischen Music Producers Guild zum "Producer of the Year" gewählt wurde. Carey spielte zudem etliche Instrumente für das neue Album ein. Für Sophie Hunger markiert Halluzinationen die zweite Zusammenarbeit mit Carey, nachdem der Londoner bereits 2018 den Vorgänger Molecules (2018) produziert hatte. Während sie sich dieses Mal unter anderem mit dem Zusammenhang zwischen Einsamkeit und der Imagination befasst, markiert das "Halluzinationen" einen weiteren Schritt in jene elektronische Richtung, die sie seit dem Umzug nach Berlin und dem Beginn der Zusammenarbeit mit Carey eingeschlagen hat. Anstatt jedoch wie zuletzt in dessen Speedy Wunderground Studios im Süden von London zu arbeiten, mieteten sie sich in die legendären Abbey Road Studios (Studio 2) ein und nahmen sämtliche Songs der LP in einem einzigen Take auf. Die Energie von Halluzinationen ist daher sehr viel direkter und lebendiger, weil sie das komplette Album insgesamt bloß sechs Mal am Stück durchgespielt haben - in nur zwei Tagen. Sie seien einfach "volles Risiko" gegangen, um es in Sophies Worten zu sagen. Obwohl es auch ein paar deutsche Zeilen auf dem neuen Album zu hören gibt, sind weite Teile von Halluzinationen wiederum auf Englisch eingesungen, womit sie insgesamt an den Vorgänger Molecules, ihr erstes komplett englischsprachiges Album, anknüpft. Dass Sophie neben Deutsch und Englisch auch Französisch und Schweizerdeutsch spricht, ist ihrer Kindheit geschuldet, die sie in unterschiedlichen Ecken Europas verleben durfte. Und wenn sie nun mit Halluzinationen zumindest gelegentlich diese multilingualen Wurzeln durchschimmern lässt, geht von dem Tiefgang und der Intensität, die ihre Songs schon immer auszeichnen, absolut nichts verloren im Akt des Übersetzens.

Release 4.9.2020

14tes Album. Der legendäre Produzent hat in mehr als drei Jahrzehnten seiner Musikkarriere viele Höhen und Tiefen erlebt. Das vergangene Jahr war eine sehr produktive Phase voll mit kreativer Hektik. Tricky veröffentlichte die bezaubernde 20,20 EP und brachte seine gefeierte Autobiographie „Hell Is Round The Corner“ heraus. Aber es war wegen des Todes seiner Tochter Mazy auch eine Zeit des Nachdenkens und der Neubewertung. Von Kummer geplagt, musste er sich eine Frage stellen: Kämpfe ich oder gehe ich mit dem Schiff unter? "Du musst verdammt noch mal aufstehen und kämpfen", beschließt er. "Im Moment befinde ich mich im Kampfmodus. Und ich fühle mich wirklich gut. Ich fühle mich, als sei ich wieder da", sagt er. "Ich fühle mich, als wäre ich einer der besten Musiker, die England je hatte, und es ist Zeit für mich, mich wieder zu 100% auf die Musik zu konzentrieren, so wie ich es am Anfang getan habe". Mit der pulsierenden ersten Single "Fall Please" betritt er Neuland, obwohl sie immer noch nach Tricky klingt. 'Fall Please' hat eine seltsame und verdrehte Zugänglichkeit, die sogar den Mann, der es geschrieben hat, überraschte. "Bei den meisten meiner Sachen gibt es nichts Vergleichbares", sagt er. "Aber mit 'Fall Please' ist mir etwas gelungen, was ich noch nie zuvor tun konnte, nämlich dass jeder es spüren kann - sogar Leute, die meine Musik nicht kennen. Es ist meine Version von Popmusik." Für seine Musik hat Tricky schon immer weibliche Sängerinnen ins Boot geholt um seine Ideen zu transportieren: Bei Fall to Pieces arbeitete er bei den meisten songs – inklusive Fall Please - wieder mit der Sängerin Marta zusammen, die bereits auf seinen letzten Platten zu hören war. Tricky entdeckte Marta Zlakowska während einer Europatournee, als er am Eröffnungsabend in Krakau plötzlich ohne Sängerin dastand. Sie rettete die Tournee vor einer Katastrophe. "Ich merke, wenn jemand bescheiden und bodenständig ist", sagt Tricky. "Marta ist es egal, berühmt zu sein, sie will nur singen.

Release 28.8.2020

Nach The Tower (2017) und The Crucible (2019) folgt der folgerichtige Abschluss dieser inoffiziellen Trilogie namens Gullvag. Herzstück dieses Doppel-Albums ist der fast 42 minütige Track N.O.X., ein Wirbelwind von einem Song, für den man allein schon normalerweise eine Woche braucht, um ihn komplett begreifen zu können. Das Album findet von Beginn an das richtige Maß, alt bewährten Motorpsycho-Sound und neue musikalische Bereiche anklingen zu lassen, und klingt so spannend wie ein Konzert der Band, aber in perfektem Studiosound und krönender Beteiligung so bewährter Gäste wie Reine Fiske, Lars Horntveth (Jaga Jazzist) und Ola Kvernberg (Steamdome).

Release 28.8.2020

Die ersten 3 neuen Tracks der Weilheimer Band nach 6 Jahren, die gleichzeitig auch einen Ausblick auf ein neues Album geben. Überraschend der krautrockige EP-Titeltrack, der ungefähr so klingt, als ob Deerhoof und Stereolab mit Beak jammen würden. Beim Gesang übernimmt Saya (Tenniscoats) die Führungsstimme. Klasse die Kontraste mit spacigen Synthesizer-sounds und garstiger Gitarre. Der 2te Song "Loose Ends" knüpft dank Markus Acher´s Stimmfarbe an einen klassischeren Notwist-Sound an. Er entstammt der Aufnahme-Session für den Soundtrack für "One Of These Days", einen Film von Bastian Günther. Die EP schliesst mit dem optimistischen Instrumental

Release 28.8.2020

Auch als Ltd.-Grey Vinyl-Edition erhältlich (CHF 45.90)

Die niederländisch-iranische Produzentin, Songwriterin und Regisseurin mit ihrem zweiten Album, das vollständig von ihr selbst, zusammen mit ihrer langjährigen Musikerkollegin Mucky produziert wurde. In nur wenigen Jahren etablierte sich Sevdaliza als eine ikonische, äußerst kreative, vielseitige und unabhängige Künstlerin, die inzwischen auf vielen Promi-Moodboards landen konnte. Der Begriff "Shabrang" kommt aus der persischen Mythologie und obwohl es keine direkte Übersetzung für ihn gibt, um seine Essenz zu erfassen, bedeutet die Farsi-Phrase "Shabrang" so viel wie "die Farbpalette der Nacht". Diese "Palette" wird in den Tönen von Sevdalizas blauem Auge auf dem Album-Cover visualisiert. Das blaue Auge repräsentiert die Jahre physischer und emotionaler Turbulenzen. In Sevdalizas Worten: "Dieses Album repräsentiert für mich, dass die Essenz von allem für mich die Liebe ist. Es ist ein tiefer Brief an mich selbst, meine eigene Bibel, die ich schreiben muss, um dem Leben zu vertrauen und daran zu glauben. Ich vertraue auf mich und meinen Charakter als Mensch."
Sevdaliza wurde im Iran geboren und lebt in den Niederlanden. Sie ist inzwischen bekannt für ihre starke unabhängige Kraft bei der Schaffung ihrer Kunst. Sie ist Produzentin und Ingenieurin, ein Independent-Art Director mit kritischem Auge für Details und das Geschichtenerzählen und eine einzigartige Songwriterin. Ihre Musik wird als "Genre-Bending" beschrieben, sie stützt sich dabei auf verschiedene Genres, darunter Alternative-Electronic, Indie, Trip-Hop, Alternative-R&B und Avantgarde.

Release 28.8.2020

Auch als Ltd.-Clear Smoke Vinyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Ihr erstes solo eingespieltes Album seit ihrem Debüt 2012. Als höchst intimes und verletzliches Porträt, welches in schwierigen Zeiten persönlicher Unruhe entstand, zeigt "Whole New Mess" wie Olsen sich durch eigene offene Wunden und schwermütige Gedankengänge arbeitet - all das mit nur ein paar Gitarren und Mikrofonen, isoliert in einer ein Jahrtausend alten Kirche im pazifischen Nordwesten. 9 der insgesamt 11 Stücke auf "Whole New Mess" sollten jedem, der mit dem Vorgängeralbum "All Mirrors" vertraut ist, ein Stück weit bekannt vorkommen. Songs wie "Lark", "Summer" und "Chance": sie alle finden ihren Platz auch auf dem neuen Album - nur eben in einer reduzierten Form und mit teils anderen Titeln versehen. Die Stücke sind jedoch bei Weitem keine Demoaufnahmen von "All Mirrors", vielmehr ein eigenständiges, charakterfestes Album. Sollte man sich die üppigen orchestralen Arrangements und cineastische Bandbreite von "All MIrrors" als Vertonung vorstellen, mit der Olsen der Welt ihre emotionalen Narben offen legte, so ist "Whole New Mess" der entstehende Sound, wenn Olsen versucht, Sinn in Form und Ausmaß dieser Wunden zu finden. Das Resultat ist atemberaubend, überzeugend offenherzig und einschüchternd persönlich zu gleich. Eine ergreifende und deutliche Erinnerung daran, dass Songs mehr sind als nur eine Kollektion an Worten, Akkorden und Melodien. Vielmehr sind sie Geflechte aus Stimmungen, Momenten und Ideen - Eigenschaften, die sich von einem Monat auf den nächsten verändern können, und dabei genau so viel ausdrücken wie eine perfekte Progression oder ein eleganter Akkord. Als für sich stehende, aufrichtige und entschlossene Begutachtung, wie es ist, zu lieben, zu verlieren und zu überleben, sind diese elf Songs in diesem Sinne etwas komplett Neues. Sie bilden den Sound zu Angel Olsens Weg durch die Art von Sorgen, die wir alle selbst nur zu gut kennen - aufgenommen für sich selbst und jede und jeden, die es ebenso brauchen könnten.

Release 21.8.2020

Bright Eyes' erstes neues Album seit neun Jahren wird den Titel DOWN IN THE WEEDS, WHERE THE WORLD ONCE WAS tragen und am 21. August 2020 via Dead Oceans/Cargo erscheinen.
„Als Titel, als These, funktioniert [es] auf einer globalen, apokalyptischen Ebene der Angst“, so der Pressetext über die bevorstehende Platte, „aber auf einer persönlichen Ebene spricht es davon, im Dreck der eigenen Erinnerungen zu wühlen und zu versuchen, die Kostbarkeiten zu finden, die überwuchert wurden und nicht wiederzuerkennen sind.“