Die drei Muttersöhne von FRUTTI DI MARE spielen auf zum eklektischen Ohrenschmaus aus allerlei bittersüsser Ostmukke. Mal laut, bald leise, zwischen Tanz, Tand und sanftem Samt. Schön, sie bereits in Kürze live im Hause Peppers begrüssen zu dürfen! Kommen! Es wird schön!
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Eintritt Kollekte

Reisen können auf überraschende Weise inspirierend sein - so ging es zumindest Kurt Vile bei den Arbeiten an seinem ersten Album seit drei Jahren, das "Bottle It In" heißt! Es entstand innerhalb von zwei Jahren in verschiedenen Sessions und in diversen Studios in ganz Amerika - geschrieben nach Touren, während Familien-Ausflügen oder Road Trips. Nimmt man das vorhergegangene Durchbruchsalbum "b'lieve I'm goin' down" als Ausgangspunkt, ist "Bottle It In" der Aufbruch in unentdecktes Land. Die Songs zeigen Vile als Künstler, der sich immer weiterentwickelt, der wie sein Held John Prine, einem in einem Atemzug zum Lachen bringen und im nächsten das Herz brechen kann. Und als Workaholic, der trotz stetigen, zweijährigen Touren, Aufnahmen für ein Slacker-Duett-Album mit Courtney Barnett, Familienurlauben mit seiner Frau und seinen Töchtern immer wieder Zeit für seine neuen Songs fand. "I've been bouncing around a lot and recording all over. My family would meet me in the middle of America, and we'd go on a road trip somewhere. I would record in between all that stuff." Viles Heimatstadt, Ausgangspunkt des Albums und noch immer stetige Muse, ist dabei Philadelphia. Der erste aufgenommene Song und gleichzeitig Opener von "Bottle It In" war "Loading Zones" - eine typische Violaters Melodie, bei der die langjährigen Bandmitglieder Jesse Trbovich, Rob Laakso und Kyle Spence zu hören sind, und die sowohl Viles Ode an die Stadt der brüderlichen Liebe ist, als auch seine Parkstrategie beinhaltet. "I park for free!" proklamieren Vile und die Violators darauf stolz, während er das Auto von Ladezone zu Ladezone bewegt, um Parkgebühren und Strafzettel zu vermeiden. Eigentlich stammt der Song noch aus den Sessions zum letzten Album doch es dauerte bis Vile genau wusste, wie sich dieser letztlich entwickeln sollte. "It ended up feeling too weird for the last record, and I'm glad I waited because it had to grow into a guitar jam. I don't think I was ready for the swagger it took to deliver such a ridiculous concept. It's about owning your own town. It's about knowing a place like the back of your hand." Von Philadelphia aus ging es für Kurt gen Westen. In Kalifornien beim Stagecoach Festival traf er sich mit seinen Freunden von den Sadies ("my favorite modern band") und schloss sich einige Tage, inspiriert von Willie Nelsons epischen Set, zusammen mit Produzent Rob Schnapf in dessen Mant Sounds Studios in Los Angeles ein. "He does these really cool pop things, weird versions of pop songs," sagt Vile über Schnapf, der Alben von Beck, Elliott Smith und Guided By Voices neben vielen anderen produziert hat. Zuletzt hatten die beiden schon bei Viles Single-Erfolg "Pretty Pimpin" zusammengearbeitet - die zweite Zusammenarbeit mündete im elfminütigen Titel-Song, auf dem Cass McCombs die Backing-Vocals übernahm und Warpaints Stella Mozgawa den rhythmischen Drumbeat vorgibt. "I didn't know exactly what was going to happen. I didn't know 'Bottle It In' was going to be that long. It's sort of like living something rather than having it all planned out. You have to go out there for the experience and the inspiration." Doch neben all diesen Orten geht es auf dem neuen Album vielmehr um die Menschen an diesen Plätzen: Freunde und Familie, Bandmitglieder und musikalische Helden, Kollegen und Kollaborateure. In diesen warmherzigen Songs steckt viel Liebe für alle Menschen in Viles Universum.

Die Smashing Pumpkins werden am 16. November ihr bereits wiederholt angedeutetes neues Album veröffentlichen. Der gewohnt sperrige und bedeutungsschwangere Titel "Shiny And Oh So Bright, Vol. 1 / LP: No Past. No Future. No Sun" weist dabei bereits auf einen angedachten Nachfolger hin. Die Platte wurde von Rick Rubin in dessen Shangri La Studios in Malibu, Kalifornien aufgenommen und enthält die bereits bekannte Tracklist mit acht Songs..

Es ist das erste Album seit 18 Jahren, auf dem Frontmann Billy Corgan zusammen mit den beiden Gründungsmitgliedern James Iha und Jimmy Chamberlin spielt. Eine Beteiligung der ursprünglichen Bassistin D'arcy Wretzky war offenbar angedacht, Corgan war von der Idee aber anscheinend wieder abgerückt, woraufhin ihn Wretzky in einem Interview öffentlich attackierte. Zur Band gehört seit der Rückkehr der Pumpkins 2007 außerdem Gitarrist Jeff Schroeder.

Mit "Silvery Sometimes (Ghosts)" steht bereits ein weiterer Track des Albums inklusive Lyric-Video online. Der Song zeigt sich von Beginn an als erhabener, melancholisch-triumphaler, milder Pop-Rocker, mit dem Corgan eine Art beschwingteres und poppigeres "1979" geschaffen hat. Zuvor war bereits die deutlich rockigere Single "Solara" erschienen, zu der es später auch ein rätselhaftes Video zu sehen gab.

Neues Album mit 11 Songs, auf einem davon ist lana del rey zu hören, für die Chan Marshall auf einer Europatour kürzlich als Opener spielen durfte. Marshall: “The course my life has taken in this journey — going from town to town, with my guitar, telling my tale; with reverence to the people who did this generations before me. Folk singers, blues singers, and everything in between. They were all wanderers, and I am lucky to be among them.

John Grant meldet sich nach 3 Jahren mit seinem vierten Album zurück, welches via Bella Union erscheinen wird, den Titel "love is magic" trägt und einmal mehr aufzeigt, dass sich Grant nie auf seiner bisherigen Klangvielfalt ausruht, sondern stets nach neuen Facetten strebt, die den Soundkosmos des US-Amerikaners so spannend machen. Es ist sein bisher elektronischtes Album: 80s-Synth-Pop, der mal ins Turbulente umbricht, nur um den Hörer dann wieder gefühlvoll an die Hand zu nehmen.

Auf „Schafe, Monster und Mäuse“ tummeln sich Soulballaden, Chansons, Folksongs, Pubrockkracher, Desert-Rock-Aufschneidereien und vieles mehr.
Seit 33 Jahre spielen sie ihre Songs. Und bringen ihre Platten heraus, genauso wie sie sich das vorstellen, eine nach der anderen. Nun veröffentlichen Element Of Crime am 5. Oktober ihr neues Album „Schafe, Monster und Mäuse“.
Es gibt wenig Vergleichbares, keine andere deutschsprachige Band, die diese eigenartige Mischung aus Folkrock und Blues, Artrock und Kinderlied, Krachorgie und Schmalzmelodie in die Welt brächte, ohne auch – wie es scheint – nur einen Moment darüber nachzudenken, ob das gerade in den Zeitgeist passt oder nicht, ob das für neue oder alte Medien taugt, ob das einer versteht, ob sie das überhaupt selber verstehen, ob das nun traurig oder lustig, hässlich oder schön, Tiefsinn oder Spinnerei ist.
Und dann ist wieder alles anders, wenn bei „Am ersten Sonntag“ Jakob Iljas artrockige Kaputtgitarre in den Soloteil sägt, wenn bei „Bevor ich dich traf“ die wienerischen Geigen in die letzte Strophe einfräsen, wenn bei „Die Party am Schlesischen Tor“ eine psychedelisch krachende Blaskapelle durchs Bild wankt, ständig Dinge passieren, auf die man nicht gefasst sein kann, Richard Pappik die Tempi verschleppt und beschleunigt, wie es gerade sein muss, mit Rhythmen und Klangfarben jongliert und überhaupt sein schmutziges Spiel mit einer Rockmusik spielt, die auf dieser Platte immer wieder neu definiert wird und Sven Regeners knarzige Stimme dazu Poesie verteilt, als werfe er Fleischfetzen auf einen Grill aus alten Ölfässern.

Musik und Text, da taumeln sie zusammen in die aufgehende Sonne und stützen sich gegenseitig wie zwei erschöpfte Partygänger nach einer langen Nacht am Schlesischen Tor.

Gaika aus Brixton, London, hadert als Sohn jamaikanischer und grenadischer Eltern in seinen Texten immer wieder mit seiner Identität als Einwandererkind in UK und wurde nicht nur inspiriert vom Sound britischer Reggae-Soundsystems, manchmal scheint sogar dt. Gangstarap Spuren hinterlassen zu haben. Interessant bei Gaika ist, dass er nicht nur Bassmusik und R&B kombiniert und in die Tiefen der britischen Clubkultur verweist und dabei auch gerne mit dem Autotune-Effekt bei seiner Stimme spielt, er verwendet dabei durchaus auch in dem Kontext ungewöhnliche Elemente, die sich als Gothic-Dancehall und Industrial-Electronic charakterisieren lassen und setzt stark auf melancholisch-dramatische Sphärik oder erinnert auchmal an Massive Attack (Hackers Jackers). Mit beteiligt waren ähnlich progressiv denkende MusikerInnen wie Sophie, Dutch E Germ, Dre Skull, Dadras, Aart, Jam City und Nick Leon.

Nadler steht für kaum eine andere US-Songwriterin für akustischen Melancho-Folk, in dem auch immer eine dunkle Abgründigkeit mitschwingt, der sie aber auch ein bisschen augenzwinkernd begegnet. Das großteils auf Tour geschriebene 8te Album brilliert mit ihrer unwiderstehlichen Kombination aus intimem Gesang und zerbrechlicher Ehrlichkeit innerhalb reduziert-atmosphärisch instrumentierter Songs zwischen Himmel und Hölle, die Marissa zunächst immer auch mit ihrer klassisch gespielten akustischen Gitarre untermalt, dazu dezente, an den richtigen Plätzen zur Ornamentierung auftauchende Zusätze von Hole- und Juliette and the Licks-Schlagzeugerin Patty Schemel, Mary Lattimore an der Harfe, Janel Leppin als Streicherin u.a. und eine klasse Produktion mit schönen Reverbs. Für die mehrstimmigen Parts holte sie sich Support von Angel Olsen, Kristin Kontrol (Dum Dum Girls) und Sharon Van Etten. Der persönlich-intime Charakter dieses Albums voller Tiefe offenbart sich schon in Songtiteln wie "All out of Catastrophes", "I can´t listen to gene Clark anymore" oder "Are you really going to move to the south". Herrlich schön

Sie gelten zurecht als Urkraft, was Livekonzerte anbelangt, ihr tightes Zusammenspiel ist berüchtigt. Mit dem neuen Album begeben sie sich wiederum in den Bann des Blues, sind um den Keyboarder und Percussionisten Jonathan Draper angewachsen. Brilliant hier wiederum der vor Hitze flimmernder Sound, der wogt wie eine Saguaro-Kaktee in der Wüste von Arizona. Verschiedene Zutaten des Retro-Rock runden das mit einem natürlichen, warmen Sound aufgenommene Album ab, das mit coolen Stop & Go´s hantiert, plötzliche Riff-Richtungswechsel vornimmt, um dann doch wieder zurückzukehren zur Ausgangsidee. Das Tempo variieren sie genauso wie den Grad der Intensität. Den Songs ist anzuhören, daß sie aus Live-Jam-Situationen heraus entstanden und gewachsen sind. Phänomenal das dynamische Spiel mit Betonungen innerhalb einzelner Riffs, was ein ums andere Mal für hypnotische Momente sorgt. Der Blues ist dabei immer der auf der Schulter der Band sitzende Geselle. Aufgenommen in einer Hütte in Kingston Springs, nur 20 Meilen außerhalb von Nashville.

Das achte Album und erste neue Material der 1995 gegründeten Band aus Omaha um Songwriter Tim Kasher seit sechs Jahren. Zum ersten Mal seit "Happy Hollow" vereinigt das neue Album Kasher, Gitarrist und Sänger Ted Stevens und Bassist Matt Maginn mit Gründungsmitglied und Schlagzeuger Clint Schnase. Dazu stoßen wieder Patrick Newbery am Keyboard (der schon seit einigen Jahren ein vollwertiges Mitglied der Band ist) und Megan Siebe am Cello. Schnase und Maginn sind in einer außergewöhnlichen Verfassung und machen mit ihren markerschütternden Bässen und Toms genau da weiter, wo sie aufgehört haben und bilden das Gerüst für Kashers und Stevens ineinandergreifende Gitarren und Newberys und Siebes cineastische Verzierungen. Das neue Album präsentiert eine klangliche Bandbreite zwischen satten, nachhallenden Melodien, hitchcockartiger Angst und explosiver Katharsis - und kein Cursive-Album wäre komplett ohne schreiende Singalong-Melodien und Texte, die nach genauer Betrachtung, zu ungewöhnliche Hymnen werden. Es gibt ein spürbares Unbehagen, das sich unter Vitriolas kochenden Requien ansammelt. Der feurige Opener "Free to Be or Not To Be You and Me" spiegelt den Kern des Albums wider: eine Suche nach Bedeutung, die immer wieder ins Leere läuft und den Willen, trotz der Angst vor einer dunklen Zukunft weiterzumachen. Das Album lenkt Frustration und Wut nicht nur auf die moderne Gesellschaft und das gesamte Universum, sondern auch auf uns selbst. Auf "Under The Rainbow" kocht Unruhe in Wut über, die die Selbstzufriedenheit der privilegierten Klassen anklagt; und "Noble Soldier / Dystopian Lament" ist ein eindringlicher Blick auf einen möglichen gesellschaftlichen Kollaps, der wenig Hoffnung bietet, aber versucht Schönheit und Schrecken auf dem Kopf einer Nadel auszubalancieren. Am Ende wirft "Vitriola" eine schonungslose Frage auf: Ist das alles? Ist einfach alles kaputt an das wir glauben und lässt uns hoffnungslos und nihilistisch zurück? Vielleicht nicht. Vielleicht gibt es noch ein wenig Zuversicht im Mitgefühl der Menschen, dass das Album zutiefst nachvollziehbar macht. Cursive liefern vielleicht nicht die Antworten, doch die Gewissheit, dass Du nich alleine in diesem Chaos bist und das spendet immerhin ein wenig Hoffnung.

Emilie Zoé hat bereits in der jüngeren Vergangenheit auf sich aufmerksam gemacht: Schon ihre erste EP "Empty" (2013) und das Debütalbum "Dead End Tape" (2016) waren voller dunkler, brüchiger, fragiler und intimer Singer/Songwriter-Miniaturen, die manchmal mit geringsten Mitteln im Kleinen große Gefühle erzeugten - und deshalb im Theater, in TV-Shows und bei Film-Soundtracks Anklang fanden.

Diesen Weg geht Zoé nun für ihr neues Album "The Very Start" weiter: Die Leadsingle "6 O'clock" setzt nur auf leise E-Gitarrenanschläge und spärliches Schlagzeug von Drummer Nicolas Pittet, während Zoé den Hörer mit ihrer warm-aufgerauten Stimme in ein stilles Liebesdrama entführt: "It's six o'clock and the sound I still hear/ Is making the present talk" heißt es zu Beginn, während der Song sich von der Strophe zum Refrain steigert und wieder zurückbewegt, bis sich am Ende eine Düsternis auf den auslaufenden Track legt: "It's six o'clock and it's the end I think/ Of when was the very start/ And soon I'll dissolve into everything/ But cosmos don't tear us apart." Dabei erinnert Zoé flüchtig an PJ Harvey - wenn auch weniger stimmlich als vom Gesamteindruck - und ähnliche Patinnen des düsteren, angefolkten Singer/Songwritertums im alternativen Rock.

Da kommt was ganz Grosses auf uns zu! Vorfreude riesig!
Mehr Infos dazu in Kürze!

Spain wurde 1993 von Josh Haden gegründet. Größere Bekanntheit erlangte die Band 1995 durch das Debüt "The Blue Moods Of Spain" und den Song "Spiritual", der von Johnny Cash auf "Unchained" neu interpretiert wurde. Kritiker beschrieben die Musik von Spain schon als "Indie Pop Slowcore Americana Free Jazz". Die Beschreibung trifft auch für "Mandala Brush", das mittlerweile siebte Studioalbum, zu. Der Nachfolger zum gefeierten "Carolina" (2016) wurde live und ohne Clicktrack in Los Angeles aufgenommen und von Kenny Lyon und Josh Haden produziert. Als Musiker treten Josh Haden (Bass, Vocals), Kenny Lyon (Gitarre), Shon Sullivan (Akustikgitarre, Keyboards) und Danny Frankel (Drums) in Erscheinung. Außerdem sind die Schwestern Petra (Violine, Backing Vocals) und Tanya Haden (Cello, Backing Vocals) sowie Mike Bolger, der schon auf Ry Cooders Album "Chavez Ravine" die Trompete spielte, mit von der Partie. Im Weiteren hören wir den Saxofonisten Matthew DeMerritt und das Dengue-Fever-Gründungsmitglied David Ralicke (Klarinette, Flöte, Posaune); dieser teilte schon mit Künstlern wie Beck, Tony Joe White und den Afghan Whigs die Bühne.

Aviary ist eine epische Reise durch das, was Julia Holter als "die Kakophonie des Verstandes in einer schmelzenden Welt" bezeichnet. Am 26. Oktober erscheint via Domino das bisher atemberaubendste und umfangreichste Album der Komponistin aus Los Angeles, vollgepackt mit verblüffenden Wendungen und schillernden Instrumentalarrangements. Die Fortsetzung ihrer von Musikkritikern gefeierten Platte Have You in My Wilderness (Rolling Stone Album des Jahres 2015) geht von einer Kurzgeschichte der Schriftstellerin Etel Adnan aus namens "I found myself in an aviary full of shrieking birds“. Was sich wie ein Horrorfilm-Szenario anhört, ist gleichzeitig auch eine ziemlich gute Metapher für das Leben im Jahr 2018, mit seinem schier endlosen Sturm von politischen Skandalen, Naturkatastrophen und Stimmen, die ihre Sehnsüchte und Ressentiments in die Leere schreien.

Aviary kombiniert Holter's raffiniert theatralischen Gesang und Blade Runner-inspirierte Synthiearbeit mit einer weiten Palette von Streichern und Percussion, die sich im Laufe von fünfzehn Songs offenbart. Executive Producer war Cole MGN, Julia Holter und Kenn Gilmore waren die Produzenten. Dazu gesellten sich Corey Fogel (Percussion), Devin Hoff (Bass), Dina Maccabee (Violine, Viola, Gesang), Sarah Belle Reid (Trompete), Andrew Tholl (Violine) und Tashi Wada (Synth, Dudelsack).

Auf ihrem dritten Longplayer «Mad Woman» ernten Katerina Stoykova und Angelo Repetto die Früchte ihrer Beharrlichkeit. Während eines monatelang andauernden Rückzugs ins Studio, welcher sich als Wolfman’s bislang intensivste Schaffensphase entpuppte, hat sich das Duo einer notwendigen Auseinandersetzung gestellt: Wie können zwei Menschen in kompletter Isolation gemeinsam der Essenz ihres musikalischen Wirkens auf den Grund kommen? Die Antwort fanden Wolfman in ihrer eigenen Utopie, in welcher dank der Chromosomen M und W (Mad Woman, WolfMan) die Chance auf eine komplett durchlässige Gesellschaft besteht.

Nach einjähriger Pause melden sich BUBI EIFACH mit neuer Single „TANZMARIE“ zurück! Das
Konzept bleibt das Gleiche. Und doch klingt vieles anders...
Immer noch roh, ungekünstelt und live eingespielt - immer noch eigensinnig, mitten ins Gesicht
und ohne Rücksicht auf den Zeitgeist.
„Päch isch schwarz u Glück isch schwär...“
Goldmarie ist alt geworden, Pechmarie gestorben. Frau Holle ist Alice im Wunderland und
Zauberland ist abgebrannt - so tönt TANZMARIE, die erste Single aus dem am 26.10.18
erscheinenden neuen Album von BUBI EIFACH.

Erstes Album seit sechs Jahren. Nach den Veröffentlichungen von "Lovetune For Vacuum" in 2009 und "Narrow" in 2012 war Anja Plaschg nicht zuletzt mit der Geburt ihrer Tochter, als auch mit vielen anderen kreativen Prozessen, wie dem Komponieren für Theater- und Filmproduktionen, sowie der Filmschauspielerei beschäftigt. Das 3te Album bewegt sich musikalisch wie textlich in einer ähnlichen Welt wie die früheren Arbeiten, wenn auch vielleicht die Sichtweise eine etwas erwachsenere ist, als die rohen, wütenden beiden Vorgängeralben. Es spiegelt aber immer noch den Kampf nach Sinn, Antworten und einem Ort zum Überleben wider. Die 12 Songs umfassen eine große musikalische Bandbreite aus stiller Elektronik, militärisch anmutenden Trommelwirbeln, Choral-Stimmung und erdig-ätherischer Grandezza, und einer imposanten, dynamischen Schönheit. Fast vollständig in ihrer Wohnung in einer ruhigen, grünen Ecke Wiens aufgenommen, ist "From Gas to Solid…" nicht nur selbst produziert, sondern auch selbst inszeniert, wie die Künstlerin erklärt: "Ich sammle seit über 10 Jahren akustische Aufnahmen verschiedener Instrumente und Klänge. Fast alles was hörbar ist basiert auf Samples. Selbst wenn Musiker involviert sind, sample ich einzelne Töne und Schläge und arrangiere sie so neu. Die Arbeitsweise gleicht eher dem Prozess des Malens auf einem offenen Raster am Bildschirm. Ich kann so aus meinen technischen Fähigkeiten hinaustreten und mich allein darauf fokussieren was ich höre. Das gibt mir mehr Freiheit.

Grande! Endlich! Die Bieler Band Puts Marie veröffentlicht am 28.9. ihr neues Studioalbum, auf das man sich seit Jahren freut! Weitere Infos dazu folgen in Kürze!

Nur anderthalb Jahre nach ihrem vierten Album werden Cloud Nothings im Oktober ihr fünftes veröffentlichen. "Last Building Burning" soll widerspenstiger werden als sein Vorgänger - die Single "The Echo Of The World" dient als erster Indikator.
"Indie-Kids, Powerpopper, Jeansjackenpunks und Noise-Querköpfe gleichermaßen" würden bei Cloud Nothings aufhorchen. Vor allem die ersten beiden Blöcke seien angetan vom Sound der Platte, die Noise-Attacken vorerst beiseite schob für saubere Melodien.

Die neue Single "The Echo Of The World" ist dagegen wieder ruppiger geworden. Gleichzeitig mit der Veröffentlichung der spannend strukturierten Gitarren-Exkursion kündigte die Band um Dylan Baldi ihr fünftes Album "Last Building Burning" für den 19. Oktober an. Erscheinen wird es wie "Life Without Sound" auf dem Label Carpark, das uns vergangene Woche erst das bemerkenswerte Beths-Debütalbum "Future Me Hates Me" schenkte.

Vinyl-Release am 12.10.2018!

Die Story zum neuen Cypress Hill-Album ELEPHANTS ON ACID begann mit einem irren Traum von DJ Muggs. In diesem lief er, aus dem Tiefschlaf gerissen, einem Mann mit einem Elefantenkopf nach. Als sie zur Haustüre hinausgingen, tauchte mitten auf der Straße plötzlich eine Tür auf. Durch diese Tür gelangten sie direkt in eine Wüste. Muggs folgte weiter dem Elefantenmann und Raum und Zeit begannen allmählich zu verschwimmen alles schien wie in Salvador Dalis Gemälde in der Wüste zu schmelzen. Dieser Szenerie entfachte ein Feuer und eine Horde Elefanten rannte auf ihn zu. Der mystische Elefantenmann öffnete abermals eine Türe: Herzlich Willkommen im Cypress Hill-Wunderland ELEPHANTS ON ACID !
Mit diesem Traum im Hinterkopf baute DJ Muggs zusammen mit den Rappern B-Real und Sen Dog einen Klangkosmos, der die HipHop-Legende 27 Jahre nach ihrem Debüt noch einmal in eine komplett andere Welt katapultiert. ELEPHANTS ON ACID ist ein psychedelischer Trip. Eine Platte, die einerseits alle Trademarks der Band bietet: die dunklen Beats, die schrägen Effekte, die unverkennbare hohe Rap-Stimme von B-Real, den bassigen Gegenpart von Sen Dog. Doch geht ELEPHANTS ON ACID weiter: Es gibt Momente, da denkt man an Pink Floyd und die Doors, an Jazz-Avantgarde und dunkelsten TripHop.
Das Album ist beides, eine Rückkehr zur alten Stärke und ein Ausbruch in eine komplett neue Welt , urteilt B-Real. Alte Fans von Cypress Hill werden sich an der ersten Single Band Of Gypsies berauschen, ein Hit mit Ägyptischen Sängern, zur indischen Sitar und zu Tabla-Beats. Absolut partytauglich ist auch Oh Na Na , das den typischen Cypress Hill-Stil mit dem Sound aus Filmen von Quentin Tarantino verbindet. Für den Refrain ist die Sängerin Brevi verantwortlich, mit der DJ Muggs auch bei seinem TripHop-Projekt Cross My Heart Hope To Die zusammenarbeitet. Brevi ist mit ihrer großartigen Soul-Stimme auch bei den zwei Hits Crazy und Reefer Man zu hören. Im letzten Drittel des Albums ziehen Cypress Hill ihre Hörer in eine verwunschene Parallelwelt und so endet das Album mit dem mysteriösen TripHipHop-Track Stairway To Heaven es ist das erstaunliche Schlusskapitel einer Platte, die dem Rap-Genre die Magie und den Rausch zurückgibt: ELEPHANTS ON ACID ist ein psychedelisches HipHop-Meisterwerk.

"Dose Your Dreams", Fucked Ups fünftes Studioalbum ist eine ausufernde Odyssee, die sich mit dem Titelhelden des 2011er Hits "David Comes To Life" beschäftigt und ihn auf eine Reise im Stile einer Weihnachtsgeschichte durch die Schattenseiten der Realität begleitet. Durch 18 Lieder (die die 18 Kapitel von James Joyces ,Ulysses" widerspiegeln) wird der Hörer vom Bürogebäude in die Mülltonne auf dem Hinterhof, von den eisernen Hallen der Industrie und geschönten Bildern der sozialen Medien, durch Halluzinationen und krasse Erkenntnisse zur Wahrheit und Versöhnung geführt. Geschrieben über eineinhalb Jahre im Studio von Mike Haliechuk und Jonah Falco, enthält das Album auch Gastgesang von Lido Pimienta, Miya Folick (Tinder), Mary Margaret Ohara, J Mascis (Dinosaur Jr), Ryan Tong (Shit), Jennifer Castle, üppige Streicher-Arrangements von Owen Pallett und Produktionen von Shane Stoneback, Orphyx, Matt Tavares von Badbadnotgood und Graham Walsh von Holy Fuck. Owen Pallett über das Album: "I was sent an unfinished version of "Dose Your Dreams" so that I might contribute string parts. I couldn´t stop listening to the rough mixes I received. A friend asked me how the record was. I replied, "My God, Fucked Up have made their "Screamadelica."" Und Psych-Rock-Groove ist es. Die Trommeln sind breit gemischt, dazu Neigungen zu Drone, zum Delay-Pedal, zur Wiederholung, zum Groove. Die Politik und Ästhetik des Hardcore ist mit einem " offenen Format" des Genres verbunden. Elemente aus Doo-Wop, Krautrock, Groove, Digital Hardcore tun ihr Übriges

Das neunte, selbst geschrieben und produzierte Album vereint Steves meist geschätzten Zutaten für eine strahlende neue Platte, gewürzt mit der guten alten Seasick-Mischung aus Boogie, Blues, Rock, Americana und Folk-Musik. Der größte Teil wurde dabei in einem umgebauten Kühlhaus am Dock von Key West, Florida aufgenommen. Dabei war natürlich auch Steves Langzeitschlagzeuger Dan Magnusson, besser bekannt als Crazy Dan, mit von der Partie, ebenso wie der Gitarrist Luther Dickinson (North Mississippi Allstars), der die Band bei der bevorstehenden Tour unterstützen wird

Nach der zurückgenommenen, intimen Atmosphäre des Vorgängers Darling Arythmetic (2015), verfolgt das neue Album The Art Of Pretending To Swim ein vielschichtigeres, facettenreicheres Konzept, wie man es schon von O'Briens Debütalbum Becoming A Jackal (2010) und dessen Nachfolger {Awayland} (2013) kennt. Eine gute Prise Soul, ein intelligenter Rhythmus und ein umwerfendes Spektrum akustischer Details, analog wie digital, erzeugen eine hoch emotionale Stimmung mit überaus eingängigen Melodien. Fein austariert, mit raffinierten Perspektiven und Songtexten, die die existentiellen Ängste und Hoffnungen in einem eher hoffnungslosen, dystopischen, von Technik bestimmten Zeitalter umarmen, ist The Art Of Pretending To Swim das bislang wohl am opulentesten ausgestattete Album von Villagers. Das Album wurde von Conor O' Brien in seinem Studio in Dublin geschrieben, produziert, gemischt und zu ganz großen Teilen auch eingespielt.

The Holy veröffentlichen eine weitere Single aus ihrem kommenden Album Daughter, das am 21.09 erscheinen wird. Mit Fanfare III begibt sich die Band in Mad Max Gefilde und erklärt warum klassische Werke von Philosoph John Stuart Mill, die Arbeiten von Max Richter mit in den Song einflossen.

Es ist soweit, die legendäre Instrumental-Postrock-Truppe aus Zofingen, Leech, hat ihr neustes und fünftes Album am Start. Und mit “For Better Or For Worse” gibt es nicht nur Musik, die sich im druckvollen Post-Rock bewegt, sondern auch einige klangliche Veränderungen.

Fenster zu hören, ist wie durch ein miniatureskes Kaleidoskop zu schauen. Ihr 4. Album bietet retroeske Future-Sounds aus den bunten, weichen Trümmern von Pop-Utopien. Das multikulturelle Quartett schrieb als letzten Release einen selbstkonzipierten Sci-Fi-Film und den dazugehörigen Score. Wie in einer Parallelwelt der verhuschten, grazilen Psychedelik erschaffen die Vier auch hier einen komplex-kleinteiligen Bausatz für den schwerelosen Sommer: zum Treiben im Pool der gedämpften Halluzinogene. Egal, ob auch mal ein leicht krautiger Rhythmus pluckert, ein diskoider Tempobeschleuniger angespielt wird: die traumhafte Langsamkeit in Musik und Gesang ist Gebot. Ihr Spiel mit Hall, Unwirklichkeit, Gimmicks und Analogika wird wie ein entschleunigendes Fühlkino in 10 vibrierenden, anspruchsvollen Artpop-Songs umgesetzt und ähnelt den surrealen Dreampop-Psalmen von Air, Broadcast oder Lali Puna

3tes Album des neben Geoff Barrow (auch Portishead) auch aus Robert Plant-Bassist Billy Fuller und Will Young bestehenden Trios. Der Vorabtrack "Brean Down" greift einen nicht nur mit einem ungewöhnlichen Reverb auf den motorischen Drums von Barrow beim Schopf, sondern enthält auch Gesang und prägnante Gitarren, dafür rückt die Orgel in den Hintergrund. Das Label beschreibt den Song als "as though Nirvana are gatecrashing a Bronx B-Boy convention

Sein Debüt-Album «Gone» im 2015 lancierte seine Karriere und brachte ihm Auftritte in der ganzen Schweiz ein – nicht zuletzt dank seiner rauen Stimme, in der Blues, Rock und Pop verschmelzen. Im Zuge seiner zahlreichen Erfahrungen auf Tour und der engen Zusammenarbeit mit seiner Band entstand sein neues Album «Murder», mit dem er eine weitere Seite von sich offenbart.

Auf dem zweiten Album befinden sich Tom Howie und Jimmy Vallance mit den ineinandergreifenden Gitarren-Licks innerhalb eines dem Dancefloor stets treuen Ambiente an den Schnittstellen zwischen Club-Musik-Eleganz mit auch mal angehoustem Beat, bisweilen rockiger Breitbeinigkeit mit entsprechenden Gitarren und auch hymnischer Pop-Orientierung bei den Refrains. Abwechslungsreiches Album, das mit unterschiedlichen Stimmungen umzugehen weiß. Von Bob Moses in Los Angeles geschrieben und aufgenommen und von Lars Stalfors (HEALTH, Local Natives, Cold War Kids) koproduziert.

Ein Album wie ein dunkler Strauß Blumen. Die eigenwillige Songwriterin Katherine Paul mit indigenen Wurzeln aus Chinook Land bei Portland transzendiert schmerzvoll aufgeladene Folk-Traditionen in rohe, pure und intensive Modernismen zwischen Drone mit überraschenden Feedbackausbrüchen und schwermütigen Bandbegleitungen hin zu kargen Indie-Schönheiten. Gewohnheitsgemäss instrumentiert sie ihre Songs selbst mit Gitarren, Bass, Drums, Klavier/Keyboards oder Vibraphon und spielt sie in einer abgelegen Hütte am Ufer eines Sees ein. Ein Ambiente, das in der Musik als atmosphärisches Moment immer enthalten ist. Sie legt ein elektrifiziertes Gitarrenspiel wie rostige Saiten über jeden Track, das Schlagzeug pocht, ihre glockenhelle, klare Stimme bildet den bewussten Kontrast zu den blutenden Lyrics. Agiert sie akustisch, erinnern die Balladen an die karge Erhebung einer Mirel Wagner, doch hörbaren Einfluss hat defintiv die traurige Songkunst der frühen Cat Power für ihr autodidaktisch erlerntes Songwriting gehabt. Unfassbar traurig, unfassbar intensiv. Auch bei Emma Ruth Rundle und Waxahatchee.

Es braucht nur wenige Takte um in dem neuen, bereits 4. Album von Emma Ruth Rundle anzukommen: mit nur wenigen Tönen und nur wenigen Vokalen ihrer Gänsehaut-erzeugenden Stimme wird man in diese geheimnisumwitterte, dräuende, dramatische Spannungsbögen evozierende Intensitätsmusik hineingesaugt. Über ihre Musik sagt die überaus produktive Gitarristin und "Chanteuse extraordinaire" (Red Sparrowes, Marriages) selbst: "Ich bin ein Mensch, der Lärm macht. Manchmal ist es Folk, manchmal nicht." Eine Beschreibung, die auf diesem dichten Songzyklus zu einer neuen, sublim dunklen, aber nicht mehr so kargen Blüte reift. Die 8 epischen, variantenreichen Tracks wurden mit einer vollwertigen Band eingespielt, was das Spiel mit Dynamik, Direktheit und neuer Ausdrucksweise auf ein neues Level zieht und das für sie typische Wechselbad aus Folk, Ambient und Postrock epischer und entrückter aufzieht. Ihr hallgetränktes Gitarrenspiel ist der Fixpunkt, doch insgesamt rückt der ganze Sound in die Qualität eines "gewaltigen Shoegaze-Folkrock", mit ganze Bergmassive-versetzender Stop and Go-Wechselspiel und Laut und Leise-Wellentälern von Sound. Obertonreiche Drones, melodisch-rohe E-Gitarren, akzentuierende Drumfills, ein kristallklarer Bass sind an Postrock geschult und doch weitergedacht in der Schnittmenge von Mazzy Star, früher PJ Harvey, Esben and the Witch und Labelkollegin Chelsea Wolfe

13tes Soloalbum der Desert-Legende! Etwas grau ist er geworden, der König des staubtrockenen Minimalrocks, sein musikalisches Schaffen hingegen tönt zeitlos wie eh und je. Die Heavyness der letzten Alben ist wieder einer smoothen Lässigkeit gewichen, die an frühere Werke erinnert. Könnte vielleicht daran liegen, dass BB diesmal alle Songs mit Low Desert Punk Gitarrist Bubba Dupree zusammengeschrieben hat und die beiden ebenso alle Instrumente selbst aufgenommen haben; mit Ausnahme einiger Gastauftritte von Nick Olivieri, dem Bassisten Armand Secco Sabal und dem Sänger Sean Wheeler (aus der Low Desert Punk Live-Besetzung). Es ist offenkundig, dass BB und Bubba Meister des Sounds und Feelings der Musik der 60er- und 70er-Jahre sind - eine Zeit in der Jazz, Blues und Funk das Fundament großartiger Rockmusik waren - und diese Platte ist zweifelsohne ein Zeugnis dieser großen Ära. BBs Lyrics gehen auf diesem Album tiefer als jemals zuvor. Er beschäftigt sich mit persönlichen Gefühlen, Rassismus, Sexismus und dem täglichen Kampf auf der Suche nach Frieden, Liebe und Verständnis.

Die New Yorker Gitarristenlegende legt ein Album vor, das dem aufgehitzten Zeitgeist in Form von politischen Songs Rechnung trägt; seien es alte Partisanenlieder des antifaschistischen Italien, US-amerikanische Bürgerrechtssongs oder mexikanische Protestpamphlete; Ribot wählte die Songs nach ihrer Emotionalität, Botschaft oder Bedeutung aus und verpflichtete eine illustre Schar von Gastvokalisten für jeden dieser originalen, von Ribot für das Jahr 2018 arrangierten Tracks. Mitwirkende sind Tom Waits, Steve Earle, Meshell Ndegeocello, Justin Vivian Bond, Fay Victor oder Sam Amidon

Mit dem Signatur-Sound ihres tollen Debutalbum landeten die beiden Buddies J und T aus dem Londoner Stadtteil Sheperd´s Bush einen Überraschungserfolg. Nachdem J der Liebe wegen länger in L.A. lebte, was auch Spuren in den Texten hinterliess ("House in L.A."), nahmen sie das 2te Album dann doch in gewohnter Umgebung zusammen mit dem Michael Kiwanuka-Produzenten Inflo auf. Der stilprägende gemeinsame hohe Gesang der beiden bestimmt auch den Look des wiederum herrlich sommerlichen 2ten Albums, das auch mit funkigen Basslinien und töften Beats zwischen Hiphop, House und Slowbeat flirtet und elektronische oder Orchester-Sounds und Samples als Ornamentierungen verwendet. Der ideale Sound für eine unter der Hitze ächzenden Sttadt, eine die Seele in beste Stimmug versetzende lässige Abkühlung für die Seele mit einer unverkennbaren Handschrift.

Das nordenglische Kollektiv beherrscht die nachdenklichen Longtracks wie kaum eine andere Band; etwas, was sie sich für ihren kathartischen Artrock zwischen Progfolk, Freakstoner oder Psychdoom bewusst von Pink Floyd abgeschaut hat, denen sie mit den beiden letzten Releases einen respektvolen Tribut zollten. Ihr 7.Album besinnt sich in 11 Tracks -wobei das Titelstück in 2 Longtracks unterteilt ist- auf ihr typisches Spiel mit umwerfender Dynamik und in Moll-getünchter Postrock-Finesse. "Deeper and darker than ever before" meint Justin Greaves und man kann es tatsächlich nachvollziehen: in dem 9 minütigen Drama von "To You I Give", beim heavy Workout "von Madman" oder beim vor Intensität berstenden "Slow Motion Breakdown". Titel wie "Rain Black, Reign Heavy" oder "Las Diabolicas" sind eindeutig. CBP beherrschen das Spiel mit den Extremen auf ihrem härtesten Album so far auf unverwechselbare Weise.

Das in ihrer nicht kurzen und auch an Experimenten nicht armen Karriere wohl aus dem Rahmen fallendste Album. Low erfinden sich neu hier. Der als Produzent und Musiker neuen Sounds und Ästhetiken ggü. immer aufgeschlossene Alan Sparhawk & Co engagierten den abenteuerlustigen B.J. Burton (James Blake, Sylvain Esso, Tallest man on Earth). Sie nahmen in Bon Iver´s Studio ein Album auf, das den Sound von Low bis an die Grenzen treibt und in seinem Klang seiner Zeit voraus ist. Low experimentieren mit Drones und Samples, Effekten und Sounds, geben dem Studio seinen Freiraum, denken ihre Strukturen anders, arrangieren typische Low-Melodik und -Parts in eine neue, düster brandende, brennende oder schimmernde Umgebung, in der Knarz-Sounds und tiefe Basschläge, Distortion-Unschärfen und wabernde Ambient-Sounds genauso vorhanden sind wie engelsgleiche Akustik-Weichheit in kathedraler Sphärik, die oft wie in einen Tauchsieder gehalten klingt. Ein Album, das auf unfassbare Weise von seinen ästhetischen Kontrasten lebt und aus dem Spiel der Gegensätze einzigartiges Songwriting schafft. Vom Innovationsgrad her auf derselben Stufe wie das Bon Iver-Album „22, a Million“, nicht nur, weil Autotune dekonstruiert wird

Baze «Gott» Ein Schelm, wer Böses denkt. Ein Schelm, wer an Blasphemie denkt. Andächtig, mit der ihn so aus- und bezeichnenden, wortgewandten Detailverliebtheit setzt sich Baze auf seinem neuen Album mit dem Zentrum unserer Welt auseinander: Den Menschen, und deren Gedanken- und Gefühlswelten. Ein Schelm, wer an Wiederholung denkt. Musikalisch erfindet sich der Berner einmal mehr neu. Zwischen sphärischen Klangwelten thematisiert Baze die ureigenen, uns nächsten Emotionen Sehnsucht, Liebe und Verzweiflung. Getragen von einem feingewobenen, digitalen Soundteppich erzählt er von stillem Glück, schmerzlichen Trennungen und der Familie. Auf unaufdringliche Art und Weise bildet Baze unverkennbare Stimme den Mittelpunkt. Umspielt von gekonnt gesetzten, instrumentalen Farbtupfern sinniert er teils federleicht, teils beklemmend nachdenklich über den Alltag. In zehn Musikstücken fängt Baze mit der ihm eigenen Prägnanz und seinem lyrischen Charme die Gratwanderung zwischen Fortschritt und Stillstand, den Widerspruch der kleinen Schweiz in der grossen weiten Welt ein. Ein Schelm, wer nicht trotzdem an Grosses denkt.

Neues Album der Anfang der 90er gegründeten "Lords Of Groove" aus Maryland, die es wie nur wenige verstehen mit ihrer eigentlich recht konservativen Mischung aus Classic-Rock, Heavy-Blues, Stoner und Groove-Rock Fans verschiedener Genres zu vereinigen. Die Band um Frontmann Neil Fallon war diesmal nur drei Wochen (für Bandverhältnisse kurz) im Studio um 15 furztrockene Tracks im (fast) gewohnten Sound einzuspielen. Andererseits fügen sie ihrem diesmal besonders dicken Teppich dank Starproduzent Vance Powell (White Stripes, Arctic Monkeys) dezent Einflüsse von Country über Swing bei. "Hot Bottom Feeder" ist der Hit des Albums, der Rest knallt aber ebenso gewaltig!

Neues Album der 1998 in Kalifornien gegründeten Post-Hardcore Band! "Palms" ist die erste Epitaph-Veröffentlichung für Thrice, die weithin als eine der innovativsten Rockbands ihrer Generation gilt. Das Album umfasst alles von gefühlvollem Post-Hardcore bis hin zu piano-driven Balladen. Um diesen eklektischen Sound auszuarbeiten, engagierte die Band den vertrauten Produzenten Eric Palmquist für die Aufnahme der Percussion- und Vocal-Tracks und produzierte alle Gitarrenparts auf "Palms" selbst. Sicherlich das bisher klanglich umfangreichste Album in der 20-jährigen Geschichte der Band, welches durch seine rohe Leidenschaft vollends zu überzeugen weiß!

Der Geruch und Geschmack Asiens zieht sich durch das 2te Album des britischen Duos aus Hertfordshire bei London. Chris Davids und Liam Ivory arbeiteten nicht nur mit Khruangbin bei dem mitreissenden, stilistischen Stil-freidenkersong "Feel Good" mit nervös-überpitchter Sample-Gesangsline und asiatischer Gitarre und afrikanischer Percussion zusammen, sondern kamen der Faszination für exotisch wirkende fernöstliche Harmonien z.B. bei "Glasshouses" nach. Elektronische Grundierungen mit dezent plazierten Synthiesounds, ungewöhnlich eingesetzte Samples von Orchesterinstrumenten und hoher, eher zurückhaltend eingesetzter Gesang (auch 2mal mit Dream-Pop-Appeal dank Holly Walker), aber auch wundervoll perlende Gitarrenläufe (z.B. "Vale") sind Teile ihres Universums hier.

Neues Album des aus Kanada stammenden und in Europa lebenden Pianist und zur Selbstdarstellung neigenden Entertainers. "Gonzo" nähert sich dem Klavier auf der Basis einer klassischen und jazzmusikalischen Ausbildung - aber mit der Haltung eines Rappers. Wie die beiden vorangegangenen "Solo Piano"-Alben findet auch die dritte Folge ein glückliches Ende in C-Dur, doch auf dem Weg dorthin finden sich mehr Dissonanzen, Spannungen und Unklarheiten als früher. Denn "Gonzo" bügelt auch falsch wirkende Noten nicht mehr glatt. Dadurch erhalten seine geheimnisvollen Akkorde und seltsamen Strukturen einen solchen Suchtfaktor, dass sie schließlich wie unvermeidlich klingen.

Auf seine alten Tage gelingt der legendären eigensinnigen Soul-Legende tatsächlich eine weitere radikale Neuerfindung. Der die gegenwärtige Musik so massiv mit bestimmende Autotune-Effekt wird zum das neue Album wesentlich bestimmenden Stilmittel seines Gesangs und in unterschiedlich gewichteten Songs zwischen Vintage-Soul, P-Funk, Southern Soul und verspultem old-school-elektronisch grundierten Art-Pop-Disco-Sound gnadenlos und grandios eingesetzt, natürlich auch bei "I´ll pretend" mit dem in dieser Hinsicht auch schon gebrannten Justin Vernon (Bon Iver). Das Album unterstreicht den subversiven Status des seit über 50 Jahren als Anti-Held und bizarrer Provokateur agierenden Musikers außerhalb von Genre und Konvention, der schon einmal 1970 die Gesetze der kommerziellen R&B-Musik dekonstruierte, als er selbst vom Southern-Souler Jerry Williams Jr. zum Enfant Terrible Swamp Dogg mutierte

Das achte Album fand keinen einfachen Weg ans Licht. So spricht Jason Pierce aka J. Spaceman, der das Album im Alleingang in London schrieb und aufnahm, von einem mitunter frustrierenden, beinahe schmerzhaften Prozess, der vor allem von den reduzierten Aufnahmebedingungen am Laptop herrührte. Pierce, der die Arbeit im Studio zu früheren Alben als feste Instanz empfand, musste für das album alle Tricks und Kniffe der digitalen Aufnahmetechnologie von der Pike auf erlernen. Dem Perfektionismus von Pierce ist es zu verdanken, dass 6 Jahre nach seinem letzten Werk neun persönliche, hypnotische und geradezu spirituelle Songs entstanden, die vorangegangenen Veröffentlichungen in nichts nachstehen und den grenzenlosen, musikalischen Kosmos widerspiegeln, den Spiritualized seit jeher verkörpert

Vinyl-Release am 16. November 2018

Everlast’s neuestes Album, “Whitey Ford’s House Of Pain”, ist sein siebter Solo-Output und die erste LP seit “Songs Of The Ungrateful Living” in 2011 (“The Life Acoustic” aus 2013 enthielt neu aufgenommene Stücke mit Gitarre, welche bereits vorher veröffentlicht waren). Die 12 neuen Tracks zeigen all diese vielseitigen stilistischen Seiten aus Everlast’s nun fast 30-jähriger Karriere

Neues, 6tes Album der jetzt in Berlin lebenden Bernerin, die dort analoge Synthesizer und elektronische Musik für sich entdeckte und klassische Instrumentierung gegen Drum-Computer und Software tauschte und sich entschloss, ein komplett englischsprachiges Album aufzunehmen statt wie bisher Englisch, Französisch, Deutsch und Schweizerdeutsch zu mischen. Auf „Molecules“ richtet sie ihren Blick außerdem viel stärker nach innen. Das liegt daran, dass sie beim Schreiben „isoliert und labil“ war, sagt sie. Sie schrieb und programmierte die Lieder über einen Sommer in ihrem Home Studio, bevor sie es gemeinsam mit Dan Carey im Herbst 2017 in London aufnahm. Dabei blieben die beiden unter sich. Das heißt aber nicht, dass sie dabei die Augen vor der Welt verschlossen hätte; im Gegenteil.

Neues Album der Punks aus Bristol. "UK's best punk band" nennt sie der britische "Guardian". Ihr letztjähriges Debüt “Brutalism” eroberte ihr Publikum mit rauer Wut und Ehrlichkeit im Sturm. Die schiere Energie ihres Klangs gepaart mit einer rücksichtslosen Betrachtung des Lebens ließ auch die Musik-Kritik jubeln: "A rare rock record with the rage, urgency, wit and shattering of complacency“ (Uncut Magazine). Ihr neues Album legt an Dringlichkeit noch zu. It’s a statement! Beziehungsweise eine "Parade", ganz so wie Idles erklären: "It’s the parade of being carried through the grim dark. It’s a parade of laughing at yourself. It is love. It is loving yourself. It is a parade without fluff but with a tonne of glitter and violence. It is a parade of what I truly miss and what I truly have. It is a parade of the second album. It is us cutting it’s fucking head off".Diese Ideen lösen sie ein. Durchqueren dabei so lange Genres wie Punk, Post-Rock und Post-Punk bis diese zu ihren Konditionen umgedeutet werden. Das Album wurde von Space produziert und von Adam Greenspan & Nick Launay (Arcade Fire, Yeah Yeah Yeahs, Kate Bush) abgemischt.

Sie ist vielleicht die Zukunft einer vom Untergang bedrohten Welt, deren Ikonen PJ Harvey oder Nick Cave heißen. 5 Jahre nach ihrem 2ten Album zieht Anna alle Register ihres stimmlichen und kompositorischen Könnens auf einem Album, das mit enormer Spannungsgeladenheit und der düsteren Seite der Seele zugewandtem Songwriting keine Wünsche offen läßt. Eine cineastische Ader, die bisweilen auch den Einsatz eines Orchesters beinhaltet (z.B. "Swimming Pool"), kommt dabei genauso zum Zuge wie dynamische, energetisch Songs mit bebendem Stimmeinsatz quer durch die Oktaven. Es gibt aber nicht nur keine grenzen für ihre Stimme, auch ihr Gitarrenspiel ist vom Feinsten auf einem intuitiven Album, das sich in vielen Songtexten mit Geschlechter- und Körperidentität beschäftigt und Gesetze gängiger Geschlechterkonformität bricht. Eines der emotionalsten, besten Alben dieses Jahres, mit hunderrtprozentiger Gänsehautgarantie! Produziert von Nick Launay (Nick Cave, Grinderman) in den Londoner Konk Studios und in L.A.. Eingespielt mit Anna´s Band – Mally Harpaz hat wieder verschiedene Parts beigesteuert, Alex Thomas am Schlagzeug, Adrian Utley von Portishead am Keyboard und Martyn Casey von The Bad Seeds am Bass.

Weirdfolkiges Album über Erinnerungen, produziert von Mike Mogis (Bright Eyes, Rilo Kiley).Saintseneca ist eine US-amerikanische Folk-Rock-Gruppe aus Columbus, Ohio. Sie wurde 2007 vom Singer/Songwriter Zac Little gegründet, als dieser noch ein Teenager war. Little beherrscht eine Menge Instrumente wie Banjo, Balalaika oder Mandoline. Doch auch die anderen Bandmitglieder sind wahre Multiinstrumentalisten, was für einen wunderbar vielfältigen Sound sorgt. "Pillar Of Na" ist nach "Such Things" das vierte Album von Saintseneca

Sehr sehr lange mussten sich die Fans der australischen Multi-Instrumentalistin und Überfliegerin Tash Sultana gedulden. Doch nun gibt es endlich Details für ihr mit großer Spannung erwartetes Debüt: am 31.08. erscheint „Flow State“ weltweit und dürfte dafür sorgen, dass der sowieso schon gigantische Rummel um Tash Sultana endgültig losbrechen wird.

Während Tash Sultana gerade auf Tour in Nordamerika ist, feierte gestern Nacht beim australischen Sender triple j ihre neue Single „Salvation“ ihre Premiere und steht ab sofort in allen gängigen Portalen zum Stream und Download bereit.

Über „Salvation“ sagt die Künstlerin: “Ich habe diesen Song geschrieben, als ich erkannte, dass ich besser sein kann als die Dinge, die ich in meiner Vergangenheit getan habe und die ich bereue. Dass ich meine eigene Geschichte schreibe und immer weiter reifen und mich zu einem besseren Menschen weiterentwickeln kann und dass ich bessere Entscheidungen treffen kann und es okay ist, sich einzugestehen, dass man von Zeit zu Zeit auch etwas total versauen kann.“
Alle Songs auf „Flow State“ wurden von Tash Sultana selbst produziert, geschrieben, eingespielt und arrangiert. Jedes einzelne der 15 Instrumente, die auf dem Album zu hören sind, spielt sie selbst – darunter Saxophon, Panflöte, Konzertflügel und Gitarre, um nur einige zu nennen. An der Produktion wirkten unter anderem Nikita Miltiadou als Toningenieur, Dann Hume als Mischer und Andrei Eremin als Audiomaster mit.

Iron & Wine liefern nach ihrem 2018 für den Grammy nominierten Album "Beast Epic" die Songkollektion "Weed Garden", an der sie vor drei Jahren zu arbeiten begannen. Die 6-Track-EP enthält Songs, die Teil der Songwritingphase von ,Beast Epic" waren, doch unabgeschlossen blieben. Für den Hauptsongwriter Sam Beam waren sie Teil eines längeren Narrativs, für welches ihm jedoch die Zeit fehlte, es rechtzeitig für ,Beast Epic" zu verdichten. ,Weed Garden" enthält außerdem den von Fans geschätzten Song ,Waves of Galveston". Während einer längeren Tour im letzten Herbst nahmen die letzten Teile des Materials Gestalt an und ein Gefühl von Dringlichkeit stellte sich ein, diese Gebilde abzuschließen. Sie aufzulösen. Sie zu komplettieren. Im Januar setzte sich Beam mit seiner Band im The Loft-Studio in Chicago hin, um diese sechs Songs festzuhalten. Nicht mehr, nicht weniger. "Weed Garden" reiht sich in bester Gesellschaft mit den vorangegangenen IRON & WINE EPs - ,The Sea and Rhythm", "Woman King", ,In the Reins" - ein und das ist in der aktuellen Welt der kurzen Aufmerksamkeitsspanne vielleicht gar keine schlechte Sache.

Auch als Tape erhältlich!

Man hat ja schon fast nicht mehr daran geglaubt. Zugegeben: die Idee für ein gemeinsames Album von Casper und Marteria stand schon etwas länger im Raum. Nach gemeinsamen Songs auf Samplern und Soloalben wurde daraus erst ein Aprilscherz der Rap-Journaille, dann eine Art Treppenwitz innerhalb der Szene und schließlich gar nichts mehr - bis jetzt. Denn neun Jahre nach ihrem ersten gemeinsamen Song "Rock’n’Roll“ kommt nun endlich das langerwartete Kollabo-Album . Es ist die logische Konsequenz zwei der ruhmreichsten Rap-Karrieren dieses Landes. Spätestens mit ihren beiden letzten Soloalben „Lang Lebe Der Tod“ und „Roswell“ haben sich Casper und Marteria im letzten Jahr endgültig einen unantastbaren Status als zwei der größten und erfolgreichsten Rapper dieses Landes erkämpft und sind gleichzeitig doch so frisch im Geschäft, dass das album nicht wie eine als nostalgisches Noch-mal-wissen-wollen getarnte Verzweiflungstat daherkommt. Schon die erste Single "Champion Sound" ist Einlaufmusik par excellence: Ein Big-Band-Bläsersound mit lockerem Basslauf, der auch von Just Blaze stammen könnte und einem Jay Z gut gestanden hätte und den beiden die perfekte Grundlage liefert, um nach allen Regeln der Kunst zu Braggen und zu Boasten. Nicht durch uninspiriertes Aufzählen von Designern und Automarken, sondern mit sympathischen Querverweisen auf geschichtsträchtigen Sportgrößen von Wayne Gretzky bis Walter Frosch. So geht Superbowl-Halbzeit-Show bei den Herren Griffey und Laciny. Entstanden ist das Album in wenigen Sessions im Berliner Umland, an der Ostseeküste und in Osnabrück. "Wir sind im gleichen Jahr geboren, wir sind ungefähr zeitgleich durch die Decke gegangen, haben ungefähr gleichzeitig geheiratet und auch sonst geographisch sehr ähnliche Werdegänge gehabt. Obwohl wir diese Ost-West-Trennung und dadurch unterschiedliche Sozialisationen hatten, haben wir vieles gleich erlebt. Wir haben eine sehr ähnlich starke Verbindung zu unseren kleinen Städten Bielefeld und Rostock und zu unseren Fußballvereinen und kamen aus absoluten Underdog-Situationen nach oben", sagt Casper.

Neues Album. Von Aufrichtigkeit und Rückgrat in einer unehrlichen Gesellschaft soll das sechste Album der New Yorker Band erzählen. Ein wichtiger Teil des neuen Albums ist das Artwork. So zeigt das Cover eine Fotografie des US-Justizministers Elliot Richardson, der 1973 bei einer Pressekonferenz seinen Rücktritt erklärte, nachdem er Anweisung Präsident Nixons ignorierte den Verfassungsrichter und Sonderermittler Archibald Cox zu entlassen, der damals die Ermittlungen im Watergate-Skandal gegen Tricky Dick leitete. Das Bild zeigt Richardson als einsamen und isolierten Menschen, in einer künstlich wirkenden Umgebung. Das Bild ging damals um die Welt. "Marauder" handelt in vielen Teilen von Aufrichtigkeit und davon Rückgrat zu beweisen, weshalb das Foto perfekt zum Thema des Albums passt.Entstanden sind die neuen Songs im New Yorker Proberaum der Yeah Yeah Yeahs. Produziert wurde das Werk von Dave Fridmann (Flaming Lips, Spoon, MGMT und Mogwai). Angeblich soll der neue Sound Rock mit 80er-Jahre-Funkeinflüssen verbinden. Zudem sollen die Songs sehr viel biographischer als früher sein.

Als geniale Adepten und Talente bombastischen Songwritings wären die Brüder Brian und Michael D’Addario in den 70ern wohl Superstars geworden. Das 2te Album ist ein opulent produziertes Musical in 15 Kapiteln, das die überaus skurrile Coming of Age-Story eines Schimpansen erzählt. Mit den Mitteln des verspielten Glamrock, den weitgefassten Gimmicks des Orchesterpops, der den seligen Phil Spector wieder auferstehen lässt und mit den leicht versponnenen Mitteln der eigenwilligen Arrangierung entsteht so ein dichter, kaum greifbarer Songzyklus, der das Beste von Bowie zu "Ziggy Stardust"-Zeiten und Queen in den Mitt-70ern, mit Softrock und melodieseligen Pianopop zu einer farbenfrohen Palette exaltierter Psychedelik verbindet. Seelenbrüder von Foxygen, die schon das Debüt produzierten.

Die Truppe aus Austin, Texas ist spielerisch wie der helle Wahnsinn unterwegs hier, der Drummer ist Dynamit und der Gitarrist ein Retro-Riffmaster, dazu auch noch Bass und Orgelei, etwas Saxofon und fesselnder Gesang in Phil Lynott-Tradition. Auf ihrem 7ten Album klingen sie manchmal so so, als ob Brant Bjork und die Black Keys mit einem Space-Shuttle durch eine mit knalligen Farben colorierte Wüste flitzen, an dessen Antrieb sich King Gizzard drangehängt haben. Denn die Energie des rhythmischen Unterbaus ist enorm. Sie sind in statischer Aufgeladenheit unterwegs zwischen Glamrock und Acid-Power-Blues, garnieren ihre Songs mit kurzen Knallerbreaks und laufen über überraschende Bridges. Die Retro-Fahne schwenken sie mit möderischer Groovigkeit, schlitzohriger Virtuosität, kosmischer Attitüde und einer unfassbaren Spielfreude.

Vinyl-Release am 5. Oktober 2018!

Produzent, Multi-Instrumentalist, Komponist, Sänger und Songwriter Devonté Hynes kehrt mit seinem vierten Album als Blood Orange zurück. Negro Swan erscheint am 24.08.2018. In England aufgewachsen, begann Hynes als Punk in der britischen Band Test Icicles, bevor er zwei orchestrale, akustische Pop-Platten als Lightspeed Champion veröffentlichte. Im Jahr 2011 veröffentlichte er Coastal Grooves, das erste von drei Soloalben unter dem Namen Blood Orange. Sein letztes Album Freetown Sound das sehr persönliche Dokument eines Lebens als Schwarzer in Amerika, wurde 2016 von der Kritik gefeiert und sah Hynes als eine der bedeutendsten musikalischen Stimmen seiner Zeit. Vergleiche zu Kendrick Lamar und D'Angelo wurden gezogen.

Distortion-Klangbäder treffen auf engelsgleiche Stimmen, die in Manier der Dream-Pop/Shoegazer-Bands der frühen 90er oft auch zweistimmige Flächigkeit verbreiten. Vom verzerrten Klang der Shoegazergitarren und einem ein bisschen an die Pixies erinnernden Bass leben die Songs, die aus einer düsteren, zweifelt-verzweifelten Welt nach dem Licht zu streben scheinen. Die aus Philadelphia stammende Band knüpft aber auch bei Songs wie "Us/We/Are" beim 90s-Alternative-Rock der Smashing Pumpkins an, wenn sie zwischen akustischen und vollverzerrten Parts hin und her wechseln oder sie tauchen in dunkle Regionen zwischen Post-Punk und New Wave. Immer präsent innerhalb aller Songs ist die apokalyptisch schöne Wall of Sound-Gitarrendistortion im Kontrast zu den schwebenden Vocals und einer gewissen Pixies-Melodik. Ihr eindrucksvollstes Album, von John Agnello produziert.

Der isländische Komponist und Multiinstrumentalist widmet sich mit seinem neuen Album einem weiteren Herzensprojekt. In den letzten Jahren arbeitete er an einer technischen Neuerung, entwickelte und perfektionierte zwei selbstspielende Klaviere die durch eine eigens entwickelte Software gesteuert werden: Beide Klaviere werden durch ein Drittes, an dem Arnalds sitzt, angesteuert und ergänzen die Musik. Dadurch eröffnen sich dem Hörer noch nie erlebte musikalische Eindrücke und ein gleichzeitig dichtes und differenziertes Klangbild. Das Album beinhaltet auch eine Zusammenarbeit mit dem britischen Sänger und Produzenten SOHN.

Fünf Jahre nach der Veröffentlichung von “Black Pudding“ haben sich die beiden Ausnahmekünstler erneut zusammengetan und präsentieren nun 12 neue Songs. Während beim Debütwerk noch die Gitarre im Fokus der Aufnahmen stand und die Melodien um das Saitenspiel Garwoods kreisten, hat das neue Album einen anderen Ansatz. Es kommt reduzierter daher, definiert sich durch die Zwischenräume der Klänge und gewinnt so noch mehr Intensität durch Simplizität. Der Sound des Albums ist dennoch kraftvoll, düster und staubig.
Es scheint fast so, als hätten die beiden das Album nicht in LA, Pasadena und Joshua Tree aufgenommen, sondern irgendwo in einem Studio aus den 60er Jahren, während draußen gerade die Apokalypse wütet.

“Save Me“ heißt der Opener des Albums und ist gleichzeitig auch der erste audiovisuelle Vorbote.