Release 20.9.2024

Das zwölfte Studioalbum ist eine krönende Darbietung ihrer Stimme in all ihrer metamorphen Pracht. “I was ready to make an album that truly featured my voice. The basics were recorded like they used to be- with me singing live along with the band. My good friend said told me this is the sexiest album I’ve ever made. Honestly, I think she’s right.” Die Platte ist eine Nocturne über Liebe und Verlust und eine Abrechnung mit unserer kollektiven Desorientierung, zwischen Festhalten und Loslassen. Joan tourte um die Welt, trat in Spelunken und Konzertsälen, bei unabhängigen Musikfestivals und bei der BBC auf und arbeitete mit einer Vielzahl von Berühmtheiten zusammen, darunter Lou Reed, Rufus Wainwright, Tony Allen, Damon Albarn, John Cale, Laurie Anderson, Sufjan Stevens, Anohni, Beck, Meshell Ndegeocello, Toshi Reagon, David Byrne und Daniel Johnston. Sie nahm an drei Africa Express-Projekten teil, unterrichtet am Clive Davis Institute of Recorded Music an der NYU, lebt in Brooklyn und liebt die Welt.

Doors 19.00 Uhr

Hank Shizzoe beweist mit seinem neuen Album «One More Day» erneut, dass er zu den Meistern seines Fachs gehört. Zusammen mit einer hochkarätigen Band hat der Gitarrist, Sänger und Songwriter im Winter 2024 13 Songs eingespielt. Das musikalische Spektrum reicht von schnörkellosem Rock und zurückgelehntem Rockabilly bis zu kraftvollen Balladen und zartem Folk.

Hank's 17. Album «One More Day» erscheint am 16. September auf CD, als limitierte Doppel-LP und als Hi-Res-Master-Download.

Das Hause Peppers freut sich auf eine gemeinsame Listening Session inkl. Live-Einlagen feat. Tom Etter und Barbetrieb.

Eintritt Kollekte

Release 13.9.2024

»The Greatest Love« folgt auf das von der Kritik hochgelobte, auf Platz 1 gelandete Album Californian Soil, das 2021 veröffentlicht wurde und der Band ihre zweite BRIT-Nominierung als beste britische Gruppe einbrachte. Das neue Album, das mehr als ein Jahrzehnt nach dem ersten Auftritt des Trios erscheint, ist ein Fest im Sound einer Band, die die Vergangenheit ruhen lässt und ein neues Gefühl von Freiheit erfährt.

Die erste Single House verkörpert den neuen Weg von London Grammar, denn Frontfrau Hannah Reid liefert den kompromisslosen Text: Dies ist mein Platz, mein Haus, meine Regeln. Über die Single sagt Hannah: »In House geht es darum, Grenzen um sich selbst zu ziehen. Als ich auf die Dreißig zuging, änderte sich meine Denkweise, und ich fühlte mich nicht mehr als Opfer von irgendetwas - alles lag in meiner Macht. Ich dachte, Musik machen sollte Spaß machen, und das werden wir auch tun.«

Als Teenager an der Universität gegründet, ebnete ihr bahnbrechendes, mit Doppel-Platin ausgezeichnetes Debüt »If You Wait« den Weg für eine äußerst erfolgreiche Karriere der Band, deren seltene Langlebigkeit London Grammar fest in der britischen Popkultur verwurzelt hat. Heute, mehr als 10 Jahre später, hat die Band weltweit mehr als 3 Millionen Alben verkauft, zwei Nummer-1-Alben, 1 Milliarde Streams, einen Ivor Novello und zahlreiche BRIT Award-Nominierungen vorzuweisen.

Release 13.9.2024

Kein anderes analoges Medium war den Musikerinnen un Musikern so nahe wie das Tonband. Schallplatten und Musikkassetten waren Consumer-Medien, die Bandmaschinen standen in den Studios, auf sie wurde die Musik abgemischt - und ab band wurde die Musik direkt von den Künstler*innen abgehört. Trotzdem istm dieses Medium wie kaum ein anderes vom Verschwinden bedroht. Zu kompliziert, zu teuer und zu viel Platz beanspruchend in einer Zeit, in der man lange meinte, die Digitalisierung der analogen Medien sei die Lösung aller Probleme.

Dennoch ist heute bei Konument*innen, aber auch beim Radio und vielen Labels eine Trendwende im Gange. Über analoge Medien findet eine wichtige Auseinandersetzung mit dem audiovisuellen Erbe der Schweiz statt. Dies ist eine Verantwortung, die zum Glück wieder stärker wahrgenommen wird.
Um dieses Medium lebendig und im wahrsten Sinne des Wortes im Umlauf zu behalten, veröffenticht das nicht-kommerzielle Label Plasma Records & Tapes in limitierten Auflagen voll analoge Kopien der ursprünglichen Masterbänder Schweizer Bands.

2023 wurde als erstes Release ide Masterbandkopie des Albums "Masks" der Monsters aus Bern veröffentlicht. Hierauf folgt nun das Band mit Aufnahmen von CHlöisu Friedlis Studio Sessions 1980-1981 als nächstes Projekt. Die Veröffentlichung erfolgt in Zusammenarbeit mit dem Label Fata Morgana und dem Verein Tonbandjagd Schweiz.

Diese Musik als direkte Kopie der Studiobänder herauszugeben, freut mich persönlich sehr. Es scheint mit eine würdige Erinnerung an Chlöisu Friedli. In den 80ern war ich als junger Punk unterwegs und hörte entsprechende Musik - aber ich kann noch sehr gut erinnern, wie mich die Musik von Chlöisu in ihrer Authentizität und mit ihrer staken Texten beeindruckte, als ich die LP "wohäre geisch" zum ersten Mal hörte. Diese Musik und das spannende Medium Tonband unter die Menschen zu bringen ist mir ein Anliegen.
Herzlichen Dank an Urs Hostettler, Sylvia Vananderoye, Jule Friedli und alle Freunde und Unterstützer*innen, welche diesen Release möglich gemacht haben.

Bern, März 2024
Steff Bossert, Plasma Records & Tapes Bern


Technische Angaben:

Dieses Release ist auf 75 Exemplare limitiert, nummeriert und einzeln gefertigt.
AAA voll analoger Transfer. Von der originalen Studioaufnahmewurde zuerst ein Produktionsmaster mit den Stücken zusammengestellt. Von diesem Produktionsmaster werden die analogen Kopien ohne irgendwelche Bearbeitung einzeln erstellt.

Verwendete Maschinen für die analoge Kopie:
Studer C37 und Telefunken M15a. Alle Maschinen komplett revidiert und von professionellen Technikern eingemessen.

1/4“ Halbspur, Stereo
38 cm/s, CCIR, 510 nWb/m
Trennspur 0.75 mm
RTM SM911
Andere Spezifikationen wie NAB, 19 cm/s und 320 nWb/m auf Anfrage.

https://tonbandjagd.ch/chloisu-friedli-studio-sessions

Release 11.10.2024

Isolation Berlin sind Max Bauer (Gitarre/Orgel), David Specht (Bass), Simeon Cöster (Schlagzeug) und eben Tobias Bamborschke (Gesang und Gitarre). Nach einer EP-Collection und drei Alben ist "Electronic Babies" nun ihr viertes Album und erscheint am 11.10.2024 Seit die Selbstinszenierung des Einzelnen zum Ultimum erklärt wurde, sind Bands aus der Mode gekommen. Zeitgeistigen Aspekten steht die Band Isolation Berlin jedoch mit Sicherheit gleichgültig gegenüber. Stattdessen kreieren sie ihr eigenes Genre und nennen es treffend Protopop. Tobias Bamborschkes Gesang ist eindringlich, melancholisch, mitunter nihilistisch. Das Spektrum der Band reicht von Pop über Rock bis zum Chanson. Und es ist gewiss kein Zufall, dass Sven Regener von Element of Crime auf dem neuen Album als Trompeter in Erscheinung tritt. Auch die Shoegazing-Anklänge des Plattencovers kommen nicht von ungefähr. Aber viel wichtiger sind das Leid, die Wut und der Humor in der Musik von Isolation Berlin. So etwas findet sich heutzutage nur noch selten. Aufgenommen, arrangiert und produziert haben Isolation Berlin "Electronic Babies" in ihrem eigenen Proto-Pop-Studio. Für zwei der elf Titel hat sich die Band allerdings Moses Schneider als Co-Produzenten hinzugeholt. Das will was heißen, denn bisher haben Isolation Berlin Produzenten strikt abgelehnt und stets alles komplett selbst gemacht. Dass sie dazu in der Lage sind, haben sie längst bewiesen und beweisen sie auch auf diesem Album wieder. Danke Isolation Berlin für Eure Musik!

Release 4.10.2024

Insgesamt enthält das von Sam Petts-Davies produzierte Album, das auf "Wall of Eyes" aus dem Januar und das 2022er-Debüt "A Light For Attracting Attention" folgt, zehn neue Tracks. "Cutouts" wurde zur gleichen Phase wie "Wall Of Eyes" in Oxford und den Abbey Road Studios aufgenommen und enthält String-Arrangements vom London Contemporary Orchestra. Das Artwork von Stanley Donwood und Thom Yorke entstand während der Aufnahmen. "Cutouts" ist bereits das zweite Studioalbum der Band in weniger als einem Jahr. Sein Vorgänger erreichte Platz 4 der deutschen Albumcharts und die Nummer 3 in UK. Thom Yorke veröffentlichte im April außerdem den Score zu Daniele Luchettis Film "Confidenza" und kündigte eine Solotour für Neuseeland, Australien, Singapur und Japan an. Jonny Greenwood arbeitet aktuell am Score zu Paul Thomas Andersons kommenden Film "The Battle of Baktan Cross". Tom Skinner hat das Album "Voices of Bishara Live at mu" veröffentlicht und tourt mit seinen Soloarbeiten im Rahmen internationaler Jazz-Festivals.

Release 4.10.2024

Als Nachfolger des 2020 erschienenen "Suddenly" kommt "Honey" als eine faszinierende neue Art von Caribou-Platte daher. Nachdem er 2014 sein ganzes Herzblut in die Grammy-nominierten Our Love und Suddenly gesteckt hat, nimmt sich Snaith für sein sechstes Caribou-Album ein wenig zurück, um Musik zu machen, die sich nicht um eine bestimmte Person dreht und für jeden zugänglich ist. Eine Platte, die einen packt und bewegt wie sein anderes Alter Ego Daphni, bevor sie einen wiegt und erhebt wie Caribou. Riesige Dancefloor-Tracks glitzern, schimmern und überraschen auf eine Art und Weise, wie es nur Snaiths Produktionen können, aber mit einer Frische, die einen Künstler definiert, der zu begeistert vom Musikmachen ist, um sich jemals wirklich auf einen Sound festzulegen

Release 13.9.2024

Die sechste Solo-Scheibe des ehemaligen THE WHITE STRIPES- und THE RACONTEURS-Rabauken braucht keine bahnbrechenden Erneuerungen oder Experimente. ´No Name´ ist einfach nur wild und feurig, besitzt die benötigte Lo-Fi-Produktion, die notwendigen Garagen Rock-Stücke und rückt sehr nahe an die WHITE STRIPES-Werke der Nullerjahre heran. Dementsprechend bleiben schnell ausgesprochene Superlative wie „das beste Album seit ´Elephant´“ nicht aus.
Jack White benötigt für den ewigen Glanz eines ´Old Scratch Blues´ nur ein lässiges Blues-Riff und eine heimliche Orgel, für die richtige Ölung eines ´Bless Yourself´ die passende Dröhnung und für die Einfachheit eines ´That’s How I’m Feeling´ nur einen eingängigen Bass.
Da qualmen die Gitarren, von CREAM (´It’s Rough On Rats (If You’re Asking)´) bis zu LED ZEPPELIN (´Tonight (Was a Long Time Ago)´), die Freaks springen in der Garage im Dreieck, erst recht zum unglaublich stark gesprochenen ´Archbishop Harold Holmes´.

Zum psychedelischen Sprengsatz ´Bombing Out´ drehen die Freaks dann endgültig durch. Wenn nicht schon direkt zuvor, pumpt der Bass des hitverdächtigen ´What’s The Rumpus?´ nunmehr alle Innereien ans Tageslicht.
Da helfen nur noch wehende Slide-Töne von ´Underground´ und ohrenbetäubend rockende Gitarren von ´Number One With A Bullet´ oder ´Missionary´. Denn zum finalen ´Terminal Archenemy Endling´ mit Bonham’schen Wirbeln werden sogar die Hunde losgelassen. Auch ein Jack White benötigt ausgefallene Eingebungen.

Release 25.10.2024

In den acht Jahren, seit sich Amyl and The Sniffers in Melbournes brodelnder Musikszene zusammengefunden haben, hat es die Band perfektioniert, Verspieltheit und rohe Wucht zu kombinieren. Mit den zwei bisher erschienenen, einhellig gefeierten Alben (dem selbstbetitelten Debüt von 2019 und "Comfort To Me" von 2021), haben Sängerin Amy Taylor, Gitarrist Declan Mehrtens, Bassist Gus Romer und Drummer Bryce Wilson ihren einzigartigen Stil etabliert. Seit dem Release von "Comfort To Me" haben sich die Perspektiven für die Band in jeder Hinsicht exponentiell erweitert. Größer, klarer, smarter, schärfer, das ist es, was nun auch das dritte Album der Band antreibt. "Cartoon Darkness" hat die Band zusammen mit Nick Launay im 606 Studio der Foo Fighters in Los Angeles aufgenommen, am gleichen Pult, an dem schon Fleetwood Macs "Rumours" und Nirvanas "Nevermind" entstanden. Es ist ein überraschend abwechslungsreiches Album und reicht von klassischem Punk über den strotzenden Glam der Single "U Should Not Be Doing That" bis zur ausgelassenen Balladenhaftigkeit von "Big Dreams". Auf "Cartoon Darkness" geht es um Krieg, die Klimakrise und künstliche Intelligenz, um Politik und das Gefühl, online eine Stimme zu haben, während wir am Ende doch einfach nur das Daten-Biest Big Tech speisen, unseren Gott der Gegenwart. Es geht darum, wie unsere Generation mit Informationen vollgestopft wird, wie wir wirken wie Erwachsene und dabei doch für immer Kinder bleiben, abgeschirmt wie in einem Kokon und dabei all die Ablenkungen verschlingend, die uns nicht einmal Wohlbefinden oder Freude bereiten, sondern einfach nur Taubheit. "Cartoon Darkness" rennt mit dem Kopf durch die Wand ins Unbekannte, in die heranziehende Ahnung einer Zukunft, ein kindliches Dunkel, das sich schrecklich anfühlt, aber noch gar nicht existiert - ein großer rauer Spaß.

Release 27.9.2024

JD McPherson hat mit seinem neuesten Album etwas Einzigartiges und Erstaunliches geschaffen. Es ist eeine erste Albumveröffentlichung seit dem von der Kritik hochgelobten Weihnachtsklassiker "Socks" von 2018. In den letzten fünf Jahren war McPherson stets damit beschäftigt, neue Songs zu schreiben und gleichzeitig mit Alison Krauss und Robert Plant zu touren. Als Musiker auf Tournee hat man die Möglichkeit, sich die Sehenswürdigkeiten anzusehen, die Stadt zu erkunden und sich im örtlichen Plattenladen inspirieren zu lassen. Mit "Nite Owls" wollte JD etwas Neues und Anderes ausprobieren. Er wollte sich von verschiedenen Jahrzehnten und Stilen inspirieren lassen und sie in seinen eigenen Sound einfließen lassen. "Die ursprüngliche Idee für die Platte war: Es ist so, als wären die Ventures aus den späten 60ern die Session-Band auf der ersten New-Order-Platte." Sagt McPherson. Die Idee wurde umgesetzt. Nite Owls liefert den charakteristischen Sound von Vintage-Garage-Rock und schlägt gleichzeitig eine nahtlose Brücke zu den Klängen von Bowie und Alan Vega. Songs wie "Sunshine Getaway", "The Rock and Roll Girls" und "I Can't Go Anywhere with You" klingen, als würde Chuck Berry mit Buddy Holly jammen. Während Songs wie "Nite Owls" und "Don't Travel Through the Night Alone" eine Anspielung auf den Factory-Sound aus Großbritannien darstellen. Der Sound des einzigen Instrumentalstücks "The Phantom Lover of New Rochelle" würde Dick Dale zum Reiten und Link Wray zum Grummeln bringen. Mit Nite Owls lässt sich McPherson von verschiedenen Genres der Vergangenheit inspirieren und kombiniert sie zu einem ganz eigenen Sound.

Release 18.10.2024

Die Entfernung als Maß für Zeit und Ort prägt Kelly Finnigans A Lover Was Born mit einer Härte und Anmut, die aus Leidenschaft eine Tugend macht. Die neueste Solo-Veröffentlichung des Monophonics-Frontmanns steht in der besten Tradition von Midwest-Soul-Labels wie King, Curtom, Dakar und der Bodie Recording Company. A Lover Was Born ist ein Zeugnis dafür, dass diese tiefgehenden Grooves sich nicht in Nostalgie erschöpfen, sondern im brennenden Herzen von Sehnsucht und Hoffnung liegen. Die Reise, auf die Finnigan den Hörer in den elf Tracks von Lover mitnimmt, spiegelt den Zustand der Bewegung und des Wachstums seit seinem Solodebüt The Tales People Tell (2019) wider. Diese beiden Platten bilden den Abschluss einer produktiven Periode, in der er zwei Monophonics-Alben, ein Weihnachtsalbum, ein Mixtape und eine ganze Reihe von Produktionen für andere Künstler (The Ironsides, Alanna Royale, The Sextones) veröffentlicht hat. "Es gibt nichts Besseres als Platten zu machen", sagt Finnigan. "Es fühlt sich an, als wäre das meine Bestimmung, der Grund, warum ich auf diese Erde gekommen bin. Kelly Finnigan schrieb in Kalifornien, Ohio und Staten Island und arbeitete mit alten Freunden innerhalb und außerhalb des Studios zusammen. "Ich arbeite gerne alleine, aber das ist nicht die Art und Weise, wie man eine Platte machen will - fast jeder, den ich für dieses Album hinzugezogen habe, hat schon mit mir gearbeitet, ist mit mir getourt oder hat viel Zeit mit mir verbracht." Max und Joe Ramey (The Ironsides), Jimmy James (Parlor Greens), Sergio Rios (Orgone), Joey Crispiano (Dap Kings) und Jay Mumford (alias J-Zone) tragen alle zum Gesamtsound von A Lover Was Born bei. Dramatische Einflüsse wie Isaac Hayes (man beachte das Piano in "Be Your Own Shelter") und Jerry Ragovoy werden mit Northern Soul Uptempo-Nummern zu Stompern wie "Get a Hold of Yourself" oder "Chosen Few" kombiniert. Finnigans Interpretation von Deep Soul ist in "Walk Away from Me" und "Love (Your Pain Goes Deep)" brillant eingefangen, während Boom Bap in den harten Stücken "His Love Ain't Real" und "Cold World" durchdringt. Langsamere Songs wie "Let Me Count the Reasons", das emotionale "All That's Left" und der mitreißende Albumabschluss "Count Me Out" zeigen die ehrliche und zärtliche Seite, die zu Finnigans Visitenkarte geworden ist. Dabei ist die Stimme rau und erdig _ in der besten Tradition von R&B-Shoutern wie Otis Redding, Lee Moses und David Ruffin. Die Songs auf A Lover Was Born rekonfigurieren die gespleißte und gesampelte DNA des Hip-Hop (extrahiert von Crate Diggern wie Dilla und RZA), um etwas Neues zu schaffen, das sowohl das Spektrum als auch die Tiefe des Soul unterstreicht und gleichzeitig die Zeitlosigkeit von Finnigans Sound unterstreicht.

Release 11.10.2024

Das sechste Studioalbum der beliebten Post-Hardcore-Band, produziert von Ross Robinson (Korn, Glassjaw, Slipknot) und mit Features von Lou Barlow und Julien Baker. Leadsänger Jeremy Bolm sagt, dies sei eine "Platte über Vorwärtsbewegung, während alles um einen herum destabilisiert wird

Release 27.9.2024

2LP auf 180g-Vinyl mit Klappcover. CD im Digipak.

Soundtrack zu Charly Hübners Film über EOC, der die Geschichte und von der Gegenwart der Band erzählt. Es geht um Musik, Freundschaft, eine Haltung zur Welt und über das Geheimnis, wie man über 30 Jahre zusammen Musik macht. Er folgt der Band auf einer Tournee durch Berlin, die eigens zu diesem Zweck organisiert wurde und die die Band durch Spielorte führt, die in ihrer Unterschiedlichkeit, von klein zu groß, von Club zu Open Air, stellvertretend stehen können für die über Jahrzehnte sich erstreckende Entwicklung der Band. 16 Songs.

Release 20.9.2024

Manu Chao reist seit Jahren um die Welt, um seine Fans an ungewöhnlichen Orten, in Dörfern und auf kleinen Festivals zu treffen. Manu veröffentlicht nun sein neues Studioalbum, eine Sammlung von Liedern, die über das tägliche Leben mit seinen Kämpfen geschrieben wurden. Seine frische Sicht auf den Zustand der Welt besingt er in sonnigen, universellen Lieder auf Spanisch, Französisch, Englisch und Portugiesisch und zeichnet ein schonungsloses Bild sozialer Ungleichheiten. Der Titelsong "Viva Tu", eine herzliche Rumba, die den Helden des Alltags gewidmet ist, hat bereits Spuren hinterlassen. Die zweite Single, "São Paulo Motoboy", ist eine farbenfrohe, sonnige Ode an die zweirädrigen Lieferfahrer, die sich jeden Tag durch die lateinamerikanischen Metropolen wagen. Das Album enthält auch denkwürdige Kollaborationen mit der Country-Legende Willie Nelson und dem aufstrebenden französischen Rapper Laeti.

Release 18.10.2024

Nach sieben Jahren melden sich Japandroids ihrem vierten und letzten Album, zurück. Das Album wurde zum Teil geschrieben, während das Duo aus Vancouver - Gitarrist und Sänger Brian King und Schlagzeuger und Sänger David Prowse - mit ihrem 2017er -Album "Near to the Wild Heart of Life" auf Tour waren. Das Album ist gleichzeitig eine Rückkehr zur Form und ein aufregender Schritt nach vorne, ein Beweis für die Art von Chemie, die sie im Laufe von 18 Jahren und Hunderten von Shows Seite an Seite verfeinert haben. Ihr Ziel war es einfach, Songs zu schreiben, die sie gerne live spielen würden, ohne dabei die Nuancen oder den Ehrgeiz zu opfern, die ihre vorherigen Werke auszeichneten. Nirgendwo auf diesem Album ist das deutlicher zu spüren als bei der Leadsingle "Chicago", einem Song, dessen schiere Dynamik sich unvermeidlich und wahrhaftig anfühlt - von der inhärenten Romantik seiner Anfangsakkorde bis hin zu der Reihe von Snare-geführten Explosionen, die ihn durchziehen. Wie der Rest von Fate and Alcohol wurde er in Vancouver mit dem langjährigen Mitarbeiter Jesse Gander aufgenommen, der auch die Alben Post-Nothing von 2009 und Celebration Rock von 2012 produzierte. "Das allererste Demo, das wir von "Chicago" haben, wurde am 4. Februar 2020 in unserem Jam-Space aufgenommen", sagt King, "und wenn man sich das anhört, klingt es nur wie eine Rohfassung dessen, was man auf der Platte hört. Aber es ist alles da. Das ist in gewisser Weise der idealste Umstand für eine Band wie uns: einfach etwas zu haben, das im Jam-Space richtig abgeht, etwas, das sich gut anfühlt, etwas, von dem man begeistert ist.

Release 25.10.2024

Das kanadische Trio, bestehend aus Al Sow, Chester Hansen und Leland Whitty sind im Februar wieder ins Studio gegangen, um etwas Neues zu erschaffen. Man lud einige der engsten Freunde und Mitarbeiter ein, wie Live-Band-Mitglied Felix Fox-Pappas (Keys) sowie verschiedene Kreative aus Torontos pulsierender Jazzszene, darunter Kaelin Murphy (Trompete), Juan Carlos Medrano Magallenes (Percussions) und den LA-Musiker Tyler Lott (Gitarre). Bei einer intensiven einwöchigen Aufnahme-Session in den Valentine Studios in Los Angeles im Februar 2024 entstand "Mid Spiral"."Mid Spiral" nutzt instrumentalen Jazz als Zentrum und ermöglicht es BADBADNOTGOOD, die Grenzen der Integration einer unbegrenzten Bandbreite von Genres und Musikern in ihre Kompositionen weiter zu verschieben. So sorgten die Gäste der Valentine-Sessions dafür, dass weitere Stimmen der Instrumentierung zur eh immensen Sound-Palette des Trios hinzukamen, was zu einem äußerst kollaborativen und expansiven neuen Sound führte.

Release 18.10.2024

Das vierte Studioalbum wird das erste sein, das sie bei ihrem neuen Label dh2 veröffentlicht - einem brandneuen Imprint für elektronische Musik beim renommierten Independent-Label Dirty Hit, das von George Daniel von The 1975 geleitet wird. Kellys kommendes Album "Dreamstate" vermittelt ein unglaubliches Gefühl von Freiheit und Eskapismus, das aus der Erfahrung der inneren Entwicklung nach einer Trennung entstanden ist. Es ist der Sound einer Person, die loslässt und alle anderen dazu ermutigt, das Gleiche zu tun. "Dreamstate" basiert auf der Zusammenarbeit mit Bicep, Tom Rowlands von The Chemical Brothers und George Daniel als Produzenten und Autoren.

Release 25.10.2024

Das zehnte Album der Pixies, wenn man ihre klassische 4AD-Mini-LP Come On Pilgrim von 1987 mitzählt, und die erste neue Musik seit der gefeierten LP Doggerel von 2022. 13 neue Songs, mit denen die Pixies auf die filmreifste Platte ihrer Karriere blicken. Für die Aufnahmesitzungen des neuen Albums arbeitete die Band erneut mit dem Produzenten Tom Dalgety zusammen, den Schlagzeuger David Lovering als "fünften Pixie" bezeichnet, nachdem er 2016 Head Carrier, 2019 Beneath the Eyrie und 2022 Doggerel produziert hat. Schon früh im Aufnahmeprozess im Guilford Sound Studio in Vermont bemerkte die Band, dass sich die neuen Songs in zwei Lager spalteten: die sogenannten "Dust Bowl Songs" - Country-angehauchte, balladenartige Nummern wie "Primrose" und "Mercy Me" - und auf der anderen Seite die wütenden Punk-Nummern des Albums wie "You're So Impatient" und "Oyster Beds". Nur "Jane (The Night the Zombies Came)" ist in beiden Lagern zu finden - es erinnert an Phil Spector der frühen 60er Jahre, die Band trifft den Sweet Spot zwischen kitschig und rau; es ist ein Song, den Black Francis angeblich mit der Jagd durch einen Bienenschwarm verglich. Bei den "Night The Zombies Came"-Sessions hießen die Pixies auch die neue Bassistin Emma Richardson (Band Of Skulls) in der Besetzung willkommen; das erste britische Bandmitglied, das der Gruppe beitrat. Auch Gitarrist Joey Santiago hat eine größere Rolle. Nachdem er auf Doggerel seinen allerersten Text für die Pixies beigesteuert hatte, schrieb Santiago für die neue Platte den Text zu "Hypnotised", indem er eine Art komplexes lyrisches Rätsel löste, das als Sestina bekannt ist.

Release 18.10.2024


Das vierte Album wurde Anfang 2024 in Somerset vom langjährigen Big Thief- und Laura Marling-Tontechniker Dom Monks aufgenommen und ist ein Moment des Erwachsenwerdens, inspiriert von Burnout, der Musikindustrie, Herzschmerz und der zunehmenden Vertiefung der Bandleaderin Dana Margolin in ihr eigenes Handwerk als Künstlerin. Margolins rücksichtsloser, sich selbst hinterfragender Schreibstil wird auf dem gesamten Album durch die bisher ergreifendste Musik der Band ergänzt, die sich geduldig aufbaut und tragisch intensiv ist. "Alle Songs begannen als Gedichte, ich wollte mich selbst herausfordern", sagt Dana Margolin über das Werk, aus dem "Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me" wurde. "In einem Song kann sich der Autor immer hinter den Tricks der Musik und altbekannten Techniken wie Wiederholungen verstecken. In einem Gedicht hingegen sind es nur Worte und das war's." "Vieles auf diesem Album handelt von einer frenetischen und verzweifelten Art von Liebe, es geht um den völligen Verlust meines Selbstbewusstseins in einer Beziehung und um den tiefen Rest von Unsicherheit und Schmerz, der eine neue Beziehung trübte." Lieder, die als Liebeslieder geschrieben wurden - wie "In A Dream I'm A Painting" - bekamen neue Bedeutungen, als Margolin die Lieder mit einer neuen Distanz betrachtete. "Es gab eine Menge Liebe und Verwirrung, alles durchsetzt mit Erschöpfung und Schmerz." Die Clouds-Sessions fanden in Frome statt, als der Winter zu Beginn des Jahres 2024 in den Frühling überging. "Es gab ein paar Zusammenbrüche", grinst Dana, eine faire Einschätzung der Aufnahme solch intimer und persönlicher Songs, "nach einigen Takes brach ich einfach auf dem Boden zusammen, so aufgebracht war ich." Es wurde ein Umfeld geschaffen, in dem Dana sich ausdrücken konnte und in dem sie gefördert wurde. "Wir hatten jeden Abend diese großen gemeinsamen Mahlzeiten", sagt sie, "es fühlte sich sehr eng und fürsorglich und warm und besonders an. Unser kleines Haus lag auf einem großen Hügel, ein Fluss floss hindurch, es war groß und hell und schön", erinnert sich Dana. Das Studio selbst war hell - voller strahlendem natürlichem Licht aus den großen Fenstern, ein Segen für Musiker, die an die abgeschottete Welt der meisten Aufnahmestudios gewöhnt sind, und zum ersten Mal konnten alle im selben Raum wie der Produzent aufnehmen. "Es fühlt sich an, als hätten wir zum ersten Mal etwas gemacht", erklärt sie und freut sich hörbar über das Album, "es hat etwas von unserer Freundschaft eingefangen und von der Art und Weise, wie wir gelernt haben, zusammen zu spielen. Ich liebe die Songs, ich liebe es, sie zu spielen, sie sind nicht alt geworden und es fühlt sich an, als wäre es etwas Besonderes." Eine Pause. "Es hat mich so viel gelehrt. Deinem Bauchgefühl zu folgen, auf deine Freunde und ihre Loyalität zu vertrauen, darauf zu vertrauen, dass du mit Leuten richtig kämpfen kannst. So will ich leben, so will ich Platten machen, denn Platten machen ist mein Leben, denn meine Arbeit ist mein Spiel, mein Job ist mein Leben. Alles ist in dieser Sache miteinander verbunden, und es gibt Wege darin, die mich nicht umbringen."

Release 13.9.2024

The Mystery Lights melden sich mit ihrem bisher ambitioniertesten Werk zurück. Mit Wayne Gordon auf dem Produzentenstuhl liefert die Gruppe eine eklektische Mischung aus echter Psychedelia, Punk, Artrock und sogar einem Spritzer Country mit dem Kinks(y)-Pop-Ohrwurm "I'm Sorry I Forgot Your Name". Die psychedelischen Highlights des Albums, "Purgatory", "Cerebral Crack" und "Can't Sleep Through the Silence", sind düster und trippig und liegen irgendwo zwischen dem gitarrengetriebenen, lysergischen Chaos der 13th Floor Elevators und dem punkigen, augenzwinkernden Wahnsinn von The Monks. Aber durchgängig gibt es einen Zusammenhalt, der durch das hohe musikalische Niveau, die aufrichtigen Texte und die Liebe zum Detail entsteht, die ein wildes, rohes und doch unverschämt eingängiges Album ergeben, das mit all den Mitsing-Hooks trieft, die Mystery Lights zu einer der aufregendsten Live-Bands der Szene gemacht haben.

Release 22.11.2024

Das dreizehnte Album der Smashing Pumpkins ist die Rückkehr der ursprünglichen Smashing Pumpkins-Mitglieder Jimmy Chamberlin, James Iha und Billy Corgan zu ihrer alten Form. Das neue Album knüpft an den Kanon der frühen 90er Jahre an, in denen Gitarren, Bass, Schlagzeug und markanter Gesang dominierten, und setzt die Erfolgssträhne fort, die Frontmann Billy Corgan vor einem Jahrzehnt begonnen hat.

Release 8.11.2024

12. Album mit 11 neuen Songs, inkl. einigen der persönlichsten Songs der Bandkarriere. Der Songwriting-Prozess für Come Ahead begann 2019. Zu diesem Zeitpunkt hatte Bobby Gillespie noch keine Ahnung, ob er noch einmal ein Album von Primal Scream machen würde. Zum ersten Mal kamen die Texte vor der Musik. Die Geschichte kam zuerst. Bobby schrieb allein, mit einer Akustikgitarre. Die Ideen flossen schnell, in langen Inspirationsschüben. Dieser Prozess, zusammen mit der Ermutigung durch Produzent David Holmes, bot einen neuen Einstieg. In Zusammenarbeit mit Holmes und Primal Scream-Gitarrist Andrew Innes wurden die Come Ahead-Sessions in Belfast, London und Los Angeles durchgeführt. "Ich bin sehr aufgeregt über dieses Album, so als würde man seine erste Platte machen. Wenn es ein Gesamtthema für "Come Ahead" gäbe, wäre es vielleicht ein Konflikt, ob innerlich oder äußerlich. Der Titel ist ein Begriff aus Glasgow. Wenn jemand droht, mit dir zu kämpfen, sagst du: ‚Komm schon!' Es erinnert an den unbezwingbaren Geist der Glasgower, und das Album selbst vermittelt diese aggressive Haltung und Zuversicht. Sie haben da oben ein Wort dafür: gallus. ‚Come Ahead' ist auch ein ziemlich frecher Titel."

Release 4.10.2024

Soccer Mommy's "Evergreen" ist eine intime Reise durch Verlust und Hoffnung. Sophie Allison kehrt zu ihren akustischen Wurzeln zurück, verleiht ihnen aber filmische Größe. Die 11 Tracks fangen rohe Emotionen ein, von der gequälten Eröffnung "Lost" bis zum bejahenden Titeltrack. Allison's ehrliche Texte und unverfälschte Klänge schaffen ein Album, das gleichzeitig zart und kraftvoll ist. "Evergreen" dokumentiert das Erwachsenwerden und die Unbeständigkeit des Lebens, bleibt dabei aber immer authentisch

Release 25.10.2024

Die mehrfach für den Grammy und den Mercury Prize nominierte und mit dem Brit Award ausgezeichnete Laura Marling ist mit ihrem achten Studioalbum "Patterns in Repeat" zurück. Nach nunmehr acht Alben und mehr als 15 Jahren in ihrer Karriere als eine der meistgefeierten, produktivsten und respektiertesten Songwriterinnen ihrer Generation will Laura mit "Patterns in Repeat" andere Räume besetzen und weiterhin überraschen: "Laura Marling ist nicht ganz die, für die du sie hältst." Geschrieben nach der Geburt ihrer Tochter im Jahr 2023 und aufgenommen mit ihr im Zimmer nebenan, reflektiert Laura auf "Patterns in Repeat" ihre eigenen Erfahrungen als Mutter. Die Musik stammt aus einer bestimmten und aufschlussreichen Zeit in Lauras Leben, aber sie setzt sich auch mit den Ideen und Verhaltensweisen auseinander, die wir über Generationen hinweg innerhalb der Familie weitergeben. Fast ausschließlich akustisch, mit minimalem Overdubbing und elegant gesetzten orchestralen Akzenten, ist dies die konzentrierteste und subtilste Songsammlung in Lauras Karriere.

Release 13.9.2024

In erneuter Zusammenarbeit mit dem Black Acid Soul-Produzenten Chris Seefried entstand ein zweites Album, das nicht nur den freilaufenden, gefühlvollen Lady Blackbird-Sound verkörpert, sondern auch zutiefst verletzliche Texte enthält, die vom schwierigen Aufstieg der Sängerin zum musikalischen Star berichten.

Indem sie ihr Leben und ihren Sound selbst in die Hand nimmt, geht Lady Blackbird einen neuen Weg und macht jede Note auf Slang Spirituals zu einem Schritt in eine radikal andere Richtung. Auf 11 Tracks setzt Lady Blackbird ihre mitreissende, kinoreife Stimmgewalt ein, von den gefühlvollen Orchesterfanfaren von 'Let Not (Your Heart Be Troubled)' über das Fingerpicking-Folk-Storytelling von 'Man On A Boat' bis hin zum euphorischen Gospel-Empowerment von 'Like A Woman' und dem siebenminütigen psychedelischen Soul-Instrumental von 'When The Game Is Played On You'.

Release 13.9.2024

Mit einer Auswahl von 10 Tracks, die die vielfältigen musikalischen Talente Trentemøllers durchdringen, markiert Dreamweaver einen deutlichen künstlerischen Fortschritt, indem er neue kreative Pfade erkundet, ohne dabei die kohärente Gesamtrichtung zu verändern. Die Gesangseinlagen werden von der isländischen Künstlerin Disa beigesteuert, die seit der Memoria-Tour fest zum Team Trentemøller gehört. Das von Nylonsaiten geleitete Eröffnungsstück von Dreamweaver und zugleich die erste Single des Albums, "A Different Light", präsentiert viele charakteristische Merkmale Trentemøllers: die Erforschung von Gegensätzen, musikalisches Spiel mit Licht und Schatten, nordische Kühle und wärmende Wellen. Es eröffnet den Weg für das gleichmäßige, hypnotische "Nightfall" mit seinem fesselnden Gesang, den melancholischen Gitarren und der frühmorgendlichen Wüstenkälte. "Dreamweavers", der dritte Track des Eröffnungstrios, beginnt mit einem perkussiven, sanften Trab, der sich anfühlt wie ein Kurzwellen-Radioscan auf der Suche nach den richtigen Akkorden, und entfaltet schließlich eine schwerelose Stimme. Der Song, und damit auch das Album, hält anfangs das Tempo der beiden vorangegangenen Tracks, öffnet sich jedoch bald, wenn die übrigen Elemente mit einem großen, luxuriösen Ausbruch an ihren Platz treten. Dreamweaver tritt dabei in seine nächste Phase ein. Nachdem die Pforte des Portals gesprengt wurde, ergießt sich das kraftvolle "I Give My Tears" mit seiner gleitenden und verschwommenen Basslinie in die Leere. Ihm folgt der chaotischste Track auf Dreamweaver, "Behind My Eyes", ein Geschwisterchen, das sich nicht in seinem plüschigen Gewölbe einsperren lässt. Eine peitschende Snare und zuckende Gitarren prallen in den Strophen des Songs aufeinander. Die Spannung steigt, wenn die Partikel kollidieren, den Punkt der kritischen Masse erreichen und die Kettenreaktion des Refrains auslösen. Manchmal erinnert das Stück an die Proto-Gaze-Tracks, aus denen der Dream Pop hervorgegangen ist, manchmal definiert es neu, was dieser Stil bedeutet. Doch bleibt keine Zeit, darüber nachzudenken, denn der Song löst sich in einem mikrofonischen Rückkopplungsmoment auf. Eine Atempause bietet das somnambule Duo "Hollow" und "Empty Beaches". Dann kehrt ein Moment der Intensität zurück, wenn die schwebenden Texturen und Tribal-Drum-Bursts von "In A Storm" die Kontrolle übernehmen, bevor das Album mit dem Ambient-Slow-Core von "Winter's Ghost" und "Closure" endet. Dieses Diptychon bildet den Abschluss eines Albums, das sich für Trentemøller wie aus dem Lehrbuch anfühlt, jedoch gleichzeitig viel psychedelischer ist als frühere Werke. Dreamweaver wird auf Trentemøllers eigenem Label "In My Room" veröffentlicht und verspricht eine äußerst immersive Erfahrung, die alle latenten Halluzinationen freisetzen wird, die Sie möglicherweise beherbergen.

Release 20.9.2024

Neuntes Soloalbum des Ex-Sonic Youth-Gitarristen/Sängers. Einige der Songs wurden in Europa und Großbritannien geschrieben und arrangiert und enthalten lyrische Verweise auf ihre Umgebung und sind von der Natur, luzidem Träumen und modernem Tanz beeinflusst. Im Jahr 2023 wurden zwei Singles veröffentlicht: das energiegeladene, non-album, von Isadora Duncan inspirierte 'Isadora' mit einem Musikvideo mit Sky Ferreira in der Hauptrolle. Und "Hypnogram", welches die Presse als eines der intensivsten Stücke bezeichnete, die Moore je veröffentlicht hat, verbindet die melodischeren Momente seiner früheren Band Sonic Youth mit den vielschichtigen, berauschenden Schnörkeln der Hauptband seiner Bassistin Deb Googe, My Bloody Valentine. Das neue Material vermittelt eindringlich das Gefühl von Träumen und lässt die Fans gespannt sein, was der Amerikaner mit seinem Album vorhat." 2024 dann die mitreißende Earth-Day-Hymne 'Rewilding': Der Musiker lieferte erschütternde Zeilen, als er über die Entfernung der menschlichen Hand aus der Natur nachdachte: "...Don't stir anything...". Moore sang über Erneuerung und eine Zeit für Freunde der Erde, um zu schlafen und einen natürlichen Weg zu verwirklichen, indem man "Korallenmorphologisch träumt". Der Musiker sagte, die britische Rewilding-Bewegung strebe danach, den menschlichen Einfluss auf Ökosysteme zu reduzieren. Die Texte sind größtenteils wieder vom Künstler Radieux Radio verfasst. Der Name "Flow Critical Lucidity" stammt aus dem Text von "Sans Limites", und auf dem Cover des Albums ist Jamie Nares' "Samurai Walkman" zu sehen - ein Helm, der mit Stimmgabeln ausgestattet ist. Jamie Nares (geboren in Großbritannien) ist ein lebenslanger Freund von Thurston Moore aus dessen New Yorker No-Wave-Tagen und die beiden haben schon oft zusammengearbeitet. Mit dabei sind außerdem Jon Leidecker, James Sedwar, Jem Doulton sowie als Backing Vocals-Gast Laetitia Sadier von Stereolab .

Release 13.9.2024

Während sie am neuen Album schrieb, zog sich Nilüfer mit ihrer kreativen Partnerin Wilma Archer (Sudan Archives/ Celeste) ins Studio zurück. Sie war ein Jahr lang mit ihrem zweiten Album auf Tournee und befand sich in einer Phase des Übergangs, zwischen Alben, zwischen Plattenfirmen und zwischen Wohnorten. „My Method Actor“ hat viel mit der Idee zu tun, von einem Lebensabschnitt in einen anderen zu wechseln. Die Samen für „My Method Actor“ wurden Anfang 2023 gepflanzt, aber erst im Frühjahr desselben Jahres begannen die ersten Triebe zu sprießen. Als die Songs zu entstehen begannen, zogen sich Yanya und Archer von der Welt zurück. „Dies ist in dieser Hinsicht das intensivste Album.“, sagt Yanya. „Weil es nur wir beide waren. Wir haben niemanden sonst in diese Blase gelassen.“ Sie schrieben und nahmen in kleinen Sessions auf, verteilt über London, Wales und Eastbourne. Die Atmosphäre des Albums spiegelt diesen Kokon kreativer Energie wider: Es umhüllt die Hörenden mit cineastischen Schwüngen und wirkt gleichzeitig intim, indem es ihn in die kleine Welt einlädt, die sie geschaffen haben, und seine Geheimnisse preisgibt. Nilüfers vorheriges Album wurde durchweg als eines der herausragendsten Alben des Jahres 2022 gefeiert, mit glühenden Kritiken von The Guardian (Album der Woche), The Sunday Times, Crack Magazine, NME und anderen. Das Album enthält die herausragenden Tracks, „anotherlife“, „stabilise“ und „midnight sun“, die Nilüfer in der „Tonight Show Starring Jimmy Fallon“ performte. Nilüfer trat auch in „Late Night with Stephen Colbert“, „Later with Jools Holland“ und in der Tiny Desk-Konzertreihe von NPR auf.

Release 13.9.2024

Das sechste Album des Trios. Die neuen Songs haben Kevin Kuhn, Julian Knoth und Max Rieger in einer vierwöchigen Session in einem ehemaligen Sterne-Restaurant am Stuttgarter Schlossplatz mit Blick auf die Oper aufgenommen. Und so nah wie auf "Wir waren hier" sind Die Nerven noch auf keinem Studioalbum der Aura ihrer Live-Auftritte gekommen - der musikalischen Spontaneität ihres Zusammenspiels auf der Bühne, dem Stop-and-Go ihrer Improvisationen, der Lust an der gegenseitigen Überraschung, und schließlich: der kollektiven Entäußerung in die Katharsis. Ihre Musik ist immer noch zornig, laut, dramatisch, vielleicht könnte man auch sagen: nihilistisch. Aber es handelt sich um einen reiferen Nihilismus, als man ihn von den Nerven bislang kannte. In ihrer Musik fliegt man immer noch über Halden voll Schrott, über dürre Heiden, wüste Länder und öde Städte. Aber es schillern nun auch schöne Klangtupfer über der Szene wie von den letzten Sonnenstrahlen vor einer ewigen Nacht oder von einem bunt schillernden Ölfilm auf einer verdreckten See.

Release 20.9.2024

Das 10te Album istvon ungewöhnlicher Intensität und Zärtlichkeit, gemeinschaftlichem Exorzismus und persönlicher Ausgrabung. Dies sind Qualitäten, die die Fans von Bright Eyes nach fast drei Jahrzehnten ihrer Karriere erwarten. Die eng verbundene Band bestehend aus Conor Oberst, Mike Mogis und Nate Walcott neigt dazu, in verschiedenen, weitreichenden Bewegungen zu agieren: jede einzigartig in ihrem Sound und ihrer Geschichte, aber vereint durch ein Gefühl von Ehrgeiz und ständig wachsendem emotionalen Einsatz. Diese neuen Songs verströmen einen bislang unbekannten Nervenkitzel. Oberst hat schon immer mit einer Stimme gesungen, die ein Gefühl von Ernsthaftigkeit auf Leben und Tod vermittelt. Manchmal macht man sich bei "Five Dice, All Threes" Sorgen um ihn, ein anderes Mal scheint er der Einzige zu sein, der den Durchblick hat, um uns aus dem Schlamassel zu helfen. Auf dem selbstproduzierten Album umarmen Bright Eyes die schwer fassbare Qualität, die sie über Generationen und Genres hinweg so beständig und einflussreich gemacht hat, und bringen ihren hausgemachten Sound aus einem Schlafzimmer in Omaha zu einem begeisterten Publikum auf der ganzen Welt. In Obersts Songwriting liegt das Versprechen, dass unsere einsamsten Gedanken und Gefühle großartige Formen annehmen können, wenn sie zwischen Freunden ausgetauscht, aus Lautsprechern geschmettert oder von Menschenmengen geschrien werden. Diesmal lädt die Band solche gleichgesinnten Stimmen mit auf die Platte ein, mit bemerkenswerten Gastauftritten von Cat Power ("All Threes"), Matt Berninger von The National ("The Time I Have Left") und Alex Orange Drink, dem Frontmann der New Yorker Punkband The So So Glos, der mehrere Songs mitgeschrieben hat und eine Strophe in dem mitreißenden "Rainbow Overpass" beisteuert. Als Oberst und seine langjährigen Bandkollegen - der Multiinstrumentalist und Produzent Mike Mogis und der Keyboarder und Arrangeur Nate Walcott - ins Studio gingen, entschieden sie sich für einen rasanten Ansatz, der sich von prägenden Einflüssen wie The Replacements und Frank Black inspirieren ließ. Sie suchten nach Texturen, die aus dem Mix herausplatzen wie knorrige Farbspritzer auf einer leeren Leinwand; sie entschieden sich für erste Takes und spontane Entscheidungen. "Five Dice, All Threes" drängt und windet sich und widersetzt sich jeder Klassifizierung. In der brillanten Weite von "El Capitan" vermischen sie einen galoppierenden Rhythmus, den man auch in einem Johnny Cash-Standard finden könnte, mit einem Anschwellen der Bläser, geschrieenem Gesang und einem Text, der sich wie ein ernüchternder Abschied zwischen Zwillingsseelen liest. "So they're burning you an effigy", singt Oberst. "Well, that happens to me all the time!" Bei jeder auffälligen Wendung in seinen Texten weiß die Band genau, wie sie ihn musikalisch ergänzen kann. Auf einer Ebene ist "Five Dice, All Threes" vielleicht das spaßigste Album im Bright Eyes-Katalog, voll von mitsingbaren Hooks und mitreißenden Performances. Doch neben diesen adrenalinsüchtigen Rockern, die direkt aus der Garage kommen, gibt es auch nachdenkliches, psychedelisches Material wie das herzzerreißende "Tiny Suicides" und "All Threes", ein Song, dessen jazziges Pianosolo und frei assoziativer Text im Bright Eyes-Katalog völlig ohne Beispiel ist. Wie üblich ist die Musik voller Subtext, der zum tieferen Zuhören einlädt - das Markenzeichen einer Band, die das Album immer als ihr eigenes, erhabenes Kunstwerk betrachtet hat. Im Spiel der Dreier würde der titelgebende Zug einen perfekten Wurf bedeuten. In der Welt von Bright Eyes bedeutet Perfektion jedoch etwas anderes, denn hier sind es unsere Schwächen, die uns Autorität verleihen, und die Suche nach Bedeutung ist nur möglich, wenn wir die dunkle, kurvenreiche Reise dorthin mitmachen. Auf "Five Dice, All Threes" umarmen Bright Eyes diese Überzeugungen mit Musik, die sich aufregend lebendig anfühlt, als wären wir alle mit ihnen im Raum, schreien mit und gewinnen die Kraft, gemeinsam vorwärts zu gehen. Das klingt nicht nur nach den klassischen Bright Eyes. Es klingt auch wie ihre Zukunft.

Release 20.9.2024

Fast ein Jahrzehnt hat sich Jamie xx seit Veröffentlichung seines Solodebüts Zeit gelassen. "In Waves", das zweite Album des Londoners, der mit seiner Band The xx zu den prägendsten Figuren der jüngeren Musikgeschichte gehört. Erneut lässt er seiner Liebe zur elektronischen Musik freien Lauf und entwirft die Geschichte einer Nacht, in der man in den himmlischen Puls von Schatten, Licht und Dancefloor-Rhythmen hinabtaucht. "In Waves" hat seinen Ursprung in einem Mix, den Jamie 2020 für BBC Radio 1 machte. Hier tauchten neben Tracks der aktuellen Generation an UK-Dancemusic auch diverse musikalische Helden auf, etwa Roy Ayers, Fela Kuti, Tom Zé oder Philip Glass. Auch erste Versionen von Songs, die nun auf dem Album erscheinen werden, waren zu hören. "Es erinnerte mich daran, warum ich diese Musik liebe", so Jamie, der zuvor lange mit der Frage gehadert hatte, wie es für ihn weitergehen würde. "Ich fand einfach Spaß am kreativen Prozess, ohne dabei an ein Ergebnis zu denken." Jamie xx pflügt auf "In Waves" durch die Subgenres und Dekaden und fügt Northern Soul, Disco, Garage, Acid House, Techno, Tropicalia. Hip-Hop, Funk und den Sound der UK Underground Pirate Radios zusammen. Die kleinen Momente sind dabei so eindrucksvoll wie das übergreifende Ganze. Etwa jener Part bei "Treat Each Other Right", der parallel zum Album-Announcement erscheinenden neuen Single: Zunächst wird man herausgerissen aus dem breiten Breakbeat-meets-Future-Soul-Vehikel, um sich mit den gepitchten Motown-Vocals plötzlich im Mittelwellenradio der 60er wiederzufinden. Die Worte "I'll never let you down" werden in die Ewigkeit gezogen, bevor ein biepender Puls über atmosphärischen Synths einsetzt und man direkt zurückgeführt wird in die schweißnasse Katharsis des Dancefloors. Im Zeitalter der Algorithmen ist "In Waves" Zeugnis für pure menschliche Empfindung, ein lebensbejahendes Gegengift, das über den Kopfhörer in eine andere Dimension führt und zugleich gemeinsam auf der Tanzfläche erlebt werden will. Mit dabei sind u. a. Romy und Oliver, The Avalanches, Robyn und John Glacier.

Release 13.9.2024

Nach zwölf Jahren voller Instrumental-Alben (von zwei Solo-Piano-Platten über Kammermusik bis hin zu gemeinsamen Alben mit Boys Noize, Jarvis Cocker und Plastikman und sogar einem Weihnachts-Bestseller) hat Chilly Gonzales sich eine Menge von der Seele zu schreiben. Die Notizbücher, die seit dem 2011 erschienenen orchestralen Rap-Opus 'The Unspeakable Chilly Gonzales' leer blieben, füllten sich seit Anfang 2022 wieder mit Worten, nachdem Gonzo ein langes Jahrzehnt der Psychoanalyse beendet hatte. Ein Zufall? Wohl kaum. Hinter all den Wortspielen und dem Namedropping (u.a. Ron Jeremy, Marie Kondo, Dschingis Khan und Philip Glass) offenbaren die Songs, die es auf das neue Album geschafft haben, eine anhaltende Spannung zwischen Überzeugung und Bekenntnis, Wahn und Selbsterkenntnis und schließlich Dankbarkeit. Auch das Spannungsfeld zwischen Kreativität und Kommerz ist für Gonzo ein Thema, das ihn schon lange beschäftigt. Ist dies wirklich ein Rap-Album? Instrumentalstücke wie das strawinsky-eske 'Fidelio' oder das tränenreiche 'Eau de Cologne' erinnern den Hörer an Gonzos selbsterklärte Rolle als 'musical genius', während sich die Worte und Reime der vorangegangenen Strophen im Ohr festsetzen.

Release 27.9.2024

UK-Indierock-Koryphäen Maximo Park kündigen ihr achtes Studioalbum "Stream Of Life" an, das am 27. September über Lower Third erscheinen wird. Auf dem Weg zu "Stream Of Life" hat sich die Band aus Newcastle erneut mit Ben Allen (Gnarls Barkley, Animal Collective) zusammengetan, dem Grammy-prämierten Produzenten des Vorgänger-Albums 'Nature Always Wins' aus dem Jahr 2021. Die Band befindet sich in der vielleicht nachdenklichsten Phase, in der sie je war. Leadsänger Paul Smith, dessen Stil sich vermutlich als Literatur-Pop beschreiben lässt, hat den Titel des Albums einer Kurzgeschichte der ukrainischstämmigen brasilianischen Schriftstellerin Clarice Lispector entnommen, inspiriert von ihrem Bewusstseinsstrom und der Art und Weise, wie sie zum Nachdenken über die inneren Mechanismen der Menschen anregt. Sie wirft die Frage auf, warum wir die Dinge tun, die wir tun, selbst wenn sie für Außenstehende kontraintuitiv erscheinen. Jedes Individuum hat einen inneren Fluss - einen Strom des Lebens.

Release 13.9.2024

Das 14. Studioalbum einer der einflussreichsten britischen Bands der letzten drei Jahrzehnte. "Soft Tissue" ist ihr bisher gelungenstes Album und ein Schlüsselwerk in ihrer Diskografie. Es verbindet die gefühlvolle Essenz ihrer frühen Musik mit beispielloser Musikalität, die das Album zu außergewöhnlichen Höhen erhebt. Fast eine Minute dauert das tolle Intro, bis in dem Song "New World" die Stimme von Stuart Staples erklingt. Das ist irgendwie erstaunlich, weil doch immer alle sagen, dass man spätestens, wenn sein tiefes, schönes Brummen erklingt, wisse, dass man es mit einem Song der Tindersticks zu tun hat. Aber hier lässt Staples der Musik den Vortritt: dem Brass-Einstieg von Julian Siegel, dem sanften Drum-Groove, dem Piano-Zwischenspiel, den langsam einsteigenden, von Dan McKinna arrangierten Streichern. Erst dann singt Staples, ein wenig höher als sonst, melodischer. Was noch mehr betont wird, durch die wundervollen Backing Vocals von Gina Foster im Refrain von "New World".

Release 13.9.2024

Das neue Album von Nada Surf hat alles, was Fans von ihnen lieben und erwarten. Bittersüße Hymnen, die ruhig beginnen, aber dann in aufsteigenden Harmonien explodieren? Genau. Songs, die sich wie Herzschläge anfühlen? Richtig. Songs, die poetisch sind und zum Nachdenken anregen, während sie gleichzeitig absolute Meisterwerke sind, bei denen man aus vollem Halse mitsingen und die Fenster herunterlassen kann? Richtig. Es ist alles da. In den letzten 30 Jahren hat Nada Surf immer die gleiche Kernbesetzung gehabt: Matthew Caws, Daniel Lorca und Ira Elliot. "Moon Mirror", ihr erstes Album für New West Records, wurde von der Band und Ian Laughton in den Rockfield Studios in Wales produziert. Bei den Aufnahmen wurden Matthew, Daniel und Ira von ihrem Freund und langjährigen Keyboarder Louie Lino unterstützt. "Moon Mirror" ist ein aufregender und bewegender Sprung nach vorn für Nada Surf. Die Songs auf dem Album sind der menschlichen Erfahrung treu - so bedeutungsvoll und geheimnisvoll und manchmal absurd wie sie ist. Es geht um Liebe, ja, aber auch um Trauer, tiefe Einsamkeit, Zweifel, Wunder und Hoffnung. Dies sind nicht die Lieder einer Band in ihren 20ern. Hier gibt es hart erkämpfte Weisheit und einen hart erkämpften Glauben an die Möglichkeiten - die Art, die entsteht, wenn man hinfällt und wieder aufsteht.

Release 6.9.2024

"Wir heißen dich willkommen, Endless Rüttenscheid", singen International Music im Titelstück zu ihrem dritten Studio-Album. Der Albumtitel dürfte für Fans jenseits des deutschen Sprachraums eine echte Herausforderung sein. "Endless", klar, aber dann: Ein rollendes R gefolgt von einem Umlaut, ein Doppeltes T und am Ende ein hart ausgesprochenes D: Rüttenscheid. So heißt der florierende Essener Stadtteil mitten in Europa, der im Ruhrgebiet für lukratives Wachstum, aber eben auch für die allseits bekannte Gentrifizierungs-Problematik steht. Aber wie bei International Music üblich, bilden solche gesellschaftspolitischen Sujets hauptsächlich Räume, um sich darin zu verlieben, zu träumen und sich wieder zu trennen, bloß um sich eines Tages wiederzusehen. "Herz ist Trumpf", um an dieser Stelle einfach mal die Kultband TRIO zu zitieren, die mit International Music nicht nur die Besetzungsgröße gemein haben. Pedro Goncalves Crescenti, Peter Rubel und Joel Roters haben seit ihrem Debüt-Album "Die besten Jahre" (2018) konsequent einen eigenen, so farbenfrohen wie minimalistischen Rock-Sound entwickelt, der zwischen 60ies Beat & Boogie, 70ies Krautrock, 80ies New Wave und 90ies Shoegaze und Postrock oszilliert. Also so ziemlich allem, was der Mensch in der Formation Bass, Schlagzeug und Gitarre zusammen an freudiger Musik herstellen kann. "Hier nur Kraut und Rüben, drüben blühen Blüten" heißt es im Opener "Kraut", der genauso nach Can wie Canned Heat klingt. Und das ist das Faszinierende an dieser Band: Die besagten Dekaden, Genres und Sounds bilden im International Music-Kosmos im Grunde layers, die wie bei einer Doppelbelichtung übereinandergeschichtet werden und am Ende noch einmal durch den VHS- oder Super-8-Recorder laufen. Die drei Wahl-Essener entwickeln mit großer Faszination für die unterschiedlichen Techniken und Gerätschaften aus mehr als 50 Jahren Rock- und Popgeschichte die eigene Musik stets weiter. Und die scheint bei International Music im wahrsten Sinne "Endless". Getragen werden diese Songs vom unverkennbaren Harmoniegesang von Peter Rubel & Pedro Goncalves Crescenti, die bekanntlich auch als The Düsseldorf Düsterboys ihr Unwesen treiben. Auf "Endless Rüttenscheid" treten sie erstmals aus ihren Hallräumen an die trockene Oberfläche und verleihen ihren Stimmen und dem Text somit eine neue Nähe. Wenn es auf dem Album so etwas wie einen inhaltlichen roten Faden gibt, dann die sogenannte "Feste Beziehung" und die damit verbundenen Fragen: Ab wann ist eine Beziehung überhaupt "fest" und wie lange bleibt sie so, bloß weil sie gerade fest ist? Können wir den Zustand der Liebe irgendwie konservieren? Können wir an der Liebe, dem großen empfundenen Glück, festhalten, ohne sie am Ende mit all unseren Ängsten und Zwängen wieder kaputt zu machen? Und können wir das überhaupt wollen? Das neue Album von International Music, dieses Mal auf dem frisch für diesen Release gegründeten Label Timeless Melancholic Music.

Release 6.9.2024

Das Adrenalin zum Brodeln bringendes Debütalbum des vielleicht aufregendsten Live-Acts des Jahres aus dem Londoner Stadtteil Brixton, der ein bisschen so klingt, als ob Viagra Boys mit Justice und Fat White Family ein Album aufgenommen hätten. Gnadenlos schieben die Synthesizer von Chris Hughes zu den druckvollen Drums von Johnny Hutchinson und mit Joe Love haben Fat Dog einen Sänger mit brachialer Roughness und ähnlichem Post-Punk-Appeal wie Sebastian Murphy. Es ist ein Album in full action mit aber auch raffiniert eingestreuten Einlagen innerhalb der Songs mit Chören und tackernden Synthlines. Der Tanzboden bebt immer wieder massiv, aber das Album besitzt eben auch eine besondere Ausdrucksform und Theatralik und die Songs eine mitreissende Dramaturgie, da braucht es hier tatsächlich gar keine Gitarren. Die Energie ist unglaublich, dazu coole Breaks, immer wieder eingestreute Klezmer-Balkan-Anleihen und immer wieder aggressive Attacken, die jede Crowd durchdrehen lassen. Ein Album, das gefeiert werden muss, weil es feiert und agitiert und in Trance versetzt. Jedes Hören bannt mehr! Vermutlich eines der Alben, auf das sich 2024 viele einigen werden können. *

Release 6.9.2024

MJ Lenderman ist ein Songwriter, geboren und aufgewachsen in Asheville, North Carolina. Die Anatomie einer MJ-Platte könnte in etwa so aussehen: verzogene Pedale und verschlampte Gitarren; ein kaltes Bier mit ein paar Knospen; eine Stimme, die an das hohe, einsame Trällern eines Chorknaben erinnert.

Die Songs schlängeln sich weg von einer einfachen Heimaufnahme zu etwas, das mit langjährigen Freunden in den Drop of Sun Studios in Asheville aufgenommen wurde, was nun aber auch keine allzu große Rolle spielt - im Kern klingt ein Lenderman-Song wahr.

»Manning Fireworks« ist eine bemerkenswerte Entwicklung in der Geschichte von MJ Lenderman als unglaublich prägnanter Singer-Songwriter, dessen Neigung zum Humor immer auf eine unbehagliche, verwirrende Dunkelheit hinweist. Die Pointen kommen absolut verlässlich, ebenso wie die rostigen Gitarrensolos, die Lenderman zu einem echten Favoriten unter Indie-Rock-Fans machen, die auf der Suche nach einem aufstrebenden Gitarrenhelden sind.

Release 6.9.2024

Seit mehr als zwei Jahrzehnten begeistert die irische Post-Rock-Band mit einem einzigartigen Sound-Universum, sowohl live als auch auf ihren Studiowerken. Zwischen stets vollen Tourplänen, kehrt das Trio aus Wicklow nun am 06. September 2024 mit einem frisch-gebackenen Longplayer über Napalm Records zurück! Das elfte Studioalbum der Band und ihre bislang wohl umfangreichste und grandioseste Produktion, beweist vom ersten bis zum letzten Ton, warum sie schlichtweg Meister ihres Fachs sind. Die von den Brüdern Torsten und Niels Kinsella gegründete Band schafft hier ein weiteres außergewöhnliches Klanguniversum, und lädt die Zuhörer ein, die Songs auf ihre ganz eigene Art und Weise zu erkunden und zu interpretieren. Die erste offizielle Single „Falling Leaves“ ist eine Reise durch die Kürze unserer Existenz, von der Gründung bis zum Untergang. Der progressive, Uptempo-Album Titeltrack mit seinen eindringlichen, Synth-geladenen, oftmals fast schon bedrohlich wirkenden Shredding-Passagen balanciert dennoch stets im Einklang zwischen Licht und Dunkelheit. Songs wie der einfach epische „Odyssey“ laden auf eine aufregende Reise ein, in der sich alle Songwriting-Qualitäten der Band vereinen.

Release 6.9.2024

Die weißrussische Post-Punk/Synthie-Pop-Gruppe Molchat Doma hat schon immer die brutalistische Ästhetik der Architektur ausgestrahlt, die ihr Albumcover ziert. Sie ist kalt, grau, imposant, industriell und doch schlagen in diesen Fundamenten menschliche Herzen. Nach ihrem Durchbruch im Jahr 2020 durchlebte das Trio eine Polarität von Erfahrungen, vom Tiefpunkt eines entwurzelten Lebens und eines erzwungenen Umzugs aus ihrer Heimatstadt Minsk bis hin zum Höhepunkt, als sie als Headliner große Shows auf der ganzen Welt spielten. In dieser Stimmung ließ sich die Band in ihrer neuen Heimat Los Angeles nieder, um ihr viertes Album Belaya Polosa fertigzustellen, ein Zeugnis des Wandels in schwierigen Zeiten, ein Liebesbrief an den digitalen Puls der 90er Jahre und eine technicolor-Neuerfindung der düsteren Dancefloor-Hymnen der Band. Von der eröffnenden Synthesizer-Schwellung und dem Drum-Machine-Pochen von "Ty Zhe Ne Znaesh' Kto Ya" über die Goth-/Post-Punk-Strenge von "Son" bis hin zu den wirbelnden elektronischen Texturen, gemischt mit hallgetränkten Gitarrenausschmückungen, dem ausgedehnten Raum und dem sehnsüchtigen Gesang des Titeltracks "Belaya Polosa" - der an Depeche Mode in ihrer nachdenklichsten oder an The Cure in ihrer unterdrücktesten Form erinnert - bis hin zum schwülen und verführerischen "Chernye Cvety" - einem Stück, das in seiner Verschmelzung von verträumten Gitarren und autoritativen, mechanisierten Beats an Duran Durans Output der frühen 90er Jahre erinnert - und den ineinander verwobenen Schichten der Instrumentierung, und die melodische Raffinesse von "Ya Tak Ustal", ist klar, dass Molchat Doma auf einer anderen Ebene agieren. Molchat Doma haben sich mit früheren Alben einen Namen gemacht, die wie Bootlegs der dritten Generation von verbotenen Aufnahmen aus dem Ostblock klingen, die gemacht wurden, nachdem ein paar Schlüsseleinträge des Factory Records-Katalogs aus dem Westen eingeschmuggelt wurden. Mit Belaya Polosa schlagen sie eine neue Richtung ein, behalten aber ihren kalten, minimalistischen Stil bei, für den sie bekannt sind. Der Kellergrime und der dreckige Tapehead-Sound ihrer früheren Arbeiten machen nun Platz für digitalen Glanz und schimmernde Produktionswerte. Und während Molchat Domas erweitertes Klangspektrum Belaya Polosa eine synästhetische Kraft verleiht, bleibt die Stimmung in einer nüchternen und unbeirrbaren Selbstreflexion verwurzelt. Molchat Doma bewahren die Dualität von Kälte und Fieber in ihrer Darbietung, während sie ihre Musik durch ein Arsenal an neuen Texturen in erweiterte Gebiete vorantreiben. Das Trio macht sich weiterhin den Klang von erschütternder Schönheit zunutze, die unter harten Realitäten gedeiht.

Release 6.9.2024

Auf ihrem siebten Longplayer, ihrem zweiten für Joyful Noise Recordings - sind Suuns in der Vorhölle verloren. Für manche Künstler kann das Gefangensein in der Schwebe zu Songs führen, die entweder naiv, abgehoben oder beides sind, einfach als Folge des Abgeschnittenseins von der menschlichen Zivilisation. Aber für die Band, die sich im Schrägen und im Dazwischen mehr als wohlfühlt, hatte es genau den gegenteiligen Effekt. The Breaks" ist das bisher emotionalste und klanglich reichhaltigste Album der experimentellen Rockband aus Montreal. Das Trio, bestehend aus Ben Shemie, Joseph Yarmush und Liam O' Neill, lehnt sich eifriger denn je an seine Pop-Instinkte an. Doch bemerkenswerterweise haben SUUNS mit derselben unerschrockenen Hingabe diesmal eine extremere Klangpalette erschlossen, die weit über ihre Grundfesten als Band hinausgeht. Auf "The Breaks" experimentieren Shemie, O'Neill und Yarmush fröhlich mit Loops, Synthesizern, Samples und MIDI-Instrumenten wie ein postmoderner Tangerine Dream, der mit Downtempo-Triphop-Beats herumspielt. O' Neill nahm bei The Breaks auf dem Produzentenstuhl Platz und arrangierte, strukturierte und bearbeitete viele von Shemies und Yarmushs Ideen aus sporadischen Probesessions in Pro Tools, wobei er die Songs in einem Zeitraum von zwei Jahren immer wieder neu erfand. Zwischen zahllosen Flugreisen, Roadtrips, Van-Touren und Text-Threads wurde The Breaks zu einem Produkt von Ausdauer und einer Menge Trial-and-Error. Es ist ein Album, das in engen Spalten der Freiheit geschmiedet wurde, in denen sich Anflüge von geflüsterter Intimität - wie in der atemberaubenden Ballade "Doreen" - in die weiten, eisigen Traumlandschaften des majestätischen Titeltracks des Albums verzweigen dürfen. Das Album zeigt die SUUNS in ihrer schönsten, neugierigsten und überschwänglichsten Form: ein ständiges Hin- und Hergetriebenwerden und eine neue Erleuchtung, die auf elf hochgeschraubt ist. Und raten Sie mal: die Räder drehen sich weiter.

Release 6.9.2024

Mercury Rev nehmen auf ihrem 9ten Album mit auf einen Schwanentauchgang ins Mystische: ein Rausch aus Balladen-Träumen und emotionalen Memoiren an der Kreuzung von The Dharma Bums, Pet Sounds und der dritten Seite von Electric Ladyland. Eine tiefgründige transzendente Reise von den psychedelischen Entdeckern, die uns "Deserter's Songs" beschert haben. Im Hinterland von New York, tief in der Nahtstelle zwischen den Catskills und dem Hudson Valley, entsteht ein reichlich anschwellender anschwellender, verzaubernder Klang, der wie der örtliche Esopus Creek wirbelt und fließt oder im Windschatten des großen Hudson River, der das Treibgut unserer Hoffnungen, Träume und Ängste mit sich führt.A Klang, der sich aus organischen und elektronischen Elementen zusammensetzt: Gitarren, Tasten, Blechbläser, Streicher, Holzbläser, Schlagzeug - und eine Stimme: Beschwörungsformeln, die Bewusstseinsströme anzapfen, die in ähnlicher Weise wirbeln und fließen. Spirituell, buchstäblich, psycho-geographisch.

Release 30.8.2024

Nick Cave & The Bad Seeds melden sich mit ihrem neuen Album "Wild God" nach fünf Jahren Pause zurück! Auf zehn Tracks tanzt die Band zwischen Konvention und Experiment, indem sie Linkskurven und Umwege macht, die die reiche Bildsprache und Emotion in Caves herzergreifenden Erzählungen verstärken. Es gibt Momente, die liebevoll an die Vergangenheit der Bad Seeds erinnern, aber sie sind flüchtig und dienen nur dazu, dem unerbittlichen und ruhelosen Vorwärtsdrang der Band eine weitere Facette zu geben. Nick Cave sagt über das Album: "It bursts out of the speaker, and I get swept up with it. It's a complicated record, but it's also deeply and joyously infectious." Produziert von Cave und Warren Ellis und gemischt von David Fridmann, begann Cave am Neujahrstag 2023 mit dem Schreiben des Albums. Bei Aufnahmen in der Provence und in London fügten die Bad Seeds schließlich ihre einzigartige Alchemie hinzu, mit zusätzlichen Auftritten von Colin Greenwood ( Bass) und Luis Almau (Nylonsaitengitarre, Akustikgitarre). "Wild God…there's no fucking around with this record. When it hits, it hits. It lifts you. It moves you. I love that about it."

Release 30.8.2024

Wenn das elektrisierende Debütalbum "Let the Festivities Begin!"aus dem Jahr 2022 die unruhige Vorbereitung auf die große Nacht war, dann ist "Talkie Talkie" die Technicolor-Explosion auf dem Dancefloor. Die Gruppe besteht aus dem Lead-Gitarristen Serra, der sowohl australische als auch türkische Wurzeln hat, der uruguayischen Synthesizer- und Keytar-Spielerin Agustina Ruiz, der schwedischen Bassistin Josefine Jonsson und dem britischen Schlagzeuger Nic Crawshaw und hat sich dem Spaß verschrieben. Diese ansteckende Energie haben sie problemlos auf die Welt übertragen: Seit die Band 2019 mit zwei ausverkauften 7"-Singles offiziell an den Start ging, haben sie sich als eine der besten Londoner Bands etabliert, die es zu beobachten gilt. Seitdem haben sie ein Zuhause bei ihrem geliebten Indie-Label City Slang gefunden, sind auf den begehrtesten Bühnen der Welt aufgetreten (z. B. Glastonbury und Coachella sowie als Support von Pavement und King Gizzard & the Lizard Wizard) und haben mit ihrer erkundungsfreudigen Art des Rock'n'Roll die Verve ihrer Persönlichkeiten und Kulturen ausgestrahlt. Das neue Album des Londoner Quartetts glänzt mit Charisma, klanglichen Experimenten und schelmischem Geist. Talkie Talkie, benannt nach dem gleichnamigen fiktiven Club, ist ein nächtliches Paradies voller Freiheit und Möglichkeiten, ein Ort, an dem die Partygänger beim Tanzen der Realität entfliehen oder zu den belebenden Klangwelten träumen können.

Release 30.8.2024

Auf ihrem räudig-rasanten Einstandsalbum für Sub Pop, ihrem dritten insgesamt, zieht die walisische Band alle Register. Musikalisch ist es eine Art Modern-Lovers-meets-Nuggets-Garagenrock, bei dem sich B-52's "Call-and-Response"-Spaß mit AC/DC-Powerblues-Gitarrenchords mischt. Eine herrliche Distortion-Patina hängt über den Lo-Fi aufgenommenen Songs. Ironische, humorvolle Texte über Alltägliches wie die druckvolle Eröffnungssalve "War Movies", das punkrockige, riot-kompatible "Quality Pints" oder "A bit like James Bond" werden von den beiden Kernmitgliedern Sam Willmett und Tilly Harris mit mehrstimmig skandierten Refrains veredelt. Ein sympathisches, aufrührerisches Knallbonbon von Album.

Release 30.8.2024

Jon Hopkins' neues Album ist ein 41-minütiges Epos, das das musikalische Bindeglied zwischen seinen Vorgängeralben "Immunity" von 2013 und "Singularity" von 2018 und dem "Music For Psychedelic Therapy" von 2021 ist. Es besteht aus Subs die klingen, also of sie aus einer Höhle kämen, hypnotischem Schlagzeugspiel und transzendenten Melodien. Das spannungsgeladene, eindringliche und letztlich triumphale Werk ist ein Höhepunkt der Themen, die er in seiner 22-jährigen Karriere erforscht hat, und bildet das kinetische Gegenstück zu "Music For Psychedelic Therapy" von 2021. Das Album besteht aus einem einzigen Stück, das sich in acht Kapiteln entfaltet und durch Tiefe und Kontrast besticht. Mit Zeremonien, spiritueller Befreiung und der Reise des Helden als Inspiration, zapft es eine uralte und ursprüngliche Energie an.

Release 30.8.2024

Das fesselnde sechste Album des Songwriters, Musikers und Produzenten Scott Hansen aus San Francisco. Auf "Infinite Health" geht es darum, einen Raum für Heilung und Reflexion zu schaffen, ein Mantra für geistige, emotionale und körperliche Heilung. Klanglich kehrt er mit dem Album zu seinem eher elektronisch geprägten Produktionsstil zurück und konzentriert sich auf Breaks, Drums und rhythmische Elemente. Seit den Anfängen des Projekts im Jahr 2001 hat Scott Hansen den Tycho-Sound kontinuierlich weiterentwickelt und sich als Vorreiter in der elektronischen Szene etabliert. Auf dem Weg dorthin hatTycho zwei GRAMMY-Nominierungen erhalten, Remixe produziert und mit unzähligen namhaften Künstler:innen wie ODESZA, Maggie Rogers, Little Dragon, Leon Bridges und Death Cab For Cutie zusammengearbeitet. Obwohl es das Personal der letzten Werke beibehält - wie üblich mit Zac Brown an der Gitarre und Rory O'Connor hinter dem Schlagzeug - sieht Hansen „Infinite Health“ als eine vierte Ära für Tycho an: er stürzte sich in den Aufnahmeprozess mit dem Ziel, den Sound unverwechselbar und prägnant zu gestalten.

Release 23.8.2024

Das vierte ist das erste Album der Band mit dem Produzenten James Ford und ohne Zweifel ihr bisher ehrgeizigstes, einfallsreichstes und klanglich abenteuerlichstes Album. Es knüpft an den Erfolg des 2022 erschienenen Albums "Skinty Fia" an, das in Großbritannien und Irland Platz #1 der Albumcharts erreichte und der Band eine Reihe von Auszeichnungen einbrachte, darunter "International Group of the Year" bei den BRIT Awards 2023. Die explosive Leadsingle "Starburster" läutet die jüngste kreative (R)Evolution von Fontaines D.C. ein. Inspiriert von einer Panikattacke, die Leadsänger Grian Chatten im Londoner Bahnhof St. Pancras erlitt, wird der Song immer wieder durch scharfes und wildes Einatmen unterbrochen. Der treibende Beat und der unerbittliche Text stellen die Selbstzerstörung als Fantasie dar, bevor es einen kurzen Moment ernüchternder Klarheit gibt, wenn das Schlagzeug aussetzt und Chatten vom spuckenden, fast rappenden Gesang beinah in einen Psalm übergeht, dessen Bariton voll und verträumt ist. Begleitet wird der Song von einem filmischen Musikvideo von Regisseur Aube Perrie (Megan Thee Stallion, Harry Styles, The Hives), das die kathartische Intensität des Songs auf brillante Weise einfängt.

Release 23.8.2024

Zeal & Ardor ist nicht nur eine Band, sondern ein lebendes und atmendes Wesen. Wie jedes andere empfindungsfähige Wesen verzehrt es sich, entwickelt sich weiter und verwandelt sich von einer Jahreszeit zur nächsten. Ihre Form mag sich ändern, aber ihr Geist bleibt derselbe. Gegründet und geleitet von Manuel Gagneux, hat sie im Laufe der Jahre nur ihre Krallen geschärft, ihre Zähne verlängert und ihre Nerven gestählt und ist dabei immer unbestreitbarer und unberechenbarer geworden.

Release 9.8.2024

Das inzwischen 26. Album folgt diesmal keinem Konzept. Als erste Veröffentlichung der Band auf ihrem neu gegründeten (p)doom records Label zeigt das Album eine bemerkenswerte Veränderung, indem es den großen Ehrgeiz gegen die Intimität von sechs guten Freunden eintauscht. Dieser lockere Ansatz wird perfekt auf dem ersten Track des Albums, "Le Risque", verkörpert, einem mitreißenden, rollenden Boogie, der auch das Gesangsdebüt des Schlagzeugers Michael Cavanagh markiert. Nach einer Reihe von umfangreichen und konzeptuellen Alben, die von einem Thrash-Metal-Epos über die aktuelle Klimakrise bis zu einem Moroder-ähnlichen, vor-digitalen Synth-Album mit Proto-Kraftwerk-Hits reichen, verabschieden sich King Gizzard bei "Flight b741" von all den hochtrabenden Plänen zugunsten von unwiderstehlichem, country-beeinflusstem Rock’n’Roll und der Art von mühelosem Songwriting, das zur zweiten Natur wird, wenn man seit fast anderthalb Jahrzehnten rund um die Uhr zusammen Musik macht. "Wir wollten etwas machen, das primitiv, instinktiv, mehr 'aus dem Bauch heraus' ist", sagt Gizzard-König Stu Mackenzie, "einfach Freunde in einem Raum, die tun, was sich richtig anfühlt. Wir wollten etwas Spaßiges machen.

Release 9.8.2024

Das vierte Album und Merge Records-Debüt zeigt, dass die in Melbourne, Australien, ansässige Band in der Art von Emotionen schwimmt, in denen sich die meisten Menschen zu verlieren fürchten. Der überdimensionierte Gitarrenpop von Quivers schimmert wie die Oberfläche eines Ozeans, unter der ein Riff liegt, das abwechselnd schön und schmerzhaft ist, dessen Züge fremdartig und scharf genug sind, um zu verwunden. Angetrieben von Melodien, die manchmal an Galaxie 500 und The Pretenders erinnern, machen Quivers Musik, die zart und hart ist und den Hörer dazu zwingt, immer wieder einzutauchen, wobei jeder Song einen neuen Gefühls-Blickwinkel eröffnet. "Oyster Cuts" ist Sonnenschein-Pop mit Blut im Wasser. Die Verluste und Lieben, die Quivers' Musik seit ihren Anfängen geprägt haben - der plötzliche Verlust eines Bruders im gebrochenen Optimismus von "We'll Go Riding on the Hearses" (2018) und das Leben in und nach der Trauer von "Golden Doubt" (2021) - fließen in "Oyster Cuts" ein, das sich dem Weitermachen verschrieben hat, während es akzeptiert, dass einige Gefühle, wie Trauer, ein Kreislauf sind. Entscheidend ist, dass Quivers sich verpflichten, miteinander Vorwärts zu gehen. Ohne den Chor und die Streicher von "Golden Doubt" ist "Oyster Cuts" ein Beispiel dafür, was immer noch möglich ist, wenn vier Leute - Sam Nicholson (Gitarren), Bella Quinlan (Bass), Michael Panton (Gitarren) und Holly Thomas (Schlagzeug) - zusammen Musik machen. Durch die Verwendung von Tape Loops - die "Oyster Cuts" eröffnen und schließen und das Album wie Haie umkreisen - legen Quivers Wert auf Wiederholung, setzen gemusterte Riffs ein und navigieren durch kreisförmige Gedanken, bis sie an ihre Grenzen stoßen und schließlich zu einem neuen Song zusammenfinden. Ihr verträumter, sonnenverwaschener Jangle-Pop ist dadurch schlanker und muskulöser geworden, und ihre Sound-Palette wird durch Anklänge an The Cure, Echo & the Bunnymen und The Durutti Column verdunkelt. Innerhalb dieses Rahmens betreten Quivers als Band Neuland, indem sie ihrem charakteristischen Gruppengesang eine neue Dimension hinzufügen: Quinlan übernimmt bei vier Songs die Leadstimme, die ineinander verwobenen Gitarren von Nicholson und Panton werden in den Mittelpunkt gestellt und der zielgerichtete Groove von Quinlan und Thomas treibt das Ganze voran. Die Songs von Quivers fühlen sich wie lange Gespräche zwischen Freunden an, in dem Sinne, dass ein Gespräch sowohl ein Akt der Sprache als auch ein Raum ist, den Menschen füreinander einnehmen. Die ersten beiden Tracks auf "Oyster Cuts", "Never Be Lonely" und "Pink Smoke", nehmen diese privaten Universen, die aus gemeinsamer Sprache, Erinnerungen, Songfetzen und dem Licht eines Handybildschirms mitten im Doomscroll bestehen, und verwandeln sie in ein Leuchtfeuer, in suchende Texte, die von massiven Hooks entfacht werden. "All I ever wanted was a true friend / All I wanted was a friend with benefits / All I ever wanted was transcendence" singen Quinlan und Thomas zu Beginn des Albums, und von da an spult "Oyster Cuts" in den Horizont hinaus. Die vier Mitglieder von Quivers erforschen diesen Raum nicht nur, sondern füllen ihn auch so weit wie möglich mit sich selbst aus, indem sie sich aneinanderbinden, egal wie unklar und chaotisch Herzensangelegenheiten werden können. Jeder Moment der Katharsis, den Quivers aus dem Äther zaubern, ist eine Einladung, sich ihnen anzuschließen. Wenn man ihnen zuhört, wie sie dort aufsteigen, wo andere grübeln würden, ist es unmöglich, ihrer Einladung zu widerstehen.

Im klassischen Daptone-Stil produziertes Debutalbum der aus dem indonesischen Surabaya stammenden, aus Natassya Sianturi (Gesang und Keyboard), Tommy Satwick (Schlagzeug) und Sinatrya ("Raka") Dharaka (Gitarre und Produktion) bestehenden Band. Exquisiter Vintage-Soul, der sich an den klassischen US-Vorbildern orientiert und dezent auch regionale Einflüsse einfliessen lässt, was den Songs zuweilen einen Khruangbin gar nicht unähnlichen Vibe verpasst, was sicher auch an den prominent in Erscheinung tretenden Begleitinstrumenten Gitarre und Schlagzeug liegt. Natassya´s in englisch und indonesisch gehaltener Soul-Gesang besitzt Glanz und Charme, die Band agiert auch mit groovendem Bass und Vintageorgel oder auch Flöte. Ihre Soul-Variante brilliert mit Einflüssen aus 60s-Garage-Rock und Spiritual-Jazz und knistert sehr schön auch bei wunderschönen, gefühlvollen Balladen wie auch druckvolleren, tanzbarerern Nummern wie "Midnight Hotline" mit einem ansteckenden Refrain, vibrierendem Piano und jazzigen Gitarrenlicks.

Release 2.8.2024

Neues viertes Studioalbum, geprägt durch die Schwangerschaft von Sängerin Elin Larsson während der Aufnahmen, was den Songs eine neue emotionale Tiefe gibt. In nur wenigen Wochen in der ruhigen Landschaft Schwedens geschrieben und von dem Grammy-nominierten Freddy Alexander produziert, fängt das Album die rohe Energie und magnetische Energie Blues Pills in ihrer reinsten und ehrlichsten Form ein. "Birthday" symbolisiert nicht nur die musikalische Entwicklung, sondern auch die tiefe Verbundenheit zwischen den Bandmitgliedern, die sich in ihrer unerschütterlichen Unterstützung für Elin während dieser transformativen Zeit zeigt.

Release 19.7.2024

Krautige Cumbia der Zukunft trifft auf unverzerrte Gitarre! Bewusstseinserweiternd! Der in Bogotá lebende kolumbianische Komponist Eblis Alvarez, bekannt als Meridian Brothers, kreiert seit 1998 eine einzigartige Mischung aus psychedelischen Klängen. Mit seinem neuesten Projekt "Mi Latinoamérica Sufre" erkundet Alvarez das ungenutzte Potenzial der E-Gitarre in einem tropischen Latin-Kontext. Inspiriert von afrikanischen Highlife- und Soukous-Traditionen schafft Alvarez ein furchtloses Klangexperiment voller Erfindungsreichtum, Verspieltheit und Emotionen. Im Gegensatz zu typischen tropischen Gitarrenalben verzichtet dieses Album auf Verzerrung und Klischees und setzt stattdessen auf einen reinen, sauberen Ansatz. Mit komplizierten Kompositionen, die Cumbia, Champeta, Soukous, brasilianische Tropicalia und psychedelischen Underground-Rock mischen, huldigt Alvarez der goldenen Ära der kongolesischen Rumba, des ghanaischen Highlife und des nigerianischen Afrobeat. "Mi Latinoamérica Sufre" ist ein Egotrip, der eine humorvolle und zugleich introspektive Reise der Selbstfindung und Identität darstellt. Die Hauptfigur, Junior Maximiliano der Dritte, navigiert mit Hilfe psychedelischer Substanzen, politischer Philosophie und Folklore durch die Komplexität der Selbstfindung. Während er sich mit Nostalgie, Paranoia und geteiltem Leid auseinandersetzt, stellt Alvarez sein stimmliches Können unter Beweis und schafft ein akustisches Theater des Geistes. Begleitet von visuellen Erzählungen des kolumbianischen Künstlers Mateo Rivano, porträtiert das Album verschiedene psychologische Zustände von Desorientierung, Selbstmitleid, Erleuchtung und Optimismus. "Mi Latinoamérica Sufre" entpuppt sich als würdige und innovative Ergänzung der Konzeptalbum-Tradition und bietet eine unverwechselbare Mischung aus bittersüßen Aromen, die von Latinoamérica inspiriert sind.

Release 2.8.2024

Das zweite Album und Sub Pop-Debüt des Art-Punk-Ensembles J.R.C.G., das von Justin Gallego (auch bei Dreamdecay) angeführt wird, ist voll von bedrohlichen, düster-melodischen Tracks, die Krautrock, Latin-Rhythmen und Post-Punk zu einem hypnotischen Sound vermengen. Aufgenommen von Justin Gallego in seinem Heimstudio in Tacoma und co-produziert von Gallego und Seth Manchester bei Machines With Magnets. Justin R. Cruz Gallegos pulverisierendes Sub Pop-Debüt zu erleben, bedeutet, zu Asche verbrannt zu werden und wieder aufzubrechen, neu geboren zu werden. Das zweite Album des in Tacoma lebenden Künstlers wird von gegensätzlichen Kräften angetrieben: laute Abstraktionen und straff strukturierte Beats, Angst und Auflösung in der Außenwelt und Ermächtigung im Inneren, Apathie und Katharsis. Grim Iconic...(Sadistic Mantra) verbindet durchdringende Elektronik mit eingängigen Songs und Gallegos kraftvollem Schlagzeugspiel auf eine Art und Weise, die sich lebendig und neu anfühlt. Es ist sein bisher persönlichstes Statement, gleichzeitig verspielt und absichtsvoll, angetrieben und brennbar, ein totales Chaos, gemischt mit dem Schimmern von zerbrochenem Glas. Geboren in Tucson, Arizona, erlebte Gallego als Kind einen Kulturschock, nachdem er in die kalten Gefilde des pazifischen Nordwestens umgezogen war. Er fand Trost in der Punkszene von Seattle rund um Iron Lung Records und ist seitdem eine feste Größe in der Underground-Community. "Ich sehe diese Platte in erster Linie als ein musikalisches Statement", sagt Gallego. "Ich bin in der Punk- und DIY-Subkultur aufgewachsen, aber davor habe ich in meiner Kindheit und in jeder Phase meiner Jugend lateinamerikanische Musik im Hintergrund gespielt. Es war erstaunlich natürlich, sie zu integrieren. Mir wurde klar, dass ich tiefer in diese Rhythmen eindringen wollte. Ich wollte eine Platte machen, die sich sowohl experimentell als auch aus der Perspektive eines Latinos anfühlt. Als ich einen Schimmer von dieser Möglichkeit bekam, fühlte es sich aufregend an." Die Leadsingle "Dogear" ist ein Partykracher, der klingt, als hätte man Talking Heads und Rudimentary Peni gezwungen, sich einen Übungsraum zu teilen. "Ich wollte einen Song, der auf spielerische Art und Weise versucht, dissonant zu sein, ohne sich selbst zu ernst zu nehmen", sagt Gallego. "Cholla Beat" ist sogar noch ehrgeiziger, eine hymnische Mischung aus WAR und Wire, angeführt von widerspenstigen Synthesizern, die sich durch ein Labyrinth von Produktionen winden. Gallegos Einflüsse für das Album sind breit gefächert und reichen vom britischen Dokumentarfilmer Adam Curtis über den elektrischen Miles Davis bis hin zu Audio-Missetätern wie Demdike Stare und Oneohtrix Point Never. Aber es ist Gallegos sichere klangliche Vision, die am lautesten widerhallt. Und obwohl J.R.C.G. ein Soloprojekt ist, das in erster Linie in Gallegos Heimstudio konzipiert und realisiert wurde, fand er die Kraft, das Projekt für andere zu öffnen, angefangen mit Seth Manchester als Co-Produzent. Manchesters Vorliebe für knochenbrechende Frequenzen, die er bei seiner Produktionsarbeit mit The Body, Battles und Mdou Moctar unter Beweis gestellt hat, machte ihn zu einer natürlichen Ergänzung für Gallego. Gemeinsam behielten sie die Intimität von Gallegos Heimaufnahmen bei und nutzten gleichzeitig die Vorteile des Hi-Fi-Stylings seines Machines With Magnets Studios in Rhode Island. Der Abschlusssong "World i" bietet einen Einblick in die Live-Erfahrung von Grim Iconic...(Sadistic Mantra), bei der mehr als sieben Bandmitglieder loslegen. Das Album zeichnet sich durch eine faszinierende Mischung von Begleitmusikern aus, von denen sich viele in der Live-Besetzung von J.R.C.G. wiederfinden: Morgan Henderson (The Blood Brothers, Fleet Foxes), Jason Clackley (Dreamdecay, The Exquisites), Jon Scheid (Dreamdecay, U Sco), Erica Miller (Casual Hex, Big Bite), Veronica Dye (Terminator) Phil Cleary (U Sco), und Alex Gaziano (Dreamdecay, Kidcrash, Science Amplification). In seiner Gesamtheit ist G.I.S.M. ein Wirbelsturm aus Sound, Stampfen und Reinigen. Es ist ein schweißtreibendes, aufregendes akustisches Abenteuer, und wie eine großartige Keller-Show wird es dich atemlos, erschöpft und mit dem Wunsch zurücklassen, es noch einmal zu wiederholen. Wie es jedes gute Mantra tun sollte.

Release 12.7.2024

Auf den zehn Songs des neuen Albums geht es um diese besondere Form der Romantik, aber auch darum, wer Gonzales in dieser Zeit war und wie er diese Situationen gemeistert hat. Mit "X's" veröffentlicht die Band nun ein weiteres Album, das wie die früheren Cigarettes After Sex-Platten auch stark durch den Ort geprägt ist, an dem die Songs aufgenommen wurden. Da wäre das Treppenhaus des Colleges in El Paso für die erste EP, der Proberaum in Brooklyn für das erste Album, ein Innenhof in Mallorca für "Cry" und nun das Haus am Fuße der Hollywood Hills in Los Angeles, in dem Gonzalez mit seiner damaligen Partnerin lebte. Während die ersten Demos im August 2020 von Greg mit den Bandmitgliedern Jacob Tomsky (Schlagzeug) und Randall Miller (Bass) aufgenommen wurden, entstand der Großteil der eigentlichen Aufnahmen in einem kleinen Schlafzimmer im Laufe von sechs intimen Live-Sessions zwischen 2021 und 2022. Anstatt auf den heilenden Balsam der Perspektive zu warten, drückte Gonzalez beim Schreiben auf die blauen Flecken und machte sich genau diesen Schmerz zunutze. Aus den emotionalen Trümmern des Beziehungsendes blickt Gonzalez unter anderem in "Dreams From Bunker Hill" nostalgisch auf die damalige Zeit zurück. Die Anfangstage der Beziehung fängt er in "Hideaway" und im tanzbaren "Holding You, Holding Me" ein. Ebenso im eröffnenden Titeltrack, der scheinbar nicht enden wollende Tage im Bett beschreibt. Das ergreifende Album endet mit "Ambien Slide", in dem Gonzalez sich dem Schmerz der endgültigen Trennung stellt. "I have to confront everything I went through, that's just how I make peace."

Release 19.7.2024

Nach ihrer Rückkehr mit den Tracks »Punk's Dead« und »Mirror Muscles« haben Soft Play ihr viertes Studioalbum »Heavy Jelly« angekündigt; ein Karrierehoch, das ein Gefühl der Liebe und Wertschätzung für die Verbindung an der Spitze und im Zentrum der Band beinhaltet.

Das Album ist das erste, das die Band seit der Veröffentlichung der Nebenprojekte Baby Dave und Larry Pink The Human wieder als Duo veröffentlicht. Die Songs auf »Heavy Jelly«, die über ein Jahr im Tunbridge Wells Forum, in Lauries Gartenstudio und auf Tour aufgenommen und im The Libertine Studio fertiggestellt wurden, zeichnen spezifische Momentaufnahmen der Welt um die Band herum und verstärken ihren Sound und ihre Präsenz zu etwas Kühnem und Hellerem als je zuvor.

Release 19.7.2024

Die erste und einzige britische Emo-Band kehrt mit ihrem mit Spannung erwarteten siebten Album zurück. Es ist vielleicht ihr bisher ehrgeizigstes und sicherstes Album und erinnert gleichzeitig an alles, was wir im Laufe ihrer makellosen Diskografie an LC! lieben gelernt haben. Es wurde zwischen Oktober 2023 und Februar 2024 aufgenommen und ist das erste Album, das von Bandmitglied Tom Bromley komplett selbst produziert wurde (nachdem er die vorherigen Alben Sick Scenes und NO BLUES mitproduziert hatte). Das Album wird auch auf dem bandeigenen Label Heart Swells selbst veröffentlicht. In den Worten der Band ist es ein Album über... Trinken aus Spaß und Trinken aus Elend // Erwachsenen-Akne // Erwachsenen-Freundschaft // Fußball // Tod und Sterben // Liebe und Sex // Spätkapitalismus // Orpheus // Tagträume // Nachtängste // das Herz als Organ und als Last // Vorstadt-Langeweile // Tränen des Königreichs // die Punks auf der Playlist // Zeitsprünge // Klima-Apokalypse // der Mond der Mond der Mond.... Der Song "Feast of Tongues" bündelt die Qualitäten aus Druck und melancholisch gemalter Melodik fantastisch und enthält auch großartigen Backgroundgesang. Los Campesinos! haben sich seit ihrer Gründung Mitte der 2000er Jahre zu einer der wichtigsten und einflussreichsten Kultbands in Großbritannien entwickelt. Seit ihren Anfängen in der Indie-Szene von Cardiff und der Vertonung von Budweiser-Werbespots hat die siebenköpfige Band eine langsame, stetige und bemerkenswerte musikalische Entwicklung durchlaufen. Vom wilden Chaos des Debütalbums Hold On Now, Youngster... (2008) über den Durchbruch von Romance is Boring (2010) bis hin zur Selbstmythologisierung von "NO BLUES" (2013) und "Sick Scenes" (2017) ist ihre Diskografie ein zusammenhängendes Netz aus Nischenreferenzen, großen Schwüngen und unerschütterlicher Ehrlichkeit. Als selbsternannte Schläferhits für weinende Idioten sind sie von The Beautiful South ebenso beeinflusst wie von US-Emo, wobei emotionale Intensität und Verbundenheit immer im Mittelpunkt stehen. Ihre Texte sind eine Fundgrube an Fußballreferenzen, Geschichten über Liebeskummer und schmerzhaft offene Exorzismen, die sich Hunderte von Fans auf den Körper tätowiert haben und als Trost und Einsicht während der Trennung dienten, die du hattest (nicht umsonst lautet der Slogan der Band "die Lieblingsband deiner Ex-Freundin").

Release 12.7.2024

Cassandra Jenkins ist ganz einfach eine der besten Songwriter-Geschichtenerzählerinnen, die derzeit Musik machen. Sie gehört zu den großen amerikanischen Songwritern, zu Künstlern wie David Berman, Adrianne Lenker, Jeff Tweedy und Sufjan Stevens. Es sind Künstler, die durch ein Gefühl der Unmittelbarkeit verbunden sind, nicht nur durch ihre Texte - die präzise, aufrüttelnd, manchmal brutal und im richtigen Moment witzig sind -, sondern auch durch die Art und Weise, wie sie singen, mit einer tiefgehenden, totalen Überzeugung, die einen durch ihre Lieder trägt. Das sind die Künstler und Lieder, die sich anschleichen und wirklich für immer mit uns leben, und auf "My Light, My Destroyer" reiht sich Jenkins in diese Reihe ein. Das Bemerkenswerteste an "My Light, My Destroyer" ist, dass es eine Künstlerin an einem aufregenden Sprung in ihrer Entwicklung zeigt. Vieles an diesem Album unterscheidet sich von seinen Vorgängern; Field Recordings und Found Sound durchdringen es, erzählerisches Songwriting kracht in berauschende, wirbelnde Kompositionen. Jenkins singt mit einer Stimme, die man nur als Powerwhisper bezeichnen kann (man denke an Sufjan Stevens, Annie Lennox, Margo Timmins oder Tweedy aus der YHF-Ära), ihr Gesang ist nah und intim, aber subtil konfrontativ. Aber hier fühlt sich alles größer an, ausgefeilter, kühner und reichhaltiger als bei ihren früheren Arbeiten. Geboren und aufgewachsen in New York City, ist Jenkins seit ihrer Kindheit auf Tournee und tritt auf. Ihre ersten Aufnahmen veröffentlichte sie im Eigenverlag, bevor sie 2021 ihr bahnbrechendes Album "An Overview auf Phenomenal Nature" veröffentlichte. Auf "My Light, My Destroyer" sind viele der Songs bestimmten Gefühlen gewidmet, und es geht darum, sich in diese Gefühle hineinzuversetzen, im Gegensatz zu einem erzählerischen Bogen. Die Leadsingle "Only One" ist ein Beispiel dafür, dass ein Moment oder ein Song völlig kurzsichtig sein kann; er kann ein einzelnes Gefühl verkörpern und bietet keine Antworten. Songs wie "Devotion", "Delphinium Blue", "Clams Casino", "Echo" und "Only One" sprechen von der befreienden Qualität einer fokussierten Beobachtung, selbst bis zum Punkt der Desillusionierung. "Es gibt diese Idee der Desillusionierung, an der ich festgehalten habe", sagt sie. "Ich schätze Desillusionierung als einen Prozess, bei dem man neue, unerwartete Ergebnisse entdeckt. Wir lassen auf diese Weise Erwartungen los. Erwartungen halten uns zurück. Es ist leicht, sich auf Abstumpfung oder Enttäuschung zu konzentrieren, aber ich sehe es eher als Freiheit".

Release 19.7.2024

23tes Album, eingespielt in der aktuellen Besetzung mit Gitarrist Simon McBride, der den Platz von Steve Morse übernommen hat, welcher sich um seine krebskranke Frau kümmern musste. Ansonsten gehören Frontmann Ian Gillan, Bassist Roger Glover, Drummer Ian Paice sowie Keyboarder Don Airey zum aktuellen Lineup. Produziert vom legendären Bob Ezrin fängt das neue Album den bahnbrechenden klassischen Sound der Band ein ohne sich auf Nostalgie zu verlassen und verkörpert möglicherweise mehr als jedes andere Album der jüngeren Zeit die Essenz und Einstellung ihrer Inkarnation der 1970er Jahre? Der rätselhafte Titel symbolisiert die Idee, dass sich in einer zunehmend komplexen Welt letztendlich alles auf eine einzige vereinheitlichte Essenz reduziert. Alles summiert sich zu eins.

Release 12.7.2024

Im Januar wurde bekannt, dass Thom Yorke den Soundtrack für Daniele Luchettis Film "Confidenza" komponiert hat, eine Adaption des italienischen Dramas, das auf dem gleichnamigen Roman von Domenico Starnone basiert. Der Film feierte seine Premiere auf dem Internationalen Filmfestival in Rotterdam und wird am 24. April in die italienischen Kinos kommen. Produziert wurde der Film von Indiana Production und Vision Distribution, der Vertrieb erfolgt durch Vision Distribution. "Confidenza" folgt auf Yorkes vorherigen Score zum "Suspiria"-Remake. Dafür erhielt Yorke eine GRAMMY-Nominierung für den besten Song für visuelle Medien erhielt. Produziert von Sam Petts-Davies (Suspiria, The Smile Wall Of Eyes), arbeiten Petts-Davies und Yorke bei "Confidenza" erneut mit dem London Contemporary Orchestra und einem Jazz-Ensemble zusammen, zu dem auch Robert Stillman und sein Bandkollege von The Smile, Tom Skinner, gehören. 2019 steuerte Yorke Musik zu Edward Nortons "Motherless Brooklyn" bei und 2022 schrieb er zwei Songs für das Serienfinale von "Peaky Blinders". Zuletzt war Yorke mit The Smile (Tom Skinner, Jonny Greenwood, Thom Yorke) auf Tour, die im Januar ihr zweites Studioalbum "Wall Of Eyes" veröffentlichten, das auf das 2022 erschienene Debütalbum "A Light For Attracting Attention" folgt.

Release 5.7.2024

8tes Album. Fin Greenalls introspektives, philosophisches und sanft euphorisches Songwriting der Gegenwart wurde mit seinen langjährigen Bandkollegen Tim Thornton (Schlagzeug/Gitarre) und Guy Whittaker (Bass) über 30 Tage in völliger Abgeschiedenheit aufgenommen. Der gebürtige Cornwaller Greenall, der inzwischen in Berlin lebt, suchte die Einsamkeit und die bodenständige Atmosphäre des kleinen Dorfes Zennor an der malerischen Atlantikküste der Grafschaft Cornwall für die Aufnahmesessions. Die Band wurde eingeladen, in dem neu errichteten Studio des Produzenten Sam Okell aufzunehmen, und war die erste Band, die dort aufgenommen hat. Okell ist der mit einem Grammy ausgezeichnete Tontechniker und Mixer von Get Back der Beatles und Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band 50th Anniversary Release. In der Vorstellung, dass unter diesen Bedingungen ein klassisches englisches Lo-Fi-Folk-Album entstehen könnte, trieb die gemeinsame kreative Unruhe der Band und Okell Beauty In Your Wake stattdessen in die weitläufigen Gefilde von FINKs kommerziell erfolgreichen Alben der Nullerjahre und 2010er Jahre und ist eine Rückkehr zu sich selbst. Die Musik von Fink war schon immer in ein breiteres globales Geflecht eingebettet, nicht zuletzt, weil die Musik der Band in zahllosen Film- und TV-Soundtracks wie Better Call Saul, The Walking Dead und zuletzt in der neuesten Staffel von True Detective und Ava du Vernays Origin zu hören war, für die Greenall einen exklusiven Song geschrieben hat.

Release 5.7.2024

Das neue Album des elektronischen Experimental-Kollektivs aus der Demokratischen Repubik Kongo - Die Band ist für ihren gewagten Sound, Experimente, rollenden Rhythmen, stechenden Melodien und kraftvollen Liveshows bekannt und kehrt mit einem elektronischeren, peppigeren Sound zurück, der von den Nächten in Kinshasa inspiriert ist. 'BUTU' bedeutet 'die Nacht' in Lingala. Die Idee des Albums ist ein tiefes und intensives Eintauchen in die Nacht der Hauptstadt der DR Kongo, einer lärmenden, chaotischen und erstaunlichen 17-Millionen-Stadt.

Release 5.7.2024

8tes Album der Band aus Leicester! Das vorab ausgekoppelte "Call" gibt mit massivem Synth-Riff, packenden Background-Chören und dem unaufhaltsamen Groove den Grundton des neuen Longplayers vor. 10 schnelle, geschliffene und hochdosierte Power-Tracks, die von der "Anything Goes"-Kunstrichtung der späten 1950er-Jahre inspiriert wurden. Während die Band einen scharfen Schlenker vom Dancefloor in Richtung Moshpit macht, wurden Tracks über drei Minuten rigoros aussortiert (jedenfalls fast). Insgesamt kommen die zehn Stücke auf eine Spielzeit von 26 Minuten ("Eine Minute kürzer als das Debütalbum der Ramones damals"). Mit anderen Worten: "Happenings" ist ein zwar kurzes, aber dafür um so intensiveres Hörvergnügen, das süchtig nach mehr macht.

Release 5.7.2024

Der Nachfolger ihres von allen Seiten gefeierten selbstbetitelten Debüts von 2014, das Minimal Techno mit orchestralen Schnörkeln und schwereloser Produktion neu interpretierte. "II" ist lebendiger, aber es behält immer noch den charakteristischen Kiasmos-Stil des Übergangs von einer flüsternden, ruhigen Atmosphäre zu einem explosiven Dance-Beat, der aus den Socken haut. Kiasmos - sind weiterhin der isländische Komponist Olafur Arnalds und der färöische Musiker Janus Rasmussen - haben sich diesmal zehn Jahr Zeit genommen für ihr Nachfolgewer und die Entstehung von "II" war eine Bewährungsprobe für ihre Freundschaft, aber auch ein Beweis dafür, dass eine großartige musikalische Chemie immer noch genauso gut sein kann, wie sie einmal war. Kiasmos hatten schon immer ein beneidenswertes Gespür dafür, komplexe Emotionen und eindrucksvolle Bilder mit Instrumentalmusik zu vermitteln. Die gesammelte Erfahrung als Produzenten, auf die sie zurückgreifen können, die Filmmusikarbeiten von Olafur Arnalds als Grammy-nomminierter Komponist für Film und Fernsehen sorgen für ein reifes elektronisches Album. Sie verlagerten ihre Melodien subtil von Four-to-the-Floor auf die frenetischen gebrochenen Beats der britischen Tanzmusik, indem sie mehr mit BPMs experimentiert haben, was an Janus" Zeit als DJ in den großen Venues weltweit erinnert. Es gibt immer noch die schmerzenden Melodien, die die Fans kennen und lieben, aber sie sind auch eingängiger.

Release 28.6.2024

"Love Heart Cheat Code" ist eine Momentaufnahme von vier Musiker:innen, die gemeinsam am Rande des Abgrunds tanzen, mit elf verspielten, überschwänglichen Tracks, die Licht ausstrahlen. Doch für eine Band, die sich mit ihrer Komplexität einen Namen gemacht hat und für ihren Maximalismus von der Kritik gelobt und mehrfach für den Grammy nominiert wurde, ist eines der auffälligsten Dinge an „Love Heart Cheat Code“ seine Einfachheit. Die Richtung, in die sich die Band auf dem kommenden Album bewegt, wird nicht immer auf direktem Wege erreicht, sondern eher durch Nachdenken und Abdriften: in Jam-Sessions, die bis spät in die Nacht und früh am Morgen dauern, bei gemeinsamen Mahlzeiten, beim Herumspielen mit dem Equipment und miteinander. Auf dem Album sind auch andere Musiker:innen aus Melbourne zu hören, wie Taylor „Chip“ Crawford, der ein von ihm selbst erfundenes Instrument namens Frello spielt, der Gitarrist Tom Martin und der Flötist Nikodemos, sowie ein weiterer, noch nie dagewesener kreativer Kopf: Mario Caldato, dessen Arbeit mit den Beastie Boys und Seu Jorge Stoff für Legenden ist.

Release 28.6.2024

Erstes gemeinsames Album seit 25 Jahren!!! "How the fuck are we going to turn this into a song?" Das ist die Frage, die sich Lou Barlow (auch Dinosaur Jr. und Sebadoh u.a.) und John Davis stellen, seit sie Anfang der 1990er Jahre The Folk Implosion mitbegründet haben. Ausgehend von improvisierten Jams mit Barlow am Bass und Davis am Schlagzeug entwickelt das Duo seine Beat-getriebenen Pop-Collagen von Grund auf neu. Diesen Prozess wendeten sie auf ihrer Debütkassette Walk Through This World with the Folk Implosion an und kehren 30 Jahre später auf ihrem fesselnden, selbstreferenziellen Reunion-Album zurück. Getrennt von ihren Wohnorten in Massachusetts und North Carolina arbeiteten Barlow und Davis aus der Ferne zusammen und erinnerten sich an ihre frühe Freundschaft als Brieffreunde. Eine schweißtreibende Bass- und Schlagzeugsession fand auf Barlows Dachboden statt, bevor sie einen Studiotermin mit dem Produzenten Scott Salter (St. Vincent, Spoon, The Mountain Goats) buchten. Kontraste und Vergleiche sind der Schlüssel zum Verständnis von "Walk Thru Me" und der Folk Implosion als Ganzes. Abgesehen von den hörbaren Unterschieden zwischen Barlows sanfter Stimme und Davis' eindringlichen, schilfartigen Proklamationen sind ihre Herangehensweisen an das Songwriting auffallend unterschiedlich. Während Barlow seine Texte aus einer beschützenden väterlichen Perspektive heraus verfasste ("My Little Lamb"), zollte Davis seinem verstorbenen Vater Tribut und beleuchtete ihre komplizierte Beziehung ("The Day You Died"). Schließlich inspirierte Davis' Studium der persischen Musik in den wöchentlichen Zoom-Stunden ihn zur Integration traditioneller nahöstlicher Instrumente wie Setar, Oud, Saz und Tombak. "Weil wir so weit voneinander entfernt sind, ist ein Teil dieses Albums mein verzweifelter Versuch, telepathisch mit John und Scott zu kommunizieren, die 700 Meilen von mir entfernt sind", schließt Barlow. "Ein großer Teil dessen, was ich als Folk Implosion betrachte, ist es, disparate Dinge zu nehmen und sie in Pop zu verwandeln.

Release 28.6.2024

In der Geschichte des Gitarrenrock gibt es wenige Bands, die bis zum neunten Studioalbum durchgehalten haben. Die Beatsteaks hingegen veröffentlichen mit ihrem neunten Werk einen Longplayer, der mit der Eindringlichkeit, dem Spielwitz und der Unrast einer explosiven Debüt-LP auftrumpft. "Was uns innerhalb der Band verbindet, ist ja unter anderem, dass wir alle nicht lange ruhig halten können", schmunzelt Sänger und Gitarrst Arnim Teutoburg-Weiß. Das neue Album sei "so zappelig, wie jedes einzelne Mitglied der Beatsteaks es auch ist" — und "immer ein bisschen zu dolle". Etwas Schönes muss sich schon im Kern schön anfühlen und in einer stress- und argwohnfreien Zone reifen. Der größtmöglichen Leichtigkeit zuliebe haben die Beatsteaks ihren Laden aufgeräumt — und neuen Wind reingelassen. Mit Olaf Opal, der mit seinen Arbeiten zwischen verspieltem Underground und straighten Multiplatin-Erfolgen als einer der versiertesten zeitgenössischen Produzenten gilt, ging es nicht ins Studio, sondern in den Publikumsbereich des Berliner Columbia Theaters. Genau hier verwandelten sich anschließend knappe fünfundzwanzig Skizzen in elf vollwertige Albumsongs. "Die Platte ist in allem, was wir da machen, janz dolle wir", findet Arnim. Tatsächlich bringt "PLEASE" sämtliche Eigenarten, die die Beatsteaks auszeichnen, maximal treffsicher auf den Punkt. Diese Fusion aus sphärisch schattierten Gitarrenwänden und Arnims Powergesang, der mehr sechstes Instrument als Gesangsstimme ist; dieser absolut undeutsche Sound samt englischsprachiger, im Kollektiv getexteter Vocals; diese dauerhafte Infragestellung konventioneller Rockband-Schemata, diese ignorante Genre-Mixtur, dieses »hier wird nichts gemacht, weil man das einfach so macht", dieses nahbare Aufbranden gemeinschaftlicher Glücksgefühle — all das ist typisch Beatsteaks. "PLEASE" ist das Beweisstück für eine bestens funktionierende und seit bald dreißig Jahren bestehende Fünfecksbeziehung. Peter, Bernd, Torsten, Arnim und Thomas sind noch nicht satt, haben, anders als die meisten Bands in der Geschichte des Gitarrenrock, durchgehalten — und möglicherweise das beste neunte Album aller Zeiten zusammengeschmiedet.

Release 28.6.2024

Das neue Album des Durand Jones & The Indications-Drummers aus Baltimore bietet eine gewagte Mischung aus Soul, Psychedelia, Spaghetti-Western, Disco, Gospel und Hip-Hop und repräsentiert die beeindruckende Bandbreite von Frazers klanglichen Talenten. Frazer behält die unverwechselbare Falsettstimme und das klassische Songwriting bei, für das er bekannt ist, verankert Into The Blue jedoch fest in der Gegenwart mit einer Hip-Hop-Mentalität als Kernstück und verwebt Genres und Produktionstechniken zu etwas Neuem. Into The Blue entstand, wie so viele klassische Platten, aus echtem Herzschmerz heraus. Frazer zog quer durchs Land von Brooklyn nach Los Angeles und begab sich auf eine Reise, die sich in den Themen des Albums widerspiegelt: Trauer, Einsamkeit und die Suche nach Heilung. "Into The Blue" bedeutet wirklich, ins Ungewisse zu gehen. Das war das letzte Jahr meines Lebens und ich bin immer noch im Ungewissen", erklärt Frazer. "Aber es gibt auch Songs, die die Liebe und das Glücksgefühl einer neuen Beziehung und all das feiern. Das gehört für mich zu einer Trennung dazu, die ganze Sache zu verarbeiten, sich an die Dinge zu erinnern, die richtig waren, genauso wie an die Dinge, die falsch waren." Frazer hat an allen Stücken mitgeschrieben und mehrere Live-Instrumente auf dem Album gespielt. Der Titeltrack "Into The Blue" ist eine eindringliche, entschlossene Hymne, die cineastische Streicher und knallharte Breakbeats kombiniert, während Frazer nach Westen geht. "Here I go, to a place where the broken heart knows", singt er. "It's all I can do. Back into the blue." "Payback" ist ein explosiver Dancefloor-Heizer mit schimmernden Tamburinen und treibenden Basslinien. Northern-Soul-Drums treffen auf knurrende Fuzz-Gitarren und rasen auf ein episches Ende zu. Auf dem Album finden sich Momente mit überragenden Arrangements, die an David Axelrod und Ennio Merricone erinnern, die durch die Rohheit von iPhone-Aufnahmen und One-Take-Vocals ausgeglichen werden. Für Into the Blue hat Frazer den Grammy-Preisträger Alex Goose als Koproduzenten gewonnen, der für seine Crate-Digging-Samples und die Zusammenarbeit mit Hip-Hop-Künstlern wie Freddie Gibbs, Madlib und Brockhampton bekannt ist. Frazer experimentierte auch zum ersten Mal auf einem Album mit Samples, die er aus unerwarteten Quellen wie der R&B-Gruppe Hi-Five aus den 90ern bezog. Obwohl "Into the Blue" aus Liebeskummer entstanden ist, hofft Frazer, dass es den Hörer mit einem Gefühl des Optimismus zurücklässt. "Wissen Sie, man kann auch an einem Tag, an dem man trauert, lachen", sagt er, "es gibt keine Gipfel ohne Täler", sagt er, aber mit Into The Blue erreicht Aaron Frazer neue Höhen.

Release 21.6.2024

Ursprünglich wollte Evelinn Trouble nur etwas Platz auf ihrer Festplatte schaffen, aber das Unterfangen löste einen Schaffensprozess aus, der zu ihrem sechsten Album in voller Länge führte. Seit August 2023 hat die Sängerin alle sechs Wochen einen neuen Song veröffentlicht. Das rastlose Tempo zwingt sie dazu, sich ihrem inneren Perfektionisten zu stellen und mit ihm zu ringen: „Ich könnte Jahre an einem Song arbeiten, um seine perfekte Form zu finden. Mit den regelmäßigen Abgabeterminen auf Season Indicators musste ich lernen, loszulassen und meinen Songs zu vertrauen, egal wie sie gerade aussehen." Die Vertrauensübung hat zu einem eklektischen neuen Sound geführt: Das Album wirkt wilder, verspielter und weniger konzeptionell als sein preisgekrönter Vorgänger „Longing Fever“. Doch auch auf ihrem sechsten Studioalbum macht Trouble das, wofür ihre Fans sie lieben: Sie nutzt ihre Stimme als Dirigentin von Emotionen, um ihre Zuhörer zu elektrisieren, kontrastiert Genres nach Belieben und zaubert in drei Minuten Welten hervor, für die andere Künstler eine Albumlänge benötigen. Macht sie jemals eine Pause? Trouble sagt, dass sie bereits in ihren nächsten Schaffenszyklus eingetreten ist. "Dieses Album hat meine Arbeitsweise als Produzentin radikal verändert. Ich denke nicht mehr so viel nach und es macht mehr Spaß. Deshalb möchte ich das Studio so schnell nicht verlassen. Zumindest für ihre Album-Release-Show, bei der sie die „Season Indicators“ im Duo mit dem Multiinstrumentalisten Mario Hänni und Gästen an zwei exklusiven Abenden in der Waxy Bar Zürich aufführen wird, wird sie das aber müssen. Eine kleine Feier für einen persönlichen Meilenstein, bevor sie wieder im Studio verschwindet.

Release 21.6.2024

Die Franzosen von Alcest melden sich nach fünf langen Jahren endlich mit ihrem neuen Album »Les Chants De L'Aurore« zurück.

Ihre zahlreichen Fans warten schon sehnsüchtig auf den Nachfolger zu »Spiritual Instinct«, das 2019 einen sagenhaften Platz 12 in den deutschen Charts belegen konnte. Ein bemerkenswerter Erfolg für eine Band wie Alcest, die sich nur schwer kategorisieren lässt. Im Jahr 2000 von Sänger und Gitarrist Stéphane »Neige« Paut noch als Black-Metal-Band gegründet, flossen schon früh Einflüsse aus Post-Rock, Shoegaze und Dream Pop in den Sound ein. Statt rauer Härte bestimmt bis heute eine melancholische Verträumtheit das Klangbild des Duos aus Avignon.

Diese unglaublich dichte Atmosphäre prägt auch »Les Chants De L'Aurore«. Schon der Titel - »Die Lieder der Morgenröte« - transportiert den für Alcest typischen Sinn für romantische Schönheit. Genauso wie die erste Single »L'Envol«, die laut »Neige« ein sehr starkes Bild verwendet: » Es geht darum, der irdischen Realität zu entfliehen, um sich einer Gruppe mythologischer Vögel anzuschließen, die durch die bekannten Grenzen unserer Welt fliegen. Alle Stücke auf ›Les Chants de L'Aurore‹ sind sehr unterschiedlich voneinander, aber wir dachten, dass ›L'Envol‹ eine großartige Einführung in die Gesamtatmosphäre und Themen des Albums sein würde.«

Scheinbar schwerelose Klanglandschaften treffen hier auf mächtige Post-Rock-Gitarrenwände und kreieren einen einzigartigen Sound. Alcest knüpfen auf »Les Chants De L'Aurore« nahtlos an ihre letzten Großtaten an.

Release 14.6.2024

Sprinkle splatter Vinyl! Das zweite Album der US-Indie-Rock/Noise-Pop-Band feiert sein 1-jähriges mit einer neuen Sprinkle-Splatter-Vinylauflage. Die neuen Tracks zwischen glückseligem Pop, harschem Lärm, fehlerhaft programmierten Drum-Beats und ausgefallenem Indie-Rock - manchmal alles in einem Song - begeisterten 2023 die Fachpresse von Stereogum ("Album of the Month") über Pitchfork ("Most Anticipated Albums for both Spring & Summer 2023") bis zu The FADER ("Best New Rock Songs").

Release 21.6.2024

Zehntes Album der australischen Psychedelic-Rock-Band. Pond aus Perth sind eine der vielseitigsten, neugierigsten und versiertesten Bands der psychedelischen Rock-Avantgarde. Auf "Stung!" lehnen sie sich vergnügt, verrückt und willentlich in die Doppel-LP-Großzügigkeit, indem sie den Geist von "Tusk" und "Sign 'O' the Times" anzapfen und 14 Songs in die ungehemmteste und prächtigste Stunde ihrer Aufnahmekarriere packen.

Release 21.6.2024

Eine große Kiste unter dem Dachgeschoss. Darin: Liebesbriefe. Dutzende Liebesbriefe, von Männern aus der ganzen Welt, über Jahrzehnte geschrieben an eine Frau, deren Leben so spannend war wie auch geheimnisvoll. Von diesem Ausgangspunkt aus hat Emilíana Torrini ihr neues Album "Miss Flower" entwickelt, ihr erstes Soloalbum seit zehn Jahren. Was klingt wie ein absurdes Märchen oder der Einstieg in einen Familienroman, ist Torrini wirklich passiert: nach dem Tod der Mutter einer ihrer engsten Freund:innen fanden sie in deren Wohnung die Kiste mit besagten Liebesbriefen, säuberlich in Ordnern sortiert. "Sie hatte neun Heiratsanträge bekommen, aber nie geheiratet", erzählt Torrini, "wir haben angefangen, einige dieser Briefe, meist, aber nicht nur, von Männern zu lesen. Sie waren ziemlich besessen von ihr, total verknallt." Lachend und heulend arbeiteten sie sich durch die Briefe, lasen staunend, dass die Mutter, Geraldine Flower, nach der das Album auch benannt ist, als Teenager einen Nebenjob hatte, bei dem sie ein Löwenjunges nachts durch die Friedhöfe Londons spazieren führte. Oder dass ihr ein Mann schrieb, dass er an sie denke, wenn er den Rasen mäht. "Das hatte so eine Sixties-Sexiness", sagt Torrini und lacht, "da habe ich meine Freundin gefragt, ob ich darüber einen Song machen darf."

Release 14.6.2024

Auf ihrem neuesten Album begeben sich die Hermanos Gutiérrez auf eine klangliche Erkundung, die die konventionellen Grenzen der Instrumentalmusik sprengt. Die Sammlung ist ein reich strukturierter Wandteppich, verwoben mit den verschlungenen Fäden lateinamerikanischer Rhythmen und ephemerer Atmosphären: jeder Titel eine Vignette, eine sorgfältig ausgearbeitete Erzählung ohne Worte, in der die transzendenten Gitarren der Brüder in einer ganz eigenen Sprache sprechen. Die Art und Weise, wie Hermanos Gutiérrez das Elementare mit dem Experimentellen verschmelzen, ist von subtiler Raffinesse. Das Album hallt von den Echos ihres lateinamerikanischen musikalischen Erbes wider und ist dennoch unbestreitbar zeitgemäß in seiner Ausführung, sowohl nuanciert als auch ausladend. Sonido Cósmico ist ein Spiegel des sich entwickelnden künstlerischen Schaffens der Band, vereint durch Musik über Alters- und geografische Grenzen hinweg: ein Klangmosaik, so himmlisch wie sein Titel, ein Ausdruck einer Band, die ihre Stimme im weiten Universum der modernen Instrumentalmusik gefunden hat.

Release 14.6.2024

Das neue Werk der in Glasgow geborenen Singer-Songwriterin ist ein neugieriges, komplexes und voll ausgereiftes Album einer Künstlerin, die weit gereist ist. Campbell wurde erstmals als jugendliches Gründungsmitglied von Belle & Sebastian wahrgenommen, bevor sie zwei Dream-Folk-Soloalben unter dem Namen The Gentle Waves veröffentlichte und B&S 2002 verließ. Es folgten zwei Platten unter ihrem eigenen Namen, die zu einer Zusammenarbeit mit dem verstorbenen Rocker Mark Lanegan für drei Alben mit Americana-Duetten führten, bei denen Lanegan zur Seite stand, während Campbell die kreativen Fäden zog. Aud der 2xCd finden sich sowohl englische als auch französischsprachige Songversionen.

Release 14.6.2024

Trotz des verspielten Titels enthält Cales zweites Album innerhalb von etwas mehr als einem Jahr immer noch die gleichen Gefühle von heftiger, aber auch neugieriger Wut, die schon in Cales viel gelobtem Album MERCY von 2023 vorhanden waren, "eine tief atmosphärische Sammlung über den herannahenden Untergang und die lebensrettende Kraft von Kunst und Gemeinschaft" (Wall Street Journal). Er ist immer noch wütend, immer noch erzürnt über die mutwillige Zerstörung, die unkontrollierte Kapitalisten und reuelose Betrüger über die Wunder dieser Welt und die Güte der Menschen gebracht haben. Aber es handelt sich keineswegs um MERCY II oder um eine Sammlung von Ablegern, denn in seiner mehr als sechs Jahrzehnte währenden Karriere war Cale nie ein Freund von Wiederholungen. Seine avantgardistische Begeisterung wechselte mit stolzer Unruhe zwischen ekstatischer Klassik und ungebundenem Rock, klassischem Songhandwerk und elektronischer Neuinterpretation hin und her. Und so verzichtet er auf POPtical Illusion auf die illustre Besetzung, um sich größtenteils allein in die Labyrinthe von Synthesizern und Samples, Orgeln und Klavieren zu begeben, mit Worten, die für Cale eine Art wirbelnde Hoffnung darstellen, ein weises Beharren darauf, dass Veränderung noch möglich ist. Produziert von Cale und seiner langjährigen künstlerischen Partnerin Nita Scott in seinem Studio in Los Angeles, ist POPtical Illusion das Werk von jemandem, der

Release 14.6.2024

Die japanische Postrock-Band meldet sich mit ihrem zwölften Album zurück, diesmal mit genreübergreifender klassischer Orchestrierung und den bandtypischen transzendentalen Gitarren-Klängen eingespielt.. "Was tun wir hier?" Das Jahr 2020 hat das, was einst die Quintessenz des nächtlichen Kiffer-Existenzialismus war, zu einem täglichen Mantra für fast alle Menschen auf diesem Planeten gemacht. Was machen wir mit unserer begrenzten Zeit in diesem Leben? Was ist unser Ziel? Was sollten wir tun? In den letzten 25 Jahren haben Mono Themen wie die Beziehung zwischen Dunkelheit und Licht, Hoffnung im Angesicht der Katastrophe und die Dualität von Geburt und Tod erforscht. Auf ihrem 12. Album denken sie über die Zeit nach, die das Leben ausmacht, und darüber, wie man das Beste aus dieser Zeit macht. Aufgenommen und abgemischt mit ihrem langjährigen Freund und Mitarbeiter Steve Albini, beginnt "Oath" wie ein Sonnenaufgang mit einem langsam aufsteigenden Orchester und Bläsern, wobei sich die gesamte Band Zeit nimmt, die Atmosphäre zu genießen, bevor sie sich dem Glanz anschließt. Während der gesamten 71-minütigen Laufzeit des Albums meditiert Mono auf vielfältige Weise über das Thema Zeit und Leben. Die gemächliche Entwicklung eines Songs, die ein Markenzeichen von Monos Katalog ist, ist von einer Eleganz durchdrungen, die "Oath" zu neuen Höhen erhebt. Mono haben sich selbst mit einer universell nachvollziehbaren existenziellen Untersuchung herausgefordert und mit "Oath" geantwortet, einem Album, das eher wohlwollende Reflexion als flüchtige Erholung bietet. "We live with a vow that hasn't changed since we were children. Hear the wind sing. We are part of the universe. We already know what we should do and what the most important thing in life is." - Takaakira `Taka' Goto (Mono).

Release 14.6.2024

Seit über 20 Jahren sind The Decemberists eine der originellsten, gewagtesten und spannendsten amerikanischen Rockbands. Gegründet im Jahr 2000, setzten sich The Decemberists mit ihrer unverwechselbaren Form von Folk-Rock von Anfang an von der Masse ab, als sie 2001 Debüt veröffentlichten. Seitdem hat die Band neun Alben in voller Länge veröffentlicht, die nicht an ein bestimmtes Genre gebunden und äußerst ambitioniert sind und von an Americana angelehnten Storytelling-Epen bis hin zu Elementen des 70er Jahre Prog, Hard Rock und Disco reichen. Jetzt meldet sich die beliebte Indie-Band mit ihrem ersten neuen Werk seit sechs Jahren zurück. Ihre neueste Single "Burial Ground", die bereits nach ihrem Live-Debüt im letzten Jahr ein Fan-Favorit war, nimmt den unverhohlenen Fatalismus des 2018 erschienenen Albums I'll Be Your Girl auf und verbindet ihn mit dem Jangle-Pop von The Dentists und den verträumten Harmonien der Beach Boys (mit Unterstützung von James Mercer von The Shins).

Release 14.6.2024

Das erste neue Album von Fu Manchu seit sechs Jahren, und sie haben sichergestellt, dass sich das Warten gelohnt hat. Ihr 14. Album ist ihre erste Doppel-LP mit neuem Material und wurde als Vinyl-Hörerlebnis konzipiert. Die erste LP enthält sieben Songs in ihrem ikonischen Heavy-Fuzz-Sound, darunter die erste Single "Hands Of The Zodiac" und das unerbittlich eingängige "Loch Ness Wrecking Machine". Auf der zweiten LP wird die Band mit sechs langsameren Stücken, darunter das Synthie-beeinflusste "Solar Baptized" und der Titeltrack, etwas ruhiger. Beide LPs haben 45 Umdrehungen pro Minute für den bestmöglichen Sound. CD-Hörer brauchen sich keine Sorgen zu machen, da diese Version des Albums speziell für dieses Format gemastert wurde.Wie das letzte Album der Band, Clone Of The Universe, und die dreiteilige Fu30 EP-Serie wurde "The Return Of Tomorrow" im Racket Room in Santa Ana, Kalifornien, von Jim Monroe (Adolescents, Ignite) aufgenommen und gemeinsam mit Fu Manchu produziert.

Release 14.6.2024

Obwohl es sich um eine Platte handelt, die typischerweise Humor in Tragik einbettet und Wut in Mitgefühl umwandelt, hat "The Art Of The Lie" eine neue musikalische Ambition, die die politischen und persönlichen Momente in den Songs untermalt. Der harte Kontrast von Schönheit und Grausamkeit macht das sechste Studioalbum des US-amerikanischen Songwriters und Meisters des Zwiespalts zwischen zerreißenden Balladen und progressivem Elektro-Pop zu einem besonderen Hörerlebnis. Die elf Tracks verbinden Kindheitstraumata mit den verhärteten Nachwirkungen im Erwachsenenalter ("Father" ("one of the best I've ever written"), "Mother and Son" und "Daddy") und verknüpfen beides mit der angespannten politischen Situation der Vereinigten Staaten in Jahr 2024.

Release 7.6.2024

Erstes neues Album nach sechs Jahren! Und das Ergebnis ist verblüffend. Das Album verleiht Beaks charakteristischer Mischung aus motorischen Psych-Grooves, gelatinösen Synthies und durchscheinendem, körperlosem Gesang einen neuen Doppelcharakter. Einerseits gibt es ein frisches Gefühl von Offenheit und Spontaneität - eine Rohheit ist zu spüren, mit Schnipseln von Hintergrundgesprächen, die auf Band aufgenommen wurden und immer noch von den Sessions zu hören sind. Auf der anderen Seite ist dies dank der langen Verfeinerung des Albums und der Verwendung von Overdubs eine Kopfhörermusik, wie sie noch nie zuvor gemacht wurde: voller plötzlicher, überraschender Verschiebungen in Raum, Textur und Struktur. Ein Sound, der zwischen traurig und euphorisch schwankt; zwischen ernsthaft und hinterhältig komisch.

Release 7.6.2024

"Meine Liebsten, ich habe ein neues Album gemacht und ich bin überglücklich. Es heißt "Addio". Ich freue mich, euch nach so langer Zeit zeigen zu dürfen, an was ich so gearbeitet habe. Es ist wild, ich schwörs." Faber sagt sich somit erst einmal los von messbar gemachter Kunst, von Musik, die nicht mehr nur für sich selbst stehen darf, sondern unmittelbar spiegelt, wie massenkompatibel sie ist. Faber hat seine Gedanken frei gemacht, die neuen Lieder werden es ebenfalls bald sein. Kommt mit!

Release 7.6.2024

Das 15. Studioalbum wurde in Los Feliz/Kalifornien und Dublin aufgenommen und enthält zwölf neue Tracks und einige von E's introspektivsten und persönlichsten Stücken der letzten Jahre sowie Kollaborationen mit dem amerikanischen Musiker und Schauspieler Tyson Ritter, Frontsänger der Rockband The All-American Rejects. Das sich ständig verändernde Projekt um Sänger/Songwriters E (Mark Oliver Everett) hat seit seinem Debüt 'Beautiful Freak' aus dem Jahr 1996 insgesamt 14 Studioalben veröffentlicht. Im Jahr 2008 veröffentlichte E sein hochgelobtes Buch 'Things the Grandchildren Should Know' und spielte die Hauptrolle in dem preisgekrönten Dokumentarfilm 'Parallel Worlds, Parallel Lives', der sich mit seinem Vater, dem Quantenphysiker Hugh Everett III beschäftigte.

Release 7.6.2024

Das Debutalbum der Künstlerin, Produzentin, DJ und Kosmopolitin ist der Abschluss einer jahrelangen Arbeit der in Korea geborenen Künstlerin, die sowohl in Underground-Clubs, Off Locations als auch in großen Arenen von ihren Fans gefeiert wird. Mittlerweile ist Peggy Gou eine der gefragtesten elektronischen Musikkünstlerinnen und DJs der Welt. Ihre Single "It Goes Like) Nanana" wurde ein weltweiter Hit und für viele der Soundtrack eines langen und heißen Sommers. Ende 2023 veröffentlichte sie die Kollaboration mit Lenny Kravitz "I Believe in Love Again". Mit "I Hear You" betritt Peggy Gou nun die nächste Ebene ihres künstlerischen Schaffens und taucht tief in die House-Musik der 90er Jahre ein. Peggy Gou: "I Hear You ist mehr als nur mein Debütalbum. Es verkörpert unzählige Stunden der Hingabe auf meiner Reise, um etwas Zeitloses zu erschaffen, und ist ein Zeugnis für die Kraft des Zuhörens, für uns selbst und für andere."

Release 7.6.2024

Im Laufe der Jahre haben Bonny Light Horseman viele Meilen auf dem kollektiven Kilometerzähler des Lebens angesammelt. Das Kerntrio der Band - Anaïs Mitchell, Eric D. Johnson und Josh Kaufman - hat einen unvergleichlichen Lebenslauf angehäuft. Mitchell ist eine gefeierte Solokünstlerin sowie Dramaturgin und Songschreiberin des erfolgreichen Broadway-Musicals "Hadestown", das mit acht Tony Awards und einem Grammy für das beste Musical-Theater-Album ausgezeichnet wurde. Johnson ist vor allem als Kopf der beliebten Indie-Band Fruit Bats, als langjähriger Mitarbeiter von The Shins und als Komponist von Filmmusik bekannt. Und Kaufman ist ein Multitalent: Songwriter, Produzent und Gitarrist, der mit Künstlern wie Bob Weir, The War on Drugs, Taylor Swift, Hiss Golden Messenger und The Hold Steady zusammengearbeitet hat. Das Debüt von Bonny Light Horseman erhielt eine Grammy-Nominierung für das beste Folk-Album, und der Titel "Deep in Love" wurde für die beste amerikanische Roots-Performance nominiert. Wichtiger als all das ist jedoch, dass sie jeweils auch ein großes, altes, chaotisches und verworrenes Leben gelebt haben, und all dieses Leben durchdringt ihre Musik mit der Weisheit, dem Humor und der Tiefe, die den Auszeichnungen zugrunde liegen. Es ist der Stoff, der Folkmusik als Genre ausmacht: Liebe und Verlust, Hoffnung und Trauer, Gemeinschaft und Familie, Wandel und Zeit. Im Mittelpunkt von Bonny Light Horseman steht immer die einzigartige Kombination dreier kraftvoller und zärtlicher Künstler, die sich geschickt vor Superlativen drücken, aber schnell zugeben, dass ihre Verbindung jeden einzelnen besser, mutiger und verletzlicher macht, als sie es allein wären. Nirgendwo wird dies deutlicher als in der Kraft ihrer gemeinsamen Stimmen, die in den sanftesten Momenten und den unbarmherzigsten Schreien mit vollem Vertrauen ineinander arbeiten. Das neue Album von Bonny Light Horseman, "Keep Me on Your Mind/See You Free", ist eine Ode an das gesegnete Durcheinander unserer Menschlichkeit. Selbstbewusst, großzügig, verletzlich, ungeschminkt, legt es jedes Gefühl und jeden vermeintlichen Fehler offen. Doch trotz all dieser menschlichen Berührungspunkte klingt "Keep Me on Your Mind/See You Free" als wäre es aus einer Art unerklärlicher Magie geschmiedet.

Release 31.5.2024

Neues Album. King Hannah entwirft einen musikalischen Wandteppich, der nahtlos zwischen den ruhigen Tiefen des meditativen Pops und den weitläufigen, klangvollen Landschaften voller Dunkelheit, Witz und schrägem Humor pendelt. Merricks Gesang, ein rauchiges Vergnügen, verleiht ihren Worten tiefes Gewicht und Kraft, ergänzt durch die bluesigen Leinwände, die Whittle meisterhaft unter ihnen malt. Ihr Sound wechselt mühelos von Momenten post-rockiger Weite zu dem Gefühl, dass Springsteen auf eine düstere Seitenstraße abseits seines Highways zur Freiheit gerät.

Release 31.5.2024

Auf «A Big Old Fire», ihrem dritten Album, singen The Company Of Men von der Gelassenheit, die sie sich im Laufe der Jahre angeeignet haben – aber mit was für einer Hingabe! Ihre poppig angehauchte Americana-Musik mit der Westschweizer Sensibilität (darf man es Helveticana nennen?) schafft es besser denn je, Tiefgang und Eingängigkeit miteinander zu verbinden.

„A Big Old Fire, wie das gute alte Feuer in uns, das auch mit den Jahren nicht erlischt. Es ist eine schöne Überraschung. Vielleicht wächst es sogar noch!", erklärt Gregory Wicky (Gesang/Gitarre). Die vier Mitglieder von The Company Of Men machen alle schon seit mehreren Jahrzehnten Musik (Favez, Chewy, etc.). Gemeinsam erforschen sie die Suche nach Sinn und Gelassenheit derjenigen, die älter werden, während sie sich bemühen, ihren Idealen treu zu bleiben.

«These American Chords» handelt von dem Weg, der uns zu dem führt, was wir suchen – selten ist es der, den wir uns vorgestellt haben. In den Songs («Mama Cass», «Big Time») geht es um die Notwendigkeit, sich auf das Wesentliche zu konzentrieren, um sich vor dem Lärm der Welt zu schützen, aber auch um die Freude, die man in dieser Schlichtheit finden kann. Und dann ist da noch der sehr berührende Track «Race Car Driver», ein Lied über den Vater der Brüder Christian (Gitarre, Gesang) und Gregory Wicky, der seinerzeit Rennfahrer war und die Frage nach komplizierten Erbschaften aufwirft: Kann man sich aussuchen, was man von dem Guten und dem weniger Guten behält?

The Company Of Man haben «A Big Old Fire» grösstenteils in einem Chalet in Bruson (in den Schweizer Alpen) im Winter 2021-2022 geschrieben, unter Freunden und mit einem Hund, der am Feuer schlief. Es ist auch das erste Album mit Guillaume Conne (Gitarre, Klavier, Gesang), der nach «Sounds Of The Century» (2020) zur Band stiess. Jeff Albedla (Gitarre, Klavier, Gesang) vervollständigt das Line-Up. Die Aufnahmen wurden unter der fachkundigen Mitwirkung von Raphaël Chassin (Schlagzeug) und Marcello Giuliani (Bass) zu sechst live im ICP-Studio in Brüssel und im Long Gallery Sound in Lausanne realisiert. Marcello Giuliani hat das Album mitproduziert.

Release 24.5.2024

"Call A Doctor" ist ein unvergesslicher erster Streich von Girl and Girl, ein kühnes und aggressiv melodiöses Album der vierköpfigen australischen Garage-Rock-Band. Die Band besteht aus Frontmann Kai James (Sänger, Gitarrist) und seiner Tante Liss (Schlagzeug), sowie den langjährigen Freunden Jayden Williams (Gitarre) und Fraser Bell (Bass). "Call A Doctor" wurde im Sundowner Sound in Melbourne aufgenommen, einem zweistöckigen Industriekomplex, in dem die Band zwei Wochen lang in Marathonsessions mit dem Produzenten Burke Reid (Courtney Barnett, Julia Jacklin) aß, schlief und Musik machte. Voll von wunderbar eingängigem, gitarrengetriebenem Rock, der von Garagen-Punk-Knallern bis hin zu rohem, ungeschminktem Indie-Pop reicht, erinnert das Album an die Klassiker von K Records und Flying Nun.

Release 24.5.2024

Dem 4ten Album von DIIV - Andrew Bailey, Colin Caulfield, Ben Newman und Zachary Cole Smith geht ein vierjähriger Prozess voraus, der die Band fast zum Scheitern gebracht hätte, bevor das Album fertiggestellt war. Mit dem Ziel, ihren Sound voranzutreiben & eine Platte zu machen, die sie herausfordert, und die Band zum ersten Mal demokratisch behandelt, begaben sich DIIV auf eine neue Reise, sowohl individuell als auch kollektiv. Das Ergebnis sind 10 Songs, die eine neue lyrische und musikalische Tiefe ausschöpfen, wobei sich diese beiden Hälften in einem reflektierenden und eindringlichen Ganzen spiegeln. Es ist ein hypnotisches Zeugnis des Durchhaltens und der Vorstellung, dass es auf der anderen Seite etwas anderes gibt, während man hier, in dem sich langsam erhitzenden Wasser des Hier und Jetzt bleibt. *C

Release 24.5.2024

Mit eigenwilligen Interpretationen von Songs von Cole Porter, Duke Ellington, Lerner & Loewe, Rodgers & Hart begibt sich Bird in Triobesetzung auf eine Reise zum Jazz der Mitte des 20ten Jahrhunderts, zu kleinen Gruppen und dem Great American Songbook. Begleitet von einer meisterhaften Rhythmusgruppe - Ted Poor am Schlagzeug, Alan Hampton am Bass - markiert das Album den Höhepunkt einer Leidenschaft, die sich in ihm seit fast 30 Jahren entwickelt hat. Die Musik, die er interpretiert, geht auf seine prägenden Begegnungen mit den Titanen zurück, die seine Karriere bewusst und unterschwellig beeinflusst haben, mit all ihren zahlreichen Veränderungen und gefeierten Kapiteln. Klanglich und persönlich ist "Sunday Morning Put-On" anders als alles, was er bisher gemacht hat.

Release 17.5.2024

Die Portishead-Sängerin veröffentlicht ihr erstes Soloalbum seit "Out of Season" von 2003 mit 10 wunderschönen neuen Tracks, die über einen Zeitraum von 10 Jahren aufgenommen wurden. Produziert wurde das Album von James Ford & Beth Gibbons mit zusätzlicher Produktion von Lee Harris (Talk Talk). "Lives Outgrown" ist in gewisser Weise Beths bisher persönlichstes Werk, das Ergebnis einer Periode anhaltender Reflexion und Veränderung - "viele Abschiede", wie Beth sagt. Abschiede von der Familie, von Freunden, sogar von ihrem früheren Ich. Es sind Lieder aus der Mitte des Lebens, wenn der Blick nach vorn nicht mehr so viel bringt wie früher und der Blick zurück plötzlich einen schärferen Fokus hat. Die Lieder handeln von Mutterschaft, Ängsten und den Wechseljahren (die Beth mal als "massive Prüfung" und mal als "massiven Abstieg" beschreibt, der "dich in die Knie zwingt") sowie zwangsläufig auch von der Sterblichkeit. Aber nach diesem Jahrzehnt des Wandels und der Neuausrichtung hat Beth das Gefühl, eine neue Bestimmung gefunden zu haben. "Jetzt, wo ich am anderen Ende angekommen bin, denke ich einfach, dass man mutig sein muss", sagt sie.

Release 17.5.2024

Das sechste Studioalbum besteht aus 10 Songs und hat eine Gesamtspiellänge von 28 Minuten. Die Band ist immer noch: Steve Albini (Gitarre), Todd Trainier (Schlagzeug) und Bob Weston (Bass). Aufgenommen und gemischt wurde "To All Trains" bei Electrical Audio in Chicago an einigen langen Wochenenden im November 2017, im Oktober 2019, im September 2021 und im März 2022. Das Album wurde von Bob & Steve bei Chicago Mastering Service gemastert. Artwork und Aufmachung von LP und CD sind identisch (die CD ist kleiner). Bob hat alle Fotos gemacht, einige mit einer schicken Kamera und andere mit einem Telefon. Wie immer hat die Tonqualität bei Shellac höchste Priorität. Die LPs werden von Green Vinyl Records in einem Spritzgussverfahren hergestellt. Dieses neue Verfahren verwendet zu 100 % recycelbares PET (wie Limonadenflaschen) und ist umweltfreundlich, da es kein PVC oder Phthalate enthält. Außerdem verbraucht das Verfahren 79 % weniger CO2 als herkömmliche hydraulische PVC-Vinylpressen. Die Platten wiegen 180 Gramm. Wie zuletzt bei Shellac, wird es für dieses Album keine Werbung, keine Presse- oder Radiopromotion, keine E-Promotion, keine Werbe- oder Rezensionsexemplare, keine Werbegimmicks und auch sonst kein kostenloses Mittagessen geben. Die Band wird weiterhin sporadisch und entspannt Shows spielen oder auf Tour gehen, so wie immer. Es gibt bei Shellac keine Korrelation zwischen Shows und Plattenveröffentlichungen. Shellac haben keine Website. Vielleicht sollten sie sich eine zulegen.

Release 17.5.2024

Drittes Album. Sie ist zwar vor ein paar Monaten erst 22 geworden, gilt aber schon seit über einem halben Jahrzehnt als die einflussreichste und einzigartigste Künstlerin unserer Zeit, als Stimme ihrer Generation. Wie schon die beiden gefeierten Vorgängeralben zusammen mit ihrem Bruder Finneas geschrieben und aufgenommen, zählt das neue Werk jetzt schon zu den absoluten Album-Highlights des Jahres. Auf die ersten Viralhits mit 14 folgte schließlich das gefeierte Debütalbum, das Anfang 2019 in 18 Ländern direkt auf Platz 1 ging - und u.a. auch in Deutschland Platinstatus erreichte. Mit einem Grammy-Rekord ins aktuelle Jahrzehnt gestartet, als sie als erste weibliche Künstlerin in allen vier Hauptkategorien abräumte, konnte die US-Sängerin für den Bond-Titelsong "No Time To Die" auch ihren ersten Oscar mit nach Hause nehmen. Beim dritten Album handle es sich nun ganz klar um das gewagteste Albumstatement ihrer Karriere, ließ Eilish schon im Vorfeld durchblicken. Vor allem sage der Albumtitel eigentlich schon alles: Es ist ein wahnsinnig emotionales Werk, das berührt, das harte und auch softe Schläge austeilt, indem die 22-Jährige inhaltlich und klanglich immer wieder neue Genre-Grenzen absteckt. Vor allem vertraut die vielfache GRAMMY- und Oscar-Gewinnerin auch dieses Mal auf ihre Instinkte - und unterstreicht genau damit erneut, weshalb sie als die spannendste Songwriterin unserer Zeit gilt.

Release 17.5.2024

Das 2te Soloalbum von Jinte Deprez aka J. Bernardt, Hälfte und Co-Frontmann der belgischen Band Balthazar, spiegelt seine Zuneigung zu cineastischem Indie-Pop, zu Spaghetti Western-Soundtracks, zum musikalischen Ouevre von Serge Gainsbourg, Lee Hazelwood und Ennio Morricone und greift fürs Songwriting auf tolle Cinema-Chorgesänge, Streicherpassagen, Pfeiffmelodien, aber auch angeblueste Westerngitarre und Klavier zurück. Ein persönliches, farbenfrohes Album zwischen Dramatik, Humor und Melancholie, das gar nicht so weit weg ist von den Soloscheiben seines bei Warhaus solo in Erscheinung tretenden Kollegen Marten Devoldere.

Release 17.5.2024

Mit ausreichend Material für zwei komplette Alben, alles von King geschrieben, wäre sein langerwartetes Soloprojekt vermutlich bereits 2020 an den Start gegangen, wäre da nicht Covid dazwischengekommen. Für sein Erstwerk namens "From Hell I Rise", das am 17. Mai 2024 via Reigning Phoenix Music erscheinen wird, konnte Leadgitarrist King keine Geringeren als Schlagzeuger Paul Bostaph (SLAYER), Bassist Kyle Sanders (HELLYEAH), Phil Demmel (ex-MACHINE HEAD), der ebenfalls an der Leadgitarre zu hören ist, sowie Sänger Mark Osegueda (DEATH ANGEL) gewinnen. Produziert von Josh Wilbur (KORN, LAMB OF GOD, AVENGED SEVENFOLD, BAD RELIGION), wurde die Scheibe größtenteils innerhalb von rund zwei Wochen in den Henson Studios (Los Angeles, CA) eingespielt, sodass KINGs Soloalbum vergangenen Juni komplett im Kasten war.

Laut King umfasst seine neue Musik "verschiedene Religions- und Kriegsthematiken, schwere Riffs, punkiges Material sowie doomige und gespenstische Elemente, gepaart mir Riesengeschwindigkeit." Er betont: "Solltet ihr auch nur mit irgendeiner SLAYER-Karrierephase etwas anfangen können, dann findet ihr auch auf dieser Platte etwas, das euch gefällt: Sei es klassischer Punk, Speedpunk, Thrash oder einfach nur schlichter Heavy Metal!"

Der erste Track von King's kommendem Soloprojekt wurde in Form von "Idle Hands" bereits veröffentlicht. Rasant und aggressiv, drückt er die Hörerschaft an die Wand und lässt sie atemlos zurück...mit Lust auf mehr.

Release 17.5.2024

Nach dem Debütalbum und der Tour im Jahr 2022 meldet sich Sam Snitchy mit der zweiten Veröffentlichung "talking talking" im Mai 2024 zurück. Seid bereit für Psychedelic Synth Electro Punk Anti-Dance. Sam Snitchy - der Mann mit den vielen Namen und Gesichtern. 25 Jahre Straßen-, Club- und Festivalshows als Maniporno aka Melker mit zwei Albumveröffentlichungen in 2016 und 2018 (Warmer Bros/Irascible). 2021 wurde innerhalb weniger Tage das Sam Snitchy Project ins Leben gerufen, um gemeinsam mit dem Musiker und Produzenten Marco Fuorigioco (Bass/Synths/Programming) und Tobi Highm (Schlagzeug) eine einzige Show zu spielen. Später nahm Fuorigioco das Debütalbum "get me wrong" auf und produzierte es, das 2022 auf Voodoo Rhythm Records veröffentlicht wurde. Sam Snitchy begann mit Maze Kalin am Bass, Tobi Highm am Schlagzeug und Fuorigioco an den Synthesizern in der Schweiz, Frankreich, Deutschland und Dänemark zu touren. Im Februar 2023 kamen der Berner Gutter-Poet und Fuorigioco wieder zusammen, um an ihrem zweiten Sam Snitchy Album zu arbeiten. Entstanden und aufgenommen wurde es während eines schweren Wirbelsturms in Siracusa auf Sizilien, der sich als perfekte Kulisse für einen synthetischen Punk-Protest erwies. Ein paar fiese ironische Gedanken über dröhnenden Beats und hypnotischen Fuzzy-Bässen, gekreuzt mit analogen Acid-Synthies und psychedelischen Orgelschleifen - es ist ein mantrisches Album, um den Dreck aus deiner verlorenen Seele zu heilen.

Release 10.5.2024

Kommt im Klappcover. Fantastisches Debütalbum eines britischen Duos, das kürzlich erst im Vorprogramm der Sleaford Mods für Aufsehen sorgte. Mit dem heftigen Drumming von Callum Moloney, Bass- und Synthlines von Band und der großartigen, äußerst ausdrucksstarken Stimme von Joe Hicklin, der zwischen Spoken Word und soulig-angebluestem Tonus wechselt, platzieren sie sich musikalisch und im Geiste irgendwo zwischen den Sleaford Mods, Idles und Algiers. Wild, dringlich und verdammt catchy - aufgepasst!

Release 10.5.2024

Erstes neues Album seit 14 Jahren von Tim Harrington, Seth Jabour, Syd Butler, Harrison Haynes und Andrew Reuland. Seit dem letzten Album der Band "Root For Ruin" von 2010, ist über ein Jahrzehnt vergangen. "Als wir unser letztes Album fertigstellten, hatten wir das Gefühl, dass wir etwas Ehrgeizigeres machen wollten, wenn wir noch mehr machen würden", fügt Harrington hinzu. "Ich glaube, es hat eine Weile gedauert, bis wir überhaupt in einen Bereich kamen, in dem das möglich war." Im Rückblick auf die Reise der Band erklärte der Frontmann: "Die Band war nie ein Job, also können wir nicht gefeuert werden und müssen auch nicht kündigen. Wir hatten die Zeit, herauszufinden, wie wir die Menschen, die wir geworden sind, und die Menschen, die wir als Künstler sind, authentisch zusammenbringen können. Im Zentrum des Universums der Band steht eine chaotische, ungebundene Ekstase. Es ist nicht einfach, das mit dem Wunsch nach Stabilität und dem Bedürfnis, eine gewisse Schinderei zu ertragen, in Einklang zu bringen.

Release 10.5.2024

Die Aufnahmen zum neuen Album der Band aus Tennessee fanden im Dark Horse Studio, Nashville statt, gemeinsam mit Produzent Kid Harpoon (Harry Styles, Florence + the Machine). Das Album zeigt eine der größten Rock'n'Roll-Bands unserer Zeit dabei, Loszulassen, Neues auszuprobieren und ja, auch Spaß zu haben. Wir hören eine neue Seite der Kings Of Leon, während sie zugleich Elemente ihrer grobkernigen Anfänge aufgreifen. Es ist der Sound einer in ihrer Vision geeinten Band, frei von Erwartungen, auf einem Album, das sie schon immer einmal machen wollten.

Release 10.5.2024

Nach zwei herausragenden Alben, "Flower of Devotion" (2020) und "Blue Skies" (2022), die beide ihren Ruf als eine der besten Rockbands der Gegenwart untermauerten, kehrt das Trio aus Chicago um Frontfrau Emily Kempf mit seinem 5ten Album zurück.

Release 10.5.2024

Akkustikalbum mit 12 frischen Tracks des Geschwister-Duo aus Australien mit einer vielseitigen Mischung aus sanften Melodien und packenden Texten. Das Album ist perfekt für alle, die die intime Atmosphäre und eindringliche Klanglandschaft lieben und schätzen. Über das Album sagen die beiden: "Cape Forestier, unser neuestes Album, nimmt einen ganz besonderen Platz in unseren Herzen ein. Es ist ein Kapitel, in dem sich ständig entfaltenden Buch über unseren gemeinsamen Weg. Es erinnert stilistisch an unsere früheren Alben; es gibt eine echte akustische Rohheit im Sound. Aber das Songwriting und die Performances sind natürlich an die Menschen gebunden, die wir heute sind, mit all den Zweigen der Erfahrung, die darin hängen. Wir könnten nicht aufgeregter sein, diese Musik mit euch zu teilen. Es war eine unglaubliche Erfahrung, diese Songs gemeinsam zu schreiben und aufzunehmen."

Release 10.5.2024

Das fünfte Studioalbum der Melbourner Musiklegende enthält eine introspektive Mischung aus Originalen und Cover-Versionen voll wehmütiger akustischer Rock-Perlen. Auf dem Vinyl befindet sich Harveys übersetzte Neubearbeitung von Marlene Dietrichs Ode an Berlin aus den 1950er Jahren ('Ich Hab' Noch Einen Koffer in Berlin'), die 2023 als eigenständige Single veröffentlicht wurde und das kommende Album andeutet. In typischer Mick Harvey-Manier huldigt das Album australischen Musikerkollegen mit Coverversionen von Songs von Ed Kuepper - 'Demolition'; Fatal Shore - 'We Had an Island'; David McComb - 'Setting You Free'; Lo Carmen - 'Nashville High'; und The Saints - 'Ghost Ships'. Diese Titel stehen neben einer Coverversion von Lee Hazelwoods 'Dirtnap Stories' und Harveys Interpretation von Neil Youngs 'Like a Hurricane'.

Release 10.5.2024

Nach ihrem von der Kritik gefeierten UK-Top-20-Album "As Days Get Dark" kehren Arab Strap mit ihrem zweiten Album für Mogwais Rock Action Records zurück, das den treffenden Titel 'I'm totally fine with it don't give a fuck anymore' trägt. Fast 28 Jahre nach ihrem Debüt klangen Arab Strap noch nie so essentiell, so unentbehrlich wie jetzt, und dieses neue Album ist ein glühender Beweis für ihren Laserfokus auf breitere Horizonte. Das Album, das ausschließlich von Malcolm Middleton und Aidan Moffat geschrieben und eingespielt wurde und an dem auch Paul Savage, ein langjähriges Mitglied der Band, mitgewirkt hat, unterstreicht die Wandlung der Band von melancholischen Slow-Core-Romantikern zu wütenden Alt-Pop-Chronisten.

Release 10.5.2024

Nach dem kaleidoskopischen Abenteuer des fünften Villagers-Albums Fever Dreams kehrt der preisgekrönte Dubliner Singer-Songwriter, Instrumentalist und Dramatiker Conor O'Brien mit der intimen Bestandsaufnahme That Golden Time zurück. Das exquisite neue Album entfaltet O'Briens typisches melodisches Gespür, seine Gabe für gleichzeitig lebendige und subtile Arrangements und Texte, die seine Hoffnungen, Ängste und Träume in fesselnde Poesie kleiden. “That Golden Time” ist nach dem fünften Albumtrack benannt, das gleichzeitig die Leadsingle des Albums ist. "Ich wollte, dass sich die Wärme des Albums in seinem Titel widerspiegelt", erklärt O'Brien. "Der Song berührt auch ein Thema, das immer wieder auftaucht: Romantik versus Realismus. Wie kann man ehrgeizige Vorstellungen von sich selbst und der Welt um sich herum haben, während man gleichzeitig mit der harten, kalten Realität konfrontiert wird? Diese Reibung hat mich interessiert

Release 3.5.2024

Washington bezeichnet "Fearless Movement" als sein Tanzalbum. "Es ist nicht wörtlich zu nehmen", sagt Washington. "Tanz ist Bewegung und Ausdruck, und in gewisser Weise ist es das Gleiche wie Musik - man drückt seinen Geist durch seinen Körper aus. Das ist es, was dieses Album vorantreibt. Tanz als verkörperte Ausdrucksform bedeutet für Washington eine Verlagerung des Schwerpunkts. Während sich frühere Alben mit kosmischen Ideen und existenziellen Konzepten befassten, konzentriert sich Fearless Movement auf das Alltägliche, eine Erkundung des Lebens auf der Erde. Diese Veränderung ist zu einem großen Teil auf die Geburt von Washingtons erstem Kind vor einigen Jahren zurückzuführen. "Vater zu sein bedeutet, dass der Horizont deines Lebens plötzlich auftaucht", sagt Washington. "Meine Sterblichkeit wurde mir deutlicher vor Augen geführt, aber auch meine Unsterblichkeit - ich erkannte, dass meine Tochter weiterleben und Dinge erleben wird, die ich nie sehen werde. Ich musste mich damit abfinden, und das wirkte sich auf die Musik aus, die ich machte."

Release 3.5.2024

Nach dem emotionsgeladenen "Everything Harmony" von 2023 - das der Musikexpress als das "beste Album der Lemon Twigs" bezeichnete und Classic Rock den "wunderbaren Sunshine-Pop" lobte - erforschen die Brüder Michael und Brian D'Addario (24 und 26 Jahre alt) beschwingte, flirrende Arrangements, die in einem imaginären Raum leben, den sie Mersey Beach nennen: die klangliche Brücke zwischen Liverpool und Laurel Canyon. Das Album lässt die auf Nylonsaiten basierenden Arrangements von "Everything Harmony" hinter sich und kehrt zu dem Stil zurück, den die Brüder erstmals auf "Do Hollywood" vorstellten. "A Dream Is All We Know" verbindet die Theatralik und den Glam-Rock des Lennon-McCartney-Songbuchs mit zeitgenössischen Erzählungen, explosiven E-Gitarren-Riffs sowie den sonnigen Harmonien und ausgeklügelten Aufnahmetechniken der Wilson-Familie und bringt die Liebe zum Detail und die Fähigkeiten der Brüder als Multiinstrumentalisten zum Vorschein. Das Album zeigt deutlich die Entwicklung der D'Addario-Brüder von rehäugigen Teenagern, die Musik machen wollten, die an ihre Helden erinnert, zu jungen Männern, die die Bühne mit Phonix, Arctic Monkey oder ihrem musikalischen Helden Todd Rundgren teilten.

Release 3.5.2024

Zweites Album der in Toronto geborenen und aufgewachsenen Sängerin, Songwriterin, Produzentin und Multi-Instrumentalistin. Ein sanft gewebter cyanfarbener Wandteppich aus ihren ewigen Einflüssen: pochendes Gospel-Piano, warme Soul-Bässe, atmosphärische Elektronik und durchdringende R&B-Melodien. Und doch besitzt es ein Gefühl der Weite, das eine neue Ära für Wilson einläutet, eine Ära, in der sie die Zusammenarbeit und die neu gefundene kreative Offenheit umarmt, die von Wehmut und Sehnsucht und einer Reflexion über jugendliche Unschuld geprägt ist. Durch die Zusammenarbeit mit Produzenten wie Leon Thomas (SZA, Ariana Grande, Post Malone) und Jack Rochon (HE.R, Daniel Caesar) demonstriert "Cyan Blue" Wilsons klangliche Expertise und zeigt gleichzeitig die nächste Evolution ihres zeitübergreifenden Songwritings. In den 13 hypnotisierenden Tracks benutzt sie die Musik weiterhin als ein Gefäß, um Beziehungen auszupacken, was ihr wiederum erlaubt, sich selbst in einem lebensumspannenden, panoramischen Fokus zu treffen und zu verstehen. Aber bei Cyan Blue hat sie sich selbst herausgefordert, ihre perfektionistischen Tendenzen zu überwinden. Obwohl dies erst ihr zweites Album ist, hat Wilsons Einfluss in der Musik einen großen Einfluss auf den Mainstream gehabt. Wilson hatte ihren Durchbruch 2016 mit ihrer von der Kritik gefeierten EP CDW, gefolgt von Stone Woman aus dem Jahr 2018 und ihrem Debüt-Studioalbum, das sie 2021 mit dem von der Kritik gefeierten, selbstveröffentlichten Alpha vorstellte. In den letzten zehn Jahren wurde sie von Drake, John Mayer und James Blake gesampelt, während Patti Smith kürzlich Wilsons Durchbruchssingle "Work" von 2016 lobte und coverte. Darüber hinaus hat sie mit Künstlern wie Kaytranada, BADBADNOTGOOD und SG Lewis zusammengearbeitet, was beweist, dass es keinen Sound gibt, an den sich Wilson nicht anpassen und ihren cyanfarbenen Zauber versprühen kann. *Stone Woman/XL

Release 3.5.2024

Nach zwei von der Kritik hochgelobten Alben, zahlreichen Mini-LPs, EPs und Singles kehrt das Londoner Trio mit dem dritten Album zurück, einer düsteren und intensiven, aber dennoch melodischen Sammlung von Tracks, ihre Interpretation einer kantigen Pop-Platte. Der Opener ´Lights Out´ besteht aus zwei Teilen; der erste ist ein Barrett-eskes Gesangs- und Gitarren-Lamento über Schlafmangel, das über eine von 'Faust Tapes' beeinflusste Freeform-Noise-Sektion in einen stampfenden, hochintensiven Showdown übergeht. In Songs wie "Deceit", "We Are Here" und "Picking Things Out Of The Air" zeigt sich die Gruppe von ihrer melodischsten Seite, indem sie einige der chaotischen Noise-Elemente ihres charakteristischen Sounds auf ein Minimum reduziert und leidenschaftliche, schwebende Vocals und Keyboard-Melodien in den Vordergrund stellt. Ihr Markenzeichen, das treibende Schlagzeug und der Bass, ist besonders bei den Stücken "I Judge Myself" und "Corrupting Memories" zu hören, wird aber durch intensive, vom frühen Gothic beeinflusste Keyboardlinien ergänzt, die Einflüsse aus den späten 1970ern/frühen 1980ern mit der zeitgenössischen GIS-Intensität in Einklang bringen. Die langsam sich steigernden Tracks ´I Was Never There´ und ´The Prefix´ bauen mit spärlichen Arrangements und kreisenden, spiralförmigen Outros Spannung und Atmosphäre auf, während die Band im abschließenden ´A Damning Lesson´ zu ihrer intensiven, knüppelnden Soundwand zurückkehrt, nur um sie in eine verschwommene, hallende Drum-Machine zu schicken, die an die frühen Arbeiten von Cabaret Voltaire erinnert. Nächstes Kapitel, nächstes Level für GIS!

Release 26.4.2024

Fat White Family sind zurück. Das lang erwartete vierte Album der Kultband aus dem Süden Londons um die Brüder Lias und Nathan Saoudi ist ein eklektisches, chaotisches und doch immer kohärentes Album, das keine Gefangenen macht. Das Album hat sie, wie alles, was sie bisher gemacht haben, noch mehr an die Grenzen ihres kreativen Talents, hrer Gesundheit, ihres Verstandes und ihrer eigenen Existenz gebracht. Die äußeren Feinde haben sich aufgelöst - vielleicht waren sie die ganze Zeit nur Halluzinationen. Nach der Veröffentlichung von "Serfs Up!" zementierten Fat White Family ihren Ruf als archetypische britische Post-Punk-Band des 21. Jahrhunderts - und brachten eine ganze Generation von Außenseiter-Punkrock-Gruppen hervor, von Shame und Black Country über New Road bis hin zu Black Midi und Fontaines DC, ganz zu schweigen von ihrer berüchtigten Live-Show, die es irgendwie schafft, Empörung und Chaos mit Gelassenheit und Schönheit zu verbinden.

Release 3.5.2024

Das neue Album von Mdou Moctar. Aufgenommen am Ende einer zweijährigen Welttournee nach der Veröffentlichung von Afrique Victime (2019), zeigt es das nigerianische Quartett in wilder Form. Die Musik ist lauter, schneller und wilder. Die Gitarrensoli sind feedback-verbrannt und die Texte leidenschaftlich politisch. Nichts ist zurückhaltend oder abgeschwächt. Die Songs auf Funeral For Justice sprechen unbeirrt die Notlage des Niger und des Tuareg-Volkes an. "Dieses Album ist wirklich anders für mich", erklärt Moctar, der Sänger, Namensgeber und unbestreitbar ikonische Gitarrist der Band. "Jetzt sind die Probleme der terroristischen Gewalt in Afrika ernster. Als die USA und Europa hierher kamen, sagten sie, sie würden uns helfen, aber was wir sehen, ist wirklich anders. Sie helfen uns nicht, eine Lösung zu finden.

Release 3.5.2024

Das neue Album rückt die von Eno Williams und Max Grunhard geleitete Band in ein neues Licht. Die Hoffnung, die Freude und die Sexyness ihrer Musik sind geblieben, aber die Verbindung, die sie mit ihrem hochgelobten Album Electricity (2022) herstellen wollen, hat sich von der sonnigen Beschwingtheit eines Festivals zu einem schweißgetränkten, nächtlichen Tanzclub verschoben. Mit weniger Zeit im Studio und einer neuen Art, über die Entstehung von Songs nachzudenken, gelang es dem Duo, Entscheidungen über den Sound schneller und instinktiv zu treffen als zuvor. "Pull the Rope" ist eine flinke, geschmeidige Maschine, die von der ersten Note des eröffnenden Titeltracks an mitreißt. Enos jenseitige Stimme und PK Ambroses pochender Bass treiben durch ein Kaleidoskop aus House, Post-Punk, Funk, Afrobeat und Disco, Knallern und Balladen und liefern ein Plädoyer für eine Einheit, die auf der Tanzfläche beginnt. "Mama Say" und "Let My Yes Be Yes" berühren das Thema der weiblichen Selbstermächtigung. Sie zeigen die Tiefe der Band, die immer mehr in den elektronischen Bereich vordringt; "Mama Say" trifft Noten des Elektropop, während "Let My Yes Be Yes" Elektro mit Afrobeat verschmilzt. Ibibio Sound Machine haben ihre Musik schon immer mit politischem Bewusstsein durchdrungen, und das Licht, das in Williams' Gesang und Stimme durchscheint, war noch nie so notwendig. Der Sound von Pull the Rope ist also Hoffnung in der Dunkelheit, Glückseligkeit trotz Tristesse. Wieder einmal sind Ibibio Sound Machine hier, um den Soundtrack für die beste Nacht deines Lebens und die bessere Welt zu liefern.

Release 26.4.2024

Das siebte ist ihr erstes vollständig selbst produziertes Album (nachdem sie alle vorherigen Werke mitproduziert hatte), und deshalb St. Vincent in ihrer ursprünglichsten Form. Mit Songs wie dem kraftvollen "Broken Man", dem bissigen Catwalk Sashay durch den ohrenbetäubenden Angriff des Selbsthasses "Big Time Nothing" und dem prachtvollen Ohrwurm "Sweetest Fruit" ist "All Born Screaming" zu gleichen Teilen spirituelle Verzweiflung und schwärmerische Akzeptanz. "Wenn du schreiend geboren wirst, ist das ein großartiges Zeichen", sagt Clark, "denn es bedeutet, dass du atmest. Du bist lebendig. Mein Gott! Es ist ein Glücksgefühl. Und dann ist es auch ein Protest. Wir alle werden in gewisser Weise unter Protest geboren. Es ist erschreckend, am Leben zu sein, es ist ekstatisch, am Leben zu sein. Es ist alles."

Release 3.5.2024

Neues 10tes Album. Der britische Punkrock-Singer/Songwriter hat immer noch viel zu sagen, und tut dies auch. Zu seiner ersten Single erzählt er: "Do One" ist der letzte Song, den ich für das neue Album geschrieben habe, und der erste Song auf dem Album, sowie die erste Single. Es ist also eine Zusammenfassung dessen, was ich mit diesem Album sagen will, ein Album über das Überleben und den Trotz, aber auch ein Album mit einem Sinn für Spaß und Selbstironie. Nach 19 Jahren Solokarriere stehe ich immer noch auf und bringe einige meiner besten Arbeiten heraus. Das fühlt sich gut an." Für deutsche Fans gibt es ein spezielles Feature: Die Single "Do One" kommt als Version mit den Donots.

Release 26.4.2024

Das erste neue Studioalbum seit über sieben Jahren wurde von Sam Beam, dem Hauptsänger und Songwriter der Band, produziert und von Dave Way in den Waystation und Silent Zoo Studios in Los Angeles aufgenommen und abgemischt. Beams Texte schöpfen erneut aus einer Reihe von fiktionalen und persönlichen Einblicken, gefüllt mit verzweifelten Charakteren und weitsichtigen Optimisten, die Versprechen und eine Dosis Herzschmerz, Tränen und Lachen, Leben und Liebe bieten. Es ist das spielerischste Album von Iron And Wine, dessen Titel widerspiegelt, wie die Lieder nach der Schwere und Angst der Pandemie mit Freude geboren wurden. Wo "Beast Epic" und "Weed Garden" der Beunruhigung über die Gebrechlichkeit und Zerbrochenheit des mittleren Alters Luft machten, tauschen die Songs von "Light Verse" dies gegen den Fokus, den Akzeptanz bringen kann. Moment für Moment erfreuen sie sich daran, pointiert oder albern (oder beides) zu sein und versuchen, Schönheit über Hübschheit zu stellen. Musikalisch wurde "Light Verse" von einer Reihe profunder Musiker geprägt, die Beams Vision ihren eigenen Stempel der Authentizität aufdrückten. Mit dabei waren Tyler Chester (Keyboards), Sebastian Steinberg (Bass), David Garza (Gitarre), Griffin Goldsmith, Beth Goodfellow, Kyle Crane (alle Schlagzeug/Percussion) und Paul Cartwright (Streicher). Ein 24-köpfiges Orchester ist auf vier Stücken zu hören, und Fiona Apple leiht ihre Stimme für das Duett "All In Good Time". Ein Album, das als Ganzes betrachtet werden sollte. Track für Track ist es zu gleichen Teilen Elegie, Kaleidoskop, Wahrheit und Wagnis

Release 19.4.2024

Marsimoto, Marterias Alter Ego, verlässt nach 17 Jahren unseren blauen Planeten. Bevor sich das grüne Wesen für immer verabschiedet, schickt es uns einen letzten Gruß - ein letztes Album, eine Vorausschau auf die Postapokalypse, die uns Menschen einen Blick in unsere Zukunft erlaubt, wie sie auf dem Marsimoto Album geschrieben steht. Marsimoto, der außerirdische Beobachter, der die Menschheit schon immer aus einer einzigartigen Perspektive betrachtet, hält uns vor Augen, wie sich der Mensch, das intelligenteste Lebewesen auf diesem Planeten, selbst abschafft. Aus Künstlicher Intelligenz wird Keine Intelligenz. Für Marsi ist es Zeit zu gehen. Auf Marsimotos letztem Longplayer mitgewirkt haben neben Nobodys Face und The Krauts auch Siriusmo, Dead Rabbit, Kid Simius, Roland ROY Knauf, Team Gerda, BENDMA, Sterio, Torky Tork, DJ Koze, REAF, 7apes und The Additives.

Release 12.4.2024

Im Vorfeld zurecht schon hoch-gejazzte Band aus Leeds um Sängerin Lily Fontaine mit ihrem umwerfenden Debutalbum, das sich so ein bisschen wie ein missing link zwischen Black Country New Road und Dry Cleaning anhört. Kunstvoll und komplex inszenierter Indierock mit Post-Punk- und Art-Folk-Anleihen, der massives Überraschungspotential bei den Songstrukturen aufweist und sowohl mit druckvollen Songs sowie narrativen Passagen beeindruckt und immer einen leichten Schuss Melancholie und gerne auch ein bisschen Atonalität aufweist bei den auch teils mit gezupften Gitarren und/oder Klavier ornamentierten Songs

Release 19.4.2024

Zwölftes Studioalbum und die erste Veröffentlichung der Band seit "Gigaton" (2020). Das Album ist der Höhepunkt eines frischen und rasanten Ansatzes der Band und des Produzenten Andrew Watt (Rolling Stones, Iggy Pop, Post Malone, Miley Cyrus, etc)Bei Gigaton hat die Band in mehreren Aufnahmesitzungen Songkonzepte erarbeitet. Insgesamt dauerte die Fertigstellung des Albums etwa drei Jahre. Für Dark Matter kamen alle Bandmitglieder in die Shangri-La-Studios, ohne vorgefertigte Songideen und ohne eigene Instrumente. Die Kreativität fand in Echtzeit statt und war eine echte Gemeinschaftsleistung. Die LP wurde in drei Wochen fertiggestellt.

Release 19.4.2024

Mit unserem Track des Tages „Everyday Happy Birthday“ hat der Schweizer Musiker und Sänger Dino Brandão seine erste Solo-LP angekündigt. Seine musikalische Karriere begann Brandão als Sänger und Gitarrist der Aargauer Gruppe Frank Powers, bevor er dann ab 2020 auch solo musizierte. Wobei seine erste Veröffentlichung dann eben doch nicht so ganz solo war, sondern ein Supergroup-Album mit Sophie Hunger und Faber. Mit seiner ersten Solosingle „Bouncy Castle“ versuchte er 2021 seine Multiple-Sklerose-Diagnose zu verarbeiten. Aus ihr sprach die Einsicht, die Dinge nehmen zu müssen und der Anspruch, dabei die positiven, hoffnungsvollen Vibes aufrechtzuerhalten. Als „Afro Psych“ beschrieb er dieses Debüt. Doch textlich wie musikalisch repräsentiert der Song nur einige von vielen Facetten der nach ihm benannten EP.

Zwischen R&B, Avantgarde, Rock und allgemeinem Eklektizismus widmet sich Dino Brandão etwa in „Decoration“ mit dystopischem Realismus der Geistesverfassung seiner Generation. Die neue Single handelt unter anderem von „diese[m] Wissen und diese[m] Ohnmachtsgefühl, hier in Europa zu leben in all diesem Wohlstand“, erklärt Brandão. Und zwar einem Wohlstand, den kapitalistische Ausbeutung und Kolonialismus ermöglichen. „Es gibt eine Line darin, wo ich von einem Vegetarier singe, der ein Thunfisch-Sandwich isst. Diese Inkonsequenz, die wir alle haben, das treibt mich schon manchmal um.“ Doch trotz unangenehmer Themen klingt Brandãos Musik erneut funky, avantgardistisch und latent hoffnungsvoll.

Release 12.4.2024

Das erste Album seit 4 JAhren wurde von Seth Manchester (Mdou Moctar, Lingua Ignota, Battles, The Body) produziert und enthält Gastauftritte von Amber Webber von Black Mountain und dem Komponisten und Streicherarrangeur Owen Pallett. Metz, eine Band, die einst dafür bekannt war, mit Songs voller freudiger Wut das Trommelfell zu zerschmettern, hat in den letzten Jahren damit begonnen, Wege zu erforschen, wie man Schroffheit in Atmosphäre umwandeln kann. Auf ihrem neuesten Werk "Up On Gravity Hill" reizt die Band weiterhin die rohe Kraft der Rockmusik bis zu ihren feinsten und kompliziertesten Enden aus. Sie liefern eine tiefe, detaillierte und unnachgiebig persönliche Sammlung von Songs, die nicht nur zu ihrem bisher stärkstem, sondern auch schönstem Album verschmolzen sind. Um diese Entwicklung zu unterstreichen, hat die Band zwei neue, gegensätzliche Singles veröffentlicht: das stampfende, motorische "99" und das aufregende und zutiefst melodische "Entwined (Street Light Buzz)", das einen verträumten, Swervedriver-esken Gitarrenglanz bietet, wie ihn das kanadische Trio noch nie zuvor verwendet hat.

Release 12.4.2024

Mark Knopfler, ist einer der erfolgreichsten Musiker, die Grossbritanien je hervorgebracht hat, und wird oft, seit seinem grossen Durchbruch mit den DIRE STRAITS, als einer der grössten Gitarristen aller Zeiten bezeichnet. Mark Knopfler veröffentlicht nun sein zehntes Solo-Studioalbum auf seinem eigenen britischen Grove-Label / Universal Music. Das Album trägt den Titel “One Deep River“ und enthält 12 neue, unverkennbare Knopfler-Songs. Seine warme, sonore Stimme, seine poetischen Texte und sein unverkennbares Gitarrenspiel sind so präsent wie nie.
Die neuen Songs schöpfen aus einem Leben voller genreübergreifender Zutaten und Einflüsse aus Blues, Folk, Rock und darüber hinaus.

Release 12.4.2024

Die in New York City als Tochter haitianischer Emigranten und Aktivisten geborene Leyla McCalla beherrscht Cello, Tenorbanjo und Gitarre meisterhaft und hat als mehrsprachige Sängerin und Songwriterin einen unverwechselbaren Sound entwickelt, der ihre Wurzeln und Erfahrungen widerspiegelt. In "Scaled to Survive" geht es um das Geborenwerden und die Verbindung, die wir zu unseren Eltern haben, insbesondere zu unseren Müttern. Leyla wurde von Alexis Pauline Gumbs' kraftvollem Buch "Undrowned" inspiriert, in dem Gumbs die transformativen Lektionen der Meeressäuger als Rezepte für das Überleben ansieht - und zwar solche, die artenübergreifend sind. "Thank you for laughing me into your portal", zitiert McCalla Gumbs, während sie für Eltern und diejenigen singt, die uns über das Blut hinaus erziehen. Neben Gumbs schöpft McCalla lyrische Inspiration aus den Schriften der schwarzen feministischen afrofuturistischen Denkerinnen Octavia Butler und Adrienne Maree Brown. Wie diese Autorinnen sucht McCalla im Songwriting nach Wegen, um Glaube und Hoffnung zu stärken, das Gemeinschaftsdenken zu fördern und die persönliche Transformation zu katalysieren. "Songwriting ist eine Methode, um die Geschichten zu erzählen, die erzählt werden müssen", erklärt sie. "Manchmal sind es schmerzhafte Geschichten, die erzählt werden müssen. Der Titel des Albums ist auch eine literarische Anspielung auf Frederick Douglass' Rede aus dem Jahr 1857, die er sechs Jahre vor der Emanzipationsproklamation vor einer überwiegend weißen Gruppe von Abolitionisten hielt. Seine Worte klingen in dem Lied nach: "Ihr wollt die Ernte ohne den Pflug / Ihr wollt den Regen ohne den Donner / Ihr wollt den Ozean ohne das Tosen seiner Wasser." Douglass' Aussage - die McCalla in die zentrale Botschaft des Songs einfließen lässt - lautet, dass Befreiung und Gleichberechtigung nicht möglich sind, wenn man sich nicht zu transformativen Maßnahmen verpflichtet.

Release 12.4.2024

Die Band aus San Francisco bleibt auf ihrem einmal eingeschlagenem Pfad. RPPs Gehirn Glenn Donaldson hält es düster - wie könnte es anders sein - mit Titeln wie "What's Going On With Ordinary People", "We Only Hear The Bad Things People Say" und "Dead Stars In Your Eyes". Die DIY-Pop-Titanen The Reds, Pinks & Purples kristallisieren auf "Unwishing Well" den tragischen, sich selbst feiernden Reichtum der glücklichen Versager, der falschen Helden und der Menschheit mit all ihren romantisierten Sich-Wundern - und nehmen die Fäden der Hoffnung mit ungebremster Hingabe ins Visier. Das Album, das sich über 10 wunderschöne Stücke erstreckt, ist ein weiterer Beweis für Glenn Donaldsons makellose Beherrschung des intimen, aber dennoch ausladenden, niedergeschlagenen Pops. In den letzten fünf Jahren haben The Reds, Pinks & Purples sechs Alben, mehrere EPs und zahllose Singles veröffentlicht, die sich alle dem Ziel verschrieben haben, dem Independent-Guitar Pop neues Leben einzuhauchen, der die düsteren Teenager, College-Radio-DJs und Plattenladenangestellten der 80er und 90er Jahre animierte. Vorbilder wie The Go-Betweens, The Smiths, Magnetic Fields, Felt und andere sind offensichtliche Inspirationen, aber Donaldsons unermüdliches Talent für Stimmung und Melodie hat praktisch ein eigenes Genre geschaffen, und "Unwishing Well" ist dessen bisher reinste Verkörperung. Die erste Single des Albums ist ein großartiges Beispiel für die Weltanschauung von RPP, ein Blick auf die Zugeständnisse des Popstars durch die Augen eines Ausgestoßenen mit dem Titel "Your Worst Song Is Your Greatest Hit". Über verträumten, grauen Gitarren- und Synthie-Waschungen beklagt Donaldson: "Deine erste Idee wurde verwässert" und fügt hinzu: "Nur die schlimmsten Teile konnten gefunden werden." Für Freunde von The Field Mice, Blue Boy, The Clientele, Cindy...

Release 5.4.2024

Die Indie-Rock-Band Vampire Weekend hat mit einem knapp 30-sekündigen Trailer ein neues Album namens „Only God Was Above Us“ angekündigt. Der Longplayer ist der Nachfolger des 2019er Albums „Father Of The Bride“. Die Aufnahmen dazu sind über einen längeren Zeitraum in verschiedenen Städten von New York über London bis Tokio entstanden.

New York City hat dabei einen besonderen Platz im Herzen von Ezra Koenig, Chris Tomson und Chris Baio, wie der Trailer und das Album-Cover verraten. Die Veröffentlichung des Albums will die Band außerdem mit einem Konzert im Moody Amphitheatre im texanischen Austin feiern. An dem Tag findet ein besonderes Naturspektakel statt: eine totale Sonnenfinsternis. Bis dahin wird es noch mehr zu hören geben: Am 16. Februar erscheinen die neuen Singles „Capricorn“ und „Gen-X Cops“.

Release 5.4.2024

Einstürzende Neubauten präsentieren ihr neues Album. Sie suchen nach neuen Formen. Nach dem unentdeckten Ton und dem noch unausgesprochenen Wort. Seit ihrer Gründung am 1. April 1980 verschieben die Einstürzenden Neubauten die Parameter von Mainstream und Subkultur, um das Unhörbare hörbar zu machen. Und vielleicht auch das Unerhörte. Ein sich über vier Dekaden erstreckender Feldforschungsversuch, der nun ins nächste Stadium tritt. In ihrem 44. Bestehensjahr geht die Formation weit zurück zu ihren Wurzeln, um sich gleichzeitig neu zu definieren. Ein verändertes Selbstverständnis, für das das Berliner Quintett plus eins 2024 sein eigenes Genre kreiert hat: apm - alien pop music. Ständige Weiterentwicklung - so könnte man das Schaffen der Einstürzenden Neubauten kurz und knapp zusammenfassen. Eine musikalische Evolution, die beim 1981 veröffentlichten Albumdebüt "Kollaps" beginnt und sich nun auf dem im April 24 erscheinenden Album "Rampen - apm: alien pop music" manifestiert, auf diesem präsentieren sich Blixa Bargeld, N.U. Unruh, Alexander Hacke, Jochen Arbeit, Rudolph Moser und Felix Gebhard nun von ihrer unberechenbarsten und eigenwilligsten Seite. Auf ihrem neuen Album setzen die Neubauten nun allen Sound-Spekulationen ein - wenn auch spätes - Ende. Schon seit Mitte der 1980er-Jahre experimentieren die Einstürzenden Neubauten auf der Bühne mit sogenannten Rampen: Öffentliche Improvisationen mit offener Entwicklung und Ausgang; Abschussrampen ins noch Unerforschte, die die Band im Jahr 2022 auf ihrer letzten "Alles in Allem"-Tournee im Zugabenteil performte und deren Mitschnitte als Basis für das neue Album dienen. "Rampen - apm: alien pop music" ist Popmusik für Paralleluniversen und Zwischenwelten. Für Hyperräume und Interzonen. Mikrokosmisch und intergalaktisch zugleich. Eine demimondäne Behauptung außerhalb aller physikalischen Gesetze, mit der die Einstürzenden Neubauten ein stilistisches Niemandsland zwischen Vergangenheit und Zukunft betreten. Rückkehr zu den Wurzeln einerseits, andererseits entsteht aus lärmgewaltigen Kracheruptionen, auf kryptische, oftmals fragmentarische Lyrics treffend, eine neue Kunstform: Populäre Musik für Aliens und Außenseiter. Aus Anti-Pop ist Alien Pop geworden. Fremdartig. Kokonhaft versponnen. Ungehört. Sonus inauditus. Nicht ganz unabsichtlich erinnert das reduzierte Coverartwork an das ikonische Layout des "Weißen Albums" von den Beatles. "Ausgehend von der Idee, dass die Einstürzenden Neubauten in einem anderen Sonnensystem ebenso berühmt sind wie die Beatles in unserer Welt", so Blixa Bargeld über die Gratwanderung zwischen Avantgarde und Augenzwinkern, Provokation und popkultureller Diskontinuität. Womit auch direkt das zentrale Thema vorgegeben wäre, das sich wie ein roter Faden durch alle Songs zieht: Veränderung, utopische Gedankenspiele und Vergänglichkeit. "Ich habe auf der Platte ein paar Lösungen gefunden und Dinge formuliert, wie ich sie vorher noch nicht formuliert habe, weil sie mir noch nicht so klar waren. Ich bin jemand, der denkt, durch Musik Erkenntnisse zu gewinnen. Das war schon immer so. Die Überzeugung, in der Musik etwas zu finden, was ich vorher nicht wusste. Und etwas zu singen, was ich vorher nicht wusste. Etwas, was sich dann als Wahrheit herausstellt. Oder zumindest als sinnvoll, wenn man es ein wenig kleiner halten will." Dieses Album repräsentiert die nächste Stufe der Evolution, auf der man die bekannte Sprache schließlich hinter sich gelassen hat. Und die Eröffnung weiterer, unendlicher Möglichkeiten: alien pop music.

Release 5.4.2024

Das 9te Album des 2001 unter Phosphorescent aktiven, in Nashville lebenden Matthew setzt sich in neun eigenen Songs mit stillen Hindernissen und unausgesprochenen Wahrheiten auseinander, die im Umgang mit Heimat, Partnerschaft und Familie entstehen. Auf "Revelator" grübelt Phosphorescent über Fragen nach, die schwer zu beantworten sind: warum ein scheinbar idyllisches Leben von einem Gefühl des Grauens bestimmt sein kann, oder wie wir uns auf natürliche Weise voneinander und von uns selbst entfernen. Aber getreu seinem Titel ist dies ein Werk, das darauf abzielt, die hart erkämpfte Rückgewinnung, Neuerfindung und Offenbarung im täglichen Leben zu finden.

Release 5.4.2024

Nachdem Jürg Halter in den letzten Jahren vor allem als Schriftsteller von sich reden machte, ist er nun mit Achtung Niemand, einem aussergewöhnlichen Spoken-Word-Musikprojekt. zurück. Das Album «Wir sind gute Menschen» hat er gemeinsam mit dem 2022 verstorbenen, legendären Schlagzeuger Fredy Studer, dem Klangzauberer Roberto Domeniconi und dem ehemaligen Lunik-Mastermind Luk Zimmermann zwischen 2022 und 2023 in Bern aufgenommen. Es ist ein poetisch eindringliches, provokantes, melancholisches und musikalisch vielfältiges Album geworden

Release 5.4.2024

Khruangbin melden sich mit dem vierten Studioalbum und ihrer ersten LP seit vier Jahren zurück!. Die erste Single "A Love International" unterstreicht mit ihrem wehmütigen Gesang und einem treibenden Gitarren- und Bass-Duett den nachdenklichen und feierlichen Charakter von "A LA SALA". Nach einem Jahrzehnt, das damit verbracht wurde, einen schwer fassbaren und doch außergewöhnlichen musikalischen Weg zu kultivieren, ist "A Love International" für Khruangbin sowohl ein nostalgischer als auch ein zielstrebiger Schritt nach vorne - ein Ausblick für eine Band, die subtile Fragen über die surreale Natur der Darstellung von Kunst und der eigenen Realität stellt. Die kollektive musikalische DNA des Trios und die Jahre, die sie in Houstons kulturellem ‚Local-meets-Global'-Schmelztiegel verbracht haben, sorgen dafür, dass die Band wie niemand anderes als sie selbst klingt. Eine Kaskade knackiger Melodien entspringt Markos Hall-lastiger elektrischen Gitarre und tanzt sanft um Laura Lees minimalistische Fast-Dub-Bass-Dreiecke, während DJs Schlagzeug als Fundament dient, auf der sich all diese Bewegungen abspielen. Dennoch ist die instrumentale Interaktivität von A LA SALA von einer Frische, die weniger darauf abzielt, in die Ferne zu schweifen, als vielmehr in die Tiefe zu gehen. Hier sind Khruangbins klangliche Berührungspunkte - ob Spaghetti-Western-Filmmusik (auf "Fifteen Fifty-Three"), westafrikanische Disco (auf "Pon Pón"), G-Funk-Fantasien ("Todavía Viva"), Wohnzimmer-Tanzmomente (die erste Single, "A Love International") oder sogar Ambient-Found-Sounds (auf "Farolim de Felgueiras" und im gesamten Album auftauchend) - tief verwurzelte Merkmale, einzigartig und groß (und wachsend), ehrgeizig und engagiert. Khruangbins Bestreben und Engagement für spielerische Kreativität erstreckt sich sogar auf die Vinyl-Verpackungen von A LA SALA, von denen es weltweit sieben verschiedene Cover und Farbsätze geben wird. Die von der Band unter Verwendung von Markos zahlreichen Reisefotos entworfenen Bilder sind Fenster aus dem Wohnzimmer der Band zu einer Reihe von Tagträumen, Szenen eines unmöglichen Himmels, Blicke von außen, die erhellen, was im Inneren vor sich geht. Zu jedem Coverbild gibt es eine farblich passende Vinylvariante. Auch hier geht es um den Blick nach außen und den Blick zurück, um besser nach vorne schauen zu können.

Für ihr drittes Born Bad-Album haben Cyril Cyril zwei Jungs vom Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp, Inès Mouzoune, Multiinstrumentalistin von Amami, und das Cello von Violeta Garcia eingeladen. Genosidra, alias Carlos Quebrada, der in Bogotá Club-Delikatessen herstellt, mischte schwere, volle Soße, eine Herausforderung angesichts der Menge des Materials, das als Familienangelegenheit im Insub Studio aufgenommen wurde. Auf den Ruinen der Schweiz wird hart, aber bewusst getanzt, und man wird sich nicht darüber beschweren, dass sie sich über das Heimatland lustig machen - vor allem in "Swetzerland Bunker Love", wo sie fordern, dass es Zeit ist, "das Geld von den Banken zu befreien". Es ist etwas faul im Staate, wo immer er auch sein mag, und sie ziehen es vor, seinen Untergang zu vertonen. Und sie schrecken auch nicht davor zurück: Auf diesem Album finden sich schwere, von Gitarre und Schlagzeug geprägte, textgetriebene Balladen, polyrhythmisches, lärmendes Schlagzeuggeplätscher mit raffinierten Gesangseinlagen, dekonstruierte und harmonisch anspruchsvolle Kompositionen und Latino-Froschgequake, denn ja, warum nicht. Seit ihren früheren Werken "Certaine Ruines" und "Yallah Mickey Mouse" hat sich gezeigt, dass die Zukunft für die beiden Cyrils, die jeweils ein Label betreiben, gar nicht so schlecht aussieht. Bongo Joe für Yeterian, Insub für Bondi - der in seiner raren Freizeit auch für La Tène trommelt. Ganz zu schweigen von ihrer Supergruppe Yalla Miku (mit Hyperculte, Anouar Baouna, Ali Boushaki und Samuel Ades). In aller Stille sitzen sie auf Plattenkisten und bauen geduldig ihren Sound auf. Niemals müde von kranken Netzwerken und nicht enden wollenden Kämpfen, ist Cyril Cyril live ein mitreißendes Durcheinander, das die gemeinsame Spleen herausschreit und dabei noch gut lachen kann

Release 5.4.2024

Das zwölfte Studioalbum der Black Keys, »Ohio Players« - ein Titel, der von der gleichnamigen legendären Funkband aus Dayton, Ohio, inspiriert ist - enthält mehrere Kollaborationen zwischen den Bandmitgliedern Dan Auerbach und Patrick Carney mit verschiedenen Freunden und Kollegen, wie Dan »The Automator« Nakamura, Beck, Noel Gallagher, Greg Kurstin und anderen. »Wir hatten diese Erleuchtung: ›Wir können unsere Freunde anrufen, damit sie uns beim Musikmachen helfen‹«, sagt Carney. Auerbach fügt hinzu: »Egal, mit wem wir zusammenarbeiten, es fühlt sich nie so an, als ob wir uns selbst opfern würden. Es fühlt sich nur so an, als würde es eine besondere Note hinzufügen... Aber als es an der Zeit war, das Album fertigzustellen, waren es nur Pat und ich.