Release 24.1.2025

Bei den Aufnahmen zu ihrem elften Album ´The Bad Fire´ in den schottischen Chem19 Studios wurde die Band von Grammy-Preisträger und Produzent John Congleton (St. Vincent, Angel Olsen, John Grant) unterstützt. ´The Bad Fire´ ist eine schottische Redewendung für die Hölle und wurde von einer Reihe belastender persönlicher Momente inspiriert, die die Band nach ihrem zehnten Album, dem Chartstürmer ´As The Love Continues´, durchmachte. (Das Album setzte sich bei Erscheinen auf Platz 1 der britischen Albumcharts, in Deutschland auf Platz 3.) Doch ging es der Band nie darum, Karriere zu machen, vielmehr war Musik schon immer eine Form der Flucht, des Entkommens aus der Zeitenfalle. Und des Ankommens im Hier und Jetzt. Das trifft auch heute noch zu im jetzt schon 30sten Jahr ihres Bestehens. Die Zeit steht für einen Moment still. Lauscht man der Musik nur mit ausreichender Aufmerksamkeit und Lautstärke.

Release 31.1.2025

Das französische Rock-Quartett Last Train aus Lyon veröffentlicht Ende Januar 2025 sein drittes Studioalbum »III«!

Aufgenommen mit dem langjährigen Produzenten und quasi fünften Mitglied Rémi Gettliffe in einem verfallenen Schloss mitten in Frankreich mitten im Winter. Dementsprechend düster, aber vor allem wütend klingt die neue Platte. In den letzten Jahren konnte sich die Band nicht nur eine engagierte und leidenschaftliche Fangemeinde aufbauen, sondern verdienten sich auch die Anerkennung von Bands wie Muse und Placebo, die beide Last Train einluden, sie auf Tour zu begleiten.

Ähnlich wie die beiden britischen Rockgiganten hat Last Train mit »III« ein Album voller atemberaubender Kontraste geschaffen, mit einer rohen Dynamik, die einen direkt fesselt. Von ungezügelten, lauten Gefühlsausbrüchen bis zu ruhigeren - manchmal packenden, manchmal bedrohlichen Momenten, leben die neun Songs auf »III« von einer Leidenschaft und Intensität, die ihresgleichen sucht.

Release 28.2.2025

In ihrer bisher zwölfjährigen Band-Historie veröffentlichten Nicolás Jaar und Dave Harrington, zusammen bekannt als DARKSIDE, die beiden Alben ""Psychic" (2013) und ""Spiral" (2021). Mit ihrem langjährigen Freund und Kollaborateur Tlacael Esparza als neues Bandmitglied und Schlagzeuger kommt jetzt ihr drittes Album ""Nothing". Das Ergebnis ist faszinierend und vielschichtig. DARKSIDE schmücken ""Nothing" mit prägnanten Rhythmen, verzerrten Vocals und kreieren eine ganz eigene, wie ungewöhnlichen Ästhetik. Um die Entwicklung zu verstehen, muss man die Hintergrundgeschichte kennen: Jaar und Harrington lernten sich in den frühen 2010ern während ihrer Schulzeit in Providence kennen. Während der Tour zu Jaars Solo-Debütalbum fand eine spontane Aufnahmesession an einem freien Tag in einem Berliner Hotelzimmer statt. Die Session war wortwörtlich brandheiß, denn sie endete mit durchgeschmorten Lautsprechern. Der Raum füllte sich mit Rauch und der an diesem Tag entstandene Song wurde ihre erste gemeinsame Single ""A1", DARKSIDE war geboren. Zwischen den ersten beiden Alben legte das Duo eine sechsjährige Pause ein. In dieser Zeit verfolgten Jaar und Harrington jeweils eigene kreative Wege: Jaar etablierte sich als Solokünstler und Produzent, während Harrington als innovativer Gitarrist und Experimentalmusiker die Underground-Szene in L.A. aufmischte und die Rock-Band Taper"s Choice gründete. Die Geschichte setzt sich dann im Herbst 2022 in Los Angeles fort als das Duo eine Reihe von Shows buchte, um sich nach acht Jahren erstmals wieder als Live-Band zu vereinen. Esparza kam als festes Mitglied hinzu und veränderte grundlegend den Klang und die Energie der Band. Die Idee von ""Nothing" entstand während der Suche nach Achtsamkeit und Harringtons stillen Momenten mit seiner neugeborenen Tochter, in denen er Schönheit im Nichtstun fand. Für Jaar wurde ""Nothing" zu einem Symbol für die allgegenwärtigen, wie überwältigenden Probleme, unausgesprochene Gefühle und den Stillstand in globalen Krisen wie Klimawandel, politischer Heuchelei und wiederkehrender Gewalt.

Release 31.1.2025

KOMPROMAT ist die Allianz von Vitalic und Rebeka Warrior (Sexy Sushi, Mansfield.TYA). Ihr erstes Album Traum und Existenz, das 2019 auf Clivage Music (Vitalics Label) veröffentlicht wurde, legte den Grundstein für ein düsteres und knallhartes Universum.
Im Januar 2025 kehren sie mit PLAYING / PRAYING auf Warrior Records zurück, einem von Rebeka Warrior gegründeten Label. Diese neue CD erkundet Themen wie Gebete (heidnisch oder nicht), Bestattungsriten, Übergänge zwischen verschiedenen Welten, aber auch die Freuden des Fleisches, Tanz und Ekstase – wie eine göttliche Anrufung durch Musik. Genremix: EBM, Cold Wave, New Wave und radikaler Techno. Das Duo hat Spass daran, die Grenzen zu verwischen. Während das erste Album von Deutsch begleitet wurde, ist es dieses Mal Englisch, das ihre neuen Geschichten trägt. Die Platte ist auch von Stimmen bevölkert, die der Gruppe nahe stehen: Vimala Pons und Sonia DeVille wirken wie Echos aus anderen Welten. Vom ersten Titel an, I LET MYSELF GO BLIND, werden wir dazu eingeladen, uns mit geschlossenen Augen mitreissen zu lassen und bereit, alles loszulassen. I DID NOT FORGET YOU, geschrieben mit Rahim Redcar (ex Christine and the Queens), spricht auf universelle Weise über Verlust und Erinnerung. GOD IS ON MY SIDE, diesmal mit der Londoner Künstlerin Farah, ist ein sehr langes, sehr bewegendes Stück, eine Form der Trance, die dazu einlädt, sich ins Jenseits fallen zu lassen. PLAYING / PRAYING sind auch Stücke für den Körper: LIFT ME UP ist eine Hymne an den Genuss, sinnlich und für die Tanzfläche konzipiert. „Nur in deinen Armen“ lässt einen durch seine mitreissenden Arpeggios die Sinne verlieren.

Der Mix von Stéphane Alf Briat (Air, Flavien Berger, La Femme) verleiht dem Ganzen eine organische Dimension, indem er gesättigte Stimmen und synthetische Klänge miteinander verbindet. Auf der visuellen Seite lassen sich Théo Mercier und Erwan Fichou, treue Mitarbeiter der Gruppe, dieses Mal vom Film Orphée von Jean Cocteau inspirieren und präsentieren ein visuelles Universum mit starker Symbolik, sowohl minimalistisch als auch tiefgründig. KOMPROMAT wird in ganz Frankreich und Europa auf Tour sein.

Release 7.2.2025

Der UK-Postpunk-Geheimtipp des noch jungen Jahres! Produziert von UK-Indie-Produzenten-Legende Dan Carey, der schon lange mit Heartworms zusammenarbeitet, verbindet 'Glutton For Punishment' die treibenden, motorischen Tendenzen der Gothic-Urgesteine Depeche Mode mit der lyrischen Gewandtheit von PJ Harvey und den schrägen Rhythmen von LCD Soundsystem zu einem kraftvollen Klanggewitter.

Release 25.4.2025

Saxophonklänge von oben, Farbspritzer auf der Leinwand, das Klirren des Auktionshammers - die Viagra Boys sind zurück, und sie sind bereit, ihr Geld zu verdienen. Nachdem sie auf ihrer letzten LP "Cave World" die dunkelsten, paranoidesten Abgründe des menschlichen Daseins erkundet haben, bringen diese mit Shrimps bewaffneten Propheten hart erkämpfte Schätze mit, die sie dem Höchstbietenden leicht abnehmen können.

Release 7.2.2025

"Es ist einfach ein Pop-Album. Eigentlich gibt es nicht viel zu sagen - eine Handvoll straff arrangierter Popsongs, die organisch mit meiner Band aufgenommen und von Bjarne Stensli auf die großartigste Weise abgemischt wurden", sagt Sivert Høyem.

Es ist seltsam, ihn von "Pop" sprechen zu hören. Popmusik im Jahr 2024 bedeutet programmierte Beats, gesampelte Sounds und Autotune. Sänger, Songwriter und Produzent sind nur selten ein und dieselbe Person. "Dancing Headlights", das sind fünf Jungs live im Studio, verzerrte Gitarren und kaum ein digitales Werkzeug in Sicht. Etwas, das weiter von den heutigen Popstrategien entfernt ist, kann man sich kaum vorstellen.

Aber Pop hat für Sivert, der bei Pop an die Beatles und die wunderbare Pop-Ära der 80er Jahre denkt, eine andere Bedeutung. Er steht für eine Art zeitlose Qualität und universelle Anziehungskraft, um die sich Sivert auf "Dancing Headlights" bemüht. Songwriting in seiner stärksten und unmittelbarsten Form.

Release 16.5.2024

Der Libertines- und Babyshambles-Sänger kommt mit einem neuen Solo-Album um die Ecke, das ihn in schreiberischer und interpretativer Höchstform zeigt und das dermaßen locker, smart, schwungvoll und charmant ist, wie man es einem verehrten Künstler nur wünschen kann. Und das mit Textzeilen aufwartet wie „Daddy's trying to write you a lullaby so sweet/ and if that lullaby is a hit/Dad can buy you loads of cool shit…”, aus 'Pot Of Gold', seiner Serenade an seine zweijährige Tochter Billie-May.

Release 28.3.2025

Mit "Glory" veröffentlicht Mike Hadreas aka Perfume Genius sein siebtes Studioalbum. Zusammen mit seinem Partner Alan Wyffels und Produzent Blake Mills ist eine Platte entstanden, die nach außen hin strahlt, in seinen makabren Bildern und seinem aufgewühlten Innern aber das Tor in eine Welt von Entfremdung, Sehnsucht und Verlangen aufmacht. Es ist der Konflikt zwischen dem Außen und dem Innen, der Hadreas beschäftigt, der Widerspruch zwischen einem künstlerischen Leben in der Öffentlichkeit und dem Wunsch nach Isolation. In seinen Charakterskizzen betrachtet der US-Künstler mit der Sorgfalt eines Schriftstellers Szenen von Freundschaft, Verlangen und Intimität durch eine queere Prima, während er sich musikalisch geöffnet und in seinem Songwriting-Prozess mehr Raum für Gruppendynamik gelassen hat: "Es ist auf eine Weise kollaborativ, die es besser macht", so Hadreas, "aber auch beängstigender - es fühlt sich verletzlicher an". Dass Glory dennoch ein zutiefst persönliches Album geworden ist, liegt auch daran, dass Hadreas seine eigenen Ängste vor dem Hintergrund der Entwicklung einer den Zeitgeist durchdringenden, allgemeinen Paranoia reflektiert. Mit seinen fein gesponnenen Tracks wirkt "Glory" beizeiten wie eine Kollektion neuer Standards für queere Romantiker und alte Seelen im Tumult der Gegenwart.

Release 24.1.2025 - Vinyl-Release am 21.2.2025

Gemeinsam mit dem Grammy-prämierten Metropole Orkest unter der Leitung von Simon Dobson eingespielte Auftragsarbeit des Roadburn Festivals. In "Lux Tenera", das am 21. April 2024 in Tilburg uraufgeführt wurde, verbindet Sebastian Lee Philipp, der kreative Kopf hinter Die Wilde Jagd, seine visionäre Musik mit den orchestralen Klangfarben des 50-köpfigen Metropole Orkests. Mit lyrischen Elementen auf Deutsch und Englisch sowie instrumentalen Besonderheiten wie Taiko-Trommeln und der historischen Carnyx führt das Werk die Zuhörenden in eine meditative Klangwelt voller Freude und Tiefe.

Release 28.3.2025

Neues Album von Lucy Dacus, die als "eine der besten Songwriterinnen ihrer Generation" (Rolling Stone) gilt.. Als Bandmitglied der Indie-Supergroup Boygenius gewann sie mit deren Debütalbum "The Record" drei GRAMMY® Awards. In ihrem vierten Soloalbum schreibt Lucy Dacus in ihren Songtexten offen über Sexualität und den Turbulenzen der Liebe. In 13 Tracks, die von komplexen Instrumentals-Arrangements bis hin zu minimalistischen Manifesten reichen, beschäftigt sich mit dem Thema Vergänglichkeit und dem Gefühl der "Unendlichkeit". Das Albumcover ist ein Porträt von Lucy, das von dem Künstler Will St. John gemalt wurde. Außerdem holte sich die Indie-Rock Sängerin bei "Forever Is A Feeling" nicht nur kräftige Unterstützung von ihren "Boygenius" Bandmitgliedern Phoebe Bridgers und Julien Baker, sondern auch von Folk Musiker Hozier, Blake Mills, Bartees Strange, Madison Cunningham, Collin Pastore, Jake Finch and Melina Duterte.

Release 28.2.2025

Ganz ohne Teaser oder Vorankündigung veröffentlichte Kendrick letzten Freitag sein neues Album „GNX“. Gut zwei Jahre nach dem Vorgänger „Mr. Morale & the Big Steppers“ präsentiert Kendrick Lamar, der als erster Hip-Hop-Artist den Pulitzer Prize gewinnen konnte, sein sechstes Album mit insgesamt 12 neuen Tracks. Dabei präsentiert Lamar wieder ganz besondere Gäste: R&B-Queen SZA teilt sich gleich zwei Mal das Mikrofon mit ihm, weitere Features sind etwa Roddy Ricch, Hitta J3, Dody6, Sam Dew oder auch die mexikanische Mariachi-Sängerin Deyra Barrera. Dass Lamar vorwiegend jüngere, weniger bekannte Artists aus L.A. ausgewählt hat, passt zum legendären West-Coast-Sound des Albums und setzt ein Statement für zeitgenössischen Hip Hop.

Release 28.3.2025

Bria Salmenas Solo-Debütalbum erzählt eine Geschichte der Transformation - eine zutiefst persönliche Erkundung der Widerstandsfähigkeit und eine Erklärung der künstlerischen Unabhängigkeit, die durch Zusammenarbeit geschmiedet wurde. Lange Zeit als Frontfrau der kanadischen Post-Punk-Band FRIGS und als Sängerin in Orville Pecks Live-Band gefeiert, erreicht Salmena mit "Big Dog" den vorläufigen Höhepunkt ihrer künstlerischen Entwicklung. Getragen von ihrer souveränen Stimme, die abwechselnd zart, rau und trotzig ist, durchquert das Album das Terrain der Verletzlichkeit und Verbundenheit und markiert die Ankunft einer Künstlerin, die mutig zu sich selbst findet. "Big Dog" ist ein Album mit großen Gefühlen und großen Ambitionen. Musikalisch vereint es Elemente von hypnotischem Krautrock und schimmerndem Shoegaze, opulentem Gothic und pulsierendem Darkwave mit einer Mischung aus elektronischen Texturen zu einem ausgefeilten und oft unheimlichen Sound. Inmitten dieser weitläufigen Klanglandschaft stehen Salmenas kraftvolle lyrische Bilder und ihr großartiger Gesang im Mittelpunkt. Für Salmena ist es unmöglich, die persönliche Reise, die "Big Dog" darstellt, von der Zusammenarbeit zu trennen, die zu seiner Entstehung führte. Salmena arbeitete mit dem Produzenten und Multiinstrumentalisten Duncan Hay Jennings zusammen, der sowohl bei FRIGS als auch in der Band von Orville Peck spielte. Vor "Big Dog" gaben die beiden auf Brias zwei "Cuntry Covers" EPs klassischen und modernen Americana-Songs eine Gothic-Dream-Pop-Behandlung. Jennings, der nicht nur Salmenas engster kreativer Mitarbeiter, sondern auch ihr engster Freund ist, schrieb "Big Dog" mit Salmena über mehrere Jahre hinweg, in denen Salmena in LA und Jennings in Toronto lebte. Graham Walsh (Holy Fuck, METZ, Debby Friday, Alvvays) half den beiden, ihre aufkeimende Mischung aus Rock und elektronischer Musik weiter zu verfeinern, während Meg Remy (vom von der Kritik gefeierten experimentellen Pop-Projekt U.S. Girls) sich vor allem auf Salmenas Gesang konzentrierte. Remy half dabei, die unvergesslichen Darbietungen, die im Mittelpunkt von "Big Dog" stehen, durch eine Reihe von kathartischen Treffen herauszukitzeln und drängte Salmena dazu, noch tiefer in die Bedeutung ihrer Texte einzudringen und wirklich über verschiedene Möglichkeiten des Einsatzes ihrer Stimme nachzudenken. Als "Big Dog" zusammenkam, wurde deutlich, dass Salmenas Songwriting eine rohe und intime Wendung genommen hatte, die weit über die Arbeit von ihr und Jennings auf ihren vorherigen EPs hinausging. Der Sound von "Big Dog" schwebt zwischen zwei Welten, düstere Punk-Ehrlichkeit, die immer unter einer glänzenden Atmosphäre brodelt, die man nicht ignorieren kann. Es gibt Anklänge an den Alternative Rock - man denkt an Holes "Live Through This", The Distillers, Mazzy Star - und mit Lee Ranaldo von Sonic Youth steuert eine echte Alternative-Rock-Ikone die Gitarre zu "See'er" bei. Aber es gibt auch eine Geschmeidigkeit, die ebenso sehr an den Coldwave der 80er Jahre erinnert wie an ekstatische Formen der Tanzmusik. Salmenas satte Stimme ist allgegenwärtig, ein konstantes warmes Glühen in einem Geflecht aus mechanischen Klängen. In seinem Kern ist "Big Dog" mehr als nur eine Platte über die Entdeckung, wer man ist, indem man schmerzhafte Erfahrungen verarbeitet. Es ist eine Platte über die Entdeckung, dass man nie wirklich allein ist.

Release 31.1.2025

Das in East LA selbst produzierte und aufgenommene vierte Album ist das erste seit 5 Jahren und bedeutet das für das südkalifornische Garage-Punk-Trio eine Rückkehr zu ihren DIY-Wurzeln. Eine Reaktion auf die kinetische Energie, die bei ihren jüngsten Livegigs in die Räume gepresst wurde, mit rasenden, bis zum Anschlag aufgedrehten Sounds. Eine Abrechnung mit dem Altern und der Entwicklung. Es ist dieser brennende Geist, der die 13 neuen Songs antreibt: die Ausschweifungen, die Angstgefühle, die sorglosen Ansichten und die Fragen der Zugehörigkeit, die nicht an das Alter gebunden sind und nie waren. Fucked up, rücksichtslos, lebenslustig und wild - die Platte ist sowohl eine Reminiszenz an ihre Anfänge als auch ein Beweis dafür, was aus ihnen geworden ist.

Release 28.3.2025

Mumford & Sons melden sich nach 7 Jahren Pause mit ihrem neuen Album zurück! Seit 2009 veröffentlichte die Band rund um Sänger Marcus Mumford vier Alben, die ihnen insgesamt zwei Brit Awards, 2 Grammys (u.a. für "Album Of The Year"), hohe Chartplatzierungen, Headliner-Auftritte bei Festivals (u.a. beim Glastonbury Festival) und weltweit ausverkaufte Touren bescherte. Benannt nach dem Londoner Vorort, an dem sie sich als Band zusammenfanden, führt "Rushmere" zurück zu ihren Ursprüngen und glänzt mit dem charakteristischen Folk-Rock, der Fans seit 16 Jahren begeistert.

Release 24.1.2025

Das 2te Album klingt nach einer Band, die ihr Tempo zu keiner Zeit gebremst hat. Seit der Veröffentlichung ihres ersten Albums 2022 sind sie unermüdlich auf Tour. Die Songs des neuen Albums wurden in ganz Europa geschrieben, oft an freien Tagen und in geliehenen Proberäumen. Oft spielen sie Songs Jahre vor der Veröffentlichung live und optimieren sie dabei. Soundtechnisch hat das Album seine Wurzeln in klassischem Noise-Rock wie Jesus Lizard oder Shellac oder dem stumpfen Post-Punk von The Fall, bringt aber auch frische Einflüsse ein. Der letzte Track "Britney" lässt sich mit Radiohead oder Mogwai vergleichen. Die Themen beinhalten die Erkundung dessen, wie es wäre, seinen Einfluss auf die Welt abzuwägen, den heiligen Petrus, unnötigen Hass und Spaltung, Altern, die Trennung des Physischen von der Realität. Es ist politisch, aber letztendlich persönlich. Mehr Genet oder Kafka als Orwell oder Huxley.

Release 21.2.2025

Nach dem allgemeinen Beifall für ihre beiden ersten Alben melden sich The Murder Capital mit "Blindness" zurück, dem lebhaft realisierten, klarsichtigen und ehrgeizigen neuen Album. Das Album ist bedeutungsvoll und voller Schwung, es ist voller Geographie - des Geistes und einer in Dublin gegründeten Band, deren Mitglieder nun über Irland, London und Europa verstreut sind - und strotzt dennoch vor intensiver Energie.

Die neuen Songs von The Murder Capital werden von einer breiteren, reicheren Perspektive belebt, die sich aus den verschiedenen Einsichten ergibt, die die fünf Mitglieder in den kreativen Prozess einbringen, und aus den unterschiedlichen Weltanschauungen, die sich aus ihrer buchstäblich neuen Position in der Welt ergeben. Schlagzeuger Diarmuid Brennan lebte in Berlin, Bassist Gabriel "G" Paschal Blake in Letterkenny, Gitarrist Cathal "Pump" Roper in Donegal und Gitarrist Damien "Irv" Tuit und McGovern in London. Das Album legt den Schwerpunkt auf Dringlichkeit, Energie und Frische - all das steckt in den Songs, die in L.A. mit der Hilfe des Grammy-Gewinners John Congleton aufgenommen wurden.

Release 28.3.2025

Seit etwas mehr als zwanzig Jahren gehören die Schwestern Bianca und Sierra Casady zur musikalischen Avantgarde der experimentellen Popmusik und haben die Liebe, die Härte und die Ekstase ihrer Schwesternschaft in eine der gewagtesten, gefährlichsten und originellsten Musiken verwandelt, die unsere zunehmend hygienisierte Kultur kennt. CocoRosie war ein Projekt, das stets an der musikalischen Spitze stand, zahllose Musiker beeinflusste und zugleich Inspiration und wichtiger Teil der "Queer Culture"-Bewegung und vor allem aber ein Kanal für eine unbändige künstlerische Selbstverwirklichung gewesen ist. "Little Death Wishes" ist so offen und zärtlich wie alles, was sie je geschaffen haben. Die Songs erzählen eine kaleidoskopische Geschichte über die generationsbedingte Härte von Frauen und die zerrütteten Realitäten ihres Lebens, über die prekäre und kostbare Natur des Menschseins, darüber, dass die Liebe Unrecht tut, und über einen letzten Wunsch, ungebrochen zu sein. CocoRosie bringt alles auf den Punkt: Schmerz wird zu Wissen, Schwesternschaft zu Polemik und Kitsch und Klischees werden zu neuen Wahrheiten. Der 8. Longplayer des Duos existiert in seinem eigenen musikalischen Lexikon und ist ein reichhaltiges Sammelsurium an verstaubten Signifikanten der Popkultur, die die Schwestern zu ihrem eigenen Sinn für Zeitlichkeit verdrehen. CocoRosie tragen zur Avantgarde bei, halten sich aber nicht an zeitgenössische Trends und sammeln musikalische Überbleibsel aus anderen Zeiten, die sie zu ihren eigenen barocken, theatralischen Kreationen verarbeiten. Jeder Song auf "Little Death Wishes" fühlt sich transportativ und transformativ an. "CocoRosie ist nun schon so lange der Mittelpunkt unseres Lebens", sagt Bianca. In diesen Jahren wurden die Schwestern infantilisiert und verehrt, fetischisiert und gespiegelt, misogynisiert und verehrt; manchmal absichtlich missverstanden von der Presse, die es nicht geschafft hat, die Gruppe auf eine perverse Laune zu reduzieren. Trotz alledem haben CocoRosie immer wieder die mutigsten und kühnsten Wege beschritten, indem sie die rohesten, unverhülltesten und zärtlichsten Stränge der Menschheit zum Vorschein brachten. Für Fans von Fever Ray, Grimes, ANOHNI, Devendra Banhart, Joanna Newsom, Eartheater, FKA Twigs, Mykki Blanco, Feist, Björk, Chappell Roan..

Release 14.3.2025

Das 42-minütige achte Album, bestehend aus zwei epischen Tracks-"Objects Outlive Us" und "The Overview" - ist inspiriert vom "Overview Effect", einem transformativen Erlebnis, das Astronauten beim Blick auf die Erde aus dem Weltall erfahren. Mit "The Overview" kehrt Wilson zu seinen progressiven Wurzeln zurück, einem Genre, das er maßgeblich mitgestaltet hat. Die beiden ambitionierten Stücke bestehen aus einzigartigen musikalischen Abschnitten, die nahtlos ineinander übergehen, und kombinieren klassische Prag-Elemente mit modernen Einflüssen wie Elektronik und Post-Rock. Die Texte, teils von XTCs Andy Partridge, erzählen Geschichten über die Schönheit und Herausforderungen des Lebens auf der Erde. Das Album spiegelt 30 Jahre Wilsons Karriere wider, mit Anklängen an Porcupine Tree, The Raven That Refused to Sing und The Future Bites. Speziell gemastertes Half-Speed-Vinyl.

Release 14.2.2025

In der Nacht, in der das neue Album "Songs of a lost World"vorgestellt wurde, spielten The Cure es in voller Länge vor 3000 Fans im Troxy London und vor mehr als einer Million Menschen auf einem kostenlosen weltweiten Stream. Eine atemberaubende Live-Performance! Die Tantiemen kommen The Cure War Child zu Gute.

Release 7.3.2025

Der legendäre ehemalige Frontmann von Husker Du und Sugar liefert 11 Stücke hymnischen, emotionalen und treibenden Alt-Rock. Das Album enthält die Singles "Here We Go Crazy", "When Your Heart Is Broken" und "Breathing Room" und zeigt Bob in Höchstform.

Release 28.3.2025

Was ist ein "Boogie"? In der Umgangssprache ist es ein Tanz oder eine Gelegenheit zum Tanzen. Da es sich hier um ein Destroyer-Album handelt und nicht um den allgemeinen Sprachgebrauch, sind die Implikationen eines Titels wie "Dan's Boogie" verführerischer und gefährlicher zugleich. "Ein Boogie ist ein Täuschungsmanöver, ein Betrug, der nicht ganz funktioniert, die Bewegungen, die wir machen, wenn wir damit konfrontiert werden", erklärt Dan Bejar. "Ich denke an Spionage, Doppelagenten, die mit einem offenen Auge schlafen und die Ausgänge im Auge behalten. Aber ich denke auch an kleine Siege und Niederlagen auf der Straße und an Improvisation". Um "Dan's Boogie" aufzunehmen, musste Bejar eine Reihe von gewollten und ungewollten Hindernissen überwinden, um die Songs zu schreiben. Die Monate nach der Fertigstellung von "LABYRINTHITIS" wurden zu einem Jahr und dann zu zwei Jahren, in denen Bejar sich selbst den Neujahrsvorsatz gab, jeden Tag eine Stunde lang Klavier zu spielen. Das hat ungefähr vier Tage gedauert, aber die Songs, die Bejar als Ergebnis dieses Vorsatzes bezeichnet - darunter "Cataract Time", "Hydroplaning Off the Edge of the World", "Bologna" und "Dan's Boogie" - sind allesamt Destroyer-Songs aus dem breiten Spektrum, das Bejar und seine Mitstreiter für sich selbst geschaffen haben: Spektakuläre Pop-Epen, persönliche Piano-Balladen und schwelende Stimmungsbilder, die die Grenzen zwischen Song, Roman und Kino verschwimmen lassen, jedes voll von der Dringlichkeit eines Staatsgeheimnisses im Kopf eines gequälten Spions. Die Leadsingle "Bologna" ist der radikalste Rahmen für diese Energie, denn es ist das erste Mal, dass Bejar einen Song schreibt, in dem er sich selbst als Nebenfigur vorstellt. In der Hauptrolle ist Simone Schmidt von Fiver zu hören, deren Stimme - hart und ausdrucksstark, durchdringend durch die Düsternis der Szene - ein Sirenengesang ist, der das ganze Album durchdringt. Die Schwere ihrer Stimme ordnet "Dan's Boogie" um ein Gefühl des drohenden Untergangs herum, so wie das Versprechen einer Fatale auf das Ungewöhnliche und Ekstatische die Hauptfigur eines erotischen Thrillers zum Verhängnis wird. "Hydroplaning Off the Edge of the World" ist ein köstlicher Widerspruch, ein schwungvoller Song, der aus der Verwüstung entstand, die Bejar absichtlich mit sich selbst anrichtete. "We are now entering a new phase", intoniert Bejar und führt Schichten von Gitarren und Synthesizern ein, die die Palette erheblich verdunkeln, während er zwischen Gesang und Sprache wechselt. Der Nebel, der Bejar umgibt, wird durch die Reibung zwischen konkurrierenden Wahrheiten und Geschmäckern erhellt, etwa wenn sein Interesse an jazzigen Balladen auf das Interesse des Produzenten und Bassisten John Collins an Bands wie Led Zeppelin und Scritti Politti trifft. Als Bejar Collins erzählte, dass er an Sammy Davis Jr. dachte, entstand der Titeltrack, in dem Bejar mit fast wahnhafter Freude einen Rat Pack-Swagger vor einer verträumten Klangkulisse aus schwebenden Gitarren, üppigen Bläsern, Jazz-Drumming, spacigen Synthesizern und - vielleicht am ehesten dem Selbstverständnis Bejars entsprechend - einem klimpernden Lounge-Piano annahm. Das Herzstück von "Dan's Boogie" ist vielleicht "Cataract Time", ein achtminütiges Epos, das zu den schwersten Texten gehört, die Bejar je geschrieben hat, und eine der musikalisch komplexesten Kompositionen von Destroyer ist. Getragen von einem lässigen Groove, sind Bejars Texte verklärt, ihre Melancholie schmeckt fast widersinnig nach Hoffnung. Es ist ein intimer Song, der Destroyers übliches urbanes Fabel-Milieu gegen eine erfrischende Innerlichkeit eintauscht, aber sein beschwingter Groove lässt eine Zukunft erahnen, der Bejar und seine Band entgegenfiebern. Wo frühere Destroyer-Alben mit der Welt kämpften, tanzt "Dan's Boogie" mit ihr, und seine neun Träumereien verschmelzen zu einem einzigen langen Treiben. Dan Bejar mag die Ausgänge im Auge haben, aber er wird nicht so bald abreisen.

Release 21.2.2025

Neues Album des französischen Garage-Psychedelic Duos, das seit 2009 zwischen Psychedelic, Shoegaze, Garage & French Yé-Yé unterwegs ist!

Release 14.2.2025

Seit ihrem bahnbrechenden selbstbetitelten Debütalbum aus dem Jahr 2012 haben die Lumineers einige unglaubliche Meilensteine erreicht: vierundzwanzig Nummer-eins-Hits, Milliarden von Streams, ausverkaufte weltweite Arena-Tourneen, Multi-Platin-Veröffentlichungen, Grammy-Nominierungen und, was für die Kernmitglieder Jeremiah Fraites und Wesley Schultz am wichtigsten ist, zahlreiche geliebte, zeitlose Songs. Das fünfte Studioalbum der Band, Automatic", wird in einer Musiklandschaft veröffentlicht, die von Solokünstlern dominiert wird, die von anderen Songwritern abhängig sind. Schultz sagt, eine der wenigen Gruppen auf Tour zu sein, die ihr gesamtes Material selbst schreiben, sei "ein einzigartiges Ehrenabzeichen". Das heißt aber nicht, dass sie nicht mit anderen Künstlern zusammenarbeiten; Schultz und Fraites haben kürzlich Songs mit der Pop-Ikone P!nk sowie den aufstrebenden Singer-Songwritern James Bay und Zach Bryan geschrieben und mit ihnen zusammengearbeitet.

Release 21.3.2025

Nach einem Jahrzehnt, in dem die Band das Beste aus improvisierten Aufnahmeräumen in Lagerhäusern, Wohnwagen und Lofts gemacht hat, ist "For Melancholy Brunettes (& sad women)", das vierte Album von Japanese Breakfast, die erste richtige Studioveröffentlichung der Band. Produziert von Grammy-Preisträger Blake Mills, zieht sich Frontfrau und Songschreiberin Michelle Zauner von der hellen Extrovertiertheit des Vorgängers "Jubilee" zurück, um die dunkleren Wogen zu erforschen, die in ihrem Inneren aufgewühlt sind, das launische, fruchtbare Feld der Melancholie, das seit langem als der psychische Zustand von Dichtern am Rande der Inspiration gilt. Das Ergebnis ist eine künstlerische Absichtserklärung: ein reifes, komplexes, kontemplatives Werk, das den romantischen Nervenkitzel einer Gothic Novel heraufbeschwört. "For Melancholy Brunettes (& sad women)" folgt einer transformativen Periode in Zauners Leben, in der ihr zweifach GRAMMY-nominiertes Durchbruchsalbum ‚Jubilee' und ihre Bestseller-Memoiren ‚Crying In H Mart' sie in den kulturellen Mainstream katapultierten und ihre tiefsten künstlerischen Ambitionen erfüllten. Als sie über diesen Erfolg nachdachte, erkannte Zauner die Ironie der Sehnsucht, die so oft Glückseligkeit und Verderben miteinander verbindet. "Ich fühlte mich verführt, das zu bekommen, was ich immer wollte", sagt sie. "Ich flog zu nah an die Sonne heran, und mir wurde klar, dass ich sterben würde, wenn ich weiterflöge". Das Schicksal von Ikarus und anderen Verdammten verleiht "For Melancholy Brunettes (& sad women)" sein beständigstes Thema: die Gefahren des Begehrens. Wie zerstreutes Licht führen seine spektralen Teile die Charaktere des Albums durch Zyklen von Versuchung, Übertretung und Vergeltung. In "Orlando in Love" - ein Riff auf John Cheevers Riff auf "Orlando Innamorato", einem unvollendeten Epos, das aus 68 Cantos des Renaissance-Dichters Matteo Maria Boiardo besteht - ist der Held ein gutmütiger Dichter, der sein Winnebago am Meer parkt und dem Ruf einer Sirene zum Opfer fällt, seinem 69. Canto (selbst im erhabenen Reich des klassischen Mythos hat Zauner ein Faible für Anspielungen). "Honey Water" lotet die stille Wut einer Frau aus, die mit einem untreuen Mann verheiratet ist und zusieht, wie er immer wieder der Lust nachgibt wie ein niederes Insekt, das seinen eigenen Untergang herbeiführt Traurigkeit ist in der Tat die dominierende emotionale Tonart dieser Platte, aber es ist eine Traurigkeit der besonderen Art: die nachdenkliche, vorausschauende Traurigkeit der Melancholie, in der die Erkenntnis des im Wesentlichen tragischen Charakters des Lebens mit Sensibilität für seine flüchtige Schönheit einhergeht. Zauner findet in ihr genügend Raum für Hoffnungsschimmer. Es sind die Tröstungen der Sterblichen, die Dichter vor ihr gerufen haben und die Dichter nach ihr immer wieder neu entdecken werden: Liebe und Arbeit, und obwohl sie sich wie stärkende Vorsätze durch die vielen Episoden des Albums ziehen, erklingen sie am deutlichsten im letzten Song, "Magic Mountain", einer Auseinandersetzung mit Thomas Manns berühmtem gleichnamigen Roman. Für sie fühlt sich jede Arbeit wie das Erklimmen eines Berges an, aber von der Spitze von "For Melancholy Brunettes (& sad women)" aus blickt sie in die Zukunft.

Release 31.1.2025

Neues Album der amerikanischen Songwriterikone Will Oldham. Man könnte sagen, es ist eine "Nashville-Platte", aber natürlich ganz auf Oldhams eigenwillige Weise. Aufgenommen mit dem erfahrenen Produzenten David "Ferg" Ferguson und einer Riege erstklassiger Session-Musiker, entstand das Album nicht in glamourösen Studios, sondern am gemütlichen Küchentisch von Ferguson – ganz entspannt, aber trotzdem höchst professionell. Für Oldham ist es erst das zweite Mal in seiner langen Karriere, dass er mit einem Produzenten an einem Album arbeitet. Dabei geht die Beziehung zu Ferguson weit zurück: Die beiden trafen sich bei Rick Rubin's Johnny Cash-Sessions zu American III, als Cash Oldhams „I See a Darkness“ coverte und Ferguson als Engineer arbeitete. Die beiden haben im Laufe der Jahre an zahlreichen Projekten zusammengearbeitet, aber an keinem so intensiv wie an "The Purple Bird" (das seinen Namen übrigens von einer Zeichnung entnommen hat, die Ferg als Zweitklässler anfertigte). Bei 7 der 12 Tracks ist Ferg sogar als Co-Autor angegeben. Neben Ferg und Tim O'Brien tragen auch der Country-Sänger John Anderson, Ronnie Bowman, Pat McLaughlin, Tommy Prine und Roger Cook zum Songwriting bei. Anderson singt auf dem Stück „Downstream“. An den Sessions waren beteiligt: Stuart Duncan (Fiddle), Russ Pahl (E-Gitarre), Pat McLaughlin (Mandoline), Steve Mackey (Bass) und Fred Eltringham (Schlagzeug/Percussion). Keiner der Tracks benötigte mehr als 4 Takes, die meisten waren in weniger als einer Stunde fertig.

Release 31.1.2025

Das neue und elfte Studioalbum "Tag & Nacht" von Patent Ochsner erscheint am 31. Januar 2025. Ein 17-Track starkes Werk, das während der letzten 2 Jahre entstanden ist. Leadsänger und Kopf der Band Büne Huber hierzu: "Das Leben hält sich nicht immer an die Pläne, die man schmiedet. «TAG & NACHT» entstand deshalb unter leicht erschwerten Umständen..." - was dem Album einen ganz eigenen Touch gibt. Ein Potpurri aus fröhlichen, autobiografischen aber auch dunkeln und melancholischen Tracks. Das Album kann ab sofort vorbestellt werden.

Wie von Büne Huber gewohnt, sind Musik und seine gestalterische Arbeit eng miteinander verknüpft, so auch hier: die CD wird begleitet von einem 96-seitigem Leporello oder anders gesagt ein 8 Meter langes Kunstwerk! Das Ganze befindet sich innerhalb eines schön gefassten Hardcover Buch im Hochformat, wo CD und Leporello zusammenfinden.

Release 31.1.2025

Ninja Tune Records

Sechs Jahre nach ihrem zweiten Album »Kingdoms in Colour«, das sie zu einem der angesagtesten Namen in der elektronischen Musik gemacht hat, kehrt das Duo Maribou State aus Hertfordshire mit ihrem dritten Album in voller Länge zurück.

Das Warten hat sich gelohnt: »Hallucinating Love« ist ehrgeizig, vollgepackt mit erhabenen Hymnen und gespickt mit rastloser Energie, schwebenden Streichern und umwerfenden Gastvocals der langjährigen Mitarbeiterin Holly Walker und neuen Freunden wie der MOBO-nominierten Künstlerin Andreya Triana. Es beweist Maribou States sich entwickelnde Balance zwischen Intimität und Komplexität, sowie ihr Talent, epische Musik für den Sonnenuntergang zu machen.

Release 14.2.2025

Das vierzehnte Album in ihrer dreißigjährigen Geschichte handelt vom Reisen durch die Zeit und vom Bereisen der Welt, es erzählt vom Unterwegssein und von der Sehnsucht nach einem Zuhause, es handelt von der Verfinsterung der Gegebenheiten und davon, wie man Trost zu finden vermag auch in finsterer Zeit, und doch liegt immer ein güldener Glanz über der Szene. "Golden Years" ist gleichermaßen intim und politisch; wer Tocotronic kennt, dem wird es vertraut erscheinen und zugleich wieder ganz neu.

Release 7.2.2025

Sharon Van Etten & The Attachment Theory unterscheidet sich von Anfang an klanglich von Sharon Van Ettens bisherigen Arbeiten. Beim Schreiben und Aufnehmen des Albums, das zum ersten Mal komplett in Zusammenarbeit mit ihrer Band entstand, fand sie die Freiheit, die sich aus dem Loslassen ergibt. Das Ergebnis dieser Befreiung ist eine berauschende neue Dimension von Sound und Songwriting. Die Themen sind zeitlos, klassisch Sharon - das Leben und das Leben, die Liebe und das Geliebtwerden - aber die Klänge sind neu, vollkommen realisiert und glasklar. Über diese neue künstlerische Geisteshaltung sinniert Van Etten: "Manchmal ist es aufregend, manchmal ist es beängstigend, manchmal fühlt man sich festgefahren. Jeder Tag fühlt sich ein wenig anders an - einfach in Frieden zu sein mit dem, was man fühlt und wer man ist und wie man in diesem Moment zu den Menschen steht. Wenn ich einfach offen bleiben kann und gleichzeitig weiß, dass sich meine Gefühle jeden Tag ändern, ist das alles, was ich im Moment tun kann. Das und versuchen, die beste Person zu sein, die ich sein kann, während ich andere Menschen so sein lasse, wie sie sind, und es nicht persönlich nehme und einfach nur bin. Ich bin noch nicht so weit, aber ich versuche, jeden Tag so weit zu sein." Sharon Van Etten & The Attachment Theory ist ein Quantensprung in diese Richtung.

Release 7.2.2025

quids neues Album handelt vom Bösen. Neun Geschichten, deren Protagonisten mit Kulten, Charisma und Apathie rechnen. Echte und imaginäre Charaktere, die in den dunklen Ozean zwischen Richtig und Falsch waten. "Cowards" ist Squids mutigstes Album: Es wächst gleichzeitig an Umfang und kehrt zu den Grundlagen zurück. Die Band nahm "Cowards" in den Church Studios in Crouch End mit den mit dem Mercury Prize ausgezeichneten Produzentinnen Marta Salogni und Grace Banks auf. Für die Produktion war ausserdem ihr langjähriger Shifu und Kollaborateur Dan Carey zuständig, der die ersten beiden Alben der Band aufnahm. Die Platte wurde in Seattle von John McEntire (Tortoise) gemischt, bevor sie von der reichhaltigen analogen Kette von Heba Kadrys Mastering in Brooklyn, New York, komprimiert wurde. Squid haben seit ihrer Gründung im Jahr 2016 als instrumentale Jazzband für eine monatliche Nacht in Brighton einen langen Weg zurückgelegt. Ihr Debütalbum "Bright Green Field" (2021) erschien, als sich die Welt nach der Pandemie wieder zu öffnen begann, und sie schafften es in die Top 5 der UK Charts. Im Jahr 2023 veröffentlichten sie ihr zweites Album, das grüblerische "O Monolith", das die Band um die ganze Welt führte und Neuland betrat, das Jahre zuvor kaum möglich schien. Beide Alben konnten sich hierzulande in den Top 100 platzieren.

Release 28.2.2025

Nach Clarity Before The Crash (2021) präsentieren uns Waldskin ein neues Album, das massiver und elektronischer ist, mit dunklen Klängen und komplexen Texturen. Der Albumtitel "Wrong Party" lädt zu dantesken und wirren Vorstellungen ein. Die Songs schwanken von ruhigen Passagen äußerster Fragilität bis hinzu kraftvollen Klängen voller Energie. In das neue Werk einzutauchen bedeutet, durch die Tür einer Party zu treten, die sich ganz anders ankündigt als erwartet.

Release 24.1.2025

Mit ihrem 3ten Album unterstreicht die Britin, dass sie eine Ausnahmeerscheinung ist. In den faszinierenden, vielschichtigen und vielfältig orchestrierten Kompositionen leuchtet ihre oft Intimität und EIndringlichkeit vermittelnde Stimme wie ein sich drehender Leuchtturm. Die BAndbesetzung enthält neben eindrucksvoll agierendem Schlagzeug und auch sehr schön und intensiv klingendem Kontrabass und Bass auch akustisch geschlagene Gitarren und Streicher und Bläser, die dem Album ebenso kammermusikalischen Glanz verleihen wie der manchmal integrierte mehrstimmige Backgroundgesang. Eine sehr nahe gehende Art, britischen Art-Folk-Pop mit Literatur zu verbinden und eine Brücke zwischen dem Geschriebenen und dem Gesungenen zu schlagen. Anna wurde wesentlich von ihren Musikereltern beeinflusst, die jedes Jahr im Green Room der Royal Albert Hall Kompositionen von Johann S. Bach aufführten - und sie wurde auch an Bach´s Todestag geboren! Doch die sanfte, ineinnaderMusik des Albums weist in eine andere Richtung, auch wenn die Songs kunstvoll gestaltet sind.

Release 24.1.2025

Während sich seine früheren Veröffentlichungen mit dem von Americana inspirierten Garagenrock und dem Glam der 70er Jahre befassten, präsentiert LOWER einen raueren und unverfälschten Sound, nach dem Booker jahrelang gesucht hatte, während er sich in Nischenmusikszenen vertiefte und sie schließlich durch seine einzigartige Pop-Linse filterte. „Ich wollte diesen Sound erreichen, aber ich wusste nicht wie. Irgendwann beschloss ich, dass ich ihn finden oder beim Versuch sterben würde.“ Booker schreibt Segal eine entscheidende Rolle bei dieser Suche zu und tauschte Stems per E-Mail aus, während Booker in Australien war. „Kenny war das fehlende Teil, das ich brauchte – er füllt alle meine Lücken. Ich weiß nicht, was ich als Nächstes tun werde, aber wenn ich es mir vorstellen kann, kann ich es jetzt tun.“ Es ist die erste Veröffentlichung auf Bookers neuem Label

Release 24.1.2025

Chris Eckman ist einer dieser Songwriter mit dem Gespür eines Alchemisten. Das hat er im Laufe der Jahre als Songwriter der Seattle Rock-Folk-Band The Walkabouts und in seiner viel gelobten Solokarriere mit sechs Alben bewiesen. Seine Songs wurden von Townes Van Zandt, Steve Wynn, Willard Grant Conspiracy (und anderen) aufgenommen, und sein letztes Album, das sparsame, geisterhafte "Where the Spirit Rests", gewann 2021 den renommierten Preis der Deutschen Schallplattenkritik. Dreieinhalb Jahre später ist er mit "The Land We Knew the Best" zurück und hat neue Geschichten zu erzählen.

Release 24.1.2025

Die GRAMMY-nominierte multidisziplinäre Künstlerin mit ihrem dritten Studioalbum. Als Hauptinspiration für das Album nennt Twigs ihr späten Nachte in der Prager Underground-Techno-Szene während der Dreharbeiten zu The Crow. Twigs' Musik katapultierte sie zu internationalem Ruhm und brachte ihr nicht nur Auszeichnungen und Preise, sondern auch eine weltweite Fangemeinde ein. Ihr Mixtape CAPRISONGS, das 2022 veröffentlicht wurde, gipfelte in der Verleihung des Godlike Genius Award des NME, womit sie die bisher jüngste Preisträgerin ist. Kürzlich zierte Twigs das Cover der britischen Vogue und gab ihr Solo-Debüt als Tänzerin bei der Martha Graham Company, wo sie bei der Gala der 98. Saison des Ensembles in New York den "Satyric Festival Song" aufführte. Am 25. April wurde FKA twigs in London von der Music Producers Guild der prestigeträchtige Preis für einen herausragenden Beitrag zur britischen Musik verliehen. Twigs, die als Werberegisseurin nominiert und als Musikproduzentin ausgezeichnet wurde, bewegt sich mühelos in verschiedenen künstlerischen Sphären. Außerdem spielt sie die Hauptrolle an der Seite von Bill Skarsgård in einer modernen Adaption von THE CROW" unter der Regie von Rupert Sanders, die im vergangenen August veröffentlicht wurde.

Release 24.1.2025

Das siebte Studioalbum wurde im Frühjahr 2023 in den Roundhead Studios in Aotearoa, Neuseeland, an fünf Tagen live auf Band aufgenommen. Der Name des Albums leitet sich von der altgriechischen Blume der Unterwelt ab, und textlich schöpft Andrews mehr aus den großen Dichtern als aus der Quelle traditioneller Rock'n'Roll-Songwriter.

Release 17.1.2025

Ihr Stil greift sowohl Elemente des Electro-Pop auf, agiert manchmal songorientiert, verliert dabei aber niemals auch die Ästhetik beat- und tanzorientierter Clubkultur aus den Augen. Das zweite Album der in Kolumbien geborenen und in New York lebenden DIY-Elektronik-Künstlerin greift bei ihrem Gesang in die Popkiste, der allerdings auf originelle Weisen verfremdet oder dupliziert einen bisweilen an Fever Ray erinnernden, exotischen Habitus besitzt. Perlende und verträumte elektronische mäaandern dabei ebenso wie harsche, noiselnde Sounds durch die immer mit Vocals aufwartenden Songs.

Release 17.1.2025

Nachdem es am vergangenen Wochenende auf dem Camp Flog Gnaw Carnival von Tyler, The Creator die bevorstehende Veröffentlichung angedeutet hat, kündigt das Mac Miller Estate die Veröffentlichung des Albums "Balloonerism" an. Neben der offiziellen Ankündigung des Albums, teilt das Estate auch den Trailer für den dazugehörigen Film, der von Samuel Mason gedreht wurde.

Über die Veröffentlichung teilt seine Familie mit:

"Viele von Malcolms Fans kennen "Balloonerism", ein abendfüllendes Album, das Malcolm um die Zeit der Veröffentlichung von "Faces" im Jahr 2014 produzierte. Es ist ein Projekt, das für Malcolm von großer Bedeutung war - in dem Maße, dass er das Artwork dafür in Auftrag gab und regelmäßig Diskussionen darüber geführt wurden, wann es veröffentlicht werden sollte, obwohl letztendlich "GO:OD AM" und die nachfolgenden Alben Vorrang hatten.

Wir sind der Meinung, dass das Projekt sowohl die Bandbreite seines musikalischen Talents als auch seine Furchtlosigkeit als Künstler unter Beweis stellt. In Anbetracht der Tatsache, dass inoffizielle Versionen des Albums seit Jahren im Internet kursieren und die Veröffentlichung von "Balloonerism" etwas war, das Malcolm häufig als wichtig für ihn bezeichnete, hielten wir es für angemessen, der Welt eine offizielle Version des Projekts zu präsentieren. In diesem Sinne freuen wir uns, ankündigen zu können, dass "Balloonerism" im Januar 2025 veröffentlicht werden wird."

Release 17.1.2025

Unglaublich geiles und super, super schweres brandneues Psyche/Krautrock Album der aus Melbourne, Australien stammenden Band. Ihre musikalische Einheit ergibt sich aus klassischer Trio-Action (man denke an Cream oder Hendrix!) mit rohem Bass, Schlagzeug und gemeinsamen Gitarren/Keyboards, die auf D-I-Y-Attitüde und Punk/Post-Punk-Intensität treffen, was ihnen einen einzigartigen, hochoktanigen Sound verleiht. Klingt wie Can und Hawkwind!

Release 17.1.2025

Nach vier Jahren kehrtenThe Weather Station mit dem Nachfolger des Albums Ignorance zurück: Ihr neues Album „Humanhood“ erscheint im Januar 2025. Die erste Single "Neon Signs" ist eine erste Ankündigung daraus.
Ignorance war wohl das am besten rezensierte Album des Jahres 2021: Album des Jahres bei The New Yorker, UNCUT, The Globe and Mail, The Observer und Top 10 bei der New York Times, The Guardian, PItchfork, Rolling Stone Germany, Stereogum, und vielen mehr.
Weather Station-Mastermind und Sängerin Tamara Lindeman hat Humanhood gemeinsam mit Marcus Paquin produziert.

Release 17.1.2024

Achtes Album der Husumer, Hamburger, Berliner Band, das mit Fug und Recht auf den Namen "Alter Zorn" hört und mehr nach Stunde null als nach Spätwerk-LP klingt - anstatt friedfertig zu umarmen - den unsanft aufrüttelnden Würgegriff probt. Wo sonst Möwen, Wattenmeer-Nebel und graue Weiten waren, verdecken nun Taubenschwärme, endzeitlich versmogte Betonburgen und eine gottverdammte Bismarck-Statue, die dem Szeneviertel ihren metergroßen Arsch entgegenstreckt, die Sicht auf alles Schöne. "Alter Zorn" blickt auf die "Affenstraße", auf verwahrloste Eckkneipen, in der sich düstere Schatten stapeln, auf "Ruinen zwischen Glas und Stahl", auf Metropolen voll "greller Sommerkotze" und Spiegelscherben, die immer enger werden - und nur selten starr auf's offene Meer. Was den schwammigen Protagonist_innen des Turbostaat-Universums dennoch geblieben ist, ist die bohrende Einsamkeit - dieses wütend-resignierte Gefühl, es nicht zustandezubringen, "hier mitzumarschieren". "Alter Zorn" zeichnet eine Dystopie - eine Welt zwischen Novembergicht und Hitzestau, in der sich tote Schwäne im Graben stapeln, Panzer rollen, die Luft knapp wird, Obdachlose die Straße umarmen, alle alles mit Karte bezahlen, in Ledersitzen zittern, die Laune im Arsch und überhaupt "wirklich Sense" ist.

Release 10.1.2025

Endlich der erste Longplayer einer der heißesten Kombos, die derzeit ihr Unwesen treibt! Die britische, gaye Version von Amyl & The Sniffers oder so ähnlich. Ein feministisches FLINTA-Manifest das dem Patriachat mit Flammenwerfer-Punk entgegentritt. Bissig und pissed bis unters Dach, aber auch verdammt dancy! Beeinflusst von Riot Grrrl, Punk, Grunge und Postpunk, servieren uns die Damen 11 Nummern, die sich gewaschen haben. Effekt- und Gitarren-Attacken, die sich nicht hinter den Idles verstecken müssen, treibendes Drumming, das die Geschwindigkeit von White Lung erreicht, bratzige Basslines und rotzige Vocals, die uns den Hosenboden strammziehen. Großartig!!

Release 10.1.2025

Auf dem neuen, sechsten Album geht es um das Menschsein und die Ängste, die uns dazu machen, aber man hätte es auch kühn nennen können. Kühn auf eine Art, wie wir es gerne sind. Es ist ihr sechstes Album, das sie mit dem Produzenten Mark Ralph hauptsächlich in Schottland aufgenommen haben, mit ein paar Overdubs in London und Paris. Bob Hardy und Alex Kapranos gründeten die Band 2002, Julian Corrie und Dino Bardot kamen 2016 dazu und Audrey Tait 2021. Dies ist die erste vollständige LP mit Dino und Audrey, obwohl sie auf den letzten Singles mitgewirkt haben und mit der Band ausgiebig getourt sind. Unsere Ängste definieren unsere Menschlichkeit. Wir finden unseren Charakter und unsere Persönlichkeit, wenn wir unsere Reaktion auf sie verstehen. Was sie auslöst. Es ist nicht unbedingt die Angst selbst, die uns menschlich macht, sondern das, was wir mit ihr machen oder was wir zulassen, dass sie mit uns macht. Was wir nicht wählen können und was wir können. Unsere Ängste sagen uns, wie wir menschlich sind. Jeder Song hängt an einer anderen Angst. Es geht darum, in den Abgrund zu blicken und dann zu sagen: "Scheiß drauf... ich kann genauso gut noch einen trinken, bevor ich hineinfalle." Es gibt klangliche Überraschungen und verschiedene Perspektiven auf dem Album, aber wenn man die Band kennt, weiß man, dass sie es gemacht hat. Die es genossen haben, es zu machen. OK, einige der Themen können ein wenig düsterer werden, aber es gab Licht und Freude beim Zusammenstellen. Das Album beginnt mit dem Track "Audacious" der als Vorabsingle den Ton für das Album angibt. Die zweite Single, die im November erscheinen wird, ist "Night Or Da"y, die sowohl in den Texten als auch in der Musik die Spannung zwischen Angst und Spaß darstellt. Das klangvolle Synthie-Stück "Hooked" zeigt eine andere Seite des Albums und wird unser Fokus-Track bei der Veröffentlichung sein.

Release 13.12.2025

Dreißig Jahre nach ihrem ikonischen Album »Doggystyle« vereint sich das legendäres Hip-Hop Duo Snoop Dogg und Dr. Dre erneut für ihr neues Album »Missionary«.

»Missionary« führt den zeitlosen West-Coast Sound des legendären Hip-Hop Duos fort und knüpft an ihr musikalisches Erbe an. Die Tracklist von »Missionary« enthält hochkarätige Features wie 50 Cent, Eminem, Sting, Jhené Aiko und Jelly Roll.

Im Laufe der Jahre haben die zwei Rap-Ikonen zahlreiche unvergessliche Kollaborationen hervorgebracht, darunter Dr. Dres Debütalbum »The Chronic«, Snoop Doggs Grammy-nominierter Hit »Gin and Juice« und Dr. Dres ikonische Tracks »Still D.R.E.« und »The Next Episode«. »Missionary« ist jedoch erst das zweite Album von Snoop Dogg, das vollständig von Dr. Dre produziert wurde.

Release 29.11.2024

Mit diesem Doppelalbum "The Wolf Changes Its Fur But Not Its Nature" + "Horrific Honorifics Number Two(2)", feiern CBP zwei Jahrzehnte des Trotzes und der Selbstreflexion. "The Wolf Changes Its Fur But Not Its Nature" lässt die Echos ihrer Vergangenheit wieder aufleben, indem sie Klassiker, die von der Zeit und dem Wandel geformt wurden, überarbeitet und neu aufgenommen haben. Zusammen mit alten Freunden und neuen Verbündeten pulsieren diese neu interpretierten Hymnen mit neuem Elan und rohen Emotionen. Von der ausgedehnten Odyssee von "Song For The Loved" bis hin zur Wiederauferstehung des verlorenen Klassikers "Whissendine" zeigt jeder Track die Erforschung des menschlichen Zustands und den immerwährenden Kampf für Gerechtigkeit und Gleichheit. In "Horrific Honorifics Number Two(2)" legen CBP einmal mehr die Seele der Musik frei, die ihren Weg geebnet hat, und huldigen den Titanen, die ihren Geist geschürt haben. Mit eindringlichen Interpretationen wie "Vengeance" von New Model Army, einer Hymne des Widerstands und der Rebellion, und der eindringlichen, introspektiven Interpretation von Laura Branigans "Self Control" fordern sie uns auf, diese Klassiker durch eine neue, unbeirrbare Linse zu sehen.

Release 22.11.2024

"One Assassination Under God - Chapter 1", das 12. Album von Marilyn Manson mit den Singles "As Sick As The Secrets Within", "Raise The Red Flag" und "Sacrilegious" wird weltweit über Nuclear Blast Records veröffentlicht.

Release 22.11.2024

Lang erwartetes Album, welches auf die mit dem Mercury Prize ausgezeichnete und Grammy Award nominierte, dritte LP "Kiwanuka" folgt. Aufbauend auf ernsteren Themen wie Immigration und Gemeinschaft in "KIWANUKA" geht Kiwanukas Geschichte mit kleinen, zauberhaften Veränderungen weiter. Unterstützt wird Kiwanuka von seinen Co-Producern Danger Mouse und Inflo, bekannt aus "KIWANUKA" und "Love & Hate". Neu im diesjährigen Album-Team ist der legendäre Bassist Pino Palladino, der bereits John Mayer, Beyoncé und D'Angelo begleitet hat, sowie Jimmy Jam des bekannten Jam and Lewis Duos, welches unter anderem bei Janet Jackson, Prince und SOS Band zu hören war. Mit diesem Album beweist sich Michael Kiwanuka auf ein Neues als eine der talentiertesten, britischen Songwriter sowie als phänomenaler Gitarrist. Die Singles "Floating Parade", "Low Down (Part 1)" und "Low Down (Part 2)", welche fast einen Monat vorher einen Vorgeschmack auf "Small Changes" bieten, präsentieren faszinierende, ruhige Instrumental-Teile. Kiwanuka bringt so mit diesem Album zum Ausdruck wie wichtig es ist, sich selbst zu vertrauen und seiner Seele zu folgen.

Release 22.11.2024

„52 Blue“ bezieht sich auf den 52-Hertz-Wal, der aufgrund seiner einzigartigen Frequenz, die sich von der aller anderen Walarten unterscheidet, oft als der ‚einsamste Wal der Welt‘ bezeichnet wird. Dieser einsame Ruf hat uns inspiriert und symbolisiert unsere eigene Reise, eine einzigartige Stimme im weiten Meer der Musik zu finden. Mit diesem Album hoffen wir, unsere Reise zu teilen und uns mit den Hörern auf einer tieferen Ebene zu verbinden, ähnlich wie der eindringlich schöne Ruf des 52-Hertz-Wals.

Der Name 52 Blue entstand erst spät im Entstehungsprozess des Albums, während der Aufnahmen in einem gemieteten Haus inmitten von Bergen und Feldern, wo wir den besten Gruyère-Käse genossen und malerische Spaziergänge mit dem Hund unternahmen. Hier hatten wir reichlich Zeit, um mit Soundeffekten zu experimentieren. Viele von ihnen, die mit Synthesizern oder Gitarrenpedalen erzeugt wurden, erinnerten uns an das Heulen von Walen, ein Klang, der sowohl mystisch als auch ergreifend war. Wenn man sich die Weite des Ozeans vorstellt, rufen die tiefen, resonanten Walrufe ein Gefühl der Ehrfurcht und Ruhe hervor und erinnern an die tiefe Verbindung zwischen Natur und Existenz.

Übersetzt mit DeepL.com (kostenlose Version)

Release 22.11.2024

Der kryptische Titel des 6ten Albums wurde abgeleitet vom Sanskrit-Wort für "großer Verbrennungsplatz" und lässt bereits erahnen, dass es sich erneut um ein tiefgründiges Werk handelt. "Screamland", ein wunderschönes, etwas nachdenklich wirkendes siebenminütiges Stück, das von Alan Sparhawk (Low) an der Gitarre begleitet wird und mit einem Streicherarrangement von Drew Erickson untermalt ist, zeigt Father John Misty in bester Form: düster, episch und gleichzeitig voller Emotionen. Weitere Highlights sind "I Guess Time Makes Fools Of Us All" und "Josh Tillman And The Accidental Dos".

Release 22.11.2024

Ursprünglich aus der DIY-Hardcore-Szene kommend, haben Coilguns seither ihre ganz eigene Mischung aus Punk und extatischem Noise-Rock entwickelt. Die Geschichte der Band ist eng mit der Entwicklung des eigenen Labels von Gitarrist Jona Nido - Humus Records - verbunden, das mittlerweile bis zu 150 Veröffentlichungen von Schweizer Künstlern aus allen Bereichen der Musikszene vereint. Obwohl ihre letzten beiden Alben zu 100 % von den Bandmitgliedern selbst produziert, bearbeitet und abgemischt wurden, fuhren Coilguns im Sommer 2022 mit dem Produzenten Scott Evans zu Oceansound Recordings in Norwegen, um ihr viertes Studioalbum aufzunehmen, das dann vom Grammy-nominierten Produzenten Tom Dalgety abgemischt wurde. Die Band ist bekannt für ihre rohen, kompromisslosen und euphorischen Live-Auftritte, bei denen sie stolz die tanzenden Freaks und die crowd-surfenden Weirdos bedient.

Übersetzt mit DeepL.com (kostenlose Version)

Release 22.11.2024

"The Last Will and Testament" ist eine Art Konzeptalbum. Eine rastlose musikalische Reise, die in gewisser Weise meine eigene Beziehung zur Musik als Konsument widerspiegelt", erzählt Bandleader Mikael Åkerfeldt. "Ich schnappe hier etwas auf, verwerfe dort etwas. Ich bete Musik an und hasse sie gleichzeitig. Diese Ambivalenz führt mich auf eine Art eigenen kreativen Weg, und dann ist plötzlich eine Sammlung von Songs entstanden. Im besten Fall sind diese Lieder gut genug, um die Band zu beeindrucken. Gut genug für die "Mächtigen" in der Branche. Gut genug für "euch"?! Ich liebe diese Platte. Ich muss es sagen (schreiben). Vielleicht bin ich sogar stolz? Ich nehme an, es sind einige vertraute Zutaten dabei. Die meiste unserer Musik stammt aus der gleichen Quelle, also ist es nicht weiter verwunderlich, wenn es nach "uns" klingen wird. Ich bin ein wenig beeindruckt von dem, was wir mit "The Last Will and Testament" gemacht haben. Es fühlt sich wie ein Traum an. Ich hoffe, es gibt eine gewisse "Kohärenz" und "Songwriting-Fähigkeiten", aber was weiß ich schon? Ich neige dazu, das "Seltsame" dem "Offensichtlichen" vorzuziehen, aber ich habe das Gefühl, dass ich in der Minderheit bin, und das ist gut so. Also... faire Warnung! Erwarten Sie keinen sofortigen Rausch (wie üblich), aber wenn Sie es sofort "kapieren" (haben Sie es schon kapiert?), ist das auch in Ordnung!"

Release 22.11.2024

Genau zwei Jahre nach 'Ha Ha Heartbreak' kehrt das Soloprojekt von Maarten Devoldere (auch Balthazar), mit dem vierten Studioalbum zurück. Wer sich noch an den herzzerreißenden Vorgänger erinnert, wird vom Opener "Where The Names Are Real" überrascht sein. Devoldere hatte nach zwei Jahren disziplinierter, mönchsgleicher Arbeit mehr als 50 Songs geschrieben. Doch was sagte Produzent Jasper Maekelberg, als er diese Demos einreichte? "Das kannst du besser." Die beiden musikalischen Seelenverwandten verbrachten darauf neun intensive Monate in einem Dachgeschossstudio in Brügge. Das Ergebnis ist das bisher aufregendste Warhaus Album. Auf dem Albumspielt Warhaus mit unseren modernen Ansichten über Männlichkeit. Mit subtilem Humor umgeht er Unbehagen und macht sich mit zweischneidigem Witz über sich selbst und seinesgleichen lustig. Oft scheint es, als würde Devoldere mit seinen eigenen Gedanken schattenboxen und mit den heimlichen Gedanken seines Unterbewusstseins jonglieren. Die Kontraste lassen dieses Album mit jedem Anhören wachsen und verführen dazu, Schicht für Schicht, Zeile für Zeile tiefer in Warhaus einzigartiges Universum einzutauchen.

Release 22.11.2024

Nach kurzem Fremdeln entpuppt sich das allererste Soloalbum der eigenwilligen Ex-Bassistin der Pixies und Frontfrau der Breeders als echter Gainer. Kim unterläuft mit dieser Sammlung von Songs, die sich über einen längeren Zeitraum angehäuft haben, die Erwartungshaltungen, indem sie sich stilistisch nicht wirklich festlegt und auch Mariachibläser, Pedal Steel-gitarre oder Morricone-Streicher einsetzt. Aber auch knarzigen Bass und Twang-Gitarre. So ein bisschen klingt das Album wie eine Memoirensammlung, die die eine oder andere Extra-Surprise bereit hält. Die ältesten Songs, "Are You Mine?" und "Wish I Was", wurden 2011 geschrieben und aufgenommen, kurz nachdem Deal von der "Lost Cities Tour" der Pixies zurückkam und nach Los Angeles umzog. Die letzten Aufnahmen fanden im November 2022 mit Steve Albini statt, der den letzten Track "A Good Time Pushed" in seinem Electrical Audio Studio in Chicago aufnahm. Jeder der Songs transportiert eine persönliche Geschichte. Sie handeln von den Winterferien mit ihren Eltern auf den Florida Keys ("Summerland"), einem Hochzeitsband-Cover von "Margaritaville" ("Coast") oder auch der Demenz ihrer Mutter ("Are You Mine?"). Die Authentizität der Songs ist spürbar, sie entpuppen sich wegen des Aufeinandertreffens von emotionalem personal Impact, Lo-Fi-Feingliedrigkeit, einer eigenwilligen Verspultheit, den poetischen Texten und einem bisweilen auch cineastischen Approach bei der Umsetzung als Longgainer. Eine Vielzahl von Mitstreitern aus der Vergangenheit und Gegenwart wirkten mit: Mitglieder der Breeders (Mando Lopez, Zwillingsschwester Kelley Deal, Jim Macpherson, Britt Walford) oder auch Raymond McGinley (Teenage Fanclub), Jack Lawrence (Raconteurs) sowie Fay Milton und Ayse Hassan von den Savages.

Release 22.11.2024

Das dreizehnte Album der Smashing Pumpkins ist die Rückkehr der ursprünglichen Smashing Pumpkins-Mitglieder Jimmy Chamberlin, James Iha und Billy Corgan zu ihrer alten Form. Das neue Album knüpft an den Kanon der frühen 90er Jahre an, in denen Gitarren, Bass, Schlagzeug und markanter Gesang dominierten, und setzt die Erfolgssträhne fort, die Frontmann Billy Corgan vor einem Jahrzehnt begonnen hat.

Release 22.11.2024

Es gibt Melodien, die einen nicht loslassen. Das Bassklarinetten-Motiv, das FAI BABA an den Anfang seines Songs „Veränderet“ setzt, ist so eine. Dazu ein federnder Bass, ein freundliches Schlagzeug – und dann flüstert uns eine Stimme ins Ohr: „Ich ha mich veränderet, ich bi nüme de Gliich.“ Die Metamorphose war bei Fabian Siegmund nicht nur eine persönliche, sondern auch eine künstlerische: Erstmals nahm er mit seiner Band ein ganzes Album in Mundart auf, statt auf Englisch, und die existenziellen Ausbrüche auf seiner Gretsch sind einer sanften Lässigkeit gewichen. Das war vor zwei Jahren. Nun folgt mit „Fäderliecht“ im Herbst ein neues Album des Zürcher Singer-Songwriters, das er zusammen mit dem Streichquartett AMOUR SUR MARS eingespielt hat. Sein Titel ist Programm: Noch leichter, noch luftiger, noch schwebender.

Release 15.11.2024

11tes Album des britischen Elektronik-Duos Karl Hyde und Rick Smith. Glänzender, zupackender Techno bildet klare, gerade Linien, während kratzende Akustikgitarren die Kanten aufschürfen und geisterhafte Klänge erzeugen. Dabei könnten die Tracks nicht unterschiedlicher sein. Manche werden von kaum mehr als einer metronomischen Kick-Drum und einer Roboterstimme untermalt, andere sind tief in einer Schicht aus Melodie und euphorischem Lärm versunken - und dabei unverkennbar und einzigartig Underworld. Ein Album im herkömmlichen Sinne, dem man von Anfang bis Ende gebannt lauscht. So kommen wir dem Wunsch der beiden Underworld-Macher gerne nach: „Please don't shuffle.“ Ein Sakrileg. In den dreißig Jahren, die seit ihrem bahnbrechenden Debüt dubnobasswithmyheadman vergangen sind, hat die Band ihren Ruf als eine der innovativsten und wichtigsten elektronischen Bands aller Zeiten gefestigt, die ständig kreative Grenzen überschreitet, Genres neu definiert und sich weigert, still zu stehen. Allein im vergangenen Jahr hat Underworld weltweit vor mehr als einer halben Million Menschen live gespielt.

Release 15.11.2024

The Coward Brothers sind Elvis Costello und T-Bone Burnett, die hier, mit ihrem gleichnamigen Studio-Album, die Songs zu dem Audible Original-Hörspiel "The True Story Of The Coward Brothers" veröffentlichen. Ihre Musik reicht von frühen Rock'n'Roll-Hits bis hin zu späteren, eher introspektiven Songs. Nach jahrelangem Schweigen wurde ihre Geschichte in einer Radiosendung aufgearbeitet, die die Komplexität ihrer Beziehung und ihre dauerhafte Verbundenheit enthüllte. Trotz ihrer turbulenten Geschichte bleibt ihre Musik ein Zeugnis ihres unnachgiebigen Geistes. Das Audible Original-Hörspiel "The True Story Of The Coward Brothers" (Die wahre Geschichte der Coward-Brüder) wird von Christopher Guest inszeniert, in den Hauptrollen spielen Howard Coward, Henry Coward, Harry Shearer, Edward Hibbert, Rhea Seehorn, Stephen Root und Kathreen Khavari. Die genaue Beziehung zwischen Henry (T-Bone Burnett) und Howard Coward (Elvis Costello) bleibt unklar. Sie bezeichneten sich selbst oft als „Anderthalb Brüder“, was auf ihren Größenunterschied anspielen könnte. Ihre musikalische Partnerschaft, bekannt als The Coward Brothers, wurde von Smiley „Doc“ Snipson initiiert, der Henry Coward 1956 entdeckte und ihn für eine Tournee im Vereinigten Königreich unter Vertrag nahm. Der Hitsingle der Brüder, „My Baby Just Squeals (You Heel)“, folgten weniger erfolgreiche Platten und ein umstrittener Song zum Thema Kalter Krieg. Um ihren schwindenden Ruhm zu bewahren, inszenierte Snipson ihren vermeintlichen Tod bei einem Flugzeugabsturz, aber in Wirklichkeit versteckten sie sich auf einer Karibikinsel, nahmen heimlich Musik auf und schickten sie an Snipson zurück. Als ihnen das Geld ausging, kehrten sie nach Miami zurück und behaupteten sensationell, berühmte Songs geschrieben zu haben, was zu einer kurzen Tätigkeit als Songschreiber für Bill Bogguss führte. Später nahmen sie die Aufnahmen wieder auf, aber ihre Partnerschaft zerbrach schließlich und führte zu einer jahrelangen Entfremdung.

Release 8.11.2024

12. Album mit 11 neuen Songs, inkl. einigen der persönlichsten Songs der Bandkarriere. Der Songwriting-Prozess für Come Ahead begann 2019. Zu diesem Zeitpunkt hatte Bobby Gillespie noch keine Ahnung, ob er noch einmal ein Album von Primal Scream machen würde. Zum ersten Mal kamen die Texte vor der Musik. Die Geschichte kam zuerst. Bobby schrieb allein, mit einer Akustikgitarre. Die Ideen flossen schnell, in langen Inspirationsschüben. Dieser Prozess, zusammen mit der Ermutigung durch Produzent David Holmes, bot einen neuen Einstieg. In Zusammenarbeit mit Holmes und Primal Scream-Gitarrist Andrew Innes wurden die Come Ahead-Sessions in Belfast, London und Los Angeles durchgeführt. "Ich bin sehr aufgeregt über dieses Album, so als würde man seine erste Platte machen. Wenn es ein Gesamtthema für "Come Ahead" gäbe, wäre es vielleicht ein Konflikt, ob innerlich oder äußerlich. Der Titel ist ein Begriff aus Glasgow. Wenn jemand droht, mit dir zu kämpfen, sagst du: ‚Komm schon!' Es erinnert an den unbezwingbaren Geist der Glasgower, und das Album selbst vermittelt diese aggressive Haltung und Zuversicht. Sie haben da oben ein Wort dafür: gallus. ‚Come Ahead' ist auch ein ziemlich frecher Titel."

Release 1.11.2024

Die Deluxe CDx2-Edition im 6-Panel-Digisleeve enthält das Album und die Instrumentalstücke auf zwei CDs sowie eine Blu-ray mit Hi-Res-Stereo und Dolby-Atmos-Mixen. 16 Jahre nach ihrem letzten Albumrelease erscheint endlich das 14. Studioalbum! Viele der Songs sind Fans bereits von der Welttournee 2022/2023 bekannt. So diente beispielsweise der Titeltrack "Alone" bei jeder Show als Opener und ist für Frontman Robert Smith genau das Puzzlestück, was das Album zu dem macht, was es ist. Mit diesem Album kehrt die britische Pop-/Rock-/Wave-/Gothic-Band zu einem Sound zurück, mit dem viele Fans sie kennenlernten.

Release 1.11.2024

Jeremie Albino, der magnetische kanadische Singer-Songwriter, veröffentlicht sein neues Album »Our Time In The Sun«. Das von Dan Auerbach produzierte Album vereint die reichhaltigen Texturen von gefühlvollem Folk, Americana und düsterem Blues und präsentiert Albinos eindringliche Stimme und aufrichtige Erzählungen. Das Album ist zutiefst persönlich, in seiner eigenen Geschichte verwurzelt und von einer spürbaren, rohen Energie durchdrungen. Es ist ein intimes und kraftvolles Hörerlebnis, das Albinos Platz als eine bedeutende Kraft in der zeitgenössischen Musik bestätigt.

Release 25.10.2024

Das zehnte Album der Pixies, wenn man ihre klassische 4AD-Mini-LP Come On Pilgrim von 1987 mitzählt, und die erste neue Musik seit der gefeierten LP Doggerel von 2022. 13 neue Songs, mit denen die Pixies auf die filmreifste Platte ihrer Karriere blicken. Für die Aufnahmesitzungen des neuen Albums arbeitete die Band erneut mit dem Produzenten Tom Dalgety zusammen, den Schlagzeuger David Lovering als "fünften Pixie" bezeichnet, nachdem er 2016 Head Carrier, 2019 Beneath the Eyrie und 2022 Doggerel produziert hat. Schon früh im Aufnahmeprozess im Guilford Sound Studio in Vermont bemerkte die Band, dass sich die neuen Songs in zwei Lager spalteten: die sogenannten "Dust Bowl Songs" - Country-angehauchte, balladenartige Nummern wie "Primrose" und "Mercy Me" - und auf der anderen Seite die wütenden Punk-Nummern des Albums wie "You're So Impatient" und "Oyster Beds". Nur "Jane (The Night the Zombies Came)" ist in beiden Lagern zu finden - es erinnert an Phil Spector der frühen 60er Jahre, die Band trifft den Sweet Spot zwischen kitschig und rau; es ist ein Song, den Black Francis angeblich mit der Jagd durch einen Bienenschwarm verglich. Bei den "Night The Zombies Came"-Sessions hießen die Pixies auch die neue Bassistin Emma Richardson (Band Of Skulls) in der Besetzung willkommen; das erste britische Bandmitglied, das der Gruppe beitrat. Auch Gitarrist Joey Santiago hat eine größere Rolle. Nachdem er auf Doggerel seinen allerersten Text für die Pixies beigesteuert hatte, schrieb Santiago für die neue Platte den Text zu "Hypnotised", indem er eine Art komplexes lyrisches Rätsel löste, das als Sestina bekannt ist.

Release 25.10.2024

Drittes Soloalbum der zunächst durch ihre Zusammenarbeit mit Brian Jonestown Massacre-Mastermind Anton Newcombe bekannt gewordenen Musikerin, das zusammen mit Longtime-Kollaborateur Ruari Meehan entstand. Während das Vorgängeralbum "Dancing" noch ein gewisses Maß an Schlafzimmer-Demo-Charme besaß, ist die Leinwand dieses Mal größer, und Meehans Arrangements reichen bis zum Horizont und besitzen cineastischen Charakter. Eine Menge neuer Experimente und Gäste finden sich hier: Bei "Koalas" ist das bezaubernde Pfeifen von Molly Lewis zu hören, das einen bittersüßen, Morricone-esken Charme versprüht. "Crown Shy" wartet mit schwebenden Streichern auf (arrangiert von Ninni und gespielt von Joe Butler), "Bagpipe Blues" und "Charlie Potato" werden durch das ätherische Flötenspiel von Kira Krempova aufgewertet - letzteres Stück wird von Oscar Robertson am Wurlitzer-Piano begleitet. Im euphorischen "Running Home To Sing" und dem Album-Schlussstück "Surround" kommt zum ersten Mal ein Synthesizer zum Einsatz, während das Klavier in vielen Stücken stärker in den Vordergrund rückt. Was den Gesang betrifft, so treibt Parks ihre Stimme auf diesem Album zu neuen Höhen. Ihre Texte sind scharf, allgegenwärtig und durchdrungen von Kraft, Tiefe und poetischer Absicht, die besonders in Stücken wie "Koalas" und "Charlie Potato" hervorstechen. Sie verweben sich mit ihren wunderschönen melodischen Hooks, mit erhabenen Refrains und komplexen, vielschichtigen harmonischen Strukturen, die besonders in "Crown Shy" und "Bagpipe Blues" zur Geltung kommen

Release 25.10.2024

Das kanadische Trio, bestehend aus Al Sow, Chester Hansen und Leland Whitty sind im Februar wieder ins Studio gegangen, um etwas Neues zu erschaffen. Man lud einige der engsten Freunde und Mitarbeiter ein, wie Live-Band-Mitglied Felix Fox-Pappas (Keys) sowie verschiedene Kreative aus Torontos pulsierender Jazzszene, darunter Kaelin Murphy (Trompete), Juan Carlos Medrano Magallenes (Percussions) und den LA-Musiker Tyler Lott (Gitarre). Bei einer intensiven einwöchigen Aufnahme-Session in den Valentine Studios in Los Angeles im Februar 2024 entstand "Mid Spiral"."Mid Spiral" nutzt instrumentalen Jazz als Zentrum und ermöglicht es BADBADNOTGOOD, die Grenzen der Integration einer unbegrenzten Bandbreite von Genres und Musikern in ihre Kompositionen weiter zu verschieben. So sorgten die Gäste der Valentine-Sessions dafür, dass weitere Stimmen der Instrumentierung zur eh immensen Sound-Palette des Trios hinzukamen, was zu einem äußerst kollaborativen und expansiven neuen Sound führte.

Release 25.10.2024

In den acht Jahren, seit sich Amyl and The Sniffers in Melbournes brodelnder Musikszene zusammengefunden haben, hat es die Band perfektioniert, Verspieltheit und rohe Wucht zu kombinieren. Mit den zwei bisher erschienenen, einhellig gefeierten Alben (dem selbstbetitelten Debüt von 2019 und "Comfort To Me" von 2021), haben Sängerin Amy Taylor, Gitarrist Declan Mehrtens, Bassist Gus Romer und Drummer Bryce Wilson ihren einzigartigen Stil etabliert. Seit dem Release von "Comfort To Me" haben sich die Perspektiven für die Band in jeder Hinsicht exponentiell erweitert. Größer, klarer, smarter, schärfer, das ist es, was nun auch das dritte Album der Band antreibt. "Cartoon Darkness" hat die Band zusammen mit Nick Launay im 606 Studio der Foo Fighters in Los Angeles aufgenommen, am gleichen Pult, an dem schon Fleetwood Macs "Rumours" und Nirvanas "Nevermind" entstanden. Es ist ein überraschend abwechslungsreiches Album und reicht von klassischem Punk über den strotzenden Glam der Single "U Should Not Be Doing That" bis zur ausgelassenen Balladenhaftigkeit von "Big Dreams". Auf "Cartoon Darkness" geht es um Krieg, die Klimakrise und künstliche Intelligenz, um Politik und das Gefühl, online eine Stimme zu haben, während wir am Ende doch einfach nur das Daten-Biest Big Tech speisen, unseren Gott der Gegenwart. Es geht darum, wie unsere Generation mit Informationen vollgestopft wird, wie wir wirken wie Erwachsene und dabei doch für immer Kinder bleiben, abgeschirmt wie in einem Kokon und dabei all die Ablenkungen verschlingend, die uns nicht einmal Wohlbefinden oder Freude bereiten, sondern einfach nur Taubheit. "Cartoon Darkness" rennt mit dem Kopf durch die Wand ins Unbekannte, in die heranziehende Ahnung einer Zukunft, ein kindliches Dunkel, das sich schrecklich anfühlt, aber noch gar nicht existiert - ein großer rauer Spaß.

Release 25.10.2024

Soccer Mommy's "Evergreen" ist eine intime Reise durch Verlust und Hoffnung. Sophie Allison kehrt zu ihren akustischen Wurzeln zurück, verleiht ihnen aber filmische Größe. Die 11 Tracks fangen rohe Emotionen ein, von der gequälten Eröffnung "Lost" bis zum bejahenden Titeltrack. Allison's ehrliche Texte und unverfälschte Klänge schaffen ein Album, das gleichzeitig zart und kraftvoll ist. "Evergreen" dokumentiert das Erwachsenwerden und die Unbeständigkeit des Lebens, bleibt dabei aber immer authentisch

Release 25.10.2024

Einfühlungsvermögen kann manchmal eine übermenschliche Kraft sein; es kann einen so tief mit Menschen verbinden, und diese Bindung bringt ein aktues Maß an Vertrauen und Liebe mit sich, das manchmal unvergleichlich ist. Mit der Energie und den Emotionen, die in diesem Moment übertragen werden, kann dieses Gefühl jedoch auch mit einer Zerbrechlichkeit einhergehen, die eine Gratwanderung darstellt. Wenn man majestätisch auf diesem Seil tanzt, sieht das für alle faszinierend aus, aber die Stürze können wirklich wehtun.

Wenn Beth Hart im Titelsong ihres neuen Albums »You Still Got Me« singt: »He asked me if I need a hug, I said I got nothin inside left to love and then he said, But baby ya still got, baby you still got me«, dann fühlt man das. Wer Beth Hart schon einmal live gesehen oder sich in ihre Musik vertieft hat, weiß, dass sie jedes Gramm ihres Wesens in ihre Songs steckt. Für all diese einfühlsamen Superkräfte braucht sie aber auch jemanden, der sie auffängt, wenn sie fällt.

Release 25.10.2024

Die mehrfach für den Grammy und den Mercury Prize nominierte und mit dem Brit Award ausgezeichnete Laura Marling ist mit ihrem achten Studioalbum "Patterns in Repeat" zurück. Nach nunmehr acht Alben und mehr als 15 Jahren in ihrer Karriere als eine der meistgefeierten, produktivsten und respektiertesten Songwriterinnen ihrer Generation will Laura mit "Patterns in Repeat" andere Räume besetzen und weiterhin überraschen: "Laura Marling ist nicht ganz die, für die du sie hältst." Geschrieben nach der Geburt ihrer Tochter im Jahr 2023 und aufgenommen mit ihr im Zimmer nebenan, reflektiert Laura auf "Patterns in Repeat" ihre eigenen Erfahrungen als Mutter. Die Musik stammt aus einer bestimmten und aufschlussreichen Zeit in Lauras Leben, aber sie setzt sich auch mit den Ideen und Verhaltensweisen auseinander, die wir über Generationen hinweg innerhalb der Familie weitergeben. Fast ausschließlich akustisch, mit minimalem Overdubbing und elegant gesetzten orchestralen Akzenten, ist dies die konzentrierteste und subtilste Songsammlung in Lauras Karriere.

Release 25.10.2024

tolle Kollaboration auf Humus Records: Aurélie Emery, Delia Meshlir, Elie Zoé, Gael Kyriakidis, Laure Betris, Melissa Kassab, Perrine Berger und Sara Oswald haben sich zusammengetan um einen tollen Tonträger zu veröffentlichen, mit wärmster Empfehlung!

Humus Records

Release 18.10.2024

Nach sieben Jahren melden sich Japandroids ihrem vierten und letzten Album, zurück. Das Album wurde zum Teil geschrieben, während das Duo aus Vancouver - Gitarrist und Sänger Brian King und Schlagzeuger und Sänger David Prowse - mit ihrem 2017er -Album "Near to the Wild Heart of Life" auf Tour waren. Das Album ist gleichzeitig eine Rückkehr zur Form und ein aufregender Schritt nach vorne, ein Beweis für die Art von Chemie, die sie im Laufe von 18 Jahren und Hunderten von Shows Seite an Seite verfeinert haben. Ihr Ziel war es einfach, Songs zu schreiben, die sie gerne live spielen würden, ohne dabei die Nuancen oder den Ehrgeiz zu opfern, die ihre vorherigen Werke auszeichneten. Nirgendwo auf diesem Album ist das deutlicher zu spüren als bei der Leadsingle "Chicago", einem Song, dessen schiere Dynamik sich unvermeidlich und wahrhaftig anfühlt - von der inhärenten Romantik seiner Anfangsakkorde bis hin zu der Reihe von Snare-geführten Explosionen, die ihn durchziehen. Wie der Rest von Fate and Alcohol wurde er in Vancouver mit dem langjährigen Mitarbeiter Jesse Gander aufgenommen, der auch die Alben Post-Nothing von 2009 und Celebration Rock von 2012 produzierte. "Das allererste Demo, das wir von "Chicago" haben, wurde am 4. Februar 2020 in unserem Jam-Space aufgenommen", sagt King, "und wenn man sich das anhört, klingt es nur wie eine Rohfassung dessen, was man auf der Platte hört. Aber es ist alles da. Das ist in gewisser Weise der idealste Umstand für eine Band wie uns: einfach etwas zu haben, das im Jam-Space richtig abgeht, etwas, das sich gut anfühlt, etwas, von dem man begeistert ist.

Release 18.10.2024

Die Entfernung als Maß für Zeit und Ort prägt Kelly Finnigans A Lover Was Born mit einer Härte und Anmut, die aus Leidenschaft eine Tugend macht. Die neueste Solo-Veröffentlichung des Monophonics-Frontmanns steht in der besten Tradition von Midwest-Soul-Labels wie King, Curtom, Dakar und der Bodie Recording Company. A Lover Was Born ist ein Zeugnis dafür, dass diese tiefgehenden Grooves sich nicht in Nostalgie erschöpfen, sondern im brennenden Herzen von Sehnsucht und Hoffnung liegen. Die Reise, auf die Finnigan den Hörer in den elf Tracks von Lover mitnimmt, spiegelt den Zustand der Bewegung und des Wachstums seit seinem Solodebüt The Tales People Tell (2019) wider. Diese beiden Platten bilden den Abschluss einer produktiven Periode, in der er zwei Monophonics-Alben, ein Weihnachtsalbum, ein Mixtape und eine ganze Reihe von Produktionen für andere Künstler (The Ironsides, Alanna Royale, The Sextones) veröffentlicht hat. "Es gibt nichts Besseres als Platten zu machen", sagt Finnigan. "Es fühlt sich an, als wäre das meine Bestimmung, der Grund, warum ich auf diese Erde gekommen bin. Kelly Finnigan schrieb in Kalifornien, Ohio und Staten Island und arbeitete mit alten Freunden innerhalb und außerhalb des Studios zusammen. "Ich arbeite gerne alleine, aber das ist nicht die Art und Weise, wie man eine Platte machen will - fast jeder, den ich für dieses Album hinzugezogen habe, hat schon mit mir gearbeitet, ist mit mir getourt oder hat viel Zeit mit mir verbracht." Max und Joe Ramey (The Ironsides), Jimmy James (Parlor Greens), Sergio Rios (Orgone), Joey Crispiano (Dap Kings) und Jay Mumford (alias J-Zone) tragen alle zum Gesamtsound von A Lover Was Born bei. Dramatische Einflüsse wie Isaac Hayes (man beachte das Piano in "Be Your Own Shelter") und Jerry Ragovoy werden mit Northern Soul Uptempo-Nummern zu Stompern wie "Get a Hold of Yourself" oder "Chosen Few" kombiniert. Finnigans Interpretation von Deep Soul ist in "Walk Away from Me" und "Love (Your Pain Goes Deep)" brillant eingefangen, während Boom Bap in den harten Stücken "His Love Ain't Real" und "Cold World" durchdringt. Langsamere Songs wie "Let Me Count the Reasons", das emotionale "All That's Left" und der mitreißende Albumabschluss "Count Me Out" zeigen die ehrliche und zärtliche Seite, die zu Finnigans Visitenkarte geworden ist. Dabei ist die Stimme rau und erdig _ in der besten Tradition von R&B-Shoutern wie Otis Redding, Lee Moses und David Ruffin. Die Songs auf A Lover Was Born rekonfigurieren die gespleißte und gesampelte DNA des Hip-Hop (extrahiert von Crate Diggern wie Dilla und RZA), um etwas Neues zu schaffen, das sowohl das Spektrum als auch die Tiefe des Soul unterstreicht und gleichzeitig die Zeitlosigkeit von Finnigans Sound unterstreicht.

Release 18.10.2024

Das vierte Studioalbum wird das erste sein, das sie bei ihrem neuen Label dh2 veröffentlicht - einem brandneuen Imprint für elektronische Musik beim renommierten Independent-Label Dirty Hit, das von George Daniel von The 1975 geleitet wird. Kellys kommendes Album "Dreamstate" vermittelt ein unglaubliches Gefühl von Freiheit und Eskapismus, das aus der Erfahrung der inneren Entwicklung nach einer Trennung entstanden ist. Es ist der Sound einer Person, die loslässt und alle anderen dazu ermutigt, das Gleiche zu tun. "Dreamstate" basiert auf der Zusammenarbeit mit Bicep, Tom Rowlands von The Chemical Brothers und George Daniel als Produzenten und Autoren.

Release 18.10.2024


Das vierte Album wurde Anfang 2024 in Somerset vom langjährigen Big Thief- und Laura Marling-Tontechniker Dom Monks aufgenommen und ist ein Moment des Erwachsenwerdens, inspiriert von Burnout, der Musikindustrie, Herzschmerz und der zunehmenden Vertiefung der Bandleaderin Dana Margolin in ihr eigenes Handwerk als Künstlerin. Margolins rücksichtsloser, sich selbst hinterfragender Schreibstil wird auf dem gesamten Album durch die bisher ergreifendste Musik der Band ergänzt, die sich geduldig aufbaut und tragisch intensiv ist. "Alle Songs begannen als Gedichte, ich wollte mich selbst herausfordern", sagt Dana Margolin über das Werk, aus dem "Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me" wurde. "In einem Song kann sich der Autor immer hinter den Tricks der Musik und altbekannten Techniken wie Wiederholungen verstecken. In einem Gedicht hingegen sind es nur Worte und das war's." "Vieles auf diesem Album handelt von einer frenetischen und verzweifelten Art von Liebe, es geht um den völligen Verlust meines Selbstbewusstseins in einer Beziehung und um den tiefen Rest von Unsicherheit und Schmerz, der eine neue Beziehung trübte." Lieder, die als Liebeslieder geschrieben wurden - wie "In A Dream I'm A Painting" - bekamen neue Bedeutungen, als Margolin die Lieder mit einer neuen Distanz betrachtete. "Es gab eine Menge Liebe und Verwirrung, alles durchsetzt mit Erschöpfung und Schmerz." Die Clouds-Sessions fanden in Frome statt, als der Winter zu Beginn des Jahres 2024 in den Frühling überging. "Es gab ein paar Zusammenbrüche", grinst Dana, eine faire Einschätzung der Aufnahme solch intimer und persönlicher Songs, "nach einigen Takes brach ich einfach auf dem Boden zusammen, so aufgebracht war ich." Es wurde ein Umfeld geschaffen, in dem Dana sich ausdrücken konnte und in dem sie gefördert wurde. "Wir hatten jeden Abend diese großen gemeinsamen Mahlzeiten", sagt sie, "es fühlte sich sehr eng und fürsorglich und warm und besonders an. Unser kleines Haus lag auf einem großen Hügel, ein Fluss floss hindurch, es war groß und hell und schön", erinnert sich Dana. Das Studio selbst war hell - voller strahlendem natürlichem Licht aus den großen Fenstern, ein Segen für Musiker, die an die abgeschottete Welt der meisten Aufnahmestudios gewöhnt sind, und zum ersten Mal konnten alle im selben Raum wie der Produzent aufnehmen. "Es fühlt sich an, als hätten wir zum ersten Mal etwas gemacht", erklärt sie und freut sich hörbar über das Album, "es hat etwas von unserer Freundschaft eingefangen und von der Art und Weise, wie wir gelernt haben, zusammen zu spielen. Ich liebe die Songs, ich liebe es, sie zu spielen, sie sind nicht alt geworden und es fühlt sich an, als wäre es etwas Besonderes." Eine Pause. "Es hat mich so viel gelehrt. Deinem Bauchgefühl zu folgen, auf deine Freunde und ihre Loyalität zu vertrauen, darauf zu vertrauen, dass du mit Leuten richtig kämpfen kannst. So will ich leben, so will ich Platten machen, denn Platten machen ist mein Leben, denn meine Arbeit ist mein Spiel, mein Job ist mein Leben. Alles ist in dieser Sache miteinander verbunden, und es gibt Wege darin, die mich nicht umbringen."

Release 4.10.2024

Auf ihrem neuen Album nehmen Puts Marie das Publikum mit in handgemachte Taubenschläge, zerfallene Hotels und schummrige Sexclubs. Töne, Geräusche und Rhythmen aus unterschiedlichsten Richtungen fügen sich zusammen zu düsteren Stimmungsbildern mit einer eigenen kompromisslosen Ästhetik, fernab von klassischen Songstrukturen. Oft ruhig, immer intensiv, zwischendurch treibend und sogar mit einem Hauch von verführerisch trauriger Schönheit. Wer es wagt, sich darauf einzulassen, wird gefesselt und kommt nicht mehr los. Mit der Musik ist es wie mit dem Whisky: Wirkliche Tiefe entsteht nur durch langes Reifen. Diese Reifezeit hat sich Puts Marie aus Biel genommen. Seit der Gründung vor mehr als zwanzig Jahren hat sich die Band ständig weiterentwickelt und neu erfunden. Sie hat mit Zutaten von Indierock über Jazz bis zu Rap experimentiert, ohne sich je in einer Schublade festzusetzen. Auf dem neuen Album «Pigeons, Politicians & Pin-Ups During the Endtime of Mankind», das im September 2024 erscheint, mischen die fünf Musiker das breite Spektrum an Ingredienzien aus ihrem Küchenschrank gezielt und mit dem richtigen Mass zu einem ganz eigenen tiefgründigen Sound.War das letzte Album komplett improvisiert, hat sich Puts Marie nun wieder auf Songs konzentriert, allerdings ohne sich um Strophe-Refrain-Schemen, Radiotauglichkeit oder andere Erfolgsrezepte zu kümmern. Langsam aber unaufhaltsam bauen sich klangliche Landschaften auf, verschmelzen die Töne und Rhythmen zu einem reissenden Strom, der auch mal überraschend in einen friedlichen See mündet, in welchem sich dann aber beim genauen Hinhören wieder gefährliche Strömungen abzeichnen. Die prägenden Zutaten sind ein reduzierter Gitarrensound, die anachronistischen Klänge der Farfisa-Orgel, pulsierende Rhythmen von Bass und Schlagzeug und darüber die eindringlichen Geschichten, die oft beinahe sprechend, dann aber auch wieder in mehrstimmigen Harmonien erzählt werden. Kein Instrument steht im Vordergrund, stattdessen hat die Musik reichlich Raum, um sich voll zu entfalten und im vielschichtigen Zusammenspiel eine hypnotische Kraft zu entwickeln. Entstanden sind die sechs Songs weitgehend im Übungsraum. Unfertige Ideen und Fragmente wurden gemeinsam bearbeitet, durch den Fleischwolf gedreht, gebruzzelt, geköchelt, geräuchert, bis sie vom ersten bis zum letzten Bissen nach Puts Marie schmeckten, rochen und klangen. Festgehalten hat Puts Marie das alles auf handfestem Tonband, stets auf dem schmalen Grat zwischen Rohheit und Raffinesse. Ein eigensinniges Album, das die Hörerinnen und Hörer mitnimmt auf eine Reise bedrohlichen Abgründen entlang, sie aber nie abstürzen lässt und immer mal wieder einen Hoffnungsschimmer am Horizont aufblitzen lässt.

Release 11.10.2024

Mich Gerber und sein Kontrabass – das steht für kontemporäre Instrumentalmusik, geprägt von den Weiten und der Ruhe grenzenloser Landschaften. Seine Musik erzeugt mit ihren atmosphärisch dunklen und weiten Klangflächen traumartige und sehnsüchtige Zustände.

DRIFTING CLOUDS ist abstrakte Musik mit Emotionalität, das Produkt Mich Gerbers aus der Auseinandersetzung mit Minimal music, Drones und Patterns. Wir hören anhaltende Klänge, Noten und Tonclustern, wiederkehrende Strukturen, mal mit und mal ohne Rhythmus. Mich Gerber stellt diese Klänge gestrichenen und gezupften Melodien gegenüber. Das erzeugt eine faszinierende Dualität, mit der er experimentiert.

DRIFTING CLOUDS ist die Übertragung eines monochromen Bildes von der Malerei in die Musik. Wir betrachten nicht einfach eine Farbe, sondern zahlreiche Schichten mit Tiefenwirkung die auf einem komplexen Aufbau basiert.

Das Album Drifting Clouds – wenn die Musik vorbeizieht
Beobachten wir den Himmel, stellen wir fest, dass Wolken fortlaufenden Veränderungen unterworfen sind. Eine Wolke bildet sich, wenn bestimmte komplexe physikalischen, rückkoppelnde Prozessen es begünstigen. Und sie löst sich auf, wenn die rückbildenden Prozesse die Oberhand gewinnen. Dazwischen wandelt sie sich stetig, bleibt immer in Bewegung, wird verzerrt, verdichtet, geformt und verformt. Und vielleicht fragen wir uns: Was war davor? Wo waren die Wolken, als der Himmel stahlblau war? Was bleibt danach? Wohin ziehen sie sich zurück, wenn sie aufgelöst sind?

DRIFTING CLOUDS entstand, als die komplexen Bedingungen günstig waren, damit sich am stahlblauen Himmel eine driftende Wolke bilden könnte. Mich Gerber hat die Musik in einem einzigen Guss als first take im Studio Greencube bei Björn Meyer aufgenommen und lässt uns mit dieser Musik an seiner eigenen Wolkenbildung, -wandlung und -auflösung teilhaben.

DRIFTING CLOUDS ist eine Einladung, unsere Aufmerksamkeit dem Flüchtigen zu widmen, dem Vorbeiziehenden, den Veränderungen. Wir tauchen ein in einen musikalischen Strom, ergeben uns dem Sog, im Wissen, dass diese Musik von irgendwoher kommen und irgendwohin ziehen muss. Ohne Pause, ohne Unterbruch, in der Schönheit der Vergänglichkeit, rund eine Stunde lang. Wir spüren, dass die Musik schon da war, bevor wir sie zu hören beginnen. Gleich der Wolke, deren Grundvoraussetzungen da waren, bevor sie sich am Himmel gebildet hat und sichtbar wurde. Und wir haben die Gewissheit, dass die Musik bleibt, auch wenn sie verklingt, wenn sie sich rückbildet und auflöst.

Release 11.10.2024

Das sechste Studioalbum der beliebten Post-Hardcore-Band, produziert von Ross Robinson (Korn, Glassjaw, Slipknot) und mit Features von Lou Barlow und Julien Baker. Leadsänger Jeremy Bolm sagt, dies sei eine "Platte über Vorwärtsbewegung, während alles um einen herum destabilisiert wird

Release 4.10.2024

Das Wunder von Bern – in diesem Fall heißt sie LEILA und ist aktuell eine der aufstrebenden Newcomer:innen. Die bosnisch-schweizerische Künstler:in erreichte mit ihrer ersten Veröffentlichung “Gun To My Head” über eine Millionen Streams auf Spotify, spielte bereits eine erfolgreiche Supporttour für Jeans for Jesus und absolvierte ihre ersten Festivalauftritte.
Aufgewachsen in den Quartieren von Bern, entdeckte LEILA schon früh ihre Leidenschaft für die Musik und das Songwriting. Sie gilt als die neue Stimme der jungen Generationen und das spiegelt sich auch in ihren Texten wider. Ihre Songs sind ehrlich, nahbar, und gesellschaftskritisch.

Release 11.10.2024

Isolation Berlin sind Max Bauer (Gitarre/Orgel), David Specht (Bass), Simeon Cöster (Schlagzeug) und eben Tobias Bamborschke (Gesang und Gitarre). Nach einer EP-Collection und drei Alben ist "Electronic Babies" nun ihr viertes Album und erscheint am 11.10.2024 Seit die Selbstinszenierung des Einzelnen zum Ultimum erklärt wurde, sind Bands aus der Mode gekommen. Zeitgeistigen Aspekten steht die Band Isolation Berlin jedoch mit Sicherheit gleichgültig gegenüber. Stattdessen kreieren sie ihr eigenes Genre und nennen es treffend Protopop. Tobias Bamborschkes Gesang ist eindringlich, melancholisch, mitunter nihilistisch. Das Spektrum der Band reicht von Pop über Rock bis zum Chanson. Und es ist gewiss kein Zufall, dass Sven Regener von Element of Crime auf dem neuen Album als Trompeter in Erscheinung tritt. Auch die Shoegazing-Anklänge des Plattencovers kommen nicht von ungefähr. Aber viel wichtiger sind das Leid, die Wut und der Humor in der Musik von Isolation Berlin. So etwas findet sich heutzutage nur noch selten. Aufgenommen, arrangiert und produziert haben Isolation Berlin "Electronic Babies" in ihrem eigenen Proto-Pop-Studio. Für zwei der elf Titel hat sich die Band allerdings Moses Schneider als Co-Produzenten hinzugeholt. Das will was heißen, denn bisher haben Isolation Berlin Produzenten strikt abgelehnt und stets alles komplett selbst gemacht. Dass sie dazu in der Lage sind, haben sie längst bewiesen und beweisen sie auch auf diesem Album wieder. Danke Isolation Berlin für Eure Musik!

Release 4.10.2024

Insgesamt enthält das von Sam Petts-Davies produzierte Album, das auf "Wall of Eyes" aus dem Januar und das 2022er-Debüt "A Light For Attracting Attention" folgt, zehn neue Tracks. "Cutouts" wurde zur gleichen Phase wie "Wall Of Eyes" in Oxford und den Abbey Road Studios aufgenommen und enthält String-Arrangements vom London Contemporary Orchestra. Das Artwork von Stanley Donwood und Thom Yorke entstand während der Aufnahmen. "Cutouts" ist bereits das zweite Studioalbum der Band in weniger als einem Jahr. Sein Vorgänger erreichte Platz 4 der deutschen Albumcharts und die Nummer 3 in UK. Thom Yorke veröffentlichte im April außerdem den Score zu Daniele Luchettis Film "Confidenza" und kündigte eine Solotour für Neuseeland, Australien, Singapur und Japan an. Jonny Greenwood arbeitet aktuell am Score zu Paul Thomas Andersons kommenden Film "The Battle of Baktan Cross". Tom Skinner hat das Album "Voices of Bishara Live at mu" veröffentlicht und tourt mit seinen Soloarbeiten im Rahmen internationaler Jazz-Festivals.

Release 4.10.2024

Die schlimmen Kriegsereignisse in Nahost bestimmten die Titelgebung des 9ten Albums des kanadischen Postrockkollektivs genauso massiv wie sie auch die Band beschäftigte, die heftig darüber diskutierte und stritt, bevor sie aufnahm. Das hatte auch Konsequenzen bei der musikalischen Entstehung der wie immer ellenlangen Songs, die teils eine ganze LP-Seite ausfüllen. Das drohende Kriegsunheil und das Aufkeimen des Bösen ist schon immer wieder spürbar, auch wenn der bekannte ästhetische Rahmen nicht anders als auf den vorhergehenden Alben klingt. Z.B. auf der dritten LP-Seite in "Devils own this town": Von dumpfen Schlägen durchbrochene mahlende Distortiongitarren und die den GYBE immer auch mit prägende Geige schwingen sich lautmalerisch auf, dann kommen fernöstliche Klänge ins Spiel, dann zerreisst eine geschrammelte Gitarre den Aufbau. In den wiederum rein instrumentalen Stücke verbinden sich Kummer, Schmerz und Angst vor der Brutalität (drohenden) Krieges. GYBE zeigen sich spielfreudig und wirken hochemotional in den epischen Stücken, die unerwartete Wendungen nehmen, sich immer wieder steigern, abfallen, sich verändern und wenig Grund für Optimismus bieten.

Release 4.10.2024

Das neue Album behandelt die letzte Reise der US-amerikanischen Flugpionierin Amelia Earhart, die den Spitznamen "Aviatrix" trug. Schon als 25-jährige stellte Earhart 1922 einen neuen Frauen-Weltrekord in erreichter Flughöhe auf. In den Folgejahren überquerte sie als erste Frau im Alleinflug den Atlantik und den Pazifik. Daneben stellte Earhart mehrere Geschwindigkeits- und Entfernungsrekorde auf. 1937 kündigte sie schließlich an, dass sie in ihrem Lockheed-Flugzeug Modell 10-E Electra die Welt umrunden wolle. Sie überquerte Amerika, Afrika, den Nahen Osten und Asien. Am 2. Juli 1937 verließ sie Papua-Neuguinea, um zur Howlandinsel im Zentralpazifik zu fliegen - wo sie jedoch niemals ankam. Seither kursieren verschiedenste Mythen über das Verschwinden Earharts, denn trotz der bis dahin größten Suchaktion in der Geschichte der Luftfahrt, konnten weder das Flugzeug noch sie oder ihr Begleiter jemals aufgefunden werden. Genauso wie das Leben Earhearts steckt auch "The Last Flight" voller Kraft und Willen. Es beschwört Abenteuer, Geschwindigkeit und Freiheit, erforscht aber auch die psychologischen Tiefen eines einzigartigen und bewundernswerten Menschen. Das Album wurde größtenteils im bandeigenen Studio im Südosten Londons produziert - mit Ausnahme der Streicher des London Contemporary Orchestras, die in den The Church Studios im Norden Londons aufgenommen wurden. Musikalische Gäste auf "The Last Flight" sind unter anderem Carl Broemel von My Morning Jacket an der Pedal Steel, die Berliner Stimmen Andreya Casablanca und EERA, die beide bereits auf Bright Magic (2021) zu hören waren, sowie Kate Stables von This Is The Kit. Die wie "O-Töne" klingenden Stimmen auf dem Album sind überraschenderweise keine Originalaufnahmen, sondern von Schauspieler:innen eingesprochen Dialoge, u.a. von Kate Graham, die Amelia liest. Diese Aufnahmen wurden anschließend nachbearbeitet, um ihnen den typischen Klangcharakter und verzerrten Sound der dreißiger Jahre zu verleihen. Ausgangspunkt für die Dialoge waren Earharts Erfahrungsberichte, darunter Last Flight von 1937, sowie die Biografie East To The Dawn von Susan Butler.

Release 4.10.2024

Ein Jahr nach ihrem Debüt hat das Zürcher Instrumentalduo Chauffeur et Parlak mit In Chromatic Tension ein zweites Album veröffentlicht, das nahtlos an die Ästhetik der ersten Stücke anknüpft. Sie bewegen sich weiterhin elegant zwischen rauen Rock-Riffs, sphärischen Klängen und Latin-Rhythmen - und verbinden diese Spannung zwischen ihren musikalischen Wurzeln und ihrer Leidenschaft für exotische Tonleitern und seltsame Instrumente zu zwölf neuen lebendigen Stücken.

Release 4.10.2024

Als Nachfolger des 2020 erschienenen "Suddenly" kommt "Honey" als eine faszinierende neue Art von Caribou-Platte daher. Nachdem er 2014 sein ganzes Herzblut in die Grammy-nominierten Our Love und Suddenly gesteckt hat, nimmt sich Snaith für sein sechstes Caribou-Album ein wenig zurück, um Musik zu machen, die sich nicht um eine bestimmte Person dreht und für jeden zugänglich ist. Eine Platte, die einen packt und bewegt wie sein anderes Alter Ego Daphni, bevor sie einen wiegt und erhebt wie Caribou. Riesige Dancefloor-Tracks glitzern, schimmern und überraschen auf eine Art und Weise, wie es nur Snaiths Produktionen können, aber mit einer Frische, die einen Künstler definiert, der zu begeistert vom Musikmachen ist, um sich jemals wirklich auf einen Sound festzulegen

Release 4.10.2024

Der mit Spannung erwartete Nachfolger des 2022 erschienenen, selbstbetitelten Debüts von Thee Sacred Souls, Got A Story To Tell, enthält 12 komplett neue Songs und ist ein beeindruckendes Zeugnis der exquisiten Handwerkskunst dieser jungen Band aus San Diego, deren Geschichte von Tag zu Tag größer wird. Aufgenommen und produziert von Gabriel Roth bei Penrose Recorders, im Daptone-Studio in Riverside, Kalifornien, und geschrieben inmitten des Supports für ihr Album 2022, das auf große Begeisterung stieß und sie auf große Tourneen rund um die Welt brachte. Was auf Got A Story To Tell zusammenkommt, ist eine Würdigung von Jahrzehnten der Soulmusik und darüber hinaus - ein Sound und ein Gefühl, das zeitlos ist, gelebt wird und sehr im Jetzt ist. Der Opener des Albums, Lucid Girl", ist ein Loblied auf unabhängige Frauen, untermalt von den härtesten Drums und Bässen, die die Band je aufgenommen hat. "Waiting On The Right Time" schleicht sich mit einem Hauch von langsam brennender Psychedelik an. "On My Mind" besitzt eine mitreißende Orchestrierung, in der Lane die Komplexität der Suche nach dem Glück und die Balance zwischen dem Guten und dem Schlechten beschreibt. Das Album wird von Streichern und quietschenden Gitarren, trudelndem Klavier, Conga-Klängen und Bläsern untermalt - ein spannendes, vielschichtiges Hörerlebnis, das sich auch nach mehrmaligem Durchlauf lohnt.

Release 4.10.2024

Black Midi war von Anbeginn der Band ein illustres wie kreatives Tummelbecken für die Mitglieder der britischen Band - nun löst sich Geordie Greep mit seinem bei Rough Trade Records erscheinendem Solo-Debüt noch mehr von jeglichen Einschränkungen und Kompromissen! Eines der Hauptthemen von Anthony Powells Roman "A Dance to the Music of Time" ist der Kontrast zwischen jenen Charakteren, die nur von Macht getrieben werden, und jenen, die mehr mit den sinnlichen Freuden des Lebens in Einklang stehen. Unweigerlich holen die Zeit und das Schicksal jeden Protagonisten ein, und der Leser kann darüber nachdenken, ob ihr Schicksal gerechtfertigt ist oder nicht. "The New Sound" wirkt oft wie eine Wiederholung von Powells Thema, untermalt von einem schrägen - und völlig verkabelten - Palm Court Orchestra. Das Album ist mit Sicherheit eines, das den Hörer über die gesamten elf Tracks hinweg voll in seinen Bann zieht. Greep: "Ich war besorgt wegen der Länge, um nicht zu viel zu verraten. Aber ich bin es auch verdammt leid, Musik zu hören und im Voraus zu wissen, was sie bedeutet oder was sie zu tun versucht. Bei all meiner Lieblingsmusik geht es darum, dass der Hörer sich mit dem auseinandersetzt, was vor sich geht. Meine Lieblingssänger, wie Peter Hammill oder Nat King Cole, sind buchstäblich einmalig. Das liebe ich. Vor allem bei Texten, bei denen man nicht genau weiß, worum es geht, aber man weiß, dass es nicht nur abstrakte Gedanken sind."

Release 4.10.2024

Mit The Hard Quartet hat sich eine Band zusammengetan, der man mit Blick auf ihre Mitglieder wohl den ein oder anderen Superlativ zuschreiben kann. Immerhin tummeln sich hier mit Stephen Malkmus, Matt Sweeney, Emmett Kelly und Jim White vier Musiker und Songwriter, die mit prägenden Größen des Indierocks assoziiert werden: Pavement, Chavez, Ty Segall, The Cairo Gang, Bonnie "Prince" Billy, Guided By Voices, Cat Power, Dirty Three und Bill Callahan sind nur ein Bruchteil der musikalischen Institutionen, bei denen die vier ihre Finger (und Stimmen) im Spiel haben. Über das selbstbetitelte Debüt von The Hard Quartet wird m Netz schon seit Bekanntwerden der Gründung der Band angeregt spekuliert: "Es ist einfach ein vertrauensvolles Umfeld, in dem alle bereit sind zu sagen: Komm wir werfen unseren ganzen Kram in einen Topf und machen daraus etwas Größeres", so die Band dazu. Dass es trotz der getrennten musikalischen Biographien so gut läuft, ist aber sicher auch der Tatsache zu verdanken, dass sich die Wege der Vier schon zuvor immer wieder gekreuzt hatten. "Ich habe eine geradezu vorzeitliche Geschichte mit Stephen und Jim", so Matt Sweeney. "Nun, zumindest reicht sie bis in die Neunziger. In jüngerer Vergangenheit war es dann Emmett, der einen wirklich tiefen Eindruck bei mir hinterlassen hat. So sehr, dass es die Art verändert hat, wie ich übers Spielen denke." Das Album vereint die Stärken von Malkmus, Sweeney, Kelly und White, oszilliert zwischen sonnigem Slacker-Rock und Noise-Experimenten und dürfte alle mit einem Faible für die goldene Ära des US-Indierock begeistern.

Release 4.10.2024

Seit ihrer Gründung 2016 hatten sich Gewalt mit unerbittlichen Riffs und Bassläufen in das kollektive Gedächtnis ihrer Hörerschaft gebrannt. Auf „Doppeldenk“ war es ihnen ein Anliegen, jene Motive in die Explosion zu lenken. Den Spannungsbögen der Lieder verleiht das gehörig Suspense. Ihre Zugewandtheit gegenüber klanglichen Experimenten und Amüsements hingegen schenkt ihnen ein Funkeln. Es dürfte ein Ding der Unmöglichkeit sein, diese Platte in einem einzigen Genre zu verorten. Elektronischer als ihr Vorgänger ist sie geraten, das darf mit Sicherheit geschrieben werden. Binnen zehn Stücken ballen Rilke, Henfling und Wagner Versatzstücke aus Industrial, Postpunk und Elektro zu einem Donnerhall gegen die Perversionen dieser Welt. In George Orwells „1984“ setzt die herrschende Kaste die Gesetze der Logik außer Kraft. Die Lügen verbreitet sie mit einem derartigen Eifer, dass sie aufrichtig beginnt, ihrem eigenen Schwindel zu glauben. Unbequem gewordene Tatsachen werden vertuscht und falls nötig wieder aus der Vergessenheit zurückgeholt. Man verleugnet die Existenz einer objektiven Realität und akzeptiert sie im selben Augenblick. „Doppeldenk“ bezeichnet Orwell dieses heuchlerische Phantasma. Heute ist seine Dystopie an manchen Orten Wirklichkeit geworden. Verstehen wir diese Platte als Notschrei. Bis Gewalt mit „Doppeldenk“ eine gnadenlose wie markerschütternde Anklage gegen die Welt erheben, sollte ihr Fortbestand zunächst auf die Probe gestellt werden. Als Jasmin Rilke, Helen Henfling und Patrick Wagner sich einem zweiten Musikalbum verschreiben, kennt ihre Automat gewordene Band nur eine Richtung: Jahrelang und schnurstracks rollte die Maschine vorwärts. Für ekstatische Auftritte kam sie zum Stehen in Paris, Ljubljana, Innsbruck, New York. Derweil blühte heimlich der Rost – so lange bis sie in ihrem Inneren erstarrte. Nach der Veröffentlichung des Langspieldebüts "Paradies" (2021) hatten Gewalt das Proben weitgehend eingestellt und dafür hundertzwanzig Konzerte gespielt. Zwar wurden sie sich dabei der Wucht und Wirkung jener bestehenden Stücke gewahr, doch ließ die Wiederholung ihre Schaffenskräfte versiegen. Dass Routine die Feindin einer jeden Künstlerin ist, wird augenfällig im winterlichen Wien. Von acht Tage langer Studioarbeit bleibt am Ende: nichts. Unverrichteter Dinge kehren Patrick Wagner und Helen Henfling nach Deutschland zurück. In der Gitarristin beginnt ein regelrechter Hass auf Gitarrenmusik zu wuchern. Folgerichtig ersteht die Band bei einer abermaligen Studiowoche in der österreichischen Hauptstadt einen Synthesizer. Irgendwann einmal hatte der Roland TB-303 die Musikgenres Acid House und Acid Techno geprägt. Vierzig Jahre später weist er Gewalt den Weg zu ihrem zweiten Album. Nachdem zehn Tage im Berliner Proberaum den Knoten endgültig lösen, produziert Dennis Jüngel „Doppeldenk“ im Hamburger Clouds Hill Studio. Nur einen Wunsch trägt das Trio an seinen Produzenten heran: Wenn ihn das Gefühl umkomme, der Refrain mache ein Lied nicht geiler, solle er unverzüglich einschreiten. Eine Maßregel setzen sie sich obendrein selbst: Zu jedem einzelnen ihrer Abgesänge sollen die Menschen tanzen können, als gäbe es kein Morgen

Release 27.9.2024

Die Trauer über das tragische Ableben seiner Ehefrau und musikalischen Partnerin bei Low, Mimi Parker, lässt sich vielleicht tatsächlich am besten wegsingen. Wobei sein erstes Soloalbum sich gar nicht so sehr in Mollfarben bewegt wie ein Low-Album. Das Album stellt eine Art Zäsur da. Sparhawk experimentiert hier in unterschiedlichen gesanglichen Ausdrucksformen mit dem autotune- bzw. Vocoder-Effekt. Sein dauerhaft verfremdeter Gesang lullt einen förmlich ein, begleitet wird er von Drumcomputer und Sequencer-Synthlines. Jede Note, jeder Text, jeder programmierte Beat stammt von Alan, der die musikalische Trauerarbeit im Alleingang zu bestreiten scheint. Dieser elektronische Ansatz mag zwar prinzipiell an die letzen beiden Low-Alben anknüpfen, die Songs bewegen sich aber wegen des prägnanten dauerhaften Stimm-Effekts in deutlich melodischerem Terrain, auch wenn Sparhawk auch hier Electronic auf abstrakte Weise einsetzt auf einem straffen, auf seine Weise brillanten, für Low-Fans eher provokantem, aber nichtsdemsotrotz in sich sehr stimmigen Album, dessen kühne Experimente von tiefgründigen Texten und treibenden wie abstrakten Beats gespeist werden.

Release 27.9.2024

2LP auf 180g-Vinyl mit Klappcover. CD im Digipak.

Soundtrack zu Charly Hübners Film über EOC, der die Geschichte und von der Gegenwart der Band erzählt. Es geht um Musik, Freundschaft, eine Haltung zur Welt und über das Geheimnis, wie man über 30 Jahre zusammen Musik macht. Er folgt der Band auf einer Tournee durch Berlin, die eigens zu diesem Zweck organisiert wurde und die die Band durch Spielorte führt, die in ihrer Unterschiedlichkeit, von klein zu groß, von Club zu Open Air, stellvertretend stehen können für die über Jahrzehnte sich erstreckende Entwicklung der Band. 16 Songs.

Release 27.9.2024

Der Titel von Mustafas meisterhaft ausgearbeitetem und atemberaubend zärtlichem Album bedeutet aus dem Arabischen übersetzt so viel wie "die Welt mit all ihren Fehlern". Ein hochtrabendes Thema für einen jungen Songwriter, aber wie bei jedem Thema, das im Mittelpunkt der Arbeit des sudanesisch-kanadischen Künstlers steht - von religiöser Hingabe bis zu Kindheitstraumata, von Bandengewalt bis zu romantischer Intimität - nähert er sich durch eine persönliche Sichtweise. Er mischt Genres und Stimmungen, verwebt romanhafte Details in einprägsame Folksongs und hat ein Album geschaffen, das sich wie eine Reihe persönlicher Durchbrüche anfühlt, die einer nach dem anderen eintreffen. Was zuerst an Mustafas Musik auffällt, ist seine Art zu schreiben: ein einfacher, durchdringender Ton, der jede Geschichte so roh und ernsthaft wirken lässt wie die Worte eines Liebesliedes. Mit seinem leisen Vortrag, der seine Umgebung zum Schweigen bringen kann, entwickelte sich Mustafa schnell vom Wunderkind, das in seiner Heimatstadt Toronto Gedichte rezitierte, zu einer Kraft, die hinter den Liedern steht und Popsongs schreibt. Auf "Dunya" ist er zu einem eigenständigen Autoren gereift. "Ich versuche, das gewöhnliche Leben im Ghetto zu bewahren und zu feiern", beschreibt Mustafa seine lyrische Inspiration. Die Songs, in denen er sein Aufwachsen und seinen weiteren Lebensweg beschreibt, sind gleichermaßen entwaffnend in ihrer Einfachheit und vielschichtig in ihrer emotionalen Bandbreite. Durch die Zusammenarbeit mit Aaron Dessner, Rosalía, Clairo, Nicolas Jaar und anderen sowie Mustafas langjährigem kreativen Partner Simon Hessmann offenbart die Musik eine selbstbewusste, unverwechselbare Stimme, die noch nie so massenkompatibel geklungen hat.

Release 27.9.2024

Neuntes Soloalbum des Ex-Sonic Youth-Gitarristen/Sängers. Einige der Songs wurden in Europa und Großbritannien geschrieben und arrangiert und enthalten lyrische Verweise auf ihre Umgebung und sind von der Natur, luzidem Träumen und modernem Tanz beeinflusst. Im Jahr 2023 wurden zwei Singles veröffentlicht: das energiegeladene, non-album, von Isadora Duncan inspirierte 'Isadora' mit einem Musikvideo mit Sky Ferreira in der Hauptrolle. Und "Hypnogram", welches die Presse als eines der intensivsten Stücke bezeichnete, die Moore je veröffentlicht hat, verbindet die melodischeren Momente seiner früheren Band Sonic Youth mit den vielschichtigen, berauschenden Schnörkeln der Hauptband seiner Bassistin Deb Googe, My Bloody Valentine. Das neue Material vermittelt eindringlich das Gefühl von Träumen und lässt die Fans gespannt sein, was der Amerikaner mit seinem Album vorhat." 2024 dann die mitreißende Earth-Day-Hymne 'Rewilding': Der Musiker lieferte erschütternde Zeilen, als er über die Entfernung der menschlichen Hand aus der Natur nachdachte: "...Don't stir anything...". Moore sang über Erneuerung und eine Zeit für Freunde der Erde, um zu schlafen und einen natürlichen Weg zu verwirklichen, indem man "Korallenmorphologisch träumt". Der Musiker sagte, die britische Rewilding-Bewegung strebe danach, den menschlichen Einfluss auf Ökosysteme zu reduzieren. Die Texte sind größtenteils wieder vom Künstler Radieux Radio verfasst. Der Name "Flow Critical Lucidity" stammt aus dem Text von "Sans Limites", und auf dem Cover des Albums ist Jamie Nares' "Samurai Walkman" zu sehen - ein Helm, der mit Stimmgabeln ausgestattet ist. Jamie Nares (geboren in Großbritannien) ist ein lebenslanger Freund von Thurston Moore aus dessen New Yorker No-Wave-Tagen und die beiden haben schon oft zusammengearbeitet. Mit dabei sind außerdem Jon Leidecker, James Sedwar, Jem Doulton sowie als Backing Vocals-Gast Laetitia Sadier von Stereolab .

Release 27.9.2024

JD McPherson hat mit seinem neuesten Album etwas Einzigartiges und Erstaunliches geschaffen. Es ist eeine erste Albumveröffentlichung seit dem von der Kritik hochgelobten Weihnachtsklassiker "Socks" von 2018. In den letzten fünf Jahren war McPherson stets damit beschäftigt, neue Songs zu schreiben und gleichzeitig mit Alison Krauss und Robert Plant zu touren. Als Musiker auf Tournee hat man die Möglichkeit, sich die Sehenswürdigkeiten anzusehen, die Stadt zu erkunden und sich im örtlichen Plattenladen inspirieren zu lassen. Mit "Nite Owls" wollte JD etwas Neues und Anderes ausprobieren. Er wollte sich von verschiedenen Jahrzehnten und Stilen inspirieren lassen und sie in seinen eigenen Sound einfließen lassen. "Die ursprüngliche Idee für die Platte war: Es ist so, als wären die Ventures aus den späten 60ern die Session-Band auf der ersten New-Order-Platte." Sagt McPherson. Die Idee wurde umgesetzt. Nite Owls liefert den charakteristischen Sound von Vintage-Garage-Rock und schlägt gleichzeitig eine nahtlose Brücke zu den Klängen von Bowie und Alan Vega. Songs wie "Sunshine Getaway", "The Rock and Roll Girls" und "I Can't Go Anywhere with You" klingen, als würde Chuck Berry mit Buddy Holly jammen. Während Songs wie "Nite Owls" und "Don't Travel Through the Night Alone" eine Anspielung auf den Factory-Sound aus Großbritannien darstellen. Der Sound des einzigen Instrumentalstücks "The Phantom Lover of New Rochelle" würde Dick Dale zum Reiten und Link Wray zum Grummeln bringen. Mit Nite Owls lässt sich McPherson von verschiedenen Genres der Vergangenheit inspirieren und kombiniert sie zu einem ganz eigenen Sound.

Release 27.9.2024

Das zweite Album wurde größtenteils in Eigenregie geschrieben. Auch wenn es sich nicht so anhört - es besteht aus starken, zielgerichteten Arrangements mit einer riesigen Schar von Musikern, erfüllt von einhüllendem Raum und warmem Licht. Das wird auch jeden überraschen, der Naima in der Zeit seit der Veröffentlichung ihres Debüts Giant Palm (2022) gesehen hat, das zweifellos ein Gemeinschaftserlebnis war. Aber auch die Einsamkeit hat ihre Kraft. Giant Palm wurde gemeinsam mit Joel Burton arrangiert, aber auf der Suche nach etwas, das wirklich ihr eigenes ist, entdeckte Naima, dass sie zu mehr fähig ist. "Nachdem Joel und ich nicht mehr zusammenarbeiteten", erinnert sie sich, "war es ein Ding der Unmöglichkeit, selbst Arrangements zu machen, aber dann fing ich an, Geige zu lernen, und es war möglich". Die Erkenntnis, dass sie es alleine schaffen kann, war unglaublich stark für Naima: "Ich glaube, ich brauchte das, um stolz auf etwas sein zu können". Abgesehen vom Schreibprozess ist die Platte jedoch keine nüchterne, abgehobene Angelegenheit. Below_ hat immer noch die Erhabenheit, die Giant Palm so bemerkenswert machte. Nachdem sie die erste Platte vom Himmel heruntergeholt und auf der Erde ausgebreitet hat, findet Naima eine neu entdeckte stimmliche Kraft und Zuversicht, die aus Hunderten von Stunden auf der Bühne geboren wurde, und die Musik klingt voller, greifbarer und nicht weniger umhüllend. Das kann man auf den ersten Singles des Albums hören: "Kaley" fühlt sich frisch und überraschend an, ist aber mit seinen schwungvollen, jubelnden Refrains eindeutig Naima. Das begleitende "Further Away" schlägt einen anderen Weg ein und besticht durch seine Schlichtheit. Das verschwommene, luxuriöse "Feed My Release" schließlich knüpft an die sepiafarbenen Traditionen von The Roches, John Prine und Loudon Wainwright III an und verbindet sie mit der Art von bekenntnishaftem Songwriting von Mount Eerie. Es sind ehrgeizige, reichhaltige Arrangements, die lyrisch tiefer und dunkler reichen als Giant Palm. Below a Massive Dark Land wurde hauptsächlich von Jack Osborne (Bingo Fury) und Joe Jones produziert und in The Crypt im Norden Londons aufgenommen, mit zusätzlicher Produktion und Arrangement von Oliver Hamilton (Caroline, Shovel Dance Collective) und Naima selbst. *

Release 27.9.2024

UK-Indierock-Koryphäen Maximo Park kündigen ihr achtes Studioalbum "Stream Of Life" an, das am 27. September über Lower Third erscheinen wird. Auf dem Weg zu "Stream Of Life" hat sich die Band aus Newcastle erneut mit Ben Allen (Gnarls Barkley, Animal Collective) zusammengetan, dem Grammy-prämierten Produzenten des Vorgänger-Albums 'Nature Always Wins' aus dem Jahr 2021. Die Band befindet sich in der vielleicht nachdenklichsten Phase, in der sie je war. Leadsänger Paul Smith, dessen Stil sich vermutlich als Literatur-Pop beschreiben lässt, hat den Titel des Albums einer Kurzgeschichte der ukrainischstämmigen brasilianischen Schriftstellerin Clarice Lispector entnommen, inspiriert von ihrem Bewusstseinsstrom und der Art und Weise, wie sie zum Nachdenken über die inneren Mechanismen der Menschen anregt. Sie wirft die Frage auf, warum wir die Dinge tun, die wir tun, selbst wenn sie für Außenstehende kontraintuitiv erscheinen. Jedes Individuum hat einen inneren Fluss - einen Strom des Lebens.

Release 20.9.2024

Manu Chao reist seit Jahren um die Welt, um seine Fans an ungewöhnlichen Orten, in Dörfern und auf kleinen Festivals zu treffen. Manu veröffentlicht nun sein neues Studioalbum, eine Sammlung von Liedern, die über das tägliche Leben mit seinen Kämpfen geschrieben wurden. Seine frische Sicht auf den Zustand der Welt besingt er in sonnigen, universellen Lieder auf Spanisch, Französisch, Englisch und Portugiesisch und zeichnet ein schonungsloses Bild sozialer Ungleichheiten. Der Titelsong "Viva Tu", eine herzliche Rumba, die den Helden des Alltags gewidmet ist, hat bereits Spuren hinterlassen. Die zweite Single, "São Paulo Motoboy", ist eine farbenfrohe, sonnige Ode an die zweirädrigen Lieferfahrer, die sich jeden Tag durch die lateinamerikanischen Metropolen wagen. Das Album enthält auch denkwürdige Kollaborationen mit der Country-Legende Willie Nelson und dem aufstrebenden französischen Rapper Laeti.

Release 20.9.2024

Das 10te Album istvon ungewöhnlicher Intensität und Zärtlichkeit, gemeinschaftlichem Exorzismus und persönlicher Ausgrabung. Dies sind Qualitäten, die die Fans von Bright Eyes nach fast drei Jahrzehnten ihrer Karriere erwarten. Die eng verbundene Band bestehend aus Conor Oberst, Mike Mogis und Nate Walcott neigt dazu, in verschiedenen, weitreichenden Bewegungen zu agieren: jede einzigartig in ihrem Sound und ihrer Geschichte, aber vereint durch ein Gefühl von Ehrgeiz und ständig wachsendem emotionalen Einsatz. Diese neuen Songs verströmen einen bislang unbekannten Nervenkitzel. Oberst hat schon immer mit einer Stimme gesungen, die ein Gefühl von Ernsthaftigkeit auf Leben und Tod vermittelt. Manchmal macht man sich bei "Five Dice, All Threes" Sorgen um ihn, ein anderes Mal scheint er der Einzige zu sein, der den Durchblick hat, um uns aus dem Schlamassel zu helfen. Auf dem selbstproduzierten Album umarmen Bright Eyes die schwer fassbare Qualität, die sie über Generationen und Genres hinweg so beständig und einflussreich gemacht hat, und bringen ihren hausgemachten Sound aus einem Schlafzimmer in Omaha zu einem begeisterten Publikum auf der ganzen Welt. In Obersts Songwriting liegt das Versprechen, dass unsere einsamsten Gedanken und Gefühle großartige Formen annehmen können, wenn sie zwischen Freunden ausgetauscht, aus Lautsprechern geschmettert oder von Menschenmengen geschrien werden. Diesmal lädt die Band solche gleichgesinnten Stimmen mit auf die Platte ein, mit bemerkenswerten Gastauftritten von Cat Power ("All Threes"), Matt Berninger von The National ("The Time I Have Left") und Alex Orange Drink, dem Frontmann der New Yorker Punkband The So So Glos, der mehrere Songs mitgeschrieben hat und eine Strophe in dem mitreißenden "Rainbow Overpass" beisteuert. Als Oberst und seine langjährigen Bandkollegen - der Multiinstrumentalist und Produzent Mike Mogis und der Keyboarder und Arrangeur Nate Walcott - ins Studio gingen, entschieden sie sich für einen rasanten Ansatz, der sich von prägenden Einflüssen wie The Replacements und Frank Black inspirieren ließ. Sie suchten nach Texturen, die aus dem Mix herausplatzen wie knorrige Farbspritzer auf einer leeren Leinwand; sie entschieden sich für erste Takes und spontane Entscheidungen. "Five Dice, All Threes" drängt und windet sich und widersetzt sich jeder Klassifizierung. In der brillanten Weite von "El Capitan" vermischen sie einen galoppierenden Rhythmus, den man auch in einem Johnny Cash-Standard finden könnte, mit einem Anschwellen der Bläser, geschrieenem Gesang und einem Text, der sich wie ein ernüchternder Abschied zwischen Zwillingsseelen liest. "So they're burning you an effigy", singt Oberst. "Well, that happens to me all the time!" Bei jeder auffälligen Wendung in seinen Texten weiß die Band genau, wie sie ihn musikalisch ergänzen kann. Auf einer Ebene ist "Five Dice, All Threes" vielleicht das spaßigste Album im Bright Eyes-Katalog, voll von mitsingbaren Hooks und mitreißenden Performances. Doch neben diesen adrenalinsüchtigen Rockern, die direkt aus der Garage kommen, gibt es auch nachdenkliches, psychedelisches Material wie das herzzerreißende "Tiny Suicides" und "All Threes", ein Song, dessen jazziges Pianosolo und frei assoziativer Text im Bright Eyes-Katalog völlig ohne Beispiel ist. Wie üblich ist die Musik voller Subtext, der zum tieferen Zuhören einlädt - das Markenzeichen einer Band, die das Album immer als ihr eigenes, erhabenes Kunstwerk betrachtet hat. Im Spiel der Dreier würde der titelgebende Zug einen perfekten Wurf bedeuten. In der Welt von Bright Eyes bedeutet Perfektion jedoch etwas anderes, denn hier sind es unsere Schwächen, die uns Autorität verleihen, und die Suche nach Bedeutung ist nur möglich, wenn wir die dunkle, kurvenreiche Reise dorthin mitmachen. Auf "Five Dice, All Threes" umarmen Bright Eyes diese Überzeugungen mit Musik, die sich aufregend lebendig anfühlt, als wären wir alle mit ihnen im Raum, schreien mit und gewinnen die Kraft, gemeinsam vorwärts zu gehen. Das klingt nicht nur nach den klassischen Bright Eyes. Es klingt auch wie ihre Zukunft.

Release 20.9.2024

Fast ein Jahrzehnt hat sich Jamie xx seit Veröffentlichung seines Solodebüts Zeit gelassen. "In Waves", das zweite Album des Londoners, der mit seiner Band The xx zu den prägendsten Figuren der jüngeren Musikgeschichte gehört. Erneut lässt er seiner Liebe zur elektronischen Musik freien Lauf und entwirft die Geschichte einer Nacht, in der man in den himmlischen Puls von Schatten, Licht und Dancefloor-Rhythmen hinabtaucht. "In Waves" hat seinen Ursprung in einem Mix, den Jamie 2020 für BBC Radio 1 machte. Hier tauchten neben Tracks der aktuellen Generation an UK-Dancemusic auch diverse musikalische Helden auf, etwa Roy Ayers, Fela Kuti, Tom Zé oder Philip Glass. Auch erste Versionen von Songs, die nun auf dem Album erscheinen werden, waren zu hören. "Es erinnerte mich daran, warum ich diese Musik liebe", so Jamie, der zuvor lange mit der Frage gehadert hatte, wie es für ihn weitergehen würde. "Ich fand einfach Spaß am kreativen Prozess, ohne dabei an ein Ergebnis zu denken." Jamie xx pflügt auf "In Waves" durch die Subgenres und Dekaden und fügt Northern Soul, Disco, Garage, Acid House, Techno, Tropicalia. Hip-Hop, Funk und den Sound der UK Underground Pirate Radios zusammen. Die kleinen Momente sind dabei so eindrucksvoll wie das übergreifende Ganze. Etwa jener Part bei "Treat Each Other Right", der parallel zum Album-Announcement erscheinenden neuen Single: Zunächst wird man herausgerissen aus dem breiten Breakbeat-meets-Future-Soul-Vehikel, um sich mit den gepitchten Motown-Vocals plötzlich im Mittelwellenradio der 60er wiederzufinden. Die Worte "I'll never let you down" werden in die Ewigkeit gezogen, bevor ein biepender Puls über atmosphärischen Synths einsetzt und man direkt zurückgeführt wird in die schweißnasse Katharsis des Dancefloors. Im Zeitalter der Algorithmen ist "In Waves" Zeugnis für pure menschliche Empfindung, ein lebensbejahendes Gegengift, das über den Kopfhörer in eine andere Dimension führt und zugleich gemeinsam auf der Tanzfläche erlebt werden will. Mit dabei sind u. a. Romy und Oliver, The Avalanches, Robyn und John Glacier.

Release 20.9.2024

Das zwölfte Studioalbum ist eine krönende Darbietung ihrer Stimme in all ihrer metamorphen Pracht. “I was ready to make an album that truly featured my voice. The basics were recorded like they used to be- with me singing live along with the band. My good friend said told me this is the sexiest album I’ve ever made. Honestly, I think she’s right.” Die Platte ist eine Nocturne über Liebe und Verlust und eine Abrechnung mit unserer kollektiven Desorientierung, zwischen Festhalten und Loslassen. Joan tourte um die Welt, trat in Spelunken und Konzertsälen, bei unabhängigen Musikfestivals und bei der BBC auf und arbeitete mit einer Vielzahl von Berühmtheiten zusammen, darunter Lou Reed, Rufus Wainwright, Tony Allen, Damon Albarn, John Cale, Laurie Anderson, Sufjan Stevens, Anohni, Beck, Meshell Ndegeocello, Toshi Reagon, David Byrne und Daniel Johnston. Sie nahm an drei Africa Express-Projekten teil, unterrichtet am Clive Davis Institute of Recorded Music an der NYU, lebt in Brooklyn und liebt die Welt.

Release 13.9.2024

Kein anderes analoges Medium war den Musikerinnen un Musikern so nahe wie das Tonband. Schallplatten und Musikkassetten waren Consumer-Medien, die Bandmaschinen standen in den Studios, auf sie wurde die Musik abgemischt - und ab band wurde die Musik direkt von den Künstler*innen abgehört. Trotzdem istm dieses Medium wie kaum ein anderes vom Verschwinden bedroht. Zu kompliziert, zu teuer und zu viel Platz beanspruchend in einer Zeit, in der man lange meinte, die Digitalisierung der analogen Medien sei die Lösung aller Probleme.

Dennoch ist heute bei Konument*innen, aber auch beim Radio und vielen Labels eine Trendwende im Gange. Über analoge Medien findet eine wichtige Auseinandersetzung mit dem audiovisuellen Erbe der Schweiz statt. Dies ist eine Verantwortung, die zum Glück wieder stärker wahrgenommen wird.
Um dieses Medium lebendig und im wahrsten Sinne des Wortes im Umlauf zu behalten, veröffenticht das nicht-kommerzielle Label Plasma Records & Tapes in limitierten Auflagen voll analoge Kopien der ursprünglichen Masterbänder Schweizer Bands.

2023 wurde als erstes Release ide Masterbandkopie des Albums "Masks" der Monsters aus Bern veröffentlicht. Hierauf folgt nun das Band mit Aufnahmen von CHlöisu Friedlis Studio Sessions 1980-1981 als nächstes Projekt. Die Veröffentlichung erfolgt in Zusammenarbeit mit dem Label Fata Morgana und dem Verein Tonbandjagd Schweiz.

Diese Musik als direkte Kopie der Studiobänder herauszugeben, freut mich persönlich sehr. Es scheint mit eine würdige Erinnerung an Chlöisu Friedli. In den 80ern war ich als junger Punk unterwegs und hörte entsprechende Musik - aber ich kann noch sehr gut erinnern, wie mich die Musik von Chlöisu in ihrer Authentizität und mit ihrer staken Texten beeindruckte, als ich die LP "wohäre geisch" zum ersten Mal hörte. Diese Musik und das spannende Medium Tonband unter die Menschen zu bringen ist mir ein Anliegen.
Herzlichen Dank an Urs Hostettler, Sylvia Vananderoye, Jule Friedli und alle Freunde und Unterstützer*innen, welche diesen Release möglich gemacht haben.

Bern, März 2024
Steff Bossert, Plasma Records & Tapes Bern


Technische Angaben:

Dieses Release ist auf 75 Exemplare limitiert, nummeriert und einzeln gefertigt.
AAA voll analoger Transfer. Von der originalen Studioaufnahmewurde zuerst ein Produktionsmaster mit den Stücken zusammengestellt. Von diesem Produktionsmaster werden die analogen Kopien ohne irgendwelche Bearbeitung einzeln erstellt.

Verwendete Maschinen für die analoge Kopie:
Studer C37 und Telefunken M15a. Alle Maschinen komplett revidiert und von professionellen Technikern eingemessen.

1/4“ Halbspur, Stereo
38 cm/s, CCIR, 510 nWb/m
Trennspur 0.75 mm
RTM SM911
Andere Spezifikationen wie NAB, 19 cm/s und 320 nWb/m auf Anfrage.

https://tonbandjagd.ch/chloisu-friedli-studio-sessions

Release 13.9.2024

Die sechste Solo-Scheibe des ehemaligen THE WHITE STRIPES- und THE RACONTEURS-Rabauken braucht keine bahnbrechenden Erneuerungen oder Experimente. ´No Name´ ist einfach nur wild und feurig, besitzt die benötigte Lo-Fi-Produktion, die notwendigen Garagen Rock-Stücke und rückt sehr nahe an die WHITE STRIPES-Werke der Nullerjahre heran. Dementsprechend bleiben schnell ausgesprochene Superlative wie „das beste Album seit ´Elephant´“ nicht aus.
Jack White benötigt für den ewigen Glanz eines ´Old Scratch Blues´ nur ein lässiges Blues-Riff und eine heimliche Orgel, für die richtige Ölung eines ´Bless Yourself´ die passende Dröhnung und für die Einfachheit eines ´That’s How I’m Feeling´ nur einen eingängigen Bass.
Da qualmen die Gitarren, von CREAM (´It’s Rough On Rats (If You’re Asking)´) bis zu LED ZEPPELIN (´Tonight (Was a Long Time Ago)´), die Freaks springen in der Garage im Dreieck, erst recht zum unglaublich stark gesprochenen ´Archbishop Harold Holmes´.

Zum psychedelischen Sprengsatz ´Bombing Out´ drehen die Freaks dann endgültig durch. Wenn nicht schon direkt zuvor, pumpt der Bass des hitverdächtigen ´What’s The Rumpus?´ nunmehr alle Innereien ans Tageslicht.
Da helfen nur noch wehende Slide-Töne von ´Underground´ und ohrenbetäubend rockende Gitarren von ´Number One With A Bullet´ oder ´Missionary´. Denn zum finalen ´Terminal Archenemy Endling´ mit Bonham’schen Wirbeln werden sogar die Hunde losgelassen. Auch ein Jack White benötigt ausgefallene Eingebungen.

Release 13.9.2024

»The Greatest Love« folgt auf das von der Kritik hochgelobte, auf Platz 1 gelandete Album Californian Soil, das 2021 veröffentlicht wurde und der Band ihre zweite BRIT-Nominierung als beste britische Gruppe einbrachte. Das neue Album, das mehr als ein Jahrzehnt nach dem ersten Auftritt des Trios erscheint, ist ein Fest im Sound einer Band, die die Vergangenheit ruhen lässt und ein neues Gefühl von Freiheit erfährt.

Die erste Single House verkörpert den neuen Weg von London Grammar, denn Frontfrau Hannah Reid liefert den kompromisslosen Text: Dies ist mein Platz, mein Haus, meine Regeln. Über die Single sagt Hannah: »In House geht es darum, Grenzen um sich selbst zu ziehen. Als ich auf die Dreißig zuging, änderte sich meine Denkweise, und ich fühlte mich nicht mehr als Opfer von irgendetwas - alles lag in meiner Macht. Ich dachte, Musik machen sollte Spaß machen, und das werden wir auch tun.«

Als Teenager an der Universität gegründet, ebnete ihr bahnbrechendes, mit Doppel-Platin ausgezeichnetes Debüt »If You Wait« den Weg für eine äußerst erfolgreiche Karriere der Band, deren seltene Langlebigkeit London Grammar fest in der britischen Popkultur verwurzelt hat. Heute, mehr als 10 Jahre später, hat die Band weltweit mehr als 3 Millionen Alben verkauft, zwei Nummer-1-Alben, 1 Milliarde Streams, einen Ivor Novello und zahlreiche BRIT Award-Nominierungen vorzuweisen.

Release 13.9.2024

The Mystery Lights melden sich mit ihrem bisher ambitioniertesten Werk zurück. Mit Wayne Gordon auf dem Produzentenstuhl liefert die Gruppe eine eklektische Mischung aus echter Psychedelia, Punk, Artrock und sogar einem Spritzer Country mit dem Kinks(y)-Pop-Ohrwurm "I'm Sorry I Forgot Your Name". Die psychedelischen Highlights des Albums, "Purgatory", "Cerebral Crack" und "Can't Sleep Through the Silence", sind düster und trippig und liegen irgendwo zwischen dem gitarrengetriebenen, lysergischen Chaos der 13th Floor Elevators und dem punkigen, augenzwinkernden Wahnsinn von The Monks. Aber durchgängig gibt es einen Zusammenhalt, der durch das hohe musikalische Niveau, die aufrichtigen Texte und die Liebe zum Detail entsteht, die ein wildes, rohes und doch unverschämt eingängiges Album ergeben, das mit all den Mitsing-Hooks trieft, die Mystery Lights zu einer der aufregendsten Live-Bands der Szene gemacht haben.

Release 13.9.2024

In erneuter Zusammenarbeit mit dem Black Acid Soul-Produzenten Chris Seefried entstand ein zweites Album, das nicht nur den freilaufenden, gefühlvollen Lady Blackbird-Sound verkörpert, sondern auch zutiefst verletzliche Texte enthält, die vom schwierigen Aufstieg der Sängerin zum musikalischen Star berichten.

Indem sie ihr Leben und ihren Sound selbst in die Hand nimmt, geht Lady Blackbird einen neuen Weg und macht jede Note auf Slang Spirituals zu einem Schritt in eine radikal andere Richtung. Auf 11 Tracks setzt Lady Blackbird ihre mitreissende, kinoreife Stimmgewalt ein, von den gefühlvollen Orchesterfanfaren von 'Let Not (Your Heart Be Troubled)' über das Fingerpicking-Folk-Storytelling von 'Man On A Boat' bis hin zum euphorischen Gospel-Empowerment von 'Like A Woman' und dem siebenminütigen psychedelischen Soul-Instrumental von 'When The Game Is Played On You'.

Release 13.9.2024

Mit einer Auswahl von 10 Tracks, die die vielfältigen musikalischen Talente Trentemøllers durchdringen, markiert Dreamweaver einen deutlichen künstlerischen Fortschritt, indem er neue kreative Pfade erkundet, ohne dabei die kohärente Gesamtrichtung zu verändern. Die Gesangseinlagen werden von der isländischen Künstlerin Disa beigesteuert, die seit der Memoria-Tour fest zum Team Trentemøller gehört. Das von Nylonsaiten geleitete Eröffnungsstück von Dreamweaver und zugleich die erste Single des Albums, "A Different Light", präsentiert viele charakteristische Merkmale Trentemøllers: die Erforschung von Gegensätzen, musikalisches Spiel mit Licht und Schatten, nordische Kühle und wärmende Wellen. Es eröffnet den Weg für das gleichmäßige, hypnotische "Nightfall" mit seinem fesselnden Gesang, den melancholischen Gitarren und der frühmorgendlichen Wüstenkälte. "Dreamweavers", der dritte Track des Eröffnungstrios, beginnt mit einem perkussiven, sanften Trab, der sich anfühlt wie ein Kurzwellen-Radioscan auf der Suche nach den richtigen Akkorden, und entfaltet schließlich eine schwerelose Stimme. Der Song, und damit auch das Album, hält anfangs das Tempo der beiden vorangegangenen Tracks, öffnet sich jedoch bald, wenn die übrigen Elemente mit einem großen, luxuriösen Ausbruch an ihren Platz treten. Dreamweaver tritt dabei in seine nächste Phase ein. Nachdem die Pforte des Portals gesprengt wurde, ergießt sich das kraftvolle "I Give My Tears" mit seiner gleitenden und verschwommenen Basslinie in die Leere. Ihm folgt der chaotischste Track auf Dreamweaver, "Behind My Eyes", ein Geschwisterchen, das sich nicht in seinem plüschigen Gewölbe einsperren lässt. Eine peitschende Snare und zuckende Gitarren prallen in den Strophen des Songs aufeinander. Die Spannung steigt, wenn die Partikel kollidieren, den Punkt der kritischen Masse erreichen und die Kettenreaktion des Refrains auslösen. Manchmal erinnert das Stück an die Proto-Gaze-Tracks, aus denen der Dream Pop hervorgegangen ist, manchmal definiert es neu, was dieser Stil bedeutet. Doch bleibt keine Zeit, darüber nachzudenken, denn der Song löst sich in einem mikrofonischen Rückkopplungsmoment auf. Eine Atempause bietet das somnambule Duo "Hollow" und "Empty Beaches". Dann kehrt ein Moment der Intensität zurück, wenn die schwebenden Texturen und Tribal-Drum-Bursts von "In A Storm" die Kontrolle übernehmen, bevor das Album mit dem Ambient-Slow-Core von "Winter's Ghost" und "Closure" endet. Dieses Diptychon bildet den Abschluss eines Albums, das sich für Trentemøller wie aus dem Lehrbuch anfühlt, jedoch gleichzeitig viel psychedelischer ist als frühere Werke. Dreamweaver wird auf Trentemøllers eigenem Label "In My Room" veröffentlicht und verspricht eine äußerst immersive Erfahrung, die alle latenten Halluzinationen freisetzen wird, die Sie möglicherweise beherbergen.

Release 13.9.2024

Während sie am neuen Album schrieb, zog sich Nilüfer mit ihrer kreativen Partnerin Wilma Archer (Sudan Archives/ Celeste) ins Studio zurück. Sie war ein Jahr lang mit ihrem zweiten Album auf Tournee und befand sich in einer Phase des Übergangs, zwischen Alben, zwischen Plattenfirmen und zwischen Wohnorten. „My Method Actor“ hat viel mit der Idee zu tun, von einem Lebensabschnitt in einen anderen zu wechseln. Die Samen für „My Method Actor“ wurden Anfang 2023 gepflanzt, aber erst im Frühjahr desselben Jahres begannen die ersten Triebe zu sprießen. Als die Songs zu entstehen begannen, zogen sich Yanya und Archer von der Welt zurück. „Dies ist in dieser Hinsicht das intensivste Album.“, sagt Yanya. „Weil es nur wir beide waren. Wir haben niemanden sonst in diese Blase gelassen.“ Sie schrieben und nahmen in kleinen Sessions auf, verteilt über London, Wales und Eastbourne. Die Atmosphäre des Albums spiegelt diesen Kokon kreativer Energie wider: Es umhüllt die Hörenden mit cineastischen Schwüngen und wirkt gleichzeitig intim, indem es ihn in die kleine Welt einlädt, die sie geschaffen haben, und seine Geheimnisse preisgibt. Nilüfers vorheriges Album wurde durchweg als eines der herausragendsten Alben des Jahres 2022 gefeiert, mit glühenden Kritiken von The Guardian (Album der Woche), The Sunday Times, Crack Magazine, NME und anderen. Das Album enthält die herausragenden Tracks, „anotherlife“, „stabilise“ und „midnight sun“, die Nilüfer in der „Tonight Show Starring Jimmy Fallon“ performte. Nilüfer trat auch in „Late Night with Stephen Colbert“, „Later with Jools Holland“ und in der Tiny Desk-Konzertreihe von NPR auf.

Release 13.9.2024

Das sechste Album des Trios. Die neuen Songs haben Kevin Kuhn, Julian Knoth und Max Rieger in einer vierwöchigen Session in einem ehemaligen Sterne-Restaurant am Stuttgarter Schlossplatz mit Blick auf die Oper aufgenommen. Und so nah wie auf "Wir waren hier" sind Die Nerven noch auf keinem Studioalbum der Aura ihrer Live-Auftritte gekommen - der musikalischen Spontaneität ihres Zusammenspiels auf der Bühne, dem Stop-and-Go ihrer Improvisationen, der Lust an der gegenseitigen Überraschung, und schließlich: der kollektiven Entäußerung in die Katharsis. Ihre Musik ist immer noch zornig, laut, dramatisch, vielleicht könnte man auch sagen: nihilistisch. Aber es handelt sich um einen reiferen Nihilismus, als man ihn von den Nerven bislang kannte. In ihrer Musik fliegt man immer noch über Halden voll Schrott, über dürre Heiden, wüste Länder und öde Städte. Aber es schillern nun auch schöne Klangtupfer über der Szene wie von den letzten Sonnenstrahlen vor einer ewigen Nacht oder von einem bunt schillernden Ölfilm auf einer verdreckten See.

Release 13.9.2024

Nach zwölf Jahren voller Instrumental-Alben (von zwei Solo-Piano-Platten über Kammermusik bis hin zu gemeinsamen Alben mit Boys Noize, Jarvis Cocker und Plastikman und sogar einem Weihnachts-Bestseller) hat Chilly Gonzales sich eine Menge von der Seele zu schreiben. Die Notizbücher, die seit dem 2011 erschienenen orchestralen Rap-Opus 'The Unspeakable Chilly Gonzales' leer blieben, füllten sich seit Anfang 2022 wieder mit Worten, nachdem Gonzo ein langes Jahrzehnt der Psychoanalyse beendet hatte. Ein Zufall? Wohl kaum. Hinter all den Wortspielen und dem Namedropping (u.a. Ron Jeremy, Marie Kondo, Dschingis Khan und Philip Glass) offenbaren die Songs, die es auf das neue Album geschafft haben, eine anhaltende Spannung zwischen Überzeugung und Bekenntnis, Wahn und Selbsterkenntnis und schließlich Dankbarkeit. Auch das Spannungsfeld zwischen Kreativität und Kommerz ist für Gonzo ein Thema, das ihn schon lange beschäftigt. Ist dies wirklich ein Rap-Album? Instrumentalstücke wie das strawinsky-eske 'Fidelio' oder das tränenreiche 'Eau de Cologne' erinnern den Hörer an Gonzos selbsterklärte Rolle als 'musical genius', während sich die Worte und Reime der vorangegangenen Strophen im Ohr festsetzen.

Release 13.9.2024

Das 14. Studioalbum einer der einflussreichsten britischen Bands der letzten drei Jahrzehnte. "Soft Tissue" ist ihr bisher gelungenstes Album und ein Schlüsselwerk in ihrer Diskografie. Es verbindet die gefühlvolle Essenz ihrer frühen Musik mit beispielloser Musikalität, die das Album zu außergewöhnlichen Höhen erhebt. Fast eine Minute dauert das tolle Intro, bis in dem Song "New World" die Stimme von Stuart Staples erklingt. Das ist irgendwie erstaunlich, weil doch immer alle sagen, dass man spätestens, wenn sein tiefes, schönes Brummen erklingt, wisse, dass man es mit einem Song der Tindersticks zu tun hat. Aber hier lässt Staples der Musik den Vortritt: dem Brass-Einstieg von Julian Siegel, dem sanften Drum-Groove, dem Piano-Zwischenspiel, den langsam einsteigenden, von Dan McKinna arrangierten Streichern. Erst dann singt Staples, ein wenig höher als sonst, melodischer. Was noch mehr betont wird, durch die wundervollen Backing Vocals von Gina Foster im Refrain von "New World".