Drei Jahre nach ihrem Debüt-Album ist es aber soweit und ihr Folge-Album «Endlich Senden» erscheint am 10. April 2026.

Für das neue deutschsprachige Album haben Yet No Yokai sämtliche Fäden selbst in die Hand genommen. Kein Produzent, kein externes Studio, kein Zeitdruck – dafür volle Kontrolle und der klare Wille, das eigene Ding durchzuziehen. Entstanden ist die Platte vollständig in ihrem Studio: von den ersten Ideen über die Texte bis zu den finalen Aufnahmen. Inhaltlich bewegen sie sich zwischen Alltäglichem, Liebe im Widerstand, melancholischer Hoffnung und dem leisen Humor, der Yet No Yokai seit jeher begleitet. Die Sprache ist klarer, manchmal persönlicher, bleibt aber stets bildhaft und offen genug, um eigene Assoziationen zuzulassen – und genau dadurch lange nachhallt.

doors 19.30 // showtime 20.00
Eintritt Kollekte

Release 17.4.2026

File under Waxahatchee. Allison und Katie Crutchfield haben eine neue Band namens Snocaps gegründet. Ihr 13 Titel umfassendes Debüt ist ein Indie-Rock-Album, das an Allisons Band Swearin und Katies frühe Alben als Waxahatchee erinnert. Es entstand aus dem Wunsch der Zwillingsschwestern, wieder wie in ihrer Teenager- und Twenties-Zeit gemeinsam Musik zu machen. Allison und Katie werden von ihren Freunden und engen Mitarbeitern Brad Cook und MJ Lenderman unterstützt. Das Album wurde fast ausschließlich von Cook produziert und alle vier Musiker spielen auf dem Album mehrere Instrumente. Nach einer Handvoll Konzerten Ende 2025 wird Snocaps auf unbestimmte Zeit auf Eis gelegt, obwohl, wie Katie sagt, „Allison und ich in gewisser Weise seit über 20 Jahren zusammenarbeiten“, sodass es praktisch sicher ist, dass sie irgendwann in der Zukunft wieder gemeinsam an Musik arbeiten werden.

Release 17.4.2026

Teil 3 der legendären »Zum Glück in Zukunft«-Reihe.
„'ZGIDZ III' ist eine Mischung aus indirekt politischen und extrem persönlichen Liedern. Sie handeln vom großen Umbruch und dem Glück im Kleinen. Vom Irrsinn der Welt und der Innigkeit von Liebe. Von deren Ende und der ganzen weltbewegenden Macht neuer Anfänge“, heißt es in einem Statement zum Album. An den Reglern sitzen wieder The Krauts.

Diese Eco-Vinyl kommt aus nachhaltiger Produktion und besteht aus recycelbarem PET.

Release 17.4.2026

CRIPPLED BLACK PHOENIX wurde 2004 von Justin Greaves als ein sich stetig weiterentwickelndes Musikprojekt gegründet, das von emotionaler Auseinandersetzung und moralischer Spannung getrieben ist. Über zwei Jahrzehnte hinweg hat das Projekt einen einzigartigen Katalog geschaffen, der in der menschlichen Zerbrechlichkeit, Ausdauer und dem Widerstand gegen Selbstzufriedenheit wurzelt.
„Sceaduhelm“ stellt die bisher introspektivsten und strengsten Aussagen des Projekts dar. Das neue Album, das zwischen 2023 und 2025 geschrieben und aufgenommen wurde, wendet sich von großen historischen Erzählungen ab und untersucht emotionalen Verfall, Erschöpfung und stillen Zusammenbruch. Anstelle eines traditionellen Konzeptalbums entfaltet es sich als einheitlicher psychologischer Raum, in dem Wiederholung, Zurückhaltung und Unbehagen ebenso viel Gewicht haben wie Melodie. Das Songwriting bevorzugt langsame Steigerungen und ungelöste Spannungen und widersteht der Katharsis zugunsten der Ausdauer. Die Vocals teilen sich Belinda Kordic, Ryan Patterson und Justin Storms, die jeweils eine eigene, aber sich ergänzende Perspektive innerhalb desselben emotionalen Terrains bieten. Themen wie Burnout, Erinnerung, Gewalt gegen Schutzlose und die bereits abgenutzte Liebe werden ohne Spektakel präsentiert. Produziert von Justin Greaves und gemischt von Iver Sandøy, bleibt der Sound bewusst roh und unverblümt, ohne jeglichen Komfort oder Übertreibung.

„Sceaduhelm“ lauscht aufmerksam dem, was nach dem Abklingen der Empörung übrig bleibt, und konzentriert sich auf die Konsequenzen statt auf die Reaktion.

Release 24.4.2026

Eingeläutet von seinem süchtig machenden neuen Titelsong und dem letztjährigen, hoch explosiven ‚Asking For A Friend' ist Your Favorite Toy das zwölfte Album der Foo Fighters - und möglicherweise ihr bislang härtestes. In weniger als 40 Minuten brennen sie sich durch 10 absolute Kracher; Your Favorite Toy fordert und belohnt wiederholtes Hören gleichermaßen. Es sind die Foo Fighters, die Grenzen ausloten und die Lautstärkemesser anschlagen lassen, während sie ihrem zeitlosen Signature-Sound neue Dimensionen hinzufügen.

Release 24.4.2026

Die Chicagoer Band Friko meldet sich mit ihrem mit Spannung erwarteten zweiten Album zurück, produziert vom Grammy-Gewinner John Congleton. Es präsentiert sich mit einem kühneren, ungestümen Sound und erkundet Noise-Rock, avantgardistische Klassik und symphonische Balladen der 70er Jahre.

»Something Worth Waiting For« ist die erste Veröffentlichung von Friko, auf der Robb und Fuller zu hören sind, die mitten in der weltumspannenden Tournee zur Unterstützung ihres Debütalbums zur Band stießen – das Headliner-Auftritte in ganz Nordamerika, England, Europa und Asien (und bemerkenswerte Erfolge in Japan erzielte, wo sie beim Fuji Rock Festival auftraten und kurz darauf für ein ausverkauftes Konzert in Tokios Kanda Square Hall zurückkehrten) sowie Tourneen mit wegweisenden Alternative-Rock-Bands wie The Flaming Lips und Modest Mouse umfasste. Und mit der Erweiterung ihrer Besetzung fanden Kapetan und Minzenberger eine ideale Ergänzung für ihre intuitiv aufeinander abgestimmte und zugleich unersättlich kreative Sensibilität.

Als Friko 2024 ihr kompromissloses und mitreißendes Debütalbum »Where we've been, Where we go from here« veröffentlichten, bereicherten sie den Indie-Rock-Kanon um eine inspirierende neue Stimme. Das Album aus dem Jahr 2024, das sowohl kompromisslos im Geist als auch mitreißend in seiner Wirkung war, landete auf den Bestenlisten des Jahres von Medien wie Pitchfork, auf dem Cover des NME und führte zu begeisterten Kritiken von Rolling Stone, Paste, NPR Music und SPIN. Bei der Entstehung ihres zweiten Albums gewann die Band eine kraftvolle neue Klarheit hinsichtlich ihres Ziels und ihrer Vision, während sie sich gleichzeitig einer noch kühneren Unbekümmertheit hingab und alles von Noise-Rock über avantgardistische Klassik bis hin zu symphonischen Balladen der 70er Jahre erkundete.

Release 24.4.2026

Mit ihrem neuen Album schlagen Kneecap ein neues Kapitel auf – kompromisslos, laut und stilistisch grenzenlos. Das zweite Album des irischen Trios ist ein wuchtiges Statement zwischen politischer Schärfe, schwarzem Humor und maximaler Energie. Produziert von Dan Carey (u. a. Fontaines D.C., Kae Tempest, Wet Leg), verbindet es Rap und Rave mit Elementen aus Acid House, Trip-Hop, Dubstep und Dub. Revolutionär, konfrontativ und zugleich unwiderstehlich catchy, treibt das Album Kneecaps Spiel mit Sprache, Identität und Sound auf ein neues Level. Sirenen, Beats und Hooks prallen aufeinander – roh, intelligent und mitreißend. "Fenian" ist düsterer, direkter und gleichzeitig ihr bislang ausgefeilstes Werk: voller Haltung, Wucht und absoluter Banger. Ein Album, das überrascht, provoziert und elektrisiert – und Kneecap endgültig als eine der spannendsten und radikalsten Stimmen der Gegenwart etabliert.

Release 1.5.2026

»Peaches!« von The Black Keys ist das vierzehnte Studioalbum des Duos aus Akron (das sechste seit 2019), eine lebendige und rohe Sammlung von 10 Songs, die Sänger Dan Auerbach als die »natürlichste Platte« der Band seit ihrem Debüt »The Big Come Up« von 2002 bezeichnet. In ähnlichem DIY-Geist wurde das Album mit allen Musikern im selben Raum aufgenommen, mit wenigen Overdubs, und es ist das erste Album, das die Band seit »Magic Potion« von 2006 komplett selbst gemischt hat.

Die Auswahl der Songs spiegelt die obsessive Plattensammlung von Auerbach und seinem Bandkollegen Patrick Carney wider, die sich in den letzten Jahren zu einer fortlaufenden Serie von Record Hang DJ-Set-Tanzpartys ausgeweitet hat, bei denen sie alte 45er-Platten für volle, energiegeladene Tanzflächen an den coolsten Orten der Welt auflegen.

Das Cover von »Peaches!« basiert auf einem ikonischen Bild des in Memphis geborenen Fotografen William Eggleston und markiert die Rückkehr von Patricks Bruder Michael Carney, der die künstlerische Leitung innehat.

Release 1.5.2026

"Der Song mit dem Titel "Caravan" thematisiert die Risiken, die mit Investitionen in oder dem Vertrauen auf intime Beziehungen verbunden sind. Der Titelsong befasst sich mit einer gewissen Entfremdung, die wir meiner Meinung nach alle empfinden, da Technologien uns voneinander isolieren und Beziehungen immer distanzierter erscheinen lassen. „Playground“ ist ein Protestsong, der sich für die Kinder von Gaza einsetzt.Die Aufnahmen zu diesem Album waren eine Art Roadtrip und eine Suche – ich und eine Festplatte in einem Wohnmobil, das ich von Studio zu Studio in ganz England fuhr, um Material zu sammeln. Ich engagierte die Toningenieure Leo Abrahams (im The Shed in London), Jim und Rob Homes (im Empire Sound auf der Isle of Wight), Jim Barr (im J&J Studio in Bristol) und Tim Thomas (im Blueprint in Manchester). Ich holte Jesse D Vernon für die Arrangements der Blechbläser und gestimmten Percussion dazu. Ich holte Sebastian Rochford am Schlagzeug, Jon Thorne am Bass und Sam Amidon für die Saiteninstrumente dazu. Drei Wochen lang reiste ich durch diese Sessions und sammelte Aufnahmen. Ich schlief unter Viadukten und alten Eichen und wachte in taufrischen, glitzernden Wiesen auf. Ich fand die besten Cafés und schwamm im Meer. Die Sessions fühlten sich wie Entdeckungen an – eine Überraschung nach der anderen –, während die Musiker und Toningenieure den Stücken auf ihre jeweils eigene Weise Farbe verliehen. Mit einer vollen Festplatte und einem vollen Herzen kehrte ich nach Manchester zurück – zu Tim Thomas –, wo wir die Sessions wie Rohmaterial ausbreiteten und das Album zusammenstellten." Jesca Hoop -

Release 8.5.2026

Das zehn Songs starke "Train On The Island" entstand erneut in enger Zusammenarbeit mit ihrem langjährigen Weggefährten John Parish (u.a. PJ Harvey, Dry Cleaning) und wurde gemeinsam mit ihm in den legendären Rockfield Studios in Monmouth, Wales, produziert. Dort entstanden bereits Hardings frühere Alben "Party" (2017), "Designer" (2019) und "Warm Chris" (2022). Unterstützt wurden Harding und Parish diesmal von Pedal-Steel-Gitarrist Joe Harvey-Whyte, Harfenistin Mali Llywelyn, Synth-Künstler Thomas Poli sowie Schlagzeuger Sebastian Rochford (Polar Bear). Außerdem mit dabei: H. Hawkline alias Huw Evans an Bass, Gesang, Akustik- und E-Gitarre sowie Orgel.

Release 8.5.2026

Unter der poppigen Oberfläche hat "Look For Your Mind!", das am 8. Mai bei Captured Tracks rauskommt, einen Unterton von Paranoia und Misstrauen. "Ich finde, dass wir gerade in einer verrückten Zeit leben", sagt Brian nach einer kurzen Pause. "Man muss wirklich an seinem eigenen Verstand festhalten, wenn man ihn nicht verlieren will." Die klingenden Gitarren von "I Just Can't Over Losing You" schaffen zwar eine vertraute, angenehme Stimmung, aber wenn die Bridge unerwartet einsetzt, der Refrain halbiert wird und die Harmonien von Brian und Eva sich zu einem euphorischen Höhepunkt steigern, werden die Konventionen eines Pop-Songs wie diesem durchbrochen. Die Art und Weise, wie The Lemon Twigs überraschen, ist konstant und zeugt von ihrer Vision und ihren Fähigkeiten. Die beiden vorherigen Captured-Tracks-Alben von The Lemon Twigs, "A Dream Is All We Know" (2024) und "Everything Harmony" (2023), deuteten bereits auf eine Art Neubeginn in ihrer damals fünf Alben umfassenden Karriere hin. das dritte Lemon-Twigs-Album für Captured Tracks, "Look For Your Mind!", das unter seiner poppigen Oberfläche einen unterschwelligen Strom aus Paranoia und Misstrauen trägt. Der Opener, der titelgebende Track "Look For Your Mind", ein beschwingtes Stück von Michael, führt die Hörerinnen in den gitarrengetriebenen Harmonie-Sound ein, der das zentrale Thema des Albums bildet. Vieles, was auf "A Dream Is All We Know" erreicht wurde, ist auch hier präsent - nur noch fokussierter. Es sind klassische Twigs, geprägt vom goldenen Zeitalter des Gitarrenpops, aber in keiner Weise sklavisch nachempfunden. Neu auf diesem Album ist die Einbindung der Live-Mitglieder Reza Matin (Schlagzeug) und Danny Ayala (Bass) sowie Eva Chambers von Tchotchke in die Rhythmusgruppe.

Release 8.5.2026

Social Distortion aus Orange County kehren mit dem ersten Album seit 15 Jahren zurück. Mit 11 eindringlichen Songs baut Mike Ness weiter auf der Mystik auf, dass Social Distortion mehr als nur eine Punkband ist. In dieser Sammlung greift Ness die Klänge der 1970er Jahre auf, seiner prägenden Jugendjahre. „Born to Kill“ ist eine Fortsetzung der Exzellenz, für die Social Distortion und damit auch Ness seit langem gelobt werden.„Born to Kill“ ist ein Werk, das lange im Katalog von Social Distortion Bestand haben wird. Songs wie der kraftvolle Titeltrack, der als Leitmotiv des Albums dient, sowie das riffgeladene „Partners in Crime“, das nostalgische „The Way Things Were“ und das ausgelassene „Tonight“ sind Songs, die in jede der verschiedenen Epochen von Social Distortion passen. Nach fast fünf Jahrzehnten Karriere und einem bemerkenswerten Katalog, der fast drei Generationen umfasst, hat Social Distortion nicht die Absicht, in nächster Zeit langsamer zu werden.

Release 8.5.2026

Das erste Studioalbum der Band seit fast einem Jahrzehnt vereint das Kollektiv aus Toronto erneut mit dem Produzenten David Newfeld, der bereits für ihren Durchbruch mit "You Forgot It in People" (2002) und ihr selbstbetiteltes 2005er Album verantwortlich war. Die Arrangements der 12 Tracks sind dicht und fesselnd – ein Gewebe aus Bläsern, Gitarren, Stimmen und Elektronik –, und doch stehen die Melodien stets souverän über dem Sound. Wann immer sich die Musik in Richtung Abstraktion neigt, sorgt etwa eine grundierende Basslinie dafür, dass wir Hörerinnen nicht den Anschluss verlieren - und erinnert uns daran, dass hier immer noch Menschen am Steuer sitzen, und dass es sich, so kunstvoll der Sound auch sein mag, immer noch um Rock ’n’ Roll handelt. Dieser Eindruck kristallisiert sich bereits im ersten Song - der ersten Single - des Albums, "Not Around Anymore", in dem Kevin Drew, Mitbegründer von Broken Social Scene, über das Verschwinden von Perspektiven in einer Welt singt, in der "it's all gone away“. Die Nostalgie aber, die hier im Text mitschwingt, wird durch die Musik sanft hintertrieben: Indem der Song eine verschwundene Vergangenheit heraufbeschwört, taucht er die Gegenwart unerwartet in ein Leuchten, das den beklagten Verlust konterkariert.Featuring Feist, Lisa Lobsinger, Hannah Georgas und andere.

Release 15.5.2026

Für Kevin Morby ist das ,kleine Weite" der weite Himmel, das einfache Leben, seine Herkunft aus dem Mittleren Westen und alle Pflichten, Bescheidenheit, Vertrautheit und Isolation: das Land, die Menschen und die Teile davon, die in ihm stecken. ,Der Mittlere Westen hat etwas Unbeabsichtigtes Musikalisches an sich: Zikaden, die in den Bäumen zirpen, ein vorbeifahrender Zug, eine Tornadosirene, die losgeht", erklärt Morby. ,Wenn man genau hinhört, gibt es diese fast unheilvollen Geräusche unter dem weiten Himmel - seine Hässlichkeit und seine Schönheit und wie beide oft gleichzeitig zusammenwirken. Und obwohl der Mittlere Westen technisch gesehen keine Ödnis ist, ist er meine Ödnis." Little Wide Open ist der Titel von Kevin Morbys achtem Studioalbum, produziert von Aaron Dessner. Im Sommer 2024 hatte Dessner Morby gebeten, The National bei ihrem Konzert im Londoner Crystal Palace Park zu unterstützen. Kurz darauf wandte sich Dessner, der gerade eine Glückssträhne hatte, nachdem er Alben für Taylor Swift, Ed Sheeran und Gracie Abrams produziert hatte, an Morby und teilte ihm mit, dass er gerne sein nächstes Album produzieren würde. Anfang 2025 begannen sie mit den Aufnahmen in Aarons Long Pond Studio in Stuyvesant, New York, und beendeten sie im September desselben Jahres. Das Album, an dem eine Vielzahl von Mitwirkenden wie Dessner, der mehrere Instrumente spielt, Amelia Meath, Andrew Barr, Justin Vernon, Katie Gavin, Lucinda Williams, Meg Duffy und anderen, wurde von Morby als dritter Teil einer Trilogie nach "Sundowner" (2020) und "This Is a Photograph" (2022) beschrieben, in denen er seine Zeit im Mittleren Westen nach seiner Rückkehr nach Kansas City dokumentierte. Dieses Mal wertet Dessners Produktion Morbys Aufnahmen auf, ohne dabei den Fokus auf die Songs selbst zu verlieren. Es gibt eine neu gewonnene Zuversicht und Klarheit sowohl in Morbys Songwriting als auch in Dessners Produktion, die an Tom Pettys Klassiker Wildflowers aus dem Jahr 1994 erinnert. Da Morby mittlerweile hauptsächlich in LA lebt, hat sich die Atmosphäre, die Little Wide Open durchzieht, gegenüber seinen Vorgängern etwas verändert. Wie Rachel Kushner in ihrem Begleittext zum Album über Morby schreibt: ,Es geht um Zeit, um das Gefühl, dass er sich von der Nostalgie und dem verlorenen, aber schönen Kampf, an der Vergangenheit festzuhalten, gelöst hat. Er hat akzeptiert, dass die Zeit unaufhörlich fließt und man sie nicht aufhalten kann. Stattdessen hat er das Gefühl, dass er auf ihr reitet. Er ist Passagier der Zeit." *Dead Oceans

Release 22.5.2026

Zum neuen Album sagt Bandkopf Konstantin Gropper: "Mit "Minus The Magic“ sind wir zum ersten Mal als komplette Band ins Studio gegangen und haben live aufgenommen. Das war nie die Arbeitsweise von Get Well Soon – aber wie gesagt: Es ist ein Rockalbum. Und so macht man das eben! Ein Großteil des Albums beschäftigt sich mit den sogenannten großen Fragen, die in der Lebensmitte auftauchen – ob man will oder nicht. Wir sind uns des Klischees bewusst, dass man mit Mitte 40 in einer Rockband spielen will. Aber hey, mit den Jahren gewinnt man auch eine gewisse Selbstironie. Die ist übrigens viel wichtiger als Weisheit. Wenn hier und da etwas nach unserer Jugend klingt, geht es nicht um Nostalgie oder Sehnsucht. Es geht eher um die Frage: „Wie bin ich hierher gekommen?“ Dieser Sound ist ein guter Ort, um darüber nachzudenken, woher man kommt – vielleicht sogar, wohin man geht. Hoffentlich geht es vielen von euch genauso. Und hoffentlich habt ihr genauso viel Spaß damit wie wir."

Release 22.5.2026

Das neue Album »everyone for ten minutes« von Bleachers erscheint am im Mai 2026. Die New York Times beschreibt Bleachers als »hymnischen, lebensbejahenden Pop-Rock«. Frontmann der Band ist der elfmalige Grammy-Gewinner Jack Antonoff, Sänger, Songwriter, Musiker und Produzent.

In den letzten zehn Jahren haben Bleachers eine riesige, treue Fangemeinde aufgebaut und sind für ihre beeindruckenden Live-Shows und ihre ansteckende Kameradschaft bekannt. Das vierte Studioalbum von Bleachers mit dem Titel »Bleachers« brachte die Band zu neuen Höhen, darunter ein ausverkauftes Konzert im Madison Square Garden und das Cover des Rolling Stone Magazins.

Release 29.5.2026

Die aus Nashville stammende Psychedelic-Blues-Rock-Band meldet sich mit ihrem brandneuen Album zurück - dem ersten Studioalbum der Band seit dem wegweisenden "Nothing As The Ideal" aus dem Jahr 2020. Das Album enthält die Singles "Red Rocking Chair" und "Starting Line".

Release 29.5.2026

Neues Album der ursprünglich in den USA beheimateten Band, die nun größtenteils in Berlin ansässig ist. Auf einem abwechslungsreichen Album nimmt der Titelsong des neuen Albums eine zentrale Position ein und vermittelt einen perfekten ersten Eindruck davon, was noch kommen wird. Verträumt, heavy, rau, elektronisch - es ist von allem etwas dabei, was dieses Album so besonders macht. Im Laufe ihrer mittlerweile zwanzigjährigen Laufbahn haben sie längst einen eigenen Trademark-Sound erschaffen, der meist auf einem Fundament aus kraftvollen Riffs, melodischen Einlagen, progressiven Strukturen, hypnotischen Grooves und einer ätherischen Atmosphäre basiert. Kraut-Einflüsse stehen gleichberechtigt neben Classic-Rock und Doom, insgesamt ein unglaublich spannender Mix mit zahlreichen Facetten und Zwischentönen.

Release 29.5.2026

Das sechste Studioalbum des beliebten dänischen Quintetts. Im Laufe des sich über zwölf Songs erstreckenden Albums dehnt sich ein Universum der Liebe in einem ewigen Tango mal aus, mal zieht es sich wieder zusammen; Elias Rønnenfelts Texte brennen vor apokalyptischer Intimität, während sich die Band meisterhaft durch ihre sich ständig wandelnde Landschaft aus wildem Post-Punk bewegt.

Release 29.5.2026

Neun Jahre nach „Laune der Natur“ veröffentlichen Die Toten Hosen endlich wieder einen Longplayer mit neuen Songs! Mit „Trink aus, wir müssen gehen!“ + Bonusalbum „Alles muss raus!“ schließen die fünf Musiker fast 45 Jahre nach ihrer Gründung 1982 einen Kreis: Es wird das letzte reguläre Studioalbum der Band. "Einer hat im Proberaum geschrien ‚Lasst uns ein letztes Album machen!‘. Keine Ahnung, wer das jetzt genau gewesen ist, jedenfalls war die Begeisterung groß. Wir haben dann gemeinsam beschlossen, nochmal aus allen Rohren zu schießen und rauszuhauen, was geht“, erzählt Campino. Und es stimmt, die Band feuert von laut bis leise und darüber hinaus die ganze Bandbreite ab, die man von ihnen gewohnt ist. Für die Frontoptik von "Trink aus, wir müssen gehen!" haben die Bandmitglieder eine besondere Überraschung parat: "Wir sind sehr glücklich, dass es uns gelungen ist, unseren guten Freund Andreas Gursky zu überzeugen, die Gestaltung des Titelmotivs zu übernehmen. Auf Basis eines seiner wichtigsten Bilder ist so ein für beide Seiten überraschendes Coverfoto entstanden." Die neuen Lieder werden ergänzt durch das Bonusalbum „Alles muss raus!“: "Als Geschenk für uns und die Fans haben wir noch einmal 25 Coversongs mit Kolleginnen und Kollegen, die uns wichtig oder ans Herz gewachsen sind, in dieser Runde gemeinsam eingespielt“, so die Band dazu.

Release 5.6.2026

Nach 20 Jahren in den Fängen der Majorlabels erscheint das 11te Album auf Anti-Records! "I Built You A Tower" ist der Klang von Verlust, Abgrenzung und der Trauer, die schließlich aus allen Nähten hervorbricht. Es ist auch der Klang des Wachstums, das nach dem Zusammenbruch kommt, des Anerkennens von Schmerz, ohne sich davon zerstören zu lassen. „Ich sehe den Turm an deinem emotionalen Horizont stehen“, erklärt Ben Gibbard. „Man muss nicht immer darauf schauen, was sich darin befindet, aber er ist eine Erinnerung daran, dass es passiert ist. Du weißt, dass er da ist. Du musst dich ihm stellen.“

Release 5.6.2026

Seit der Veröffentlichung seines Debütalbums 2023 hat Jalen Ngonda eine kometenhafte Karriere hingelegt. Der Song "If You Don’t Want My Love" wurde zum viralen Hit und wurde bis heute 253 Millionen Mal gestreamt. Seine Botschaft: "Die Lehre der Liebe besagt, dass jeder Gedanke und jede Handlung in erster Linie von Mitgefühl für andere geleitet sein sollte, denn Liebe ist der höchste Maßstab für den Wert eines Menschen." Die Titel des 2ten Albums sind aus diesem Credo entstanden. Mit seinem tiefen Wissen und seiner Liebe zum klassischen Soul vermittelt Jalen Ngonda Authentizität in Hülle und Fülle. 'Doctrine Of Love' verbindet Pop-Sensibilität und soulige Melodien mit roher Kraft und Groove und erweitert die orchestralen Arrangements um bläserreiche und gospelartige Backing Vocals, wodurch ein äußerst stilvolles Beispiel für moderne Soul-Kunst entsteht.

Release 12.6.2026

Für The Bobby Lees markiert ihr viertes Album und Epitaph-Debüt einen spannenden neuen Abschnitt in der Bandgeschichte, während sie gleichzeitig das, was sie schon immer so magnetisch gemacht hat, noch einmal verstärkt. The Bobby Lees brauchen nicht groß vorgestellt zu werden. Nach nur wenigen Sekunden ihrer mitreißenden Live-Shows oder ihrer energiegeladenen Studioalben wird schnell klar, warum sie Fans wie die legendären Musiker Iggy Pop, Debbie Harry und Henry Rollins haben. Sie sind in ihrem Sound ebenso kompromisslos und großzügig mit ihrer Energie wie ihre Punk-Vorgänger, die in den 1970er Jahren die Regeln neu geschrieben haben. Angeführt von Sänger und Gitarrist Sam Quartin, Schlagzeuger Macky Bowman und Bassist Kendall Wind bringen The Bobby Lees Wildheit und Gefahr zurück in den Punkrock. Man hört, wie die Band zu einem neuen Selbstbewusstsein findet – einem, das sowohl lockerer als auch imposanter ist –, und zwar auf dem gesamten Album „New Self“, vom brodelnden, feurigen „Napoleon“ bis zur wilden, ausgefallenen Interpretation von PJ Harveys „50ft Queenie“. Das ist der Sound einer Band, die sich über wackeligen Boden gekämpft hat, um dann stärker denn je zurückzukommen: selbstbewusster, verbundener, lauter und wilder und sicher in ihrer Haut.

Release 19.6.2026

Warnings´ erste neue Musik seit zwanzig Jahren! Patrick Walkers lebenslange musikalische Inspirationen lassen sich in "Rituals Of Shame“ nachverfolgen. Die ambitionierten strukturellen Arrangements erinnern an Marillions komplexe, aber mitreißende, episodisch aufgebaute Songs. Sie bewahren eine Kargheit, die an June Tabors sparsame Arrangements erinnert; reich an Melodien, aber dennoch von einer durchscheinenden Leichtigkeit geprägt. Patrick nennt John Brenner von Revelation als eine beständige Inspiration und schreibt ihm zu, die Idee eingeführt zu haben, wie man Heavy-Metal-Musik mit bedeutender emotionaler Tiefe erfüllen kann.

Release 26.6.2026

Inklusive Shepard Fairey x Dead Pioneers Kollabo-Poster. Kaum noch an Intensität zu überbieten ist Dead Pioneers DIE Punk-Formation der Stunde! Die ursprünglich als Spoken-Word-Kunstprojekt von Sänger Gregg Deal entstandene Band, die btw auch mit Leuten von u.a. Rich Kids On LSD und den Algiers aufwartet, hat in kürzester Zeit zwei großartige Alben vorgelegt und damit enorme Wellen geschlagen. Album Nummer drei schafft es nun die Stellschrauben noch so viel fester zu ziehen! Die mehr gesprochenen, als gesungenen Texte von Frontmann Gregg Deal sind unglaublich bissig und treffend. Er wettert gegen soziale, gesellschaftliche und politische Missstände, die musikalische Untermalung zeigt sich massiver denn je - Wagon Burner ist laut, roh und wütend, kneift, zerrt und schubbst an allen Ecken und Enden. Und bei aller Unbequemlichkeit, schafft es diese Ausnahmeformation trotzdem so unglaublich eingängig und zugänglich zu sein und die Hand auszustrecken, um gemeinsam Veränderung einzufordern. Das zeigen auch nicht zu Letzt die Gastbeiträge von befreundeten Acts wie Sleaford Mods, The Interrupters und Cheap Perfume, die perfekt den Spirit von Gemeinschaft transportieren, der über allem schwebt. Ein unfassbar dringliches Album - wütend und verbindend zugleich!

Release 26.6.2026

Muse sind eine kulturell versierte, genreübergreifende Band, die die Ängste jeder Epoche – Technologie, Macht, Rebellion und Identität – in maximalistischen, stadiontauglichen Rock umsetzt, der sich mit der Zeit weiterentwickelt und dabei unverkennbar Muse bleibt. Angeführt von der neuen Single „Be With You“ ist diese nächste Ära von Muse in elektronischen Experimenten und einer unstillbaren Neugier verwurzelt. „The WOW! Signal“ steht für eine Welt voller kosmischer Geheimnisse, existenzieller Hoffnung und der berauschenden Möglichkeit, mit etwas in Kontakt zu treten, das weit größer ist als wir selbst.

Release 26.6.2026

Die Downtown Boys haben sich seit ihrer Gründung unermüdlich als künstlerisches und politisches Projekt weiterentwickelt. Sängerin Victoria Marie und Gitarrist/Sänger Joey La Neve DeFrancesco lernten sich bei Gewerkschaftssitzungen kennen, als sie gemeinsam in einem Hotel in Providence, Rhode Island, arbeiteten, und schrieben viele der frühen Songs der Band über Gewerkschaftsarbeit und ausbeuterische Arbeitsbedingungen. Das Quintett wird vervollständigt durch Joe DeGeorge (Saxophon/Synthesizer), Mary Jane Regalado (Bass) und Joey Doubek (Schlagzeug). Durch jahrelange Tourneen und drei gefeierte Alben sind die Downtown Boys als Künstler, Musiker und Organisatoren weiter gewachsen. Nun legt die Band mit "Public Luxury" ein fesselndes Album vor, das Politik in den Mittelpunkt rückt und gleichzeitig den bisher eindringlichsten und kraftvollsten Sound der Band hervorbringt. Die Definition von "Public Luxury" deckt sich weitgehend mit dem Titel der zweiten LP der Downtown Boys, "Full Communism". Ganz einfach gesagt bedeutet "Public Luxury": "alles für alle". Es ist das hartnäckige Beharren darauf, dass eine bessere Welt möglich ist, bei vollem Bewusstsein für die Schrecken, die wir täglich erleben, und die individuelle und kollektive Verantwortung, dem Nihilismus und der Hoffnungslosigkeit zu widerstehen, die wir alle spüren. Gefühle wie "alles für alle" und "wir werden alles haben" repräsentieren perfekt das kathartische, gemeinschaftliche Live-Erlebnis, das diese Gruppe von Multi-Instrumentalisten schafft. Diese Gefühle verkörpern auch die inklusive, fröhliche Klangfusion, die das Album ausmacht: hymnischer Punk und Indie-Rock vermischen sich mit lateinamerikanischen Traditionen, Drum-Machines verschmelzen mit akustischen Drums, Saxophone untermalen Riffs, und Synth-Schichten sorgen für Verzierungen von New Wave bis Industrial. Die Bandbreite, die "Public Luxury" abdeckt, kann gar nicht hoch genug eingeschätzt werden, und doch fühlt sich das Album absolut lebendig und stimmig an. "Public Luxury" ist eine Rückbesinnung auf die Vergangenheit der Band im Dienste ihrer Zukunft. Es wurde von DeFrancesco gemeinsam mit dem Toningenieur und langjährigen Downtown-Boys-Unterstützer Seth Manchester (Lambrini Girls, Lightning Bolt, Model/Actriz) im Studio und Kunstraum "Machines With Magnets" in Pawtucket, Rhode Island, produziert - unweit von Providence, Rhode Island, der ersten Heimat der Band. Victoria Maries Großmutter - eine prägende Figur für die Band während ihres gesamten Bestehens - ist im Mai 2025 verstorben, und ihr Einfluss prägt das Album stark; die Songs "No Me Jodas" und "Sirena" sind kristallklare Darstellungen der Liebe zwischen einer Frau und ihrer Vorfahrin. Jenseits von Verlust, Wut und Frustration der Gegenwart weist Public Luxury mutig auf eine lebendige, offenherzige Vision sowohl von Musik als auch von der Welt hin: "Unsere Musik ist einfach für jeden und jede, die an die neue Zukunft glaubt, die wir gemeinsam gestalten können", erklärt Victoria Marie. "Eine Welt, die zwar unbeholfen und widersprüchlich sein wird, aber in allem, was wirklich zählt, wahrhaft frei."

Release 26.6.2026

5tes Album. Während die Band bei dem Vorgängeralbum "Exotico" mit Gastproduzent Sean Ono Lennon zusammengearbeitet hatte, schien es diesmal, als könne das 5te Album nur von Temples selbst produziert werden, wobei sie einen eher instinktiven, praktischen Ansatz verfolgten. Sie arbeiteten gemeinsam in einem Raum, setzten auf Improvisation und Experimentierfreudigkeit und nutzten Sampler nicht, um das Material anderer Künstler zu überarbeiten, sondern um ihre eigenen Songs zu manipulieren und zu einer gemeinsamen Klangpalette zusammenzufügen. Das Ergebnis ist ein Album, das sich wie eine Collage anfühlt und in dem Motive und Texturen über die Tracks hinweg miteinander verbunden sind. Der Song "Jet Stream Heart" handelt davon wie man von Musik verführt wird und spiegelt das körperliche Gefühl, wenn man vor den Lautsprechern eines Clubs steht und von hypnotischen Beats in den Bann gezogen wird. Die Fusion aus psychedelisch angehauchten Riffs und clubtauglichen Beats führt in die zentrale Idee des Albums ein: Dance-Musik, neu interpretiert durch die unverwechselbare Brille von Temples.

Release 14.8.2026

Neues Album des aus J alias Josh Lloyd-Watson (Keyboard/Gitarre) und T alias Tom McFarland (Bass/Gesang) bestehenden Disco-Soul-Produzenten-Duo aus London.

Release 10.4.2026

»The Phantom Void« umfasst sieben Tracks und gilt als eines der fokussiertesten und stärksten Werke ihrer Karriere. Es ist zugleich das Studioalbum zum 20-jährigen Bandjubiläum von Long Distance Calling und zeigt die Band auf dem kreativen Höhepunkt ihres Schaffens: instrumental, imposant, kurzweilig – und dennoch voller Tiefe.

Release 10.4.2026

Das Album erschien ursprünglich 2025 in streng limitierter Auflage auf CD und Vinyl über AmRep (nur auf Tour und im AmRep-Store). Es handelt sich hier um eine erweiterte Version mit zwei zusätzlichen Songs, brandneuem Artwork von Mackie Osborne, neuen Vinyl-Varianten und wird zum ersten Mal offiziell in Plattenläden, bei DSPs und anderen Händlern erhältlich sein. Nach zwei gemeinsamen Headliner-Tourneen in den letzten zehn Jahren setzen die Melvins ihre langjährige Tradition fort, mit einer anderen Band ein Album aufzunehmen. Diesmal dran sind die ultimativen Pioniere des Grindcore-Genres, die Elemente des Crust Punk und Death Metal einfließen lassen. "Savage Imperial Death March" ist eine vollständige Zusammenarbeit, bei der Melvins und Napalm Death auf allen Tracks gemeinsam spielen

Release 10.4.2026

Tiwayo veröffentlicht neue Single »I've Got to Travel Alone» und kündigt sein neues Album »Outsider« an – eine authentische Soul-Revelation, produziert vom Grammy-Gewinner Adrian Quesada (Black Pumas).

Tiwayo tritt mit »Outsider« aus dem Schatten hervor: Eine authentische Soul-Offenbarung, produziert vom Grammy-Gewinner Adrián Quesada (Black Pumas). Der in Paris geborene Soulsänger und Songwriter Tiwayo, der wegen seiner zeitlosen Stimme den Spitznamen »The Young Old« trägt, kehrt mit »Outsider« zurück, einem kraftvollen neuen Album, das von Grammy-Gewinner Adrián Quesada (Black Pumas) produziert wurde. Outsider erscheint weltweit und wird als schwarze LP und CD-Digipack erhältlich sein.

»Outsider« markiert das triumphale Comeback eines Bohemien-Geistes, der als Straßenmusiker durch die Welt gereist ist und dabei die Wurzeln des Blues, Soul und Gospel in sich aufgenommen hat, die seine Musik bis heute prägen. Tiwayo, der von Musikgrößen wie Norah Jones, Marcus Miller, Tony Visconti und Don Was gefeiert wird, hat sich einen Namen als Vorband für Sting, Seal und Marcus Miller gemacht. Nach seinem gefeierten Debütalbum »The Gypsy Soul of Tiwayo« auf dem legendären Label Blue Note Records war Tiwayo fast von der Bildfläche verschwunden, bevor Adrian Quesada seine Demos hörte und ihn zurück ins Rampenlicht holte.

Ihre Wege kreuzten sich beim französischen Festival Les Eurockéennes, was Tiwayo von Paris nach Austin und in Adrian Quesadas Electric Deluxe Studio führte. Dort schufen er und Quesada eine rohe, genreübergreifende Interpretation des Soul, zu der Mitglieder von Black Pumas und andere führende Persönlichkeiten der Retro-Soul-Szene beitrugen. Doyle Bramhall II, langjähriger Mitarbeiter von Eric Clapton, spielt Gitarre auf drei Titeln, darunter »Daddy Was Born with the Blues«, Tiwayos Hommage an seinen verstorbenen Vater, bereichert durch Streicher von Sly5thAve. Kendra Morris (Colemine Records) aus Brooklyn begleitet ihn bei »Unchained Lovers«, einem samtweichen Duett, das tief in der südlichen Tradition von Hi Records verwurzelt ist.

Während viele moderne Retro-Soul-Acts sich an den Motown-Sound anlehnen, bleibt Tiwayos Sound rau, kompromisslos und in den Traditionen des Southern Soul verwurzelt - eine Tradition, die er einmal hautnah erlebt hat, als er Reverend Al Green in Memphis traf. Auf »Outsider« reflektiert Tiwayo darüber, was es bedeutet, ein Künstler zu sein (»I've Got to Travel Alone«), groovt verschmitzt in »Up for Soul«, feiert die Schönheit des Alltags (»Sunshine Lady«, »My House Is Your Home«) und findet Widerstandskraft im Verlust (»Dark Skies«).

Mit seinen dichten Grooves und lebhaften Geschichten ist das Album sowohl intim als auch kollektiv, zutiefst menschlich und unerschrocken ehrlich. Tiwayo hält sich nicht an die Regeln des Genres. Er steht für sich: ein Franzose in Texas, ein Soulsänger mit dem Herzen eines Bluesmusikers, ein Reisender, der nirgendwo wirklich hingehört. In einer Welt der polierten Revivals begrüßt Tiwayo es, ein Außenseiter zu sein - ein Antiheld des Soul, der beweist, dass das Rohe und Ungeschminkte die tiefste Kraft in sich trägt.

Release 3.4.2026

Die unerwarteten Umstände der Aufnahmesessions haben das Album maßgeblich geprägt. Konfrontiert mit einem Sturm, der den Strom ausfallen ließ (was den Einsatz eines Generators erforderlich machte), und einem Nachbarn, der sich über die Lautstärke beschwerte, stand die Band vor der Herausforderung, ihren charakteristischen Sound zu produzieren und dabei so leise wie möglich zu sein. Diese Einschränkung führte unerwarteterweise zu „zurückhaltenden Ambient-Klängen” und „pastoralen, stimmungsvollen Soundscapes”. Wenn man jedoch „Event Beat” abspielt, wird deutlich, dass sie die Idee eines reinen Ambient-Albums brillant umgangen haben.

Das Album folgt außerdem auf zwei wichtige Platzierungen, die zu einer unerwarteten Wiederentdeckung führten: Ihr Track „Tom Tom” wurde in der erfolgreichen Amazon Prime Video-Zeichentrickserie „Invincible” verwendet. Darüber hinaus tauchte „Lost Cool” in dem mit einem Oscar ausgezeichneten Body-Horror-Film „The Substance” wieder auf.

Mit der schieren Lebendigkeit von „Event Beat“ und ihrer Überzeugung, unabhängig von Trends weiterzumachen, sind Holy Fuck nach wie vor so relevant wie eh und je. Dieses Album ist ein Beweis für die „Zusammengehörigkeit und Menschlichkeit in der Musik“.

Übersetzt mit DeepL.com (kostenlose Version)

Release 3.4.2026

Das erste Nicht-Studioalbum, aber es ist mehr als nur eine Compilation oder ein Live-Album. Die Bandmitglieder Andrew Fitzpatrick, Jenn Wasner, Justin Vernon, Matthew McCaughan, Michael Lewis und Sean Carey sind eine eigene Einheit. Gemeinsam liefern sie sowohl für Neulinge als auch für eingefleischte Fans die definitiven Versionen dieser Songs und lassen die Tracks durch die essentielle Live-Technik von Xandy Whitesel in ihrer reichhaltigsten Form explodieren. Aufgenommen zwischen 2019 und 2023, als Bon Iver ihr bisher letztes Live-Konzert gaben, hebt "Volumes: One" die Musik von 22, A Million aus dem Jahr 2016 und i,i aus dem Jahr 2019 hervor, ergänzt durch drei wichtige Stücke. Der COVID-Hymnus "P.D.L.I.F." steht für eine neue Phase von Bon Iver; ein Cover von Mahalia Jacksons "A Satidfied Mind" erinnert an die frühen Tage von DeYarmond Edison, als Vernon während privater Bandproben sein Falsett entdeckte; und nun endlich kehrt mit "Heavenly father" ein beliebter Fan-Favorit zurück.

Release 3.4.2026

Story's End ist das achte Studioalbum der US-amerikanischen Singer-Songwriterin Maria Taylor (bekannt durch das Duo Azure Ray).

Es knüpft an Taylors melancholischen, folk-orientierten Stil an und befasst sich mit den Phasen, die auf das Ende bedeutender Lebensereignisse oder Beziehungen folgen. Die Texte sind melancholisch und doch tröstlich. Das Album schliesst den Kreis mit dem Gedanken, dass "sehr wenig wirklich endet" – am Ende der Geschichte ("Story's End") kehrt man oft dorthin zurück, wo man begonnen hat.

Release 3.4.2026

»Sechs Jahre nach seiner letzten LP veröffentlicht Thundercat sein fünftes Studioalbum, »Distracted«, auf Brainfeeder. Auf dem neuen Album sind A$AP Rocky, WILLOW, Tame Impala, Channel Tres und eine bisher unveröffentlichte Zusammenarbeit mit dem verstorbenen Mac Miller zu hören.

»Distracted« entstand in enger Zusammenarbeit mit einem neuen kreativen Partner von Thundercat, dem Superproduzenten, Greg Kurstin, bekannt für seine Arbeit mit einigen der größten Namen der Popmusik wie Adele, Paul McCartney, Sia, Beyoncé, Beck und vielen anderen – sowie weiteren Produktionen von Flying Lotus, Kenny Beats (Kenneth Blume) und The Lemon Twigs. Das neue Album liegt irgendwo zwischen »Drunk«s frenetischem Blick auf das moderne Leben und »It Is What It Is«' feierlicher Herzensqual, und ist Thundercats Versuch, einen angenehmen Platz für sich selbst in der heutigen Zeit zu finden. Anstatt die Gegenwart zu verurteilen, durchforstet das Album genau diese und thematisiert, wie Ablenkung sowohl ein Hindernis als auch eine Form der Heilung sein kann.

Die Nachteile der Ablenkung sind in der heutigen Aufmerksamkeitsökonomie (mit Aufmerksamkeitsdefizit) offensichtlich, aber ein echter Sonderling wie Thundercat kann erkennen, wie man sie zu seinem Vorteil nutzen kann. Schließlich kann man »Tagträume« nicht ohne »Träume« buchstabieren. Was er den Hörer:innen letztendlich von »Distracted« mitgeben möchte, ist bestechend einfach: »Genießt es einfach, habt Spaß und seid euch bewusst, dass der Kampf real ist und sich verändert, aber macht einfach weiter.« In einer Zeit, in der ständige Kommentare gefragt sind, bietet Thundercat etwas Ruhigeres und auf seine Weise Radikaleres. Er gibt uns die Erlaubnis, verwirrt zu sein. Müde zu sein. Nun ja, abgelenkt zu sein – und trotzdem etwas Schönes aus dem Lärm zu machen.

Release 3.4.2026

Seit fast 30 Jahren erweitern sunn O))) - Stephen O´Malley und Greg Anderson - die Grenzen der Heavy-Musik und verbinden die Welten der Avantgarde und des Rock, um einen Stil zu schaffen, der sofort als ihr eigener erkennbar ist. Jetzt melden sich sunn O))) mit ihrem ersten Album mit neuem Material seit dem gefeierten Pyroclasts aus dem Jahr 2019 zurück. Ihr zehntes Album - ihr Debüt bei Sub Pop - zeigt, wie gut das Duo mit Zeit und Raum, Licht und Dunkelheit umgehen kann und dass sie bereit sind, ihren unverwechselbaren Sound zu neuen, mutigen Formen weiterzuentwickeln. Das gleichnamige Album "sunn O)))" wurde in den Bear Creek Studios in Woodinville, Washington, mit Brad Wood (HuM, Tar, Sunny Day Real Estate, Liz Phair) aufgenommen. Dieser Ort erwies sich als entscheidend für den Aufnahmeprozess. "Der riesige Aufnahmeraum hatte große Fenster mit Blick auf Bäume", sagt O'Malley. "Wir konnten wandern gehen und draußen im Wald sein, Zeit im Freien verbringen. Das war ein wichtiger Teil davon." sunn O))) haben schon lange Mitwirkende in ihre eigenständige Welt aufgenommen: In früheren Werken waren Attila Csihar (Mayhem), die Komponistin Hildur Gudnadóttir, der Multi-Instrumentalist Steve Moore, der Universalgelehrte Mark Deutrom, Tim Midyett von Silkworm und der legendäre Singer-Songwriter Scott Walker zu hören. Auf diesem Album haben O'Malley und Anderson jedoch neue Möglichkeiten im ursprünglichen Format des Duos entdeckt und alle Instrumente selbst gespielt. "Was in den letzten Jahren mit unseren Auftritten zu zweit und ohne weitere Mitwirkende passiert ist, war wirklich neu und aufregend", sagt Anderson. Die Kompositionen auf sunn O))) sind weitläufig und panoramisch, aber dennoch detailreich und spiegeln die baumreiche Umgebung wider, in der sie aufgenommen wurden. Inmitten von heulendem Feedback und eisigem Knirschen findet man überraschend zarte Momente: eine Feldaufnahme von plätscherndem Wasser im Hintergrund, Klavierzwischenspiele, die eine gedämpfte, feierliche Stimmung erzeugen. Dabei erreicht das Duo neue Höhen telepathischer Intensität, während es Musik formt, die die belebende, erdige Luft des pazifischen Nordwestens atmet. Visuell wird das Album von zwei Gemälden des verstorbenen amerikanischen Künstlers Mark Rothko eingerahmt. Die Liner Notes stammen vom preisgekrönten britischen Schriftsteller Robert Macfarlane, der für seine Werke über Landschaft und die Beziehung zwischen Mensch und Natur bekannt ist. Durch die Arbeit der Band, Macfarlane und Rothko verbinden sich Klang, Wort und Bild zu einem umfassenden Erlebnis, das unbestreitbar ganz und gar sunn O))) ist.

Release 3.4.2026

Mit ihrem Debütalbum führen Knumears aus Kalifornien, die jahrzehntelange Screamo-/Post-Hardcore-Tradition als leidenschaftlichen Liebesbrief an die Szene fort und formen zugleich einen eindringlichen, zeitlosen Sound, der eine neue Generation von Underground-Musikern prägt. Das Album klingt außergewöhnlich eindringlich - selbst für ein viszerales Genre wie Screamo. Hyper-unmittelbar und dennoch notorisch schwer zu definieren. Die Blaupause für Screamo im Jahr 2026.

Release 27.3.2026

Auf ihrem sechsten Album, dem ersten seit sieben Jahren, kehrt die schottische Post-Punk-Band zurück, um eine Geschichte von Verlust und persönlichen Krisen zu erzählen, die auf konkreten Erfahrungen basiert, aber mit einer universellen emotionalen Kraft grundiert ist. Unterlegt von den zärtlich-stürmischen Gitarren-Arrangements von Andy MacFarlane erzählt das Album von der Krankheit von Grahams Mutter und ihrem Tod, auch von seinen eigenen mentalen Struggles und handelt doch von etwas ganz Allgemeinem: der Verletzlichkeit des Menschen. Dies resultiert in dem bisher – man muss es wohl so sagen – persönlichsten und zugleich zugänglichsten Album der Band, die mit ihren Porträts geplagter und oft gebrochener Menschen schon lang enge Bande zu ihrem Publikum geknüpft hat. Sagt Graham: “In the past I’ve used a lot of metaphors within my lyrics. With this, there’s not as much. The record is heavily influenced by my mental health, grief and loss, and the need to be strong in positions where you’re not feeling it. It’s a very human story, I think – this is just my version of it. I feel that everybody goes through something like this. Everybody loses somebody. Everybody questions life.” Aber noch einmal von vorn. Im Jahr 2016 kehrten Graham und MacFarlane beglückt von einer Tournee mit The Cure zurück, die sie selbst kaum fassen konnten, und erfuhren, dass bei Grahams Mutter eine früh einsetzende frontotemporale Demenz diagnostiziert worden war. Während Graham in den folgenden Jahren mit dem brutalen Zwiespalt zwischen den Freuden seines Lebens – Ehe, Elternschaft – und dem grausamen Verfall seiner Mutter rang, entstanden etwa 80 Prozent des Materials, das auf dem Album nun zu hören ist.

Release 27.3.2026

Fünftes Album, das erste seit 4 Jahren. Das Album neue Album ist, wenn man so will, eine Fortsetzung und tiefere Auseinandersetzung mit jenen Themen, die er bereits auf seinem letzten, von der Kritik hochgelobten Album "Local Valley" aufgefächert hatte. Wo dieses vor allem nach Innen wies, und sich auf Orte, Sprache und persönliche Anschauungen konzentrierte, zoomt das neue Werk gewissermaßen in die Makroperspektive - und mündet in dem eindringlichen, mal frustrierten, mal wütenden, mal hoffnungsspendenden Appell, in einer Zeit, in der Technologie zunehmend unser Denken, Fühlen und Miteinander prägt, das Licht der Menschheit, so unzulänglich und unvollkommen sie auch sein mag, zu bewahren. In der Tradition von Folk als Protestmusik fordert José uns auf, uns gegen Systeme zu wehren, die entmenschlichen und spalten: "Disconnect from every algorithm, every perverse incentive that drags you down. Let’s rebel against the replicators, against the dying of the light. Kill the codes that feed the hate, keep the codes that make you thrive, celebrate the f__king fact that we’re alive”, singt er im programmatischen Titelstück und betont die Dringlichkeit, weiterhin nach Aufklärung zu streben – und gegen jene Kräfte zusammenzustehen, die das persönliche und kollektive Gedeihen des Menschen verhindern wollen. Obwohl José den technologischen Fortschritt stets begrüßt hat, hinterfragt er die Annahme, dass jede neue Möglichkeit bis zu ihrem maximalen Potenzial ausgeschöpft werden muss, insbesondere wenn der Fortschritt auf Kosten des menschlichen Wohlergehens, der Achtsamkeit und der Empathie geht. Sein Fokus liegt allerdings nicht nur auf Ängsten, die sich um Technologien drehen, sondern auch auf Themen wie dem Widerstand gegen ausgrenzende Ideologien und der Notwendigkeit, Denkweisen zu erkennen, die er als "unhelpful thinking" bezeichnet.

Release 27.3.2026

Courtney Barnett veröffentlicht ihr viertes Studioalbum »Creature Of Habit«, darunter die Single »Site Unseen« mit Waxahatchee.

»Creature of Habit« markiert einen entscheidenden neuen Abschnitt in Courtney Barnetts musikalischer Entwicklung. Es ist ein mutiges, emotional bewegendes Album, das sich mit der zentralen Frage beschäftigt: Wie kann man sich selbst aus dem Weg gehen, um sein Leben wirklich zu spüren? Geschrieben nach ihrem Umzug von Australien nach Los Angeles und der Schließung ihres langjährigen Labels Milk! Records, hatte Barnett mit Veränderungen zu kämpfen, die sowohl ihre Zukunft als auch ihre Karriere in Frage stellten. Anstatt diese Gefühle zu verinnerlichen, beschloss sie, all diese wirbelnden Verwirrungen direkt in den Aufnahmeprozess einfließen zu lassen.

Release 27.3.2026

»The Gaia II Space Corps« ist ein Album, das nicht ganz nach Heavy Metal oder Hard Rock klingt, aber eindeutig die Qualitäten dieser Genres aufgreift. Es ist Post-Psychedelic und Prä-Metal und nah an einem echten Classic-Hard-Rock-Album, zumindest so nah die Band Motorpsycho diesem jemals kommen wird. »The Gaia II Space Corps« ist ein kurzes, knappes, eingängiges und mitreissendes Album, das dort anknüpft, wo die Tracks Stanley und The Comeback vom letzten Album aufgehört haben. Die Instrumentierung besteht grösstenteils aus Gitarren, Gitarren und noch mehr Gitarren, doch es gibt auch eine ganze Menge Gesang sowie gelegentlich den einen oder anderen Keyboard-Sound.
Vor allem aber ist es Gitarrenmusik, die - nun ja, rockt! Und zwar heftig!!

Release 27.3.2026

Ihr erstes Album seit fünf Jahren, und sie kehrt mit einem neuen Gefühl der Klarheit und Kontrolle zurück und behauptet sich als Songwriterin ihrer Generation mit einer geschärften Perspektive. Während ihre frühen Werke die emotionalen Turbulenzen junger Liebe dokumentierten, offenbart „Ricochet“ eine tiefere Fixierung: Zeit, Sterblichkeit und die stille Angst, mitanzusehen, wie die Dinge, die man liebt, einem entgleiten. Die 11 Songs des Albums sind geprägt von Selbstreflexion, Angst und Akzeptanz – einer Erkenntnis, dass sich die Welt weiterdreht, unabhängig davon, was sich in deinem eigenen kleinen Universum abspielt.

Release 27.3.2026

The New P*rnographers ihr mit Spannung erwartetes neues Album »The Former Site Of« erscheint bei Merge Records.
Zur Feier der bevorstehenden Veröffentlichung präsentiert die Band den Albumtrack »Votive« zusammen mit einem neuen Video.

Eine Frau ist auf einem Kreuzfahrtschiff gefangen. Ein Prediger beschließt, mit seiner Stadt unterzugehen. Ein Mann im Blumenladen verliert sich in der Bedeutung eines Arrangements. Diese und andere Menschen an persönlichen wie gesellschaftlichen Grenzpunkten stehen im Mittelpunkt von zehn zeitgemäßen und zugleich zeitlosen Kurzgeschichten, die The New P*rnographers auf ihrem kommenden Album »The Former Site Of« in Form sorgfältig komponierter Popsongs versammeln.

Wie schon »Continue as a Guest« zeigt auch dieses Album The New P*rnographers - Bandleader A.C. Newman, Neko Case, Kathryn Calder, John Collins und Todd Fancey - dabei, wie sie ihren ohnehin reichen Katalog auf überraschende Weise erweitern. Unterstützt vom legendären Session-Drummer Charley Drayton (Divinyls, Keith Richards, Fiona Apple) war der Raum innerhalb eines New-P*rnographers-Songs noch nie so klar definiert und zugleich so reich texturiert. Das verleiht den Figuren, deren Leben sich in Newmans einfühlsamen, bildhaften Texten entfalten, einen unverwechselbaren Puls »The Former Site Of« verleiht dem Sound, den Newman durch das Schreiben und Aufnehmen im Heimstudio entwickelte, zusätzliche Tiefe und verfeinert den kreativen Prozess der Band weit über die Notwendigkeiten der Lockdown-Ära und der damaligen Remote-Zusammenarbeit hinaus. »Die Zeit in meinem Studio hat vieles geöffnet«, erklärt er. »Ich kann zuerst das Skelett eines Songs zusammenstellen - nur ein paar Elemente, das zentrale Gefühl, wirklich so wenig wie möglich - bevor ich ihn zur Band bringe und von dort aus weitermache.«

Zwei Alben nach dieser Veränderung erschaffen The New P*rnographers Klanguniversen von komplexer Textur und erzählerischer Detailfülle, bei denen jede Ebene darauf abgestimmt ist, eine unerwartete neue Facette offenzulegen. Weit davon entfernt, einfach das erwartbare nächste Kapitel von The New P*rnographers zu sein, ist »The Former Site Of« ein Plädoyer gegen Erwartungen - von einer Band, die sich weiterentwickelt, statt sich auf ihren Lorbeeren auszuruhen. Selbst in den dunkelsten oder selbstironischsten Momenten liegt in dieser Musik eine unwiderstehliche Spritzigkeit: eine Bestätigung, dass der Kampf ihrer Figuren und der Hörer:innen - wie das Foto eines fernen Planeten - es wert ist.

Release 27.3.2026

Dälek kehren mit »Brilliance of a Falling Moon« zurück – ein kompromissloses, düsteres und politisch aufgeladenes Statement von Experimental-Hip-Hop-Pionieren.

Der Titel stammt aus einem Abschnitt von Erik Larsons Roman »In The Garden of Beasts« aus dem Jahr 2011. Das Album zeichnet ein feuriges Porträt des Lebens und Widerstands im faschistischen Amerika. »Brilliance of a Falling Moon« wurde von Will Brooks (alias MC dälek) und Mike Mare konzipiert, komponiert und produziert und ist ein weitläufiges, kompromissloses Album, das den politischen Ton der Gegenwart widerspiegelt.

Aufgenommen in den Deadverse Studios der Gruppe im Laufe der Jahre 2024 und 2025, werden die Beats von »Brilliance of a Falling Moon« von brutalen, staubigen Drum Breaks angetrieben und sind in eine bedrohliche, jenseitige Atmosphäre gehüllt. Brooks' Reime zielen auf alles ab, von der Unterdrückung von Informationen durch den Staat über den Kolonialismus bis hin zu Trumps Dämonisierung von Einwanderern, und sie brennen geradezu vor Empörung über den aktuellen Zustand der Welt.

Release 27.3.2026

Mit «KRISE ALS CHANSON» veröffentlichen Lo & Leduc ihr sechstes, reguläres Studioalbum. Das Duo erweitert darauf sein musikalisches und sprachliches Spektrum: zwei Songs sind in deutscher Sprache zu hören.

Inhaltlich zeigen sich Lo & Leduc politischer als je zuvor. Die Songs versuchen eine persönliche Standortbestimmung in einer komplexen Welt und greifen Themen auf, denen sich die politische Schweiz oft entzieht. Dabei bleiben die Texte präzise, poetisch und frei vom erhobenen Zeigefinger.

Auch musikalisch gehen Lo & Leduc neue Wege: Ungewöhnliche Arrangements, gebrochene Pop-Strukturen und atmosphärische Klanglandschaften prägen das Album. Synthies, Basslines und subtile Grooves schaffen eine vielschichtige Klangwelt, die überrascht und bewegt.

Release 27.3.2026

Auf dem zweiten Longplayer präsentiert das Trio eine sorgfältig zusammengestellte Auswahl dessen, was funkige Orgelmusik leisten kann. Drei wahre Meister ihres Fachs: Tim Carman (ehemals GA-20) am Schlagzeug, Jimmy James (True Loves, ehemals Delvon Lamarr Organ Trio) an der Gitarre und Adam Scone (Scone Cash Players, The Sugarman 3) an der Orgel. Erfahrene und gefühlvolle Profis, die sich zusammengetan haben, um mitreißende, funkige Instrumental-Jams zu kreieren. Parlor Greens sind in Bestform: Sie sind eingespielt und selbstbewusster denn je, was ihre Identität und ihre Ausrichtung betrifft. Der Opener des Albums, ,Eat Your Greens", beginnt mit einem von Charles Earland inspirierten Four-on-the-Floor-Beat, wobei Jimmy und Scone den Song wie einen überladenen Güterzug vorantreiben, der einfach nicht zu stoppen ist. Greens", startet mit einem von Charles Earland inspirierten Four-on-the-Floor-Beat, wobei Jimmy und Scone den Song wie einen überladenen Güterzug vorantreiben, der einfach nicht zu stoppen ist. ,Lion's Mane" zeigt eine etwas raffiniertere Seite des Trios, mit Anspielungen auf einen von Scones Orgelmentoren , den unvergleichlichen Dr. Lonnie Smith. Um seinen Bandkollegen in nichts nachzustehen, demonstriert Tim Carman in ,Letter To Brother Ben", einem gospelartigen Shuffler, warum er den besten Shuffle diesseits des Mississippi spielt. Und obwohl die Ergebnisse stärker denn je sind, war die Stimmung bei dieser zweiten Aufnahmesession ganz anders. Als sich die drei zum ersten Mal in Loveland im Colemine's Portage Lounge Studio trafen, war die Atmosphäre von einer gewissen Frische geprägt. Es war neu, es war das erste Mal, dass sie alle zusammen spielten. Es war aufregend, es war Neuland. Die Session für Emeralds lastete viel schwerer auf allen drei Mitgliedern. Da alle drei mit persönlichen Tragödien in ihrem individuellen Leben zu kämpfen hatten, war die Session für die Gruppe ein echter Moment der Freude. Nur drei talentierte Musiker, die nun als Freunde in einer vertrauten Umgebung Musik schreiben und spielen. Nirgendwo wird die Bedeutung dieser Session deutlicher als beim letzten Titel des Albums, ,Queen Of My Heart", einem Stück, das Jimmy für seine Mutter kurz nach ihrem Tod geschrieben hat. Mit schwerem Herzen und voller Emotionen ist Colemine Records sehr stolz darauf, das zweite Album dieser drei Meister präsentieren zu dürfen.

Release 27.3.2026

JeGong, bekannt für ihre eindringlichen, rhythmusgetriebenen Erkundungen von Krautrock und experimentellem Sounddesign, machen jetzt einen aufregenden Sprung in helleres, nostalgisch fremdes Territorium. »Gomi-Kuzu-Can» ist eine elektrisierende Reise durch Kraut-, Post- und Experimental-Rock, die mit der analogen Wärme der 70er Jahre daherkommt.

In elf sorgfältig ausgearbeiteten Tracks besinnen sich JeGong auf ihre Wurzeln, während sie furchtlos in neonbeleuchtete, beatgetriebene Welten vordringen, in denen kinetische Rhythmen auf verspielten Klangfuturismus treffen. Es ist Musik für Bewegung, Kontemplation und die ekstatische Fremdartigkeit des Möglichen. Ihre Herangehensweise lehnt sich an die Ausdauer und Geduld des Minimalismus an, aber sie untergraben die Strenge des Minimalismus mit Härte, Verzerrung und Körperlichkeit. Das Ergebnis ist eine Musik, die sich lebendig anfühlt: Sie verändert sich ständig, zieht sich zusammen, entrollt sich und mutiert, auch wenn ihr Kernpuls ungebrochen bleibt.

›Wir wollten einen 70er-Jahre-Sound als Grundlage für die Aufnahmen schaffen - eine Klangästhetik, die durch warme Bandsättigung eine Stimmung erzeugt. Wie eine Art Erinnerungsbox, in der man Erinnerungen speichern kann, zum Beispiel aus der Kindheit, als man stundenlang allein vor dem Fernseher saß und Radio hörte, oft beides gleichzeitig.« (JeGong)

»Gomi Kuzu Can« ist handgefertigt, liebevoll zusammengesetzt aus Schaltkreisen, Intuition und kreativen Impulsen. Diese taktile Qualität ist genau das, was die Tanzbarkeit des Albums so beeindruckend macht. Indem sie organische Rhythmen mit retro-elektronischem Glanz mischen, haben sie einen Sound geschaffen, der sowohl vertraut als auch erfrischend neu ist. Letztendlich ist der Sound von JeGong weniger ein Genre als vielmehr eine Landschaft: rau, hypnotisch, streng und seltsam spirituell.

Es ist eine Musik, die auf den Knochen des Rhythmus und der Elektrizität der Wiederholung aufgebaut ist, gefertigt mit der Präzision von Ingenieuren und dem Instinkt von Entdeckern. Für Fans von Neu!, Cluster, Tangerine Dream, Swans, Mogwai, Sonic Youth, John Zorn

Release 20.3.2026

Die eierlegende Wollmilchsau reitet wieder, denn Harvey Rushmore & The Octopus melden sich mit frischem Stoff zurück. Nach der Europa-Tour zu „Freedomspacecake“ legte das Quartett aus Basel eine kleine kreative Pause ein, um den fuzzigen, psychedelisch angehauchten Rock aus der Garage weiter zu festigen. Exakt das macht sich nun lautstark bemerkbar: Inspiriert von alten Horrorstreifen, schlechten B-Filmen, kollabierender Realität und KI-Dystopien, macht sich „Mindsuckers“ auf, mit wütendem Drive und krautigen Untiefen nach so etwas wie einen silbernen Leitfaden in den Untiefen zwischen Sein und Schein zu suchen.

Songs wie „Bitterkraut“ bringen den sympathischen Wahnsinn auf den Punkt. Ein mächtiges Riff mit Garage- und Hard-Rock-Qualitäten reißt wiederholt das sprichwörtliche Heft an sich, die verspielten Strophen und gewohnt vorwitzigen Vocals machen Laune. Mittendrin sorgt Distortion für einen zeitweiligen Zusammenbruch und unterstreicht das Unwirkliche eines ansonsten getriebenen Tracks. Der abschließende Quasi-Titelsong „Mindsucker“ landet auf ganz andere Weise im Ohr, lässt sich von seiner stoischen Rhythmusabteilung tragen. Krautige Effekte, psychedelische Sinnsuche, erstaunlicher Drive und meditative wie energische instrumentale Einschübe erinnern an weniger elektronische MGMT.

Und damit kratzt man bestenfalls an der Oberfläche. Wie wäre es beispielsweise mit „Cloud Driver“, dieser sympathischen und verträumten Suche nach der perfekten Melodie, die sogar ein wenig an die frühe Psychedelia der Beatles erinnert, an die großen Brit-Acts der 90er, bei aller Reduktion im Ohr bleibt? Oder mit dem forschen Opener „Wet Rabbit“, der viele Ideen in ein enges Korsett zwängt und so flott, so direkt wie selten nach vorne geht? Ocean Colour Scene lassen ebenso grüßen wie die Crumpets. Ein ganz anderes Highlight ist der Siebenminüter „Cosmic Waves“, der Krautrock und Space Rock verbindet, Vocals sparsam einsetzt und stattdessen auf eine wilde Klangreise einlädt. Ziel: unbekannt.

Harvey Rushmore & The Octopus leben weiterhin in ihrer ganz eigenen Welt, die zwar vom Hier und Jetzt zumindest halbwegs inspiriert scheint, sich davon aber wieder und wieder, mit wachsender Begeisterung und vollem Körpereinsatz entfernt. Das verschmitzte Lächeln ist bitterer Ernst und trägt ungemein zur sympathischen Präsentation bei, denn die Schweizer können mit ihrer eigentümlichen Sicht der Dinge vollends überzeugen. „Mindsuckers“ singt gleich mehrere Lieder davon, packt starke Riffs neben ellenlange instrumentale Ausritte mit Feingefühl, reiht ein paar Jams dran, liebt filigrane Melodien und wüste Meditationen. Nicht einfach, aber einfach gut: Diese Garage leuchtet heller denn je.

Release 20.3.2026

Drei Jahre nach dem Meisterwerk "Wie die Nocht noch jung wor" meldet er sich darauf als Popstar wider Willen zurück. Jetzt geht´s um die weite Welt die da draußen wartet. Und die kleine da drinnen: die in der eigenen Seele. In Text und Sound geht es auf "Gschnas" für Voodoo um die eigene Autonomie, die Wiedergeburt der Inspiration, das freistrampeln von der typisch österreichischen Enge die einen nach unten drückt. Kurzum: es geht um alles. Mit welcher Energie er und seine on fire agierende Band dieses Husarenstück von einem Album reiten, mit welcher Spielfreude und welchem Selbstvertrauen hier ein Künstler neu denkt ohne dabei von sich erschlossenes aufzugeben und sich dabei selbst revitalisiert. Dazu seine besten Melodien, seine wahrhaftigsten Texte, seine dringlichsten Performances, und eine Wolfgang Lehman (aka Möstl)-Produktion, die für alle Involvierten nach Magnum Opus riecht. Das kann was. Und nicht nur das. Ein Album aus Zweifel geboren, für das es am Ende Faschingskrapfen regnet. Ein Album als Ereignis, in einer Zeit die sich selbst vergessen hat. Voodoo Magie, die wirkt.

Release 20.3.2026

Das neue Album der Indie-Band Gladie trägt den passenden Titel "No Need To Be Lonely". Es ist das dritte Full-Length-Album der Band um Frontfrau Augusta Koch (bekannt durch Cayetana) und erscheint offiziell am 20. März 2026 über Get Better Records.

Das Album wurde von Jeff Rosenstock produziert, was auf einen energiegeladenen, rohen Sound hindeutet.
Musikalisch bleibt die Band ihrem Mix aus Indie-Rock und Punk-Einflüssen treu. Die vorab veröffentlichten Singles wie "Future Spring" und "Brace Yourself" deuten auf Texte hin, die sich mit persönlichem Wachstum, Veränderung und der Überwindung von Isolation beschäftigen.

Nach ihrem gefeierten Vorgänger Don’t Know What You’re In Until You’re Out (2022) festigt dieses Album das feste Band-Line-up und markiert eine neue Ära nach ihrem Wechsel zum Label Get Better Records.

Release 20.3.2026

Der Singer-Songwriter und Multi-Instrumentalist Son Little erweitert seine musikalische Palette auf seinem kommenden Album „Cityfolk“. Mit einer Mischung aus Soul-, Folk- und Blues-Elementen fängt Son Little seinen charakteristischen Sound zusammen mit ausdrucksstarken und dennoch persönlichen Texten ein. „Cityfolk“ ist eine Reflexion über Liebe, Verlust und das Finden von Frieden im Chaos. Es geht darum, durchzuhalten, loszulassen und wieder zu atmen, wenn die Welt sich schwer anfühlt. Der als Aaron Earl Livingston in Los Angeles als Sohn eines Predigers und einer Lehrerin geborene Little machte sich durch seine Zusammenarbeit mit The Roots und RJD2 in seiner Wahlheimat Philadelphia einen Namen. Kritiker erkannten schnell die einzigartige Kraft von Littles Soloaufnahmen, die die Vergangenheit zerlegten, um Teile davon zu etwas völlig Neuem und Originellem zusammenzusetzen. NPR lobte Littles „makellos komponierte Songs“ als „ehrlich und unprätentiös“, während The Independent ihn als „beeindruckendes Talent“ bezeichnete. Seitdem hat sein Katalog über 250 Millionen Streams erzielt, und Little tourte mit Künstlern wie Leon Bridges, Kelis, Shakey Graves und Mumford & Sons und trat bei Festivals wie Bonnaroo, Newport Folk und anderen auf. Little ruht sich nie auf seinen Lorbeeren aus und gewann auch einen GRAMMY für seine Arbeit als Produzent des gefeierten Albums „See That My Grave Is Kept Clean” von Mavis Staples. *

Release 20.3.2026

Wie ein Prisma wechselt das neue Album „Pieces of Reality“ von Jon Hood seine Farbe, wenn man es gegen das Licht hält. Es ist nur folgerichtig, dass ein Album, das sich mit Verwandlung – sowohl thematisch als auch musikalisch – beschäftigt, eine derart vielfältige Palette an Einflüssen offenbart. Jon Hood verkörpert diese Wandlungen mit Leichtigkeit. Man hört vielleicht einen Hauch von 90er-Jahre-Nostalgie, der wie Fernsehraus oder die regenbogenfarbenen Rückseiten von CDs schimmert.

Kühne, filmische Gitarrenklänge weichen einem fließenden, tanzbaren Retro-Pop. Dies ist Musik, die zwischen den Welten lebt: analog und digital, menschlich und fremdartig. Es ist Musik, die Licht ist – Licht, das durch das Prisma bricht, sich durch den Raum bewegt und sich danach sehnt, die Erde zu berühren, in jede Ritze einzudringen und die Leere in etwas Atmendes und Lebendiges zu verwandeln. Das Album erscheint am 20. Februar bei Oh, Sister Records. Eine Vinyl-Veröffentlichung folgt kurz darauf.

Release 20.3.2026

Damaged By Their Silence ist das dritte Studioalbum der Schweizer Indie-Pop-Band Malummí.

Es zeichnet sich durch einen atmosphärischen, oft hypnotischen Sound aus, der Elemente aus Indie-Pop, Jazz und elektronischer Musik vereint. Indie-Pop mit Fokus auf reduzierten Arrangements und fragilen, träumerischen Vocals.

Besetzung:
Larissa Rapold (Gesang/Keys), Giovanni Vicari (Bass/Gitarre/Keys) und Lucas Zibulski (Schlagzeug/Keys).

Release 13.3.2026

Mit "News from Planet Zombie" kehren The Notwist nach Jahren des Experimentierens und Erforschens mit einem Album zurück, das sowohl melancholisch als auch positiv ist und sich durch eine Reihe spannender, leidenschaftlicher Popsongs auszeichnet. Es ist ein Album, das eine chaotische Welt widerspiegelt, aber mit Wärme und Großzügigkeit darauf reagiert, um kreative und spirituelle Konsolidierung zu erreichen. Aufgenommen in ihrer Heimatstadt München, knüpft es an die Sicherheit des Lokalen an, um die Probleme des Globalen zu erforschen: ein Leitgedanke, der sich durch alle elf Songs des Albums zieht. Es ist auch das erste Studioalbum seit "12" aus dem Jahr 1995, das die gesamte Band in ihrer erweiterten Live-Besetzung gemeinsam im Studio aufgenommen hat. Ein neues Album von The Notwist ist immer ein spannendes Unterfangen; ihre musikalische Sprache ist so konsistent und widerstandsfähig wie die Kontexte für Kreativität unvorhersehbar und sich ständig verändernd sind. Für das Album nutzte das Kern-Trio Markus und Micha Acher sowie Cico Beck die vielfältigen Möglichkeiten des gemeinsamen Songwritings, brachte Songs in die Band ein und arrangierte, probte und nahm das Material dann live im Studio auf. Das Ergebnis ist ein energiegeladenes Album, das ganz im „Jetzt“ angesiedelt ist und spektakuläre Momente bietet, in denen man die Magie spürt, die in der Dynamik zwischen den Achers, Beck und den anderen Mitgliedern Theresa Loibl, Max Punktezahl, Karl Ivar Refseth und Andi Haberl entsteht. Während "Teeth" "News from Planet Zombie" ruhig und nachdenklich beginnt, sind bei "X-Ray" alle voller Energie und lassen mit voller Kraft Future-Hymnen erklingen. Die klingenden Töne von "Propeller" gleiten wie Steine über sprudelndes Wasser über die Oberfläche des Instrumentals; "The Turning" schlägt sich zu einer der herzerwärmendsten Melodien des Albums. "News from Planet Zombie" wurde innerhalb einer Woche im Import Export, einem gemeinnützigen Raum für Kunst und Musik, aufgenommen. Das merkt man auch: Es gibt hier einige angenehm raue Kanten, als ob das Streben von The Notwist nach verschwommener Perfektion bedeutet, dass sie auch selbstbewusst genug sind, die Songs atmen zu lassen und sich in unseren Ohren zu verändern. Diese Offenheit für Zufälle zeigt sich auch in den Gastauftritten von Freunden aus der Region und aus aller Welt, die das kosmopolitische München widerspiegeln: Enid Valu singt mit, Haruka Yoshizawa spielt Taishogoto und Harmonium, Tianping Christoph Xiao Klarinette und Mathias Götz Posaune. The Notwist sind nicht gerade für Coverversionen bekannt, aber „News from Planet Zombie“ enthält zwei: eine wunderschöne Version von Neil Youngs "Red Sun" (aus "Silver & Gold" von 2000), die die Gruppe ursprünglich für ein Theaterstück unter der Regie von Jette Steckel entwickelt hatte, und eine Interpretation von "How the Story Ends" der Folk-Pop-Band Lovers aus Athens, Georgia. Sie fügen sich perfekt in die Erzählung des Albums ein, schmiegen sich wie alte Freunde an und offenbaren The Notwist als poetische Interpreten. Gut gespielt, ist die Coverversion sowohl eine Anerkennung von Weggefährten als auch ein Akt der Großzügigkeit, und The Notwist treffen hier beide Aspekte genau. Und diese Erzählung, die Art und Weise, wie sich das Album entwickelt? "News from Planet Zombie" erkennt die Notlage unseres aktuellen geopolitischen Stillstands an und erinnert uns gleichzeitig daran, dass es kollektive Wege nach vorne gibt. Anhand der Figur des Zombies untersucht Markus Acher unsere Ängste: „Im Titel und in einigen Texten beziehe ich mich auf B- und Horrorfilme, was ein Verweis auf die verrückte Welt von heute ist, die wie ein wirklich schlechter und unrealistischer B-Film wirkt." Aber es gibt auch eine Erinnerung daran, den Faden nicht ganz zu verlieren, dass auch diese Dinge vorübergehen werden. "Der Fluss hier in München, an den ich oft gehe, ist schon immer da gewesen und wird noch lange nach uns da sein", reflektiert Acher und verweist auf eine wichtige Quelle der Erholung für ihn, „immer gleich und doch immer im Wandel. Sehr beruhigend, aber auch immer eine Erinnerung daran, dass die Zeit wie dieser Fluss nur in eine Richtung fließt und man nicht zurückgehen kann. Jeder Moment ist sehr kostbar."

Release 13.3.2026

Kim Gordon hat Kunst und Noise über Jahrzehnte immer wieder neu gedacht – und dabei nie an Schärfe verloren. Vierzig Jahre nach ihren Anfängen wirkt ihre Vision noch immer provokant. Dieses Abenteuer setzt sie mit ihrem dritten Soloalbum »Play Me« fort, das bei Matador Records erscheint.

Mit der Ankündigung erscheint die erste Single »Not Today«, begleitet von einem Kurzfilm der Modedesignerinnen und Filmemacherinnen Kate und Laura Mulleavy (Rodarte). Gordon trägt darin ein eigens für sie gefertigtes, handgefärbtes Seidentüllkleid. Der Song offenbart eine neue, fast poetische Spannung in ihrer Stimme: »Da kam eine andere Stimme zum Vorschein«, so Gordon.

»Play Me« ist ein konzentriertes, direktes Album, das ihren Sound um melodischere Beats und den motorischen Drive des Krautrock erweitert. Entstanden ist es erneut mit Produzent Justin Raisen (Charli XCX, Sky Ferreira, Yves Tumor). Die Songs sind kurz, prägnant und stark rhythmusorientiert – fokussierter und selbstbewusster als zuvor.

Nach »No Home Record« (2019) und »The Collective« (2024, zwei Grammy-Nominierungen) richtet Gordon den Blick auf die Gegenwart: Tech-Macht, KI-getriebene Kulturverflachung, den Abbau demokratischer Strukturen und den absurden Alltag des Spätkapitalismus. Trotz dieser Themen ist »Play Me« ein nach innen gewandtes, geradezu körperliches und ebenso emotionales Album. Mit verzerrten Stimmen und schroffen Beats legen Songs wie »Square Jaw«, »Dirty Tech« oder »Busy Bee« gesellschaftliche Realitäten frei. Der Titeltrack entlarvt die Logik einer durchkuratierten Komfortkultur.

»Play Me« ist radikal gegenwärtig, widerständig und kompromisslos eigenständig.

Release 13.3.2026

Neues Album! Anfang 2025 kehrten die Brüder nach Nashville zurück, um sich wieder mit Produzent Jay Joyce zusammenzutun und die Energie ihres letzten Albums wieder aufleben zu lassen – das Ergebnis ist hier zu hören. Entsprechend ihrer Stimmung und ihrem Ausdruck haben The Black Crowes ein Rockalbum geschaffen, das locker und funky, düster und heavy, sinnlich und kantig ist. Fleisch und Knochen ... Ein Pfund Federn oder ein Pfund Blei. Pass auf, was unter dir ist, und pass auf deinen Kopf auf.

Release 13.3.2026

Der englische Produzent, Songwriter und Musiker James Blake kehrt mit »Trying Times« zurück, seinem siebten Studioalbum und ersten vollständig unabhängigen Release. Das Album, das zwischen London und Los Angeles geschrieben wurde, setzt sich mit den Turbulenzen der letzten Jahre auseinander – globalen Unruhen, Uneinigkeiten und persönlichen Abrechnungen – und sucht dabei inmitten des Chaos nach Empathie, Verbundenheit und Liebe.

Release 13.3.2026

Das Debütalbum „Crystalpunk” des irischen Duos Chalk spiegelt direkt die Herkunft und Wurzeln der Bandmitglieder wider – den preisgekrönten Musikern und Filmemachern Ross Cullen (Sänger und Produzent) und Benedict Goddard (Multi-Instrumentalist und Regisseur). Die Schönheit, Verwirrung, Komplexität und Intensität ihrer Jugend – gelebt im Schatten und umgeben von den Narben des Konflikts – sind in dem industriellen Dance-Punk-Hybrid verwoben, der in der DNA des Albums mit dem treffenden Titel „Crystalpunk“ kodiert ist.


„Dieses Album ist unser Bekenntnis zu dieser Generation – zu denen, die Verwirrung, Widerstandsfähigkeit und ein zerbrochenes Selbstbewusstsein geerbt haben.“ Und sie bekennen sich so intensiv wie möglich dazu. Für Uneingeweihte: Chalk konzentriert sich auf die Reaktion zwischen Genres, Epochen und Kulturen und lässt diese Kollision in ihren Sound einfließen. Die Gruppe aus Belfast könnte mühelos eine Underground-Warehouse-Party nach Einbruch der Dunkelheit rocken, einen Moshpit auf einem Mittagsfestival anzetteln oder an jedem beliebigen Abend eine Arena zum Beben bringen. Ihre Kraft hat sich nahtlos auf die Bühne übertragen, wo die Gruppe die Veranstaltungsorte füllt und einer wachsenden, begeisterten Fangemeinde abwechselnd schweißtreibende und mitreißende Auftritte liefert. Als Gruppe haben sie Shows in Großbritannien, der EU und den USA ausverkauft, Festivalauftritte wie Glastonbury, SXSW, BBK, Trans Musicals und mehr in 11 Ländern absolviert und wurden ausgewählt, um gemeinsam mit IDLES und Fontaines D.C. auf Tour zu gehen.

Ben und Ross, die aus unterschiedlichen Verhältnissen stammen und sich auf natürliche Weise zusammengefunden haben, begegneten sich zum ersten Mal in der Filmschule. Der Geschichte zufolge war Ben auf einem Instagram-Foto von Ross ein gerahmtes Poster der Dubliner Disruptoren Gilla Band aufgefallen, und er fühlte sich mit ihm verbunden, noch bevor er überhaupt mit ihm gesprochen hatte. „Niemand sonst an unserer Schule interessierte sich für experimentelle Noise-Gitarrenbands, das war für mich schon Grund genug“, lacht Ben. Chalk tauchte 2022 auf und sorgte zunächst mit Songs wie „Them“, „Velodrome“ und „Static“ für Aufsehen.

Letztendlich erzählen sie eine Geschichte, die über Grenzen hinaus Resonanz findet. Es ist nicht nur ein Porträt der Band, sondern auch ihrer Heimat, einem komplizierten Ort, an dem die Opfer und Risiken von Aktivisten, Künstlern, Ravern und Punks das einzige Umfeld geschaffen haben, aus dem eine Band wie Chalk hervorgehen konnte. Bei Crystalpunk geht es nicht darum, sich für eine Seite zu entscheiden, sondern darum, sich für die Zukunft zu entscheiden.

Release 13.3.2026

Prostitute, eine der aufregendsten und provokantesten neuen Bands der USA, veröffentlichen ihr mitreißendes Debütalbum endlich offiziell weltweit bei Mute. Die fünfköpfige Band aus Dearborn, Michigan, steht für pures Chaos und Katharsis - feurige Live-Shows, messerscharfe Intensität und einen Sound, der ebenso explosiv wie brutal präzise ist. Ihr Name spiegelt ihre Fixierung auf Identität, Verzweiflung und Überleben im Spätkapitalismus wider. "Attempted Martyr" wurde inmitten globaler und persönlicher Turbulenzen geschrieben und fängt den Zeitgeist einer Welt ein, die sich auflöst. Als loses Konzeptalbum erzählt es die Geschichte vom Aufstieg und Fall eines zum Scheitern verurteilten Fanatikers, dessen Streben nach heiliger Rache in eine psychotische Orgie aus Gewalt, Gier und Lust ausartet. Es ist dicht, turbulent und voller lautstarker Einflüsse aus dem Nahen Osten, Afrika und Ostasien - allesamt von Produzent Chris Koltay (The Armed, Mdou Moctar) in Form gebracht.

Neues, drittes Album von dem Mann, der vor Sam Snitchy auch schon als Mani Porno Kult geschaffen hat. 2 Horse Power ist ein klanglicher Exorzismus, der mit verzerrtem Bass und Gitarren, geisterhaften Synthesizer-Halluzinationen und Drums, die wie einstürzende Türme hämmern auffährt - verantwortlich dafür u.a. Menschen von Bonaparte, Sophie Hunger, Music Against Airports, .. Gemeinsam zerren sie uns durch psychedelische Punkwut, verschmelzen mit den Schatten dunkler Waves, mutieren zu Industrial Noise und Dub-Nebel, verwandeln sich in einen verzerrten Techno-Puls, bis wir nicht mehr unterscheiden können, wo das eine aufhört und das andere anfängt. Und über diesem Sturm spuckt Sam Snitchy seine Worte wie zerbrochene Spiegel - verzerrte und selbstreflexive Geschichten über Menschen, die in ihren eigenen Widersprüchen gefangen sind, über leere Routinen und bedeutungslose Lebensstile, die als Erfolg getarnt sind, über den absurden Tanz zwischen Ekstase und Verzweiflung.

Release 13.3.2026

"The Sophs sind quasi aus dem Nichts aufgetaucht", sagen Rough-Trade-Mitgründer Geoff Travis und Jeannette Lee über ihr neuestes Signing: eine sechsköpfige Band aus L.A. mit dem feinsinnigen Namen The Sophs. Die kompromisslose Ehrlichkeit und der weite Soundkosmos der Band überzeugten sofort. Als Sänger Ethan Ramon ein Demo an seine Lieblingslabels schickte, rechnete er nicht mit einer Reaktion - doch schon am nächsten Tag meldete sich Rough Trade mit der Bitte um ein Gespräch. In den frühen Songs hörte das Label genau jene Kreativität, Vielseitigkeit und den draufgängerischen "Don"t expect me to act pretty"-Spirit, den The Sophs auf jede Bühne bringen: Ethan Ramon (Gesang), Sam Yuh (Keyboards), Austin Parker Jones (E-Gitarre), Seth Smades (Akustikgitarre), Devin Russ (Drums) und Cole Bobbitt (Bass). Die fünf Demo-Tracks bildeten die Blaupause für ihr Debütalbum. Musikalisch bewegen sich The Sophs im Zickzack: Pop-Punk trifft auf Funk, Delta Blues auf ZZ Top. Ramons warme, kraftvolle Stimme wandert dabei wie ein vokales Chamäleon durch die Genres. "Wir versuchen nie, so vielseitig zu sein, wie wir am Ende klingen", sagt Ramon. Songwriting verstehen sie als Pop Art - ein spielerisches Zitieren, Verformen und Neuerschaffen. Oft entstehen Songs aus spontanen Ideen, die im Bandprozess eine völlig neue Richtung nehmen. Der Track "The Dog dies in the end" erinnert an 2000er-Pop-Punk, getragen von düsteren Gedankenspiralen und Akkordeon. "Death in the Family" kombiniert sonnigen Rock mit bitterem Humor und der Sehnsucht nach Mitleid als Schutz vor Verantwortung. "Goldstar" stellt dabei einfache, aber unbequeme Fragen nach Anerkennung und Moral. Weitere Songs zeigen die Band zwischen Selbstentlarvung und euphorischer Energie - roh, lebendig und kompromisslos kreativ.

Release 6.3.2026

Bonnie ›Prince‹ Billy kehrt im März 2026 mit dem Album »We Are Together Again« zurück. Das Album ist warm und persönlich und außerdem so angelegt, dass es mit denselben Worten beginnt und endet: »Why is the lion still here, outside?«

Thematisch ist das Album tief in Louisville, der Heimatstadt von Bonnie »Prince« Billy, verwurzelt. Es feiert die Kraft von Freundschaft, lokaler Gemeinschaft und gemeinsamem künstlerischem Schaffen. Damit setzt es bewusst einen Kontrapunkt zur Globalisierung und plädiert stattdessen für Lokalismus. Aufgenommen wurde es live im Studio End of an Ear mit lokalen Musikern und Musikerinnen, Freunden und Freundinnen und Familienmitgliedern. Jeder Ton ist direkt und unverfälscht – was im Raum passiert, hört man auch auf der Aufnahme.

»We Are Together Again« nimmt die Ängste einer sich verändernden Welt nicht weg, sondern begegnet ihnen mit Harmonie. Das Album erzählt von Zusammenhalt, von der Freude am Miteinander und davon, wie das gemeinsame Fragen selbst zur Quelle von Hoffnung wird.

Release 6.3.2026

»HELP(2)« ist die Neuauflage einer der beeindruckendsten Charity-Aktionen der jüngeren Musikgeschichte. Bereits 1995 schlossen sich die Grössen der britischen Musikszene zusammen, um mit den Erlösen der gemeinsamen HELP-Compilation Kindern in Kriegsgebieten zu helfen. Auch 2026 ist die globale Lage verheerend.

Inspiriert vom legendären Charity-Sampler HELP aus dem Jahr 1995 hat sich in Grossbritannien erneut ein Community-Projekt formiert, getragen von einigen der wichtigsten Musikerinnen und Musiker unserer Zeit. Ziel ist es, in bewegten Zeiten einen würdigen Nachfolger aufzunehmen: »HELP(2)«. Wie schon beim Original, an dem unter anderem Radiohead, Oasis, Portishead, The Chemical Brothers, Massive Attack und Blur beteiligt waren, bringt auch »HELP(2)« Menschen zusammen, um die lebenswichtige Arbeit von War Child zu unterstützen: schnelle Nothilfe, Bildungsangebote, spezialisierte psychosoziale Betreuung sowie Schutz für Kinder, die weltweit von Krieg und Konflikten betroffen sind. Das Album macht auf den dramatischen Umstand aufmerksam, dass heute jedes fünfte Kind auf der Welt in einem Kriegsgebiet lebt.

Das ursprüngliche HELP-Album wurde innerhalb eines einzigen Tages aufgenommen und sammelte über 1,2 Millionen Pfund. Mit diesen Mitteln konnte War Child Tausenden Kindern während des Bosnienkriegs helfen. Kritiker bezeichneten das Werk damals als »das beste Charity-Album aller Zeiten«. »HELP(2)« knüpft bewusst an dieses Vermächtnis an, unterstreicht die anhaltende Dringlichkeit des Themas und appelliert eindringlich an die Solidarität aller Menschen.
Entstanden ist das neue Album während einer aussergewöhnlichen Aufnahmewoche im November 2025 in enger Zusammenarbeit mit den Abbey Road Studios.
Als Executive Producer fungierte der vielfach ausgezeichnete Produzent James Ford.

»HELP(2)« vereint eine beeindruckende Liste internationaler Künstlerinnen und Künstler, darunter Anna Calvi, Arctic Monkeys, Arlo Parks, Arooj Aftab, Bat For Lashes, Beabadoobee, Beck, Beth Gibbons, Big Thief, Black Country, New Road, Damon Albarn, Depeche Mode, Foals, Fontaines D.C., Graham Coxon, Greentea Peng, Kae Tempest, King Krule, Nilüfer Yanya, Olivia Rodrigo, Pulp, Sampha, The Last Dinner Party, Wet Leg, Young Fathers – sowie viele weitere helfende Hände. Die kreative Leitung des Projekts liegt in den Händen des renommierten Filmemachers und Oscar-Preisträgers Jonathan Glazer und seines Teams von Academy Films, die sowohl die visuelle Umsetzung als auch die künstlerische Gestaltung von »HELP(2)« massgeblich prägten.

Sämtliche Erlöse des Albums kommen War Child UK zugute und unterstützen den Einsatz für Schutz, Bildung und die Rechte von Kindern in Konfliktgebieten weltweit. »HELP(2)« steht für Hoffnung – für Kinder, deren Leben durch Krieg zerstört wurde – und für die Kraft gemeinschaftlichen Handelns. Es ist ein eindrucksvolles Zeichen der Solidarität von Künstlerinnen und Künstlern für eine sicherere und gerechtere Zukunft.
Denn kein Kind sollte jemals Teil eines Krieges sein.

Release 6.3.2026

„Make-up Is a Lie“ wurde von Joe Chiccarelli (The Strokes, The White Stripes, Weezer, My Morning Jacket) produziert, der damit ins Studio La Fabrique in Saint-Rémy-de-Provence in Südfrankreich zurückkehrte. Auf dem Album sind Jesse Tobias, Camila Grey, Carmen Vandenberg, Juan Galeano, Alain Whyte, Gustavo Manzur und Brendan Buckley zu hören. Die Tracklist enthält einige Songtitel, die Morrissey bereits erwähnte, sowie weitere, die bisher unveröffentlicht sind, und eine originalgetreue Coverversion des Roxy-Music-Klassikers „Amazona“ von 1973.

Release 6.3.2026

Mit »Live at the Hollywood Bowl« legen die Kölner Brachialpoeten ihr bislang griffigstes und leichtläufigstes Album vor. Ein Ohrwurm jagt den nächsten und zwischen tanzwütiger Hoffnung und ungeschminkter Tiefe zementieren Fortuna einmal mehr ihre Alleinstellungsmerkmale. Gassenhauer für Seitenstraßen.

Das magische Trio ist zurück.

Release 6.3.2026

Kurz vor Schluss – und der Moment danach. Zwischen diesen beiden Taktbalken ein Film: opulent, zynisch, besänftigend. Eine Musik, als wäre sie aus der Zeit gefallen und hätte nirgends ihren Platz gefunden: nicht im Jetzt, nicht im Gestern und schon gar nicht im Morgen. Der titelgebende Black Swan: eine Laune der Natur, eine Anomalie, ein glücklicher Zufall. Mag sein, ein Garant für Good News ist er aber eher nicht. So düster die Prognose auch ausfallen mag, ein schnörkelloser Abgang sei einem hier vergällt. Der Himmel zwar verdunkelt, aber voller Geigen. Dazu ein glühender Sänger, ein Crooner gar, dem es nicht gerade abgelöscht zumute ist. Das ist Doomsday-Pop: immer schön, und immer schön nah am Abgrund. Und warum man sich in dessen Nähe nun allmählich geborgen fühlt, mag der Gewissheit geschuldet sein, ohnehin bald aus diesem Fiebertraum aufzuwachen. Der Schlusssong verrät: «if you won’t wake, you will sleep forever». Was folgerichtig klingt, wirft dennoch Fragen auf: Wo werde ich denn aufwachen? Und schlafe ich überhaupt…?
Black Swan, das Solo-Debutalbum von Thomas Schmidiger aka Tender Ender, der zuvor mit verzerrten Stimmbändern (Dead Bunny) auf sich aufmerksam machte, schickt sich nun in geschmeidigere Gewänder. Doch nicht umsonst, die ganzen Klavierlektionen als Erstklässler. Das Songbook von Elton John: verstaubt, aber nicht vergessen. Drei Dekaden später ist diese Fusion aus Kitsch, Wut und Sanftmut die logische Konsequenz. Thomas Schmidigers Stimme zeigt sich auf diesem Album verwandelt und überrascht mit erstaunlicher Sonorität. Deren Erkundungslust lässt vermuten, dass dies der Anfang einer längeren Reise ist.
Auf dem Album zu hören sind ausserdem Mario Hänni («Mnevis», Schlagzeug), Sabine Ruch (Gesang) und Manuel Egger (Mix). Das Albumcover stammt aus der Linse des französischen Dokumentarfilm-Pioniers Jean Painlevé.

Release 27.2.2026

Das achte Album und sein erstes seit 2022. Die zwölf Titel eröffnen eine unheimliche Ausdruckskraft, während Bill weiterhin einen der originellsten Wege im Songwriting und in der Performance beschreitet. Indem er die lebendige Energie seiner Konzerte in die Produktion dieses Albums einfließen lässt, schärft er seine Porträts aus dem Leben, um tiefer zu gehen, und setzt einen Strom von Mitsing-Bewusstsein frei: poetisch, filmisch, romanhaft, komödiantisch – und vor allem musikalisch.

Release 27.2.2026

Nach der sechsjährigen Albumpause zwischen “The False Foundation” (2016) und “Call To Arms & Angels” (2022) lassen sich Archive dieses Mal nicht ganz so viel Zeit. Ihr 13. Studioalbum “Glass Minds” erscheint am 27. Februar, rund vier Jahre nach dem Vorgänger.

Über Leadsingle “Look At Us”, die die Band in einer erstaunlich energiegeladenen Form zeigt, sagte Archive-Mastermind Darius Keeler: “[Der Song] ist schlichtweg ein Banger! Mit bedrohlichen Textzeilen, die ich als Spiegelbild der zutiefst verzerrten Welt interpretiere, in der wir leben, halte ich ihn für eine unserer besten Singles bis heute.”

Zum stimmigen Video dazu erklärte Regisseur Maxim Kelly: “Da der Song Lügen und Täuschung thematisiert, wollte ich, dass das Medium selbst dieses Thema verkörpert – indem es die Zuschauer dazu bringt, der vertrauten visuellen Sprache der Dokumentarfotografie zu vertrauen. So entsteht ein Meta-Kommentar zur Täuschung, bei dem das Medium buchstäblich zur Botschaft wird.”

Release 27.2.2026

»The Mountain« ist das neunte Studioalbum von Gorillaz, eine weitläufige Klanglandschaft aus Instrumenten und Sounds, reichhaltig unterlegt mit Stimmen, Melodien und mitreißenden Beats, die eine Sammlung von 15 Songs umfasst, welche die kollaborative Ethik von Gorillaz verkörpern.

Das Album enthält außergewöhnliche Künstler und Mitwirkende, darunter: Ajay Prasanna, Amaan & Ayaan Ali Bangash, Anoushka Shankar, Asha Bhosle, Asha Puthli, Bizarrap, Black Thought, Gruff Rhys, IDLES, Jalen Ngonda, Johnny Marr, Kara Jackson, Omar Souleyman, Paul Simonon, Sparks, TRUENO und Yasiin Bey sowie die Stimmen von Freunden und Mitwirkenden, die bereits von uns gegangen sind, darunter Bobby Womack, Dave Jolicoeur, Dennis Hopper, Mark E Smith, Proof und Tony Allen.

»The Mountain« ist eine Playlist für eine Party an der Grenze zwischen dieser Welt und dem, was danach kommt, die die Reise des Lebens und den Nervenkitzel der Existenz erkundet. Produziert von Gorillaz, James Ford, Samuel Egglenton und Remi Kabaka Jr. sowie Bizarrap (Orange County), wurde »The Mountain« im Studio 13 in London und Devon, an verschiedenen Orten in Indien, darunter Mumbai, Neu-Delhi, Rajasthan und Varanasi, sowie in Aschgabat, Damaskus, Los Angeles, Miami und New York aufgenommen. Auf dem Album sind Künstler zu hören, die in fünf Sprachen singen: Arabisch, Englisch, Hindi, Spanisch und Yoruba.

Jamie Hewletts Albumcover zeigt die vier beliebten Charaktere der Band – Murdoc, Noodle, Russel und 2D – in einer Sammlung wunderschön detaillierter, handgezeichneter Illustrationen.

Release 27.2.2026

„You Better Get Used To It“ ist Pina Palaus Soundtagebuch der Verwandlung. Schwärmerei und Liebeskummer prägen das dritte Album der Zürcher Songwriterin, das alles erforscht, was zwischen zwei Menschen unausgesprochen bleibt: Geständnisse, Widersprüche und Fragen, ehrlicher denn je. Von der Frustration über alte Muster bis hin zu frischen Klangfarben, von Unsicherheit und Schmerz bis hin zu einem neuen Selbstbewusstsein.

Die Songs entstanden in Pinas Schlafzimmer, wurden in Simon Borers Wohnzimmer (Long Tall Jefferson, Löwenzahnhonig) weiterentwickelt und mit den langjährigen Mitstreitern Mario Hänni (Mnevis, Sophie Hunger) und Vojko Huter (District Five) aufgenommen. Teile wurden von Pina im Butterama Recording Center in Berlin über einer Autowerkstatt aufgenommen, wo zwei Mitstreiter aus der Szene, Federico Corazzini und Antonia Estelle (beide von der US-Band Meagre Martin), dabei halfen, die Songs weiterzuentwickeln. „Die industrielle Umgebung, Pizza nach den Sessions, während aus dem Auto Old-School-Hip-Hop dröhnte – es fühlte sich eher wie New York als wie Berlin an. Das habe ich geliebt“, erinnert sich Pina.
Das Mixing übernahm Giuliano Sulzberger in Winterthur, das Mastering Simon Lancelot in Paris.
Musikalisch bewegt sich das Album zwischen intimem Folk und roher, emotionaler Indie-Rock-Direktheit: Man stelle sich einen grandiosen Americana-Sound vor, gefiltert durch eine Schweizer Sensibilität.

Man hört Pinas Vorbilder: Adrienne Lenker, Waxahatchee und MJ Lenderman, aber auch Anklänge an Courtney Barnett und Elliott Smith. Während frühere Werke eher indirekte Bilder verwendeten, spricht dieses Album eine klare Sprache – präzise, tagebuchartig, ohne etwas zu verbergen.
Das emotionale Herzstück ist „You See Me“, ein ruhiger Song über das Gefühl, wirklich gesehen zu werden. Um ihn herum kreisen Beobachtungen über Verlust, Nähe und Verliebtheit, Themen, die sich in Titeln wie „All I Want Is Her“ und „Bittersweet“ fortsetzen. Durch das gesamte Album zieht sich das ständige Verlangen, sich selbst besser zu verstehen.
„Ich habe erkannt, dass ich mein Leben nicht damit verbringen möchte, Dingen nachzujagen, die ich nicht kontrollieren kann. Ich möchte mehr Zeit in Beziehungen, Freundschaften, Liebe und das echte Leben investieren“, erklärt Pina Palau. Das Musikmachen geht nun mit einem klareren Gespür dafür einher, wann man festhalten, wann man vertrauen und wann man loslassen sollte. Das Album dokumentiert diese Entwicklung, von der wütenden Leichtigkeit von „Outdoor Guy“ bis zur neu gefundenen Ruhe von „Euphoria“. Es ist ein Album darüber, genau hinzuschauen: auf andere und auf sich selbst, und darüber, dass man besser im Chaos lebt, wenn man es zulässt.

Release 27.2.2026

Auf ihrem achten Album "Nothing's About to Happen to Me" erzählt Mitski, musikalisch unterstützt von ihrer Band und einem Orchester, eine vielschichtige, verrätselte Geschichte, in deren Mittelpunkt eine Frau steht, die zurückgezogen in einem verwahrlosten Haus lebt. Außerhalb ihres Zuhauses ist sie eine Außenseiterin; innerhalb ihres Zuhauses ist sie frei. Mitski schrieb alle Stücke auf "Nothing's About to Happen to Me". Das Album, produziert und aufgenommen von Patrick Hyland und gemastert von Bob Weston, setzt die musikalische Linie von "The Land Is Inhospitable and So Are We" (2023) fort. Eingespielt wurde es live von Mitskis Tourband The Land. Die Orchesteraufnahmen, arrangiert von Drew Erickson fanden in den Sunset Sound und TTG Studios statt, die Tontechnik übernahm Michael Harris. Mitski ist "die faszinierendste und geheimnisvollste Musikerin des Indie-Rock" (Rolling Stone), die sich "immer wieder auf brillante und wunderbare Weise weiterentwickelt" (NPR Music). Im Laufe ihrer Karriere hat sie bislang sieben Alben veröffentlicht, vier davon erreichten Goldstatus. Ihr Stück "My Love Mine All Mine" ist ein Welthit und erreichte Vierfach-Platin. Zu Mitskis vielfältigen Kollaborationen mit anderen Künstler:innen zählen zwei Co-Writing-Beiträge für das aktuelle Florence and the Machine-Album "Everybody Scream", sowie eine Zusammenarbeit mit David Byrne und Son Lux für den Oscar-nominierten Film "This Is A Life". Derzeit schreibt sie Musik und Texte für die Musical-Adaption von "Das Damengambit". Ihre Konzerte, die Variety als "faszinierende Bewegungsstudie" bezeichnet hat, wurden auch als "hochstilisiert, brillant umgesetzt, supercool" (Philadelphia Inquirer) und "ungewöhnlich, rätselhaft und absolut fesselnd"

Release 27.2.2026

Nothing waren schon immer Regelbrecher. Shoegaze-Rebellen, die das typischerweise leichtgewichtige Genre nach ihrem eigenen, knallharten amerikanischen Image neu erfunden haben. Outlaw-Poeten, die existenzielle Ängste auf kilometerbreiten Leinwänden aus Fuzz und Hall ausbreiten. Angefangen als Solo-Projekt in einem Schlafzimmer in Philadelphia im Jahr 2010, hat die Musik von Nothing immer die ganze Bandbreite des Menschseins eingefangen, sowohl die schreiende Wut als auch die flüsternde Traurigkeit. ,A Short History of Decay", das fünfte Soloalbum von Nothing und das erste für Run For Cover Records, erweitert diesen Horizont noch weiter und bietet die bisher hochauflösendste Darstellung von Nothing. Die Band hat noch nie so kolossal geklungen, sich noch nie so intim angefühlt, war noch nie so ehrlich. Mit dem stärksten Arsenal in der sich ständig verändernden Besetzung von Nothing - Gitarrist Doyle Martin (Cloakroom), Bassist Bobb Bruno (Best Coast), Schlagzeuger Zachary Jones (MSC, Manslaughter 777) und dem dritten Gitarristen Cam Smith (Ladder To God, ebenfalls von Cloakroom) - wusste Singer-Songwriter Domenic ,Nicky" Palermo wusste, dass er die nötige Manpower hatte, um das bisher ambitionierteste Album der Band aufzunehmen. Mitgeschrieben und produziert wurde es zusammen mit Whirr-Gitarrist Nicholas Bassett, zusätzliche Produktions- und Mixing-Arbeiten übernahm Sonny Diperri (DIIV, Julie). a short history of decay ist das musikalisch ausgereifteste Statement im Katalog von Nothing. Songs wie ,Cannibal World" und ,Toothless Coal" sind katastrophale Ausbrüche mechanisierten Industrial-Gaze, die wie My Bloody Valentine klingen - nur extremer. Am anderen Ende des Spektrums steht das kunstvoll-düstere ,Purple Strings" mit einem wunderschönen Streicharrangement, an dem die Harfenistin und zweifache Nothing-Mitwirkende Mary Lattimore beteiligt ist. Diese barocke Zartheit durchdringt auch andere Höhepunkte von ,A Short History of Decay", insbesondere ,The Rain Don't Care", eine beschwingte Ballade, die die abgenutzte Eleganz von Mojave 3 kanalisiert, sowie ,Nerve Scales", ein prasselnder Bop, der in seiner Verbindung von jenseitiger Atmosphäre und tödlicher Präzision an Radiohead erinnert. Palermo bezeichnet das neue Album als ,letztes Kapitel". Nicht das Ende von Nothing, sondern der Abschluss einer Geschichte, die mit dem Debütalbum von Nothing aus dem Jahr 2014, Guilty of Everything, begann - einem weiteren Album über Zeit, Reue und die Konfrontation mit unangenehmen Wahrheiten - und nun mit A Short History of Decay ihren Abschluss findet. Es ist ebenso sehr eine Momentaufnahme von Palermos Vergangenheit wie ein Sprung in die Zukunft von Nothing.

Release 27.2.2026

Mit „The Devil's Door“ präsentiert die wahrhaft originelle Post-Punk-/New-Wave-Band ein Album, das wie ein stiller Sturm wirkt. Es ist zuweilen filmisch, poetisch und intensiv, mit einer Unterströmung dunkler Psychedelia. Es vervollständigt eine Trilogie von Werken, bestehend aus „The Bone Carver“, „Mother-of-Pearl Moon“ und nun „The Devil's Door“, die von der aktuellen Besetzung geschaffen wurde. Hier finden sich die charakteristischen poetischen Texte von „And Also The Trees“, orchestrale Gitarrenklänge und von Soundtracks beeinflusste Songs, die von Wochenschauen, Ölgemälden und Folklore inspiriert sind. Bei diesem Werk kommen jedoch einige überraschende Instrumente hinzu, die das Album in eine Welt versetzen, in der John Barry auf Bela Bartok trifft. And also the trees (AATT) entstanden in der ursprünglichen Post-Punk-Ära im ländlichen Worcestershire, einer Umgebung, die eine ständige Inspiration für eine Gruppe war, deren Musik oft sowohl die dunklen Seiten als auch die Schönheit der britischen Landschaft erkundet hat. Sie sind bekannt für ihre fesselnden Live-Auftritte, einen einzigartigen Stil mit mandolinenähnlicher E-Gitarre, eindrucksvollen Texten und dunklen Jazz-Rhythmen – ganz zu schweigen von ihrer kreativen Unabhängigkeit, die sie seit über vier Jahrzehnten vehement bewahren. Damals erregten AATT sofort die Aufmerksamkeit von Robert Smith von The Cure, der sie mehrmals zu Tourneen mit seiner Gruppe einlud. Smith war neben seinem Bandkollegen Lol Tolhurst, der ihre ersten Platten produzierte, auch an ihren frühen Aufnahmen beteiligt. Diese langjährige Freundschaft und gegenseitige Wertschätzung wurde weiter gefestigt, als AATT eingeladen wurden, beim von Robert Smith kuratierten Meltdown-Festival 2018 in London aufzutreten. Im Juli dieses Jahres treten AATT als Special Guests von The Cure beim Festival in Nîmes auf. Gegründet von Sänger Simon Jones und seinem Bruder Justin, einem Gitarristen, sind AATT seit jeher in der Post-Punk- und Alternative-Rock-Szene weltweit präsent und haben beispielsweise in Deutschland eine solide Fangemeinde.

Release 27.2.2026

Shelf Lives sind Electro-Bass-Punk (ein Genre, das es wahrscheinlich gar nicht gibt – aber irgendwie total Sinn ergibt, wenn man es hört). Nach Jahren des Komponierens, Veröffentlichens und mehr oder weniger Rücksicht auf die Meinung anderer, agiert die Band nun völlig kompromisslos und authentisch. Das Ergebnis dieses kontrollierten Chaos ist ihr Debüt-Album »hypernormaL«.

Auf dem von imdead produzierten Album definieren Shelf Lives die Grenzen von modernem Punk und elektronischer Musik erneut neu. Es fängt das Duo in seiner kompromisslosesten Form ein – mitreißend, selbstironisch und verstörend tanzbar. Gerade wenn man glaubt, sie durchschaut zu haben, grinsen Shelf Lives, drehen am Regler und treiben die Musik auf die Spitze.

Auf dem Album arbeitet die Band mit einer beneidenswerten Liste von Szenegrößen zusammen, von Danio (Fred Again, Joy Anonymous, Jelani Blackman) über Songwriting mit Pat Alvarez (Blessed Madonna, Joy Crookes, Good Neighbours) bis zu Lola Sam von HotWax.

Release 27.2.2026

Auf ihrem dritten Album »Amaro« lädt uns Bibi Club dazu ein, uns den dunklen Bestien zu stellen, die uns unter der Oberfläche verfolgen, und uns der therapeutischen Kraft eines starken Lebenswillens hinzugeben. Es erkundet das sensible Spektrum zwischen dem Hier und Dort und verweist auf Liebe, Natur und Gemeinschaft als verbindendes Ziel. Die Songs zeichnen eine Karte einer eigenen Welt und folgen dabei dem Weg, den die Bibis in den letzten Jahren eingeschlagen haben. Nun verlassen wir das Wohnzimmer und tanzen in einem mentalen Raum, der mit Trauer und Angst in ihrer rohesten Form überladen ist. Nach dem Tod zweier geliebter Menschen im letzten Jahr hallt das Mantra »Ich möchte lieben, ich möchte leben« intensiv in jeder Melodie nach; wenn das Herz ein Ort ist, der niemals stirbt, müssen wir es so schnell wie möglich erreichen.

Inspiriert von unvergesslichen künstlerischen Begegnungen, Tourneen mit Blonde Redhead und Circuit des yeux sowie einer Zusammenarbeit mit Calvin Johnson präsentiert sich Bibi Club nun mit Avant-Pop und Electronic Body Music mit Elementen von Dark Wave und Neofolk, wobei gleichzeitig barocke Klänge mit Cembalos, Trompeten und auswendig zu lernenden rituellen Gesängen einfließen.

Unterstützt von einer fürsorglichen Community, darunter der Saxophonist und Aktivist Dimitri Milbrun (George Sand) und die Singer-Songwriterin Helena Deland (A Different Light), ermöglicht Amaro Bibi Club, sich sowohl in intimer als auch in kollektiver Hinsicht zu definieren.

Release 27.2.2026

Die Indie-Folk-Ikone Sam Beam, auch bekannt als Iron And Wine, bringt ein neues Studioalbum raus, das voll mit wunderschöner, natürlicher Americana ist, darunter zwei Kollaborationen mit dem weiblichen Folk-Trio I'm With Her. "Ich wollte schon immer diesen Titel verwenden", sagt Sam Beam über "Hen's Teeth", sein achtes Album in voller Länge und sein sechstes für Sub Pop Records. "Ich liebe ihn einfach. Für mich steht er für das Unmögliche. Hühnerzähne gibt's nicht. Und genau so fühlt sich dieses Album an: wie ein Geschenk, das es eigentlich nicht geben dürfte, aber doch da ist. Eine unmögliche Sache, aber sie ist real." "Hen's Teeth" und sein vorheriges Album "Light Verse" sind so was wie Geschwister. Sie wurden während derselben Sessions nach einer einjährigen Pause mit derselben Band im Waystation Studio in Laurel Canyon aufgenommen. "Wenn ich gerade richtig in Schreiblaune bin und die Band mich dort abholt, wo ich gerade stehe, treiben sie mich zu etwas, das ich mir nicht hätte vorstellen können. Ich bin an einem Punkt in meinem Leben, an dem Spontaneität für mich viel wichtiger ist. Ich muss nicht mehr so viel beweisen wie früher. Ich bin viel freier und liebe es mehr denn je, Musik zu machen. Es gibt keine richtigen oder falschen Antworten. Man betet einfach um Glück und gibt sein Bestes." In diesem Fall wurden die Gebete erhört und das Glück schlug voll zu. Die Musiker fanden so schnell zueinander und inspirierten sich gegenseitig so sehr, dass sie Songs oft in nur wenigen Takes aufnahmen, manchmal zwei oder drei pro Tag. Die beiden Alben können daher als zweieiige Zwillinge betrachtet werden: Sie teilen sich die DNA und ergänzen sich, haben aber unterschiedliche Identitäten und zeichnen sich ebenso durch ihre Unterschiede wie durch ihre Gemeinsamkeiten aus.

Release 27.2.2026

Mit "The Mirror" legt Buck Meek, Gitarrist von Big Thief, sein viertes Soloalbum vor - ein feinfühliges Werk über Sprache, Identität und das ständige Sich-Verändern. Freunde und Weggefährt:innen wie Adrianne Lenker, Jolie Holland oder Tucker Zimmerman wirken mit und hinterlassen ihre Spuren nicht nur musikalisch, sondern auch in den Texten. Meek begreift Songwriting als gemeinschaftlichen Prozess und nutzt den Spiegel als zentrales Bild: nicht zur Selbstbespiegelung, sondern als Gegenüber, das Fragen stellt. Aufgewachsen in einer kunst- und literaturgeprägten Familie in Texas, sammelte Meek früh vielfältige musikalische Erfahrungen - von Blues über Jazz bis Folk. Diese Offenheit prägt auch The Mirror. Gemeinsam mit Produzent James Krivchenia verbindet er die Live-Energie einer Band mit subtilen elektronischen Texturen. Die Aufnahmen entstanden in einem experimentellen, offenen Setting, das Spontaneität über Perfektion stellt. In seinen Songs geht es um Nähe, Verletzlichkeit und die Brüchigkeit von Erinnerung. Wortspiele, Spiegelungen und innere Dialoge machen Sprache selbst zum Thema. Angst und Zweifel erscheinen dabei nicht als Gegenspieler, sondern als Begleiter. The Mirror erklärt nicht - es hört zu, tastet sich vor und lädt dazu ein, dem Unbekannten mit Neugier zu begegnen.

Release 27.2.2026

Lone Assembly ist ein Schweizer Quartett, das New Wave, romantischen Synthpop und düsteren, melancholischen Post-Punk miteinander verbindet. Die Besetzung: Raphaël Bressler (Gesang, Keyboards), Glenn Le Meur (Gitarre), Jim Bodeman (Bass) und Romain Segu (Schlagzeug). Donnernde Basslinien und hypnotische Rhythmen verschmelzen mit hallgetränkten Gitarren und atmosphärischen Synthesizern zu einer düsteren Klanglandschaft für Raphaëls tiefen, resonanten Gesang.

Release 20.2.2026

Black Sea Dahu erschaffen Musik, die sich anfühlt, als stünde man mitten in einem Gewitter – unmittelbar, lebendig. Im Zentrum steht Janine Cathrein, deren Stimme Trauer und Widerstandskraft in einem Atemzug vereint.

Die Schweizer Band bewegt sich zwischen Indie Folk, Chamber Pop, Filmmusik und Rock, ohne sich in Genres einzuordnen. Ihre neueste Single, »One Day Will Be All I Have«, ist ein leuchtendes Zeugnis der Trauer und des Mutes, den Cathrein nach dem Verlust ihres Vaters in sich trägt. Der Song entführt uns in einen Raum, in dem Trauer und Hoffnung miteinander verschmelzen, eingebettet in filmische Arrangements. Diese Single gibt den Ton an für das kommende Album »Everything«.

Ein Werk, das von Tod und Verwandlung, von der Suche nach dem eigenen Kern und von Magie spricht. Black Sea Dahu, bekannt für ihre fesselnden Live-Auftritte, haben sich zu einem der eindrucksvollsten Acts Europas entwickelt. Ihre Musik, die durch unerschütterliche Ehrlichkeit geprägt ist, schafft Räume, in denen sich Verletzlichkeit zeigen darf und füllt europaweit die Konzertsäle.

Release 20.2.2026

Erstes Album der legendären Musikerin, Produzentin, Regisseurin und Performancekünstlerin seit über 10 Jahren! Das Album ist ihre erste Veröffentlichung bei dem renommierten Independent-Label Kill Rock Stars. Die 11 neuen Songs sind eine freche, kompromisslose Mischung aus Elektronik, Dance, Punk, Industrial und Pop und bewegen sich an der Schnittstelle zwischen Persönlichem und Politischem, wo der Körper nicht nur als sexuelles und spirituelles Gefäß dient, sondern auch als Frontlinie im Kampf um grundlegende Menschenrechte. Peaches' Texte sind hier derb und explizit, gespickt mit beißendem Sarkasmus und cleveren Wortspielen, aber sie sind auch überraschend verletzlich und bieten einen ehrlichen Blick in den Spiegel einer queeren Ikone nach der Menopause, die sich mit einer Gesellschaft auseinandersetzt, die Schweigen, wenn nicht gar völlige Auslöschung erwartet. Das Ergebnis, aufgenommen mit dem Produzenten The Squirt Deluxe in Berlin, ist eine bewusst provokative Auseinandersetzung mit Identität, Sexualität und körperlicher Autonomie von einer feministischen Vorreiterin, ein einzigartiges Werk emotionaler und klanglicher Alchemie, das Poesie und Profanität gleichermaßen in Einklang bringt und alle Reibungen und Frustrationen des modernen Lebens in Freude und Transzendenz verwandelt. "Fuck Your Face" ist ein chantender, pulsierender Knaller der Lustsuche. Der Song folgt auf die kürzliche Veröffentlichung von "Not In Your Mouth None of Your Business" – einem "energetisierenden Kampflied für körperliche Autonomie in Form einer hämmernden Punk-Dance-Hymne" (Stereogum).

Release 20.2.2026

Sechs Jahre nach seinem Grammy-nominierten Album „LP5“ wagt Sascha Ring – alias Apparat – mit seinem sechsten Studioalbum einen mutigen Blick auf die Komplexität des Lebens.

„A Hum Of Maybe“ ist detailreich, kunstvoll gestaltet und wunderbar unvorhersehbar. Im Kern dreht sich das Album um die Liebe – zu sich selbst, seiner Frau und seiner Tochter – und darum, sie festzuhalten, zu beschützen und sich immer wieder neu auszurichten, da sie sich in einem ständigen Wandel befindet. Wie der Titel bereits andeutet, erkunden die Songs das Gefühl, zwischen den Stühlen zu sitzen: kein klares Ja oder Nein, sondern ein „A Hum Of Maybe“.

Ring vereint auf elegante Weise die Perspektiven eines Elektronikproduzenten und eines klassischen Komponisten und arbeitet eng mit seinen langjährigen Weggefährten Philipp Johann Thimm (Cello, Klavier, Gitarre) zusammen, der das Album auch mitgeschrieben und mitproduziert hat, Christoph „Mäckie“ Hamann (Violine, Keyboard, Bass), Jörg Wähner (Schlagzeug) und Christian Kohlhaas (Posaune). Das Album enthält außerdem Gastbeiträge der armenisch-amerikanischen Künstlerin KÁRYYN – Apparats Labelkollegin bei Mute – auf „Tilth“ sowie des in Berlin und Rom lebenden Musikers Jan-Philipp Lorenz (alias Bi Disc) auf „Pieces, Falling“.

„A Hum Of Maybe“ ist komplex, zutiefst persönlich und beschreibt einen Zustand der Ungewissheit. Es markiert ein aufregendes neues Kapitel für Apparat.

Altin Gün, die türkisch-psychedelische Band aus Amsterdam, veröffentlicht ihr sechstes Studioalbum »Garip«, ein ehrgeiziges und vielseitiges Werk, das als Hommage an die türkische Volksmusiklegende Neset Ertas (1938 - 2012) dient.

»Garip« enthält zehn von Ertas ikonischen Kompositionen, die von Altin Gün auf einzigartige Weise neu interpretiert und musikalisch erweitert werden. Die Band verbindet dabei eine Vielzahl von Einflüssen, von der klassischen Anatolischen Volksmusik über Arabesque und Bollywood-Soundtracks bis hin zu westlichen Rock- und Synth-Vibes.

Das Album ist eine kreative Weiterentwicklung des bereits etablierten Sounds von Altin Gün, der Elemente aus Funk, Rock, und türkischer Folklore miteinander vereint. Mit hypnotischen Basslinien, kräftigen Schlagzeugrhythmen und filigranen Synthesizer-Arpeggien schafft »Garip« eine Atmosphäre, die die Essenz von Ertas emotional aufgeladenen Liedern einfängt und gleichzeitig die experimentierfreudige Energie der Band widerspiegelt.

Die Band, die für ihre packenden Live-Auftritte bekannt ist, beweist mit »Garip« einmal mehr, dass sie zu den innovativsten Vertretern der modernen türkischen Musikszene gehört.

Release 20.2.2026

Nach Jahrzehnten der Vorfreude ist »Light-Years« das Ergebnis einer 30-jährigen Zusammenarbeit.

Die Partnerschaft zwischen Nas und DJ Premier ist fest in der DNA des Hip-Hop verankert. Ihre gemeinsame Geschichte begann 1994 mit Illmatic, aus dem Hits wie »N.Y. State Of Mind«, »Memory Lane« und »Represent« hervorgingen. Illmatic trug dazu bei, Nas als Talent seiner Generation zu etablieren und Premier's damals aufkeimendes Vermächtnis weiter auszubauen. Ihre Chemie vertiefte sich im Laufe des nächsten Jahrzehnts durch Klassiker wie »I Gave You Power«, »2nd Childhood«, »Nas Is Like« und »N.Y. State Of Mind Pt. II«.

»Light-Years« ist ein echter Beweis für den Einfluss und das Vermächtnis beider Künstler und die Zeitlosigkeit der Musik, die sie gemeinsam schaffen.

Release 20.2.2026

Die Grammy- und BRIT-Award-Gewinner kehren mit ihrem sechsten Studioalbum zurück. Ihr letztes Album "Rushmere" erschien Anfang 2025 und landete in Großbritannien auf Patz #1 der Album Charts und bei uns in Deutschland auf Platz #5. "Prizefighter" wurde von Mumford & Sons und Aaron Dessner (The National) gemeinsam produziert und enthält unteranderem ihre Single mit Hozier "Rubber Band Man" und weitere Features von Gracie Abrams, Gigi Perez und Chris Stapleton.

Release 13.2.2026

"Wuthering Heights" ist das Album von Charli XCX, das für den mit Spannung erwarteten Film "Wuthering Heights" von Emerald Fennel mit Margot Robbie und Jacob Elordi in den Hauptrollen geschrieben wurde.

Charli XCX hat die Popmusik neu definiert. Ihr innovativer Stil und ihr unternehmerischer Antrieb haben die Popkultur neu gestaltet. Ihr Album "BRAT", das im vergangenen Juni erschien, war das von der Kritik am meisten gefeierte Album des Jahres 2024 und brachte ihr fünf BRIT Awards und drei Grammy Awards ein.

Release 13.2.2026 - Vinyl am 27.2.2026

Seit mehr als drei Jahrzehnten definieren »Converge« die äußeren Grenzen der Heavy Music und prägen Hardcore, Punk und Metal mit unnachahmlicher Dringlichkeit und Vision.
Auf »Love Is Not Enough«, ihrem elften Album, kanalisiert die Band die jahrzehntelange kreative Intensität in eine fokussierte und furchtlose Reflexion über Belastbarkeit, Verbindung und das Gewicht der Existenz. Aufgenommen und abgemischt von Kurt Ballou in den God City Studios in Salem, Massachusetts, fängt das Album »Converge« in ihrer bewusstesten und dynamischsten Form ein - heftig und doch zutiefst menschlich.

Jeder Song trifft mit Präzision und Zielstrebigkeit, vom explosiven Titeltrack bis zum mitreißenden »We Were Never the Same« Es ist ein Album, das die rastlose Entwicklung der Band in ein einzigartiges, beeindruckendes Statement fasst. Love Is Not Enough ist sowohl eine Abrechnung als auch eine Erneuerung - ein Beweis dafür, dass »Converge« nach 35 gemeinsamen Jahren immer noch eine der vitalsten und kompromisslosesten Kräfte der modernen Musik sind.

Release 13.2.2026

«I Wöt Mir Selber Is Gsicht Chotze» – der Titel sitzt wie ein Schlag in den Magen.

Doch Dachs bleibt sich treu: Unkonventionelle Songtitel, subversiver Witz und musikalische Ernsthaftigkeit schliessen sich bei Basil Kehl nicht aus. Schon mit «Beat Breu» und «Si händ dä Schlagzüger us de Band grüert» bewies er 2020, wie gut das funktioniert. Nach drei Alben bleibt die Frage: «Dörfs na bizeli meh si?» Ja, gerne – mehr Dachs-Musik bitte!

Auf dem vierten Album zeigt sich Dachs so offen und experimentierfreudig wie noch nie. Zwischen Dream-Pop, Indie, Disco, Electronica und Hip-Hop verschwimmen die Genregrenzen, wird ausprobiert, verschoben und neu kombiniert. Zwei völlig unterschiedliche Features mit Luuk und To Athena unterstreichen diese Offenheit. Trotz aller Experimente bleibt der charakteristische Dachs-Sound mit seinen markanten Texten und seinen eigängigen Melodien unverkennbar.

Eiskalt weht der Wind, der uns bald entgegenkommt – so der Tenor in «Kommentarspalte». Abgekühlt ist auch das Verhältnis zur Figur in «Herz us Granit», die ihren persönlichen Rechtsruck mit dem Älterwerden zu rechtfertigen versucht. Und in «Hallo Mueter» folgt die bittere Einsicht, dass selbst die Mutter gelogen hat – damals, als sie uns lehrte, Lügner kämen nicht weit. Diese drei Songs zeichnen ein düsteres Bild der globalen Verunsicherung. Es sind keine Stücke der Antworten, sondern der Ratlosigkeit – und vielleicht gerade darin besonders ehrlich. Lässt sich also der Albumtitel «I Wöt Mir Selber Is Gsicht Chotze» auch als Kommentar zur politischen Gegenwart verstehen? Vielleicht – aber nur zum Teil. Denn dafür ist dazwischen zu viel Skurriles, zu viele helle Momente und zu viel Unerwartet-Zärtliches zu fnden.

Beispielsweise stösst man in «Wör’s Nie Release» auf eine detaillierte Wegbeschreibung zum Versteck auf dem Dachs-Dachboden. Dort wartet ein unscheinbarer Karton mit einer Festplatte – randvoll mit Liedern, die zu intim sind, um veröffentlicht zu werden. Im Titeltrack «I Wöt Mir Selber Is Gsicht Chotze» kommt es zu einem Wiedersehen im Café mit einem alten Freund, der nur noch sendet, das Zuhören verlernt hat – und dabei vom Schein seines erfüllten, erfolgreichen Lebens erzählt. In «Äschäbächer Halb Voll» wird verpassten Chancen nachgetrauert, ja sogar eine Karriereleiter im Hinterhof symbolisch verbrannt. Und auf dem berührenden «Stabhochspringe» klingt die Schwierigkeit an, die eigenen Grenzen zu erkennen. Die stärksten Momente des Albums entstehen dort, wo die Stimme die Fassade aus Kontrolle und Coolness ablegt und ganz im Gefühl aufgeht. Ein solcher Moment ist der Refrain von «Es Reimt Sich Uf» – eingängig, dringlich, aufgeladen. Am Ende eines metaphorischen Telefonspiels, das die Missverständnisse der Liebe verhandelt, wird er kraftvoll hinausgeschrien – über ein Löwenzahnfeld hinweg, wie es das unbeschwerte, frühlingshafte Musikvideo zeigt.

Das vierte Album von Dachs überzeugt mit pointierten Zeilen, die nachhallen, zeichnet ein feinsinniges Bild des gesellschaftlichen Klimas im Jahr 2025 und entfaltet eine musikalische Vielfalt, die ebenso überraschend wie stimmig ist. Dabei bleibt die Musik nahbar – dank Basil Kehls Bereitschaft, auch über das Verletzliche und Unbequeme zu singen.

Release 13.2.2026

Nach einer zehnjährigen Pause haben Mariachi El Bronx für ihr viertes Album ihre Charro-Anzüge wieder aus dem Schrank geholt. Die unerwartete Geschichte der Band begann ursprünglich als Alter Ego der Punkrock-Helden The Bronx. Mariachi El Bronx suchte nach Wegen, sich kreativ weiterzuentwickeln und gleichzeitig die lateinamerikanische Kultur in ihrer Heimatstadt Los Angeles zu feiern. Mariachi El Bronx tourte mit den Foo Fighters und The Killers, trat überall auf, von Letterman bis NPRs Tiny Desk, und begeisterte das Publikum auf Festivals von Coachella bis Glastonbury.

Release 13.2.2026

Für dieses neue Album von Gogol Bordello wollte Songwriter Eugene Hutz Post-Punk-Texturen und Aggro mit dem freizügigen Gypsy-Punk von Gogol Bordello verbinden. - Um dieses Ziel zu erreichen, entschied er sich für eine Zusammenarbeit mit dem Produktionsteam von Nick Launay (Gang of Four, Yeah Yeah Yeahs, Idles) und Adam „Atom” Greenspan (Nick Cave, Idles, Flogging Molly). - Zusammen mit seiner langjährigen Band schufen sie zwölf äußerst kraftvolle und eingängige Songs. Der Titeltrack „We Mean It, Man!” ist voller punkiger Intensität, die sich zu einem No-Wave-Saxophon-Skronk steigert. „No Time For Idiots” ist ein Strummer/Jones-artiger Riff-Punk mit einem gigantischen Refrain. „Life Is Possible Again“ drückt Optimismus angesichts der Angst vor dem Krieg in der Ukraine aus. „Solidarity“ ist eine Cockney-Rejects-Solidarnosc-Punk-Hymne, die von Bernard Sumner von New Order neu interpretiert wurde, um auf die Kriegsanstrengungen in der Ukraine einzugehen. Dies ist das Album und die politische Botschaft, die die Welt jetzt braucht.

Release 6.2.2026

Neues atemberaubendes Album der kompromisslosen Rockband um den wie immer großartigen Visionär Maynard James Keenan (Tool, A Perfect Circle):"Es ist der Ort, an dem Goth auf Punk trifft. Dort liegt mein Ursprung." Inklusive dem harten, progressiven Alternative-Rocker "Self Evident".

Release 6.2.2026

Folkige Singer-Songwriter-Balladen, sphärisch verträumte Hippiewelten und Synthie-Pop mit französischem Charme: Das alles steckt in der Musik der Luzerner Songwriterin Heidi Happy.

Um ihr Jubliäum zu feiern, hat Heidi Happy mit zwanzig ihrer inspirierendsten Begegnungen der vergangenen zwanzig Jahre je einen Song geschrieben. Das daraus entstandene Album «20» erscheint am 6. Februar 2026.

Besonders hervorgehoben werden im Rahmen der Veröffentlichung und der begleitenden Jubiläumsshows u.a. folgende Gäste: Bübe Huber, Wallis Bird, Michael Von der Heide, Rebekka Lindauer und Handsome Hank.

Release 6.2.2026

Von Jay Buchanan, dem Grammy-nominierten Frontmann von Rival Sons, stammt Weapons of Beauty – ein mitreißendes, cineastisches Solo-Debüt, das in der Mojave-Wüste geschrieben und von Dave Cobb produziert wurde. Erhältlich auf CD (Digipak + Poster) und schwarzer Vinyl (Goldfolien-Gatefold). Weapons of Beauty – eine Offenbarung von einer der faszinierendsten Stimmen dieser Generation. Geschrieben in der Einsamkeit eines unterirdischen Bunkers in der Mojave-Wüste und aufgenommen in Savannah, Georgia, mit seinem langjährigen Kollaborateur Dave Cobb, zeigt „Weapons of Beauty“ den Grammy-nominierten Frontmann von Rival Sons von seiner verletzlichsten und visionärsten Seite. Eine mitreißende Sammlung von Songs – von „Caroline“ bis „Deep Swimming“ – ist es ein ungeschütztes Werk von raffinierter Einfachheit und filmischer Anmut.

Release 30.1.2026

Nach vier Singles und einer halben EP, erscheint nun das Debütalbum von Frau Lehmann, den Lieblingen von Toco´s Jan Müller. 12 Stücke über Trost und Trotz. Auf Seite A der Platte findet sich dabei der Trost, beispielsweise in einem beschwingten "Fuß im Grab", dem selbstverständlichen Herbeiwünschen der "Melancholia" und der wütenden Anklage eines KünstlerInnendaseins mit Lohnarbeit in "DLF Kultur will dass wir brennen". Seite B ermutigt zum Trotz: eine "Alte Leier" verwandelt sich in eine urvertraute Melodie im Inneren, "Rastloses Getier" schält sich "Wenn es abends endlich dämmert" aus den schweißgetränkten Laken, und zum Schluss dröhnt ein "Testament" als Manifest des Abschließens und Neuanfangs aus den Lautsprechern. In den mal tanzbaren, mal lyrischen Liedern geht es immer wieder um den Tod. Alle sind sie lebensbejahend und hell. Der Umgang mit Veränderungen, im Großen und im Kleinen, im Sozialen und im ganz Privaten, steht im Zentrum des Albums, das einer Dramaturgie der Entwicklung zu folgen scheint. Nachdenken über das Ende von Dingen, ohne Resignation, ohne Pathos.

Release 30.1.2026

Mit »All Tied Together« veröffentlichen Ye Vagabonds ihr bislang eindrucksvollstes Album - ein berührendes, cineastisches Werk voller Erinnerungen, Dankbarkeit und Gemeinschaft.

Die vielfach preisgekrönten Brüder Brian und Diarmuid Mac Gloinn verweben in ihren neuen Songs Heimat, Verlust und Zusammenhalt zu einem emotionalen Klangteppich, der weit über Irland hinausreicht. Aufgenommen in einem alten Haus in Galway und produziert von Phil Weinrobe (Big Thief, Adrienne Lenker), entfaltet das Album eine organische Intensität - live eingespielt, ohne Kopfhörer, mit bis zu zehn Musikern.

Akustische und elektrische Gitarren, Harmonium, Moog-Synthesizer, Trompete, Cello und die unverwechselbare Geschwisterharmonie schaffen einen warmen, zugleich modernen Sound. Von der nostalgischen Erinnerung in »On Sitric Road« über die mitreißende Hymne »The Flood« bis zur zarten Liebeserklärung »Young Again« erzählen Ye Vagabonds von echten Orten, echten Menschen und dem Wunsch nach Zugehörigkeit. In Songs wie »Danny« und »Mayfly« finden die Übersehenen und Gestrandeten eine Stimme, während Stücke wie »Four Walls« Hoffnung und Halt feiern. »All Tied Together« ist eine Ode an Freundschaft, Verlust, Heimat und das gemeinsame Singen - ein Album, das Herz und Seele gleichermaßen wärmt und die verbindende Kraft der Musik spürbar macht.

Release 30.1.2026

Lily Allen kehrt mit »West End Girl«, ihrem lang erwarteten fünften Studioalbum, zurück. Geschrieben und aufgenommen über einen Zeitraum von zehn intensiven Tagen, verbindet es raue Ehrlichkeit mit ansteckender Pop-Kunstfertigkeit und dokumentiert Elemente ihrer Zeit in New York mit durchdringender Klarheit und Einsicht.

Release 30.1.2026 / Vinyl 13.2.2026

Mit ihrem 8. Studio-Album »Wormslayer« bekräftigen Kula Shaker ihren Ruf eine der furchtlosesten und fantasievollsten UK Rock-Bands zu sein. Benannt nach einem indischen Dichterkönig aus dem 9. Jahrhundert, hat die Band schon immer in einer alternativen Realität existiert, in der sich Mystik, Psychedelia und raue Rock'n'Roll-Energie vermischen.

Die neuen Tracks auf »Wormslayer« bilden einen Strudel aus Psychedelia der 60er Jahre, üppigem Soul, Retro-Funk und kosmischen Geschichten. Im Kern verläuft ein thematischer Faden, der sich wie eine psychedelische Rock-Oper entfaltet – Geschichten von faustischen Pakten, geflügelten Träumern und mythischen Kämpfen, die den kompromisslosen kreativen Geist der Band widerspiegeln.

»Wormslayer« ist der Beweis dafür, dass die Flamme von Kula Shaker heller denn je brennt: ambitioniert, expansiv und voller der fröhlich

Release 30.1.2026

Daptone Records

Nach ihrem großartigen Debütalbum »The Olympians« aus 2016 auf Daptone Records meldet sich die Band um Frontmann Toby Pazner endlich mit einem brandneuen Album zurück!

Nach dem Erfolg seines Debütalbums verbrachte Pazner die nächsten Jahre damit, den musikalischen Kosmos zu erkunden – er schrieb Songs mit Lee Fields und begleitete ihn als Keyboarder auf Tournee. In dieser Zeit gründete er auch eine Familie. Diese Reihe von einschneidenden Lebensereignissen bereitete den Boden für das kommende Album »In Search of a Revival« (Daptone Records). Dieses Mal, ganze 10 Jahre nach der Veröffentlichung des selbstbetitelten Debütalbums, komponierte, arrangierte und produzierte Pazner das gesamte Album selbst.

Mit Musikern, die bereits auf dem Debüt zu hören waren, sowie einer Handvoll Freunden und Mitwirkenden, die er auf seiner musikalischen Reise kennengelernt hat, bildete er ein 17-köpfiges Ensemble aus den besten Musikern der Szene. Während »The Olympians« stark vom klassischen Soul-Stil von Curtis Mayfield und James Brown beeinflusst war, lehnt sich »In Search of a Revival« an die goldene Ära der Wrecking Crew, die üppigen Texturen der Gold Star Studios, Vintage-Filmmusik und die eher unbekannten Ecken der cineastischen Klanglandschaften an. Von den kaskadenartigen Harfenklängen, die »Sirens of Jupiter« eröffnen, bis hin zu treibenden Horns von »Sagittarius By Moonlight« liefern The Olympians einen ganz eigenen neuen Sound: einen alten Traum vom fernen Griechenland, gemalt in üppigen, filmischen Arrangements über harten Rhythmen.

»In Search of a Revival« ist auf dem besten Weg, ein weiterer Daptone-Klassiker zu werden – ein Album, das nicht nur die Traditionen des Instrumental-Soul würdigt, sondern auch einen kühnen neuen Standard für das Genre in den kommenden Jahren setzt.

Release 30.1.2026

Mit zwölf Songs, die zwischen Classic Rock, Indie und Americana oszillieren - Ballgame zeigt, wie große Stimmen und starke Melodien Herzen bewegen und Horizonte öffnen können. Die erste Single I Believe in Love, eine hymnische Mischung aus Lennon und Orbison, ist ab sofort mit Video erhältlich - gefilmt von engen Freunden in Ballgames WG. Entstanden am Küchentisch und inspiriert vom Rat seines Produzenten Jonathan Rado ("Schreib den größten Song der Welt"), wurde daraus eine Ode an die Liebe selbst - und an die Narren, die sie macht. Produziert von Jonathan Rado (Foxygen, Weyes Blood, Miley Cyrus) und Ryan Pollie (Los Angeles Police Department), bringt das Album analoge Wärme, akustische Energie und üppige Harmonien zurück - mit Unterstützung von Amy Aileen Wood (Fiona Apple) am Schlagzeug und Wayne Whitaker am Bass.

Ballgames Weg hierhin war alles andere als geradlinig: Vom Kellergeschoss in New England über Coverband-Auftritte in Rhode Island bis hin zum mutigen Neustart in Los Angeles. Offenheit, Risiko und der Glaube an sich selbst prägen seine Songs - und werden live zur großen Bühne.

Release 23.1.2026

Mit ihrem vierten Album Yatta! zünden Yin Yin ein kaleidoskopisches Feuerwerk aus Disco, Funk, Surf, Psychedelia und südostasiatischen Klangmotiven. Die gefeierte Band aus Maastricht bleibt ihrem Prinzip treu: globale Sounds treffen auf tanzbare Grooves - diesmal noch intensiver und organischer. Aufgenommen wurde live auf Band, was dem Album eine warme, natürliche Tiefe verleiht. Tracks wie "In Search of Yang" oder "Kasumi"s Quest" entführen in imaginäre Welten zwischen Retro-Futurismus und fernöstlicher Mystik. Die Band beschreibt Yatta! als ihren bisher vollständigsten musikalischen Ausdruck - ein Album, das nicht nur bewegt, sondern auch träumen lässt. Der Titel "Yatta!" (japanisch für "Wir haben es geschafft!") steht für das Gefühl, als Band angekommen zu sein - und für ein Album, das genau dieses Gefühl hörbar macht. *Glitterbeat

Release 23.1.2026

Während ihrer langen Karriere hat Lucinda Williams nie davor zurückgeschreckt, über schwierige, aber reale Themen zu schreiben. Man könnte »Change The Locks« sogar als ein seiner Zeit vorausgreifendes, aktuelles Lied bezeichnen. Auf ihrem Album »Good Souls Better Angels« finden sich mehrere bissige und mutige Songs, ebenso wie auf dem nach der Pandemie entstandenen Meisterwerk »Stories From A Rock N Roll Heart«.

Mit »World's Gone Wrong« legt Lucinda Williams in puncto Aktualität noch eine Schippe drauf. Es ist ein unverfälschtes Spiegelbild unserer sehr turbulenten Zeit, intensiv und musikalisch kraftvoll.

Release 23.1.2026 / Vinyl am 13.2.2026

Nach "And the Anonymous Nobody" (2016) melden sich Kelvin Mercer und Vincent Mason aus Amityville mit „Cabin In The Sky“, ihrem zehnten Album, zurück.

„Cabin in the Sky“ ist De La Souls erstes Studioalbum seit neun Jahren und wurde von DJ Premier, Super Dave und Pete Rock produziert. Es enthält Gastbeiträge von herausragenden Künstlern wie Killer Mike, Yukimi von Little Dragon, Common, Nas, Black Thought und anderen.

Release 16.1.2026

Neues Album! Auf der achten LP von Andrew Fearn und Jason Williamson sind erneut Gäste zu hören, darunter Sue Tompkins von Life Without Buildings, das Duo Big Special und Aldous Harding. Außerdem macht die Schauspielerin Gwendoline Christie ("Wednesday", "Severance", "Game Of Thrones") auf der Platte ihren ersten Ausflug in die Musikwelt und steuert ihre Stimme zur Single "The Good Life" bei. "The Demise Of Planet X steht für ein Leben in enormer Unsicherheit", erklärt Sänger Jason Williamson. "Als wir das letzte Album schrieben, ging es um Stagnation - um ein Land, das sich wie ein lebloser Körper anfühlte. Drei Jahre später ist dieser Körper aufgeplatzt durch Krieg, Völkermord und die anhaltenden psychologischen Nachwirkungen von Covid." In gewohnt ausdrucksstarker Herangehensweise, ist "The Demise Of Planet X" eine spottende Bestandsaufnahme der Gegenwart und zugleich ein wütender Aufschrei, der sich gegen die heraufziehende kulturelle Finsternis stemmt. Mit klaren Worten und scharfem Witz in 13 Stücken (die Herz, Verstand und Beine gleichermaßen in Bewegung setzen) holt das Album zum Gegenschlag aus. "The Demise Of Planet X" seziert dabei toxische Männlichkeit ebenso wie den Trumpismus und kombiniert den unverkennbahren Stil des Duos aus Nottingham mit surrealer Gesellschaftskritik.

Release 16.1.2026

Jule X, Astro Burger und ANRU veröffentlichen gemeinsam die EP «DiscoTrapper».
Mit seinem unverkennbaren Stil hat sich Jule X als einer der aufregendsten Rap-Acts der Schweiz etabliert. Seit Songs wie «Zistig» oder «Julä bitte» hat er sich eine treue Fanbase aufgebaut und sich mit eingängigen Hooks, ungeschliffenem Charme und selbstironischem Humor einen Namen gemacht. Gemeinsam mit Astro Burger und ANRU – bekannt als Teil der Vokuhila Mafia – erscheint nun die sieben Songs umfassende EP «DiscoTrapper».
DiscoTrapper ist ein Werk zwischen Party-Hymnen und persönlichem Storytelling. Produziert wurde die EP mehrheitlich von Mondetto, mit Unterstützung von Cheap Limousine und Anyvibe auf jeweils einem Track.

Release 16.1.2026

Mit Secret Love legt die Londoner Band Dry Cleaning ihr bislang reifstes Werk vor. Das dritte Studioalbum, produziert von Cate Le Bon, ist eine konzentrierte Momentaufnahme der besonderen Chemie zwischen Florence Shaw, Tom Dowse, Nick Buxton und Lewis Maynard. Aus intensiven Sessions in Peckham, Chicago, Dublin und schließlich im Black Box Studio in Frankreich entstand ein Werk, das Vertrauen und Verletzlichkeit ins Zentrum stellt - die Bande zwischen den vier Musiker_innen ebenso wie das fragile Verhältnis zwischen Nähe und Manipulation in der Gesellschaft. Musikalisch schlägt Secret Love eine Brücke zwischen den paranoiden Untertönen des frühen US-Punks, dem coolen Strut der Stones, Stoner-Rock, No-Wave-Experimenten und zarten, fast pastoralen Gitarrenfiguren. Die Stücke atmen gleichermaßen Schärfe und Verspieltheit, immer getragen von Shaws unverwechselbarem Sprechgesang, der präzise auf die dynamischen Soundlandschaften ihrer Band reagiert. Damit knüpft sie an eine Tradition von Spoken-Word-Künstlerinnen wie Laurie Anderson an, erweitert sie aber um eine ganz eigene Mischung aus Absurdität, Empfindsamkeit und lakonischem Humor. Die erste Single "Hit My Head All Day" zeigt exemplarisch, wie Secret Love gesellschaftliche Themen - etwa Desinformation und Einflussnahme - mit persönlicher Unsicherheit und existenzieller Fragilität verknüpft. Doch trotz aller Schwere bleibt das Album von einer spielerischen Offenheit geprägt: Ideen wurden ausprobiert, verworfen, neu zusammengesetzt - bis ein Sound entstand, der gleichzeitig roh, elegant und unerwartet warm klingt. Secret Love ist ein Album über das Vertrauen - in Freundschaften, in Musik, in sich selbst - und über die Risiken, die damit verbunden sind. Es markiert für Dry Cleaning den Schritt zu einer Band, die ihre avantgardistische Energie zu einem unverwechselbaren Ausdruck verdichtet hat.

Release 16.1.2026

„Self Portrait“ ist das neueste Kapitel des unermüdlich kreativen Ein-Mann-Kraftpakets Ryan Adams – ein brandneues Album mit 24 Titeln, das frische, unveröffentlichte Eigenkompositionen mit fesselnden Neuinterpretationen von Klassikern von R.E.M., New Order und anderen vereint.

Mit seiner rastlosen Kreativität und emotionalen Tiefe beweist diese kühne Sammlung einmal mehr, warum Ryan Adams zu den markantesten Stimmen der modernen Musik zählt. „Self Portrait“ zeigt Adams in Bestform – ergreifend, unberechenbar und klanglich opulent.

Release 16.1.2026

Das neue Album versammelt vertraute Indiepop-Momente im typischen Sterne-Sound, aber auch unerwartete Neuerfindungen. Neben deutschen Texten gibt es englischsprachige Songs, Post-Punk-Einflüsse, und auf zwei Stücken übernimmt Dyan Valdés den Leadgesang. Statt wie die hundertste Wiederholung klingt das Album wie ein Neuanfang - frisch, pointiert, humorvoll und kompromisslos. Die Single "Ich nehme das Amt nicht an" setzt auf ein gewaltiges Riff, einen treibenden Beat und eine Energie, die von Größen wie Jack White oder T. Rex inspiriert ist. Sänger und Frontmann Frank Spilker beschreibt den Song als "Riff-Rock" - ein Ventil für die Irrationalität und die Diskursverweigerung, die unsere Zeit prägt. Inhaltlich nimmt der Song die Renaissance des Irrationalen ins Visier: den Verlust argumentgetriebener Debatten, die Abkehr von Fakten, die Zuspitzungen, die längst in Gewalt umschlagen. Spilker formuliert scharf, ironisch und zugleich erschreckend aktuell - und zeigt damit einmal mehr, wie präzise Die Sterne gesellschaftliche Entwicklungen in Musik übersetzen.

Release 16.1.2026

Das vierte Album der Band wurde in der gleichen Kernbesetzung aufgenommen, markiert aber einen deutlichen Wandel in ihrem Sound und ihrer Herangehensweise. Musikalisch bedeutet es eine Abkehr vom rockigen, bluesigen, psychedelischen Tuareg-Gitarrensound, der von Tinariwens Erbe beeinflusst ist, und eine Hinwendung zu etwas Offenerem, Modernerem und Erkundungsfreudigerem. Zum ersten Mal übernahm ihr langjähriger Tontechniker Maxime Kosinetz die Rolle des Produzenten. Er reiste mit Emile Papandreou (vom französischen Duo UTO) nach Tamanrasset, einem Multiinstrumentalisten, der elektronische Elemente einbrachte, indem er Live-Instrumente sampelte und sie in Echtzeit mit einem modularen Synthesizer neu bearbeitete - und so die klangliche Identität der Band subtil umgestaltete. Das Album wurde größtenteils live in einem großen Raum im Aboogi Studio aufgenommen - dem bandeigenen Proben- und Aufnahmeraum in Tamanrasset. Freunde kamen während der Sessions vorbei, um Handclaps und Gesang beizusteuern und einfach Teil der Energie zu sein.

Release 16.1.2026

The Sha La Das sind Bill Schalda und seine talentierten Söhne Paul, Will und Carmine, die aus Staten Island, New York, stammen. »Your Picture«, das zweite Album der Sha La Das und ihre erste Veröffentlichung auf dem Label Diamond West Records des Produzenten Tom Brenneck (Charles Bradley, Menahan Street Band, Lady Wray), ist ein weiteres einzigartiges Zeugnis der mitreißenden Kraft der Harmonie zwischen Blutsverwandten und eine Hommage an die dauerhafte Liebesgeschichte zwischen Bill und der Matriarchin der Familie, Linda. Spuren alter Erinnerungen flimmern durch »Your Picture«.

Bills klassisches Songwriting und üppige Gesangsarrangements werden in neues Territorium katapultiert und aktualisieren den Doo-Wop mit dem basslastigen Groove und dem wirbelnden Pop von Brennecks schlanker, räumlicher Produktion. »Wir haben einige psychedelische Klänge eingebracht und uns von Deep-Soul-Platten bis hin zu den Beatles und den Beach Boys inspirieren lassen«, sagt Brenneck. Liebe strahlt aus »Your Picture« heraus und fließt aus den schimmernden Melodien, die Bill und seine Söhne produzieren, während sie ihren musikalischen Traum leben.