Release 25.9.2020

Aufgenommen in den Henson Studios und Trainwreck Studios, ist "Ohms" ein Werk wie aus einer anderen Welt, das die fünfköpfige Band mit viel Liebe zum Detail erarbeitete. Die Band aus Chino Moreno, Frank Delgado, Stephen Carpenter, Abe Cunningham und Sergio Vega hat ein atmosphärisch dichtes Album erschaffen, auf dem sämtliche Mitglieder hervorragend miteinander harmonieren. In der Person von Terry Date begleitete ein vertrautes Gesicht den kreativen Prozess - nach "Adrenaline" (1995) "Around the Fur" (1997) und "White Pony" (2000) bereits die vierte Zusammenarbeit mit dem erfahrenen Producer und Tontechniker. All das bildete den Rahmen für "Ohms": 10 Tracks aus purem Eskapismus und beispiellosen Grooves, die Deftones´ Sound seit mehr als zwei Jahrzehnten unverwechselbar machen

Release 25.9.2020

Das achte Studioalbum und das erste in voller Bandbesetzung seit "Fixed Water" aus dem Jahr 1996. "Holding On / Letting Go" birgt neben der Dramatik und Tiefe, die Robin Proper-Sheppard in seinem Songwriting immer gezeigt hat, eine neue Klangfarbe, eine neue Stimme. Eine Stimme, die Proper-Sheppards eigene Erfahrung widerspiegelt und mit der er sich auch in die Erfahrungen anderer Menschen versetzt. Oder wie er in der Streicher-Akustik von "Gathering The Pieces" singt: "We're all just the same. We're all just afraid". Proper-Sheppard versucht das "Wir" des Lebens zu akzeptieren. Auch wenn wir uns allein fühlen, sind wir nie allein.

Release 13.11.2020

Das neue Album ist kein Corona-Album: Bereits im Herbst 2019 hatte Kurt Wagner eine einzigartige Idee: Anstatt auf eine ursprünglich geplante Tournee zu gehen, würde er seine Band nach Nashville einladen, um eine Platte aufzunehmen und dabei etwas Greifbares zu realisieren. Jedes Bandmitglied: Kurt, Matt Swanson, Paul Niehaus, Tony Crow, Matt McCaughan (Bon Iver, Hiss Golden Messenger), Andy Stack (Wye Oak) durfte sich einen Song auszuwählen, den die Band covern sollte, pro Tag ein Song

Release 2.10.2020

Erstes neues Album des duos seit ca. 10 Jahren. Ihr Gespür für den besonderen Mix aus Electro-Elementen und die ansteckende Energie einer Liveband machte Groove Armada zu einer der einflussreichsten Bands in der Dance Music. Ihr erstes Album seit 10 Jahren fängt sowohl die Melodramatik als auch die überbordenden Atmosphäre ihrer früheren Alben ein, streckt jedoch seine Fühler in Richtung aller möglichen Genres aus, ohne seine über die Jahre entwickelte Sound-Identität aufzugeben. Als Groove Armada gehören Tom Findlay und Andy Cato mit drei UK Top 10-Hits, drei Grammy-Nominierungen und einer ganzen Reihe Klassiker unbestreitbar zu den einflussreichsten Bands in der Dance Music und sind ein wichtiger Teil der britischen Musikgeschichte. Die beiden Dance Giganten haben in den letzten zehn Jahren weitgehend geschwiegen, doch nun schlagen sie mit Edge Of The Horizon ein neues Kapitel auf. Als Gastsänger sind auf dem Album Vocals von Nick Littlemore (Empire Of The Sun, Pnau), James Alexander Bright (IK7), Jess Larrabee (She Keeps Bees), Paris Brightledge (die Stimme auf Sterling Voids It´s Alright ), Dancehall-Ikone Red Rat und Kerry Leatham (Lapalux` Without You ) zu hören. Als Musiker haben der ehemalige Gitarrist George Vjestica (heute Member bei Nick Cave & The Bad Seeds), der momentane Live-Drummer Martin Carling sowie Mitglieder von Catos englisch-französischer Rockband Days Of May mitgewirkt.

Release 30.10.2020

13tes Album von E. Aufgenommen im bandeigenen Studio in Los Feliz, Kalifornien, übernahm Bandleader Mark Oliver Everett a.k.a. E bei dem neuen, dreizehnten Album auch die Rolle des Produzenten. Eingespielt wurde das neue Album von E selbst, Koool G Murder, The Chet und P-Boo. Mit Ausnahme von 'Are We Alright Again' - "kind of a quarantine daydream I desperately needed to have" wie E selbst sagt - sind alle Songs noch vor COVID-19 entstanden. Bevor die Pandemie unser aller Leben verändert hat.

Release 23.10.2020

"Song Machine" ist ein fortlaufender und sich ständig weiterentwickelnder Prozess, in dem eine wachsende Liste an Kreativpartnern unseren vier Freunden Gesellschaft leistet, live aufgenommen in den Kong Studios und darüber hinaus. Das Ergebnis ist eine umfangreiche Sammlung von 17 Tracks, die eine Vielzahl von Sounds, Stilen, Genres und Eigenarten von einem atemberaubenden Line-up an Gästen umspannt, darunter Beck, Elton John, Fatoumata Diawara, Georgia, Kano, Leee John, Octavian, Peter Hook, Robert Smith, Roxani Arias, ScHoolboy Q, Slaves, Slowthai, St Vincent und 6LACK, außerdem Chai, Earthgang, Goldlink, Joan As Police Woman, JPEGMafia, Moonchild Sanelly, Unknown Mortal Orchestra, Skepta und natürlich Tony Allen.

Release 30.10.2020

Elvis Costello ist wieder da. Nur zwei Jahre nach seinem Album »Look Now«, für das er einen Grammy in der Kategorie Best Traditional Pop Vocal Album gewann, kommt nun ein weiterer Longplayer des 65-jährigen britischen Musikers.

Aufgenommen hat er die insgesamt 14 neuen Songs in Helsinki, New York und Paris. Unterstützt wurde er im Studio von seinem langjährigen Bandkollegen Steve Nieve sowie Bill Frisell, Nels Cline, Mickaél Gasche, Pierre-François »Titi« Dufour und anderen. Es ist sein 31. Studioalbum!

Wie das neue Album klingt, verriet Elvis Costello vorab mit den Singles »No Flag«, »Hetty O’Hara Confidential« und »We Are All Cowards Now«.

Und die zeigen: »Hey Clockface« punktet sowohl mit musikalischer Vielfalt als auch mit starken Texten. Ein typisches Costello-Glanzstück.

Release 25.9.2020

Das dritte Album ist in Zusammenarbeit mit Nick Launay (Nick Cave, Yeah Yeah Yeahs, Arcade Fire) und Adam 'Atom' Greenspan (Anna Calvi, Cut Copy) in Paris entstanden, Kenny Beats (FKA Twigs, Vince Staples) unterstützte das Projekt beim Produzieren und Editieren der zwölf neuen Songs. Der Longplayer enthält zudem Gastauftritte von Jehnny Beth (Savages), Warren Ellis (Nick Cave and the Bad Seeds), David Yow sowie Jamie Cullum. Der Track "Grounds" rollt wie eine punkige Dampfwalze über soziale Ungerechtigkeit und negatives Gedankengut! Der brachiale Song verkörpert mit wütenden Riffs und donnernden Drums das Selbstvertrauen der Band, sich mit unbehaglichen Themen auseinanderzusetzen und diese auch knallhart anzusprechen. "Grounds" featured den Jazz-Künstler Colin Webster sowie Warren Ellis von The Bad Seeds, der sonst Nick Cave an der Violine und Mandoline unterstützt.

Release 2.10.2020

Debutalbum der Supergroup der Frontmänner Nic Cester (Jet) und Miles Kane (The Last Shadow Puppets), des Gitarristen Graham Coxon (Blur) und Jamie Davis sowie Matt Bellamy (Muse) am Bass und Schlagzeuger Sean Payne (The Zutons).Die Band gründete sich im Jahr 2017, als Jamie Davis, ein britischer Gitarrist wohnhaft in L.A., eine Beatles-Coverband für seine Geburtstagsfeier buchen wollte. Hohe Buchungskosten und die Eintönigkeit der zur Verfügung stehenden Bands brachte Davis dazu nach einer Alternative zu suchen: "Mir wurde klar, dass ich einen Haufen halbwegs anständiger britischer Musikerfreunde kenne, die in L.A. leben, also dachte ich mir, ich frage mal, ob sie sich zusammenschließen und eine Beatles-Band aus der Cavern-Ära der frühen 60er Jahre gründen wollen. Sie hielten ihre Pläne geheim. Als Familie und Freunde auf der Party auftauchten, waren sie schockiert, als sie sahen, wie die All-Star-Band durch ein Beatles-Set tobte. Ihr Debütkonzert war eine große Überraschung, bei ihrem zweiten Auftritt legten sie die Messlatte noch höher: Stella McCartney fragte Bellamy, ob die Band während ihrer Modenschau im Januar 2018 in Los Angeles spielen würde. Von Quincy Jones zu Katy Perry, James Corden bis hin zu Ringo Starr waren alle anwesend. Und dann geschah das Unglaubliche; Paul McCartney schlenderte auf die Bühne, zwinkerte Davis zu und führte die Hearts durch "I Saw Her Standing There" und "Helter Skelter". Innerhalb von nur zwei Auftritten war die Coverband der Beatles praktisch zu den Ersatz-Beatles geworden. Zurück in Los Angeles wollten Bellamy und Davis die Band weiterentwickeln und begannen mit der Arbeit an einem Album, produziert von Bellamy in den Red Room Studios. Die Band beschloss, sich in erster Linie auf die Aufnahme verloren gegangener Klassiker aus der Welt des Northern Soul zu konzentrieren, ergänzt durch ihre rohen, gefühlvollen Interpretationen einiger berühmter Standards aus dieser Zeit. Die beiden hörten sich durch über 3000 Songs, um zu entscheiden, welches Material sie aufnehmen sollten. "Ich habe kürzlich irgendwo gelesen - was mich zum Lachen brachte - dass Rock der neue Jazz ist", fügt Bellamy hinzu. "Es ist dabei, ein esoterisches Genre zu werden, aber immer noch von enormer historischer und kultureller Bedeutung. Wie der Jazz, der oft alte Lieder neu erfindet, setzt The Jaded Hearts Club die Tradition fort, wie sie von Bands wie den Beatles und den Stones begonnen wurde - große Soul- und Blues-Standards finden und diese in einem moderneren Stil aufzunehmen.

Release 16.10.2020 (Vinyl am 13.11.2020)

Auch als Tape erhältlich (CHF 17.90)

Dreizehntes Album des New Yorker Rappers inkl. GAstauftritten von The Firm, Anderson Paak, ASAP Ferg, Big Sean, Brucie B, Charlie Wilson, Don Toliver, Fivio Foreign, Hit-Boy und Lil Durk

Release 25.9.2020

Neues, rein instrumentales Orgelalbum der schwedischen Ausnahme-Avantgarde-Musikerin, mit dem sie das klangliche und emotionale Spektrum dieses Instruments konsequent und ohne Effekte oder nachträgliche Bearbeitung auslotet. Es handelt sich um die weltgrösste Kirchenorgel mit 4 Manualen, einer Pedale und 54 Pfeifen, die in Gotenburg beheimatet ist und mit der sie bereits ihre letzten beiden Alben eingespielt hat. Von Hausswolff liess sich von der sakral-surrealen Friedhofslandschaft im italienischen Sacro Bosco in Orsini für dieses in 7 Tracks aufgeteilte Epos zwischen Drone, Doom, Neoklassik und Nordic Folk inspirieren, das alle Eigenarten ihres typischen Klangbildes beinhaltet, aber in seiner Gänze diesem Instrument neue Sounds abringt und komplett aus sich überlappenden Orgeldrones, schweren Atmosphären und kathartischen Crescendi besteht. Wie variantenreich und wagemutig dieses Konzept ausgefüllt und welch eine überwältigende Schönheit davon ausgeht und welch ein gewaltiger Sog entwickelt wird, ist die größe Stärke dieses traumhaften und archaischen Werkes.

Release 16.10.2020

Dass Woodkid jemand ist, dem es gelingt, eine Brücke zwischen der alten und der neuen Welt zu schlagen, wussten wir bereits. Und das nicht bloß, weil der junge Franzose schon mit etlichen Superschwergewichten der internationalen Popwelt zusammengearbeitet hat: Lana Del Rey und Drake waren da genauso dabei wie Rihanna oder auch Pharrell. Noch entscheidender und außergewöhnlicher ist vielmehr, dass er zu den wenigen Künstlern gehört, die wirklich inter- bzw. multidisziplinär arbeiten, klassische Genre- und Gattungsgrenzen hinter sich lassen, weil ihn einfach so unglaublich viele Ausdrucks- und Kunstformen interessieren und faszinieren. Seiner Neugier einen Riegel vorzuschieben und sich auf einen dieser Kanäle festzulegen, käme Woodkid niemals in den Sinn. Beispiele gefällig? Da wäre zeitgenössischer Tanz: Beispielsweise seine grandios inszenierte Zusammenarbeit mit dem berühmten Tänzer und Choreographen Sidi Larbi Cherkaoui. Fashion: die extrem fruchtbare Kollaboration mit einem der größten Modeschöpfer überhaupt - Nicolas Ghesquière, seit Jahren künstlerischer Direktor bei Louis Vuitton. Und dann natürlich das Medium Film: Woodkid steuerte zum Film Desierto von Jonás Cuarón den Score bei, nachdem seine Tracks auch schon bei Steven Spielberg oder Xavier Dolan zu hören gewesen waren. Fotografie und plastische Künste: Seine Zusammenarbeit mit dem Künstlerkollegen JR, mit dem er nach wie vor Projekte für das New York City Ballet macht... Bezieht man schließlich noch sein ausgeprägtes Interesse für gastronomische Highlights mit ein, bekommt man ein ungefähres Bild davon, wie der Franzose tickt. Als Musiker reichte ihm ein einziges Album - The Golden Age -, um damit ein deutliches klangliches und visuelles Zeichen zu setzen und neben unglaublich viel Kritikerlob auch unzählige Fans für sein Projekt zu gewinnen. Und jetzt, nach einer gut fünfjährigen Reife-, Konzentrations- und Experimentierphase, geht er noch einen Schritt weiter auf seine Art, in seiner "Weise der Welterzeugung", um einen Begriff von Nelson Goodman zu gebrauchen: Es sind Welten der Solidarität - und doch ganz klar allein seine Welten. Sein neuer Longplayer S16 handelt von Maßstäben, von Bezugsgrößen: vom unendlich Großen bis hin zum unendlich Kleinen, vom Kräftegleichgewicht zwischen Mensch und Maschine, auch von kollektiver und individueller Verantwortung, eine neue Welt zu denken, wo die alte doch so kurz vor dem Kollaps steht. Aufgenommen wurde S16 in den Londoner Abbey Road Studios sowie in Berlin, Paris, Los Angeles und Island. Beteiligt war unter anderem auch der Suginami Junior Chorus aus Tokio - wobei es hier nur um das passende Intro für eine ganz bestimmte Passage ging. Während sich der Titel auf das chemische Element mit dem Elementsymbol S und der Ordnungszahl 16 bezieht - Schwefel -, hinterfragt S16 überhaupt alles Stoffliche: Woraus setzen sich unsere Zellen zusammen; woraus sind unsere Herzen gemacht? Wo genau verläuft die Trennlinie zwischen Realität und Fiktion? Schwefel spielt einerseits für alle lebenden Organismen eine zentrale Rolle, doch neigt er andererseits dazu, in Flammen aufzugehen. Wie ein brennender Schmerz, den die Musik noch schüren kann - um ihn dann zu lindern wie eine Umarmung... Während seine unverkennbare Gesangsstimme nach wie vor dieselbe Wärme und so etwas eigentümlich Beruhigendes transportiert, setzt Woodkid auch dieses Mal auf symphonische Weiten: Er erschafft ein ganzes Universum, das doch für sich steht, unbedingt nach Intimität klingt. Als bewegendes, zutiefst menschliches Ganzes spiegelt sein neues Album dabei unsere Zeit wider und all das, was gerade um uns herum passiert... Ein Zitat von Victor Hugo aus Les Rayons et les Ombres bringt es sehr gut auf den Punkt: "Der menschliche Geist hat drei Schlüssel, die alles öffnen: Die Zahl, den Buchstaben, die Note. Wissen, Denken, Träumen. Daran liegt alles." Und so beginnt das nächste Kapitel.

Release am 25.9.2020 (Vinyl am 16.10.)

Auch als Ltd.-Orange transparent Vinyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Er ist einer der ausser- und ungewöhnlichsten Gitarristen der letzten Jahrzehnte und Liebhaber einer guten Band um ihn herum, die lieber etwas unstet, schräg und mit eigenen Schwerpunkten agiert und u.a. aus seinem langjährigen Bandpartner bei Sonic Youth, Steve Shelley (Drums), der auch schon länger an seiner Seite und auch hier wieder großartig aufspielenden und für wichtige Akzente setzenden Deb Googe (My Bloody Valentine) am Bass und Jon Leidecker aka Wobbly (Negativland) als elektronischer Ornamentierer besteht. Gesanglich übt sich der Charismatiker diesmal weitestgehend eher in Zurückhaltung und manchmal auch plötzlich erst im Song, aber wenn dann richtig gut und mit Texten des Londoners Radieux Radio. Das Adrenalin geht richtig steil bei den instrumentalen Songs und Passagen mit exzellenten atonalen Verzahnungen und einem unvergleichlichen Spannungsaufbau bei den überlangen Songs (4x grandiose Geschosse über 10 Minuten). Das Album hält sich in einem ähnlichen Noiserock-Habitat wie Sonic Youth auf, agiert aber teils auch mit anderen Klangfarben, Zerr-Sounds und Elementen und packt einen mit seiner exzellenten Dynamik. Auffällig ist neben den typischen dissonant-verspielten Gitarren auch das Ausweichen in für SY-Verhältnisse ungewohnte Tonarten.

Release 16.10.2020

Auch als Ltd.-Pink- und Yellow-Vinyl-Edition erhältlich (beide CHF 36.90)

Im Jahr 2017 zog Morby von Los Angeles zurück in ein leeres Haus in seiner Heimatstadt Kansas City, KS. Zurück in seinem Zuhause, fühlte er sich plötzlich einem Leben voller Chaos und Abenteuer mit einer Band auf Tour gegenübergestellt. Aber zumindest war Morby froh, "to have - for the first time in my adulthood - a place to close the door, with no temptations other than to work on music and reflect on what I had built since I left." Doch noch hatte ihn die kalifornische Wüste fest im Griff, so verbrachte Kevin den Winter damit, sein Haus auf die einzige ihm bekannte Art und Weise zu dekorieren; nämlich mit Erinnerungsstücken an sein kalifornisches Zuhause, Kaktus, Aloe Vera und er verkleidete sogar die Wände mit Kiefernholz - was dem Haus sofort den Spitznamen The Little Los Angeles einbrachte. In jenem Sommer erhielt seine Isolation eine subtile Linderung, als Katie Crutchfield zu Besuch kam. Sie blieb wochenlang, lebte ruhig neben ihm - ihre Liebe nahm in einer ruhigen Zuflucht vor ihrem Leben auf Tour Gestalt an. Sie teilten viele Dinge, darunter eine gegenseitige Melancholie, die jede Nacht so gegen Sonnenuntergang aufzutauchen schien. Und so begannen sie, sich selbst als "Sundowner" zu bezeichnen.Die Ansammlung neuer Lieder, die zu "Sundowner" werden sollten, entstand quasi mühelos, da Morby sein Bestes tat, den Liedern nicht zu widerstehen oder sie zu verfeinern, sondern sie stattdessen ganz allein Gestalt annehmen zu lassen. In seinem behelfsmäßigen Studio brachte Morby sich selbst grundlegende Aufnahmetechniken bei. Da es keine Heiz- oder Kühlelemente hatte, war er den Elementen ausgesetzt - sowohl dem warmen und abstrakten Sommer als auch dem eisigen Winter in Kansas. Er arbeitete hauptsächlich an einem vierspurigen Tascam-Modell 424.
Abgesehen vom Bass und den Keyboards von Cook spielte er fast jedes Instrument auf dem Album - Lead-Gitarre, Mellotron und die Geheimwaffe des Albums, eine leicht verstimmte Pump-Orgel - selbst. Später kam James Krivchenia am Ende der Sitzung hinzu, um die Perkussion aufzunehmen. Nach der Aufnahmesession auf der Sonic Ranch tourte Morby für "Oh My God", und "Sundowner" lag auf einer Festplatte auf der Sonic Ranch. Es erblickte erst das Licht der Welt, als er sich, wie auch der Rest der Welt, im März 2020 in seinem Haus und in Quarantäne wiederfand. Brad, Jerry Ordonez (von der Sonic Ranch) und Morby arbeiteten von ihren jeweiligen Wohnungen aus, schickten Notizen hin und her, um das Album zu mischen, und plötzlich war "Sundowner" einfach so fertig.

Release 30.10.2020

4. Studioalbum auf Hummus Records

Single schon mal sehr geil, weitere Infos folgen!

Release 13.11.2020

Die legendäre britische Dance-Formation mit ihrem ersten neuen Album seit zehn Jahren. Seit mehr als 25 Jahren zählen sie zu den wichtigsten, erfolgreichsten und wegweisendsten Größen in der Welt britischer Electronica. Wie keine andere Formation verstehen es die Briten, Einflüsse aus House, TripHop, Dub und Songwriting-Elemente zu einem arenatauglichen, hoch explosiven und euphorischen Soundmix zu verbinden. Dabei sprechen schon die reinen Zahlen für sich: Bisher blicken Faithless auf insgesamt sieben Top 10-Singles, sechs Top 10-Alben (davon drei Nr. 1-Scheiben), eine Nominierung für den renommierten Mercury Prize für ihr brillantes zweites Album Sunday 8PM aus dem Jahr 1998, nicht weniger als vier eindrucksvolle Platin-Awards für Forever Faithless The Greatest Hits und nicht zuletzt über 15 Millionen weltweit verkaufte Einheiten ihrer Tonträger zurück .Zehn Jahre sind vergangen, seitdem Faithless mit ihrem letzten Studioalbum The Dance den 2. Platz der Longplay-Hitparaden stürmten. Nichtsdestotrotz war die Popularität der Briten auch in der Zwischenzeit dank internationaler DJ-Sets und dem Aufstieg der Streaming-Dienste ungebrochen.

Release 30.10.2020

Die erste Veröffentlichung von Mr. Bungle seit 1999. Neuaufnahme des 1986er High School Thrash Metal Demos der Band zusammen mit Songs, die damals geschrieben, aber nie aufgenommen wurden. Die Platte enthält auch Cover von Klassikern von S.O.D. und Corrosion Of Conformity. Vervollständigt wird die aus Originalmitgliedern Mike Patton, Trey Spruance und Trevor Dunn bestehende aktuelle Besetzung der Band von Scott Ian von Anthrax und Dave Lombardo von Slayer/Dead Cross. *Ipecac

Release 9.10.2020

Das Debut des 2017 im Zuge des Albums "Hiss Spun" entstandenen Duo-Projekts von Chelsea Wolfe (Gesang und Gitarre) und Bandmate Jess Gowrie (Drums, Bass, Programming), das mit deutlich mehr Distortion als das letzte CW-Album aufwartet, Einflüsse aus Grunge und manchmal auch etwas Punk, Doom- und Black-Metal, Noiserock und Sludge für ein gewaltig dräuendes, donnerndes wie massives Album verarbeitet. CW´s extrovertierter, die dunkle Hallburg erklimmender Gesang sorgt wie immer für angenehmtess Schauern, kommt stellenweise auch ungewohnt im Kontext harten musikalischen Actings. Die beiden haben aber auch Duoparts und an manchen Stellen gibts auch böses Gekeife. Immer wieder harte Brüche von dark Atmosphärik über schweres Geschoss zu distorted Gebretter, wie man´s von CW nicht unbedingt kennt, aber dennoch immer unverkennbar! 8 Songs.

Release 25.9.2020

Das dritte Album von einem der wichtigsten Neuerer elektronischer Musik in den 10er Jahren, der hier auf "Cenizas" (bedeutet Asche) in musikalischen Grenzbereichen operiert.

Release 23.10.2020

Songhoy Blues wurde 2012 als ein Akt der Rebellion in Mali gegründet und gilt seitdem als eines der spannendsten afrikanischen Bandprojekte. Das Debütalbum "Music In Exile" erschien 2015, mit "Résistance" zwei Jahre später der Nachfolger. In der Folge standen die vier Musiker um Sänger Aliou Touré vor den nächsten Schritten, die nun in einem rockigeren und härteren Album endeteten, das zudem auch eine große Portion Optimismus, Hoffnung und Stärke transportiert. Mit dem Opener "Badala" gibt es einen weiteren Eindruck vom Sound des Longplayers, der es auf eine beachtliche Weise schafft, Blues, Stoner-Rock und malische Polyrhythmen zu vereinen. "Badala", das übersetzt soviel wie 'Das ist mir egal' bedeutet, ist Songhoy Blues' persönliche, energiegeladene Abrechnung und Auseinandersetzung mit den vorherrschenden, gesellschaftlichen Bedingungen einiger afrikanischer Staaten. An vielen Orten über den gesamten Kontinent verteilt, erfahren besonders Frauen gravierende Einschnitte ihrer Freiheit, und erleben so Ungerechtigkeiten schon im Alltag.

Release 9.10.2020

Dass Future Islands eine außergewöhnliche Band ist, war ihren Fans der ersten Stunde schon lange klar. Aber es war dann ihr Auftritt in der "Late Night Show" von David Letterman, der ihnen weltweite Aufmerksamkeit bescherte. Future Islands wurden binnen 4 Minuten und 12 Sekunden zu den neuen Darlings einer Szene, die bis eben nicht ihren Namen kannten. Die Single "Seasons" wurde so für die Band zu einem gigantischen Erfolg. Doch der Erfolg und die plötzliche Aufmerksamkeit brachte auch seine negativen Seiten mit sich: Burnout, Selbstzweifel, gesteigerte Erwartungshaltungen - Future Islands haben all diese Phasen bewältigt und mit ihrem neuen Album "As Long As You Are" nun endgültig hinter sich gelassen, indem sie einem Album über Vertrauen und die Liebe geschrieben haben. Gleichzeitig untermauert Frontmann Samuel T Herring seine Reputation als einer der interessantesten Songwriter seiner Generation. Und das Album zeigt wie gut eine Band inmitten des Scheinwerferlichts erwachsen werden kann und dabei sich selbst treu bleibt. "As an artist, you always have fears that you're just gonna get old and then people won't care," sagt Herring, "but this is what we're supposed to sound like and, to us, it's the best we've ever sounded. As Long As You Are is another step in defining who Future Islands is, and that's really important." *4AD

Release 25.9.2020

Ohne Zweifel sind BlitzenTrapper die relevanteste Cosmic Country-Band der Moderne. Ihre Affinität zu jamlastigen Sounds, halluzinogenen Songs, assoziationsreichen, filmreichen Titeln wie "Masonic Temple Microdose" und ihre kruden Verweigerungen sich entweder als Americana oder doch als Psychband verorten zu lassen, sorgen auf dem mittlerweile bereits 11. Album seit 2003 für eine Art kreative Neuerfindung, was auch an Songwriter Eric Earley liegen mag, der sich vom Tibetatischen Totenbuch für dieses sehr trippige Acid-Folk/Westcoast-Wundertüten-Konzeptwerk inspirieren liess, das zum besten ihrer Laufbahn gehört. Die letzten beiden Releases waren konservativer, aber diese 10 Tracks quellen nur über vor Verweisen und kreativen Komplexitäten. Bei neuen Dream Syndicate, Wilco, Woods und zueltzt Olden Yolk.

Release 9.10.2020

Neues Album der seit 15 Jahren aktiven New Yorker Band. Eine epische Kollektion, die den farfisa-angereicherten Ethio-Funk-Stil ihrer frühen Alben mit dem psychedelischen Black Sabbath-inspirierten Höllenfeuer verbindet. Heavy Drum Breaks und B-Boy-getestete Old Skool-Grooves treffen auf pulsierende halluzinatorische Sounds von Orgel, Bläsern und Gitarrenriffs.

Release 9.10.2020

Auch als Tape erhältlich (CHF 21.90)

Nach gefühlt 666 Gesangswechseln in der Vergangenheit kommt das neue Album als logische Konsequenz mit diversen Gastsängern aus. An dem Tag, an dem nämlich das Tracking für "Ellengæst" begann, waren die Briten ohne einen männlichen Sänger und Keyboarder. So machte CBP-Chef Justin Greaves aus der Not eine Tugend, um sein tiefes Netzwerk von Musikerfreunden zu nutzen. Am Gesang zu hören sind somit auf diesem Album Anathemas Vincent Cavanagh, Gaahls Wyrds Kristian "Gaahl" Espedal, Coliseum / Fotocrime-Sänger Ryan Patterson, die aufstrebende britische Solokünstlerin Suzie Stapleton und Jonathan Hultén von Tribulation. Fixer Bestandteil der Band sind dagegen Sängerin Belinda Kordic, Gitarrist Andy Taylor sowie Multi-Instrumentalistin Helen Stanley. Die Drums wurden von Ben Wilsker eingespielt. Das Artwork stammt von Thanasis Stratidakis.

Release 6.11.2020

Musik wird immer von der Umgebung inspiriert sein, in der sie geschaffen wurde. Mit ihrer unglaublichen Vielfalt an Landschaften, die von weißen Gletschern über vulkanische Bizarrheit, moosgrüne Felder, tiefe Fjorde und frostige Berge bis hin zu schwarzen Stränden reichen - die Landschaft Islands hat den Sound von Solstafir prägend beeiflusst. Mehr als je zuvor unterstreicht das neue Opus die kontrastierenden Einflüsse, die die Band im Laufe der Jahre inspiriert haben. Egal ob Black Metal bei "Dionysos" & "Her Fall From Grace", atmosphärische, liebenswürdige Klänge in "Til Modar" oder einfach straightforward beim meisterhaften "Akkeri", die Isländer verbinden all diese Elemente zu einer glänzenden Einheit. Das Coverartwork stammt von Johann Baptist Zwecker.

Release 9.10.2020

Das langerwartete fünfte Album der seit 2007 nimmermüden Band aus Burbank/Kalifornien um Sänger Jeremy Bolm, die sich nun mit niemand geringerem als Ross Robinson ins Studio gewagt haben, der damals schon At The Drive-In auf´s nächste Level gehievt hat. So sind die 11 neuen Songs auch entsprechend deutlich breitwandiger und opulenter produziert, was ihnen aber gut zu Gesicht steht, denn glücklicherweise ist das nicht überproduziert oder glattpoliert. Am Rezept hat sich natürlich wenig geändert, wobei TA definitiv eine der Bands sind, die eher immer besser werden. Ihr wuchtiger, melodischer Post-Hardcore ist inzwischen selbst Referenz geworden für unzählige Bands, und auch für die, die sonst wenig mit dem Genre anfangen können. In den vier Jahren seit dem Vorgänger hat sich viel getan, und so ist auch inhaltlich eine etwas positivere Grundrichtung hörbar, die Texte waren schließlich schon immer fast der größte Identifikationsfaktor der Band. Musikalisch bleibt man sich treu, die neue Produktionsweise eröffnet aber neue Räume und Aspekte, und es war Zeit, hier das volle Potential aufzuzeigen - ein tolles Comeback! Als Gastsänger im Duett u.a. Andy Hull (Manchester Orchestra, Bad Books)

Release 23.10.2020

1tes Soloalbum der US-amerikanische Sängerin mit zehn Tracks voller einfühlsamem Folk-Pop.Auf dem Album behandelt Laura ihre Scheidung von Produzent Tucker Martine, mit dem sie gemeinsam vor der Albumproduktion beschloss, getrennte Wege zu gehen, jedoch weiter als musikalisches Team zu fungieren. "We were a great musical team for many years but we struggled to be compatible in our marriage and family life and that struggle is reflected in this album", führt Laura aus. Innerhalb dieser Zeit schrieb die Amerikanerin viele Gedichte, die jetzt in Liedern für das Album endeten. Auf den Songs sehnt sich Lauras Herz nach Sicherheit und Beständigkeit, mit dem Wissen das es eine lange Reise wird. Musikalische Unterstützung gibt es dabei von Jim James, Bill Frisell, Karl Blau, Matt Ward. *Bella Union

Release 25.9.2020

In den fünf Jahren seit der Veröffentlichung seines Debüt-Albums "Policy" tourte Will solo wie auch als Mitglied von Arcade Fire durch die Welt, veröffentlichte das Live-Album "Friday Night" sowie Arcade Fire´s erstes internationales Nummer 1-Album "Everything Now". Er erwarb seinen Master-Abschluss in Public Policy in Harvard, veranstaltete eine Reihe von Touren durch Rathäuser mit lokalen Themen wie Polizei, Gefängnisreform, bezahlter Krankenstand der Gemeinde und Wahlrecht und verbrachte natürlich Zeit mit seinen drei Kindern. Neben all dem fand er außerdem Zeit und Inspiration, sein zweites Solo-Album "Generations" zu schreiben und aufzunehmen. Sein 2tes SOlo-Album wurde im Keller seines Hauses in Brooklyn aufgenommen und produziert. Das Tracking endete im März 2020, als sich New York wegen der Corona-Pandemie plötzlich im Lock-Down befand. Die Hälfte des Albums wurde in Montreal vom langjährigen Arcade Fire-Engineer Mark Lawson gemischt, die andere Hälfte von dem in Brooklyn ansässigen Produzenten Shiftee.

Release 25.9.2020

Nach der 2019 veröffentlichten Ballettpartitur "The Decalogue" und dem gemeinsam mit seinem Stiefvater aufgenommenem experimentellen New Age-Album "Aporia" aus diesem Frühjahr, kündigt die amerikanische Indie-Songwriter-Ikone den lang erwarteten Nachfolger seines gefeierten 2015er-Trauer-Meisterwerks "Carrie & Lowell" an!

Release 9.10.2020

Das vielleicht dynamischste und fesselndste Werk in der Karriere der kanadischen Noiserocker. Jedes der zehn Lieder von "Atlas Vending" bietet eine Momentaufnahme des Status Quo der heutigen gesellschaftlichen Zustände. Dabei schneiden Metz unterschiedlichste Themen an, wie Vaterschaft, erdrückende soziale Ängste, Sucht, Isolation, medieninduzierte Paranoia und den rastlosen Drang, alles hinter sich zu lassen.

Durch die Mitarbeit des Koproduzenten Ben Greenberg (UNIFORM) und die Ingenieurs- und Mixing-Fähigkeiten von Seth Manchester (Daughters u.a.) im Studio Machines with Magnets in Pawtucket, Rhode Island, klingt "Atlas Vending", in voller Länge massiv, wortgewandt und aufrichtig!

Release 2.10.2020

Der als Sänger und Frontmann von Sigur Rós bekannt gewordene interdisziplinäre Künstler Jón Birgisson aka Jónsi mit seinem 2ten Solo-Album nach über einem Jahrzehnt. Darauf sind illustre Gast-Sängerinnen wie Liz Fraser von den Cocteau Twins und Robyn vertreten. Die Produktion übernahm A. G. Cook, seines Zeichens Gründer von PC Music. Auf "Shiver" lotet Jónsi die Tiefen der menschlichen Erfahrung und unsere Verbindung zur natürlichen Welt aus. Dies schlägt sich auch musikalisch nieder: Das Album eröffnet ein kontrastreiches Spannungsfeld zwischen den organischen und traumartigen musikalischen Ansätzen von Jónsi auf der einen und dem synthetischen, manchmal abrasiven und avantgardistischen Experimentalismus des Produzenten A. G. Cook auf der anderen Seite. Auf dem Papier mag ihre Zusammenarbeit überraschend erscheinen, aber "Shiver" setzt letztlich schlichtweg das Bestreben von Jónsi fort, die Grenzen von Kunst und deren Erleben zu erweitern. Diesen Drang setzt Jónsi nicht nur im Bereich der Musik in die Tat um: 2019 zeigte er seine erste Einzelausstellung mit Installationen in der renommierten Tanya Bonakdar-Galerie in Los Angeles, wo seine Installationsarbeit unter anderem die Tiefen des Klangs erforschte. Jónsi hat seine interdisziplinäre künstlerische Aktivität in den letzten Jahren in einer Reihe von Kollaborationen mit bildenden Künstlern wie Doug Aitken, Olafur Eliasson, Merce Cunningham münden lassen: Zuletzt arbeitete er mit dem Künstler und Komponisten Carl Michael von Hausswolf zusammen, mit dem er das musikalische Duo Dark Morph gründete.

Release 25.9.2020

Die Aufnahmen von drei Sessions aus dem Jahr 2019 im Clouds Hill Studio als 3er-Vinyl-Box. Teil I bietet acht, Teil II und Teil III je sechs komplett neu arrangierte Stücke, produziert von Johann Scheerer, eingespielt von Omar und diversen Gastmusikern. Es gelingt nur wenigen Songwritern und Arrangeuren, mit ihrem Spiel und ihren Kompositionen mehrere Generationen zu prägen. Omar Rodríguez-López ist einer dieser Ausnahmemusiker. Es reicht, seinen Namen zu nennen, und schon bekommen Freunde harter oder virtuoser oder kosmischer Musik ein Leuchten in den Augen. Wer seine Musik hört, spürt: Da gibt sich jemand seiner Kunst komplett hin - und da besitzt jemand unglaublich viel Wissen über das, was Musik zu leisten in der Lage ist. Omar Rodríguez-López betrachtet das Hamburger Clouds Hill-Studio schon lange als zweite kreative Heimat. Er und Produzent Johann Scheerer kennen sich seit 15 Jahren, die beiden verbindet eine enge Freundschaft und künstlerische Beziehung.

Release 25.9.2020

Kaum jemand aus seiner Generation der älteren weißen Herren schafft es derzeit, Pop-Appeal und Protesthaltung, oder generell Haltung so gut zu verbinden wie Ex-Hüsker Dü- und Sugar-Frontmann Bob Mould. Von Mould selbst produziert in den Electral Audio Studios in Chicago, ist "Blue Hearts" die logische Fortführung des überdrehten, fetzigen "Sunshine Rock". Persönliche Akustiknummern, die seine Umgebung, seine politische Einstellung, und durchaus auch Homosexualität thematisieren, wechseln mit den upbeat Power-Pop/Punknummern, für die er schon immer ein wahres Händchen hatte. Letztere überwiegen auch, so dass "Blue Hearts" ein powervolles, beeindruckendes Statement eines Junggebliebenen ist, der mit offenen Augen durch die Welt geht, und sich nie angepasst hat.

Release 29.1.2021

Wilsons sechstes Album ist eine Erkundungsreise in den menschlichen Verstand in Zeiten des Internets und den ultramodernen Konsumenten der Gegenwart. Während er sich auf "To The Bone" (2017) mit den Problemen von Post-Wahrheiten und Fake News auseinandersetzte, nimmt Wilson die Hörerinnen und Hörer auf "The Future Bites" mit in eine Welt der Süchte des 21. Jahrhunderts. Es ist ein Ort, an dem beständig und ganz öffentlich mit den Auswirkungen aufkommender Technologien auf unser Leben experimentiert wird. Trotz Themen wie außer Kontrolle geratener Kaufsucht, manipulativer sozialer Medien oder dem Verlust von Individualität ist "The Future Bites" weniger die dunkle Vision einer heraufziehenden Dystopie als vielmehr eine neugierige Analyse der Zustände im Hier und Jetzt. Musikalisch gesehen ist "The Future Bites" gewohnt großartig. "Personal Shopper" der erste Track ist zehn Minuten lang, und erinnert an Moroder, elektronische Sounds - durch menschliches Einwirken verfremdet (King Ghost), sphärische Akustikklänge (12 Things I Forgot) oder Bass-getriebene Krautrock-Grooves (Follower) verbinden sich mit triefendem, düsteren Funk zu Wilsons vielleicht konsistentestem Werk. Das Album wurde in London aufgenommen und von David Kosten (Bat For Lashes, Everything Everything) und Steven Wilson koproduziert.

Release 18.9.2020

Nicht weniger als der zornige Soundtrack zu den aktuellen Protesten gegen Rassismus und Polizeigewalt in den USA. Ein textlich mit klaren Worten auftretendes Album, das mit harter, wütender, sozialkritischer Hip-Hop-Prosa den Ruf von KIller Mike und El-P als eine Art politisches Gewissen der aktuellen US-Rapszene unterstreicht. MIt ihren scheppernden, rollenden Old-School-Beats und dem klassischen In your face-Rapstyle in Kombination mit aggressiven Basslinien und Boombeats knüpfen RTJ dabei an die Tradition aggressiver Bands mit black consciousness-Lyrics wie Public Enemy an, erinnern musikalisch an NWA, die Beastie Boys und Ice T´s Body Count an mit dieser umwerfenden Sammlung von kraftvollen Bangern und düster-dystopischen Rap-Masterpieces, die - vor dem Tod von George Floyd entstanden - textlich direkt Bezug nehmen auf z.b. den Tod von Eric Garner, der wie Floyd mit einem Knie am Hals den Erstickungstod sterben musste ("Walking in the snow") und böse Vorahnungen auf Bilder eines Erschiessungskommandos im Rahmen eines evtl. kommenden Bürgerkrieg vorwegnehmen bei dem von klase Saxofon begleiteten, jazzigen "A Few Words For The Firing Squad". Fantastisch auch die Riege der Mitwirkendenkollabos: auf "Pulling The Pin" verschmilzt die Gitarre von QUOTSA´s Josh Homme mit der Soulstimme von Mavis Staple, Ex-RATM Zack de la Rocha und Pharrell Williams fordern sich auf "JU$T" gegenseitig auf, sich die Sklavenhalter auf Dollarscheinen anzusehen. und auf "Ooh lala" schaut zu verstaubten MPC-Samplerbeats der alten Schule die Gang Starr-Legende DJ Premier mit Greg Nice vorbei. Hammer-Album! . Aufgenommen in Rick Rubins Shangri-La Studios sowie in den legendären Electric Lady Studios in New York City.

Release 18.9.2020

Mit ihrem 2. Album platziert sich die junge Britin aus Bristol zurecht prominent auf der Landkarte des modernen Indierock. Eine Meisterin des spärlichen, auch verzerrten (E-)Gitarrenspiels, die ihre kathartischen Songs in der zerrissenen Dynamik von Indiefolk und Slackerrock anlegt, was in den melancholischen Balladen mit rudimentärer Drummachine, Streicherworkouts und perlenden Akustiken intensiv ausgelotet wird. Gerade die wütenden Introspektionen mit aufbrausenden Gitarrenlines und treibenden Drums, die ungeschminkten Selbstoffenbarungen wie "I, Nietzsche", "Solipsism oder "Laundry and Jetlag" steigern sich zu emotionalisierenden Klageliedern. Große Stärke des Albums ist ihre verletzliche Ehrlichkeit im Songwriting und die intime Schönheit zwischen Phoebe Bridgers, Waxahatchee und Big Thief. Großes Talent.

Release 18.9.2020

Gemeinsames Album des durch u.a. Kollaboalben mit Madlib bekannten Gangsta Rappers, der seinen Namen dem Blaxploitation-Film Black Caesar entnommen hat und in den 00er Jahren seinen Fame auf einigen legendären Mixtapes aufbaute. Seinen atemlosen Rapstyle und seine eleganten Flowtechniken vollführt er gekonnt auch auf dem gemeinsamen Album mit dem Produzenten und DJ The Alchemist, der wundervolle surroundings für Freddie bietet, tolle wabernde psychedelisch angehauchte Sonnenuntergangsszenarien mit biweilen jazzy und bluesy Appeal bereitet, schnuffige Soulanleihen vollführt und auch mit Soundtrack-Thrill (wie bei "Frank Lucas" feat. Benny the Butcher)zu überzeugen weiß. Souveränes Gangsta-Hiphopalbum im seriösen Mid-90s Style, das sich allerdings nicht um political correctness bei den lyrics schert.

Release 18.9.2020

Innert 3 Monaten ist aus den Homesessions ein vielseitiges und modernes Album entstanden, dem es aber an Realness und Authenzität nicht fehlt. Man spürt die Lust Musik zu machen und das unbeschwerte Herangehen. Dazu tragen insbesondere auch die unterschiedlichen Produzenten bei. Neben der Leitung durch Ben Mühlethaler und Fygeludi, sind Merlin, DJ Kermit und Monsieur Pluspetit am Sound beteiligt. Klassischer Rap trifft moderne Beats, und old-school Beats, treffen neuen Rap. Fygeludi gehen mit der Zeit ohne sich selbst zu vergessen. Nach 13 Jahren Bandgeschichte ist die Motivation grösser als je zuvor. "Oh Fuck Yeah" beschreibt dieses Gefühl von Aufbruch und Zufriedenheit, steht für erfüllte Wünsche und nicht zuletzt für die grosse Liebe zu fetten Beats und ehrlichem Rap!

Release 11.9.2020

Das 11te Studioalbum entstand in enger Zusammenarbeit mit Shooter Jennings, der seines Zeichens Grammy Preisträger ist und es immer wieder geschafft hat, Künstlern neue Facetten zu entlocken. Manson sagt über das Album: "Wenn ich das Album jetzt höre, kommt es mir vor, als wäre es gestern gewesen oder, als ob sich die Welt wiederholt, wie sie es immer tut, und lässt den Titeltrack und die Geschichten so erscheinen, als hätten wir sie heute erst geschrieben. Die Aufnahmen wurden komplett abgeschlossen, ohne dass eine Menschenseele das Album währenddessen gehört hat. Es gibt auf jeden Fall eine Seite A und eine Seite B im traditionellen Sinn. Aber genau wie eine LP ist es ein flacher Kreis und es liegt am Zuhörer, das letzte Stück des Puzzles in das Bild der Songs einzufügen." Mit dem Wissen, dass das Album entstand, bevor unsere Welt von einer Pandemie heimgesucht wurde, kommt man nicht umhin, eine gewisse Vorahnung in diesen zehn Songs zu entdecken.

Release 11.9.2020

Die 1983 in Oklahoma City gegründete Band verbindet auf seinem neuen Album Alternative-Sounds und experimentellen Pop zu einem mitreißenden, packenden Gesamtwerk über das Wayne Coyne mit seiner markanten, klaren Stimme gleitet. Bei "My Religion Is You", dem letzten Track des Albums, geht es dabei um ein Gespräch, das der katholisch erzogene Wayne in jungen Jahren mit seiner Mutter führte. "Religion is there for people who don't have a family that loves them. If their mom doesn't love them or their dad doesn't love them then they know that god loves them because humans can't live without love", erklärte sie ihm. Wayne entgegnete: Then MY religion is you.

Release 4.9.2020

Sie sind Meister in Sachen Ausarbeitung eines spannungsreichen Songaaufbaus, ihre Hände drehen gekonnt am Rock-Knauf, mal entspannt wogend, mal nervöser, mit auch Sinn für metallische und Vintage-Legierungen. Der Blues ist auch auf dem sechsten Album ein Gefährte des Quartetts aus Nashville, das mit auch herrlichen Ausritten durch sengende Hitze und vorbei am Sumpf aufwartet wie bei "The Children of Coyote Woman", aber sie drücken schon ordentlich auf die Tube hier. Der Albumopener "Saturnine & Iron Jaw" erinnert bisweilen ein bisschen an die ungestüme Frühzeit von Soundgarden (ohne Cornell´s Stimme), vereint Elemente von Stoner- und Grunge-Rock auf eindrucksvolle Weise, "Enemy of my Enemy" oder "Lights Out schlagen im Uptempo in eine ähnliche Kerbe: mit wogendem, leicht metallischem Riffing ausgestattere Gainer-Songs voller Tiefe. Geerdetes Growlen mit psychedelischen Zwischentönen und immer wieder aus dem Riffruder laufenden Parts gehören aber ebenfalls zum klasse Look des in London in den Abbey Road Studios aufgenommenen Albums.

Release 4.9.

Einen Singer-Songwriter wie den Ex-Smog gibt es kein zweites Mal, auch wenn er irgendwie eine Art singender missing link zwischen Howe Gelb und Mark Kozelek ist. Callahan schlüpft in die einfachen und die schwierigeren Rollen des alltäglichen Lebens, liebt ein gutes Indie-Country-Roadmovie und liebt kleine Querverweise in die Popkultur, wie sowohl seine "Johnny Cash"-Begrüßung als auch ein lautmalerischer Song über Ry Cooder zeigen. Bill´s Stimme vereint dabei wieder mal aufs allerschönste Bässe und Höhen wie Licht und Schatten, es ist einfach immer eine Freude, seiner Art des erzählerischen Gesangs zu lauschen - zu wechselweise der Pureness ineinander verzahnter gezupfter und/oder geschlagener akustischer Folkgitarren, oftmals auch zu minimaler Bandausstattung angereichert und dann bisweilen mit einem leicht psychedelischen Gestus. Mal noch ein Pfeifen, ein paar Bläser. Oh Mann, Bill ist Gott, singt übers Frühstück, die Nachbarn, das Fernsehprogramm, den Protest des Sohnes, den Job....einzigartig und unverändert großartig!

Auch als Ltd.-Violet Vinyl-Edition erhältlich (CHF 43.90)

Ein cooler Zeittunnel, durch den uns das Trio aus Boston auf dem ersten Album seit 17 Jahren schleust. Kristin Hersh´s Stimme hat nichts an Faszination verloren, Klarheit und eine leichte Heiserkeit sind ihre Markenzeichen, die im Kontext ihrer Variante von kratzigem und zurückgelehntem College Rock mit Verwurzelung in einer klar definierten 90er Jahre-Ästhetik einen Wind von unverminderter Stärke entfacht. Hersh´s Storylines funktionieren klasse innerhalb der simplen Instrumentierung aus Gitarre, Bass und Schlagzeug und manchmal Tasten. Viele Songs leben von längeren Ritten innerhalb aufgebauter Spannungsszenarios mit auch anbrandendem Noiserock-Appeal und einer crunchigen, unterschwelligen Psychedelik innerhalb ihrer zeitlosen Variante von Indierock, die auch bei den halluzinogeneren Songs glänzend funktioniert

Release 4. September 2020

Halluzinationen heißt der siebte Longplayer der in Berlin lebenden Schweizerin, der am 28. August 2020 bei Caroline International erscheint. Ihr neues Album hat die Sängerin, Multiinstrumentalistin und Soundtrack-Komponistin wie zuletzt mit dem Produzenten Dan Carey (Kate Tempest, Fontaines DC) von Speedy Wunderground aufgenommen, der von der britischen Music Producers Guild zum "Producer of the Year" gewählt wurde. Carey spielte zudem etliche Instrumente für das neue Album ein. Für Sophie Hunger markiert Halluzinationen die zweite Zusammenarbeit mit Carey, nachdem der Londoner bereits 2018 den Vorgänger Molecules (2018) produziert hatte. Während sie sich dieses Mal unter anderem mit dem Zusammenhang zwischen Einsamkeit und der Imagination befasst, markiert das "Halluzinationen" einen weiteren Schritt in jene elektronische Richtung, die sie seit dem Umzug nach Berlin und dem Beginn der Zusammenarbeit mit Carey eingeschlagen hat. Anstatt jedoch wie zuletzt in dessen Speedy Wunderground Studios im Süden von London zu arbeiten, mieteten sie sich in die legendären Abbey Road Studios (Studio 2) ein und nahmen sämtliche Songs der LP in einem einzigen Take auf. Die Energie von Halluzinationen ist daher sehr viel direkter und lebendiger, weil sie das komplette Album insgesamt bloß sechs Mal am Stück durchgespielt haben - in nur zwei Tagen. Sie seien einfach "volles Risiko" gegangen, um es in Sophies Worten zu sagen. Obwohl es auch ein paar deutsche Zeilen auf dem neuen Album zu hören gibt, sind weite Teile von Halluzinationen wiederum auf Englisch eingesungen, womit sie insgesamt an den Vorgänger Molecules, ihr erstes komplett englischsprachiges Album, anknüpft. Dass Sophie neben Deutsch und Englisch auch Französisch und Schweizerdeutsch spricht, ist ihrer Kindheit geschuldet, die sie in unterschiedlichen Ecken Europas verleben durfte. Und wenn sie nun mit Halluzinationen zumindest gelegentlich diese multilingualen Wurzeln durchschimmern lässt, geht von dem Tiefgang und der Intensität, die ihre Songs schon immer auszeichnen, absolut nichts verloren im Akt des Übersetzens.

Release 4.9.2020

14tes Album. Der legendäre Produzent hat in mehr als drei Jahrzehnten seiner Musikkarriere viele Höhen und Tiefen erlebt. Das vergangene Jahr war eine sehr produktive Phase voll mit kreativer Hektik. Tricky veröffentlichte die bezaubernde 20,20 EP und brachte seine gefeierte Autobiographie „Hell Is Round The Corner“ heraus. Aber es war wegen des Todes seiner Tochter Mazy auch eine Zeit des Nachdenkens und der Neubewertung. Von Kummer geplagt, musste er sich eine Frage stellen: Kämpfe ich oder gehe ich mit dem Schiff unter? "Du musst verdammt noch mal aufstehen und kämpfen", beschließt er. "Im Moment befinde ich mich im Kampfmodus. Und ich fühle mich wirklich gut. Ich fühle mich, als sei ich wieder da", sagt er. "Ich fühle mich, als wäre ich einer der besten Musiker, die England je hatte, und es ist Zeit für mich, mich wieder zu 100% auf die Musik zu konzentrieren, so wie ich es am Anfang getan habe". Mit der pulsierenden ersten Single "Fall Please" betritt er Neuland, obwohl sie immer noch nach Tricky klingt. 'Fall Please' hat eine seltsame und verdrehte Zugänglichkeit, die sogar den Mann, der es geschrieben hat, überraschte. "Bei den meisten meiner Sachen gibt es nichts Vergleichbares", sagt er. "Aber mit 'Fall Please' ist mir etwas gelungen, was ich noch nie zuvor tun konnte, nämlich dass jeder es spüren kann - sogar Leute, die meine Musik nicht kennen. Es ist meine Version von Popmusik." Für seine Musik hat Tricky schon immer weibliche Sängerinnen ins Boot geholt um seine Ideen zu transportieren: Bei Fall to Pieces arbeitete er bei den meisten songs – inklusive Fall Please - wieder mit der Sängerin Marta zusammen, die bereits auf seinen letzten Platten zu hören war. Tricky entdeckte Marta Zlakowska während einer Europatournee, als er am Eröffnungsabend in Krakau plötzlich ohne Sängerin dastand. Sie rettete die Tournee vor einer Katastrophe. "Ich merke, wenn jemand bescheiden und bodenständig ist", sagt Tricky. "Marta ist es egal, berühmt zu sein, sie will nur singen.

Release 28.8.2020

Nach The Tower (2017) und The Crucible (2019) folgt der folgerichtige Abschluss dieser inoffiziellen Trilogie namens Gullvag. Herzstück dieses Doppel-Albums ist der fast 42 minütige Track N.O.X., ein Wirbelwind von einem Song, für den man allein schon normalerweise eine Woche braucht, um ihn komplett begreifen zu können. Das Album findet von Beginn an das richtige Maß, alt bewährten Motorpsycho-Sound und neue musikalische Bereiche anklingen zu lassen, und klingt so spannend wie ein Konzert der Band, aber in perfektem Studiosound und krönender Beteiligung so bewährter Gäste wie Reine Fiske, Lars Horntveth (Jaga Jazzist) und Ola Kvernberg (Steamdome).

Release 28.8.2020

Die in London lebende Produzentin offenbart auf ihrem 2ten Album Facettenreichtum und Weitsicht. Nach ungewöhnlichem Start mit einer Coverversion von Radiohead´s "Arpeggi" driftet Kelly bei "On" mit Vocals durch elektronisch grundiertes Pop-Songwriting mit Hall und Nachklang, um immer wieder auch ihre club-orientierte Seite in den Vordergrund zu bringen. Die Gegensätze aus körperbetonten Beats und Dancefloor-orientiertem Deep Techno und atmosphärisch-introspektivem elektronischem Dream-Pop mit Gesangsbetonung und perlenden Drifts ins leicht Experimentelle und Synth-Pop-Bereiche zeichnet die Aura des Albums aus. Klasse auch das mit John Cale als Gesangsgast eingespielte "Corner of my sky".

Release 28.8.2020

Die ersten 3 neuen Tracks der Weilheimer Band nach 6 Jahren, die gleichzeitig auch einen Ausblick auf ein neues Album geben. Überraschend der krautrockige EP-Titeltrack, der ungefähr so klingt, als ob Deerhoof und Stereolab mit Beak jammen würden. Beim Gesang übernimmt Saya (Tenniscoats) die Führungsstimme. Klasse die Kontraste mit spacigen Synthesizer-sounds und garstiger Gitarre. Der 2te Song "Loose Ends" knüpft dank Markus Acher´s Stimmfarbe an einen klassischeren Notwist-Sound an. Er entstammt der Aufnahme-Session für den Soundtrack für "One Of These Days", einen Film von Bastian Günther. Die EP schliesst mit dem optimistischen Instrumental

Release 28.8.2020

Auch als Ltd.-Grey Vinyl-Edition erhältlich (CHF 45.90)

Die niederländisch-iranische Produzentin, Songwriterin und Regisseurin mit ihrem zweiten Album, das vollständig von ihr selbst, zusammen mit ihrer langjährigen Musikerkollegin Mucky produziert wurde. In nur wenigen Jahren etablierte sich Sevdaliza als eine ikonische, äußerst kreative, vielseitige und unabhängige Künstlerin, die inzwischen auf vielen Promi-Moodboards landen konnte. Der Begriff "Shabrang" kommt aus der persischen Mythologie und obwohl es keine direkte Übersetzung für ihn gibt, um seine Essenz zu erfassen, bedeutet die Farsi-Phrase "Shabrang" so viel wie "die Farbpalette der Nacht". Diese "Palette" wird in den Tönen von Sevdalizas blauem Auge auf dem Album-Cover visualisiert. Das blaue Auge repräsentiert die Jahre physischer und emotionaler Turbulenzen. In Sevdalizas Worten: "Dieses Album repräsentiert für mich, dass die Essenz von allem für mich die Liebe ist. Es ist ein tiefer Brief an mich selbst, meine eigene Bibel, die ich schreiben muss, um dem Leben zu vertrauen und daran zu glauben. Ich vertraue auf mich und meinen Charakter als Mensch."
Sevdaliza wurde im Iran geboren und lebt in den Niederlanden. Sie ist inzwischen bekannt für ihre starke unabhängige Kraft bei der Schaffung ihrer Kunst. Sie ist Produzentin und Ingenieurin, ein Independent-Art Director mit kritischem Auge für Details und das Geschichtenerzählen und eine einzigartige Songwriterin. Ihre Musik wird als "Genre-Bending" beschrieben, sie stützt sich dabei auf verschiedene Genres, darunter Alternative-Electronic, Indie, Trip-Hop, Alternative-R&B und Avantgarde.

Release 28.8.2020

Auch als Ltd.-Clear Smoke Vinyl-Edition erhältlich (CHF 37.90)

Ihr erstes solo eingespieltes Album seit ihrem Debüt 2012. Als höchst intimes und verletzliches Porträt, welches in schwierigen Zeiten persönlicher Unruhe entstand, zeigt "Whole New Mess" wie Olsen sich durch eigene offene Wunden und schwermütige Gedankengänge arbeitet - all das mit nur ein paar Gitarren und Mikrofonen, isoliert in einer ein Jahrtausend alten Kirche im pazifischen Nordwesten. 9 der insgesamt 11 Stücke auf "Whole New Mess" sollten jedem, der mit dem Vorgängeralbum "All Mirrors" vertraut ist, ein Stück weit bekannt vorkommen. Songs wie "Lark", "Summer" und "Chance": sie alle finden ihren Platz auch auf dem neuen Album - nur eben in einer reduzierten Form und mit teils anderen Titeln versehen. Die Stücke sind jedoch bei Weitem keine Demoaufnahmen von "All Mirrors", vielmehr ein eigenständiges, charakterfestes Album. Sollte man sich die üppigen orchestralen Arrangements und cineastische Bandbreite von "All MIrrors" als Vertonung vorstellen, mit der Olsen der Welt ihre emotionalen Narben offen legte, so ist "Whole New Mess" der entstehende Sound, wenn Olsen versucht, Sinn in Form und Ausmaß dieser Wunden zu finden. Das Resultat ist atemberaubend, überzeugend offenherzig und einschüchternd persönlich zu gleich. Eine ergreifende und deutliche Erinnerung daran, dass Songs mehr sind als nur eine Kollektion an Worten, Akkorden und Melodien. Vielmehr sind sie Geflechte aus Stimmungen, Momenten und Ideen - Eigenschaften, die sich von einem Monat auf den nächsten verändern können, und dabei genau so viel ausdrücken wie eine perfekte Progression oder ein eleganter Akkord. Als für sich stehende, aufrichtige und entschlossene Begutachtung, wie es ist, zu lieben, zu verlieren und zu überleben, sind diese elf Songs in diesem Sinne etwas komplett Neues. Sie bilden den Sound zu Angel Olsens Weg durch die Art von Sorgen, die wir alle selbst nur zu gut kennen - aufgenommen für sich selbst und jede und jeden, die es ebenso brauchen könnten.

Release 28.8.2020

Bei dem Album handelt es sich um die Fortsetzung der 2015 erschienenen Platte "The Waterfall". Während der Aufnahmen vor fünf Jahren im Panoramic House Studio in Kalifornien entstanden so viele neue Songs, dass die Band um Sänger Jim James sogar damals erwog, die gesamte Musik als ein "Triple-Album" herauszubringen. "Listening, remember one thing: this is not a B-side album. These are not songs that we didn't like as much as the ones that appeared on The Waterfall," erzählt James in Bezug auf die neue Platte. "In fact, these are the E and F sides of a set of 3 albums including The Waterfall and The Waterfall II. It's just the second half of a long snapshot of my life as an author until 2014." Vor einiger Zeit stolperte der naturverbundene Sänger, der selber zwischen diesen beiden Alben einige Soloplatten einspielte, bei einem Spaziergang erneut auf die unveröffentlichten Tracks, trommelte seine Band zusammen, um das Projekt wiederaufzunehmen und jetzt schließlich rauszubringen.

Release 21.8.2020

Limitierte 4CD: 52 Studiosongs, 18 Raritäten (Demo-Versionen, Live-Mitschnitte, unveröffentlichte Songs), 54-seitiges Buch mit Liner Notes und unveröffentlichten Fotos. umfassende Retrospektive von 27 Jahren Tocotronic. Darauf enthalten sind sowohl ihre größten Hits sowie auf einer gesonderten 2xLP eine Reihe von Raritäten und bislang unbekannten Versionen veröffentlichter Songs. Von 1994 bis in die Gegenwart reicht der Reigen der Lieder; er beginnt mit "Drüben auf dem Hügel", dem ersten Stück, das Tocotronic jemals aufnahmen, und endet mit "Hoffnung" aus dem Frühjahr 2020. Zu allen Stücken haben Tocotronic kurze Kommentare verfasst, die gleichermaßen für historische Einordnung sorgen, wie auch Zitate, Inspirationen und Entstehungsbedingungen erläutern.

Release 21.8.2020

Bright Eyes' erstes neues Album seit neun Jahren wird den Titel DOWN IN THE WEEDS, WHERE THE WORLD ONCE WAS tragen und am 21. August 2020 via Dead Oceans/Cargo erscheinen.
„Als Titel, als These, funktioniert [es] auf einer globalen, apokalyptischen Ebene der Angst“, so der Pressetext über die bevorstehende Platte, „aber auf einer persönlichen Ebene spricht es davon, im Dreck der eigenen Erinnerungen zu wühlen und zu versuchen, die Kostbarkeiten zu finden, die überwuchert wurden und nicht wiederzuerkennen sind.“

Release 21.8.2020

Neues Album des ehemaligen Green on Red-Songwriters, der mit seinem neuen Album nicht nur dem Titel nach seine Heimat USA als nostalgische Utopie inszeniert. Jeder der 12 Tracks ist ein Abarbeiten an der Historie der letzten 50 Jahre, was dem mittlerweile 57 jährigen Veteranen v.a. eine persönliche Färbung abringt: die Lyrics sind hedonistisch, direkt politisch, sehnsuchtsvoll oder ironisch, während er mit Songs über Nixon, Johnny Thunders, The Boss und div. Countryikonen eine Art Konzeptalbum des Americana mit seinem typischen, detailsreichen "Heartfelt Rock" und seiner energetischen Country, Folk und Blues-Mixtur darbietet. Im Kern ein optimistisches Werk, dessen All American-Roots Music immer noch relevant ist.

Release 21.8.2020

Vielleicht muss Outsider-Country genauso geschrieben und performt werden, damit er im Jahre 2020 wieder relevant ist. Das Debüt von 2018 war ein großer Wurf für die Songwriterin von Mount Moriah (auch Gitarristin bei Angel Olsen) , das nicht nur Kritikerlob einheimste, sondern einem konservativen Genre neue Energie verlieh. Der Zweitling ist dagegen kaum noch Country, sondern ein organisches, zeitlos anmutendes, experimentelles Folkrock-Album, das von den sehr ungewöhnlichen, literarischen Texten lebt, aber auch von den Neil Young-esken Gitarrensoli, der sparsam und raumgreifend agierenden Band und dem Ansatz, ihre 10 Song-Gedichte in Gospel, Folk, Rock und Country- Bereiche zu transzendieren und die Einöde einer einsamen Hütte in North Carolina als Inspiration für diese irdisch-psychedelische Weiterentwicklung zu nutzen. Vergleichbar mit Lucinda Williams.

Release 14.8.2020

Steve Von Till hat in den letzten Jahrzehnten einen außergewöhnlichen musikalischen Weg eingeschlagen, von seinen Hauptaufgaben als Sänger und Gitarrist der grenzüberschreitenden Neurosis bis zur psychedelischen Musik seines Harvestman-Projekts und der Gothic Americana, die er unter seinem eigenen Namen veröffentlicht hat. Aber "No Wilderness Deep Enough" ist anders als alles was man jemals von ihm gehört hat - ein Album, das schön und überwältigend ist und zugleich an die tragischen Momente von Nick Cave und seinen jüngsten Arbeiten mit den Bad Seeds erinnert, dazu gesellen sich von Brian Eno inspirierte Ambient-Parts und elektronische Parts im Sinne von bspw. Coil.

Release 21.8.2020

Die Geschichte von Blues Pills mag simpel erscheinen. Das Rock Quartett, das Ende 2011 im mittleren Westen von den Songwritern Zack Anderson und Elin Larsson gegründet wurde ging unmittelbar von kleinen, überfüllten, dreckigen Clubs zu den Bühnen der großen Festivals, wie dem Download, Rock Am Ring und Wacken über. Eine wahre Erfolgsgeschichte, oder? Nicht wirklich. Unter ihrem dicken Mantel von hartem, psychedelischen Blues-Rock und der kraft- und gefühlsvollen Stimme von Elin Larsson, waren Blues Pills innerlich doch stets rastlos auf der Suche nach Veränderung. Veränderungen im Geiste und den musikalischen Einflüssen, denen sie sich aussetzten, von Blackened Soul bis hin zu dem trippigen Klang des 60er Garage Rock und dem Devils Blues. Während ihrer Pause machten Blues Pills beinahe schon so etwas wie eine Wiedergeburt durch. Eine Wiedergeburt, deren Ergebnis das neue selbstproduzierte und von Grammy-Gewinner Andrew Scheps gemixte Album "Holy Moly!" ist, das am 19.06.2020 erscheint. Wenn euch die Härte ihres ersten selbstbetitelten Albums umgehauen und der psychedelische Vibe von “Lady In Gold” (#1 Deutschland) euch fasziniert hat, dann kommt ihr auch an der dritten Dosis nicht vorbei. Mit dem per Definition coolen Bassisten, Kristoffer Schander, dem Bananen besessenen Schlagzeuger André Kvarnström, Elin Larssons fesselnder Stimme und Zack Anderson jetzt an der Lead Gitarre kehrt die Band zu ihren Wurzeln zurück. Zurück zur ursprünglichen Kraft des Rock´n´Roll und Blues mit einer Prise Soul.

Release 21.8.2020

Die D´addario Brüder klingen mit ihrem The Lemon Twigs-Sound wie aus der Zeit gefallen, kombinieren die abgefahrensten Einflüsse aus jeder Rock-Ära und beweisen immer wieder welch einzigartiges Talent sie haben. So auch mit ihrem neuen Album "Songs For The General Public", das am 1. Mai via 4AD erscheinen wird. Der Nachfolger des gefeierten 2016er Debüts "Do Hollywood", sowie des ambitionierten 2018er 15-Song-Coming-of-Age-Musical-Epos wurde von den Brüdern im Frühjahr in ihrem Heimstudio in Long Island geschrieben, aufgenommen und produziert, mit weiteren Sessions im Sonora Studio in Los Angeles und im New Yorker Electric Lady Studio.

Release 14.8.2020

Das dritte Album der kalifornischen Art-Rock-Band für Saddle Creek vermittelt eine ausgewogene Balance zwischen Individuum und Kollektiv, zwischen Rationalität und Emotion, zwischen zahm und wild. In den sieben, teils bis 12 min langen Epen wird die komplexe Musikalität von Post- und Math-Rock radikale und kristallklare Praxis, lebhaft und hell. Young Jesus balancieren kunstvoll umherirrende Riffs früherer Werke mit unwiderstehlichen Hooks, betten sie in ihre charakteristsche Improvisation ein und erschaffen so einen schimmernden, flüssigen Klangteppich

Release 14.8.2020

14 Jahre nach seinem ersten das 2te Soloalbum des Frontmannes der Manic Street Preachers, das mit weiträumiger Produktion und eingängigen Hooklines und ähnlichen Insignien wie die Manics aufwartet, sich klassisch britrockig zeigt, mal auch mit Beats aus der Dose zu perlendem Klavier und schweren Synthlines. Bradfield´s Stimme klingt klar wie immer, er singt u.a. Texte aus der Feder von Patrick Jones - bekannter walisischer Dichter und Dramatiker und Bruder des Manics-Bassisten und -Texters Nicky Wire, das sich mit Leben und Tod des chilenischen Musikers, Lehrers und politischen Aktivisten Victor Jara auseinandersetzt.

Release 14.8.2020

Dieses Album hat den Blick nach vorn gerichtet, sowohl aus persönlicher als auch gesellschaftlicher Perspektive", erklärt Frontmann Simon Neil. "Der Titel handelt davon, die Schönheit an Veränderung zu sehen anstatt das Traurige. Veränderung bedeutet Wachstum und Entwicklung. Du kannst alles bewahren, was du zuvor geliebt hast, aber lass uns einiges von dem negativen Scheiß loswerden. Es geht um den Versuch, die Kontrolle zurückzuerlangen." Klanglich treiben Biffy Clyro die äußeren Ränder ihres Sounds spielerisch zu neuen Extremen - oftmals im Verlauf eines einzigen Songs. Der Song "The Champ" zum Beispiel hat Piano und cineastische Streicher zu bieten (unter dem Dirigat von Bruce Springsteens Kreativpatner Rob Mathes in den Abbey Road Studios aufgenommen), die sich mit Biffys unverkennbaren gezackten Rhythmen verbinden, ohne dabei auch nur einen Moment ihre Geschmeidigkeit zu verlieren. Oder da wäre das autobiografische "Cops Syrup". Es hat das wilde Trommelfeuer von "The Vertigo of Bliss" (2003), einen Abstecher in den Sub-Pop-Grunge und manische Schreie, die auch auf einem Liturgy-Album ihren Platz hätten.

Release 14.8.2020

Auch als Ltd.-Transparent Vinyl-Edition erhältlich (CHF 35.90)

Die an der Westküste der USA lebende Komponistin, Künstlerin und Produzentin Kaitlyn Aurelia Smith startete ihre Musikkarriere als Teil der Folk-Band Ever Isles. Doch als ihr Nachbar ihr eines Tages einen Buchla 100 Synthesizer zeigte, wandte sich die US-amerikanische Künstlerin ganz der Elektrizität zu und widmete sich seit 2015 ihrer Solo-Karriere mit mehreren von der Kritik gefeierten Alben. Seit der Veröffentlichung von "The Kid" (2017) vertiefte sie ihre Forschungen zu den endlosen Möglichkeiten elektronischer Instrumente sowie zu Formen, Bewegungen und Ausdrucksformen, die in der Beziehung des physischen Körpers zu Klang und Farbe zu finden sind. Es ist dieses lebensleitende Interesse, das die grundlegenden Frequenzen ihres neuen Albums "The Mosaic of Transformation" bildet. Es ist ein helles, sinnliches Gleiten durch ungebundene Wellenphänomene. "Mit diesem Album will ich meine Wertschätzung und Liebe zur Elektrizität zeigen", sagt Smith. Das Album ist eine ganzheitliche Manifestation von verkörperten Bewegungen. Smiths charakteristische Neugier auf die Textur mündet auf natürliche Weise in eine propriozeptive Studie von Melodie und Klangfarbe. Wenn man die Platte in einem einzigen Song zusammenfassen könnte, dann ist es die 10-minütige Schlusssuite, eine schwärmerische Collage namens "Expanding Electricity". Symphonische Phrasen etablieren das Stück, bevor die glitzernden elektrischen Schläge und die synthetische Vibraphonhelix in den Fokus gerückt werden. Bald erdet Smiths Stimme alles mit einem intuitiven Stimmhaken, der durch konzentrische Spiralen aus harfen- und hornähnlichen Klängen harmonisiert und verstärkt wird. Smiths Musik fängt nicht so sehr eine bestimmte Emotion ein, sondern vielmehr die Freuden des Besitzes eines Körpers und die Fähigkeit, dieses Gefäß mit Hingabe und einem beständigen, offenen Herzen mit Hilfe von Elektrizität in euphorischem Ausmaß im Raum zu manövrieren.

Release 31.7.2020

Ein gutes Jahr nach dem gefeierten Debut und Vorgängeralbum der irischen Band. Musikalisch wechseln sich beim vorab ausgekoppelten Titelstück komplexe Dur- und Mollpassagen mit verzerrten Gitarren ab, die den verstörenden Eindruck des Videos in den entscheidenden Momenten verstärken. Textlich wagt die Band ebenfalls einen Spagat, wenn der oftmals nur ganz kleine Raum zwischen Glück und Depression besungen wird, und sich Situationen innerhalb von Sekunden drastisch verändern.

Release 7.8.2020

Das verschollene, letzte Album des 2013 verstorbenen Sänger von Songs:Ohia und Magnolia Electric Co. Irgendwann im Jahr 2006 oder 2007 zog Molina aus dem Mittleren Westen nach London und erkundete seine neue Heimat alleine mit großer Begeisterung, erfuhr allerlei mysteriöse Geschichten über die spannende Historie Londons, und wenn die historischen Fakten nicht verfügbar waren - oder ihm nicht ganz gefielen - zauberte er ganz bequem seine eigenen Erzählungen hervor. So auch zu dem achten Stadt-Tor Londons (eigentlich gibt es nur sieben). Molina ist der Meinung, daß dieses achte Stadt-Tor nur im Geiste durchschritten werden können. Einige der Songs ("Whispered Away", "Thistle Blue"), entstanden während der Zeit in London, erinnern an "The Lioness", andere Lieder ("She Says", "The Crossroads And The Emptiness") befinden sich hingegen eher in einem eher unfertigen Zustand, erinnern an "Let Me Go Let Me Go Let Me Go Let Me Go". 7.8.2020

Release 7.8.2020

Cyrielle Formaz ist in der Schweizer Musiklandschaft schon lange kein unbeschriebenes Blatt mehr. Spätestens seit dem Gewinn der m4music-Demotapeclinic 2017 unter ihrem Pseudonym Meimuna sollte sie einem breiteren Publikum bekannt sein.
Nach zwei EPs und zahlreichen Singles, veröffentlicht sie nun die EP „Bestiaire II“ (Radicalis Music, 07.08.2020). Dieses dritte Minialbum entpuppt sich als die Fortsetzung ihrer ersten, selbstbenannten EP „Meimuna“ (Radicalis Music, 16.03.2018) und kreist auch um das Thema Tiergestalten. Nach "Le Grand Cormoran", "Meimuna" (die Zikade) und "La Tristesse du Diable" verwendet sie fünf neue Entitäten, um über Themen zu sprechen, die sie bewegen.
Obwohl Text und Stimme eindeutig im Vordergrund der fünf Stücke umfassenden EP stehen, nimmt sich Meimuna auch Zeit für tolle instrumentale Strecken – kein Wunder, waren doch Eden Sekulović (Cello), Alberto Magno (Drums), sowie Erik Bonerfält (Gitarre), der von Beginn an an der Seite Cyrielle Formaz‘ steht, als virtuose Studiogäste mit von der Partie.
Der Opener (und Single Nummer zwei) „Au-Delà“ beginnt mit einem sphärischen Instrumental, das in eine magische Traumwelt entführt, bevor uns nach einer guten Minute Gitarre und Stimme wieder in die Gegenwart holen. „Moby Dick“ schließt mit einem ausgedehnten Outro, das die Stärken der Instrumentation voll auskostet: Dezente Drums, akustische Gitarre und verhallte E-Gitarre werden von pizzicato und mit Bogen gespielten Streichern ergänzt. Die EP hat – dem Ursprung Meimunas treu bleibend – folkigen Charakter, der zeitgemäß ist und im umgehenden Synthieüberdruss ein erfrischendes Gegenbild zeichnet.
Vor Symbolik und Poesie überbordend entführt “Bestiaire II” den Hörer in eine magische Fabelwelt, äußerst elegant gestaltet und charmant erzählt, und birgt auch nach mehrfachem Hören so manches animalisch-musikalische Rätsel, das sich zu entschlüsseln lohnt.

Release 7.8.2020

Drittes Album der Berliner Crew. Auf dem Vorabtrack träumen Grim104 und Testo vom "Exit", beleuchten die Schattenseite des Lebens als Berufsrappers und ziehen die Option in Erwägung, sich komplett aus dem deutschen Rap-Biz zu verabschieden.

Release 24.07.2020

Das siebte Album der Grammy nominierten Brit Awards Preisträgerin und in Berkshire, Südostengland gebürtigen Musikerin vermittelt ein Gefühl von Entschlossenheit, Klarheit und Ruhe, unmittelbar und auf ganz sanfte Art. Es ist ihr bis dato wohl tiefgreifendstes. Laura hat einen Großteil der Produktion selbst in die Hand genommen, ohne aber ganz auf die Mitwirkung ihrer langjährigen Kollaborateure Ethan Johns (Kings Of Leon, Ray LaMontagne, Tom Jones) und Dom Monks (Big Thief, Noah And The Whale) zu verzichten. Üppige Streicherarrangements durchziehen die Songs. Insgesamt klingt das Album weiter, jedoch ohne an Intimität oder Ehrfurcht einzubüßen. Zwei Merkmale für die die Künstlerin in den vergangenen 10 Jahren zum Synonym geworden ist.

Release 17.7.2020

Nach dem psychedelischer Spacerock´n Roll mit Wooden Shjps und den endlosen Selbstumdrehungen mit dem Moon Duo eröffnet der stimmlich auch hier wieder so charismatisch und unverkennbar wie sonst auch bei seinen bekannten Outfits in Erscheinung tretende Ripley Johnson eine neue Welt, in der Country, Paisley Underground und Westcoast-Folk den wesentlichen Fokus darstellen. Selbstverständlich geht auch das in hellen Farben leuchtende zweite Album der RCB an vereinzelten Stellen nicht ohne die typischen Gitarrensoli von Johnson ab und gleitet immer wieder auch durch psychedelisch-kosmisches Terrain, jedoch wirkt das akustische Grundriffing des Albums leichtfüssiger und unbeschwerter, oftmals reduzierter als sonstiges, auch bei den bisweilen zwischen gestreuten klassischen Rockingredenzien. Und in ihrem Verlauf drehen sich die meisten Songs dann doch in unwiederstehlicher Manier so ein, wie das nur Ripley drauf hat. Toller Sommerbegleiter für einen Tag im Park.

Release 24.7.2020

RY X und Frank Wiedemann vereinen sich erneut als Howling für das zweite Album aus ihrer gemeinsamen musikalischen Zusammenarbeit. RY X, Solo-Alternativkünstler und Mitglied von The Acid, und Frank Wiedemann, eine Hälfte von Âme, bringen den Fans einen größeren und stärkeren Nachfolger ihres Debüts "Sacred Ground". Auf "Colure" zaubern der in Berlin ansässige Wiedemann und der in L.A. lebende RY X transzendente Kreationen aus ihren kontrastierenden musikalischen Hintergründen und Umgebungen. Das Album ist zweifellos dualistisch: elektronische und akustische Klänge sitzen bequem nebeneinander, und große melodische Hooks werden zu hypnotischen Clubproduktionen geschnürt. Das Duo feierte sein Debüt als Howling mit der Veröffentlichung eines selbstbetitelten Tracks im Jahr 2012, ein durchschlagender viraler Erfolg, auf den sie 2015 das Album "Sacred Ground" folgen ließen und das von Mixmag, DJ Mag, Resident Advisor und hierzulande von Groove, Spex oder vom Kaput Mag gelobt wurde. Ihre gefeierte Live-Show ging auf weltweite Tournee und war u.a. auf dem Melt! Festival, dem Electronic Beats Festival und bei einem Innervisions-Showcase in der Royal Albert Hall zu sehen.

Release 17.7.2020

Trotz emotionaler und klanglicher Komplexität ist „FTBC“ nicht in erster Linie sperrig. Die Vielstimmigkeit, die sich durch alle Songs zieht, macht den Einstieg leicht. Apples Geschichten haben nicht nur Identifikations-, sondern auch Unterhaltungswert. Einige Textfragmente trägt sie seit Jahrzehnten mit sich herum, immer wieder wurden sie überarbeitet – offenbar ein probates Antidot gegen bekenntnishafte Innerlichkeit. Apple unterhält mit Humor, unerwarteten Schlenkern und überraschenden Eingeständnissen.

„Rack of His“ etwa blickt mit halb gespielter Eifersucht auf die Gitarrensammlung eines begehrten Mannes. Mal singt Apple, mal verfällt sie in federnden Rap; bei der Zeile „I would beg to disagree / but begging disagrees with me“ (aus dem insgesamt einprägsamen Song „Under the Table) wird leierndes Gemaule draus. Überhaupt gibt es fantastische Sätze auf diesem Album, die man gerne mal zitieren wird: „I resent you for presenting your life like a fucking propaganda brochure“ heißt es etwa im polyrhythmisch geklöppelten „Relay“.

Die Mehrheit der Songs ist um ihre wandelbare Stimme und unterschiedlichste Schlagwerke herum arrangiert. Und auch wenn Apple mit ihren Mitmusikern auf diesem Album eine höchst organische Einheit bildet und Corona beim Entstehen der Songs noch kein Thema war, wirkt „FTBC“ im Ausnahmezustand wie ein positives Statement zum Thema Abstand. Die Welt ist schließlich so voller Bullshit, dass Selbstschutz durch Isolierung durchaus seine Berechtigung hat.

Release 17.7.2020

Fünftes Album des aus Detroit stammenden Post-Punk-Quartetts. "In der Poesie von Ultimate Success Today herrscht Dunkelheit. Das Thema vom Ende der Dinge, vor allem der menschlichen Existenz, ist darauf omnipräsent. Manch einen wird es an Cormac McCarthys 'The Road' erinnern. Unsere Welt hat einen Punkt erreicht, der uns Angst macht: Waldbrände, Überschwemmungen, Erdbeben, Hunger, Krieg, Intoleranz... da sind Schreie der Verzweiflung. Gibt es Hoffnung? Gier ist die Krankheit, die das Leben in Gefahr bringt.“ Das schreibt Ana Da Silva ihres Zeichens Gründungsmitglied der legendären Punkband The Raincoats und enge Freundin der Band Protomartyr in ihrem Testimonial über das neue Album des Detroiter Post-Punk-Quartetts.

Release 17.7.2020

Mehr denn je fragt man sich, wie es nur zwei Musiker schaffen, eine solche Sound-Dichte zu erzeugen. Wobei Gitarrist Randy Randall diesmal vermehrt auch auf sein Effektboard setzte und verschiedene Schichten von Gitarren per Sampler übereinander hat gleiten lassen und immer wieder abgefahrene Noise-Sounds auf ungewöhnliche Weise einstreut: ein Gewürz, das das Album zu etwas Besonderem macht. Sie fahren nicht immer nur die infernalische Schiene, beeindrucken mit mysteriösen Ideen und Verfremdungen, manchmal entsteht ein seltsames Noise-Rock-Unter Wasser-Gefühl innerhalb ihrer etwas experimenteller als zuletzt ausgerichteten Songs. Der Impact von Krautrock hat an vielen Stellen Spuren hinterlassen, Sänger Dean Allen Spunt trümmert stoisch sein Kit mit einem oftmals reduziert-motorischen Beat. Und doch blinzelt unverfroren punkig immer auch der Schalk durch, oftmals versehen mit einem Touch Space-Art-Rock, dann wiederum wieder kontrastiert von crispen Rhythmus-Riffs. Abwechslungsreiches Album mit hohem Wiederspielwert!

Release 17.7.2020

Das vierte Album der extrovertierten Künstlerin. Anfang des Jahres veröffentlichte Arca bereits einen 62-minütigen Prolog in eine neue künstlerische Schaffensphase. Als Künstlerin war Arca schon immer eine Gestaltenwandlerin - äußerlich wie musikalisch. Sie produzierte Musik für Björk, Kayne West und FKA twigs, komponierte Musik für das MoMA, erschuf gewaltige Noise-Skulpturen, legte bei Festivals als DJ auf. Aus der Musikerin ist mittlerweile ein schillernd strahlendes Gesamtkunstwerk geworden, die auch als Malerin und Model arbeitet. Aus der Produzentin ist eine ausdrucksstarke transsexuelle Diva geworden, deren Kunst nicht nur eine Vision für das Morgen ist, sondern den Klang der Zukunft definiert als technische Innovatorin, die mit selbst entwickelten Instrumenten neue Soundgrenzen auslotet

Release 17.7.2020

JARV IS... ist die neue Band der britischen Indie-Ikone Jarvis Cocker. JARV IS... wurde 2017 für einen Auftritt auf einem von Sigur Ros kuratierten Festival in Island gegründet. Zur Band gehören neben Jarvis Cocker noch Serafina Steer, Emma Smith, Andrew McKinney, Jason Buckle und Adam Betts. Die meisten Songs von JARV IS... nahmen erst auf der Bühne Gestalt an. Viele der Tracks waren anfangs reine Studio-Skizzen, die sich erst langsam in den Liveshows entwickelten und Formen annahmen. Um sich also selbst einen Eindruck vom Status Quo des Songmaterials zu machen, wurden sämtliche Konzerte aufgenommen. Nach einem Konzert beim Desert Daze Festival in Kalifornien, hörte Geoff Barrows (Portishead, Beak) schließlich die Aufnahmen und schlug Cocker vor, diese doch als Basis für ein komplettes Studioalbum zu nehmen. Gesagt getan: Die Overdubs und der Gesang wurden in den Narcissus Studios in Neasden in London produziert. Die Postproduktion fand in Jason Buckles Place du Big Boss-Studio in Raynes Park statt, final abgemischt wurde das Album schließlich von Craig Silvey in den Toast Studios in West-London. Das Debüt "Beyond the Pale" von JARV IS... ist eine wundervolle Momentaufnahme und das erste eigene musikalische Lebenszeichen von Jarvis Cocker seit seinem 2009er Album "Further Coplications".

Reelase 10.7.2020

Grossartig! Muss man haben!

Release 10.7.2020

Auf seinem neuen Album widmet sich der Österreicher dem amerikanischen Road Movie und führt in vielen Facetten durch die unbegrenzten Möglichkeiten eines Genres, für das der Weg das Ziel und das Ziel die Freiheit ist. Hitverdächtig gallopiert "Look at me Joe" mit leichtem Manu Chao-Flair und dem Gesang von Patrizia Ferrara, erzählt von einem romantisch lasziven Flirt einer jungen Signorita mit einem gewissen Joe und evoziert Bilder von Straßenmotels, alten Pumpsäulen einer in der Wüste Nevadas liegenden Tankstelle umgeben von hügeligen Steppen.

Release 10.7.2020

Achtes Album des in New York geborenen und in Montreal aufgewachsenen Singer/ Songwriters, nicht nur von der New York Times für seine "unverfälschte Originalität" gelobt. Das unterstreicht auch wieder dieser erhabene, sich jeglicher Beschreibung entziehende Songreigen mit seinen himmlischen Momenten und Regungen, einer umfangreichen orchestralen Instrumentierung und innigen Verschmelzungen von Drama und Pop. Das vielfältig in den Songs aufgehende Klavier ist ebenso wie wunderschöne Chöre, und Streichern und dem streichelnden Schlagzeug engster Vertrauter von Rufus, der mit seiner Stimme einmal mehr verzaubert. 10.7.2020

Release 10.7.2020

Ninja Tune Records

Vier Jahre nach der Veröffentlichung ihres letzten, von der Kritik gefeierten Albums, kehrt Julianna Barwick mit "Healing Is A Miracle" zurück. Als unverwechselbare Meditation über Klang, Hall und Stimme, ist "Healing Is A Miracle" eine Platte, die auf Improvisation und einer engen Affinität zu einigen vertrauten Instrumenten beruht, aus denen sie fesselnde, ausgedehnte Universen spinnt. Darüber hinaus stützt sich Barwick auf den Input von drei musikalischen Gästen, mit denen sie über die Jahre hinweg tiefe Freundschaften gepflegt hat: Jónsi (Sigur Rós), Nosaj Thing und Mary Lattimore, die sich jeweils sanft an den Rändern ihres organisch gewachsenen Klangs einbringen.

Release 10.7.2020

Das neue Album ist das vielfältigste und aussergewöhnlichste der Band-Geschichte! Dieses Mal waren alle vier Mitglieder als Songwriter und Lead Sänger involviert. Anstatt einen klanglichen Aufbruch zu markieren, signalisiert das Album eher eine Schärfung des Fokus der Band, eine Erweiterung des Verständnisses dafür, wer sie sind und was sie am besten können. In klassischer Jayhawks-Manier sind die Songs ein Mix aus den verschiedenen Einflüssen der Band wie: amerikanischer Roots-Musik mit einem Touch British Invasion und klirrendem Power-Pop. Allerdings ist dieses Mal auch eine neu gefundene Vitalität im Spiel, eine Stärkung des Selbstvertrauens und der Energie, die sich in den Songs wiederspiegeln. Das Ergebnis ist ein Album, das, ähnlich wie die üppigen Harmonien der Band, mehrere unverwechselbare Stimmen zu einem einzigartigen Ganzen zusammenführt, eine Sammlung, die ironischerweise in der Neuerfindung von Individualität und Identität Einheit findet.

Release 10.7.2020

Obwohl seit 2011 kein neues The Streets-Album veröffentlicht wurde, zählt das von Mike Skinner angeführte Projekt noch immer zu den wichtigsten und prägendsten Popkultur-Export aus UK. Bereits 2018 erfolgte das grandiose Live-Comback: Alle Shows waren binnen Minuten ausverkauft. Jetzt kommt auch endlich neue Musik: Die Single "Call My Phone Thinking I'm Doing Better" feat. Tame Impala ist der erste Vorbote des neuen Mixtapes "None Of Us Are Getting Out Of This Alive". Mike Skinner bezeichnet das Mixtape als "eine Art Rap-Duettalbum" mit mindestens einem Gast auf jedem Track.

Release 3,7,2020

Neues Album der wichtigsten deutschen Musikerin zwischen Straßenrap, Trap, Pop und Avantgarde. Alle Rapper wollen irgendwo hin, es liegt in ihrem Wesen. Das Ding ist: Haiyti war schon da. Sie war Pionierin, als eine der ersten erforschte sie im Untergrund das Erbe von Memphis und Atlanta. Sie war Phänomen, wurde zum Aushängeschild eines Missverständnisses namens "Cloudrap2 und katapultierte den Sound von Deutschrap in ein neues Zeitalter. Sie war Popstar, wickelte die gesamte Industrie um den Mittelfinger und holte mit Avantgarde-Sound zwischen Trap, Emo und NDW den Echo. Sie war Projektionsfläche, aber weigerte sich, die Frauenkarte auszuspielen, die ihr in die Hand gedrückt wurde. Sie war auf Party, feierte ein Leben zwischen Exzess und Exit. Sie war pleite, entschloss sich aber gegen jede Regel der Vernunft, einfach weiter durchzuziehen. Weil es eben sein muss. Und nun? Ist sie immer noch Haiyti. Neben vielen anderen Kunststücken hat sie vor allem eines vollbracht: sich immer wieder neu zu erfinden, um dabei konsequent sie selbst zu bleiben.

Release 3.7.2020

Singer-/Songwriterin, die auch Gitarre, Cello und Klavier spielt, mit ihrem dunklen Debütalbum, das raue und wilde Emotionen in Songs verpackt. Eine spannende Mischung aus Post-Rock und Neo-Klassik-Elementen, die mit verwunschenen Atmosphären begeistert und sich aus der Stille heraus zu einem explosivem Drama entwickelt. Williams schafft es eindrucksvoll, zwischen ruhigen und impulsiven Parts hin und her zu wechseln. Textlich verarbeitet die Londonerin dabei Sehnsuchts- und Verlustgefühle, die sich auf diesem ganz eigenen Soundteppich ausbreiten, der größtenteils zusammen mit Ehemann Thomas in der gemeinsamen Wohnung entstanden ist. Drums von Geoff Holroyde, Gaststimmen von Johannes Persson und Fredrik Kihlberg (Cult Of Luna) sowie Tom Fleming (One True Pairing, Ex-Wild Beasts).

Reelase 26.6.2020

Auf ihrem dritten Album addiert das mittlerweile legendäre Trio aus dem texanischen Houston seinem aussergewöhnlichen musikalischen Ausdruck eine neue Facette. Laura Lee Ochoa´s elegant wie unauffällig gewinnbringend eingesetzte Stimme ergänzt den exotischen Gesamtlook der ansonsten aus Gitarrist Mark Speer und Schlagzeuger DJ Johnson bestehenden Formation bei den meisten Songs um ein variables Element, das den Songs, je nach Ausrichtung eine zusätzliche Dimension verleiht. Die Reise reicht von ostasiatischem Surf-Rock über persischen Funk, Latin-Rock ("Pelota"), synkopierte kongolesische Gitarrenästhetik und koreanische Elemente bis zu herrlich abgehangenen Chicano-Soundtrack-Adaptionen mit leichtem Morricone-Flair und manchmal auch ein Hauch abseitiger Disco, fast immer omnipräsent sind dabei die Einflüsse von Dub und Funk, die sie auf unwiderstehliche Weise immer wieder neu rekontextualisieren. Aufregend auch das geflüsterte Zwiegespräch bei "Connaissais de Face" und der unwiderstehliche mitternächtliche, heruntergedimmte Wüstenvibe von "Father Bird, Mother Bird" mit genialer Gitarrenlinie. Ein entspannter wie entspannender kultureller Melting pot von einer Band, die seinesgleichen sucht.

Release 26.6.2020

Auf ihrem 2ten Album mäandriert die Australierin souverän und selbstbewusst zwischen Folk, Indie-Pop und Indietronica, bewegt mit ihrer variablen, unter die Haut gehenden Stimme massiv, die sich auch gerne in Alt-Bereichen aufhält, aber durchaus auch höher anklingt bisweilen. Reichhaltig in Instrumentierung und Ausdruck überzeugt sie mit in die Tiefe gehendem Songwriting der modernen Art, das keine Scheuklappen zu kennen scheint und mit Persönlichkeit und Sensitivität überzeugt. Das Album schrieb Gordi, als sie sich aufgrund eines Beziehungswechsels plötzlich mit ihrer eigenen (Geschlechts-)Identität arrangieren musste. Sowohl das Ringen um ihre neue Identität als auch ihre neue Beziehung spielten sich vor dem Hintergrund der zeitgleich in ihrer Heimat stattfindenden Ehe-für-alle-Volksbefragung und ihrer katholischen Erziehung ab und versetzten die Songwriterin in einen isolierten inneren Zustand, der die Keimzelle für die ENtsteheung des Albums mit seinem intensiven Ausdruck ist. Die Abgeschiedenheit von Canowindra, der kleinen Stadt, in der Payten seit über einem Jahrhundert mit ihrer Familie lebt, erwies sich als genau der richtige Ort dafür. Aufgenommen in Isolation mit dem US-Produzentenduo Chris Messina (Bon Iver, Big Red Machine) und Zach Hanson (Bon Iver, Hand Habits, Waxahatchee).