Release 28.11.2025

Stephan Eicher ist zurück mit einem neuen Album, seinem achtzehnten, mit dem Titel «Poussière d'Or». Für dieses neue Album mit 12 neuen Songs hat Stephan Eicher seine langjährigen Mitstreiter hinzugezogen: Philippe Djian und Martin Suter für die Texte, Martin Gallop für die Produktion (der bereits für das grossartige Album «Homeless Songs» verantwortlich war). Nichts ist tröstlicher inmitten des Lärms der Welt als diese Songs, die einem das Herz zusammenziehen und zum Träumen einladen.

Release 21.11.2025

Damit eins gleich klar ist: Auf FARIN URLAUBs zweitem Album ist erst mal Schluss mit lustig.
Es dauert ganze vier Verse, und ein unmissverständliches „Feuer frei“ legt einem nahe, den Kopf für den Rest des Albums lieber unten zu halten … und besser isses, denn es wird fortan konsequent mit der Gitarre niedergemäht, was nicht in geduckter Haltung hinterm umgekippten Esstisch kauert*. Sogar die Ska-Anleihen klingen nach Ska-ta-ta-ta-ta.

Und Pustekuchen für jeden, der glaubt, sich am wohlvertrauten Sound durch das hangeln zu können, was da auf einen niederhagelt.
Da kommt einer eigenständig – aber diesmal nicht allein. FARIN URLAUB schart erstmals Teile seines „Orchester voll Dynamit“ um sich, das ihn fortan live begleitet: Zwar spielt er – Bläser ausgenommen – wieder alle Instrumente selbst ein, doch die Damen vom RACING TEAM leihen ihm diesmal ihre Stimmen. Kein Wunder also, dass AM ENDE DER SONNE schnurstracks auf die 1 ging.
URLAUB hat ein fieses Album in eine fiese Welt geworfen. Eine Welt, über der ein teilnahmsloser Lichtball prangt, um irdisches Elend unbarmherzig auszuleuchten („Sonne“). Eine Welt, in der man’s nicht einmal mehr schafft, das Meer romantisch zu verklären („Unter Wasser“), weil man vom eigenen Haushalt mit Anlauf aufs Maul kriegt („Dusche“), während einer mit dem Schraubenschlüssel rhythmisch auf die Heizung hämmert.
Die 180-Gramm-Vinyl-Wiederveröffentlichung von AM ENDE DER SONNE erscheint am 21.11.2025 mit Downloadcode.

Release 21.11.2025

Gesang, Gitarren, Schlagzeug und Bass: Die Grundelemente des Rock sind es, die Danko Jones, einer der erfolgreichsten Hard 'n' Heavy-Exporte Kanadas, seit seiner Gründung 1996 konsequent vertritt.

Ständiges Radio-Airplay in den führenden Rockländern der Welt, die treueste Fangemeinde, die sich eine Band nur wünschen kann, sowohl auf Festivals als auch bei ihren ausverkauften Clubshows, sowie mehrere Auszeichnungen - darunter fünf Juno-Award-Nominierungen (der kanadische »Grammy«) - haben im Laufe ihrer Karriere ihre führende Rolle in der Rock'n'Roll-Welt zementiert.

Danko Jones schaffen es, nicht nur Rocker, sondern auch Musikliebhaber von Genres weit jenseits von Hardrock und Punk zu vereinen. Ihr reichhaltiger Katalog besteht aus bisher elf erfolgreichen, elektrisierenden Studioalben, die internationale Chart-Erfolge einfuhren. Ihr zwölftes Werk wurde gerade unter den wachsamen Augen des Juno- und Grammy-Award-Gewinners Eric Ratz (Billy Talent, Big Sugar etc.) fertiggestellt.

Release 5.12.2025

Doppel-LP, gepresst auf schwarzem Vinyl in einem hochwertigen Tip-On-Gatefold-Cover mit Spot-UV-Glanz auf den Innenseiten und mit bedruckten Innenhüllen. "Live God" ist ein eindrucksvolles Zeugnis der "Wild God"- UK- und Europatournee 2024 von Nick Cave & The Bad Seeds. Auf 15 Tracks fängt das Album die transzendente Atmosphäre jener unvergesslichen Shows ein, die laut Nick Cave selbst "ein Gegenmittel zur Verzweiflung“ waren. Die Trackliste enthält Live-Versionen des kompletten Studioalbums "WIld God" (2024) sowie beliebte Klassiker wie "Papa Won’t Leave You, Henry", "From Her to Eternity" und "Into My Arms".

Release 9.1.2026

Das neue Album versammelt vertraute Indiepop-Momente im typischen Sterne-Sound, aber auch unerwartete Neuerfindungen. Neben deutschen Texten gibt es englischsprachige Songs, Post-Punk-Einflüsse, und auf zwei Stücken übernimmt Dyan Valdés den Leadgesang. Statt wie die hundertste Wiederholung klingt das Album wie ein Neuanfang - frisch, pointiert, humorvoll und kompromisslos. Die Single "Ich nehme das Amt nicht an" setzt auf ein gewaltiges Riff, einen treibenden Beat und eine Energie, die von Größen wie Jack White oder T. Rex inspiriert ist. Sänger und Frontmann Frank Spilker beschreibt den Song als "Riff-Rock" - ein Ventil für die Irrationalität und die Diskursverweigerung, die unsere Zeit prägt. Inhaltlich nimmt der Song die Renaissance des Irrationalen ins Visier: den Verlust argumentgetriebener Debatten, die Abkehr von Fakten, die Zuspitzungen, die längst in Gewalt umschlagen. Spilker formuliert scharf, ironisch und zugleich erschreckend aktuell - und zeigt damit einmal mehr, wie präzise Die Sterne gesellschaftliche Entwicklungen in Musik übersetzen.

Release 9.1.2026

Mit Secret Love legt die Londoner Band Dry Cleaning ihr bislang reifstes Werk vor. Das dritte Studioalbum, produziert von Cate Le Bon, ist eine konzentrierte Momentaufnahme der besonderen Chemie zwischen Florence Shaw, Tom Dowse, Nick Buxton und Lewis Maynard. Aus intensiven Sessions in Peckham, Chicago, Dublin und schließlich im Black Box Studio in Frankreich entstand ein Werk, das Vertrauen und Verletzlichkeit ins Zentrum stellt - die Bande zwischen den vier Musiker_innen ebenso wie das fragile Verhältnis zwischen Nähe und Manipulation in der Gesellschaft. Musikalisch schlägt Secret Love eine Brücke zwischen den paranoiden Untertönen des frühen US-Punks, dem coolen Strut der Stones, Stoner-Rock, No-Wave-Experimenten und zarten, fast pastoralen Gitarrenfiguren. Die Stücke atmen gleichermaßen Schärfe und Verspieltheit, immer getragen von Shaws unverwechselbarem Sprechgesang, der präzise auf die dynamischen Soundlandschaften ihrer Band reagiert. Damit knüpft sie an eine Tradition von Spoken-Word-Künstlerinnen wie Laurie Anderson an, erweitert sie aber um eine ganz eigene Mischung aus Absurdität, Empfindsamkeit und lakonischem Humor. Die erste Single "Hit My Head All Day" zeigt exemplarisch, wie Secret Love gesellschaftliche Themen - etwa Desinformation und Einflussnahme - mit persönlicher Unsicherheit und existenzieller Fragilität verknüpft. Doch trotz aller Schwere bleibt das Album von einer spielerischen Offenheit geprägt: Ideen wurden ausprobiert, verworfen, neu zusammengesetzt - bis ein Sound entstand, der gleichzeitig roh, elegant und unerwartet warm klingt. Secret Love ist ein Album über das Vertrauen - in Freundschaften, in Musik, in sich selbst - und über die Risiken, die damit verbunden sind. Es markiert für Dry Cleaning den Schritt zu einer Band, die ihre avantgardistische Energie zu einem unverwechselbaren Ausdruck verdichtet hat.

Release 16.1.2026

Neues Album! Auf der achten LP von Andrew Fearn und Jason Williamson sind erneut Gäste zu hören, darunter Sue Tompkins von Life Without Buildings, das Duo Big Special und Aldous Harding. Außerdem macht die Schauspielerin Gwendoline Christie ("Wednesday", "Severance", "Game Of Thrones") auf der Platte ihren ersten Ausflug in die Musikwelt und steuert ihre Stimme zur Single "The Good Life" bei. "The Demise Of Planet X steht für ein Leben in enormer Unsicherheit", erklärt Sänger Jason Williamson. "Als wir das letzte Album schrieben, ging es um Stagnation - um ein Land, das sich wie ein lebloser Körper anfühlte. Drei Jahre später ist dieser Körper aufgeplatzt durch Krieg, Völkermord und die anhaltenden psychologischen Nachwirkungen von Covid." In gewohnt ausdrucksstarker Herangehensweise, ist "The Demise Of Planet X" eine spottende Bestandsaufnahme der Gegenwart und zugleich ein wütender Aufschrei, der sich gegen die heraufziehende kulturelle Finsternis stemmt. Mit klaren Worten und scharfem Witz in 13 Stücken (die Herz, Verstand und Beine gleichermaßen in Bewegung setzen) holt das Album zum Gegenschlag aus. "The Demise Of Planet X" seziert dabei toxische Männlichkeit ebenso wie den Trumpismus und kombiniert den unverkennbahren Stil des Duos aus Nottingham mit surrealer Gesellschaftskritik.

Release 23.1.2026

Mit ihrem vierten Album Yatta! zünden Yin Yin ein kaleidoskopisches Feuerwerk aus Disco, Funk, Surf, Psychedelia und südostasiatischen Klangmotiven. Die gefeierte Band aus Maastricht bleibt ihrem Prinzip treu: globale Sounds treffen auf tanzbare Grooves - diesmal noch intensiver und organischer. Aufgenommen wurde live auf Band, was dem Album eine warme, natürliche Tiefe verleiht. Tracks wie "In Search of Yang" oder "Kasumi"s Quest" entführen in imaginäre Welten zwischen Retro-Futurismus und fernöstlicher Mystik. Die Band beschreibt Yatta! als ihren bisher vollständigsten musikalischen Ausdruck - ein Album, das nicht nur bewegt, sondern auch träumen lässt. Der Titel "Yatta!" (japanisch für "Wir haben es geschafft!") steht für das Gefühl, als Band angekommen zu sein - und für ein Album, das genau dieses Gefühl hörbar macht. *Glitterbeat

Release 23.1.2026

Während ihrer langen Karriere hat Lucinda Williams nie davor zurückgeschreckt, über schwierige, aber reale Themen zu schreiben. Man könnte »Change The Locks« sogar als ein seiner Zeit vorausgreifendes, aktuelles Lied bezeichnen. Auf ihrem Album »Good Souls Better Angels« finden sich mehrere bissige und mutige Songs, ebenso wie auf dem nach der Pandemie entstandenen Meisterwerk »Stories From A Rock N Roll Heart«.

Mit »World's Gone Wrong« legt Lucinda Williams in puncto Aktualität noch eine Schippe drauf. Es ist ein unverfälschtes Spiegelbild unserer sehr turbulenten Zeit, intensiv und musikalisch kraftvoll.

Release 6.2.2026

Neues atemberaubendes Album der kompromisslosen Rockband um den wie immer großartigen Visionär Maynard James Keenan (Tool, A Perfect Circle):"Es ist der Ort, an dem Goth auf Punk trifft. Dort liegt mein Ursprung." Inklusive dem harten, progressiven Alternative-Rocker "Self Evident".

Release 13.2.2026

Nach einer zehnjährigen Pause haben Mariachi El Bronx für ihr viertes Album ihre Charro-Anzüge wieder aus dem Schrank geholt. Die unerwartete Geschichte der Band begann ursprünglich als Alter Ego der Punkrock-Helden The Bronx. Mariachi El Bronx suchte nach Wegen, sich kreativ weiterzuentwickeln und gleichzeitig die lateinamerikanische Kultur in ihrer Heimatstadt Los Angeles zu feiern. Mariachi El Bronx tourte mit den Foo Fighters und The Killers, trat überall auf, von Letterman bis NPRs Tiny Desk, und begeisterte das Publikum auf Festivals von Coachella bis Glastonbury.

Release 13.2.2026

Die Grammy- und BRIT-Award-Gewinner kehren mit ihrem sechsten Studioalbum zurück. Ihr letztes Album "Rushmere" erschien Anfang 2025 und landete in Großbritannien auf Patz #1 der Album Charts und bei uns in Deutschland auf Platz #5. "Prizefighter" wurde von Mumford & Sons und Aaron Dessner (The National) gemeinsam produziert und enthält unteranderem ihre Single mit Hozier "Rubber Band Man" und weitere Features von Gracie Abrams, Gigi Perez und Chris Stapleton.

Release 27.2.2026

Das achte Album und sein erstes seit 2022. Die zwölf Titel eröffnen eine unheimliche Ausdruckskraft, während Bill weiterhin einen der originellsten Wege im Songwriting und in der Performance beschreitet. Indem er die lebendige Energie seiner Konzerte in die Produktion dieses Albums einfließen lässt, schärft er seine Porträts aus dem Leben, um tiefer zu gehen, und setzt einen Strom von Mitsing-Bewusstsein frei: poetisch, filmisch, romanhaft, komödiantisch – und vor allem musikalisch.

Release 27.2.2026

Nothing waren schon immer Regelbrecher. Shoegaze-Rebellen, die das typischerweise leichtgewichtige Genre nach ihrem eigenen, knallharten amerikanischen Image neu erfunden haben. Outlaw-Poeten, die existenzielle Ängste auf kilometerbreiten Leinwänden aus Fuzz und Hall ausbreiten. Angefangen als Solo-Projekt in einem Schlafzimmer in Philadelphia im Jahr 2010, hat die Musik von Nothing immer die ganze Bandbreite des Menschseins eingefangen, sowohl die schreiende Wut als auch die flüsternde Traurigkeit. ,A Short History of Decay", das fünfte Soloalbum von Nothing und das erste für Run For Cover Records, erweitert diesen Horizont noch weiter und bietet die bisher hochauflösendste Darstellung von Nothing. Die Band hat noch nie so kolossal geklungen, sich noch nie so intim angefühlt, war noch nie so ehrlich. Mit dem stärksten Arsenal in der sich ständig verändernden Besetzung von Nothing - Gitarrist Doyle Martin (Cloakroom), Bassist Bobb Bruno (Best Coast), Schlagzeuger Zachary Jones (MSC, Manslaughter 777) und dem dritten Gitarristen Cam Smith (Ladder To God, ebenfalls von Cloakroom) - wusste Singer-Songwriter Domenic ,Nicky" Palermo wusste, dass er die nötige Manpower hatte, um das bisher ambitionierteste Album der Band aufzunehmen. Mitgeschrieben und produziert wurde es zusammen mit Whirr-Gitarrist Nicholas Bassett, zusätzliche Produktions- und Mixing-Arbeiten übernahm Sonny Diperri (DIIV, Julie). a short history of decay ist das musikalisch ausgereifteste Statement im Katalog von Nothing. Songs wie ,Cannibal World" und ,Toothless Coal" sind katastrophale Ausbrüche mechanisierten Industrial-Gaze, die wie My Bloody Valentine klingen - nur extremer. Am anderen Ende des Spektrums steht das kunstvoll-düstere ,Purple Strings" mit einem wunderschönen Streicharrangement, an dem die Harfenistin und zweifache Nothing-Mitwirkende Mary Lattimore beteiligt ist. Diese barocke Zartheit durchdringt auch andere Höhepunkte von ,A Short History of Decay", insbesondere ,The Rain Don't Care", eine beschwingte Ballade, die die abgenutzte Eleganz von Mojave 3 kanalisiert, sowie ,Nerve Scales", ein prasselnder Bop, der in seiner Verbindung von jenseitiger Atmosphäre und tödlicher Präzision an Radiohead erinnert. Palermo bezeichnet das neue Album als ,letztes Kapitel". Nicht das Ende von Nothing, sondern der Abschluss einer Geschichte, die mit dem Debütalbum von Nothing aus dem Jahr 2014, Guilty of Everything, begann - einem weiteren Album über Zeit, Reue und die Konfrontation mit unangenehmen Wahrheiten - und nun mit A Short History of Decay ihren Abschluss findet. Es ist ebenso sehr eine Momentaufnahme von Palermos Vergangenheit wie ein Sprung in die Zukunft von Nothing.

Release 27.2.2026

Nach der sechsjährigen Albumpause zwischen “The False Foundation” (2016) und “Call To Arms & Angels” (2022) lassen sich Archive dieses Mal nicht ganz so viel Zeit. Ihr 13. Studioalbum “Glass Minds” erscheint am 27. Februar, rund vier Jahre nach dem Vorgänger.

Über Leadsingle “Look At Us”, die die Band in einer erstaunlich energiegeladenen Form zeigt, sagte Archive-Mastermind Darius Keeler: “[Der Song] ist schlichtweg ein Banger! Mit bedrohlichen Textzeilen, die ich als Spiegelbild der zutiefst verzerrten Welt interpretiere, in der wir leben, halte ich ihn für eine unserer besten Singles bis heute.”

Zum stimmigen Video dazu erklärte Regisseur Maxim Kelly: “Da der Song Lügen und Täuschung thematisiert, wollte ich, dass das Medium selbst dieses Thema verkörpert – indem es die Zuschauer dazu bringt, der vertrauten visuellen Sprache der Dokumentarfotografie zu vertrauen. So entsteht ein Meta-Kommentar zur Täuschung, bei dem das Medium buchstäblich zur Botschaft wird.”

Release 20.3.2026

»The Mountain« ist das neunte Studioalbum von Gorillaz, eine weitläufige Klanglandschaft aus Instrumenten und Sounds, reichhaltig unterlegt mit Stimmen, Melodien und mitreißenden Beats, die eine Sammlung von 15 Songs umfasst, welche die kollaborative Ethik von Gorillaz verkörpern.

Das Album enthält außergewöhnliche Künstler und Mitwirkende, darunter: Ajay Prasanna, Amaan & Ayaan Ali Bangash, Anoushka Shankar, Asha Bhosle, Asha Puthli, Bizarrap, Black Thought, Gruff Rhys, IDLES, Jalen Ngonda, Johnny Marr, Kara Jackson, Omar Souleyman, Paul Simonon, Sparks, TRUENO und Yasiin Bey sowie die Stimmen von Freunden und Mitwirkenden, die bereits von uns gegangen sind, darunter Bobby Womack, Dave Jolicoeur, Dennis Hopper, Mark E Smith, Proof und Tony Allen.

»The Mountain« ist eine Playlist für eine Party an der Grenze zwischen dieser Welt und dem, was danach kommt, die die Reise des Lebens und den Nervenkitzel der Existenz erkundet. Produziert von Gorillaz, James Ford, Samuel Egglenton und Remi Kabaka Jr. sowie Bizarrap (Orange County), wurde »The Mountain« im Studio 13 in London und Devon, an verschiedenen Orten in Indien, darunter Mumbai, Neu-Delhi, Rajasthan und Varanasi, sowie in Aschgabat, Damaskus, Los Angeles, Miami und New York aufgenommen. Auf dem Album sind Künstler zu hören, die in fünf Sprachen singen: Arabisch, Englisch, Hindi, Spanisch und Yoruba.

Jamie Hewletts Albumcover zeigt die vier beliebten Charaktere der Band – Murdoc, Noodle, Russel und 2D – in einer Sammlung wunderschön detaillierter, handgezeichneter Illustrationen.

Release 17.4.2026

File under Waxahatchee. Allison und Katie Crutchfield haben eine neue Band namens Snocaps gegründet. Ihr 13 Titel umfassendes Debüt ist ein Indie-Rock-Album, das an Allisons Band Swearin und Katies frühe Alben als Waxahatchee erinnert. Es entstand aus dem Wunsch der Zwillingsschwestern, wieder wie in ihrer Teenager- und Twenties-Zeit gemeinsam Musik zu machen. Allison und Katie werden von ihren Freunden und engen Mitarbeitern Brad Cook und MJ Lenderman unterstützt. Das Album wurde fast ausschließlich von Cook produziert und alle vier Musiker spielen auf dem Album mehrere Instrumente. Nach einer Handvoll Konzerten Ende 2025 wird Snocaps auf unbestimmte Zeit auf Eis gelegt, obwohl, wie Katie sagt, „Allison und ich in gewisser Weise seit über 20 Jahren zusammenarbeiten“, sodass es praktisch sicher ist, dass sie irgendwann in der Zukunft wieder gemeinsam an Musik arbeiten werden.

Release 14.11.2025

Die beeindruckende Soul-Sängerin Celeste begeistert mit ihrer kraftvollen Stimme und tiefgründigen Texten. Jetzt meldet sich die Britin zurück mit ihrem neuen Album »Woman Of Faces«, welches ihr bisher zweites Studioalbum ist. Mit Auszeichnungen wie dem Brit Rising Star Award hat sie sich als eine der vielversprechendsten Künstlerinnen ihrer Generationen etabliert.

»Woman Of Faces« folgt dem Stil von Celeste und nimmt sowohl stimmlich als auch lyrisch ihre Hörer*innen mit auf eine Reise durch das Soul-Album des Jahres.

Release 14.11.2025

180g-schwere Independent Retail-Eco-Mix-LP in einer der überraschendsten und aufregendsten Kooperationen des Jahres haben sich Scott und Seth Avett von The Avett Brothers mit Mike Patton, dem legendären Frontmann von Faith No More und Mr. Bungle, zusammengetan, um AVTT/PTTN zu gründen. Was als zwangloser Austausch von Bewunderung begann, entwickelte sich bald zu einer echten kreativen Partnerschaft. Die Avetts und Patton, die sich seit langem gegenseitig bewunderten, tauschten Songs und Ideen über die Küsten hinweg aus, wobei sich jeder Entwurf weiterentwickelte, während er durch die Hände des Trios ging. „Das ist es, was Kunst ausmacht”, reflektiert Scott. „Das ist es, was Schaffen ausmacht: im Verborgenen und ohne Ambitionen.” Für die Avetts war die Zusammenarbeit mit Patton mehr als nur eine neue Kooperation – es war ein Moment, in dem sich der Kreis schloss. „Mike ist Teil unserer DNA, wie das Gewebe unserer Jugend“, sagt Scott. „Wir haben ihn buchstäblich studiert. Heute ist er ein lieber Freund, aber als wir jünger waren, habe ich ihn nachgeahmt.“ Patton fügt hinzu: „Meine besondere Herausforderung dabei war es, ein entfernter Cousin zu werden. Ein Bruder, der verwaist war. Vielleicht haben sie ihn im Hühnerstall oder so untergebracht. Jahre später haben sie ihn dann herausgeholt. Das Album beginnt mit der sanften Akustikgitarre von „Dark Night of My Soul“, wo Pattons erfahrener Gesang mit den Stimmen der Avetts zu einer reichhaltigen dreistimmigen Harmonie verschmilzt. An anderer Stelle führen der schmuddelige Stomp des Folk-Klassikers „The Ox Driver’s Song“ und der treibende Fuzz von „Heaven’s Breath“ die Avetts in neues klangliches Terrain und zeigen gleichzeitig Pattons charakteristischen Dynamikumfang. Jeder Track spiegelt die ungewöhnliche Art und Weise wider, wie das Album entstanden ist – Songs, die von Scott skizziert, von Patton umgestaltet und dann mit Seth neu interpretiert wurden – ein Prozess, der der Musik ihren unverwechselbaren Charakter und ihre Ausgewogenheit verlieh.

Release 7.11.2025

Die Lux-Vinyl enthält drei zusätzliche Songs, die exklusiv in diesem Format verfügbar sind.

»Lux« ist das vierte Studioalbum der GRAMMY-prämierten Sängerin, Songwriterin und Produzentin Rosalía. Es ist ihre bisher bahnbrechendste und globalste Veröffentlichung – ein monumentales Meisterwerk an Vision und Handwerkskunst. Das Album wurde mit dem London Symphonic Orchestra aufgenommen und enthält weibliche Stimmen wie Björk, Carminho, Estrella Morente, Silvia Pérez Cruz sowie den Chor der Escolania de Montserrat und des Orfeó Català.

Rosalía erforscht Themen wie weibliche Mystik, Transformation und Spiritualität und zeichnet den Bogen zwischen Illusion und Verlust, Glaube und Selbstfindung.

Release 7.11.2025

Betterovs zweites Studioalbum »Große Kunst« dokumentiert die Schlägerei seines Protagonisten mit internalisierten Heimatgefühlen - und ein bittersüßes Nachhausekommen. Gleichzeitig erzählt es vom Was davor geschah- von serpentinenartigen Biografien, von Flucht, von Stacheldraht, von Ferngläsern, von einem selbsternannten Friedensstaat, der aus Ruinen auferstand und Ruinen hinterließ. Anstatt von großer Kunst zu singen, singt Betterov von ihrer Absenz - und vom tiefen Riss zwischen Proletariat und Kulturklasse. Harter Tobak, das alles; aber eben schlichtweg das Fundament der Künstler-Persona Betterov, die nur wegen beschriebener Lebensgeschichte - der Provinzjugend in der Post-DDR, dem Erfahrungsschatz seines Elternpaars- klingt wie sie klingt und singt wie sie singt.

Mit »Große Kunst« ist Betterov ein Meisterwerk gelungen; und ein Siebenmeilenschritt aus dem sicheren Kokon. Betterov, das ist noch immer eine unverkennbare Indie-Spielart, die trotz ihrer Schroffheit feierlich zu glitzern scheint, kühlen Dark-Wave Elementen große, zeremoniöse Melodiebögen entgegensetzt und dabei mit traurigschöner Dynamik überzeugt. 2022 hat Betterov bereits mit »OLYMPIA« ein allseits beklatschtes Top-5-Album veröffentlicht, die im Oktober 2023 nachgeschobene Erweiterung »OLYMPIA (Ehrenrunde Deluxe)« samt neuer Stücke und Gastbeiträgen von Paula Hartmann, Blumengarten und Provinz haben Betterov über die deutsche Indieszene hinaus bekannt gemacht. Einmal mehr hat Betterov die neuen Lieder in Zusammenarbeit mit Produzent Tim Tautorat aufgenommen - immerhin hat dieser seinen Sound von Beginn an entscheidend mitgeprägt.

Release 7.11.2025

Ein Album von bittersüßer Schönheit, voller Ambivalenzen und gutem Pop. Steiner & Madlaina veröffentlichen ihr viertes Studioalbum »Nah Dran«; zweieinhalb Jahre nach ihrem letzten Album. Es ist ein Werk, das in seinem warmen Pop-Sound und seiner wie immer exzellenten Textarbeit hält, was man sich von diesem Duo verspricht, dabei aber einen Schritt nach vorn macht.

Inhaltlich verhandelt dieses Album die wichtigste Erkenntnis unserer Zeit: Die Welt ist widersprüchlich und wir müssen lernen, das auszuhalten. Die Songs erzählen präzise und poetisch von Selbstzweifeln, politischer Haltung, Beziehungen, Zeitgeist und Gesellschaft; sie sind witzig, tief, poetisch, doppeldeutig, zitatwürdig und gegenwärtig.

In seinem Sound streift dieses Indie-Pop-Album Jazz, Singer-Songwriting und orchestrale Elemente. Bläser, Streicher, Kinderchor und Klavier treffen auf Gitarren und handgemachte Sounds. Die Produktion ist detailverliebt, mal organisch, mal elektronisch, in Vielem mutig, oft All In. Trotz aller Komplexität bleibt Nah Dran tanzbar, mitsingbar und zugänglich. Es ist gut gelaunte Popmusik mit Haltung - nostalgisch, verspielt, aber nie naiv. Ein Album, das Gesellschaftskritik durch Selbstkritik übt, das feiert und reflektiert, das sich nicht mit einfachen Antworten zufriedengibt. (Und die Liebe kommt auch nicht zu kurz.)

Release 7.11.2025

Nur wenige Monate nach dem spektakulären Neustart »I Just Want To Be A Sound« kehren Kadavar zur Quelle ihrer urwüchsigen Fuzz-Kraft zurück. »Kids Abandoning Destiny Among Vanity And Ruin« vereint Stoner, Doom und Classic Rock.

Mit »I Just Want To Be A Sound« überraschten Kadavar nicht nur ihre Fans. War das Album doch im Vergleich zu ihren bisherigen Alben poppiger und quasi ein klangliches Manifest für Freiheit und Neuerfindung. Das in dem Quartett eine unglaubliche Kreativität und Produktivität steckt, beweist das jetzt schon folgende Album. Die Bandbreite reicht vom frechen Slacker-Rock von »Stick It« über den dröhnenden Moloch von »K.A.D.A.V.A.R.« bis zur Thrash-Metal-Keule »Total Annihilation«. Vielfältiger und zugleich archetypischer klangen Kadavar wahrscheinlich noch nie.

Aber so ist das eben, wenn wirklich jedes Bandmitglied gleichberechtigt Songs und Ideen beisteuert. Ob man das dann jetzt am Ende des Tages Hard Rock, Retro Rock, Classic Rock, Vintage Rock, Doom Rock oder einfach nur gottverdammte Rockmusik nennt, ist völlig egal: Es klingt vertraut und neu zugleich, würdigt das Gestern ohne darin verhaftet zu sein. Und ist vor allem eines: Ein Album übervoll mit Spielfreude.

Release 7.11.2025

Düstere Tage verlangen nach heftiger Liebe. Und Mavis Staples, eine der beständigsten Persönlichkeiten der amerikanischen Musik, legt sie auf. »Sad And Beautiful World« ist das neueste Solo-Album eines nationalen Schatzes und Multigenerationstalents.

Produziert von Brad Cook, umspannt »Sad And Beautiful World« sieben Jahrzehnte des amerikanischen Songbooks - eine Bandbreite, die fast so groß ist wie Mavis' Karriere - und enthält Neuinterpretationen zeitloser Songs von Tom Waits, Sparklehorse, Gillian Welch, Frank Ocean und anderen. Cook stellte sich ein Album in der Tradition von »Will the Circle Be Unbroken« der Nitty Gritty Dirt Band vor: eine Gruppe von Künstlern, die zusammenkommen, um eine Gemeinschaft zu feiern - in diesem Fall eine, die sich um Mavis dreht. Zu den Mitwirkenden gehören Buddy Guy, Bonnie Raitt, Jeff Tweedy, Derek Trucks, Katie Crutchfield, MJ Lenderman und Justin Vernon.

Mavis wurde in mehrere Ruhmeshallen (Blues, Rock und Gospel) aufgenommen, vom Kennedy Center geehrt und mit mehreren GRAMMYs ausgezeichnet (darunter ein Preis für ihr Lebenswerk). Sie hat mit fast allen Größen ihrer Ära zusammengearbeitet, von Bob Dylan bis Prince, Aretha Franklin und Willie Nelson - ganz zu schweigen von unzähligen Stars der nachfolgenden Generationen.

Release 7.11.2025

Tristen stammt aus der lebhaften Roots-Rock-Szene von Nashville, Tennessee, und hat sich in den letzten zwei Jahrzehnten als produktive und vielseitige Musikerin etabliert. Ihr Talent für das Komponieren fesselnder Melodien und scharfsinniger Texte hat ihr hochkarätige Kooperationen eingebracht. Sie war Co-Autorin von »Love is an Art«, dem neuesten Album von Vanessa Carlton, und tourte mit Jenny Lewis als Teil ihrer Band Voyager.

Ihr folkiges Debütalbum »Charlatans at the Garden Gate« aus dem Jahr 2011 brachte ihr das Lob als »Nashvilles bestgehütetes Geheimnis« (The Boston Globe) ein, während sie sich mit »CAVES« aus dem Jahr 2013, das von Stephen Hague co-produziert wurde, als hypnotische »Synth-Pop-Sirene« (SPIN) neu erfand. Sneaker Waves erschien 2017 und markierte ihren Übergang zur vollständigen Produktion ihrer Musik und Musikvideos in ihrem Heimstudio zusammen mit ihrem langjährigen Kollaborateur und Ehemann Buddy Hughen. Rolling Stone beschrieb es als »Nilsson-würdige Powerballade«, während Ann Powers von NPR es als »voller großartiger Melodien und eingängiger Arrangements, die das Ohr kitzeln und nicht mehr aus dem Kopf gehen« bezeichnete.

2021 erschien »Aquatic Flowers«, woraufhin Talkhouse verkündete: »Sie ist eine dieser Songwriterinnen und Performerin, die von anderen Musikern absolut geliebt werden, und das aus gutem Grund. Sie ist eine Risikofreudige im Studio, wagt sich in unbekanntes Terrain vor und findet fast immer etwas, das zumindest interessant und oft unglaublich ist.« Ihr fünftes Studioalbum «Unpopular Music« erscheint im Oktober und enthält Beiträge von Pat Sansone von Wilco, Vanessa Carlton, Becca Mancari, Erin Rae und Natalie Prass. Damit kehrt sie auch endlich wieder auf die Bühne zurück und setzt ihre Karriere fort, in der sie bereits mit Robyn Hitchcock, Television, Ezra Furman und den Mountain Goats aufgetreten ist.

Release 7.11.2025

Nach Neu- und Umbesetzungen innerhalb der Band, eine, man möchte fast sagen, ungeheuerliche neue Platte, bei der es, wie scheinbar bei jeder Naked Lunch-Veröffentlichung, wieder einmal um alles zu gehen scheint. Schon der Titel führt Licht und Tod - in kleinen Portionen - mit sich, signalisiert: hier wird ohne Vorbehalte mit den Mitteln der (Pop-)Musik einmal mehr die "human condition" durch- und vermessen. Der ganze Wahnsinn, der Blick und die Reise des Songwriters und Sängers Welter mit diesen Songs gehen tief, führen weit, nicht zuletzt in sich selbst hinein - und von dort dann wieder ganz weit hinaus. "Über viele, zu viele Jahre habe ich mich wohl täglich gefragt, ob ich diese Band überhaupt noch am Leben lassen soll. Ob es denn überhaupt noch Menschen da draußen gibt, die Freude hätten mit einer neuen Platte. Und ob ich überhaupt noch bereit bin etwas preiszugeben von der ewigen eigenen Zerrissenheit, dem ewigen haltlosen Pendeln zwischen hellem Licht und dem genauen Gegenteil davon. Der dringlichen Umarmung für alles und jeden, das und der/die mir lieb ist, wie in "To All And Everyone I Love" dokumentiert, oder der bloßen Zerstörung meiner selbst, wie so schonungslos als möglich in der Miniatur "Fuck My Senses" beschrieben. Eine andere, reale Form der Zerstörung meines Körpers übernahm in dieser Zeit ein Arschloch-Krebs, der mich, vor allem psychisch, über 24 Monate gefangen hielt, eh er mich schließlich (zumindest vorübergehend) wieder freiließ und ich dadurch wieder arbeits- und gesellschaftsfähig wurde. Dem gegenüber und fast parallel zur Krankheit stand mit der Geburt meines dritten Kindes jedoch das absolut Schöne, das alles Übel weggewaschen hat, wie nur irgend möglich. Dass ich dazu in den letzten, sagen wir fünf Jahren (mindestens) zwei fertig geschriebene Alben ersatzlos getilgt habe, geschenkt …" (Oliver Welter) Die fast schon schicksalshafte Begegnung mit dem Musiker und Produzenten Wolfgang Lehmann ("der beste und talentierteste Musikversteher überhaupt", so Welter) beflügelte Welter mit ebendiesem in dessen Studio die verschiedenen Layouts der Songs von Lights And A Slight Taste Of Death fertig zu arrangieren, zu produzieren und final auch von Lehmann mixen zu lassen. Das alles freilich auch mit Hilfe der ewigen Gefährten Alex Jezdinsky (Drums) und Boris Hauf (Keys/Sax). Lights And A Slight Taste Of Death ist eine 14 Songs lange Tour de Force; ist sowohl fordernd und hart, wie zärtlich und umarmend. Ist eine intime Nabelschau, die von großen Balladen wie den betörend schönen Liedern Come Into My Arms oder Love Don't Love Him Anymore, den großen, überbordenden, himmelsstürmenden Pophymnen To All And Everyone I Love, We Could Be Beautiful oder Going Underground, sowie völlig unerwartet expressiven Ausbrüchen wie einem Saxophon-Free-Jazz-Solo im verdrogten If This Is The Last Song You Can Hear geklammert wird. "Lights And A Slight Taste of Death" nimmt so seinen Platz als konsequente Fortschreibung in der Kontinuität der qualitativ so dichtgewobenen Naked Lunch-Diskographie ein. So und nicht anders hat es zu sein.

Release 7.11.2025

Seit ihrem Debüt 925 2020 arbeiten sie an einer Topografie aus Anspielungen, Zitaten, falschen Fährten. Nun reißen sie die Landkarte ab, zeichnen alles neu. Ein Album als Maskenball: Jede Figur darf hier auftreten, lebend oder tot, real oder erdacht. Es ist das Werk, das Sorry von sich selbst befreit. "Echoes", die erste Single, basiert auf einem Gedicht: ein Junge ruft in einen Tunnel, wartet auf die Antwort. Sorry machen daraus eine Geschichte über das Verlieben, in der das Echo zu einer dritten Person wird, ein Dazwischen, das man nicht mehr auseinanderhalten kann. "Meet me at the butterfly sanctuary. Echo", haucht Asha Lorenz, als wäre das ein Schwur, der ewig gelten soll. Das Album fühlt sich an wie ein Spielzimmer für popkulturelle Geister. Ein Guided by Voices-Song mutiert zur Ballade über die Schmuddelecken des Ruhms, die berühmteste Cartoonfigur der Welt schleicht sich als Sirene ins Bild, theoretische Physik wird zu Rockmusik, die schwerer schlägt als jede Formel. Sorry haben das neue Material bereits live erprobt, erst auf eigener UK-Tour, dann als Support von Fontaines D.C., und man hört die Mischung aus Selbstsicherheit und Übermut, die dabei gewachsen ist. *

Release 31.10.2025

Offizielle Chromakopia-CD-Pressung. Gatefold-Verpackung mit Prägung und 20-seitigem Booklet. Enthält alle Chromakopia-Songs, einschließlich »Mother«.

Release 31.10.2025

Auf «Working in the Garden» besingen Batbait das Leben und seine Realitäten: Höhen und Tiefen, das Schöne, das Wilde, das Unschöne und laden in den DIY-Garten ein – hier darf das Unkraut wuchern. In der Sonne gibt es Platz für Siesta, im Schatten für Wut und Grimmiges. Das Album ist eine Einladung, sich zu verlieren und dabei Wurzeln zu schlagen. «Working in the Garden» ist Aufruf zur Selbstreflexion – die Arbeit im eigenen Garten, eine nie endende Aufgabe.

Release 31.10.2025

2020 veröffentlichte Anna von Hausswolff ihr fünftes Studioalbum »All Thoughts Fly«. Im darauffolgenden Jahr musste die schwedische Künstlerin Kirchenkonzerte absagen, weil Demonstranten ihr satanische Musik vorwarfen. Im darauffolgenden Jahr veröffentlichte sie eine Live-LP. Jetzt meldet sie sich mit der Ankündigung ihres nächsten Albums »Iconoclasts« zurück, auf dem unter anderem Iggy Pop und Ethel Cain zu hören sein werden.

Von Hausswolff dazu: »Manchmal müssen wir uns ins tiefste Wasser stürzen und so lange wie möglich den Atem anhalten. Sobald wir die Oberfläche erreichen, können wir über die Kleinlichkeit des Lebens hinausblicken und nur die Wahrheit sagen. Dieses Liebeslied ist eine Hommage an den Mann, der zuhören kann; es ist für die Frau, die mutig genug ist, einzutauchen.«

Release 31.10.2025

Die Charlatans sind zurück mit ihrem mit ihrem ersten Studioalbum seit 2017. Die elf Songs umfassende Sammlung markiert ein bedeutendes Comeback der Band. Mit "We Are Love" erweitern die Charlatans ihre klanglichen Grenzen und bieten spannende Kollaborationen mit dem gefeierten Dev Hynes und dem renommierten Produzenten Steven Street. Das Ergebnis ist ein frischer und dennoch unverkennbarer Charlatans-Sound

Release 31.10.2025

Nach zwei experimentellen Instrumentalalben kehrt Woods auf ihrer neuen LP zur Songform und vor allem zu ihrer Stimme zurück. Das intime Ökosystem des Albums mit sieben Songs nutzt Vokalharmonien und die Aussprache der Texte als Mittel, um wieder in den Körper einzutreten, mit dem Unbewussten zu sprechen und es bewusst zu machen. "Night CRIU" ist eine Zeremonie aus Licht und Schatten, ein Album, das sich gegen die erdrückende Monokultur auflehnt, indem es gleichzeitig verlorene Unschuld zurückerobert und betrauert. Woods' Klangpalette ist dynamisch und verletzlich zugleich, in ihrem Bestreben, verlorene und zersplitterte Teile des Ganzen zu integrieren. Losgelöste Klangfäden erinnern an die Risse, Ränder, vergessenen Handlungsmöglichkeiten und vielschichtigen, schlummernden Persönlichkeiten, die nachts an die Oberfläche kommen und darauf warten, bei Tageslicht wiedergefunden und integriert zu werden. Inspiriert und beflügelt von vielen Dingen, darunter die Wiederbelebung indigener Sprachen, persönliche Erfahrungen mit Paraden und Prozessionen, frühe irische Musik, die Freude am Northern Soul-Tanzen, Aspekte des tschechischen und frühen italienischen Kinos, die Unmittelbarkeit des Klangs und das Aufbegehren einer Gegenwartskollektivität, die sich mit ihrer Stimme und ihrem Eintreten für das Menschsein angesichts von Tyrannei und Unterdrückung zu Wort meldet. Night CRIU wurde zwischen 2023 und Januar 2025 an der Westküste Irlands, in Dublin, London und teilweise in Lettland aufgenommen. Die Lieder für Gesang, Blechblasinstrumente, Streicher, Elektronik, Feldaufnahmen, Texturen, Synthesizer und Klavier wurden aus vielen frühen Heimaufnahmen ausgewählt, die Woods als Spiegelbilder einander gegenüberstellte. Night CRIU wurde von Hilary Woods geschrieben und produziert, von Dean Hurley gemischt, mit zusätzlicher Produktion von Dean Hurley und Oliver Turvey, gemastert von Brian Lucey und mit Beiträgen von Hannah Fallon, Hangleton Brass Band, Gabriel Ferrandini und Ajo Gonsenica. ,Jede Platte ist eine Rettungsboje, eine Momentaufnahme, eine Markierung im Sand, ein Termin, den ich einhalten muss", so Woods. ,Ein Floß, das gleichzeitig kathartisch, schwimmfähig und verspielt ist - Platten aufzunehmen ist eine Art zu sein."

Release 24.10.2025

Splendid ist die neue Band von Michael Egger, Sänger und Songschreiber der Elektropop-Formation Jeans for Jesus und Levin Lucca Dennler, eines der wohl am wenigsten bekannten und gleichzeitig erfolgreichsten musikalischen Talente der Schweiz.

Dennler lebt und arbeitet in Zürich, Bern und Berlin und produziert u.a. für Acts wie Trettmann, CRO, Loredana, Dhurata Dora, 01099, Jule X, Stereo Luchs, Lena Meyer-Landrut, den Afrobeat Star Ruger, Bonez MC, Leila, EAZ oder Manillio. Gefragt ist Dennler ebenfalls als Komponist und Produzent für diverse Spots.

Egger und seine Band Jeans for Jesus hievten den Mundartpop aus seiner Komfortzone und verliehen ihm einen neuen, kontemporären Sound. Die Band tourte erfolgreich im In- und Ausland und arbeitete unter anderem mit Stephan Eicher, mit dem Egger mehrere Auftritte absolvierte, Sirens of Lesbos, Gere Stäuble (Züri West) oder Round Table Knights.

Die Songs für die neue, gemeinsame Formation der beiden Protagonisten zeitgenössischer CH-Popmusik entstanden in verschiedenen Sessions, in Bern, Zürich, Berlin, Mürren und Ascona. Unterstützt wurden die beiden u.a. von Faber, Stereo Luchs oder Anina Shona von Hotel Samar, die als Features auf dem Album zu hören sind. Das zweite Album ist bereits in Arbeit.

Release 24.10.2025

»Touch« ist das erste neue Album der bahnbrechenden Post-Everything-Ikonen Tortoise seit 2016. Mit »Touch« nutzen die Tortoise-Bandmitglieder Jeff Parker, Dan Bitney, Douglas McCombs, John Herndon und John McEntire ihren kollektivistischen Songwriting-Ansatz, einen leicht anarchistischen, aber entschlossen egalitären Prozess, bei dem Ideen über das Ego triumphieren und zu einer abstrakten Kraft führen. Zwar gibt es immer noch Ausflüge in die düstere, elegant knorrige Jazz-Atmosphäre, die auf wegweisenden Werken wie »Millions Now Living Will Never Die« und »TNT« florierte, doch »Touch« ist vielleicht am bemerkenswertesten für Tortoises unapologetische Umarmung großartiger Gesten.

Aerodynamisch überarbeiteter Krautrock, handgekurbelte Techno-Rave-Ups und pointillistische Spaghetti-Western-Fanfaren sind alle von Tortoises mittlerweile charakteristischer innerer Logik durchdrungen – gleichermaßen verführerisch und verwirrend, ein Rätsel, das man eher genießen als lösen sollte.

Aufgenommen in den drei Städten Los Angeles, Portland und Chicago, ist »Touch« das Ergebnis einer bewussten Anstrengung dieser fünf Musiker, ihren Sound neu zu verbinden, neu zu zentrieren und neu zu beleben, was vielleicht das bisher vielfältigste Album der Gruppe ist.

Release 24.10.2025

The Lemonheads kehren mit ihrem ersten Studioalbum mit ausschließlich Originalmaterial seit fast 20 Jahren zurück. Nach Jahren des Schreibens, des Umherziehens und des Neuanfangs sowie der Veröffentlichung der Single "Fear Of Living" kehrt Evan Dando mit 11 Original-Lemonheads-Songs zurück. Seit langem in Arbeit, geprägt von wechselnden geografischen Gegebenheiten, entstanden mit einer Reihe willkommener Gäste, ist es eine kühne, melodische Bestätigung einer der markantesten Stimmen des Alternative Rock. Dandos Wohnsitz in Brasilien, wo ein Großteil des Albums aufgenommen wurde, hat ihm in den letzten Jahren einen ruhigen Perspektivwechsel ermöglicht - eine Chance, sich neu zu orientieren, sich wieder zu verbinden und seine Songs endlich in den Fokus zu rücken. Das Ergebnis ist ein Album, das sowohl frisch als auch vertraut klingt: verwurzelt in den Merkmalen der besten Arbeiten der Lemonheads, aber erweitert durch jahrelange Lebenserfahrung und eine neue Umgebung. Love Chant wurde von dem brasilianischen Multiinstrumentalisten Apollo Nove produziert und bringt alte Freunde und neue Partner zusammen: J Mascis (Dinosaur Jr), Juliana Hatfield und Tom Morgan sind wieder mit an Bord, zusammen mit dem Produzenten Bryce Goggin (Pavement, Antony and the Johnsons), Erin Rae aus Nashville, John Strohm von den Blake Babies und Nick Saloman von The Bevis Frond. Und Adam Green von der New Yorker Kultband The Moldy Peaches ist als Co-Autor an dem lockeren Country-Abstecher "Wild Thing" beteiligt.

Release 24.10.2025 - Vinyl am 7.11.2025

Spidergawd sind klassischer Heavy Rock mit gigantischem Melodieverständnis, das teils poppige Züge annimmt. Twin-Gitarren zelebrieren dieses Melodieverständnis exzessiv, duellieren sich und feuern es an und alles steht auf einem solide klassischen NWOBHM Fundament. Für ihr achtes Album in elf Jahren Band-Geschichte haben sie einen überraschenden Titel gewählt: "From Eight to Infinity". Damit beendet die Band die Verwendung römischer Titel, die sie für ihre vorherigen sieben Alben verwendet hatte. Ansonsten scheint vieles vertraut, wenn sie mit ihrem unverkennbaren Sound, doppelten Gitarren, dreifachen Gesang und Bariton Saxophon in gewohnt aufwändigem Album Artwork stets wiedererkennbar bleiben. Natürlich bleiben die wichtigsten Referenzen wie Thin Lizzy und Motorhead offensichtlich. Aber während "VII" sich ein wenig an 80er-Jahre-Bands wie Rush, Adrian Smith und Boston anlehnen konnte, ist "From Eight to Infinity" in seinen Referenzen eher bei AC/DC und Cheap Trick auf der einen Seite und Metallica und Black Sabbath auf der anderen

Release 24.10.2025

Just Mustard ist eine fünfköpfige Band aus Dundalk, Irland.

Ihr drittes Studioalbum »We Were Just Here« ist eine Erkundung der Wiedervereinigung und des Strebens nach Glück - durch Eskapismus, Euphorie und Liebe. Musikalisch sowohl heftig als auch ekstatisch, finden sich in den Texten Charaktere, die dem Glück über alles verpflichtet sind - einschließlich des Glücks selbst. Während die Band auf ihrem zweiten Album »Heart Under« unter Wasser erstickte, erhebt sie sich auf diesem Album in die Lüfte und entdeckt den intensiven Rausch der Gefühle wieder.

Release 24.10.2025

Lebanon Hanover kehren mit Songs zurück, welche die Zeit bis zum nächsten Termin mit der LieblingstherapeutIn überbrücken können. Fast fünf Jahre nach der Veröffentlichung ihres letzten Werkes »Sci-Fi Sky« hat Lebanon Hanover nun mit »Asylum Lullabies« einen Soundtrack für einen Besuch in einer psychiatrischen Klinik kreiert.

Das 2025 erscheinende Album ist die Weiterentwicklung eines noch kälteren, noch bissigeren Sounds einer Band, die seit über einem Jahrzehnt die Nu Wave/Post-Punk-Szene dominiert, es ist ein sehr schweres Album, das sich mit psychischen Problemen, einer Trennung, andauernden Kriegen und dem aktuellen Horror der Welt befasst, der einen letztendlich mit Angst, Furcht und einem ständigen Gefühl der Erdrückung zurücklässt. Alles bricht gleichzeitig zusammen. Die Mitglieder Larissa Iceglass und William Maybeline schrieben diese Songs aus polarisierenden Perspektiven, haben dabei ein schlüssiges Album produziert. Für Fans von Twin Tribes, Ash Code, Selofan, Cold Wave, Independent, Postpunk

Release 17.10.2025

Mit ihrem zweiten Album „THE HEART THE HEART THE HEART" loten Lia Sells Fish neue Wege zwischen Poesie, Wildheit und klaren Songstrukturen aus. Aus Improvisationen sind intime, ehrliche Songs entstanden, die durch verschiedene Stilrichtungen mäandern. Pop, Post-Rock, Jazz, Trip-Hop, immer mit der Stimme von Christine Hasler im Vordergrund, die getragen und abgelöst wird von Ueli Kempter an den Keys, Pascal Lüthi an den Drums und Stefan Shishkanov an Gitarre und Bass-Klarinette.

Frische, herzöffnende, tiefe und ehrliche Texte über Neuanfänge, Erschöpfung, Freiheit und die Liebe strahlen über alle Songs hinweg und treffen direkt ins Herz.

Release 17.10.2025

Auf »Deadbeat«, dem fünften Album von Tame Impala, entwirft Parker eine Sammlung verrucht potenter Club-Psych-Explorationen als Vehikel für einige seiner direktesten, hirnverbrannten Songtexte, die er bisher geschrieben hat, wobei er Tame Impala als eine Art primitiven Rave-Act der Zukunft darstellt.

»Deadbeat« klingt wie das Werk eines Künstlers, der sein Handwerk beherrscht und mit neuer Experimentierfreude glänzt. 12 Songs, die mit einer neu entdeckten Spontaneität des bekannten Perfektionisten entstanden sind. Das manifestiert sich in einem ausgeprägten Minimalismus und Crunch in vielen der Tracks, mit einer Reihe entscheidender Details, Klangfarben und Texturen, die dem Sound eine unbeschreiblich neue Dimension verleihen, sowie einer reichhaltigeren, verspielteren stimmlichen Bandbreite als je zuvor.

Release 17.10.2025

Nach über drei Jahrzehnten endlich neue Musik der Schweizer Metal-Pioniere CORONER. „Dissonance Theory“ enthält 10 neue Songs auf 47 Minuten, aufgenommen von Tommy Vetterli in den New Sound Studios in der Schweiz und gemischt/gemastert von Jens Bogren in den Fascination Street Studios in Schweden (Opeth, Kreator, Amon Amarth, etc.). Erhältlich als Limited 2CD Mediabook (mit erweitertem Booklet und dem legendären „Death Cult“-4-Track-Demo von 1986 – mit Tom G. Warrior [Triptykon, Celtic Frost, Hellhammer] am Gesang – als Bonus-CD), Standard-CD-Jewelcase und LP auf 180g Vinyl. Brutale Präzision. Unerbittliche Klarheit.

Release 17.10.2025

"Some Like It Hot" - so heißt nicht nur der legendäre Hollywood-Film von 1959, sondern auch das neue Album des Londoner Trios. Wie die Vorlage sprüht es vor Romantik, Intrigen und Selbstfindung - mal im Gewand von leidenschaftlichen Rockhymnen, mal als betörender Folk-Pop oder taumelnde Ballade, durchzogen von plötzlichen Momenten, die wie Sonnenlicht aus dem Nichts aufblitzen. Nina Cristante, Jezmi Tarik Fehmi und Sam Fenton bringen drei unverwechselbare Stimmen und Persönlichkeiten ein, die sich zu einem intensiven Ganzen verweben. Die Band lotet Kontraste aus - zwischen Zartheit und Ekstase, Intimität und Ausbruch - und verwandelt ihre Eigenheiten in hymnische Refrains. Songs wie das elektrisierende "omni shambles", die New-Wave-Majestät "Lioness" oder das leidenschaftliche "rooster" zeigen eine Gruppe, die die große Bühne gierig erobert. Nach zwei gefeierten Alben 2023 und über 160 Konzerten weltweit - von Istanbul bis Tokio, von Glastonbury bis Coachella - präsentiert sich bar italia nun als expressive, selbstbewusste Live-Band, die sich zwischen Festival-Moshpit und Momenten atemloser Stille mühelos bewegt. "Some Like It Hot" ist die Essenz dieser Reise: ein Album, das Herz, Kopf und Bühne gleichermaßen im Sturm nimmt.

Release 17.10.2025

“From The Pyre“ (dt. „Vom Scheiterhaufen”) ist das hoch antizipierte zweite Studioalbum der wahrscheinlich meist gehypten Newcomer-Band aus UK – The Last Dinner Party. Die fünfköpfige Londoner Band ging Ende 2024 mit dem Grammy-prämierten Produzenten Markus Dravs (Wolf Alice, Florence & The Machine, Bjork) ins Studio, um die Arbeit am Nachfolger gefeierten Debütalbums “Prelude to Ecstasy“ aus dem Jahr 2023 aufzunehmen. Auf “From The Pyre“ hört man eine Band, die eine Menge Spaß hat und sich trotz des unglaublichen Erfolgs ihres Debütalbums nicht unter Druck gesetzt fühlt. Es ist auch der Sound einer jungen Band, die ihr Songwriting gemeinsam weiterentwickelt hat und durch die lange Zeit auf Tour zu einer engen Einheit gereift ist. Die Band sagt über das Album: „Dieses Album ist eine Sammlung von Geschichten und das Konzept des Albums als Mythos verbindet sie miteinander. „The Pyre“ (dt. „der Scheiterhaufen“) selbst ist ein allegorischer Ort, an dem diese Geschichten ihren Ursprung haben, ein Ort der Gewalt und Zerstörung, aber auch der Regeneration, der Leidenschaft und des Lichts.“
Mit zwei BRIT Awards und ausverkauften Konzerten auf der ganzen Welt war die Ankunft von The Last Dinner Party in der Musikszene und der anschließende weltweite Erfolg eins der aufregendsten Debüts für eine neue britische Band seit Jahrzehnten. Mit der Ankündigung von "From The Pyre" deutet nun alles darauf hin, dass diese beispiellose Erfolgsgeschichte nahtlos fortgeführt wird.
Das Album erscheint auf CD im Digipack und als 140g Standard Black 1LP.

Release 17.10.2025

Das erste neue Album von Soulwax seit 8 Jahren: „All Systems Are Lying“. Seit 1995 haben David und Stephen Dewaele die Grenzen der Musik immer wieder in neue und innovative Bereiche verschoben, indem sie sich in viele verschiedene Richtungen entwickelt haben. Sie sind eine Band (Soulwax), DJs (2manydjs), ein Plattenlabel (DEEWEE) und ein Soundsystem (Despacio). Zu ihren kultigen Remixen gehören Fontaines DC, Roisin Murphy, Robyn, Arcade Fire, The Rolling Stones, Tame Impala, Metronomy, Daft Punk, The Gossip, Hot Chip, MGMT.

Release 17.10.2025

Das brandneue Ensemble aus Bern und Hamburg macht sich auf, mit einer ganz eigenen, modernen Mixtur die Szene aufzumischen: schnell und dreckig, doomig und verzerrt, balladesk und bläserarrangiert. Man kann Alternative Rock und Indie Pop unserer Tage heraushören, wenn man will. Irgendwann wird’s bombastisch und die Stimme von Jeannette Wolf hebt ab. Dazu formieren sich Higi Bigler, Tobi Heim und Urs Gilgen, die einst bei den verblichenen Kummerbuben zu Werke gingen. The Loupettes schaffen Musik, die mal schwebt, mal kracht, und mal zum beherzten Tanz bittet.

Release 17.10.2025

Endlich veröffentlichen POLIÇA ihr neues Album „Dreams Go“ über Memphis Industries.

Seit ihrem Durchbruch aus der pulsierenden Underground-Szene von Minneapolis im Jahr 2011 hat sich POLIÇA einen einzigartigen Platz im elektronischen Indie-Pop erobert, indem sie düstere Synthesizer, pulsierende Rhythmen und die unverwechselbare Stimme von Channy Leaneagh miteinander verbinden.

Mit „Dreams Go“ liefern POLIÇA ihr bisher emotionalstes und texturreichstes Werk – eine ergreifende Meditation über Verlust, Widerstandsfähigkeit und die zerbrechliche Schönheit des Festhaltens. Das Album, das im Schatten der Glioblastom-Diagnose von Bassist Chris Bierden geschrieben und aufgenommen wurde, ist sowohl eine Elegie als auch ein Akt der Bewahrung und fängt die Band in einem Moment tiefgreifender Veränderung ein.

Das Album ist eine Sammlung von acht neuen Songs, die im Pachyderm Studio in Minnesota aufgenommen wurden und die letzten Sessions der Band mit Chris Bierden markieren, bevor er seine Spielfähigkeit verlor. Die Platte pulsiert mit einer rohen, elegischen Energie, ein Zeugnis der Chemie, die das erste Jahrzehnt von POLIÇA geprägt hat.

Obwohl aus Trauer entstanden, ist „Dreams Go“ alles andere als statisch. Es atmet, schimmert und betont letztendlich die Kraft des Schaffens von Kunst angesichts der Ungewissheit.

Release 17.10.2025

Mit dem weltweiten Erfolg von Natural Brown Prom Queen im Rücken legt Sudan Archives noch eine Schippe drauf: Aus einer hands-on DIY-Künstlerin ist eine ausführende Produzentin geworden.

Aufgenommen in Los Angeles, Chicago und Detroit, hat sich die innovative US-amerikanische Geigerin, Sängerin, Songwriterin und Produzentin mit THE BPM - ihrem dritten und bislang wohl ehrgeizigsten Album - ganz der Clubmusik verschrieben. Nach wie vor geprägt von ihrem Signature Instrument, der Geige, präsentiert sich die Musik auf The BPM tanzbarer denn je.

Release 17.10.2025

Miles Kane, gefeierter englischer Rocker und Mitbegründer von The Last Shadow Puppets zusammen mit Alex Turner von den Arctic Monkeys, veröffentlicht mit Sunlight In The Shadows sein erstes Easy Eye Sound-Album in Zusammenarbeit mit dem GRAMMY-prämierten Produzenten Dan Auerbach (The Black Keys). Das Album wurde gemeinsam mit Auerbach, Patrick Carney, Daniel Tashian und Pat McLaughlin geschrieben. Überlagert von üppigen, kreischenden Gitarren und vollgepackt mit Hooks, bewegt sich das Album auf dem schmalen Grat zwischen rauem, energiegeladenem Rock und entspannten Crooning-Hymnen, alles mit einer Prise von Miles' charakteristischer Tremolo-Gitarre und einer ganzen Menge Spaß. Über die Entstehung von Sunlight In The Shadows sagt Miles: "Alle Wege, die ich in den letzten 20 Jahren gegangen bin, haben hierhergeführt"

Release 17.10.2025

Das bemerkenswerte Debütalbum des Quartetts bietet eine Spritztour durch klangliches Terrain, das herrlich laut, hymnisch, bombastisch und wunderschön ist, mit sofort fesselnden Songs, die das seltene Kunststück vollbringen, Nostalgie zu wecken und gleichzeitig völlig neu zu klingen. Der zerklüftete, verwaschene Sound der Band hat Vorläufer in 90er-Jahre-Gitarrenbands wie Sonic Youth und My Bloody Valentine, aber die Band um Sängerin Janelle Barreto macht aus diesen Prüfsteinen etwas ganz Eigenes. Kein Wunder, dass sie weithin als eine der vielversprechendsten Gitarrenbands ihrer Generation gelten.

Release 17.10.2025

Es sind acht Jahre vergangen, seit Montreals The Barr Brothers ein Album veröffentlicht haben. In dieser Zeit hat das Leben sie - persönlich wie beruflich - in neue Richtungen geführt und ihre Art, gemeinsam Musik zu machen, verändert. Ihr viertes Studioalbum Let it Hiss ist nicht einfach nur eine neue Sammlung von Songs. Es ist ein Dokument der Transformation. Die Entstehung dieses Albums markierte einen Wendepunkt: eine Phase der Reflexion, eine Auseinandersetzung mit Verletzlichkeit und eine Wiederverbindung zwischen den beiden Brüdern, die seit über drei Jahrzehnten Seite an Seite Musik machen. Schon ab diesem ersten Moment lädt das Album in einen Raum ein, in dem Makel nicht herausgeschnitten, sondern verstärkt und gefeiert werden. Es ist ein kraftvoller Einstieg in ein Album, das auf Ehrlichkeit, Wiederentdeckung und Vertrauen beruht.Für die Brüder wurde das Aufnehmen zu einem Spiegel. Der Prozess begann nicht mit Klang - er begann mit Wahrheit. Sie setzten sich nicht nur mit kreativen Blockaden auseinander, sondern auch mit persönlichen: alten Mustern, unausgesprochenen Spannungen, Trauer, Wachstum. Durch all das fanden sie wieder zu einem Rhythmus - nicht durch Perfektion, sondern durch Erlaubnis.

Release 10.10.2025

Das Debütalbum „Violent God“ von Pain Magazine entsteht aus der unerwarteten Fusion zweier gefeierter Acts aus völlig unterschiedlichen Musikwelten. Die französischen Post-Hardcore-Veteranen Birds in Row – darunter Singer-Songwriter Quentin Sauvé – schließen sich mit dem französisch-amerikanischen Elektronik-Duo Maelstrom und Louisahhh zusammen, um etwas zu schaffen, das über ihr individuelles Erbe hinausgeht.

Was als zufällige Begegnung im Studio während eines eisigen Winters begann, entwickelte sich zu elf Tracks, die innerhalb von sechzehn Tagen geschrieben wurden. Diese Künstler entwickelten einen Sound, der die Post-Hardcore-Intensität von Birds in Row mit der elektronischen Präzision von Maelstrom und Louisahhh verbindet und etwas schafft, das über ihre etablierten Grenzen hinausgeht.

Violent God dokumentiert das Überleben unter den heutigen Bedingungen. Das Album thematisiert psychische Erkrankungen, systemische Ausbeutung, Sucht und Erlösung auf direkte Weise. Von der Auseinandersetzung mit Glauben und Schuld im Titelsong über die Analyse toxischer Beziehungen in „Dead Meat“ und die Kritik am Raubtierkapitalismus in „Weak and Predatory“ bis hin zur Untersuchung von Sucht in „Magic“ – Pain Magazine konfrontiert schwierige Themen, ohne sie zu romantisieren.

Dies ist Musik, die den Hörer herausfordert und gleichzeitig melodisch bleibt.

Release 10.10.2025

Das 10 Songs enthalnde 5te Album ist von großartiger musikalischer und emotionaler Tiefe und stellt das neueste Kapitel in der Geschichte der Band dar. Der Großteil von Volume V wurde in The Sheerar aufgenommen, einer ehemaligen Kirche, die heute das Stillwater History Museum ist. "Zurück in unserer Heimatstadt zu sein, war in mehr als einer Hinsicht ein Zufluchtsort für uns", sagt Gründungsmitglied Jonathon Mooney. "Mystic" ist der erste Track des Albums, und von den ersten Tönen an ist klar, dass die cineastische Bandbreite ihrer Arrangements und Melodien um mehrere Stufen gestiegen ist. Die acht Songs und zwei Instrumentalstücke des Albums sind voller orchestriert und von größerer Dramatik - ein Beweis für den Hunger der Band, sich weiterzuentwickeln und gleichzeitig die Essenz dessen zu bewahren, was Other Lives so einzigartig und unwiderstehlich macht.

Release 10.10.2025

Die zweifach für den Grammy nominierte Singer-Songwriterin Madi Diaz ist bekannt für ihre rohen und schonungslosen Erkundungen der Liebe - und jetzt hat sie ihr bisher stärkstes Statement abgegeben. Mit "Fatal Optimist" zeigt sich Madi Diaz von ihrer intimsten und mutigsten Seite und ist dabei emotional sehr direkt. Zusammen mit dem Produzenten Gabe Wax (bekannt durch seine Arbeit mit Soccer Mommy und Zach Bryan) hat sie die Songs auf ihre Essenz reduziert und sich ausschließlich auf ihre Performance und ihr Songwriting verlassen. Das Ergebnis ist ein klassisches und zeitloses Indie-Folk-Album. "Fatal Optimist" folgt auf ihr von der Kritik hochgelobtes Album "Weird Faith" von 2023.

Release 10.10.2025

„Shifting Forms“ entstand aus dem Bedürfnis heraus, meine Beziehung zu meiner Stimme – und zur Welt – neu zu definieren.

Ende 2023 beschloss ich, die „Hello Future Me“-Tournee zu beenden, nachdem ich alle Songs um mehrere Tonarten tiefer transponieren musste und mich damit abgefunden hatte, dass ich keinen der Songs mehr singen konnte, die ich jemals geschrieben hatte.

Ich gehe ins Jahr 2024, als würde ich in eine Art „mythische Zeit“ eintreten, von der animistische Kosmogonien sprechen: Meine gewohnten Stimmgewohnheiten funktionieren nicht mehr, und ich weiß nicht mehr, wie ich mich in der Öffentlichkeit präsentieren soll.

Ich beschließe, diesen Zustand der Unbestimmtheit als eine spannende Möglichkeit zu betrachten, um zu verstehen und zu überdenken, wer ich bin und was ich tue. Dazu muss ich mir einen sicheren Ort schaffen. Zusammen mit meinem Bruder Louis Jucker baue ich aus wiederverwerteten Materialien ein Studio, und parallel dazu lerne ich neu, wie ich zu den Melodien singen kann, die ich schreibe. Ich nähre mich von Geschichten von Anthropologen und Biologen, und die Texte, die dabei entstehen, handeln von Veränderung, von verschwommenen Grenzen, von Verbindungen zwischen Lebewesen. Wir nehmen diese Songs aus Popmelodien und Rockinstrumenten selbst auf und mischen sie ab, mit einer neuen Stimme, die ich sehr gerne aufnehme.

Im Herbst änderte ich öffentlich meinen Namen und entfernte ein „mi” aus meinem früheren Künstlernamen. Mein Name ist Elie Zoé. Dies ist mein viertes Album, auch wenn es sich vielleicht wie mein erstes anhört. In ihm lebt eine Vielzahl von Wesen, die uns in eine Kontaktzone ohne Grenzen einladen, in der die Namen, die wir ihnen gegeben haben, in Frage gestellt werden können. » – Elie Zoé

Release 10.10.2025

TV CULT haben vor zwei Jahren beeindruckend gezeigt, was Postpunk heute alles sein kann, wenn man nur mutig genug ist, dessen Grenzen auszuloten, um selbige dann respektvoll niederzureißen. Jetzt melden sich die vier Kölner zurück und präsentieren nach "COLONY" dessen gewaltiges Gegenstück "INDUSTRY". Ein kolossales Zweitlingswerk, das die Tugenden des Debüts an die Hand nimmt, um diese noch ein paar Schritte weiter in Richtung Abgrund zu führen. Was geblieben ist, ist die stimmgewaltige Umarmung Sänger Marcos, der es erneut schafft, TV CULTs markante Kernschmelze aus croonigem Factory-Sprech und brutalen DC-Hardcore-Shouts erstrahlen zu lassen. "INDUSTRY"s messerscharfes Songwriting, seine perfekt inszenierten Details und die großartige Produktion (Aufgenommen hat Christoph Scheidel (Hammerhead), Mixing Misha Hering (High Vis/ Idles) / Mastering Brad Boatright (Sleep, Stranger Things OST)) katapultieren TV CULT und ihre zehn neuen Songs allerdings auch in ganz neue Sphären. Der neue Synthie ist kein Beiwerk, sondern Teil des Konzepts und ist mal subtil-emotional ("Surrender"), mal treibend ("Crack The Whip"). Das Fundament lebt von den wummernden Basslines und den wuchtigen Drums, die in "Whirlwind" an die frühen Killing Joke erinnern. Gitarrist Martin präsentiert sein Instrument diverser und gereifter, ohne sein Gespür für minimalistisches und zugleich wirkungsvolles Riffing einzubüßen. All das macht "INDUSTRY" nicht nur zu einem der besten Alben 2025, sondern stellt TV CULT auch auf eine Stufe mit ihren Freunden von DITZ, IDLES und HIGH VIS.

Release 10.10.2025

Mit »Hallelujah! Don't Let The Devil Fool Ya« meldet sich Robert Finley mit voller Kraft zurück - mit einer Stimme, die in den Juke Joints und ländlichen Kirchen von Nord-Louisiana geschmiedet wurde.

Seine vierte Veröffentlichung mit Dan Auerbachs Easy Eye Sound ist eine raue, aufrüttelnde Reise durch die Klänge, die ihn geprägt haben, und kanalisiert tiefen Blues, Gospel und den Geist des Südens in einer Sammlung, die ebenso zeitlos wie eindringlich ist. Finley ist jetzt über 70 und singt stärker als je zuvor. Seine Songs stapfen, schweben und erheben sich - und beweisen einmal mehr, dass er eine der vitalsten Stimmen der amerikanischen Roots-Musik von heute ist.

Release 10.10.2025

Während er sich auf die größte Stadiontour des Jahres als Special Guest von Oasis vorbereitet, kündigt Richard Ashcroft nun den Veröffentlichungstermin für sein brandneues Album »Lovin' You« an. »Lovin' You« ist sein siebtes Solo-Album und sein erstes komplett neues seit »Natural Rebel« von 2018 und folgt auf »Acoustic Hymns, Vol. 1« von 2021.

Der zweifache Gewinner des Ivor Novello Award (Songwriter des Jahres und Outstanding Contribution To British Music) hat sich im Laufe seiner drei Jahrzehnte umfassenden Karriere zu einem der versiertesten und einflussreichsten Songwriter entwickelt. Sein erstes Kapitel mit The Verve erreichte einen bemerkenswerten Höhepunkt mit »Urban Hymns«, einem hitreichen Album (»Bitter Sweet Symphony«, »The Drugs Don't Work«, »Lucky Man«, »Sonnet«), das mit 11 Platinauszeichnungen zu den meistverkauften Alben in der Geschichte Großbritanniens zählt. Die Band erreichte mit »Forth« ein zweites Nummer-1-Album und gewann drei BRIT Awards.

Seine Solokarriere setzte diesen Erfolg mit seinem Debütalbum »Alone With Everybody« fort, das auf Platz 1 landete. Alle fünf folgenden Studioalben landeten zwischen #2 und #5. Mit The Verve und seiner Solokarriere hat er drei britische Nummer-1-Alben und fünf weitere Top-10-Platten aufgenommen, außerdem eine Nummer-1-Single und fünf Top-10-Hits.

Release 10.10.2025

The Antlers – die beliebte Band und das Aufnahmeprojekt von Peter Silberman – haben ihr mit Spannung erwartetes neues Album „Blight“ angekündigt, das über Transgressive Records erscheinen wird. Es ist ihr erstes neues Studioalbum seit über vier Jahren.

„Blight“ wirft viele Fragen auf, ohne einfache Antworten zu geben. In neun neuen Songs setzt sich Silberman, Gründer und Hauptsongwriter von The Antlers, mit unseren passiv-destruktiven Tendenzen auseinander – gedankenloser Umweltverschmutzung, unbewusster Verschwendung und der unbeabsichtigten Zerstörung der Natur. Trotz seiner schweren Themen ist „Blight“ jedoch keineswegs schwer verdaulich. Mit seinen abenteuerlichen Arrangements und seiner anhaltenden Dynamik wirkt es eher wie eine schillernde Odyssee.

Release 3.10.2025

Das 10. Album beginnt in medias res, mit Rod Jones' knirschender und heulender Gitarre, die in der Luft hängt, bis Sänger Roddy Woomble sie mit der ersten der zischenden, unnachahmlichen Hooks von Stay Out of Place in die Hand nimmt. Sofort hat man das Gefühl, dass die Band in Bewegung ist, wobei ihre geschichtsträchtige Vergangenheit kein Anker, sondern ein Ansporn ist. Die Songs von Idlewild bieten eine Reihe von überzeugenden Antworten: "Alles fügt sich zum gegenwärtigen Moment zusammen, nicht wahr?" fragt Woomble. Idlewild waren schon viele verschiedene Dinge. Sie waren eine Teenager-Punkband, die mit sägenden Riffs und stacheligen Refrains aufwartete, bevor sie zu einer der überzeugendsten Mainstream-Rockgruppen ihrer Generation wurde. Mit Interview Music aus dem Jahr 2019 machten sie ausufernden Art-Pop. Auf Idlewild heißen sie jedes dieser vergangenen Ichs im Raum willkommen. Ursprünglich sollte die Arbeit am Nachfolger von Interview Music unmittelbar nach dem Ende der Tournee beginnen, doch die Pandemie machte einen Strich durch die Rechnung. Die Tournee zum 20-jährigen Jubiläum von The Remote Part im Jahr 2022 war eine eindringliche Erinnerung daran, wo sie gewesen waren, und eine Anregung für das, was als nächstes kommen könnte. Sie stellten Songs zusammen, die Pop-Hooks und lebendige Verzerrungen sowie ein ausdrucksstarkes Zusammenspiel zelebrierten. Das Schreiben wurde im Post Electric Studio in Edinburgh und in der Isle of Iona Library fortgesetzt, bevor es Anfang 2025 zu einem kurzen, heftigen Aufnahmestopp kam. Das Ergebnis ist ein schlankes, fokussiertes Dokument - 10 Tracks, die innerhalb von 30 Minuten ein- und ausgehen. Mit Jones als Techniker und Mischer spiegelt die Produktion einen gemeinschaftlichen, internen Ansatz wider. "Wir haben uns selbst referenziert... und festgestellt, dass wir einen 'Sound' haben", sagt Woomble. Idlewild blicken nach vorne, nicht zurück und fangen die Schönheit, die Nuancen und die Klarheit von drei Jahrzehnten Sound und Gefühl ein - spontan, zielgerichtet und unverkennbar."

Release 3.10.2025

Neues Album der rauen und wuchtigen Punks aus Atlanta. Die fünfköpfige Band um Sängerin KT entstand 2018 aus der lokalen Skater_innen-Szene - laut, wild und kompromisslos. Die Single "Plastic" ist ein wütender, knapp zweiminütiger Ritt mit schrammeligen Gitarren und aufgeladenen Vocals. Produziert wurde der Track von Ty Segall, gemastert von Heba Kadry und visuell in Szene gesetzt von Ian Cone. Inhaltlich dreht sich alles um den verzweifelten Versuch, in einer künstlichen Welt echte Verbindungen zu finden. Der Rolling Stone brachte ihren Sound nach einem SXSW-Gig auf den Punkt: "Everything explodes."

Release 3.10.2025

Nashvilles Snõõper sind zurück mit ihrem neuen Album - ein Album, geprägt von ihrem rasanten Aufstieg, das den Spagat zwischen Freude darüber und den Druck thematisiert, dem eine DIY-Band, die sich plötzlich worldwide auf Bühnen wiederfindet. Sowohl inhaltlich als auch musikalisch, wird dabei dieser Irrwitz vorgeführt, der sich in Lyrics wie in ihrem Titeltrack, worldwide, niederschlagen:"Push pull/ Side to side/ This way/ That way/ Can't decide/ Pressure! Pushing in/ Flattened me out from end to end", als auch auf dem wahnwitzigen Sound, bei dem Eggpunk auf hyperaktive Rave-Einflüsse treffen. Wild haben ihre Gitarren und nervös ihr Drumming eh schon immer gewirkt, verstärkt halten nun elektronische Mittel Einzug, wie die unbarmherzig nach vorne treibenden Drumcomputer-Beats, das Leitbild von unbeirrt (an)getrieben, enthemmt und überbordend bestens abbilden. Wild!

Release 3.10.2025

"Horizons/West" (2025) schließt den mit "Horizons/East" (2021) begonnenen thematischen Bogen ab und verbindet persönliche Reflexion mit weitreichenden klanglichen Ambitionen. Horizons/West" wurde von der Band selbst produziert, von Gitarrist Teppei Teranishi aufgenommen, von Scott Evans gemischt und von Matthew J. Barnhart gemastert und verbindet cineastische Klänge mit weitläufiger Atmosphäre. Teranishi bezeichnet es als "weniger dicht", während Sänger Dustin Kensrue es als ihre erste Fortsetzung sieht - zwei Hälften eines größeren emotionalen und politischen Panoramas. Die Band mischt Post-Rock-Texturen ihrer früheren Alben "Beggars" und "Major/Minor" mit der rhythmischen Komplexität von "Horizons/East" und schärft so ihren Blick, ohne an Nuancen zu verlieren. Kensrues Gesang wechselt vom Flüstern zum Brüllen und verankert Meditationen über Wahrnehmung, Erinnerung und sozialen Einfluss. "Horizons/West" blickt nach innen, ohne die Welt zu ignorieren, und fordert den Hörer auf, seine Überzeugungen nicht zu übernehmen, sondern sie zu hinterfragen. Nach mehr als zwei Jahrzehnten schaffen Thrice weiterhin Katharsis aus Chaos und Klarheit aus Lärm.

Release 26.9.2025

Die Dynamik, die Sprints umgibt, ist deutlich spürbar. Die Dubliner Band hat ein turbulentes Jahr hinter sich, das von zwei Siegen in Folge und einem rasanten Aufstieg geprägt war. Im Januar 2024 veröffentlichten sie ihr Top-20-Debütalbum "Letter to Self", erhielten zwei RTÉ Choice Award-Nominierungen für das beste irische Album und den irischen Durchbruch, spielten im Vorprogramm von IDLES und Pixies und lieferten fieberhaft diskutierte Auftritte in Glastonbury, End of the Road und All Together Now. Seit der Veröffentlichung des Albums im Jahr 2024 - das 5-Sterne-Rezensionen von NME, DIY und Dork sowie Beifall von Pitchfork und Brooklyn Vegan erhielt - haben die vier Musiker ihre mitreißende Live-Show in die ganze Welt getragen. Auf dem Weg dorthin haben sie sich zu einem unverzichtbaren neuen Namen im zeitgenössischen Rock entwickelt, der für eindringliches, mitfühlendes Songwriting bekannt ist, das von persönlichen Geschichten über Traumata und Resilienz geprägt ist.

Release 26.9.2025

Sein erstes Album mit einer neuen, hochkarätig besetzten Band, ist, wie er es nennt, "ein Liederbuch der Verlorenen und Gefundenen". Es entstand während der Lockdowns in "The Shire", als Plants übliches Umherwandern fast verboten war. Auf dem englischen Land fand er engen Kontakt zu einer Gruppe von Musikern - der Sängerin Suzi Dian, dem Schlagzeuger Oli Jefferson, dem Gitarristen Tony Kelsey, dem Banjo- und Streicherspieler Matt Worley und dem Cellisten Barney Morse-Brown -, die alle eine gemeinsame Vorliebe für seine stimmungsvollen Lieder hatten. Saving Grace wurde von Plant und der Band produziert und über sechs Jahre hinweg in den Cotswolds und an den walisischen Grenzen aufgenommen. Das Album haucht einem Schatz von Songs von Memphis Minnie, Bob Mosley (Moby Grape), Blind Willie Johnson, The Low Anthem, Martha Scanlan, Sarah Siskind und Low neues Leben ein.

Release 26.9.2025

Monolink kündigt sein hat sein drittes Studioalbum „The Beauty Of It All“ an, darauf enthalten auch die aktuelle Single „Powerful Play“.

Das Album folgt auf „Amniotic“ (2018) und „Under Darkening Skies“ (2021). Über das Album bemerkt Monolink: „Für dieses Album bin ich dorthin zurückgekehrt, wo alles begann, aufs Land in Deutschland. Umgeben von Natur und Stille. Es ist die persönlichste Musik geworden, die ich je gemacht habe. Eine Reflexion all dessen, was mich hierher gebracht hat. Die Schönheit von Freude und Schmerz.“

CD-Release 26.9.2025 - Vinyl-Release am 31.10.2025

Tweedys fünftes Solowerk enthält eine umfangreiche Tracklist mit 30 neuen Songs, darunter die frühen Fan-Favoriten und Konzerthighlights »Feel Free«, »Enough« und »Lou Reed Was My Babysitter«.

Mit »Twilight Override« präsentiert Tweedy drei Alben, die für sich allein stehen, aber gemeinsam eine Geschichte aus Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft erzählen. Das Album enthält Auftritte von Chicagoer Musikerkollegen und häufigen Kollaborateuren: Spencer Tweedy, Sammy Tweedy, James Elkington, Sima Cunningham, Macie Stewart und Liam Kazar. Chorgesang ist im gesamten Werk hervorgehoben und glänzt in Songs wie »One Tiny Flower«, »Cry Baby Cry« und »New Orleans«.

»Twilight Override« wurde in den letzten zwei Jahren aufgenommen und von Tweedy selbst in seinem Chicagoer Studio »The Loft« produziert. Tontechnik und Mixing übernahm Tom Schick. Mastering übernahm Stephen Marsh. Design von Lawrence Azerrad. Fotos von Shervin Lainez.

Release 26.9.2025

Zwei Garagen-Generationen treffen aufeinander! Reverend Beat-Man, das Schweizer Ein-Mann-Orchester und der König des Blues Trash, trifft auf Milan Slick, eine echt dunkle Seele und vielleicht Reinkarnation von Nick Cave (ach, noch zugegen)/Johnny Thunders, um Rock'n'Roll zu spielen, der so frisch und lebendig, wild und düster ist wie nie zuvor.

Reverend Beat-Man und Milan Slick lernten sich 2020 inmitten der Pandemie kennen, als sie einen Soundtrack für den Vampirfilm »A Girl Walks Home Alone at Night« von Ana Lily Amirpour schrieben. Zusammen spielten sie Gigs bei Super Sonic Records oder im legendären SO36 in Berlin, um dann gemeinsam mit Beatrice Graf und Benjamin Glaus ein Album unter dem Namen »Reverend Beat-Man & The Underground« zu produzieren (im Rahmen des Rocklette PALP Festivals), eine makabre Tanzparty zum Untergang der Menschheit. Als Nächstes nahmen der superprimitive Rock 'n' Roll-Trash-Hi-Energy-Lo-Fi Reverend Beat-Man und der raffinierte, clevere, verspielte und düstere Milan Slick ihr erstes gemeinsames Album im ehemaligen Züri West Studio mit Sebastian Zwahlen und dem einzigartigen Robert Butler von Miracle Workers auf.

Reverend Beat-Man ist eigentlich eine Ein-Mann-Band mit einer Mission: Blues-Trash und wilden Rock'n'Roll. Geboren 1967 in Bern, Schweiz, im Sommer der Liebe und des Hasses, ist er seit 1992 auf Tour, zuerst als Lightning Beat-Man, dann als Reverend Beat-Man One-Man-Band und mit seiner Band The Monsters. Er spielte in ganz Europa, Nord- und Südamerika, Japan, Vietnam, Neuseeland, Australien, Afrika, CBGBs, Montreux Jazz, Muddy Roots usw. Er ist der Gründer von Voodoo Rhythm Records (1992). Wäre er Politiker, würden ihn sogar seine Feinde respektieren (die Regierung). Er wurde 2014 für den Schweizer Musikpreis nominiert, gewann den lokalen Musikpreis als einflussreichster Musiker in Bern (Hauptstadt der Schweiz) und betreibt dort einen Platten- und Souvenirladen.

Der Singer-Songwriter Milan Slick (Jahrgang 2004) steht noch ganz am Anfang seiner Karriere, hat aber bereits mit namhaften Künstlern wie Mario Batkovic oder Birdman Jäggi oder seiner eigenen Band Fatigues zusammengearbeitet. In seiner Musik sind Einflüsse von u.a. Nick Cave bis David Bowie zu hören, aber auch, dass sich eine eigenwillige junge Stimme herauskristallisiert, von der wir in Zukunft hoffentlich noch viel hören werden.

Release 26.9.2025

Maus, ein Philosoph und Musiker des 21. Jahrhunderts, hat sich durch seinen unerschütterlichen Glauben an die emotionale Kraft des Klangs, seine exzentrischen Interpretationen von Pop und Barock sowie seine legendären, kathartischen Live-Shows einen mythischen Ruf erworben.

Mit einem Abschluss in experimenteller Musik vom CalArts und einem Doktortitel in Politikwissenschaft von der University of Hawaii wird er aufgrund seiner Art, akademische Strenge mit Lo-Fi-Synth-Pop-Ästhetik zu verbinden, als »Philosophen-Popstar« und »nostalgischer Futurist« bezeichnet. Sein Einfluss erstreckt sich über die Hoch- und Popkultur – von der britischen Grime-Ikone Skepta, die seinen Track »I'm Only Human« sampelte, bis hin zu Josh Safdie, Natasha Lyonne, nettspend und Kollaborateuren wie Panda Bear und Molly Nilsson.

Mit fünf Alben – »Songs« (2006), »Love Is Real« (2007), »We Must Become The Pitiless Censors of Ourselves« (2011), »Screen Memories« (2017) und »Addendum« (2018) – hat Maus einen einzigartigen Weg beschritten und sich eine treue Fangemeinde aufgebaut. Seine kommende Single »I Hate Antichrist«, die im Juni erscheint, wird von einem Video des Regisseurs Andrew Norman Wilson (U2, Oneohtrix Point Never) begleitet und markiert einen mutigen ersten Schritt in diese neue Ära. Es folgen einige intime Live-Shows, die den Fans seltene, hautnahe Einblicke in seine gefühlsbetonten Soloauftritte bieten.

Im Mittelpunkt von »Later Than You Think« steht ein Gefühl dringender Erneuerung – üppig und doch karg, heilig und doch respektlos – es ist ein radikales Wiedererwachen eines der rätselhaftesten Köpfe der Musik.

Release 26.9.2025

Disobedience ist das sorgfältig ausgearbeitete Debütalbum einer atypischen Künstlerin. Es wurde vollständig in den Humus Studios in La Chaux-de-Fonds produziert und enthält dieselben Zutaten, die auch die Stimmung ihrer ersten Single „December“ prägen: staubige Klaviere, Vintage-Keyboards, hallende Orgeln und verzerrte Trommeln. Prune Carmen Diaz meißelt einen zeitlosen Pop heraus und legt acht verbrannte Gedichte sorgfältig in eine seidige Orchesterschatzkiste.

Prune Carmen Diaz' Hintergrund und ihre autistische Sensibilität machten sie kaum zu einer natürlichen Anwärterin auf das Rampenlicht. Doch mit der Zeit ließ sie sich von ihrem Umfeld mitreißen, verankerte sich geduldig auf der Bühne und schaffte es, ihrer Melancholie ohne Filter und Euphemismen Ausdruck zu verleihen. Dieses Album ist das Ergebnis einer langen Reise zur Akzeptanz, die, wie sie selbst sagt, ohne Ungehorsam nicht möglich gewesen wäre.

Release 26.9.2025

Das dritte Studioalbum von Geese sprengt alle Erwartungen, die die Band mit ihrer bisherigen Diskografie aufgebaut hat. Nach dem verführerischen Post-Punk-Debüt "Projector" von 2021 und dem wilden Cowboy-Rock-Nachfolger "3D Country" von 2023 untersucht "Getting Killed" das Trümmerfeld dieser aufgelösten Ideen - und setzt die Einzelteile neu zusammen zu einer kühnen, präzisen Vision. Das Album wurde gemeinsam mit dem renommierten Produzenten Kenneth Blume in dessen Studio in Los Angeles über einen Monat hinweg aufgenommen - das Ergebnis ist eine chaotische Komödie epischen Ausmaßes. Getting Killed balanciert eine entwaffnende neue Sanftheit mit verstärkter Wut, wobei jedes Bandmitglied mit verdientem Selbstbewusstsein und herzlicher Verachtung für konventionelle Musikstrukturen agiert

Release 26.9.2025

Cate Le Bons siebtes Album 'Michelangelo Dying', dessen Entstehung von purer Emotion geleitet wurde, hat das Album, das sie zu machen glaubte, verdrängt. Als Produkt eines alles verzehrenden Herzschmerzes überwanden ihre Gefühle ihren Widerwillen, ein Album über die Liebe zu schreiben, und wurden in diesem Prozess zu einer Art Exorzismus. Herausgekommen ist ein wunderbar schillernder Versuch, eine Wunde zu fotografieren, bevor sie sich schließt - und dabei auch in ihr zu stochern.

Musikalisch gibt es eine Fortsetzung und Erweiterung eines Sounds - eine Maschine mit Herz -, der auf ihren letzten beiden Platten 'Reward' (2019) und 'Pompeii' (2022) Gestalt angenommen hat, da Le Bon zunehmend selbst die Kontrolle über das Spielen und Produzieren übernommen hat. Wenn Gitarren und Saxophone durch Pedale gepresst und Perkussion und Stimmen durch Filter gejagt werden, entsteht ein schillernder, grüner und seidiger Sound, in dem die künstlerischen Eigenheiten von David Bowie, Nico, John McGeoch und Laurie Anderson aufblitzen und wieder verschwinden.

Was übrig bleibt, ist eine sich ständig verändernde, kontinuierliche Einheit, eine Art Songzyklus. Jede Iteration reflektiert die letzte und entwickelt sie weiter. „Jede ist eine Scherbe desselben zerbrochenen Spiegels“: Sie verschiebt sich, glitzert, verbirgt und enthüllt, je nachdem, wie sie im Licht gedreht wird. Letztendlich gibt es, so Cate, „keine Enthüllungen. Keine Schlussfolgerungen. Es gibt keinen Grund. Es gibt nur Wiederholungen und Chaos. Ich habe mir schließlich erlaubt, einen offenen Geist zu haben, um es ohne Widerstand zu erleben, ohne nach einer Offenbarung oder Ordnung zu suchen.“

'Michelangelo Dying' ist eine Übung in der Viszeralität des Lebens, der Liebe und der Menschlichkeit, sowohl für den Hörer als auch für die Künstlerin selbst, und es weiß, was es heißt Halt zu geben, gehalten zu werden aber auch sich ganz und gar allein zu fühlen. „Die Figuren sind austauschbar“, schließt Cate, „aber am Ende bin ich es, der sich selbst begegnet.“

Release 26.9.2025

Wie auf kosmischen Befehl hin bricht Neko Case mit ihrem neuen Album »Neon Grey Midnight Green« wieder an die Oberfläche und erinnert die Hörer daran, dass sie eine der größten lebenden Songwriterinnen ist, die immer furchtloser und abenteuerlustiger wird.
Die neunte LP der GRAMMY-nominierten Ikonoklastin ist selbst produziert und ihr bisher klangvollstes und intimstes Werk.

Release 26.9.2025

Musik liegt Cochemea Gastelum im Blut – er stammt aus einer Familie, in der beide Seiten seit Generationen musikalisch tätig sind. Seit über 25 Jahren hat Cochemea eine einzigartige Karriere als Solist und Komponist/Arrangeur aufgebaut und arbeitet auf der Bühne und im Studio mit Künstlern verschiedener Genres zusammen – von seiner langjährigen Zusammenarbeit mit Sharon Jones und den Dap-Kings bis hin zu Kevin Morby, Run The Jewels, Jon Batiste, Amy Winehouse, The Roots, Archie Shepp, Mark Ronson und Quincy Jones, um nur einige zu nennen.

Sein bevorstehendes Album bei Daptone Records, Vol. 3: Ancestros Futuros, vervollständigt eine Trilogie, zu der auch All My Relations (2019) und Vol. 2: Baca Sewa (2021) gehören. Für Vol. 3: Ancestros Futuros versammelte er eine Kerngruppe langjähriger Mitstreiter um sich – ein kraftvolles Oktett aus New Yorker Perkussionisten und Mitgliedern der berühmten Rhythmusgruppe von Daptone. Gabriel Roth (alias Bosco Mann) kehrte als Produzent und Toningenieur zurück und nahm die Band live auf 8-Spur-Analogband auf.

Cochemeas bisherige Veröffentlichungen wurden von DJs und Kritikern gleichermaßen gelobt. Sein Daptone-Debüt All My Relations war eine Art Familientreffen, das Geister, Musiker und Melodien über Zeit und Raum hinweg vereinte. An der Spitze eines neunköpfigen Ensembles kombinierte er alte Elemente – Trommeln, Blasinstrumente und Gesang – zu einer zutiefst persönlichen Meditation über die Verbundenheit aller Dinge. Vol. 2: Baca Sewa erweiterte diese Erkundung auf die Archive der Familiengeschichte, Mythologie und kulturellen Vorstellungswelt.

Release 19.9.2025

Kann ein Selbstporträt eine Collage sein? Kann Empathie autobiografisch sein? Was ist der Sinn des Lebens, wenn wir nicht versuchen, all das Grauen und den Humor, der alles umgibt, zu verstehen? Dies sind einige der Fragen, die unter der Tribüne des neuen Wednesday-Albums Bleeds lauern, einer mitreißenden Sammlung von erzähllastigem Southern Rock, der - wie viele der fesselndsten Passagen aus dem bisherigen Highlight-Reel der Band aus North Carolina - die lebendige Verbindung zwischen Neugier und Bekenntnis nachdenklich erkundet. Bleeds ist nicht nur das beste Wednesday-Album, sondern auch das beste Wednesday-Album, ein Patchwork-artiger Triumph von literarischen Anspielungen und Outlaw-Grit, von ortsbezogener Poesie und haarsträubendem Lärm. Karly Hartzman_Gründerin, Frontfrau und Haupttexterin_führt Wednesdays gestärktes Gespür für ihre eigene Identität auf die Zeit zurück, die sie mit der Zusammenarbeit an früheren Alben verbracht haben, sowie auf einen Tourplan, der sowohl lohnend als auch unerbittlich war. "Bleeds ist der spirituelle Nachfolger von Rat Saw God und meiner Meinung nach das Quintessenz-Album von Wednesday Creek Rock", sagt Hartzman und zeigt sich zufrieden mit der Art und Weise, wie ihre Band ihren charakteristischen Sound geschärft und die Formel verfeinert hat, die sie zu einer der interessantesten Rockbands ihrer Generation macht. "So sollten Wednesday-Songs klingen", sagte sie. "Wir haben einen Großteil unseres Lebens damit verbracht, das herauszufinden - und ich habe das Gefühl, dass wir es geschafft haben. Genau wie Rat Saw God, eine der wichtigsten Rock'n'Roll-Platten der 2020er Jahre, entstand Bleeds bei Drop of Sun in Asheville und wurde von Alex Farrar produziert, der die Band seit Twin Plagues betreut. Hartzman brachte erneut Demos ins Studio, wo sie und ihre Bandkollegen _X andy Chelmis (Lap Steel, Pedal Steel), Alan Miller (Schlagzeug), Ethan Baechtold (Bass, Klavier) und Jake "M.J." Lenderman (Gitarre) _ arbeiteten als Team, um die Kompositionen mit genau der richtigen Menge an Country-Wahrheiten, Indie-Pop-Hooks und lärmendem Sludge anzureichern. Mehr als je zuvor wurden die genauen Proportionen durch die Lyrik gesteuert - nicht nur durch ihren Ton oder ihr Thema, sondern auch durch den tatsächlichen Klang der Worte sowie durch Hartzmans meisterhaft subjektiven Ansatz bei der Auswahl der Details. Jedes Bild oder jede Szene wird durch Hartzmans flinken, schriftstellerischen Verstand gefiltert. Die als wesentlich erachteten Einzelheiten enthalten alle Enthüllungen über Hartzmans spezifische Obsessionen und Verletzlichkeiten, über die fragmentierte Art und Weise, wie sie die Welt verarbeitet. Vielleicht ist es manchmal der beste Weg, die Wahrheit, den Schmerz oder die Würde in der eigenen Lebensgeschichte zu finden, indem man in die eines anderen hineinkriecht, so Bleeds.

Release 19.9.2025

Das Schweizer Trios Löwenzahnhonig um Fai Baba, Long Tall Jefferson und Paul Märki (Black Sea Dahu) veröffentlicht ihr zweites Album im September: Wie eine sanfte Decke legen sich die unfassbar schönen Indie-Kompositionen um das Bewusstsein der Hörer*innen und schicken den Alltag und die Sorgen ins Nirvana. Die Lo-Fi-Nummern stehen musikalisch zwischen soften Khruangbin, Mac DeMarco oder Jazz-Größen wie John Scofield und Charlie Byrd. Im November 2023 ist die selbstbetitelte Debütplatte „Löwenzahnhonig“ erschienen und begeistert seither die europäische Radiolandschaft von BBC6, FIP Radio France über SRF bis zum SWR oder RBB.

Release 19.9.2025

24 neue Tracks von Nine Inch Nails: das Duo aus Trent Reznor und Atticus Ross veröffentlicht sein Album zum Disney-Kultfilm "TRON: Ares", inklusive der neuen Single "As Alive As You Need Me To Be". Damit setzt die Band eine erfolgreiche Soundtrack-Geschichte fort: ihre vorherigen Untermalungen zu Filmen wie "The Social Network" (2010), "Soul" (2020) oder "Challengers" (2024) wurden unter anderem mit zwei Oscars, drei Golden Globes, einem Emmy und einem Grammy ausgezeichnet. Die düstere Industrial-Handschrift Trent Reznors fängt die Stimmung der Sci-Fi-Reihe "TRON", für deren letzten Film Daft Punk komponierten, perfekt ein. Reznors Einfluss auf die alternative Musikwelt ist seit den späten 80ern ungebrochen: mit Hits wie "Closer" und "Hurt" sowie Alben wie "The Downward Spiral" kombinierte das Mastermind elektronische Sounds mit Rockmusik wie nie zuvor. "TRON: Ares" ist die erste Veröffentlichung seit fünf Jahren und liefert gleich 70 Minuten neue Musik.

Release 19.9.2025

Als Wegbereiterin des arabischen Indie-Electronic-Pop und Schlüsselfigur der Underground-Musikszene verwischt Hamdan die Grenzen zwischen traditionellen Klängen, elektronischen Texturen und hypnotischen Melodien. Ihr neues Album setzt sich mit den Wirren ihrer Heimat Libanon auseinander, und zwar mit poetischen, universellen Texten, die durch prestigeträchtige Kollaborationen und einen ständigen Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart bereichert werden. Das von Marc Collin (Nouvelle Vague) mitproduzierte Album fängt das Wesen von Yasmine Hamdan ein: eine einzigartige Stimme am Schnittpunkt der Kulturen, die in der Lage ist, das Persönliche und das Politische im gleichen Atemzug tanzen zu lassen. Von ihren Anfängen mit dem Duo Soapkills bis hin zu ihren Solo-Veröffentlichungen auf Crammed Discs und Kollaborationen mit Mirwais und Jim Jarmusch hat Yasmine Hamdan einen einzigartigen Weg eingeschlagen. Mit dem Album liefert sie ein kraftvolles, zeitgemäßes Werk, das sowohl die Herzen als auch die Köpfe bewegt. Begleitend zur Albumankündigung veröffenlicht Hamdan einen Nicolas Jaar Remix von “Shmaali ?????”, der eine elektronische Produktion und palästinensische Volkstraditionen vereint und auf Tarweeda zurückgreift - ein verschlüsselter Gesang mit denen palästinensische Frauen Trauer und Freude ausdrücken und gleichzeitig der Besatzung und Herrschaft trotzen.

Release 19.9.2025

Synthpop, Minimal Wave, Post-Punk, Gothic, New Romantic - Fans und Kritiker haben gleichermaßen tief in ihren alten Thesauren gegraben, um das betörende Werk von Nation of Language zu beschreiben. Und wenn man die Band nicht genau definieren kann, ist genau das der Punkt. Frontmann Ian Richard Devaney hat die Möglichkeiten, die synthesizergesteuerte Musik hervorrufen kann, auf wundersame Weise erweitert, so dass sein Werk sowohl eine übersinnliche Reise als auch ein allzu menschliches Ziel ist. Mit dieser Erfahrung im Hinterkopf schrieb er das vierte Album der Band - das gespenstische, geräumige "Dance Called Memory" - auf die bescheidenste Art und Weise: indem er an der Melancholie feilte, indem er herumsaß und auf seiner Gitarre klimperte. Die ersten beiden Alben von Nation of Language, "Introduction, Presence" (2020) und "A Way Forward" (2021), waren pandemische Glücksfälle: wunderschöne, nachvollziehbare Soundtracks zu unserem kollektiven Trübsal. Aber es war ihr letzter Longplayer, "Strange Disciple" (2023), der die Gruppe von kulturellen Aushängeschildern zu Kritikerlieblingen katapultierte und von Rough Trade zum Album des Jahres gewählt wurde. Zu jener Veröffentlichung schrieb Pitchfork, dass die Band "lernt, was es heißt, größer und besser zu werden". Das ist Devaneys Berufung: individuelle Verzweiflung gefühlvoll in eine tröstliche, kollektive Trauer zu übersetzen. Die Single "Now That You're Gone", die mit einer verheerenden Wehmut strahlt und widerhallt, wurde durch den tragischen Tod seines Patenonkels an ALS und die Rolle seiner Eltern als Pfleger dieses kranken Freundes inspiriert. Im Kern ist der Song eine Reflexion darüber, wie Freunde füreinander da sein können, und unterstreicht auch ein Thema, das sich durch das gesamte Album zieht: den Schmerz und das verlorene Versprechen von Freundschaften, die auseinander gehen. Für "Dance Called Memory" hat die Band erneut mit ihrem Freund und "Strange Disciple"-Produzenten Nick Millhiser (LCD Soundsystem, Holy Ghost!) zusammengearbeitet. *S

Release 19.9.2025

Nach über drei Jahrzehnten Karriere und über zwei Millionen verkauften Alben bleiben Paradise Lost die unangefochtenen Könige der dunklen Seite des Metal.
Die 1988 in Halifax gegründete Band wurde mit ihren frühen, bahnbrechenden Alben wie dem treffend betitelten »Gothic« von 1991, einer Mischung aus Härte, düsterer Melodie und Atmosphäre, schnell als Pioniere des Gothic Metal bekannt. Sie waren nie eine Gruppe, die kreativ statisch blieb, und haben im Laufe ihrer Karriere unzählige Wege dunkler Musik erkundet, von schlammigen Doom-Death-Wurzeln über die Eroberung des Metal-Mainstreams mit den gewaltigen, satten Klängen von »Draconian Times« von 1995 bis hin zu experimentelleren, elektronischeren Einflüssen. Sie haben so unterschiedliche Künstler wie Crade Of Filth, HIM, Gatecreeper und Chelsea Wolfe beeinflusst.

Release 19.9.2025

Frontmann Simon Neil erklärt: "Futique ist eine Reise durch Gedanken, Dinge und Beziehungen, die über die Zeit hinweg existieren - wir wissen nie, wann wir etwas zum letzten Mal tun. Und genau darin liegt eine gewisse Schönheit, aber auch eine Traurigkeit. Was wird dein Futique sein?" Der Titel basiert auf Simons Überlegungen, wie sich unsere Erinnerungskultur im digitalen Zeitalter verändert hat. Früher klebte man seine Lieblingsfotos sorgsam ins Album, heute sind sie als endloser Strom aus Bildern in Sekunden auf dem Smartphone abrufbar. Diese Reflexion rief Erinnerungen an Menschen seiner Jugend wach, an Dinge, die er heute vermisst - aber noch spannender war die Frage: Was werde ich in der Zukunft vermissen, das mir heute wichtig ist? Ein Gedanke, der ihn besonders während der Tour 2023 mit seinem experimentellen Metal-Projekt Empire State Bastard beschäftigte. Er reiste gedanklich zurück zu den Anfängen mit seinen Bandkollegen James und Ben Johnston, zu holprigen Nirvana-Covers im Garagen-Proberaum im zarten Alter von 15 Jahren, zu Festivalbühnen, auf denen sich das Publikum bis zum Horizont erstreckte, und zu all den kleinen Dingen, die alles bedeuten. Insider-Gags, endlose Gespräche, stilles Einvernehmen, das lauter spricht als jedes Wort. Wie in jeder langjährigen Beziehung gab es auch bei Biffy Höhen und Tiefen. Aber sie haben gelernt, das zu pflegen, was sie immer zusammengehalten hat: eine tiefe, unverbrüchliche Liebe - zueinander und zur Musik. Biffy Clyro gegen den Rest der Welt: ein sehr persönliches Narrativ, das trotzdem universell anfühlt. Denn Hand aufs Herz - wer vergisst im Strudel des Alltags nicht manchmal, wie wertvoll das Hier und Jetzt ist?

Release 19.9.2025

Seit über zwanzig Jahren erschafft der französische Multiinstrumentalist und Produzent Gautier Serre, bekannt als Igorrr, immer wieder neue Klangwelten. Sein fünftes Album Amen ist keine Ausnahme – düster, kraftvoll und konsequent unklassifizierbar. Seit dem Signing bei Metal Blade im Jahr 2017 hat sich Igorrr von einem Solo-Projekt zu einer vollwertigen Band entwickelt, doch Gautier bleibt der kreative Kopf.

»Amen ist deutlich düsterer und feierlicher als alles zuvor«, erklärt er – unter anderem durch echte Chorgesänge, aufgenommen in einer Kirche, und sorgfältiges Sounddesign. Gleichzeitig sorgen Stücke wie Blastbeat Falafel oder ADHD für unerwartete, farbenfrohe Kontraste. Nach dem gefeierten »Spirituality And Distortion« (2020) treibt Gautier den einzigartigen Igorrr-Sound weiter voran.

Inspiriert von Bach, Aphex Twin und Meshuggah, entspringt seine Musik einer Mischung aus klassischer Komposition und elektronischem Wahnsinn. »Ich komponiere sogar im Schlaf,« sagt er. »Die größte Herausforderung ist, die Ideen auszuwählen, die ich wirklich liebe – mit einem großen L.«

Release 19.92025

Das Avant-Rock-Sextett aus Beirut verschmilzt auf diesem großartigen Nachfolger seines gefeierten 2023er Debüts »Mais Um« Psych/Kraut, Improv/Skronk, Elektronik, Gothic und Jazzelemente mit traditionellem ägyptischem Gesang und moderner arabischer Poesie. Produziert von Radwan Moumneh (Matana Roberts, Sarah Davachi, Jerusalem In My Heart). Der Titel des zweiten Sanam-Albums ist ebenso vielversprechend wie die Musik der libanesischen Band.

»Sametou Sawtan« bedeutet aus dem Arabischen übersetzt »Ich habe eine Stimme gehört«. Spukhaft oder spirituell, wie auch immer man die Phrase liest, sie spricht von der Fähigkeit von Klang und Sprache, innezuhalten, Aufmerksamkeit zu stehlen und uns für den Moment zu öffnen. In ähnlicher Weise vermischt die Musik von Sanam zarte Rasereien und feuerverbrannte Balladen, indem sie frei fließende Rock- und Jazzgerüste mit der tief verwurzelten arabischen Tradition verbindet. Sie in vollem Flug zu hören bedeutet, in der Gegenwart gehalten zu werden und sich neu zu orientieren, um einen offenen Horizont zu eröffnen.

Die Arbeit an »Sametou Sawtan« begann im Frühjahr 2024. Die ersten Ideen, die in den Tunefork Studios in Beirut entstanden, wurden im April während eines Aufenthalts in Beit Faris, einem mittelalterlichen Haus in der Küstenstadt Byblos, weiter ausgearbeitet. Das Sextett: Sandy Chamoun (Gesang), Antonio Hajj (Bass), Farah Kaddour (Buzuq), Anthony Sahyoun (Gitarre, Synthesizer), Pascal Semerdjian (Schlagzeug) und Marwan Tohme (Gitarren), wurde vom Produzenten Radwan Ghazi Moumneh (Jerusalem In My Heart) unterstützt. Die letzten beiden Tracks des Albums sind Aufnahmen aus den Beit Faris-Sessions, während der Rest in den La Frette Studios in Paris während der Europareise der Band im Sommer 2024 aufgenommen wurde. Die Platte verarbeitet Gefühle der Distanz und der Entwurzelung.

»In den letzten fünf Jahren hatte ich das Gefühl, dass jeder den Libanon verlässt«, erklärt Chamoun. »Das Album handelt nicht wortwörtlich davon, sondern von der Vorstellung, dass dich etwas verlässt. Eine Distanz zu den Ereignissen, obwohl du in ihnen lebst, eine Distanz zu deinem Haus, obwohl du in ihm wohnst.« Ob in der sehnsüchtigen Ballade »Goblin« oder dem langsam brennenden, autotune-überladenen Freakout von »Habibon«, Sametou Sawtan fängt das Streben nach festem Boden in einer Welt ein, die diesen nur selten bieten kann . Das Album hat die hypnotisierende Intensität des Sanam-Live-Erlebnisses, während es der Musik Nuancen, Tiefe und eine enorme dynamische Bandbreite verleiht. Wie bei ihrem Debüt sind die Texte vieler Tracks entliehen, Worte, die in neue Kontexte gestellt werden, um die Gegenwart zu verarbeiten. »Hamam« interpretiert ein ägyptisches Volkslied neu. In »Hadikat Al Ams« treibt der krachende Hardrock-Stampfer den Text des zeitgenössischen libanesischen Schriftstellers Paul Shaoul an. Und sowohl »Sayl Damei« als auch der Titeltrack verwenden Gedichte des iranischen Dichters und bahnbrechenden Mathematikers Omar Khayyam aus dem zwölften Jahrhundert. »Wenn man etwas von Omar liest, fühlt man eine Verbindung zur Gegenwart«, sagt Chamoun. »Das Gefühl, dass es keinen klaren Weg gibt.« »Sametou Sawtan« enthält auch zwei Lieder mit Chamouns eigenen Texten, darunter den Opener »Harik«. Es war die Keimzelle des Albums, geschrieben von Chamoun im Februar 2024, wobei die Band den Track um ihre Worte herum aufbaute. Es beginnt mit einem Schauder, zerfetzter Elektronik und einer keuchenden Stimme, die das Schlagzeug durchdringt, bevor sich die Band zu einem triumphalen Aufstieg aufschwingt. Es geht um Eintauchen in »ein unendliches Feuer«, verrät Chamoun. Den Text zu »Tatayoum« schrieb sie allein, bevor sie ihn der Band vorlegte. Er spiegelt eine andere Art von Intensität wider, »eine Schleife, eine Besessenheit«, wie sie sagt. Buzuq webt durch schwebende Elektronik und drängende Trommeln, während Chamoun arabische Worte rezitiert, die die Liebe beschreiben. Die unaufhörlichen Energien, die in diesen Tracks erforscht werden, sind nicht unbedingt negativ. Sie vergleicht deren Intensität mit der eines Schriftstellers, der in einem Gedankengang gefangen ist, im Guten wie im Schlechten. »Es geht nicht darum, deprimiert oder traurig zu sein«, sagt Chamoun. »Es ist eine Falle, aber sie kann auch magisch sein.« »Sametou Sawtan« wurde von Farah Fayyad mit ikonischen Grafiken und Design versehen.

Release 19.9.2025

Múm melden sich mit einem neuen Album auf Morr Music zurück. »History of Silence« ist das erste vollständige Werk des isländischen Kollektivs seit »Smilewound« aus dem Jahr 2013 und ihr siebtes Studioalbum - aufgenommen, dekonstruiert, wieder zusammengesetzt, verfeinert und fertiggestellt im Laufe von zwei Jahren.

Die acht neuen Tracks oszillieren um eine sorgfältig kuratierte Palette elektronischer und analoger Klänge und spiegeln das kontinuierliche Bestreben der Gruppe wider, Klangräume durch subtiles und dennoch packendes Songwriting zu erkunden.

Release 12.9.25

Es war Sonntag, der 28. Juni 2024, und Baxter hatte gerade die Bühne nach einem begeistert aufgenommenen Auftritt auf der Park Stage des Glastonbury Festivals verlassen. Nachdem er sich abgetrocknet hatte, kam eine vertraute Gestalt hinter der Bühne auf ihn zu, es war Paul Epworth. Sie vereinbarten ein Treffen in Epworths North London Church Studios Ende November, kurz nachdem Baxter die Tournee seines letzten Albums beendet hatte. Der erste Tag im Studio, an dem sie an der neuen Platte arbeiteten, öffnete Baxter die Augen, und das nicht nur wegen der komfortablen Umgebung von The Church, in der schon Größen wie Frank Ocean und Adele zu Gast waren. Gemeinsam erdachten sie die neuen Tracks von Allbarone, nahmen alles weg und bauten Baxters die neuen Songs in intensiven dreistündigen Tagesschichten im Dezember und Januar auf. "Es ist eine Art Charakterbogen, der sich durch die ganze Sache zieht, zwei Persönlichkeiten", erklärt er. "Das Album ist sehr kritisch gegenüber den Menschen, wer auch immer sie sind, vielleicht ein Kerl mit Schnurrbart und sockenlosen Slippern in Shoreditch oder ein fetter alter Gangster aus Chiswick, der in einem wirklich komfortablen Mittelklasseteil Londons lebt." "Ich will nicht sagen, dass es zeitgenössisch ist", fasst er zusammen. "Weil ich wie ein Idiot klinge, wenn ich dieses Wort benutze. Aber es klingt wirklich zeitgenössisch."

Release 12.9.2025

Am 12. September 2025 veröffentlicht Camilla Sparksss ihr viertes Album ICU RUN - ihr bisher ambitioniertestes und kompromisslosestes Werk.

Mit ICU RUN sprengt Camilla Sparksss diverse Genregrenzen und vermengt Hip-Hop, experimentellen Turntablism, Dark Wave und Industrial mit scharfen Pop-Melodien und eindringlichen Vocals. Hier werden Songstrukturen auseinandergerissen und zu rohen, pulsierenden Kompositionen neu zusammengesetzt, die Erwartungen herausfordern und den Hörer in ihre magnetische Umlaufbahn ziehen.

Release 12.9.2025

Die Band der Stunde mit ihrem offiziellen Debütalbum! Vier bezaubernde Damen aus Austin, Texas, die mit ihrem Mix aus Punkrock, Grunge, Riot Grrrl- und Metall-Einflüssen, seit einer Weile für mächtig Aufregung sorgen. Zu Recht - lange keine Band mehr erlebt, die es so trefflich verstanden hat, Attitude, Botschaft, Badassery, Witz, Hotness und Charme unter einen Hut zu bringen. Jack White ist wohl derselben Meinung und hat sie direkt auf Third Man gesigned. Something To Consume sind derweil 11 Nummern, die das Beste von Bands wie L7, Bikini Kill und Bratmobile mit jeder Menge heavy Riffing vereinen.

Release 12.9.2025

Das vierte VAN HOLZEN Studio Album “SOLANG DIE ERDE SICH DREHT“: “SOLANG DIE ERDE SICH DREHT“ hat 12 Songs und wurde 2024 im Toolhouse Studio in Rotenburg an der Fulda aufgenommen und von Philipp Koch aka kidney paradise und Flo Kiesling produziert.

Nachdem VAN HOLZEN 2023 und 2024 fast pausenlos auf Tour waren und gleichzeitig ihr viertes Studioalbum „SOLANG DIE ERDE SICH DREHT“ entstehen ließen, beginnt nach einer erfolgreichen Tour durch 18 Städte im März nun ein neues Kapitel für das Mitte zwanzigjährige Trio.
Dabei zeigt es nicht nur, welch Bandbreite auf ihrem neuen Album zu bestaunen ist, sondern auch, wie frisch und modern Alternative Rock gepaart mit Rap in 2025 klingen kann.

Release 12.9.2025

Bass Drum of Death kehrt zu den Wurzeln zurück. Vom schlicht gehaltenen Titel ihres sechsten Albums – SIX – bis hin zum Schreibansatz – ihre ersten beiden Alben wurden komplett mit GarageBand aufgenommen – ähnelt der kreative Prozess der Band stark den Anfangstagen ihrer Karriere. Zwar bedeutet das neue Album eine Rückkehr zur ursprünglichen Aufnahmemethode, doch gibt es einige bemerkenswerte Änderungen. Statt die Demos allein aufzunehmen, trafen sich Frontmann John Barrett und die Band (Jim Barrett an der Gitarre, Ian Kirkpatrick am Schlagzeug) zu mehreren Sessions in Barretts Heimstudio in Nashville, um die Songs gemeinsam zum Leben zu erwecken. An den Reglern saß Produzent Jeremy Ferguson, der die Band anschließend für zehn verschneite Tage in sein Battle Tapes Studio einlud, um die Aufnahmen zu verfeinern. Das Ergebnis ist ein rauer Energiestoß ihres charakteristischen Sounds, beeinflusst von Bands wie The Stooges bis ZZ Top – und deutlich geprägt durch Fergusons feinfühliges Technikgespür. Wenn "six" wie eine Rückbesinnung klingt, dann zeigt die Band gleichzeitig, dass sie noch einige Tricks auf Lager hat!

Release 12.9.2025

Loved, das dritte Album von Parcels, ist überschwänglich und euphorisch, aber auch nachdenklich. Es ist ein Album der Einheit - miteinander, mit den Hörern, in den Grooves - und das ist unbestreitbar. "Wir haben als Band einen Zweck für unser Publikum: Wir geben den Leuten Freude", sagt Gitarrist/Sänger Jules Crommelin. Ich sehe es als Geist, und es ist eine unglaublich mächtige Sache." Enthält "Safeandsound" & "Yougotmefeeling".

Release 12.9.2025

Modeselektor (Gernot Bronsert und Sebastian Szary) ist einer der originellsten Acts, die aus dem Berliner Techno-Underground hervorgegangen sind. Nach mehr als drei Jahrzehnten erstaunlicher Arbeit - von kultigen Labels über von der Kritik gefeierte Alben und EPs bis hin zu epochemachenden Veröffentlichungen als Teil von Moderat - sind sie immer noch an der Spitze ihres Spiels und so hungrig wie eh und je nach der frischesten elektronischen Musik aus aller Welt. Im Jahr 2025, dem Jahr, in dem DJ-Kicks und !K7 Records ihr 30- bzw. 40-jähriges Bestehen feiern, wird das Duo endlich seine eigene Ausgabe für die berühmte Mix-Serie veröffentlichen. Feat. Modeselektor, Little Simz, Siriusmo, Beirut, Kaan Pirecioglu, Maxime Denuc, Aho Ssan, Kitschselektor, Ben Klock & Fadi Mohem, Untold, Plus One u.a

Release 12.9.2025

Fünftes Album des irritierenden Post Punk New Wave Kraut Disco Trash-Duos aus Luzern/Schweiz, die in Glitzerstrumpfhosen und Spandex-Perücken mit hinter einem Leuchfarben-Spandex Vorhang versteckten Gesichetern mit obskuren und hochpotenten Dancing Beats aufwarten und Songs spielen, die sich wie Kaugummi im Gehirn festsetzen. Wie zwei obskure Kreaturen von einer anderen Galaxie treiben sie ihre Disco Beats durch den Raum, oder wie hier auf die Rille einer Vinyl Schallplatte. Aufgenommen wurde diese zweite Produktion für Voodoo Rhythm beim renommierten Swamp Land Studio in Toulouse Frankreich mit Lo Spider (Destination Lonely) und gemastert in Detroit von Bill Skibbe bei Third Man Mastering.

Voodoo Rhythm Records

Release 5.9.2025

"Double Infinity" folgt auf das Grammy-nominierte Album "Dragon New Warm Mountain I Believe In You" und wurde im letzten Winter in der New Yorker Power Station aufgenommen. Drei Wochen lang pendelte die Band mit ihren Rädern auf vereisten Wegen zwischen Brooklyn und dem Studio in Manhattan hin und her, um dort Tag für Tag zusammen zu spielen, zu improvisieren und zu arrangieren. Daran war neben der Kernbesetzung Adrianne Lenker, Buck Meek und James Krivchenia eine Community von zehn Musikerinnen und Musikern beteiligt. "Double Infinity" wurde so live mit minimalen Overdubs vom langjährigen Band-Partner Dom Monks aufgenommen, der auch Engineering und Mix übernahm.

Release 5.9.2025

Auf ihrem 4.Album "Welcome to the Civilized World" sind Ghostwoman schärfer als je zuvor. Hypnotische Anflüge von Psych-Grunge, verfallendem Americana und zerfetzten Blues-Instrumentalstücken bilden die intuitive Tracklist; Evan Uschenkos dreckige Gitarren und knurrender, lebendiger Gesang und Ille van Dessels ätzende Schlagzeugbeats festigen die Essenz des Albums. Aufgenommen auf alten Instrumenten und einer Bandmaschine, ist die Kraft und das Gefühl der Platte stark - rücksichtslos, unlogisch und frei

Release 5.9.2025

Für sein viertes Album hat der Singer/Songwriter aus Atlanta eine Reihe von Songs geschrieben, die sich mit der Sehnsucht und dem Unbehagen, weit weg von zu Hause zu sein, auseinandersetzen - eine lebensnahe Reflexion, die er bald zu einem ausgeklügelten Konzeptalbum über einen im Weltraum verlorenen Piloten ausbaute. "Departures & Arrival"s ist die jüngste Ergänzung zu seinem gefeierten Katalog, zu dem auch sein 2017er Durchbruch Face Your Fear (koproduziert von Danger Mouse) gehört: "The Adventures of Captain Curt" verschmilzt den üppigen Umfang einer Weltraumoper mit dem reinen Gefühl des klassischen Souls - und verleiht seinem wild eklektischen Sound damit eine noch größere Kraft.

Release 5.9.2025

Es ist sechs Jahre her, dass La Dispute ihr letztes Album Panorama veröffentlicht haben. Seitdem hat die Post-Hardcore-Band aus Michigan - bestehend aus Jordan Dreyer (Gesang), Brad Vander Lugt (Schlagzeug), Chad Morgan-Sterenberg und Corey Stroffolino (Gitarre) sowie Adam Vass (Bass) - die Stagnation der Pandemie überwunden, das zehnjährige Bestehen von "Wildlife" und "Rooms Of The House" gefeiert und mit der Arbeit an "No One ..." begonnen. Die fünfte Studio-LP ist die erste, die komplett von der Gruppe produziert wurde, und sie entstand in Grand Rapids und Detroit, im Vereinigten Königreich, in Australien und auf den Philippinen: „Ich denke, der Wechsel der Umgebung war wirklich hilfreich, um dem Prozess jedes Mal neues Leben einzuhauchen, wenn wir darauf zurückkamen“, sagt Dreyer. "No One ..." ist zum Teil von dem Psychothriller "First Reformed" aus dem Jahr 2017 inspiriert und beschäftigt sich mit dem Unbehagen im Schatten der drohenden Apokalypse, das sich durch den technischen Fortschritt merklich verschlimmert hat. Der Titel stammt von einem Zitat eines Polizeibeamten, das Dreyer in einem Zeitungsartikel über einen tödlichen Unfall mit einem selbstfahrenden Tesla gelesen hat - ein absurdes Ereignis, das Fragen über die Kontrolle aufwirft, die wir über unser eigenes Leben haben. In vierzehn dynamischen Tracks setzt sich die Band mit dem existenziellen Thema und dem menschlichen Bedürfnis auseinander, Trost und ein Gefühl der Sicherheit in einer Existenz zu finden, in der wir oft unerlaubt ins Chaos gestoßen werden.

Release 5.9.2025

"Cutthroat" ist shame in seiner besten Form. Das neue Album mit Grammy-Preisträger John Congleton am Ruder ist unerbittlich, aufgemotzt und überladen. Es ist genau da, wo man shame haben möchte. "It's about the cowards, the cunts, the hypocrites", sagt Sänger Charlie Steen und ergänzt: "Seien wir ehrlich, von denen gibt es im Moment eine Menge." Die fünf Freunde aus Kindertagen - Charlie Steen, die Gitarristen Sean Coyle-Smith und Eddie Green, Bassist Josh Finerty und Schlagzeuger Charlie Forbes - sind noch in ihren Zwanzigern und haben shame exponentiell wachsen lassen, mit ehrgeizigen klanglichen Ideen und den technischen Möglichkeiten, sie umzusetzen. shame haben sich mit ihren legendären Liveshows und drei von der Kritik gefeierten Alben bereits mehrfach bewährt und waren bereit, mit "Cutthroat" ein neues Ground Zero zu schaffen. "Hier geht es darum, wer wir sind", sagt Steen. "Unsere Live-Shows sind keine Performance-Kunst - sie sind direkt, konfrontativ und roh. Das war schon immer der Kern von uns. Wir leben in verrückten Zeiten. Aber es geht nicht um 'Armes Ich'. Es geht um 'Fick dich'." Entscheidend für diese aufrüttelnde neue Sichtweise war Produzent John Congleton (St. Vincent, Angel Olsen). Von ihrem ersten Treffen an wurde Congletons "No-Bullshit"-Herangehensweise zu einer treibenden Kraft, um die Ideen der Band zu optimieren. Das Album ist durch und durch von shames typischen Sinn für Humor geprägt und nimmt sich der großen Themen unserer Zeit an und spielt fröhlich mit ihnen. Mit Trump im Weißen Haus und shame in den Salvation Studios in Brighton, werfen sie einen gnadenlosen Blick auf Themen wie Konflikte und Korruption, Hunger und Begehren, Lust, Neid und den allgegenwärtigen Schatten der Feigheit. Auch musikalisch spielt die Platte mit neuen Ideen, die ins Herz gehen. Coyle-Smith, der auf Tournee zum Spaß elektronische Musik macht, hatte die Loops, die er herstellte, zuvor als etwas anderes betrachtet als das, was er für shame schrieb. Dann wurde ihm klar, dass sie das vielleicht gar nicht sein müssen. "Diesmal konnte man alles verwenden, wenn es gut klang und man es richtig machte", sagt er. Die erste Single und der Titeltrack von "Cutthroat" greifen diese Idee auf und machen daraus den vielleicht besten Song, den shame je auf Band gebracht haben. Es ist ein Knäuel kaum zu bändigender Attitüde, verpackt in drei Minuten Indie-Dancefloor-Hedonismus. Er führt auch meisterhaft in die lyrische Perspektive des Albums ein: eine, in der selbstsichere Arroganz und tiefe Unsicherheit zwei Seiten der gleichen Medaille sind. "Ich habe viele Stücke von Oscar Wilde gelesen, in denen sich alles um Paradoxe dreht", erklärt Steen. "In 'Cutthroat' geht es um diese ganze Idee aus 'Lady Windermere's Fan': 'Das Leben ist viel zu wichtig, um ernst genommen zu werden'." Auch diese freche Selbsterkenntnis ist wichtig. So sehr shame die Seifenblasen des Getöses und des Egos zerplatzen lassen wollen und uns ermutigen, in den Spiegel zu schauen und uns zu fragen: "Wer den ersten Stein wirft...", so sehr verstehen sie auch, dass das Leben im Grunde genommen oft lächerlich ist. Das Ergebnis ist ein Album, das in den Idiosynkrasien des Lebens schwelgt, eine Augenbraue hochzieht und die unangenehmen Fragen stellt, die so oft taktvoll übergangen werden. Aber die einzige Antwort, die "Cutthroat" mit durchschlagendem Erfolg gibt, ist, dass shame im Moment nie besser klangen. *

Release 5.9.2025

Faithless kanalisieren erneut den revolutionären Geist des Rave in ein Projekt, das den Status quo aufbrechen will. Anstatt das gesamte Album auf einmal zu veröffentlichen, erscheint „Champion Sound“ in vier Teilen über einen Zeitraum von wenigen Monaten. In einer von Veröffentlichungszyklen geprägten Ära ist es eine klangliche Rebellion, ein unerschütterliches Bekenntnis und ein Gegenmittel gegen die Übel der Welt. Während sie sich auf ein weiteres bahnbrechendes Kapitel ihrer drei Jahrzehnte währenden Geschichte vorbereiten, sind Faithless genauso kraftvoll, energiegeladen und dynamisch wie eh und je.

Release 5.9.25

Mit seinem neuen Album schlägt David Byrne ein weiteres spannendes Kapitel seiner künstlerischen Laufbahn auf. Nach dem weltweiten Erfolg von American Utopia - gefeiert als Album, Broadway-Show und HBO-Film - richtet Byrne nun den Blick nach innen: Was bedeutet es, kreativ zu sein? Was ist Liebe? Was ist unser Platz in der Welt? Gemeinsam mit dem Grammy-prämierten Produzenten Kid Harpoon (Harry Styles, Miley Cyrus) und dem New Yorker Kammerensemble Ghost Train Orchestra ist ein Werk entstanden, das persönliche Geschichten mit orchestraler Klangvielfalt und popmusikalischem Feinsinn verbindet. Gäste wie Hayley Williams (Paramore), St. Vincent und Tom Skinner (The Smile) verleihen dem Album zusätzliche Tiefe. Songs wie "My Apartment Is My Friend", "She Explains Things to Me" oder "I Met the Buddha at a Downtown Party" erzählen Alltagsbeobachtungen mit Witz, Menschlichkeit und einem Hauch Absurdität. Byrne gelingt es wie kaum jemand anderem, komplexe Gedanken in eingängige Musik zu verpacken und so stets zugänglich zu bleiben. Who Is The Sky? ist verspielt, tiefsinnig und durch und durch Byrne: voller Fragen, Überraschungen und Momente echter Verbundenheit. Ein Album, das zum Zuhören, Nachdenken und Tanzen einlädt, ein orchestraler, verspielter und tiefgründiger Blick auf das Menschsein selbst.

Release 5.9.2025

Das brandneue Studioalbum des bekanntesten australischen Singer-Songwriters und Gitarrenvirtuosen, John Butler, erscheint im September!
Als mehrfach preisgekrönter Künstler und einer der gefeiertsten Gitarristen der Welt hat Butler mehrere ARIA-Awards (australische Grammys) erhalten, Platin-Alben verkauft und das Publikum mit Hits wie „Zebra“, „Better Than“ und dem instrumentalen Meisterwerk „Ocean“ begeistert.

Mit seinem neuen Album PRISM kehrt John Butler zu seiner Soloform zurück - rau, gefühlvoll und genreübergreifend. Das Album, das heftige Gitarrenarbeit mit gefühlvollen Erzählungen verbindet, umfasst Themen wie Liebe, Verlust, Politik und Wiedergeburt. Von Festivalhymnen bis hin zu intimen Balladen erforscht Butler das gesamte menschliche Spektrum. Gemeinsam mit James Ireland produziert, ist es eine klangliche Reise der Katharsis und Befreiung.

El Michels Affair kündigen ihr neues Album »24 Hr Sports« an, das über Big Crown Records erscheint, sowie veröffentlichen die Leadsingle »Anticipate« feat. Clairo.

Leon Michels ist still und leise zu einem der gefragtesten Produzenten der Musikszene geworden. Sein unverwechselbarer Sound hat die Aufmerksamkeit des Mainstreams auf sich gezogen und inspiriert gleichzeitig weiterhin die Underground-Szene. Seit dem 2023 erschienenen Album »Glorious Game« von El Michels Affair & Black Thought war Michels als Produzent für andere Künstler aktiv - darunter Norah Jones' Grammy-prämiertes »Visions«, Clairos Grammy-nominiertes »Charm«, Kali Uchis' »Moonlight« sowie Alben für seine Labelkollegen Brainstory, Derya Yildirim & Grup Simsek, Thee Heart Tones und Liam Bailey.

Sein neues Album »24 Hr Sports« markiert die langersehnte Rückkehr unter seinem eigenen Bandnamen: El Michels Affair. »24 Hr Sports« wurde inspiriert von Mode und Grafikdesign der Sports-Illustrated-Magazine der 80er- und 90er-Jahre, MF DOOMs Special Herbs-Alben, den dort verwendeten Sample-Quellen und Gospelmusik à la Pastor T.L. Barrett. Die Summe dieser Einflüsse, gepaart mit Michels' unfehlbarem kreativen Gespür, ergibt ein Rezept für einen Instant-Klassiker - ein Werk, das zweifellos zu den meistgefeierten Veröffentlichungen des Jahres 2025 zählen wird.

Der Album-Opener »Drum Line« ist ein hymnischer, mitreißender Track mit Marschband-Schlagzeug und donnernden Bläserarrangements, die sofort alle Aufmerksamkeit auf sich ziehen und den Ton für das sich anschließende Album setzen. »24 Hr Sports« bedeutet eine deutliche Abkehr von der bisher überwiegend instrumentalen Musik im Katalog von El Michels Affair. Mit einer Vielzahl von Gesangsfeatures spiegelt das Album das schwer einzuordnende Genre seiner Musik wider. Das erste dieser Features ist »Mágica« mit dem brasilianischen Künstler Rogê, der die ohnehin energiegeladene Nummer mit seinen fußballinspirierten Lyrics auf ein neues Level hebt.

Weiter geht es von Brasilien nach Ghana: In »Say Goodbye« feiert Florence Adooni ihre Individualität mit lässigem Selbstbewusstsein und wechselt mühelos zwischen Frafra und Englisch. Labelkollege und weltbekannter Trompeter von The Roots, Dave Guy, veredelt den 70er-Jahre-Groove von »Oakley's Car Wash« mit seinen charakteristischen Bläserlinien, bevor der Track in ein Dub-artiges Outro übergeht. Vom wilden zum sanften Klang: »Anticipate« mit Clairo knüpft an die musikalische Chemie an, die das 2024er-Album »Charm« hervorgebracht hat. Clairo gleitet über die typischen EMA-Arrangements, während sie sich nach unerreichbarer Liebe sehnt - getragen von einer perfekt eingespielten Band.

»Eastside« ist ein Stück, das einen Sonnenaufgang am Meer vertonen könnte - Leon Michels' Sinn für Raum und Arrangement wird hier besonders deutlich. Aus Japan ist der Suginami Children's Choir auf dem üppigen Track ,Clean The Line» zu hören - sie singen ein Lied über den Mond, die Sonne und Vögel. Danach reißt »Cortex« mit verzerrten Gitarren und donnernden Drums die Tür auf - ein Moment purer, filmreifer Intensität in der Mitte des Albums. Leon Michels übernimmt selbst den Lead-Gesang auf ›Shining», einem Song über die Suche nach einem Freund, mit dem man die Freude eines sonnigen Tages teilen kann. Der international gefeierte Shintaro Sakamoto ist auf ›Indifference« zu hören - ein lässiger Song mit federnden Basslinien und gefühlvollen Flöten, in dem Sakamoto zwischen Gesang und gesprochener Poesie über eine vergängliche Liebe reflektiert.

Das Grammy-prämierte Duo Norah Jones und Michels kommt auf »Carry Me Away« erneut zusammen: Jones' honigsüße Stimme schwebt über einem schwer einzuordnenden, aber sofort liebenswerten Track. Michels lehnt sich hier wieder mehr in Richtung El Michels Affair-Stil, der sich klar von seinen bisherigen Produktionen für Norah Jones abhebt. »Take My Hand« stellt den Gospel-Einfluss in den Vordergrund - mit dem Fabulous Rainbow Singers Choir im Refrain und einem Saxophon-Solo der verstorbenen Jazzlegende Rahsaan Roland Kirk. »Open Season«, ein Piano-getriebener Midtempo-Track könnte den perfekten Soundtrack für eine Slow-Motion-Highlight-Reel liefern. Der treffend betitelte Albumabschluss »Victory Lap« schließlich ist ein traumhafter, euphorischer Ausklang, der dem gesamten Werk würdig ist.

Am Ende spricht die Trophäe auf dem Albumcover Bände: El Michels Affair ist Champion Sound - und »24 Hr Sports« macht das unmissverständlich klar.

Release 29.8.2025

Die beste Liveband der Welt und immer noch eure neue Lieblingsband, kommt schneller als erwartet mit ihrem siebten Album um die Ecke. Ein neues Album voller Energie, Freude, Wut und Leben! Jeder einzelne Song eine Single, jede einzelne Single ein Hit, jeder Hit ein Volltreffer mitten ins Gesicht. Diese neue Meisterwerk entstand unter der Leitung des langjährigen Kollaborateurs Pelle Gunnerfeldt in Stockholm. Mike D von den legendären Beastie Boys ist als Gast vertreten und auch Josh Homme (Queens Of The Stone Age) stand mit Rat und Tat zur Seite. The Hives, bestehend aus Howlin´ Pelle, Chris Dangerous, The Johan And Only, Nicholaus Arson und Vigilante Carlstroem, haben sich in über dreißig Jahren in die Annalen der Rockgeschichte eingeschrieben. Dank ihrer Erfolge füllten sie große Stadien und teilten die Bühne mit so monumentalen Acts wie AC/DC und den Rolling Stones. Die BBC bezeichnete sie als "Naturgewalt", und der Rolling Stone kürte ihr Album "Veni Vidi Vicious" zu einem der 100 besten Alben des Jahrzehnts. Mit Millionen verkaufter Alben, Platin-Auszeichnungen und zahlreichen Preisen - Grammys, MTV Awards, NME Awards - gelten sie als Titanen der Musikwelt. Oder wie Joe Strummer es gesagt hat: The Hives haben den Rock ´n´ Roll gerettet!

Release 29.8.2025

Jehnny Beth, ehemalige Frontfrau der Mercury-nominierten Savages, kehrt mit ihrem zweiten Soloalbum zurück. Es wurde im französischen Studio 20L07 produziert und ist ein radikales, kathartisches Album, das mit rauer, kompromissloser Energie aufgeladen ist. "Wir leben in dunklen Zeiten, voller Drama und Tragödien", sagt Beth. "Entweder wir lernen, zu schreien - oder wir flüstern." Mit "You Heartbreaker, You" kanalisiert Beth das Chaos in eine klangliche Befreiung. Roh, aufwühlend, lebendig, handelt es vom Zerbrechen in einer zersplitterten Welt, von Liebe nach archaischen Regeln und vom Versuch, im Chaos aufrecht zu bleiben. Die erste Single "Broken Rib" bietet bereits einen Vorgeschmack auf das, was kommt: "Wir lernen, mit einer gebrochenen Rippe zu atmen", singt sie. Ein Satz, der bleibt. Die Intensität des Songs erinnert an Savages, ohne in Nostalgie zu verfallen. "Wenn ich wieder singen würde, müsste es mit einem Schrei beginnen", sagt Beth - und liefert.

Release 29.8.2025

Das neueste Album der neuseeländischen Indie-Rock-Helden The Beths, Straight Line Was A Lie, ist ein eingängiger, sofortiger Klassiker. Geschrieben in Los Angeles und selbst aufgenommen in der Heimatstadt der Band, Auckland, folgt Straight Line Was A Lie (ihre erste Veröffentlichung für ANTI-) auf die von der Kritik gefeierte LP Expert in A Dying Field aus dem Jahr 2022. Leadsängerin und Songwriterin Liz Stokes taucht tiefer in ihre Psyche ein, um alles zu thematisieren, von Umwegen über die körperliche und geistige Gesundheit Herausforderungen und belastende Familiendynamiken. Inspiriert von The Go-Go"s, Olivia Rodrigo, dem Filmemacher Akira Kurosawa und Stephen King"s On Writing, hat Stokes" Songwriting eine verblüffende neue Tiefe der Einsicht und Verletzlichkeit erreicht. Fans werden zustimmen, dass Straight Line Was A Lie das bisher am schärfsten beobachtete, wahrhaftigste und poetischste Beths-Projekt ist.

Release 29.8.2025

Mit dem Song „The Field“ hatte Devonté Hynes aka Blood Orange im Juni den ersten neuen Song seit Veröffentlichung seiner EP „Four Songs“ (2022) herausgebracht. Nun ist klar: Dies war bereits ein erster Vorgeschmack auf einen kommenden neuen Longplayer – der erste seit Erscheinen von „Negro Swan“ im Jahr 2018. Das neue Album hört auf den Namen „Essex Honey“ und ist gespickt mit einer Vielzahl an illustren musikalischen Gäst*innen: darunter unter anderem Brendan Yates (Turnstile), Tirzah, Vini Reilly (The Durutti Column), die britische Autorin Zadie Smith, Caroline Polachek und Lorde.

Polachek, die bereits in der Single „The Field“ zu hören war, ist – zusammen mit Mustafa und Lorde – auch an „Mind Loaded“, einer der beiden neuen Singles, beteiligt. Dem introspektiv-flirrenden Song wurde mit „Somewhere In Between“ ein luftig-schwelgerischer Song mit Mundharmonika-Part an die Seite gestellt.

Hynes, der sein neues Album im Alleingang geschrieben, aufgenommen und produziert hat, nimmt im Titel Bezug auf den Ort, an dem er aufgewachsen ist: im Londoner Vorort Ilford, ehemals zugehörig zur Grafschaft Essex. „Essex Honey“ sei laut Hynes vor allem eine Reflexion „über das Aufwachsen in Essex und über den Umgang mit einem allgemeinen Gefühl von Trauer und Verlust“.

Release 29.8.2025

Der rootsige Singer-Songwriter Connor Selby kanalisiert seine emotionale Kommunikation auf seinem neuen Studioalbum The Truth Comes Out Eventually, das am 29. August über Provogue erscheint.

Authentische, roots-basierte Stimmen haben in den letzten Jahren den Mainstream durchdrungen, von den seelenvollen Sehnsüchten des frühen Leon Bridges, dem Groove von Gary Clark Jr., der dröhnenden Stimme von Jacob Banks, der rauen und eindringlichen Darbietung von Ray LaMontagne oder den erdigen Tönen von Rag 'n Bone Man - diese Stimmen brechen durch, und sie fallen auf, sie lassen aufhorchen, weil sie nicht wie alle anderen klingen.

Connor Selbys Stimme eifert diesen Vorreitern nach und umhüllt seine Musik mit einer emotionalen Integrität. Er taucht tief in seine Seele ein, bis hinunter in sein Innerstes und das Gefühl der Zugehörigkeit.

Das Leben wirft einen oft um, lässt einen geistig und emotional angeschlagen und verletzt zurück, und nicht jeder von uns weiß, wie er mit solchen Situationen umgehen soll. Wie vielen anderen fällt es auch Selby schwer, diese Gefühle und Emotionen zu verbalisieren, und so ist dies seine Art, sich auszudrücken - seine emotionale Kommunikation.

Wenn er darüber spricht, wo sein Platz in dieser Welt ist und wo er hingehört, dann gehört er hierher - er strahlt eine ruhige und sichere Zuversicht aus, während seine gefühlvollen Erzählungen auf dem Griffbrett tanzen, während er in seinen Gedanken versunken ist.

Selby steht fast allein in der Welt der zeitgenössischen Musik, außerhalb der Parameter der Genres, die er berührt - niemand macht so viel Musik wie er; niemand klingt wirklich so wie er.

Übersetzt mit DeepL.com (kostenlose Version)

Release 22.8.2025

Die Deftones stehen seit jeher für grenzenlose Kreativität in der Musikwelt. Mit ihren neun Studioalben haben sie sich eine unverwechselbare klangliche Identität geschaffen - wild und doch traumhaft, mit Raum für ständige Verfeinerungen und Überraschungen.

Jetzt, Jahrzehnte nach dem groovigen Sound ihres bahnbrechenden Debüts »Adrenaline« und nach einer langen Reihe von Meisterwerken wie »White Pony« (2000), »Diamond Eyes« (2010) und »OHMS« (2020) - ein Album, das ihnen ihre zweite und dritte Grammy-Nominierung einbrachte - kehren sie mit einem der fokussiertesten Statements ihrer Karriere zurück: »private music«.

Zum kreativen Kern der Band, bestehend aus Chino Moreno, Stephen Carpenter, Abe Cunningham und Frank Delgado (sowie dem Tour-Bassisten Fred Sablan, der auf dem Album zu hören ist), gesellt sich der Produzent Nick Raskulinecz, der zuvor an »Diamond Eyes« und dem fesselnden »Koi No Yokan« von 2012 gearbeitet hat. Das Ergebnis ist ein schlankes, meisterhaft getaktetes 11-Song-Set, das wie ein neuer Deftones-Benchmark klingt.

»private music« meditiert über die Schönheit und Gefahr der Natur, die Herausforderung, eine positive Einstellung zu kultivieren und Visionen einer Reise jenseits der physischen Welt. Es ist zugleich eine psychedelische Reise und ein Schädelklopfer, der jüngste Höhepunkt in einem Katalog voller eindringlicher, emotionaler Triumphe.

Release 22.8.2025

Das New Yorker Duo - bestehend aus Rachel Brown und Nate Amos - verbindet dem neuen Album ihren markanten Mix aus Art-Pop, Noise, Indie-Rock und elektronischer Avantgarde mit neuen klanglichen Dimensionen. Der Nachfolger des Albums "Everyone"s Crushed" (2023) fühlt sich an wie ein Soundtrack für eine Welt zwischen Science-Fiction und innerer Realität - inspiriert von Zeitreisen, religiöser Symbolik, anarchistischer Theorie und einem sehr menschlichen Staunen über das Universum. Die Songs bewegen sich mühelos zwischen introspektiven Balladen, exzessiven Gitarren-Noise-Kollagen und glasklaren Popmomenten. Instrumentale Zwischenspiele schaffen cineastische Übergänge und eröffnen immer weitere Klangräume. Zentral ist die Energie, die Water From Your Eyes aus ihren Live-Shows mitgenommen haben: Die Songs sind dynamischer, zugänglicher und zugleich komplexer arrangiert. Geschrieben und aufgenommen wurde das Album wie gewohnt im Schlafzimmer von Nate Amos - unter dem wachsamen Blick eines alten Robin-Williams-Posters. Das Klangbild der Band ist jedoch größer geworden und mit jedem Live-Auftritt gewachsen. Stücke wie Born 2, Life Signs oder Playing Classics zeigen den Facettenreichtum der Band: verspielt, klug und stets überraschend. Dabei verlieren sie nie den emotionalen Kern aus den Augen - die Suche nach Bedeutung in einer Welt, die oft zufällig und unübersichtlich wirkt. "It"s A Beautiful Place" ist ein Album, das sich der eigenen Winzigkeit bewusst ist - und gerade darin seine Größe findet. Ein wilder, ehrlicher und poetischer Trip durch die Gegenwart, der beweist, dass Water From Your Eyes eine der spannendsten und eigenständigsten Stimmen der aktuellen Indie-Szene sind.

Release 22.8.2025

Die britischen Alternative-Rocker mit ihrem vierten Studioalbum. Alle Songs wurden im Nord-Londoner Stadtteil Seven Sisters geschrieben und im vergangenen Jahr mit Grammy-Gewinner und Hauptproducer Greg Kurstin (Adele, Miley Cyrus, Beyoncé) in Los Angeles aufgenommen. Mit "The Clearing" legen Wolf Alice eine maximal selbstbewusste Songsammlung vor, die vor Ehrgeiz, ungewöhnlichen Ideen und Emotion nur so zu strotzen scheint und die eindrucksvoll veranschaulicht, wo sich das UK-Quartett im Jahr 2025 soundtechnisch verortet. Mit anderen Worten: Ein wirklich zeitloses Album.

Release 22.8.2025

Kerala Dusts großartiges neues Album ist ein Paradebeispiel dafür, niemals stillzustehen. Im Mittelpunkt seiner musikalischen Hybridität - wo Artrock auf innovative Elektronik trifft und die warme Umarmung der Tanzfläche Raum für weite Ausblicke auf Americana, Wüstenblues und dämmrige Fahrten durch eine neonbeleuchtete Stadt lässt - steht ein Album, das die Möglichkeiten des ständigen Wandels lebt. Es ist ein wunderbar wandelbares Album; eine rastlose Fusion, deren Bedeutung eher in Fragmenten als in etwas Festem oder Statischem liegt. Kurz gesagt: Es dreht sich alles um Dynamik. Dieses Gefühl der ständigen Bewegung spiegelt sich nicht nur in der wechselnden Besetzung der Band wieder - Keyboarder Tim Gardner und Schlagzeuger Pascal Karier sind Neuzugänge und gesellen sich zu den langjährigen Mitgliedern Edmund Kenny (Gesang und Elektronik) und Lawrence Howarth (Gitarre) -, sondern auch in den Orten, an denen das Album geschrieben und aufgenommen wurde. Die Sessions fanden in der Toskana, Austin, Berlin, Zürich und schließlich Rom statt. Für Sänger Edmund "existiert das Album in gewisser Weise an all diesen Orten".

Release 22.8.2025

Als wir das letzte Mal von Marissa Nadler hörten, schwebte sie gerade durch The Path of the Clouds und die dazugehörige EP The Wrath of the Clouds. Jetzt, auf ihrem zehnten Album kehrt sie mit einer rauen, intimen und atemberaubenden Sammlung von elf jenseitigen Songs zurück. Vom ersten Ton an stehen Nadlers üppige Stimme und ihr kompliziertes Fingerpicking im Vordergrund. Sie schichtet Harmonien im Stil der Everly Brothers über traumhafte, einsame Klanglandschaften - verzerrte Sounds, Hammond-Orgel und bedrohliche Synthesizer -, die ihre warme Verletzlichkeit durch Textur und Atmosphäre noch verstärken. Jeder Track entfaltet sich wie eine Vignette eines gelebten Lebens, mit einem emotionalen Gewicht, das mit stiller Intensität nachhallt. In ihren Texten wandelt sie durch Zeit und Raum - in einer fliegenden Cessna, einem Raumschiff, einem Fluchtauto und in alternativen Dimensionen. Ihre Erzählungen sind von filmischer Tragweite und von zutiefst persönlicher Wirkung, und der Kontrast zwischen süßen, eingängigen Melodien und dunklen, ergreifenden Texten sitzt tief. Egal, ob sie aus der Ich-Perspektive singt oder diese anderen Menschen channelt, das Album erschließt die Universalität von Liebe und Verlust mit Ernsthaftigkeit und Einfühlungsvermögen. Produziert von Nadler selbst und abgemischt von Randall Dunn (Earth, Sunn O))))), bietet New Radiations subtile Arrangements von Milky Burgess, einem langjährigen Mitarbeiter von Nadler - wummernde Slide-Gitarre, hypnagogische Synthesizer und düstere Riffs. Dieses Album, das die Grenzen des Genres sprengt und doch ganz und gar ihr eigenes ist, friert den Lärm der Welt in einem Moment der Schönheit und Feierlichkeit ein. New Radiations ist nicht einfach nur ein weiteres Album - es ist ein Höhepunkt ihrer Karriere, ein Zeugnis von Marissa Nadlers einzigartiger Vision und Kunstfertigkeit.

Release 22.8.2025

Winter hat ihr mit Spannung erwartetes neues Album »Adult Romantix« angekündigt, das über ihr neues Label Winspear erscheinen wird.
Das Album wurde mit dem langjährigen Mitarbeiter JooJoo Ashworth (SASAMI, Corridor, Automatic) aufgenommen und produziert, und von Henry Stoehr (Slow Pulp) gemischt.

Seit über einem Jahrzehnt ist die Sängerin und Songwriterin Samira Winter eine feste Größe in der Musikszene von Los Angeles. In der DIY-Rock-Community der Stadt fand sie ihre kreative Heimat und schuf sich unter dem Namen Winter ihre ganz eigene Nische mit glorreich detailverliebtem und eklektischem Dream Pop. Ihr neuestes Album und Winspear-Debüt »Adult Romantix« ist ein Abschieds-Liebesbrief an LA - »ein Tunnel aus Sommern und Erinnerungen« - inspiriert von der gotisch-romantischen Literatur Mary Shelleys und romantischen Komödien der 90er-Jahre.

Samira wuchs in Curitiba, Brasilien auf und spielte in ihren ersten Bands in Boston, bevor sie 2013 nach Los Angeles zog und sich in die Stadt verliebte. Doch irgendwann verspürte sie den Wunsch nach einem Tapetenwechsel, um persönliches Wachstum zu ermöglichen - eine schmerzhafte, aber notwendige Erkenntnis, die sie schließlich nach New York City führte. In den rund zwei Jahren vor ihrem emotionalen Umzug von Küste zu Küste schrieb sie Songs im Übergangszustand - oft zwischen Tourneen, in verschiedenen Städten und temporären Unterkünften.

Aus diesen Phasen entstanden die 13 Songs ihres neuen Albums »Adult Romantix«, dem Nachfolger ihres gefeierten 2022er-Albums »What Kind of Blue Are You?«. Nostalgisch und sehnsuchtsvoll verbindet »Adult Romantix« wirbelnde Gitarren, rauchige Vocals und einige bemerkenswerte Gastauftritte, etwa von Dimitri Giannopoulos (Horse Jumper of Love) und Hannah van Loon (Tanukichan).

Beeinflusst von Klassikern wie »Rather Ripped« von Sonic Youth, »Either/Or« von Elliott Smith und dem sonnengetränkten kalifornischen Shoegaze der 2010er Jahre, schwankt »Adult Romantix« zwischen taufrischer, gitarrengetriebener Euphorie und dunkler, nächtlicher Sehnsucht. Geprägt von aufbrausenden Verzerrungen und offen gestimmten Akustikgitarren, liegt über diesen rohen, liebeskranken Liedern eine greifbare bittersüße Stimmung.

Release 22.8.2025

Guitar entstand im November 2024 in völliger Eigenregie in DeMarcos Haus in Los Angeles. Songwriting, Aufnahmen, Mixing – alles stammt von ihm selbst. Selbst das Artwork und die Musikvideos hat Mac auf dem Stativ geschossen. Einzige Ausnahme: das Mastering, das David Ives übernommen hat. „Ich denke, Guitar ist so nah dran an dem, wo ich gerade im Leben stehe, wie ich es überhaupt festhalten kann“, sagt er. „Ich freue mich, diese Musik zu teilen – und darauf, die Songs an so vielen Orten wie möglich live zu spielen.“ Die erste Single "Home" beschreibt DeMarco als einen Song über das, was Heimat für ihn bedeutet – geschrieben in Los Angeles, aufgenommen in seiner Küche. In der ersten Strophe heißt es: „These days I’d much rather be on my own // No more walking those streets // That I once called my home // Because down every lane there are // Faces and names // That have memories attached // That I’d sooner let go // Sooner than I’d go home again.“

Release 22.8.2025

James Yorkston vereint auf »Songs for Nina and Johanna« starke Stimmen und große Gefühle inklusive Gast-Features von Nina Persson (The Cardigans) und Johanna Söderberg (First Aid Kit)!

»Songs for Nina and Johanna« ist das neue, einfühlsame Album des schottischen Singer-Songwriters James Yorkston. Das in Stockholm mit Mitgliedern des Second Hand Orchestra aufgenommene Album bringt James Yorkston erneut mit der unverwechselbaren Stimme von Nina Persson (The Cardigans) zusammen, während er zum ersten Mal mit Johanna Söderberg (First Aid Kit) zusammenarbeitet. Beide singen jeweils mehrere Songs gemeinsam mit ihm.

Das Album kreist um zutiefst persönliche Themen wie Familie, Liebe und Elternschaft - Motive, die für Yorkston nach über zwanzig Jahren musikalischer Laufbahn mehr denn je im Zentrum seines Schaffens stehen. Die warmen, oft melancholischen Songs leben von feinen Melodien, ehrlichen Texten und einer Intimität, die durch die Stimmen Perssons und Söderbergs noch verstärkt wird. Im Gegensatz zu früheren, eher improvisierten Produktionen folgte die Entstehung dieses Albums einer klaren Struktur. Die intensiven Sessions im Studio Rymden wurden von Produzent Daniel Bengtson begleitet, der ein offenes, kreatives Umfeld schuf.

Release 15.8.2025

Rise Against melden sich mit ihrer bisher kraftvollsten und belebendsten Musik zurück. Ricochet, das am 15. August bei Loma Vista Recordings erscheint, ist das erste Album der Rockband seit vier Jahren - und es kommt in einer Welt voller Reizüberflutung, in der Algorithmen uns wütend machen wollen: wie ein Haufen Murmeln, der hart getroffen wird und unkontrolliert auseinanderfliegt, immer weiter, immer schneller. Doch über die zwölf Songs hinweg, produziert von GRAMMY®-Gewinnerin Catherine Marks (Boygenius, Foals, Manchester Orchestra, St. Vincent) und gemixt von Alan Moulder (Nine Inch Nails, Paramore, Queens of the Stone Age, The Killers), stellen Rise Against die Frage: Wer profitiert eigentlich von dieser kollektiven Spaltung und Unzufriedenheit? Sie fordern dazu auf, nicht blind zu handeln, sondern die Konsequenzen unseres Handelns füreinander zu bedenken - während die Machtstrukturen, die uns lenken, unangetastet bleiben. Ricochet wurzelt in der Idee von Zusammenhalt - ein Album mit wuchtigem Sound, das sich auf die kleinen Bewegungen im Inneren konzentriert, die den größten Wandel auslösen können. Alles beginnt bei einem selbst. Und mit der explosiven ersten Single "I Want It All" zünden Rise Against den Motor und starten eine Mission der Selbstbestimmung - leidenschaftlich, ambitioniert und kompromisslos.

Release 8.8.2025

13. Studioalbum mit der Hitsingle "The Night Before" sowie "No Rain, No Flowers" und "Babygirl". In Zusammenarbeit mit ikonischen Songwritern wie Rick Nowels, Daniel Tashian und dem legendären Keyboarder Scott Storch hat die GRAMMY-gekrönte Band aus Ohio ihr bisher ehrgeizigstes und abenteuerlichstes Album geschaffen, das die weitreichenden, eklektischen musikalischen Einflüsse des Duos miteinander verflechtet.

Release 8.8.2025

Zweites Album der Indie-Pop-Slowcore-Band , auf dem die texanische Band eine Reihe von ineinandergreifenden Fragen stellt: Was heißt es ein Leben in einer Zeit des gemeinsamen Zusammenbruchs aufzubauen? "Magic Of The Sale" ist ein sanftes, aber stählernes Album, eine traurige und schöne selbstgebaute Welt des Southern Slowcore, in der vier Menschen sich einander zuwenden und gemeinsam vorwärts driften. "Magic Of The Sale" folgt auf Teethes selbstbetiteltes Debüt von 2020, eine lockere und warme 12-Track-Collage aus exquisitem existenziellen Blues und Harmonien. Das neue Album wartet mit einer Reihe von Gästen (Xandy Chelmis von Wednesday und MJ Lenderman, Charlie Martin von Hovvdy und einige andere erfahrene Musiker) auf, die ihre texanischen Wurzeln repräsentieren und mit neuen Freunden, die sie in den letzten Jahren gewonnen haben. Dennoch haben Teethe besonders darauf geachtet, den Teil des Prozesses zu bewahren, der ihr Debüt so besonders machte, jetzt aber mit erweitertem Instrumentarium. Für "Magic Of The Sale" haben sie ihr Equipment und ihr Heimstudio aufgestockt und sich in das Handwerk der Komposition und Produktion vertieft. Ohne einen externen Produzenten oder Tontechniker zu engagieren, verbrachte Boone Patrello von der Band vier anstrengende Monate mit dem Album - er nahm das Patchwork der Tracks von jedem der einzelnen Mitglieder und ihrer Kollaborateure und verknüpfte Visionen in ein komplettes Bild. Teethe kehren mit einem vielschichtigen und kollaborativen Werk zurück, das helfen kann, das Gewicht der Welt ein wenig leichter zu tragen.

Release 8.8.2025

12 neue, die ein hypnotischer, manischer und antreibender Angriff auf die Sinne sind, und eine passende Reaktion auf eine Welt, die unter Völkermord, Umweltkollaps, staatlich sanktionierter Gewalt, fortschreitender Technokratie und mehr leidet. Das Album wurde von Enrique Tena Padilla, Mario Ramirez und John Dwyer aufgenommen, von Padilla und Dwyer abgemischt und von JJ Golden gemastert

Release 8.8.2025

Die in Florida geborene Multimedia-Künstlerin und Gothic-Art-Pop-Ikone kehrt mit ihrem zweiten Album zurück, betitelt nach ihrem Highschool-Freund und ihrer ersten große Liebe. Entsprechend geht es in den Texten um die feucht-fröhliche Romanze. Es ist eine Art Prequel zu ihrem A.bum "Preacher´s Daughter". Hayden Anhedonia, die kreative Kraft hinter dem gesamten Ethel Cain Projekt, hat die letzten Jahre damit verbracht, das Album in ihren Heimstudios in Forida zusammenzustellen, während sie gleichzeitig Tourneen und Festivals auf der ganzen Welt spielte und sich so als einzigartige, aufstrebende künstlerische Stimme etablierte.

Release 25.7.2025

Indigo De Souza hat ein neues Album angekündigt: Precipice erscheint am 25. Juli und wird ihr erstes Projekt für Loma Vista Recordings sein. Heute hat De Souza die Leadsingle des Albums, „Heartthrob“, zusammen mit einem Musikvideo unter der Regie von Neta Ben Ezra veröffentlicht. Im Video hüpft De Souza auf einer Hüpfburg herum und treibt Unfug auf einer stickigen Gartenparty. Sehen Sie sich das Video unten an.

Precipice folgt auf De Souzas 2023 erschienene LP All of This Will End. De Souza nahm das neue Album in Los Angeles mit dem Musiker und Produzenten Elliott Kozel auf. Elliott ist wirklich gut darin, den Songs Raum zu geben, sich zu entfalten„, sagt De Souza, “und ich fühlte mich sowohl musikalisch als auch persönlich sehr gesehen und respektiert."

De Souza hat „Precipice“ unter dem Eindruck persönlicher Schicksalsschläge aufgenommen: 2024 überflutete der Hurrikan Helene ihr Haus und zerstörte viele ihrer Habseligkeiten. „Ich fühle mich ständig am Abgrund, vor etwas Schrecklichem oder etwas Schönem - etwas, das mein Leben zum Guten oder zum Schlechten verändern wird“, sagte sie. „Ich wollte Musik machen, die dein Herz mit Euphorie erfüllt, während du dazu tanzt.“

Release 25.7.2025

Folk-Musik hat die schlechte Angewohnheit, als eine todernste Angelegenheit dargestellt zu werden. Sie ist etwas, zu dem man weint, sie ist übermäßig heilig, sie ist feierlich von Kritikern und Historikern betrachtet. Aber das Folk Bitch Trio, die ehemaligen Highschool-Freundinnen Heide Peverelle ("they/them"), Jeanie Pilkington ("she/her") und Gracie Sinclair ("she/her"), haben einen gemeinsamen Sinn für Humor, der tief in ihre Musik eingebettet ist und sie zum Leuchten bringt, sicher vor den selbsternsten Fallen des Genres. "Now Would Be A Good Time", ihr Debütalbum, erzählt lebendige, viszerale Geschichten und ist witzig und dunkel-ironisch in der Art von Schriftstellerinnen wie Mary Gaitskill oder Otessa Moshfegh. Ihre Musik klingt vertraut, aber die Songs sind modern, jugendlich, singen akut durch dissoziative Tagträume und ärgerliche Trennungen, sexuelle Fantasien und Medienüberflutung, all die belanglosen Ressentiments und kleinen Demütigungen, die Anfang zwanzig in den 2020ern sind.

Release 18.7.2025

Rachika Nayar und Nina Keith, aka Disiniblud, treffen sich in Brooklyn, in einem Park, der so klein ist, dass man nicht aneinander vorbeigehen kann, ohne sich zu bemerken. Sie reden. Erst über Musik, dann über alles. Über das, was war, über das, was nicht mehr sein wird. Post-Lockdown-Liebe auf Distanz, als würde man sich an jemandem festhalten, den es nie ganz gab. Buddhismus, Hinduismus, ein Soundtrack, den sie beide als Teenager geliebt haben. Ein Gespräch ohne Worte. Eine Verbindung, die sich anfühlt wie eine längst vergessene Kindheitserinnerung. "Disiniblud", das selbstbetitetelte Album, das am 18.07.2025 via Smugglers Way erscheint, ist das Echo davon. Rachika Nayar und Nina Keith verfolgen unterschiedliche musikalische Ansätze, die sie im gemeinsamen Projekt Disiniblud zusammenführen. Rachika veränderte mit ihrer 2022er LP "Heaven Come Crashing" ihr Repertoire: Statt Ambient-Gitarren setzt sie nun auf maximalistische Synthesizer, tiefe Sub-Bässe und Amen Breaks. Diese Fusion aus Post-Rock und Elektronika wurde von Pitchfork als Best New Music ausgezeichnet und fand Anerkennung in Medien wie The New York Times, Stereogum, Fader und GQ - zudem eröffnete sie Tourneen mit M83. Nina Keith ist bekannt für ihren autodidaktischen Kompositionsstil. Ihr Debüt "MARANASATI 19111" präsentierte sie mit Instrumenten wie Cello, Klavier, Klarinette und Flöte, um persönliche Erfahrungen und Erlebnisse im Zusammenhang mit Gemeinschaftstraumata und paranormalen Ereignissen musikalisch zu verarbeiten. Mit neuen Veröffentlichungen wie "Come Back Different" featuring Julie Byrne erweitert sie ihr Spektrum durch den Einsatz modularer Synthesizer und komplexer Vokalarrangements.

Release 18.7.2025

Es ist schier unmöglich, über US-amerikanisches Songwriting zu sprechen, ohne früher oder später über den Namen Alex G – ehemals (Sandy) Alex G – zu stolpern. Seit seinem Bandcamp-Debüt im Jahr 2010 gilt der Künstler als ein musikalisches Wunderkind und modelliert den eigenen Sound unvergleichbar und faszinierend wie einen kostbaren Schatz ständig neu. Kategorien bleiben für das Potpourri aus Freak-Pop, Roots-Rock, Folk sowie dem stetigen Spiel aus Elektro- und Akustik-Parts ganz natürlich aus und doch ist es allem voran das Songwriting, mit dem Alex G Fans wie Kritik verzaubert. Seit 2010 veröffentlicht der US-Amerikaner in strammen Takt Werke, mit denen er die Entwicklung der Indie- und Alternative-Musik in den 2010ern und danach entscheidend mitgeprägt hat. Der Musiker, Produzent und Singer/Songwriter, der mit bürgerlichem Namen Alexander Giannascoli heißt, hat sich mit dem unkonventionellen und stellenweise exzentrischen Sound einen Namen gemacht und mit Größen wie Frank Ocean zusammengearbeitet. Neun Studioalben hat Alex G seit seinem Debüt veröffentlicht – und genau zu diesen magischen Anfängen wird er mit seinem kommenden Album „Headlights“ zurückgehen und sich genau auf dieses neuartig-verzaubernde Terrain zurückbewegen, mit dem er vor rund 15 Jahren erstmals bekannt wurde.

Release 18.7.2025

Die Band Lord Huron feierte mit ihrem Song "The Night We Met" einen außergewöhnlichen Durchbruch, der sie in die Herzen der Fans katapultierte. Diese Multi-Platin-Single erreichte nicht nur die Top 40 der meistgestreamten Songs auf Spotify aller Zeiten, sondern machte die Band auch international bekannt. Ihr charakteristischer melancholischer und poetischer Stil findet sich ebenfalls in ihrem mit Spannung erwarteten Album "The Cosmic Selector Vol. 1" wieder, welches als LP veröffentlicht wird.

Release 11.7.2025

Das 2te Album der von Rhian Teasdale und Hester Chambers gegründeten fünfköpfigen Band wurde produziert von Dan Carey und abgemischt von Alan Moulder, geschrieben in einem Haus an der englischen Ostküste, thematisch irgendwo zwischen Horrorfilmen, Tour-Flashbacks und Lagerkoller angesiedelt. Unterstützt von Ellis Durand (Bass), Henry Holmes (Drums) und Joshua Mobaraki (Gitarre, Synths), ist "moisturizer" ein wildes, verspieltes, fantastisches Album-Biest – eine ungezähmte Demonstration der Live-Power, die sich Wet Leg in den letzten Jahren auf endlosen Touren antrainiert haben. Schärfer, schöner und genau da schmutziger, wo es drauf ankommt – dieses Album ist ein Mix aus fiebrigen Lovesongs und eiskalten Abschiedsküssen, serviert von den schrägsten Lieblingen der britischen Musikszene. Vor der klassischen Weggabelung – "Popstar werden oder einfach weiter dem eigenen Instinkt folgen?" – entschieden sich Wet Leg mit Nachdruck für Letzteres. Also ging es erneut mit Produzent Dan Carey ins Studio. Im März 2024 zog sich die Band nach Southwold zurück: gemeinsam leben, den ganzen Tag Songs schreiben, nachts Horrorfilme gucken – bis sich eine neue, fast telepathische Dynamik entwickelte. Am Ende tragen alle fünf Bandmitglieder Songwriting-Credits auf moisturizer. "Wir hatten einfach Spaß und haben ausprobiert", sagt Chambers. "Wir haben uns gefragt: Macht das live Bock?", ergänzt Teasdale. "Deshalb war es ganz logisch, dass wir die zweite Platte zusammen schreiben.“ Den ersten Vorgeschmack gibt es mit "catch these fists" - ein elektrisierender Dance-Punk-Kracher mit brennendem Bass, kreischenden Synths und Teasdales eiskaltem Gesang. Das Video, gedreht auf der Isle of Wight, ist eine Hommage an Ti West, Cameron Crowe und ihre eigene Vergangenheit. Themen? Liebe, vor allem. In allen Facetten. Besessen, verzweifelt, himmelhochjauchzend. Teasdale hat sich verliebt - und das ganze Album klingt danach. "Ich dachte, ich sei hetero, bis ich meine Partnerin traf. Jetzt schreibe ich Liebeslieder, in denen ich nicht einem Mann hinterhertrauere - fühlt sich besser an." Auch visuell drehen Wet Leg auf: Das Cover zeigt Chambers und Teasdale mit grotesken Krallen, diabolischem Grinsen und absolut keiner Lust, sich zu erklären. Sie machen einfach. Und das klingt verdammt gut.

Release 11.7.2025

Das Debütalbum von Leroi Conroy, das zu gleichen Teilen von der Sensibilität des goldenen Hip-Hop-Zeitalters und verlorenen Filmszenen aus den 60er und 70er Jahren geprägt ist, wiegt schwer und hat Jahre der Entwicklung hinter sich. Die ersten beiden Tracks des Albums wurden 2017 als 45er veröffentlicht und in den folgenden Jahren von DJ Premier, Raekwon, Ghostface Killah, Macklemore, Phantogram und vielen anderen gesampelt. Aber nach der Veröffentlichung verbrachte Terry Cole alias Leroi Conroy einen Großteil seiner Zeit damit, sein Indie-Soul-Label Colemine Records zu vergrößern und Platten für andere zu produzieren (Okonski, Parlor Greens, Wesley Bright, BlackMarket Brass, Kendra Morris, Rudy De Anda, Delvon Lamarr Organ Trio, Andrew Gabbard), anstatt seine eigenen zu machen. Jetzt, acht Jahre nachdem viele der Rhythmustracks auf dem bewährten Tascam 388 aufgenommen wurden, erscheint Leroi Conroys Debüt-LP, "A Tiger's Tale". Das Album ist als hypothetischer Soundtrack zu einer alternativen Erzählung von Rudyard Kiplings The Jungle Book konzipiert. Die Erzählung ist das Bestreben des Menschen, die Natur zu zähmen und sie seinem Willen zu unterwerfen... und die Antwort der Natur. Das Album ist eine Mischung aus triumphalen Instrumentalpartituren und absolut düsteren, dunklen und manchmal dissonanten Moodytracks. Das zugrundeliegende Element der Hip-Hop-Sample-Kultur ist durchweg offensichtlich, und es besteht kein Zweifel, dass viele dieser Tracks in den kommenden Jahren geflippt werden. Klanglich reiht sich die Platte nahtlos in die Reihe vieler anderer Colemine Instrumentalisten ein: dreckige Lo-Fi-Drums, schmetternde Bläser, Wah-Gitarre, Hammond-Orgel und jede Menge cineastische Einsprengsel wie Flöte, Nylongitarre und Vibraphon. Das Schlagzeug stammt von Coles langjährigem Mitarbeiter Rob Houk und ist das Rückgrat des Albums. Und mit einigen Beiträgen der Colemine-Künstler Kelly Finnigan und Jimmy James ist die Platte wirklich eine Familienangelegenheit. File Under: To Be Sampled.

Release 4.7.2025

Nur ein Jahr nach ihrem Debütalbum "Postindustrial Hometown Blues" legt das Postpunk-Duo aus Birmingham Joe Hicklin (Gesang) und Callum Moloney (Schlagzeug) 13 neue Songs vor. Auf "National Average" wird fröhlich die Freak-Fahne über der daseinsfremdelnden Grundstimmung zum Flattern gebracht. Neben Punk, HipHop, Eighties-Electronic und lyrischem Blues finden sich hier auch viele popverknallte und sogar funky Momente. Gemeinsam mit ihrem Co-Produzenten Michael Clarke haben Hicklin und Moloney wieder keinen Wert auf vermeintliche Genre-Grenzen gelegt. "Es gibt da nie einen Plan im Voraus, sondern wir jammen einfach und machen das, was uns Spaß macht. Und später wird dann eben das zusammengebastelt, was uns von den Aufnahmen am meisten gefällt. Dass es dann auch mal funky wurde, ist einfach so im Moment passiert", sagt Joe Hicklin.

Release 4.7.2025

Das fünfte Studioalbum "Self Titled" ist Kaes bisher intimstes und offenkundigstes Album. "Self Titled" erforscht nicht nur, wer Kae als Artist:in ist, sondern zeigt Kae als Person. Es ist mutig, witzig und bewegend. Im Kern ist "Self Titled" ein Liebesbrief an Tempests jüngeres Ich - ein Gespräch über die Zeit hinweg, geprägt von den Menschen, Orten und Erfahrungen, die Kae ausmachen. Zu den Features gehören Neil Tennant, Young Fathers, Connie Constance und Tawiah.

Release 4.7.2025

Rival Consoles ist seit den späten 00er Jahren gleichzeitig im Vorder- und Hintergrund der elektronischen Musik zu finden; sie zauberten angespannte Melancholie für Black Mirror-Soundtracks, spielten vor 10.000 Dance-Fans in Drumsheds, verkauften die Londoner Barbican Hall aus und legten eine umfangreiche, wandernde Sammlung von Synthesizer-Alben vor, die unzählige verschiedene Stile und Ästhetiken erforschen - aber immer mit menschlichen Emotionen als Leitstern. Landscape from Memory, das neunte Studioalbum des britischen Produzenten und Musikers Ryan Lee West, erblühte nach einem frustrierenden Brachjahr abseits des Produktionstischs endlich. Für West, der das letzte Jahrzehnt damit verbracht hatte, gewohnheitsmäßig zu produzieren und zu schreiben, bedeutete die Enttäuschung über seine Kreativität eine Verlangsamung der Uhr, die ihn zum Ticken bringt, ein Gefühl, von einer elementaren Kraft verschluckt zu werden. Doch die Auszeit machte auch Platz für sein bisher stärkstes Album.

Release 4.7.2025

The Reds, Pinks & Purples ist eine Indie-Band aus San Francisco unter der Leitung von Glenn Donaldson (The Ivy Tree, Skygreen Leopards, Art Museums and Painted Shrine). Für Fans von_ Guided By Voices, The Chills, Teenage Fanclub, The Shins, The Replacements, Leonard Cohen, The Go-Betweens, Robert Wyatt. The Reds, Pinks and Purples, die in den letzten sechs Jahren über 200 Songs geschrieben haben, veröffentlichen eine Sammlung von bisher unveröffentlichten Tracks im physischen Format, die weiterhin die Wunder und Nöte der Welt romantisieren. Mit Songtiteln, die sich wie Kapitelüberschriften einer Post-Douglas-Coupland-Novelle lesen, führt "The Past Is A Garden I Never Fed" den zentralen Redner von The Reds, Pinks and Purples, Glenn Donaldson, mit einem feinen Gespür für Pathos und Ironie durch die Wirren des Smalltalks und die alltäglichen Momente am Wasserspender. Der Soundtrack schwankt zwischen den dunklen Tagen der Television Personalities und dem Byrds'schen Twang, der Rhetorik im Stil von Jarvis Cocker und der stimmlichen Zartheit von "Richard In the Age Of The Corporation" mit Anklängen an die fuzzige Pracht von Husker Du und die klingende Majestät von The Chameleons - ein ermutigender Hörgenuss. Der Pathos und die Ironie des glorreichen Tracks "The World Doesn't Need Another Band" zeigt, worauf es der Band ankommt. Es ist eine gemessene und ruhig ausgesprochene Schimpftirade auf die glanzlose Opposition, gespickt mit einem herrlichen Gitarrenbreak. I Only Ever Wanted To See You Fail" rumpelt mit einem Eddie And The Hot Rods-Pre-Punk-Riff, bevor es sich in eine Geschichte über Selbstzweifel und Reue auflöst und das Glück anderer beklagt. Toxic Friend" stammt aus der Feder von Daniel Treacey von TVP, mit einem beschwingten Refrain, der in einem Hagel aus unscharfer Logik und Gitarren alles Gute des Old-School-Indie einfängt. Von den bescheidenen Anfängen als Home-Recording-Projekt haben sich The Reds, Pinks and Purples zu einer sporadischen Live-Band entwickelt, die auf beiden Seiten des Atlantiks tourt und auf dem Pitchfork Fest London und dem Woodsist Fest auftritt sowie Support-Slots für Indie-Legenden wie Destroyer, Guided By Voices und The Feelies hat. "Donaldsons beste Arbeit versteckt den Reiz in einem größeren Bild, wie eine Jangle-Pop-Eiersuche" Pitchfork.

Release 27.6.2025

Der mehrfach ausgezeichnete Produzent und Black-Pumas-Mitgründer Adrian Quesada schlägt ein neues Kapitel auf: Mit »Boleros Psicodélicos II« interpretiert er die sinnliche Balada-Tradition Lateinamerikas neu - detailverliebt, psychedelisch und mit starkem modernen Twist. Unterstützt von Künstlern wie Angelica Garcia oder Hermanos Gutiérrez entstehen Klangbilder zwischen Nostalgie und Gegenwart. Ein Album für Liebhaber romantischer Grooves und audiophiler Entdeckungen.

Release 27.6.2026

Robert Randolph, einer der 100 größten Gitarristen aller Zeiten (Rolling Stone), begeistert mit seinem einzigartigen Mix aus Rock, Blues, Americana und Soul. Als Frontmann der Family Band wurde er vierfach für den Grammy nominiert, nun startet er mit seinem Soloalbum 'Preacher Kids' auf Sun Records durch. Produziert von Shooter Jennings, verbindet das Album rohe Energie mit Randolphs unverwechselbarem Lap-Steel-Sound. Aufgenommen in legendären Studios in LA und Nashville, markiert es einen neuen Meilenstein seiner Karriere.

Release 27.6.2025

Nach mehr als einem Jahrzehnt des Musikmachens sind Durand Jones & The Indications als Einheit aufgeblüht und sonnen sich in ihren Erfolgen. Auf ihrem treffend betitelten neuen Album "Flowers" zeigen The Indications ihr wahres Gesicht, indem sie all ihre Wurzeln und Einflüsse, ihre Reife und ihr Selbstvertrauen in die Waagschale werfen und sie mit der Welt teilen. Seit ihrer Gründung im Jahr 2012 hat der Weg The Indications von ihren Ursprüngen an der Indiana University, Bloomington, auf die globale Bühne geführt, mit ausverkauften Shows in Europa, Japan, Australien und Neuseeland bis hin zur Westküste, wo DJI eine starke Anhängerschaft unter den Lowrider- und Vintage-Soul-Enthusiasten hat. So weit Durand Jones & The Indications auch gekommen sind, Flowers entstand aus dem Wunsch, zu ihren Wurzeln in einem Keller in Bloomington zurückzukehren, einem Ort, an dem sie zum ersten Mal Kameradschaft in düsterem Funk und Südstaaten-Soul fanden, der sie zu ihrem selbstbetitelten Debüt inspirieren sollte. Flowers ist die nächste Stufe der inspirierten, souligen Diskografie von DJI, die klanglich und spirituell von allen früheren Veröffentlichungen der Gruppe und ihrer Soloarbeit zehrt. DJI nehmen ihre Blumen nicht nur an, sondern geben sich ihrem süßen und sexy Duft hin.

Release 27.6.2025

Der US-amerikanische Rapper Playboi Carti veröffentlicht sein langersehntes viertes Album »Music.

Nach gut fünf Jahren Wartezeit überrascht der Gründer des Opium-Kollektivs nach dem Vorgänger »Whole Lotta Red« seine Fans mit einem Southside-Trap Album und bricht bereits innerhalb der ersten Tage Rekorde. In dem 30-Track starken Projekt präsentiert er brandneue Songs, wie »Evil J0rdan«, »Rather Lie« und »Mojo Jojo«. Mit beeindruckenden A-List Features, wie Kendrick Lamar, Travis Scott, Young Thug, Future, Skepta und The Weeknd, stellt dieses Album ein absolutes Highlight in der Hip-Hop Szene dar. Erhältlich auf schwarzem Doppel-Vinyl.

Release 20.6.2025

Mit hopefully ! meldet sich Loyle Carner eindrucksvoll zurück – persönlicher, ehrlicher und emotionaler denn je. Der vielfach ausgezeichnete britische Rapper, bekannt für seine intime Lyrik und seinen einzigartigen Mix aus Hip-Hop, Jazz und Soul, zeigt auf seinem vierten Studioalbum neue künstlerische Tiefe. Entstanden aus einer intensiven Phase als junger Vater, reflektiert das Album Themen wie Familie, Selbstfindung und Hoffnung - getragen von Live-Instrumentals, neuen Sounds und beeindruckender Verletzlichkeit. hopefully ! ist kein lauter Paukenschlag, sondern ein echtes Herzensprojekt.

Release 20.6.2025

Im Jahr 2021 veröffentlichte Douglas Dulgarian von der Band TAGABOW die allererste Kassette auf seinem brandneuen Labelprojekt Julia's War Recordings. Es war eine gemeinsame EP der Freunde Jake und Karly namens »Guttering«, die unter ihren Pseudonymen MJ Lenderman & Wednesday veröffentlicht wurde. Bei der Erstveröffentlichung drückte Stereogum es perfekt aus, als sie sagten, dass »die sechs selbst aufgenommenen Tracks von Guttering einige der besten Aspekte der Arbeit der beiden Künstler präsentieren, indem sie seufzende Harmonien gegen dichte Powerchords setzen und den Mix gelegentlich mit einer schrägen Leadgitarre würzen.«

Jetzt ist es 2025 und MJ Lenderman und Wednesday sind zwei der größten Namen im Indie-Rock. Wednesday hatten 2023 einen Durchbruch mit der Veröffentlichung ihres ausgezeichneten Dead Oceans-Debütalbums »Rat Saw God«, das in zahlreichen Jahresendlisten auftauchte. 2024 veröffentlichte MJ Lenderman sein Anti-Debüt mit »Manning Fireworks«, das ihn zum Indie-Star werden ließ. Auf die Veröffentlichung des Albums folgten eine Reihe ausverkaufter Tourneen und eine ebenso beeindruckende Liste von Auszeichnungen am Jahresende. Beide Bands haben sich in den letzten vier Jahren eine begeisterte Fangemeinde erspielt. Die Veröffentlichung dieser frühen gemeinsamen EP zeigt, wie weit sie gekommen sind und welchen magischen Funken die beiden in jenen frühen Tagen hatten, bevor die Welt zuschaute.

Für Fans von Pavement, Cat Power, Built To Spill, Drive By Truckers, Dinosaur Jr, Songs: Ohia, Waxahatchee, Advance Base, Palehound

Release 20.6.2025

Die Songs des 4ten Albums der aus The Drones hervorgegangenen Band lassen in das Chaos des schicksalhaften Erdrutsches eintauchen, der den drohenden Zusammenbruch der Gesellschaften zur Folge haben könnte. Sauer, bissig, anarchisch: TFS unterstreichen mit ihrer charakteristischen, unverkennbaren Mischung aus knurrenden Gitarren, pulsierenden Rhythmen und explosiven Salven ihre Ausnahmestellung und Relevanz und durchstreifen so zwischen Licht und Dunkelheit das australische Outback. Das stimmliche Zusammenspiel zwischen Gareth Liddiard und den gesanglichen und instrumentalen Harmonien von Bassistin Fiona Kitschin und Gitarristin, Keyboarderin und Sängerin Dunn sowie untypischem Drums-Acting von Lauren Hammel gleicht einem Balanceakt, der durch die verzweifelten Erzählungen, die sich aus ihrer kollektiven Psyche entwickeln, noch verstärkt wird.

Release 20.6.2025

Großartiges Debütalbum einer australischen Formation, die seit 2021 durch die dortige Szene geistert und seither ein paar digitale Goodies veröffentlichte. Wenn man die Existenz der Band anhand ihrer Aufnahmen nachvollzieht, wird man Zeuge des Wandels dreier Menschen, die lernen, aufeinander zu reagieren und behutsam zu einer kollektiven Vision zu erstarren, die gleichzeitig an die Intimität von Folksongs, die Dynamik des Post-Punk und die kunstvolle Poesie eines benachbarten Flying Nun-Erbes erinnert. Heißer Tipp für Fans von The Clean, Floodlights, Dry Cleaning.

Release 13.6.2025

Die Gitarren werden gezückt, und die Messer werden gezogen. Auf dem Rhythmus einer Welt, die aus den Fugen gerät, passen THE YOUNG GODS ihr Feuer an und schlagen mit regenerierter Kraft zu. Das neue Album «Appear Disappear» erscheint am 13. Juni 2025.

Von der ersten Sekunde von «Appear Disappear» an zerreisst die Sechssaitige den Raum und zeigt ihre Zähne in einem elektrischen Heulen. Das Trio hat sich auf seine offensivsten Grundlagen besonnen, auf die Kunst des akustischen Kampfes, die nie überflüssig ist, wenn überall Krieg herrscht.

Ein Album des Widerstands. Mit seinen Themen und seiner Intensität führt es mitten ins Herz des Netzes, in das Gehirn des Monsters, das Che Guevara in der Schweiz ansiedelte und das hier noch immer so komfortabel gedeiht. Aber es ist nicht unmöglich, sich ihm zu stellen. «Appear Disappear soll eine Reflexion über unsere Verwicklung in die Probleme der Welt und unsere Fähigkeit, uns zu positionieren.

Wie können wir reagieren, wie können wir das Richtige tun in der Unmenge an Daten, die wir jede Sekunde verarbeiten?», fragt Franz Treichler. Das Lied «Mes yeux de tous», das von Cesare Pizzi (Sampling, Elektronik) und Bernard Trontin (Schlagzeug) mit Elektroimpulsen in den Himmel geschleudert wird, stellt die gleiche schwindelerregende Frage. Wie können wir verhindern, dass wir von der "Cloud", die wir speisen, verdaut werden?

Release 13.6.2025

Auf dem Begleitalbum zum Album "Flight B741" von 2024, das während der gleichen Sessions aufgenommen wurde, erweitern King Gizzard ihren Sound um ein komplettes Orchester auf den 10 Tracks! Dieses Album wird von einer Welttournee von Mai bis August 2025 begleitet! King Gizzard kombinieren ihre unverkennbare Psych-Rock-Energie mit mitreißenden Orchesterarrangements und nehmen den Hörer mit auf eine psychologische Reise in die Psyche, die ihre eigene 'Phantom-Insel' aus Illusionen, Ängsten und Chaos erschafft.

Release 13.6.2025

»Mixes Of A Lost World«, konzipiert und zusammengetragen von Robert Smith, ist eine neue Remix-Sammlung von Tracks aus The Cures gefeiertem #1 Album »Songs Of A Lost World«, das im November 2024 erschien.

Das neue Set enthält 16 brandneue Remixe von Künstlern wie Four Tet, Paul Oakenfold, Orbital und vielen anderen. Die Deluxe-Edition enthält zusätzlich Remixe und Reworks von Chino Moreno (Deftones), Mogwai, 65daysofstatic und vielen mehr. Bei den Künstlern handelt es sich um Freunde von Robert, die die Songs in einer atmosphärischen und stimmungsvollen Art und Weise kreiert haben. Sie sind es, die diesem unglaublichen Album ihre Tiefe verleihen. Die meisten von ihnen stammen selbst aus Bands und begeben sich mit ihren Kreationen auf einen neuen Weg der Entdeckung.

Release 13.6.2025

Das siebte Album des 41-jährigen Multiinstrumentalist und Komponisten ist ein selbstbewusstes, aufbauendes und hoffnungsvolles Album , das von der transformierenden Kraft der Trauer um den Tod seiner Mutter, von Folklore, der Landschaft Kents und dem Zustand Englands inspiriert ist. Als Gastmusiker hat Patrick seine langjährigen Freunde Zola Jesus, Serafina Steer und Seb Rochford mit ins Boot geholt.

Release 6.6.2025

Es hat sich angedeutet, seit vor ein paar Tagen große Billboards in L.A. aufgetaucht sind, jetzt ist es amtlich: Turnstile sind zurück! Im Juni 2025 erscheint »Never Enough«, das sehnlich erwartete neue Album der Band und ihr erstes seit vier Jahren. Aufgenommen zwischen Los Angeles und dem heimischen Baltimore, wurde »Never Enough« von Turnstile-Frontmann Brendan Yates produziert.

Das Ergebnis: ein wuchtiges, ruheloses Album, das den unverwechselbaren, genreübergreifenden Sound der Band weiterdenkt – energiegeladen, unerschrocken und voller Leben. Eine musikalische Metamorphose von einer der spannendsten und einflussreichsten Bands ihrer Generation.

»Never Enough« folgt auf das gefeierte Vorgängeralbum »Glow On«, das Turnstile vier Grammy-Nominierungen einbrachte und in Deutschland die Top 10 der offiziellen Charts erreichte.

Release 5.6.2025

Erstes Album seit fast 24 Jahren. Erster Vorbote ist die hymnische Single "Spike Island, die mit ihren Synthesizern, Violinen und Slidegitarren von James Ford (Arctic Monkeys, Fontaines DC) produziert wurde, welcher auch die Produktion des Albums verantwortet. Die textliche Inspiration zu "Spike Island" stammt von Co-Autor Jason Buckle (Relaxed Muscle), der beim berüchtigten '90er Spike Island Gig der Stone Roses anwesend war. Ein DJ hatte dort den ganzen Tag lang wieder und wieder "Spike Island, come alive!" ins Mikro gerufen, womit er nicht nur dem anwesenden Publikum gehörig auf die Nerven ging, sondern sich auch in Jarvis Cockers Kopf festsetzte - der nun bereits den zweiten Song über Spike Island schrieb, obwohl er beim Konzert selbst gar nicht anwesend war.

Release 6.6.2025

Das sechste Studioalbum der großartigen britischen Rapperin. Der Albumtitel steht für Simz als Symbol für Erneuerung und Wachstum – ein zentrales Thema, das sich durch die musikalische und inhaltliche Reise des Albums zieht und die komplexen Phasen des Lebens reflektiert. Der donnernde Drum-Beat von "Flood" markiert den Beginn eines neuen, mutigen Kapitels für Little Simz. Mit rauer, fast knurrender Stimme trägt sie ihre Zeilen vor – ein einzigartiges Instrument für sich, das sich dynamisch mit dem treibenden Groove des Tracks verändert. Die energiegeladene Produktion von Miles Clinton James bringt zwei markante Stimmen zusammen: den langjährigen Wegbegleiter Obongjayar und die elektrisierende Moonchild Sanelly. Das Ergebnis ist ein hypnotischer, roher Sound, der die kontinuierliche Weiterentwicklung von Little Simz unterstreicht. Das beeindruckende Musikvideo zu "Flood", inszeniert vom gefeierten Filmemacher Salomon Ligthelm, gibt einen ersten visuellen Einblick in die Welt von "Lotus".

Release 6.6.2025

Das junge Trio, bestehend aus Asher Case (Bass, Baritongitarre, Gesang), Isaac Lowenstein (Schlagzeug, Synthesizer) und Kai Slater (Gitarre, Gesang), macht seit seiner Highschool-Zeit zusammen Musik, also fast ein Viertel ihres Lebens. Laut und direkt, kryptisch, aber mit Herz, lassen sie sich in ihren Songs von Punk, Dub, Power-Pop und experimentellen Klängen inspirieren und bringen alles in einem explosiven Sound of Now zusammen Das Album, das letztes Jahr in Chicago mit dem Produzenten Randy Randall (No Age) aufgenommen wurde, fängt eine klaustrophobische Verschrobenheit ein, die das Gefühl und die Energie von Hauspartys und dicht gedrängten Räumen heraufbeschwört, wo die Ohren leicht überwältigt werden und zerlumpte Improvisationen sich mit der gleichen Kraft verbinden wie melodische Hooks. Schon beim 2023er SWSW gehörte die Band zu den absoluten Geheimtipps und überzeugte mit ihren mitreißenden Live-Shows, von denen man sich letztes Jahr auch hierzulande ein Bild machen konnte. Im Zuge der Album-Veröffentlichung kehrt die Band für zwei Shows nach Deutschland zurück und spielt am Release-Tag in Berlin! Lifeguard gehören zur Speerspitze neuer Bands, deren kreativer Schmelztiegel sich in und um Chicago herum befindet und jüngst auch die Band Horsegirl hervorbrachte. Die Szene besteht aus Musikern, Fanzine-Machern und Konzertveranstaltern und ist inspiriert von der DIY-Indie-Bewegung der 90er. Matador Records

Release 6.6.2025

McKinley Dixon’s Durchbruch begann in 2021 mit dem vielgeliebten "For My Mama and Anyone Who Look Like Her" und setzte sich 2023 mit "Beloved! Paradise! Jazz!“ fort, beides instrumentenreiche Glanzleistungen im Geschichten erzählen, die sich mit dem Trauma und der Trauer über den Verlust eines jungen Freundes befassen. Das neue nicht weniger bedeutungsvolle Album "Magic, Alive!“ setzt in vielerlei Hinsicht die Arbeit seiner Vorgänger fort: Es ist die Geschichte von drei Kindern, die ihren besten Freund verlieren sowie eine umfassende Betrachtung dessen, was Magie im Leben ausmacht. Kann Magie der Glaube an etwas sein, das wir nicht sehen können, genauso wie das Vertrauen in Wunder, Zaubersprüche und Portale für etwas, das jenseits unserer eigenen Erfahrung liegt? "Magic, Alive!" wurde ins Leben gerufen, als Dixon eine unerwartete E-Mail vom englischen Produzenten Sam Yamaha erhielt. Dixons frühe Beats hatten Yamahas eigene Arbeit inspiriert. Es dauerte nicht lange, und Dixon traf sich mit ihm in London und wühlte sich durch sein Archiv, um eine Fülle von Beats zu finden, die mit seinem eigenen Ansatz und dem aufkeimenden Konzept für "Magic, Alive!" übereinstimmten. Im Juli 2024 kehrte Dixon in seine Heimatstadt Richmond im US-Bundesstaat Virginia zurück und brachte eine Reihe von Sounds von Sam Yamaha und Koff mit, mit dem er bereits zusammengearbeitet hatte. Zusammen mit einer Reihe von Gästen und Freundinnen, von der Sängerin Anjimile und dem einfallsreichen Alabama-Emcee Pink Siifu bis hin zu Posaunist Reggie Pace und Harfenist Eli Owens, hat Dixon diese Beats weit aufgespalten und mit Hooks, Bläsersätzen und Gastauftritten versehen. Außerdem hat er mehrere Songs aneinandergereiht, so dass sich "Magic, Alive!" wie ein Traum bewegt oder zumindest wie eine alternative Realität, in der neue Regeln herrschen.

Release 30.5.2025

Die Gruppe verbrachte 18 Monate mit verschiedenen Schreibsessions in Großbritannien, wobei die Aufnahmen hauptsächlich in den Big Jelly Studios in Ramsgate stattfanden. Produziert wurde das Album von Jasper Llewellyn, Casper Hughes, Mike O"Malley und Syd Kemp, gemischt von Jason Agel und gemastert von Heba Kadry. Das neue Album "caroline 2" beginnt mit einer lauten Gitarre, die den Sound und gleichsam die Marschroute für das neue Album vorgibt. Dabei gibt sich der Klangkosmos von caroline weiterhin als unergründlich. Voller euphorischer Tiefen und musikalischer Fallstricke, die einen zurück auf einen gemütlichen Soundteppich ziehen. Und dennoch klingt auch das neue unverkennbar nach der Band, die man nicht in Schubladen stecken kann. In gewisser Weise macht das zweite Album von caroline somit da weiter, wo sein Vorgänger aufgehört hat - das grandiose, selbstbetitelte Debüt von 2022 endete mit "Natural death", auf dem sie ebenfalls die Möglichkeiten von hypnotischen Gitarrenmustern erkundeten -, aber in vielen anderen Bereichen betreten sie Neuland. Das Ergebnis ist ein Album von außerordentlicher Tragweite, auf dem das Organische und das Künstliche, das Raue und das Schöne, das Ursprüngliche und das Verschwommene aufeinanderprallen und sich miteinander verbinden.

Release 30.5.2025

Niemand kann einem selbst so gut helfen, etwas Schönes zu schaffen, wie diejenigen, die man am besten kennt. Alan Sparhawk weiß das sehr gut. In seiner Zeit in Low hat er mit seiner Frau und lebenslangen kreativen Partnerin Mimi Parker jahrzehntelang mitreißende Musik gemacht. In den letzten Jahren ist er in ganz Minnesota mit seinem Sohn Cyrus mit DERECHO Rhythm Section aufgetreten, einer Funk-Band, in der auch seine Tochter Hollis häufig singt. Diese Art von Dynamik bringt eine unersetzliche Natürlichkeit mit sich. Diejenigen, die dich kennen, verstehen dich. Sie lieben dich. Sie wollen dir helfen, deine größten Leidenschaften zu verwirklichen. So war es nur logisch, dass Sparhawk sich an die Duluth-Musiker von Trampled by Turtles wandte, um seine neueste Platte zu realisieren. Trampled by Turtles sind Freunde und Schüler von Low, die Sparhawk und Parker seit ihren Anfängen als Barband unter ihre Fittiche genommen haben, und sind im Laufe der Jahre unzählige Male mit Sparhawk aufgetreten. Die Verbundenheit mit Duluth sitzt tief: "Es gibt eine gewisse Stimmung, die mit dem Underdog-Syndrom zu tun hat, wenn man aus einer kleinen Stadt kommt", sinniert Sparhawk. "Ein Teil davon ist die seltsame Erschöpfung und Nachlässigkeit, die einen überkommt, wenn man der Natur ausgeliefert ist. Das macht einen demütig." Nach Parkers Tod im Jahr 2022 luden die Trampled by Turtles Sparhawk ein, sie auf ihrer Tournee zu begleiten, um ihm die Möglichkeit zu geben, von Freunden umgeben zu sein. Gelegentlich gesellte er sich zu ihnen auf die Bühne. Jedes Mal, wenn sie zusammen spielten, war die überströmende Liebe spürbar, eine Welle der Wärme. Warum sollte man aufhören, wenn das Zusammenspiel so stark ist? Im Winter 2024 erschufen Sparhawk und Trampled by Turtles zusammen "With Trampled by Turtles", und es ist genau das, was der Name schon sagt: ein kollektives, gemeinschaftliches, brüderliches und einfühlsames Album. Ein Gefäß für Trost, eine Erinnerung an die Harmonie, die entstehen kann, wenn man von denen umgeben ist, die einem am nächsten stehen. Während sich "White Roses, My God", Sparhawks letztes Album, kopfüber in die elektronische Musik und radikale Gesangsmodulationen stürzte, lehnt sich "With Trampled by Turtles" an die Folk- und Bluegrass-Stilistiken seiner Begleitband an, wobei Sparhawks Stimme nun völlig ungeschminkt ist. "With Trampled by Turtles" ist weit mehr als nur Alan Sparhawk und Trampled by Turtles. Es ist eine Bestätigung all der Menschen, die in Sparhawks Leben und seiner Musik eine wichtige Rolle gespielt haben, und eine Gelegenheit, jede ihrer Gaben ins Licht zu rücken. Es ist der Produzent Nat Harvie, der seit Jahren mit ihm zusammenarbeitet und auftritt. Es ist Sparhawks Tochter Hollis, die mit ihrem Vater ein Duett auf "Not Broken" singt. Und es ist auch Mimi Parker: "Too High", ‚Princess Road Surgery' und ‚Not Broken' waren alles Stücke, an denen sie und Sparhawk in den letzten Jahren gearbeitet hatten. Diese Songs haben endlich einen Rahmen gefunden, der sie auf mitreißende Weise in Erinnerung ruft, unterstützt von einem vollen Ensemble, das jede Note zum Singen bringt. Ihre Anwesenheit ist eine Art ewige Verbindung zu Parker, eine Art und Weise, wie ihre musikalische Anmut weiter erblühen wird.

Release 30.5.2025

Get Sunk ist eine Ode an das Unendliche. Es bringt mit dem Pinsel gestrichene, verschwommene Erinnerungen an die Oberfläche, die sich zu einem Haufen von Farben und Verbindungen anhäufen, der sich über die Individualität hinaus in eine endlose Veränderung erstreckt. Unter Wasser bewegt sich alles in Zeitlupe, und Matt Berninger sah seine kreative Stimme mit der Strömung entgleiten. Aber manchmal müssen wir ertrinken, um uns daran zu erinnern, wie man atmet. Get Sunk ist das reinigende Einatmen. Es ist der Anblick des wogenden Spiegelbilds im Wasser und die Erkenntnis, dass man nicht man selbst ist ohne tausend andere: Eltern, Freunde, Geschwister, Ehepartner und Ex-Freunde, College-Mitbewohner, beste Freunde aus der Kindheit, Cousins und Cousinen, sogar Fremde - all das macht den Geist des Erzählers von Get Sunk aus. Berninger wollte herausfinden, warum er liebt, was er tut, und es ist der kollaborative Geist des Albums und die lockere, sich entfaltende Haltung, die Berninger aufblicken und die Wärme in seinem Gesicht spüren ließ. Wenn wir in uns selbst versinken, stellen wir oft fest, dass wir eigentlich mit anderen schwimmen.

Release 23.5.2025

Das erste Stereolab-Album seit 15 Jahren mit 13 neuen Studioaufnahmen. Eingespielt wurde das Werk von Laetitia Sadier, Tim Gane, Andy Ramsay, Joe Watson und Xavi Muñoz, mit Gastbeiträgen von Cooper Crain und Rob Frye von Bitchin Bajas, Ben LaMar Gay (Komponist/Jazz-Multiinstrumentalist), Holger Zapf (Cavern Of Anti Matter), Marie Merlet (Monade) und Molly Read, und weiteren. Die Band wird das ganze Jahr 2025 über live spielen - in Europa, Nordamerika, Südamerika und Großbritannien. Das neue Album folgt auf "Not Music" aus dem Jahr 2010, remasterte und erweiterte Neuauflagen von sieben ihrer Alben im Jahr 2019 sowie die Bände 4 und 5 der "Switched On"-Reihe, die 2021 bzw. 2022 erschienen.

Release 30.5.2025

Ty begibt sich auf den großen Himmelspfad unseres guten alten Grenzreichs und entdeckt hinter jeder Kurve neue Knaller und inspirierte Klänge. Die Texte wurden von seinem langjährigen Mitarbeiter, dem Filmemacher Matt Yoka, mitgeschrieben. Die glitzernden Rhythmusarrangements von Ty bewegen sich mit frischem Schwung und laden zu Streicher- und Bläsereinlagen ein, um die Ladung rechtschaffen voranzutreiben. Du bist auch eingeladen! Lassen Sie sich den Trip nicht entgehen - das Land inspiriert Sie auf Tys hochoktaniger Fahrt.

Release 30.5.2025

Neues Album, das im Laufe einer einjährigen Tournee 2023-2024 entstand. Die Erstpressungen der Deluxe-CD enthalten eine Bonus-DVD mit Swans Live 2024 (Rope) The Beggar, einem Konzertfilm von Marco Porsia, der die letzte US-Tour der Band dokumentiert. Die DVD enthält außerdem "I Wonder If I´m Singing What You´re Thinking Me To Sing", eine Dokumentation von Christopher Nicholson über Michael Gira´s Solotournee 2022. "Birthing", das durch unerbittliche Improvisation und Live-Performance sowie neu komponierte Studiostücke verfeinert wurde, ist ein Zeugnis von Michael Giras kompromissloser klanglicher Vision. Die Songs, die als akustische Kompositionen begannen, wurden im Studio mit langjährigen Live-Mitgliedern und Kollaborateuren schrittweise erweitert und transformiert. Produziert von Gira, wurde das Album in der Soundfabrik Berlin aufgenommen, im Candy Bomber Studio von Ingo Krauss gemischt und von Doug Henderson bei Micro-Moose gemastert.

Release 6.6.2025

Zwei Jahre nach der Veröffentlichung der Frontier's Edge EP meldet sich die Budos Band mit ihrem ersten vollständigen Album seit Long in the Tooth von 2020 zurück. Das neue Album trägt den schlichten Titel VII und zeigt, was sie am besten können: hypnotische, bläsergespickte Grooves, die gleichermaßen bedrohlich und hypnotisierend wirken. Produziert von Budos-Gitarrist Tom Brenneck und Simon Guzmán als Produzent, enthält VII 11 dicht konstruierte neue Tracks, die sich aus dem breiten Spektrum der Einflüsse der Gruppe speisen und so klingen, wie es nur die Budos können. Es ist Musik zum Runterkommen, für nächtliche Autofahrten und für alternative Kopfräume _ eine betörende Mischung aus Mysterium und Rhythmus, die sich mit den formidablen Arbeiten messen kann, die sie in den zwei Jahrzehnten ihres Schaffens veröffentlicht haben. VII wurde in Kalifornien aufgenommen und ist das erste Album der Budos Band auf Diamond West, dem unabhängigen Label, das 2023 von Tankel und Brenneck gegründet wurde. Es ist auch das erste Album der Gruppe mit instrumentalen Beiträgen des Schlagzeugers Rich Tarrana, der zuvor bei den Frightnrs spielte. Alles in allem gelingt es der Band, neue Klangräume zu erschließen und gleichzeitig der intuitiven, einzigartigen Musikalität treu zu bleiben, die sie von Anfang an zu einer solchen Sensation gemacht hat.